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SUMMARY:"Guillermo Kuitca\, Chapelle" no Musée Picasso Paris
DESCRIPTION:Guillermo Kuitca. Chapelle\, 2024. Cortesia do Musée Picasso Paris.\n  \nA convite do Museu Nacional Picasso-Paris\, o artista argentino Guillermo Kuitca (n. 1961) criou uma obra site-specific na capela do Hôtel Salé. Desde sua intervenção na Bienal de Veneza em 2007\, Kuitca desenvolveu uma nova linguagem\, ecoando a arquitetura\, que o artista chama de “pintura cubistoide”\, na qual um conjunto de linhas que se cruzam\, como tantas dobras no plano\, é implantado diretamente nas paredes\, formando um novo espaço pictórico. Kuitca descreve seu lugar no “carrossel da arte moderna”: \n“Há muitos anos\, pintei quadros mostrando uma esteira rolante de bagagens. Acredito que a história da arte era o verdadeiro tema dessas pinturas. A arte seria esse carrossel; a obra de arte\, uma bagagem\, e os artistas\, passageiros. Enquanto esperamos por nossa bagagem\, nos fazemos uma série de perguntas: ‘Minha mala chegará e serei capaz de reconhecê-la entre outras semelhantes? E se eu pegasse a mala de outra pessoa\, estaria usando as roupas dela? Minha bagagem será destruída para sempre?’ Para mim\, essas perguntas são uma meditação sobre a herança. Elas também vislumbram um possível encontro com Picasso\, como se ele fosse\, afinal\, mais um passageiro.” \nPara Kuitca\, a pintura tem memória. Por meio desses experimentos\, ele se conecta com a história da arte moderna\, invocando o cubismo como o traço de um movimento que opera como uma difração da realidade\, a construção de um espaço imaginário. Esta instalação site-specific foi generosamente apoiada pela galeria Hauser & Wirth. \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n 
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SUMMARY:"Arthur Jafa" na Bourse de Commerce
DESCRIPTION:Arthur Jafa\, “Love is the Message\, the Message is Death”\, 2016 – Crédito: Divulgação\nA Bourse de Commerce está em transformação para preparar a exposição “Corps et âmes”\, que será revelada progressivamente até sua abertura completa em 5 de março. Durante esse período\, o público poderá descobrir algumas obras da nova temporada. \nA partir de 5 de fevereiro\, três filmes de Arthur Jafa\, pertencentes à Coleção Pinault\, serão exibidos pela primeira vez em Paris. Na Rotonde\, o vídeo Love is the Message\, the Message is Death transforma o espaço em uma ressonância da música e do ativismo de figuras icônicas afro-americanas como Martin Luther King Jr.\, Jimi Hendrix\, Barack Obama e Beyoncé\, conferindo-lhes uma dimensão universal. O artista também ocupa a Galerie 2 e o Studio do museu\, convidando os visitantes a se envolverem com suas obras cinematográficas. \nUtilizando diversos suportes\, a produção de Arthur Jafa\, artista e cineasta baseado em Los Angeles\, celebra e amplia a cultura negra americana\, atribuindo-lhe toda a sua grandiosidade. De Barack Obama aos cânticos gospel\, de Aretha Franklin aos protestos do Black Lives Matter\, passando por Miles Davis e Kanye West\, Jafa recorre a materiais da mídia de massa e da cultura pop para construir uma estética baseada no colagem e montagem\, reafirmando seu papel como colecionador de imagens e multiplicando referências. Ele apresenta\, com imponência\, as grandes ícones da cultura negra\, sempre em diálogo com a complexa história dos Estados Unidos.
