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SUMMARY:"Guillermo Kuitca\, Chapelle" no Musée Picasso Paris
DESCRIPTION:Guillermo Kuitca. Chapelle\, 2024. Cortesia do Musée Picasso Paris.\n  \nA convite do Museu Nacional Picasso-Paris\, o artista argentino Guillermo Kuitca (n. 1961) criou uma obra site-specific na capela do Hôtel Salé. Desde sua intervenção na Bienal de Veneza em 2007\, Kuitca desenvolveu uma nova linguagem\, ecoando a arquitetura\, que o artista chama de “pintura cubistoide”\, na qual um conjunto de linhas que se cruzam\, como tantas dobras no plano\, é implantado diretamente nas paredes\, formando um novo espaço pictórico. Kuitca descreve seu lugar no “carrossel da arte moderna”: \n“Há muitos anos\, pintei quadros mostrando uma esteira rolante de bagagens. Acredito que a história da arte era o verdadeiro tema dessas pinturas. A arte seria esse carrossel; a obra de arte\, uma bagagem\, e os artistas\, passageiros. Enquanto esperamos por nossa bagagem\, nos fazemos uma série de perguntas: ‘Minha mala chegará e serei capaz de reconhecê-la entre outras semelhantes? E se eu pegasse a mala de outra pessoa\, estaria usando as roupas dela? Minha bagagem será destruída para sempre?’ Para mim\, essas perguntas são uma meditação sobre a herança. Elas também vislumbram um possível encontro com Picasso\, como se ele fosse\, afinal\, mais um passageiro.” \nPara Kuitca\, a pintura tem memória. Por meio desses experimentos\, ele se conecta com a história da arte moderna\, invocando o cubismo como o traço de um movimento que opera como uma difração da realidade\, a construção de um espaço imaginário. Esta instalação site-specific foi generosamente apoiada pela galeria Hauser & Wirth. \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n 
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LOCATION:Musée Picasso Paris\, 5 rue de Thorigny\, Paris\, França
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SUMMARY:"Lygia Pape: Weaving Space" no Bourse de Commerce
DESCRIPTION:Lygia Pape. Baseado em “Ttéia 1\, C”\, 2003/2025. Cortesia de Bourse de Commerce.\n  \nA exposição “Lygia Pape. Tecendo o Espaço” é baseada em uma obra importante da Coleção Pinault\, a instalação de luz Ttéia 1\, C (2003/2025). Utilizando fios de cobre esticados pelo espaço\, ela mergulha o espectador em uma imersão sensorial\, onde a obra toma forma e ganha vida de acordo com o ângulo da luz e o movimento do visitante. Esta peça emblemática incorpora plenamente o conceito de “tecer o espaço” da artista brasileira\, redefinindo sua relação com o público. \nEsta primeira exposição individual de Lygia Pape na França reúne obras fundamentais para sua prática\, desde suas primeiras gravuras abstratas até seu majestoso Livro Noite e Dia III (1963-1976)\, além de uma seleção de seus filmes experimentais. Imbuída do contexto sociopolítico brasileiro\, a obra de Lygia Pape reflete um profundo compromisso com a transformação social\, no qual a fronteira entre arte e vida é constantemente reinterpretada. “Tecendo Espaço” presta homenagem ao seu desejo de criar uma nova forma de engajamento para o espectador\, ao mesmo tempo em que reinventa a própria linguagem da arte. \nNascida em 1927 em Nova Friburgo e falecida em 2004 no Rio de Janeiro\, Lygia Pape é\, ao lado de Lygia Clark e Hélio Oiticica\, uma das figuras mais importantes da vanguarda artística brasileira da segunda metade do século XX\, que concebe a arte não como um objeto acabado\, acabado\, mas como uma presença sensorial que interage com os sentidos e a consciência do visitante. \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n 
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LOCATION:Bourse de Commerce\, 2 Rue de Viarmes Paris\, Paris\, Paris\, França
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SUMMARY:"Michel Paysant: See Monet" no Musée de l’Orangerie
