Exposição em Nova York apresenta arte como impacto social

Arte pode gerar uma mudança social prática? Para os 12 artisas negros com obras expostas na mostra Social Works, na Gagosian, em Nova York, a resposta é sim. Curada pelo escritor e crítico Antwaun Sargent, novo diretor da galeria, a coletiva reúne trabalhos recentes ( a maioria produzida no último ano desafiador) de artistas que são ativamente engajados com suas comunidades por meio de esforços como bancos de alimentos, orientação e revitalização de bairros. A ideia é a relacionar entre a prática social e o espaço – pessoal, público, institucional e psíquico – , afirmando a urgência de usar a cultura como ferramenta para a construção das comunidades empoderadas.

Arte aqui é um ato social. Considerando a história e espaços onde os artistas negros operam, o trabalho não pode se dar ao luxo de apenas “ser”, passifico, na parede. “É realmente sobre as implicações sociais do que significa ser negro neste mundo e mover-se através deste mundo e mover-se através do espaço e tomar espaço e criar espaço e reimaginar o espaço ”, explicou o curador em entrevista para o New York Times.

A instalação 5.000 records, de Theaster Gates, é dedicada ao lendário DJ Frankie Knuckles, o “Padrinho da House Music”, cujos sons pioneiros moldaram a cena da house music dos anos 1980, liderada pela população negra e queer. Uma colaboração com a Rebuild Foundation (organização sem fins lucrativos de Gates sediada em Chicago com foco em arte, desenvolvimento cultural e transformação de bairro), a obra apresenta mais de cinco mil registros do arquivo pessoal de Knuckles, muitos dos quais serão digitalizados enquanto tocam em a galeria.

Titus Kaphar desconstrói representações e estilos existentes, buscando desalojar a história de seu status como “o passado”, a fim de compreender seu impacto contínuo no presente. Em 2015, Kaphar foi cofundador do NXTHVN Fellow, um centro de artes sem fins lucrativos em New Haven, que oferece bolsas, residências e oportunidades de desenvolvimento profissional para artistas, curadores e estudantes. Na exposição, apresenta A bitter trade – ao lado da pintura, há uma seleção de diversas obras de cinco artistas, todos ex-NXTHVN Studio Fellows, que sugerem visões frescas sobre o uso do espaço pelo corpo negro.

Ao longo de sua carreira de cinquenta anos, que inclui a abertura de Just Above Midtown, uma das primeiras galerias em Nova York a trabalhar com foco nos artistas de cor, em 1974, Linda Goode Bryant criou Are we really that different? , uma instalação com uma fazenda operacional e um vídeo, destacando as relações simbióticas, e muitas vezes parasitárias, entre os humanos e a natureza que surgem no mundo industrial moderno. Os vegetais são colhidos na galeria, montados nas paredes e disponibilizados gratuitamente aos visitantes.

Rick Lowe, que fundou a plataforma comunitária baseada em arte Project Row Houses, em Houston, traz sua abordagem ao compromisso social para uma nova série de telas que homenageia o massacre de Tulsa, Oklahoma, em 1921, e celebra a resiliência dos sobreviventes que reconstruíram sua cidade natal do zero.

Conhecido por seu uso magistral de luz, sombra e espaço, David Adjaye aborda a arquitetura como uma forma de promover acessibilidade inclusiva e refletir sobre os legados humanos embutidos no passado construído. Asaase é um labirinto de paredes de barro que sobem até um vértice cônico, fazendo referência a obras históricas da arquitetura da África Ocidental, como o complexo real de Tiébélé, em Burquina, e a cidade murada de Agadez, em Niger.

Zalika Azim explora narrativas pessoais e coletivas para investigar efeitos maiores da memória, linhagem e pertencimento. Tecendo a palavra escrita – materialmente e conceitualmente – em desenhos intrincados, Kenturah Davis sublinha o papel fundamental que a linguagem desempenha na formação da identidade pessoal e pública. Já as pinturas alegóricas oníricas de Alexandria Smith visualizam os muitos papéis não ditos, contradições e incertezas impressos no corpo feminino negro.

Nas séries fotográficas Roaming e Museums, de Carrie Mae Weems, a artista – usando um vestido preto esvoaçante e de costas para a câmera – aparece em vários locais: palácios romanos, caminhos rústicos e fachadas de museus imponentes.Poéticas e carregadas de emoção, as imagens meditam sobre os “edifícios de poder” que racializam, sexualizam e confinam o corpo humano.