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LOCATION:Bourse de Commerce\, 2 Rue de Viarmes Paris\, Paris\, Paris\, França
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SUMMARY:"Philippe Perrot" no Musée d'Art Moderne de Paris
DESCRIPTION:Philippe Perrot\, Sem título\, 2005. Crédito: Aurélie Dupuis/Azentis Technology\n\n\n\n\nNascido em 1967\, Philippe Perrot cresceu na periferia de Paris. Aos quinze anos\, descobriu a literatura francesa do pós-guerra e mergulhou nos escritos de Antonin Artaud. Apaixonou-se por Pier Paolo Pasolini e pela Nova Vaga italiana\, ingressando em uma escola de cinema. Por meio de vídeos curtos\, o artista começou a explorar o universo familiar e as feridas de sua infância. A partir dos anos 1990\, abandonou o cinema para se dedicar\, como autodidata\, à pintura — sem\, no entanto\, abrir mão dos temas centrais que atravessam toda a sua obra. Perrot faleceu em 2015\, aos 48 anos\, em decorrência de uma longa doença. \nA pintura de Philippe Perrot dá corpo ao sonho e ao inconsciente. Em suas telas\, personagens flutuantes e debilitados encenam dramas íntimos orbitando figuras tutelares como o pai ou a mãe. Seus quadros são representações de estados de alma\, visões complexas oriundas de alucinações cotidianas e segredos de família reprimidos. Esses traumas\, porém\, são suavizados pela constante intrusão de elementos burlescos inspirados no universo dos desenhos animados\, que\, segundo o próprio artista\, aproximam a figuração de “uma piada de mau gosto”. Embora os títulos ofereçam algumas pistas para a compreensão das imagens\, as narrativas permanecem\, em geral\, desconcertantes e enigmáticas. \nPintadas a óleo sobre telas preparadas com pigmento amarelo ocre\, suas obras se caracterizam pela justaposição de vários micro-relatos em uma mesma composição. \nÀ semelhança de planos-sequência no cinema\, as imagens se encadeiam em narrativas que o espectador pode livremente interpretar. A iconografia violenta é acentuada por cores berrantes\, muitas vezes misturadas com desinfetantes farmacêuticos como betadina e eosina. A perturbação da perspectiva\, assim como a superposição de cenas e elementos díspares\, intensificam as tensões expressas nas obras e dificultam sua leitura linear. \nArtista discreto\, na contramão do mercado da arte contemporânea\, Philippe Perrot produziu pouco — cerca de três a quatro pinturas por ano. Seu corpo de trabalho se limita a 130 telas e aproximadamente o mesmo número de desenhos em toda a sua carreira. Graças a uma generosa doação\, seis obras do artista passaram a integrar\, em 2019\, as coleções do museu. Esta apresentação é complementada por diversos empréstimos provenientes de coleções particulares.
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LOCATION:Musée d’Art Moderne de Paris\, 11 Av. du Président Wilson Paris\, Paris\, Paris\, França
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SUMMARY:"Eugène Boudin\, the father of Impressionism: a private collection" no Musée Marmottan Monet
DESCRIPTION:Eugène Boudin\, “La Plage à Trouville”\, 1863. Coleção Yann Guyonvarc’h © Studio Christian Baraja SLB\n\n\n\n\nDe 9 de abril a 31 de agosto de 2025\, o Musée Marmottan Monet apresenta a exposição Eugène Boudin\, o pai do impressionismo: uma coleção particular. \nO colecionador Yann Guyonwarc’h reuniu um acervo de obras de Eugène Boudin (1824–1898) sem equivalente em nenhum museu do mundo. A mostra contempla todas as fases da carreira do artista\, desde suas primeiras pinturas em Le Havre até sua última viagem a Veneza; de esboços íntimos a obras destinadas ao Salão (incluindo uma das duas maiores cenas de praia já pintadas por Boudin). \nAs obras dessa coleção excepcional dialogam com o acervo do Musée Marmottan Monet\, destacando a relação entre Boudin e seu principal discípulo\, Claude Monet. Com o apoio dos arquivos Durand-Ruel\, a exposição também investiga a relação entre os dois artistas e o marchand que os representava. \nCuradoria de Laurent Manoeuvre\, historiador da arte e engenheiro de pesquisa do Departamento de Museus da França.
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LOCATION:Musée Marmottan Monet\, 2 Rue Louis Boilly\, Paris\, França
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SUMMARY:"Morisot / Pétrovitch" no Musée Marmottan Monet
DESCRIPTION:Foto © Hervé Plumet\, Adagp 2025\n\n\n\n\nDesde 2019\, o museu convida uma artista contemporânea para dialogar com seu acervo. Para a nona edição destes “Diálogos Inesperados”\, o museu escolheu Françoise Pétrovitch\, uma artista de destaque no cenário artístico francês e internacional. Neste “Diálogo Inesperado”\, apresentado de 9 de abril a 14 de setembro de 2025\, ela escolheu outra artista\, Berthe Morisot\, com quem compartilha os temas do retrato\, da infância\, da adolescência e da intimidade. Aqui\, o paralelo entre as “Rosas Trémières” de Morisot e os “Soleils” de Pétrovitch destaca outra ponte entre as duas pintoras: a relação interior e muito corporificada com a natureza.