DESCRIPTION:Michel Paysant. Sakura Noir\, 2024. Cortesia do Musée de l’Orangerie.\nO projeto\, intitulado DALY\, sigla para Dessiner Avec Les Yeux (Desenhando com os Olhos)\, é implementado com a ajuda de um rastreador ocular (um procedimento oculométrico que destaca a atividade ocular\, o caminho visual\, seus pontos de fixação e movimentos). Assim\, o olho\, e não a mão\, torna-se a ferramenta. Nos últimos trinta anos\, o artista colaborou com diversos laboratórios na criação dessas obras\, incluindo o Louvre\, o Centro Pompidou\, o MUDAM em Luxemburgo\, o Zentrum Paul Klee em Berna\, o Museu Dadu em Pequim\, o Nouveau Musée National em Mônaco e o Centre d’Art Verrier (CIAV) em Meisenthal. \nMichel Paysant concentra-se\, em particular\, na interpretação do patrimônio artístico\, revisitando a história da arte\, “observando” obras através do filtro de sua própria criação. Em 2022\, foi tomado pelo desejo de desenhar os Nenúfares de Claude Monet com os olhos. \nInicialmente\, talvez\, pela natureza paradoxal de tal ambição: querer desenhar pinturas enormes\, caracterizadas por seu escopo\, pela ausência de começo e fim\, consideradas no Ocidente como uma das certidões de nascimento de uma forma de pintura descentralizada\, “all-over”\, onde nenhuma parte da pintura tem primazia sobre a outra. \nOs movimentos oculares do artista transcrevem seu “cinema interior”\, ao qual ele então confere forma tangível. Desenhos em papel feitos com a ajuda de um plotter\, luzes criadas a partir de pontos de fixação do olhar no momento em que o artista descobre o painel Reflexos Verdes de Monet\, os pensamentos de Paysant desenham a obra em papel e tela\, objetos polimorfos onde as interações entre técnicas tradicionais e alta tecnologia redefinem o papel do observador\, da mão e do artista.A cultura da interdisciplinaridade está no cerne da sua imaginação: “as pontes que tento imaginar conectam arte\, design\, artesanato\, técnica\, novas tecnologias e alta tecnologia. Nem documentário nem ficção\, o objetivo é desenvolver uma estética do sonho\, uma visão. A revolução digital pareceu-me oferecer uma oportunidade de conectar todos esses campos em uma linguagem comum. Minha formação em inglês (sou um produto puro do Royal College of Art em Londres) moldou essa atitude interdisciplinar. É a razão pela qual evoluí tão livremente nas ciências exatas (nanotecnologias\, neurociências\, etc.) e nos projetos de pesquisa que desenvolvo com vidreiros (em Meisenthal)\, ceramistas e tecelões (no Zimbábue) […] O pensamento de um artista deve ir de uma margem à outra. Sem tabus ou especialização. A arte não tem nada a provar. Ela só precisa nos surpreender\, expandir o mundo e continuar a nos desnortear.” \nMichel Paysant expõe seu trabalho em museus há mais de trinta anos\, incluindo o Centro Pompidou\, o Museu do Louvre\, o Museu de Arte Moderna de Paris\, o Museu de Artes Decorativas de Paris\, o Museu Central em Utrecht\, o Zentrum Paul Klee em Berna\, o MUDAM em Luxemburgo\, a Galleria d’Arte Moderna em Bolonha\, o Museu Nacional de Artes Visuais em Montevidéu\, a Galeria Nacional do Zimbábueem Harare\, o MACBA em Buenos Aires\, o Nouveau Musée National em Mônaco\, o Museu Nacional em Riad e a UCCA em Pequim\, bem como em centros de arte como o Brooklyn Bridge Space / Creative Time em Nova York\, a Mercer Union em Toronto\, a David Roberts Art Foundation em Londres\, o Bétonsalon à Paris\, a Sinagoga emDelme e o FRAC Picardy em Amiens… \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n 
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LOCATION:Musée de l’Orangerie\, Jardin Tuileries Paris Département de Paris\, Paris\, Paris\, França
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SUMMARY:"Berthe Weill: Art dealer of the Parisian Avant-garde" no Musée de l’Orangerie
DESCRIPTION:Raoul Dufy. 30 ans ou la Vie en rose\, 1931. Cortesia do Musée de l’Orangerie.