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SUMMARY:"Guillermo Kuitca\, Chapelle" no Musée Picasso Paris
DESCRIPTION:Guillermo Kuitca. Chapelle\, 2024. Cortesia do Musée Picasso Paris.\n  \nA convite do Museu Nacional Picasso-Paris\, o artista argentino Guillermo Kuitca (n. 1961) criou uma obra site-specific na capela do Hôtel Salé. Desde sua intervenção na Bienal de Veneza em 2007\, Kuitca desenvolveu uma nova linguagem\, ecoando a arquitetura\, que o artista chama de “pintura cubistoide”\, na qual um conjunto de linhas que se cruzam\, como tantas dobras no plano\, é implantado diretamente nas paredes\, formando um novo espaço pictórico. Kuitca descreve seu lugar no “carrossel da arte moderna”: \n“Há muitos anos\, pintei quadros mostrando uma esteira rolante de bagagens. Acredito que a história da arte era o verdadeiro tema dessas pinturas. A arte seria esse carrossel; a obra de arte\, uma bagagem\, e os artistas\, passageiros. Enquanto esperamos por nossa bagagem\, nos fazemos uma série de perguntas: ‘Minha mala chegará e serei capaz de reconhecê-la entre outras semelhantes? E se eu pegasse a mala de outra pessoa\, estaria usando as roupas dela? Minha bagagem será destruída para sempre?’ Para mim\, essas perguntas são uma meditação sobre a herança. Elas também vislumbram um possível encontro com Picasso\, como se ele fosse\, afinal\, mais um passageiro.” \nPara Kuitca\, a pintura tem memória. Por meio desses experimentos\, ele se conecta com a história da arte moderna\, invocando o cubismo como o traço de um movimento que opera como uma difração da realidade\, a construção de um espaço imaginário. Esta instalação site-specific foi generosamente apoiada pela galeria Hauser & Wirth. \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n 
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LOCATION:Musée Picasso Paris\, 5 rue de Thorigny\, Paris\, França
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SUMMARY:"In-situ Works" no Bourse de Commerce
DESCRIPTION:Ryan Gander. Ever After: A Trilogy (I… I… I…)\, 2019. Cortesia de Bourse de Commerce.\nO desejo de promover um diálogo entre as obras de arte e seu contexto arquitetônico\, natural e urbano é\, de fato\, uma das principais características associadas à identidade dos museus da Coleção Pinault. Em Veneza\, os mármores e tetos pintados do Palazzo Grassi\, e as paredes e vigas de tijolos da Punta della Dogana\, interagem com os reflexos cambiantes da água. Esses elementos não padronizados\, que se poderia suspeitar que interferissem ou mesmo comprometessem a apresentação das obras de arte\, são\, ao contrário\, uma fonte de inspiração para os artistas. O ambiente também proporciona aos visitantes uma experiência artística única e contextualizada\, no “aqui e agora”. \nArtistas participantes: \nRyan Gander \nAutor de uma obra multifacetada\, Ryan Gander (nascido em 1976 em Chester\, Reino Unido) vive e trabalha em Londres. Ele utiliza uma vasta gama de mídias para questionar os mecanismos de percepção de uma obra de arte dentro de uma complexa relação entre realidade e ficção. A maior parte de sua produção explora\, de uma forma ou de outra\, ausência\, perda\, invisibilidade\, latência. Com Ever After: A Trilogy (I… I… I…) (2019)\, Ryan Gander encena um rato animatrônico gago\, aninhado em um buraco na parede\, surpreendendo os visitantes enquanto esperam o elevador. Preso em seu “loop” animado\, esse rato improvável\, condenado a viver ciclo após ciclo da mesma experiência até a exaustão\, nos encoraja a pensar e até mesmo sorrir sobre nossa própria condição. \nMartin Kippenberger \nUm estranho poste de luz fragmentado\, intitulado “Ohne Titel”\, parte de uma série de esculturas criadas em 1989 pelo artista alemão Martin Kippenberger\, entrelaçou-se à arquitetura da Bolsa de Comércio. Reunindo todos os vícios em sua melancolia anti-heroica\, os postes de luz de Kippenberger não apenas são distorcidos pela embriaguez\, mas suas lâmpadas vermelhas conduzem ao “Rotlichtviertel”\, o distrito da luz vermelha. Esses companheiros de perambulações noturnas tornam-se os alter egos do artista. Fiéis à atitude anticonformista de Kippenberger\, como escreve o historiador da arte Dider Ottinger: “Abertos a todas as metamorfoses\, suas convoluções simulam ideais corrompidos\, (…) mimetizam projetos gaguejantes. Uma serpente herética mordendo a própria cauda\, ​​o poste de luz torna-se a imagem de ambições abortadas\, a de um idealismo incurável.” \nPhilippe Parreno \nCom suas tonalidades intermitentes\, este “farol” traduz em código o mítico e inacabado romance homônimo de René Daumal (1908-1944)\, publicado postumamente em 1951. Esta sequência de luzes ilumina o céu parisiense\, traduzindo a história da fantástica e metafísica aventura de Daumal\, que narra a descoberta e a ascensão coletiva de uma montanha que une a terra ao céu. Uma busca sem fim\, uma aventura impossível\, uma metáfora para a arte e sua utopia. Philippe Parreno projetou uma nova versão desta instalação in-situ para a Bourse de Commerce\, retrabalhando e modificando uma de suas peças seminais\, criada originalmente em 2001. Mont Analogue está instalado no topo de um elemento arquitetônico único\, presente no local desde o Renascimento\, quando o edifício serviu como palácio de Catarina de Médici. Esta coluna\, símbolo tanto do poder real quanto da eminência esotérica (segundo a lenda\, os astrólogos da rainha\, notadamente Cosimo Ruggieri e Nostradamus\, observavam as estrelas ali)\, torna-se um farol a partir do qual o artista transmite outra mensagem à cidade. É na forma de um código misterioso que o artista nos convida a descobrir os mundos invisíveis\, possíveis e intangíveis da arte. \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n 