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LOCATION:Musée Marmottan Monet\, 2 Rue Louis Boilly\, Paris\, França
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SUMMARY:"David Hockney 25" na Fondation Louis Vuitton
DESCRIPTION:David Hockney\, “Portrait of an Artist (Pool with Two Figures)”\, 1972 © David Hockney – Imagem ilustrativa\n\n\n\n\nA mostra David Hockney 25 evidencia como\, nos últimos anos\, o artista manteve um processo de renovação contínua\, tanto em seus temas quanto nos modos de expressão. Sua capacidade de se reinventar por meio de novos meios é\, de fato\, notável. Inicialmente desenhista e exímio conhecedor das técnicas acadêmicas\, Hockney tornou-se hoje um dos principais expoentes das novas tecnologias na arte. \nLogo na entrada\, são reunidas no térreo obras emblemáticas produzidas entre os anos 1950 e 1970 — desde seus primeiros trabalhos em Bradford (Portrait of My Father\, 1955)\, passando por sua estadia em Londres\, até chegar à Califórnia. O tema da piscina\, ícone de sua obra\, surge com A Bigger Splash (1967) e Portrait of an Artist (Pool with Two Figures) (1972). Sua série de duplos retratos está representada por duas pinturas fundamentais: Mr. and Mrs. Clark and Percy (1970–1971) e Christopher Isherwood and Don Bachardy (1968). \nA natureza passa a ocupar um lugar cada vez mais central na produção de Hockney a partir das décadas de 1980 e 1990 — como evidencia A Bigger Grand Canyon (1998) —\, até que o artista retorna à Europa para aprofundar sua exploração de paisagens familiares. \nO núcleo principal da exposição é dedicado aos últimos 25 anos\, período em que Hockney viveu principalmente no Yorkshire\, onde reencontrou as paisagens de sua infância\, e também na Normandia e em Londres. A mostra celebra essa fase com obras como May Blossom on the Roman Road (2009)\, em que transforma um simples arbusto de espinheiro em uma explosão espetacular da primavera. Sua observação do ritmo das estações culmina em Bigger Trees near Warter or/ou Peinture sur le Motif pour le Nouvel Âge Post-Photographique (2007)\, uma paisagem monumental de inverno pintada ao ar livre\, emprestada excepcionalmente pela Tate de Londres. \nAo mesmo tempo\, David Hockney continua a retratar seus amigos e pessoas próximas\, seja com tinta acrílica ou no iPad — série pontuada por diversos autorretratos. A exposição reúne cerca de sessenta retratos na galeria 4\, acompanhados de “retratos de flores” feitos no iPad\, mas apresentados em molduras tradicionais\, criando um jogo de percepções que se intensifica no dispositivo que os agrupa na parede em 25th June 2022\, Looking at the Flowers (Framed)\, 2022. \nTodo o primeiro andar — galerias 5 a 7 — é dedicado à Normandia e suas paisagens. A série 220 for 2020\, realizada exclusivamente no iPad\, é apresentada em uma instalação inédita na galeria 5. Nela\, Hockney registra\, dia após dia e estação após estação\, as variações da luz. Na galeria 6\, que dá continuidade a esse conjunto\, destaca-se uma série de pinturas acrílicas com um tratamento muito particular do céu\, animado por pinceladas vibrantes — uma evocação distante de Van Gogh. Já a galeria 7 apresenta um panorama composto por vinte e quatro desenhos a tinta (La Grande Cour\, 2019)\, que remete à Tapeçaria de Bayeux. \nO último andar se abre com uma série de reproduções que remontam ao Quattrocento\, referências fundamentais para Hockney (The Great Wall\, 2000). Sua pintura\, alimentada pela história universal da arte desde a Antiguidade\, tem como foco aqui a tradição europeia — da Primeira Renascença e dos mestres flamengos até a arte moderna. A primeira parte da galeria 9 testemunha esse diálogo com Fra Angelico\, Claude Lorrain\, Cézanne\, Van Gogh\, Picasso… Em seguida\, o público é convidado a atravessar esse espaço transformado em uma espécie de sala de ensaio\, como o próprio Hockney costuma fazer em sua casa\, onde recebe músicos e dançarinos. \nApaixonado por ópera\, o artista desejou reinterpretar suas criações para o palco desde os anos 1970 em uma nova composição polifônica\, musical e visual\, realizada em colaboração com o 59 Studio\, que envolve o visitante na galeria 10\, a mais monumental da Fundação. \nA exposição se encerra em um espaço mais intimista — galeria 11 — dedicado às obras mais recentes pintadas em Londres\, onde Hockney reside desde julho de 2023. Essas pinturas\, especialmente enigmáticas\, são inspiradas em Edvard Munch e William Blake: After Munch: Less is Known than People Think (2023) e After Blake: Less is Known than People Think (2024)\, onde astronomia\, história e geografia se entrelaçam com uma forma de espiritualidade\, segundo o próprio artista. Nesta última sala\, ele decidiu incluir seu autorretrato mais recente.
