Depois de te levar para passear pelos acervos do MASP, MoMA e do Louvre no mês de maio, o ARTEQUEACONTECE volta com listas especiais de obras que estão em acervos de alguns dos principais museus pelo mundo e que você não pode deixar de ver se um dia for visitá-los. Hoje vamos voltar à cidade de Nova Iorque para fazer uma visita a obras que dizem bastante sobre o que você vai encontrar ao visitar o Metropolitan Museum of Art, carinhosamente chamado pelos mais íntimos de Met.
Antes de tudo, saiba que você pode acessar a coleção na íntegra de forma virtual, podendo consultar informações sobre as obras, clicando aqui. Lá, algumas obras também vêm acompanhadas de um áudio explicativo, narrado por especialistas, para que você possa se aprofundar ainda mais sobre os trabalhos.
Agora, saiba que escolhemos aqui duas dezenas de trabalhos que mostram vários aspectos da instituição, desde uma arte “clássica padrão”, como uma pintura de Degas e Manet, até uma peça de roupa de origem indígena da América do Norte a um exemplar de livro de artista brasileiro, passando por ícones da arte contemporânea, como El Anatsui e Robert Rauschenberg.
Nos últimos meses, vimos uma série de museus venderem obras preciosas de suas coleções para conseguir superar a crise financeira causada pela pandemia. O “x” desta questão é que essas obras geralmente vão para coleções privadas, ficando longe da vista do público. Importante, portanto, aproveitar enquanto podemos apreciar vários trabalhos incríveis de pertinho.
Confira abaixo quais são essas 20 obras bastante estimadas!
Edgar Degas, Dancing Class, 1870
Esta é a primeira representação de Degas de uma aula de dança. Como o artista ainda não tinha privilégios de ir aos bastidores da Opéra de Paris, seus modelos vieram ao seu estúdio para posar. Essas sessões renderam muitos grandes desenhos de estudo, que Degas posteriormente adaptou para outras composições. No final da década de 1870, ele explicou: “Eu pintei tantos desses exames de dança sem tê-los visto que tenho um pouco de vergonha disso”.
Diane Arbus, Child with a toy hand grenade in Central Park, N.Y.C. 1962
Uma imagem icônica que incorpora a estranha tensão entre tolice infantil e violência primária, esta se tornou uma das fotos mais famosas da história do meio. A transição histórica da América do isolacionismo complacente da década de 1950 para a turbulência sociopolítica que surgiria no final dos anos 1960 e 1970 parece ferver sob a superfície dessa imagem, ressaltando a presciência de Arbus e a compreensão intuitiva de seu tempo.
Paul Cézanne, Bathers, 1874–1875
Esta é uma das primeiras pinturas de banhistas de Cézanne, um assunto que o envolveu para o resto de sua carreira. Embora fascinado pela figura humana nua, o artista trabalhou lentamente e se incomodou com modelos femininas, então ele derivou essas cenas de sua imaginação e seu rico conhecimento da arte clássica e renascentista. As poses rítmicas das mulheres, exibindo seus corpos de diferentes ângulos, reaparecem, com variações, na obra posterior de Cézanne. No entanto, ele logo moderou a paleta de cores vibrante e sofisticada, preferida por seus colegas impressionistas.
Faith Ringgold , Street Story Quilt, 1985
Neste tríptico, Ringgold combina linguagem e imagens para estruturar sua narrativa complexa e fantástica de sobrevivência e redenção ambientada em um prédio de apartamentos no Harlem. Em 1983, Ringgold havia mergulhado em uma nova forma de arte, colchas de história, que parecia uma progressão natural de sua pintura, escultura em tecido e arte performática. Com colchas de histórias, esta artista ativista – preocupada ao longo de sua carreira com questões de feminismo e raça – cria uma nova expressão que reconhece a história cultural e pessoal. Artes domésticas – costura, quilting, tecelagem – há muito são associadas às mulheres, e quilting reflete as tradições folclóricas (e as lutas e realizações) das mulheres negras. Para Ringgold, o fato de sua mãe ser costureira e estilista adiciona outra camada evocativa de significado e história a um meio já carregado. A narrativa também – a expressão da narrativa – carrega referências densas com lendas, contos e até piadas associadas à vida da comunidade afro-americana e à história oral.