\nEm 1901\, Berthe Weill abriu uma galeria na Rue Victor-Massé\, 25\, no bairro de Pigalle. Ela optou por se relacionar com artistas de sua época\, ajudando-os a se destacarem e contribuindo para o desenvolvimento de suas carreiras\, apesar de seus recursos limitados. Alguns dos maiores nomes da arte de vanguarda estavam entre eles\, juntamente com outros menos conhecidos hoje. Com entusiasmo e perseverança inabaláveis\, ela foi sua porta-voz e os apoiou por quase quarenta anos\, até o fechamento de sua galeria em 1940\, no contexto da guerra e da perseguição aos judeus. Em 1933\, publicou suas memórias de três décadas de atividade sob o título “Pan! Dans l’œil…” (“Pu! Bem no Olho”)\, uma obra pioneira neste gênero literário. \nNo entanto\, o nome de Berthe Weill\, que quase caiu no esquecimento por um tempo\, ainda não brilhou no firmamento dos negociantes de arte\, onde Daniel-Henry Kahnweiler\, Paul e Léonce Rosenberg\, Ambroise Vollard e Paul Guillaume ocupam um lugar de destaque. \nA exposição\, organizada pelo Museu de Arte Grey\, em Nova York\, pelo Museu de Belas Artes de Montreal e pelo Museu de l’Orangerie\, em Paris\, visa destacar um capítulo ainda pouco conhecido da história da arte moderna. No início do século\, Berthe Weill se comprometeu a apoiar artistas sob o lema “Place aux jeunes” (Abram caminho para os jovens)\, que estava impresso em seus cartões de visita. De Picasso (cujas obras ela ajudou a vender antes mesmo da abertura de sua galeria) a Modigliani (cuja única exposição individual em vida ela organizou em 1917)\, ela participou do reconhecimento do fauvismo\, apresentando regularmente exposições de obras do grupo de alunos de Gustave Moreau reunidos em torno de Matisse. Um pouco mais tarde\, ela se envolveu com os cubistas e os artistas da Escola de Paris em batalhas pela arte e pelo surgimento de suas novas formas\, bem como contra o conservadorismo e a xenofobia. Apesar das vicissitudes da fortuna\, seu interesse por jovens artistas nunca vacilou e ela foi feroz em sua defesa de figuras muito diferentes\, algumas das quais não pertenciam a nenhum movimento específico\, dando-lhes uma chance organizando uma ou mais exposições. Ela também promoveu uma série de artistas mulheres\, sem preconceito de gênero ou escola\, de Émilie Charmy\, cujo trabalho ela expôs regularmente de 1905 a 1933 e a quem ela descreveu como uma “amiga de uma vida inteira”\, a Jacqueline Marval\, Hermine David e Suzanne Valadon\, que era muito conhecida do público na época. Em 1951\, ano de sua morte\, ela havia apresentado mais de trezentos artistas nos quatro endereços sucessivos de sua galeria: 25 Rue Victor-Massé; 50 Rue Taitbout de 1917; 46 Rue Laffitte\, de 1920 a 1934\, e finalmente 27 Rue Saint-Dominique. Ela organizou centenas de exposições até o fechamento definitivo de sua galeria em 1940. \nEsta exposição faz parte de uma série iniciada em 2023 com Modigliani\, um Pintor e seu Negociante\, dedicada ao mercado de arte e que teve como objetivo destacar os mecanismos por trás do surgimento das vanguardas do século XX e as figuras frequentemente notáveis ​​que moldaram seu funcionamento interno. \nA exposição apresentará aos visitantes a carreira e a personalidade da negociante por meio de sua contribuição para diversos eventos que marcaram a história da arte. Também traçará a vida de uma galeria na primeira metade do século XX\, em sua continuidade e vicissitudes. Cerca de centenas de obras\, pinturas\, esculturas\, desenhos\, gravuras e joias evocarão as exposições organizadas por Berthe Weill e o contexto histórico em que ocorreram. Assim como aconteceu na Galeria B. Weill\, obras de Pablo Picasso\, Henri Matisse\, Diego Rivera e Amedeo Modigliani conviverão com outras de Emilie Charmy\, Pierre Girieud e Otto Freundlich\, pintando o retrato de uma mulher e sua ação. \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n 
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LOCATION:Musée de l’Orangerie\, Jardin Tuileries Paris Département de Paris\, Paris\, Paris\, França
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SUMMARY:"Minimal" no Bourse de Commerce