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LOCATION:Fondation Louis Vuitton\, 8\, Avenue du Mahatma Gandhi Bois de Boulogne\, Paris\, França
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SUMMARY:"Robert Doisneau: Instants Donnés" no Musée Maillol
DESCRIPTION:© Robert Doisneau\, Instants donnés\, no Musée Maillol\n\n\n\n\nPor meio de uma jornada notável composta por mais de 350 fotografias\, descubra a obra do renomado fotógrafo Robert Doisneau. \nA exposição Robert Doisneau. Instants Donnés marca o retorno das fotografias de Doisneau à cidade de Paris após anos de ausência. \nCerca de 400 imagens foram cuidadosamente selecionadas a partir das 450 mil que compõem o acervo. Ícones conhecidos se misturam a séries totalmente renovadas\, revelando a habilidade do fotógrafo em capturar a experiência humana em uma ampla variedade de contextos: a infância\, os artistas\, os escritores\, os cafés\, os anos na Vogue\, assim como a dureza e a gravidade da vida nos subúrbios… \nUMA CRIAÇÃO NOVA\, RARA E PESSOAL\nPartindo da realidade mais ordinária\, Robert Doisneau nos conduz a sua visão única do mundo ao seu redor. \nSeu olhar divertido sobre a infância. Seus subúrbios parisienses que passam do preto e branco à cor. As visitas íntimas aos ateliês de pintores e escultores; a exploração da moda e do luxo no pós-guerra durante os anos na Vogue. São tantos temas que\, com uma atenção sempre minuciosa\, oferecem um comentário social sobre um mundo áspero e implacável\, com o qual o fotógrafo mantinha profunda solidariedade. \nAo longo de um percurso excepcionalmente rico\, o público poderá descobrir objetos pessoais e documentos pertencentes ao artista\, além de conteúdos interativos e audiovisuais. Também será apresentada sua produção publicitária — muitas vezes bem-humorada e amplamente desconhecida. \nLonge de um Doisneau nostálgico\, suas fotografias estavam enraizadas no presente e voltadas para o futuro. \nUM MUNDO REAL VISTO PELOS OLHOS DE UM SONHADOR\nA exposição Robert Doisneau. Instants Donnés oferece um verdadeiro encontro com o fotógrafo e seu universo criativo abundante. Seu olhar é marcado por um realismo poético\, que vê o mundo como ele é\, mas realça o maravilhoso. A mostra transmite um espírito que flutua entre a leveza e a gravidade\, entre o sonho e a realidade. \nSeja como reflexo de uma realidade melancólica ou como testemunho de uma alegria de viver irreprimível\, o impacto dessas imagens depende da história de cada um. Talvez essas fotografias — algumas das quais se tornaram universais — nos conduzam a um encontro mais profundo conosco mesmos… \nUma exposição concebida por uma curadoria coletiva envolvendo a Tempora e o Atelier Doisneau\, liderado por Annette Doisneau e Francine Deroudille\, filhas do fotógrafo\, em colaboração com o Musée Maillol.