Auguste Rodin, Honoré de Balzac, 1891
Rodin fez vários estudos preparatórios para criar uma homenagem a Balzac, encomendada pela Société des Gens de Lettres. À medida que a cabeça evoluía de um retrato real para o rosto enorme, áspero e semelhante a uma máscara da versão final, Rodin fez várias viagens a Tours, onde Balzac havia morado. Lá, ele esperava encontrar homens com características faciais semelhantes às de Balzac para servir de modelo para o retrato do autor. Esta terracota original representa um dos modelos, um homem chamado Estager, que Rodin identificou como o “Maestro de Tours”.
Anselm Kiefer, Winter Landscape, 1970
A contemplação de paisagens selvagens ou “sublimes” era uma marca registrada da produção de quadros da era romântica, e a própria terra servia como um poderoso símbolo do corpo nacionalista alemão e de seu domínio, promovido durante o período nazista sob o slogan Blut und Boden (Sangue e Solo). Nesta aquarela, no entanto, a terra foi arada rudemente e coberta com neve, e as árvores sobressalentes no fundo emprestam um tom desolador à cena. A cabeça sem corpo de uma mulher ergue-se acima do campo, manchada com aquarela vermelho-sangue; este mártir é uma personificação da terra, agora manchada pelos acontecimentos da história humana.
Édouard Manet, A família Monet no seu jardim em Argenteuil, 1874
Em julho e agosto de 1874, Manet passou férias na casa de sua família em Gennevilliers, do outro lado do Sena de Monet em Argenteuil. Os dois pintores se viram com frequência naquele verão e, em várias ocasiões, Renoir se juntou a eles. Enquanto Manet pintava este quadro de Monet com sua esposa Camille e seu filho Jean, Monet pintou Manet em seu cavalete (local desconhecido). Renoir, que chegou no momento em que Manet estava começando a trabalhar, pegou tintas, pincéis e telas emprestadas, posicionou-se ao lado de Manet e pintou Madame Monet e seu filho (National Gallery of Art, Washington, D.C.).
Louise Bourgeois, Eyes, 1982
Eyes é uma grande escultura de mármore que mostra a persistência da iconografia surrealista em seus últimos trabalhos. O olho, um motivo recorrente no surrealismo, servia tanto como um símbolo para o ato de percepção quanto como uma alusão à anatomia sexual feminina. Empoleiradas no topo de um bloco de mármore maciço esculpido em vários lugares para se assemelhar a uma casa (um tema recorrente em seu trabalho) estão duas bolas redondas altamente polidas com uma abertura circular entalhada em cada centro. Como unidade, eles sugerem uma cabeça abstrata ousada, um torso feminino ou o casamento simbólico da mulher com o lar e a família.
Robert Rauschenberg, Winter Pool, 1959
Winter Pool foi primeira pintura de Rauschenberg a entrar na coleção do Met, é um excelente exemplo de um período muito importante no trabalho deste artista altamente inventivo e influente – de meados dos anos 1950 ao início dos anos 1960 – quando ele criou objetos ousados que eram um híbrido da pintura e escultura e uma reinvenção da colagem. Ele os chamou de Combines. Na colagem cubista, papéis colados resultam em uma imagem legível, como uma natureza morta. Com Combines, não há narrativa e a interpretação é deixada para o espectador.
Jacob Lawrence, Pool Parlor, 1942
Em 1942, Lawrence, de 25 anos, ganhou reconhecimento nacional quando o Museum of Modern Art de Nova York e a Phillips Collection, Washington, DC, compartilharam a aquisição de sua série de sessenta painéis Migration of the Negro e a enviaram uma turnê de quinze locais pelos Estados Unidos. Mais tarde naquele ano, o Metropolitan Museum comprou sua primeira obra do artista, Pool Parlor, vencedor do concurso “The Artists for Victory”. Pintado com as formas planas características de Lawrence, linhas angulares e uma paleta vibrante, o trabalho retrata um salão de bilhar do Harlem. Homens em poses exageradas, contrastes dramáticos de claro e escuro e o zigue-zague da fumaça do cigarro contribuem para a cena animada.