DESCRIPTION:Pinault Collection\, 2025. Cortesia de Bourse de Commerce.\nA exposição “Minimal” explora a evolução global e internacional deste movimento\, que desde o início da década de 1960 reconsiderou radicalmente o status da obra de arte. \nCaracterizado por uma economia de meios\, estética enxuta e uma reconsideração da posição da obra de arte em relação ao observador\, artistas da Ásia\, Europa\, América do Norte e do Sul desafiaram os métodos tradicionais de exibição. Essa abordagem convidava a uma interação mais direta e corporal com a arte\, integrando o observador e o ambiente à própria obra de arte. Embora essas transformações tenham se desdobrado de maneiras distintas em diferentes regiões\, elas compartilhavam um impulso comum de expandir a relação entre a obra de arte e o público. \nPor exemplo\, no Japão\, o movimento Mono-ha concentrou-se em reunir “coisas” em seus estados naturais e inalterados\, destacando a interdependência entre objetos\, espaço e observador. No Brasil\, artistas neoconcretos adotaram uma abstração mais sensual\, contrariando as formas rígidas da arte concreta e promovendo uma conexão íntima com o observador. Enquanto isso\, na Europa\, movimentos como o Zero na Alemanha e a Arte Povera na Itália expandiram os limites da escultura por meio de formas minimalistas e do envolvimento direto com o espaço\, enquanto nos EUA\, artistas minimalistas rejeitaram as técnicas composicionais tradicionais em favor da simplicidade e da materialidade. Apesar de enraizados em contextos locais\, esses desenvolvimentos surgiram simultaneamente\, desafiando a narrativa minimalista predominantemente americana. \nOrganizada em sete temáticas — Luz\, Mono-ha\, Equilíbrio\, Superfície\, Grade\, Monocromático e Materialismo — a exposição\, com curadoria de Jessica Morgan\, Diretora da Dia Art Foundation\, destacará esses desenvolvimentos artísticos únicos\, porém interconectados\, em todo o mundo\, com base em um conjunto excepcional de obras da Coleção Pinault\, com empréstimos adicionais da Dia Art Foundation e de outras coleções públicas e privadas. \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n 
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LOCATION:Bourse de Commerce\, 2 Rue de Viarmes Paris\, Paris\, Paris\, França
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SUMMARY:"In-situ Works" no Bourse de Commerce
DESCRIPTION:Ryan Gander. Ever After: A Trilogy (I… I… I…)\, 2019. Cortesia de Bourse de Commerce.\nO desejo de promover um diálogo entre as obras de arte e seu contexto arquitetônico\, natural e urbano é\, de fato\, uma das principais características associadas à identidade dos museus da Coleção Pinault. Em Veneza\, os mármores e tetos pintados do Palazzo Grassi\, e as paredes e vigas de tijolos da Punta della Dogana\, interagem com os reflexos cambiantes da água. Esses elementos não padronizados\, que se poderia suspeitar que interferissem ou mesmo comprometessem a apresentação das obras de arte\, são\, ao contrário\, uma fonte de inspiração para os artistas. O ambiente também proporciona aos visitantes uma experiência artística única e contextualizada\, no “aqui e agora”. \nArtistas participantes: \nRyan Gander \nAutor de uma obra multifacetada\, Ryan Gander (nascido em 1976 em Chester\, Reino Unido) vive e trabalha em Londres. Ele utiliza uma vasta gama de mídias para questionar os mecanismos de percepção de uma obra de arte dentro de uma complexa relação entre realidade e ficção. A maior parte de sua produção explora\, de uma forma ou de outra\, ausência\, perda\, invisibilidade\, latência. Com Ever After: A Trilogy (I… I… I…) (2019)\, Ryan Gander encena um rato animatrônico gago\, aninhado em um buraco na parede\, surpreendendo os visitantes enquanto esperam o elevador. Preso em seu “loop” animado\, esse rato improvável\, condenado a viver ciclo após ciclo da mesma experiência até a exaustão\, nos encoraja a pensar e até mesmo sorrir sobre nossa própria condição. \nMartin Kippenberger \nUm estranho poste de luz fragmentado\, intitulado “Ohne Titel”\, parte de uma série de esculturas criadas em 1989 pelo artista alemão Martin Kippenberger\, entrelaçou-se à arquitetura da Bolsa de Comércio. Reunindo todos os vícios em sua melancolia anti-heroica\, os postes de luz de Kippenberger não apenas são distorcidos pela embriaguez\, mas suas lâmpadas vermelhas conduzem ao “Rotlichtviertel”\, o distrito da luz vermelha. Esses companheiros de perambulações noturnas tornam-se os alter egos do artista. Fiéis à atitude anticonformista de Kippenberger\, como escreve o historiador da arte Dider Ottinger: “Abertos a todas as metamorfoses\, suas convoluções simulam ideais corrompidos\, (…) mimetizam projetos gaguejantes. Uma serpente herética mordendo a própria cauda\, ​​o