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LOCATION:Musée Maillol\, 59-61 Rue de Grenelle\, Paris\, França
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SUMMARY:"Architectural Journey: Frank Gehry" no Foundation Louis Vuitton
DESCRIPTION:Projeto de Frank Gehry. “Architectural journey”\, desenhado em 1989. Cortesia da Fundation Louis Vuitton. \nBanhada pela luz natural proveniente de uma claraboia\, a exposição começa no Estúdio\, que exibe uma maquete original em escala\, ao redor da qual os visitantes podem caminhar antes de descobrir dois vídeos widescreen gravados com drones. \nPreparada em colaboração com as equipes de Frank Gehry em Los Angeles\, esta exposição permanente propõe um itinerário aberto aos visitantes. Assim como o próprio edifício\, que oferece múltiplos itinerários possíveis\, os visitantes são convidados a uma jornada arquitetônica que descreve e explica o processo que culminou em um edifício já reconhecido como um novo e importante monumento para Paris. \nEssa combinação cria uma experiência visual única\, oferecendo uma visão da beleza impressionante do edifício\, bem como de sua complexidade tecnológica. Os patamares com vista para o “cânion” apresentam elementos-chave essenciais para a compreensão do edifício: construção\, materiais\, design\, contexto em Paris. \nOs patamares podem ser acessados ​​pela única escada onde as paredes estruturais de aço foram deixadas expostas\, evocando o casco de um navio. Os visitantes também descobrem os esboços iniciais do projeto\, expressando a inspiração criativa do arquiteto\, que recebeu o prestigioso Prêmio Pritzker em 1989. \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n 
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LOCATION:Fondation Louis Vuitton\, 8\, Avenue du Mahatma Gandhi Bois de Boulogne\, Paris\, França
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SUMMARY:Wolfgang Tillmans no Centre Pompidou
DESCRIPTION:© Wolfgang Tillmans. Referência da imagem: TILLMANS_LACANAUSELF_1986\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\nDe 13 de junho a 22 de setembro de 2025\, o Centre Pompidou oferece ao artista alemão Wolfgang Tillmans carta branca para criar um projeto único\, marcando o encerramento da programação expositiva do centro em Paris. Ele ocupa os 6.000 m² do nível 2 da Bibliothèque Publique d’Information (Bpi)\, transformando o espaço por meio de uma experiência curatorial. Esta instalação estabelece um diálogo entre sua obra e o espaço da biblioteca\, questionando-o tanto como estrutura arquitetônica quanto como local de difusão do conhecimento. \nA exposição retrospectiva percorre mais de trinta e cinco anos de prática artística em diversos gêneros fotográficos\, incluindo retrato\, natureza-morta\, arquitetura\, imagens documentais e abstração. Suas obras são apresentadas de formas variadas\, explorando a verticalidade das paredes e a horizontalidade das mesas de maneira que desafia qualquer tentativa de categorização. Além de seu trabalho fotográfico\, Tillmans incorpora imagens em movimento\, música\, som e texto nesta instalação extensa\, com a participação de artistas de performance. \nNos últimos anos\, Wolfgang Tillmans foi tema de grandes retrospectivas em instituições de destaque\, como a Tate Modern\, em Londres (2017)\, e o MoMA\, em Nova York (2022). Ele também apresentou a importante exposição Fragile\, que circulou pelo continente africano entre 2018 e 2022\, passando por cidades como Kinshasa\, Nairóbi\, Joanesburgo\, Adis Abeba\, Yaoundé\, Acra\, Abidjan e Lagos. A mostra no Centre Pompidou é sua primeira individual em uma instituição parisiense desde a ambiciosa instalação no Palais de Tokyo\, em 2002. A exposição é acompanhada por um catálogo e pelo lançamento de uma versão ampliada do livro Reader\, de Tillmans\, traduzido para o francês — uma coletânea de textos e entrevistas do artista.
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LOCATION:Centre Pompidou\, Place Georges-Pompidou\, Paris\, França
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SUMMARY:"Anna Maria Maiolino. Je suis là. Estou Aqui." no Musée Picasso Paris
DESCRIPTION:Anna Maria Maiolino\, X\, da série Fotopoemação\, 1975. Cortesia Galeria Luisa Strina\n\n\n\n\nDe 14 de junho a 21 de setembro de 2025\, o Musée national Picasso-Paris apresenta “Anna Maria Maiolino. Je suis là. Estou Aqui.”\, primeira exposição individual na França da artista brasileira. Organizada no âmbito da Temporada Cultural do Brasil na França (sob curadoria geral de Emilio Kalil)\, a mostra é um dos pontos altos da programação artística brasileira em Paris. A curadoria é assinada por Sébastien Delot e Fernanda Brenner. Recém-premiada com o Leão de Ouro pelo conjunto de sua obra na Bienal de Veneza de 2024\, Anna Maria Maiolino apresenta cerca de cem trabalhos — entre desenhos inéditos\, esculturas\, pinturas e vídeos. \nComo parte da temporada cultural cruzada França/Brasil\, o Musée national Picasso-Paris recebe uma proposta de Anna Maria Maiolino\, sucedendo nomes como Faith Ringgold e Sophie Calle em uma genealogia de mulheres artistas potentes. Esta é a primeira exposição na França dedicada a essa figura central da cena artística brasileira. A diversidade de suportes e técnicas que ela utiliza em sua obra\, assim como seu naturalismo orgânico\, traçam fios invisíveis que a conectam discretamente à obra de Picasso. “Não se trata de uma retrospectiva que me colocaria numa vitrine histórica. Este título afirma que ainda estou aqui\, ainda em atividade e engajada num diálogo vital. As obras expostas não são objetos passivos\, mas presenças ativas que continuam gerando conversas”\, afirma Anna Maria Maiolino.
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LOCATION:Musée Picasso Paris\, 5 rue de Thorigny\, Paris\, França
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