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LOCATION:Bourse de Commerce\, 2 Rue de Viarmes Paris\, Paris\, Paris\, França
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SUMMARY:George Condo no Musee d'Art Moderne de Paris
DESCRIPTION:George Condo\, The Portable Artist\, 1995. Cortesia do Musée d’Art Morderne de Paris.\n  \nA exposição começa com as conexões férteis que o artista construiu com a história da arte ocidental. Em uma galeria que explora os códigos clássicos de um importante museu de Belas Artes\, algumas das obras mais ousadas do artista estão em exposição. Elas demonstram como Condo se apropriou de mestres do passado\, de Rembrandt a Picasso\, de Goya a Rodin\, incorporando-os à sua imaginação exuberante\, repleta de figuras ultrajantes e perturbadoras. \nA sequência continua com um conjunto de obras relacionadas ao Realismo Artificial\, um conceito inventado por Condo para descrever obras que desafiam qualquer cronologia. Criadas em um estilo e utilizando técnicas do passado\, essas obras também tomam emprestado elementos da cultura do grafite (a série Names Paintings\, 1984) ou de imagens de quadrinhos (Big Red\, 1997)\, produzindo um efeito de ambiguidade temporal. \nEsta seção da exposição termina com a exibição conjunta de dois conjuntos de obras em que Condo adota uma abordagem original para reformular a história da arte\, seja por meio da acumulação (a série de Colagens\, de 1986)\, seja por contraste (a série de Pinturas Combinadas\, de 1990 a 1993). \nEm seguida\, uma pausa na apresentação oferece a oportunidade de mergulhar mais profundamente na mente do artista. Um corredor expõe a relação frutífera que Condo cultivou com a literatura\, especialmente suas colaborações com escritores da Geração Beat (William Burroughs\, Allen Ginsberg\, Brion Gysin etc.). Este espaço leva a uma galeria de artes gráficas\, que reúne obras em papel densamente dispostas\, abrangendo toda a produção de Condo\, desde seus primeiros desenhos de infância até seus trabalhos mais recentes em nanquim e pastel. \nA representação da figura humana é um dos temas principais da obra de Condo. O artista se esforça para retratar a complexidade da psique humana por meio de retratos de seres imaginários\, descritos como “humanoides”. Uma seção é dedicada a eles\, primeiro em uma série de retratos individuais do início dos anos 2000 que revisitam os códigos neoclássicos\, e depois\, uma galeria de retratos de grupo (a série Drawing Paintings\, 2009-2012). Esta seção conclui com uma galeria dedicada à série Double Portraits (2014-2015). Ela aborda a dualidade da mente humana e a noção de “cubismo psicológico”\, termo cunhado pelo artista para descrever sua maneira de retratar diversas emoções distintas em um mesmo retrato. \nA última seção principal da exposição explora a relação de Condo com a abstração. Desde o início\, o artista criou obras que beiram a abstração\, como a série Expanding Canvases (1985-1986)\, na qual rabiscos frenéticos espalhados por toda a obra borram a composição. A seção continua com uma exibição de várias séries monocromáticas — brancos (2001)\, azuis (2021 e pretos (1990-2019). Foco especial é dado à série de Pinturas Negras em uma sala imersiva que convida à introspecção. A exposição conclui com obras recentes da série Diagonal (2023-2024)\, revelando a capacidade insaciável do artista de redefinir sua própria linguagem pictórica. \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n 
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LOCATION:Musée d’Art Moderne de Paris\, 11 Av. du Président Wilson Paris\, Paris\, Paris\, França
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SUMMARY:"I dreamt of you in colours" de Otobong Nkanga no Musée d'Art Moderne de Paris
DESCRIPTION:Otobong Nkanga\, Social Consequences V: The Harvest 2022. Musée d’Art Moderne de Paris.\n  \nReunindo instalações emblemáticas\, séries de fotografias\, obras recentes e um grande número de desenhos\, alguns dos quais datam dos primeiros anos de sua carreira e nunca antes expostos\, a exposição oferece um recorte da obra multifacetada de Otobong Nkanga\, abrangendo sua trajetória desde o início até o presente. Ela segue uma genealogia de temas recorrentes (como a extração mineral ou os diversos usos e valores culturais vinculados aos recursos naturais) em um conjunto de obras visuais em constante evolução. Para a ocasião\, a artista reativou algumas obras emblemáticas\, adicionando-lhes novos elementos em uma poética de entrelaçamento site-specific\, criando conexões entre formas\, materiais ou ideias. \nAs obras apresentadas provêm de coleções públicas francesas e internacionais (Castello di Rivoli em Rivoli\, Museu Stedelijk em Amsterdã\, Fundação Beyeler em Basileia\, Henie Onstad Kunstsenter em Sandvika\, M HKA à Anvers\, Centro Pompidou em Paris) e de coleções particulares\, bem como do ateliê da artista. A obra principal From Where I Stand (2015)\, adquirida no banquete de gala dos Amigos do Musée d’Art Moderne em 2022\, também estará em exibição na exposição. \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n 
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