Susan Rothenberg, Galisteo Creek, 1992
Galisteo Creek foi inspirado por uma caminhada ao longo do riacho que passa perto de sua casa. Nesta vista aérea, os cães do artista correm pelo riacho branco e curvado enquanto corvos negros voam acima, impenetráveis ao cadáver apodrecido de um bezerro deitado à direita da água.
O autorretrato de Labille-Guiard com seus alunos Marie Gabrielle Capet e Marguerite Carreaux de Rosemont é uma das imagens mais notáveis da educação artística feminina no início da Europa moderna. Em 1783, quando Labille-Guiard e Elisabeth Vigée Le Brun foram admitidos na Académie Royale, o número de mulheres artistas elegíveis para filiação foi limitado a quatro. Esta tela, exibida com grande sucesso no Salão de 1785, tem sido interpretada como um meio de defender sua causa. Como na maioria dos autorretratos dos artistas do século XVIII, Labille-Guiard retratou-se em roupas nada práticas e elegantes. Principalmente um retratista, Labille-Guiard teve patronos especialmente fiéis nas filhas de Luís XV, conhecidas como Mesdames de France.
Esta versão em miniatura achatada de um tipi tradicional foi criada por um guerreiro-artista que a decorou com imagens pintadas de realizações em batalha. Embora a maioria das representações sejam representações genéricas de guerreiros e cavalos, as imagens de encontros com o inimigo no centro superior registram eventos específicos. Durante o início da vida da reserva, as pessoas das planícies criaram objetos como este para venda a militares visitantes, funcionários do governo, professores e missionários.
Gertrude Käsebier, Blessed Art Thou Among Women, 1899
F. Holland Day apresentou Käsebier ao fotógrafo amador e impressor Francis Watts Lee. Käsebier fez este retrato da esposa de Lee, Agnes, e de sua filha Peggy, quase certamente em sua elegante casa em Boston. Uma descrição requintada dos ideais vitorianos de maternidade e feminilidade, reforçada pelo título bíblico e a impressão da Anunciação na parede atrás das figuras, a fotografia também evoca a domesticidade idílica do Movimento Arts and Crafts. Stieglitz publicou a fotografia em Camera Notes (julho de 1900) e na primeira edição de Camera Work (janeiro de 1903), que foi dedicada ao trabalho de Käsebier. Em 1906, ele incluiu esta impressão em uma exposição da obra de Käsebier e Clarence White em suas Pequenas Galerias da Fotossecessão, inauguradas no ano anterior.
Jean Dubuffet, Woman Grinding Coffee, 1945
Conhecido por imagens crus e infantis que incorporam materiais não convencionais e seu senso de humor irônico, Dubuffet baseou Woman Grinding Coffee em sua esposa, Lily. A pintura tem pouca semelhança com ela; Dubuffet achatou a cabeça e alargou o corpo para preencher a composição com sua figura frontal. Sua forma é recortada contra um fundo sombrio, que na verdade é um relevo construído com fezes, protuberâncias e sulcos em uma substância que Dubuffet descreveu como “terra fermentada pela água”. A abordagem exemplifica seu conceito de art brut (arte bruta), ou seja, arte produzida por não profissionais que trabalham fora das normas estéticas.
Franz von Stuck, Inferno, 1908
O título desta pintura refere-se ao épico medieval de Dante Alighieri sobre uma viagem pelo inferno. Embora Stuck empregasse símbolos tradicionais do submundo – uma cobra, um demônio e um poço em chamas – as cores dissonantes e as poses estilizadas e exageradas são surpreendentemente modernas. Ele projetou a estrutura complementar. As imagens de Stuck provavelmente foram inspiradas em Os Portões do Inferno de Auguste Rodin, particularmente a figura do Pensador (veja trabalhos relacionados nas proximidades). Quando Inferno estreou em uma exposição de arte contemporânea alemã no Met em 1909, os críticos elogiaram sua “brutalidade soberana”. A imagem reforçou a reputação de Stuck como um artista visionário sem medo de explorar o lado negro da psique.
