“Tableaux Éclatés” de Niki de Saint Phalle na Salon 94

Neste mês de abril, o Salon 94 apresenta a segunda exposição individual da artista franco-americana Niki de Saint Phalle, exibindo cinco obras de sua série tardia Tableaux Éclatés, exibida pela primeira vez em sua retrospectiva no Musée d’Art Moderne de Paris em 1993. Os dinâmicos Tableaux Éclatés (“Pinturas Explosivas”) são quadros vibrantes e mecanizados que retratam paisagens nas quais animais e naturezas-mortas, bem como suas famosas Nanas, dançam por praias, desertos e mares. A composição de cada pintura é animada através de uma intrincada armação motorizada ativada por um sensor de foto: quando a obra reconhece um espectador, os motores internos acionam o movimento dos elementos dispersos da obra ou iluminam a cena com brilhantes lâmpadas elétricas.

As icônicas Nanas dos anos 1960 de Saint Phalle, mulheres emancipadas cujos corpos esbeltos e trajes coloridos professam uma afirmação lúdica, assertiva e feminista em oposição às odaliscas passivas comuns na arte ocidental, são as protagonistas dos Tableaux Éclatés. Outras obras são ricas em símbolos artísticos históricos: o crânio e as flores em “Acordei Na Noite Passada” (1994) lembram as pinturas vanitas dos mestres antigos europeus que retratam os prazeres fugazes da vida terrena – embora a interpretação de Saint Phalle seja inovadora por remixar a natureza morta como uma cena em movimento perpétuo. Após a morte de seu marido, o artista suíço Jean Tinguely, em 1991, e o desenvolvimento de seus próprios problemas de saúde, Saint Phalle também buscou respostas sobre a vida após a morte em várias religiões. Ela se encantou com a história da divindade hindu Ganesh, que viveu após a decapitação e passou a representar o renascimento diante das adversidades. A espiral – um tema recorrente na vida da artista e talvez o símbolo mais antigo conhecido dos ciclos de nascimento e morte da vida – encontra rotação eterna na barriga de “La Déesse Noire” (1993), cujo útero é um tesouro dourado e empresta sua forma dos menores filamentos de DNA à imensidão das galáxias, bem como as bobinas de seu amigo Alexander Calder – e, é claro, os motores de Tinguely.

O retorno de Saint Phalle aos Estados Unidos e suas diversas paisagens também encontra forma nessas obras. Ela visitou e retratou os desertos da Califórnia e do Arizona, usando esses locais para criar cenas fantásticas povoadas por criaturas reais e imaginárias. Em “O Tesouro do Deserto de Borrego” (1994), baleias, golfinhos e Nanas nadam em um vasto oceano azul enquanto um sol luminoso nasce e se põe continuamente. O pico da montanha central e a vida marinha em primeiro plano se rearranjam de maneiras tanto lúdicas quanto ameaçadoras. Essa representação da frágil harmonia entre a vida selvagem e a humanidade aponta para a crescente consciência da artista sobre a destruição ambiental e a vulnerabilidade de toda vida. Ela também produziu uma série de impressões com essa imagética, que estão em exibição na exposição. De fato, a mudança de Saint Phalle para La Jolla, Califórnia, em 1993, foi resultado da luta da artista contra uma debilitante doença respiratória; o ar do oceano Pacífico a revigorou, e ela manteve uma prática ativa nos nove anos seguintes. Em “O Tesouro do Deserto de Borrego”, a montanha se abre para revelar uma das Nanas originais da infância de Saint Phalle em Nova York: a Estátua da Liberdade, o símbolo prototípico da liberdade encarnado na figura de uma mulher.

Inspirada na prática dos Méta-relevos cinéticos de Tinguely, Saint Phalle adotou o movimento dinâmico em sua própria obra. Ela inventou novas estratégias para animar pinturas em relevo bidimensionais, assim como fez anteriormente quando mirou seu rifle em telas em seus Tirs (“pinturas de tiro”) do início dos anos 1960. Ela novamente encontrou uma maneira de ir além dos limites do meio, fazendo a estrutura explodir e fragmentar e depois se reagrupar através da introdução de movimento inesperado: ser reunida. A série Tirs viu a criação espetacular da artista de uma pintura ao atirar com uma arma na tela, criando composições ao explodir recipientes de tinta escondidos em eventos que evoluíram em sua natureza performativa. Quarenta anos depois, com os Tableaux Éclatés, ela revisitou a performance, desta vez na obra, permitindo a Saint Phalle revelar de maneira encantadora narrativas dinâmicas e complicadas enquanto metaforicamente lidava com a imensa perda de seu parceiro.

Juntando-se aos Tableaux Éclatés está a fonte de Saint Phalle, “La femme et L’oiseau fontaine” (1967-1988), instalada pela primeira vez no interior após sua estreia nos EUA na retrospectiva da artista no MoMA PS1 em 2021. Cheia de água jorrante, uma Nana de maiô equilibra-se, braços estendidos em proclamação alegre, sobre um pássaro cujas asas refletem seu gesto de abraço aberto. “La femme et L’oiseau fontaine” segue o compromisso de Saint Phalle com a arte pública, especificamente fontes, a mais famosa das quais, “Fontaine Igor Stravinsky” (1983), recebe os visitantes do Centre Pompidou, em Paris.

Esta exposição é organizada em colaboração com a Fundação de Arte Beneficente Niki.