poste de luz torna-se a imagem de ambições abortadas\, a de um idealismo incurável.” \nPhilippe Parreno \nCom suas tonalidades intermitentes\, este “farol” traduz em código o mítico e inacabado romance homônimo de René Daumal (1908-1944)\, publicado postumamente em 1951. Esta sequência de luzes ilumina o céu parisiense\, traduzindo a história da fantástica e metafísica aventura de Daumal\, que narra a descoberta e a ascensão coletiva de uma montanha que une a terra ao céu. Uma busca sem fim\, uma aventura impossível\, uma metáfora para a arte e sua utopia. Philippe Parreno projetou uma nova versão desta instalação in-situ para a Bourse de Commerce\, retrabalhando e modificando uma de suas peças seminais\, criada originalmente em 2001. Mont Analogue está instalado no topo de um elemento arquitetônico único\, presente no local desde o Renascimento\, quando o edifício serviu como palácio de Catarina de Médici. Esta coluna\, símbolo tanto do poder real quanto da eminência esotérica (segundo a lenda\, os astrólogos da rainha\, notadamente Cosimo Ruggieri e Nostradamus\, observavam as estrelas ali)\, torna-se um farol a partir do qual o artista transmite outra mensagem à cidade. É na forma de um código misterioso que o artista nos convida a descobrir os mundos invisíveis\, possíveis e intangíveis da arte. \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n 
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SUMMARY:George Condo no Musee d'Art Moderne de Paris
DESCRIPTION:George Condo\, The Portable Artist\, 1995. Cortesia do Musée d’Art Morderne de Paris.\n  \nA exposição começa com as conexões férteis que o artista construiu com a história da arte ocidental. Em uma galeria que explora os códigos clássicos de um importante museu de Belas Artes\, algumas das obras mais ousadas do artista estão em exposição. Elas demonstram como Condo se apropriou de mestres do passado\, de Rembrandt a Picasso\, de Goya a Rodin\, incorporando-os à sua imaginação exuberante\, repleta de figuras ultrajantes e perturbadoras. \nA sequência continua com um conjunto de obras relacionadas ao Realismo Artificial\, um conceito inventado por Condo para descrever obras que desafiam qualquer cronologia. Criadas em um estilo e utilizando técnicas do passado\, essas obras também tomam emprestado elementos da cultura do grafite (a série Names Paintings\, 1984) ou de imagens de quadrinhos (Big Red\, 1997)\, produzindo um efeito de ambiguidade temporal. \nEsta seção da exposição termina com a exibição conjunta de dois conjuntos de obras em que Condo adota uma abordagem original para reformular a história da arte\, seja por meio da acumulação (a série de Colagens\, de 1986)\, seja por contraste (a série de Pinturas Combinadas\, de 1990 a 1993). \nEm seguida\, uma pausa na apresentação oferece a oportunidade de mergulhar mais profundamente na mente do artista. Um corredor expõe a relação frutífera que Condo cultivou com a literatura\, especialmente suas colaborações com escritores da Geração Beat (William Burroughs\, Allen Ginsberg\, Brion Gysin etc.). Este espaço leva a uma galeria de artes gráficas\, que reúne obras em papel densamente dispostas\, abrangendo toda a produção de Condo\, desde seus primeiros desenhos de infância até seus trabalhos mais recentes em nanquim e pastel. \nA representação da figura humana é um dos temas principais da obra de Condo. O artista se esforça para retratar a complexidade da psique humana por meio de retratos de seres imaginários\, descritos como “humanoides”. Uma seção é dedicada a eles\, primeiro em uma série de retratos individuais do início dos anos 2000 que revisitam os códigos neoclássicos\, e depois\, uma galeria de retratos de grupo (a série Drawing Paintings\, 2009-2012). Esta seção conclui com uma galeria dedicada à série Double Portraits (2014-2015). Ela aborda a dualidade da mente humana e a noção de “cubismo psicológico”\, termo cunhado pelo artista para descrever sua maneira de retratar diversas emoções distintas em um mesmo retrato. \nA última seção principal da exposição explora a relação de Condo com a abstração. Desde o início\, o artista criou obras que beiram a abstração\, como a série Expanding Canvases (1985-1986)\, na qual rabiscos frenéticos espalhados por toda a obra borram a composição. A seção continua com uma exibição de várias séries monocromáticas — brancos (2001)\, azuis (2021 e pretos (1990-2019). Foco especial é dado à série de Pinturas Negras em uma sala imersiva que convida à introspecção. A exposição conclui com obras recentes da série Diagonal (2023-2024)\, revelando a capacidade insaciável do artista de redefinir sua própria linguagem pictórica. \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n 