Aloisio Magalhaes, Doorway to Brasilia, 1959
“Doorway to Brasilia” é um livro experimental planejado e impresso na “Falcon Press” em Filadélfia, Pensilvânia, Estados Unidos da América usando o sistema de litografia foto-offset, como forma de arte.
Da mesma maneira que “Doorway to Portuguese” (que também tem um exemplar no Met), publicado em 1957, este livro é o resultado da colaboração e esforço do artista brasileiro Aloisio Magalhães e do artista e impressor americano, Eugene Feldman. O processo de impressão escolhido, obrigou o emprego contínuo de tonalidades negativas, abandonando-se o clássico sistema quadriculado ou de meio-tons. Estas páginas representam um teste de exposição controlada de placas de offset em alumínio e da capacidade das mesmas, de fixarem outras tonalidades além do preto. Diversas experiências foram realizadas, usando-se placas feitas do mesmo negativo, cada uma com um progressivo aumento de exposição. As placas de tonalidades mais fortes, foram impressas em cores claras; as de tonalidades médias em cinzento e as de tonalidades claras, em preto. É opinião dos seus planejadores, que este processo só tem limites nas fronteiras da imaginação e talento criadores dos artistas que o escolheram e o desenvolveram. Brasília, a nova capital do Brasil, foi escolhida como motivo deste livro, pelo que sugere à imaginação — uma cidade pioneira, com formas expressivas e uma vitalidade que é, ao mesmo tempo, atual e eterna.
Georgia O’Keeffe, A Storm, 1922
A Storm é um pastel suntuoso que captura a visão incrível de uma tempestade elétrica violenta sobre a água. O’Keeffe criou um contraste chocante entre o azul pastel profundo da água e do céu, borrado e aveludado, e o raio agudo e angular de um raio vermelho delineado em amarelo. Esta cena dramática, que ela provavelmente testemunhou no Lago George, inclui o aparecimento surpreendente de uma lua cheia refletida no lago no canto inferior esquerdo. Embora os pastéis de O’Keeffe tenham sido exibidos com frequência durante as décadas de 1920 e 1930, eles representam um aspecto menos familiar de sua obra.
El Anatsui, Between Earth and Heaven, 2006
A recente série de trabalhos que “Entre a Terra e o Céu” refere-se às célebres tradições da África Ocidental dos têxteis em tiras, nomeadamente a de Kente desenvolvida por Akan e tecelões Ewe no Gana natal de Anatsui. Esses têxteis tradicionais são, ao mesmo tempo, monumentais em escala e altamente esculturais na maneira como revestem o corpo como vestuário de líderes. A ondulação deste trabalho evoca essa qualidade tátil e seu esquema de cores resplandecentes de ouro, vermelho e preto traduz e transpõe a estética da seda finamente tecida em um metal básico.
Alberto Giacometti, Three Men Walking II, 1949
Giacometti nasceu em uma família de artistas suíços. Seu trabalho inicial foi informado pelo surrealismo e cubismo, mas em 1947 ele decidiu produzir o tipo de escultura expressionista pela qual é mais conhecido. Suas figuras características são extremamente finas e atenuadas, estendidas verticalmente até serem meros fragmentos da forma humana. Quase sem volume ou massa (embora ancoradas em pés inchados e grandes), essas formas esqueléticas parecem sem peso e remotas. Seu estranho sobrenatural é acentuado pelos tons foscos de tinta cinza e bege, às vezes acentuados com toques de rosa ou azul, que o artista aplicou sobre a pátina marrom do metal. As superfícies ásperas, erodidas e fortemente trabalhadas de Three Men Walking II tipificam sua técnica. Reduzidas, como estão, em seu núcleo, essas figuras evocam árvores solitárias no inverno que perderam sua folhagem. Dentro desse estilo, Giacometti raramente se desviava dos três temas que o preocupavam – o homem ambulante; a mulher nua em pé; e o busto – ou os três, combinados em vários agrupamentos.