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LOCATION:Musée d’Art Moderne de Paris\, 11 Av. du Président Wilson Paris\, Paris\, Paris\, França
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SUMMARY:"I dreamt of you in colours" de Otobong Nkanga no Musée d'Art Moderne de Paris
DESCRIPTION:Otobong Nkanga\, Social Consequences V: The Harvest 2022. Musée d’Art Moderne de Paris.\n  \nReunindo instalações emblemáticas\, séries de fotografias\, obras recentes e um grande número de desenhos\, alguns dos quais datam dos primeiros anos de sua carreira e nunca antes expostos\, a exposição oferece um recorte da obra multifacetada de Otobong Nkanga\, abrangendo sua trajetória desde o início até o presente. Ela segue uma genealogia de temas recorrentes (como a extração mineral ou os diversos usos e valores culturais vinculados aos recursos naturais) em um conjunto de obras visuais em constante evolução. Para a ocasião\, a artista reativou algumas obras emblemáticas\, adicionando-lhes novos elementos em uma poética de entrelaçamento site-specific\, criando conexões entre formas\, materiais ou ideias. \nAs obras apresentadas provêm de coleções públicas francesas e internacionais (Castello di Rivoli em Rivoli\, Museu Stedelijk em Amsterdã\, Fundação Beyeler em Basileia\, Henie Onstad Kunstsenter em Sandvika\, M HKA à Anvers\, Centro Pompidou em Paris) e de coleções particulares\, bem como do ateliê da artista. A obra principal From Where I Stand (2015)\, adquirida no banquete de gala dos Amigos do Musée d’Art Moderne em 2022\, também estará em exibição na exposição. \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n 
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LOCATION:Musée d’Art Moderne de Paris\, 11 Av. du Président Wilson Paris\, Paris\, Paris\, França
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SUMMARY:Gerhard Richter no Foundation Louis Vuitton
DESCRIPTION:Gerhard Richter. 4900 Farben\, 2007. Cortesia da Fundation Louis Vuitton.\nDe 17 de outubro de 2025 a 2 de março de 2026\, a Fundação apresentará uma grande retrospectiva das obras de Gerhard Richter — um dos artistas contemporâneos mais influentes — nascido em Dresden em 1932. Ele fugiu da Alemanha Oriental para Düsseldorf em 1961\, antes de se estabelecer em Colônia\, onde atualmente vive e trabalha. \nDando continuidade à sua tradição de exposições monográficas históricas dedicadas a figuras importantes da arte dos séculos XX e XXI — incluindo Jean-Michel Basquiat\, Joan Mitchell\, Mark Rothko e David Hockney — a Fundação dedicará todas as suas galerias a Gerhard Richter\, amplamente considerado um dos artistas mais importantes e internacionalmente celebrados de sua geração. \nGerhard Richter participou da apresentação inaugural da Fundação Louis Vuitton em 2014\, com um conjunto de obras da Coleção. Agora\, a Fundação homenageia o artista com uma retrospectiva excepcional — inigualável tanto em escala quanto em escopo cronológico — com 275 obras\, que abrangem o período de 1962 a 2024. A exposição inclui pinturas a óleo\, esculturas em vidro e aço\, desenhos a lápis e tinta\, aquarelas e fotografias sobrepostas. Pela primeira vez\, uma exposição oferecerá uma visão abrangente de mais de seis décadas da criação de Gerhard Richter — um artista cuja maior alegria sempre foi trabalhar em seu ateliê. \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n 
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/gerhard-richter-no-foundation-louis-vuitton/
LOCATION:Fondation Louis Vuitton\, 8\, Avenue du Mahatma Gandhi Bois de Boulogne\, Paris\, França
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