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SUMMARY:"The Flowers of Yves Saint Laurent" no Musée Yves Saint Laurent
DESCRIPTION:Imagem: Divulgação\n\nDe 20 de setembro de 2024 a 4 de maio de 2025\, o Musée Yves Saint Laurent Paris apresenta As Flores de Yves Saint Laurent. Idealizada pelos curadores Olivier Saillard e Gaël Mamine\, a exposição segue uma exibição inaugural no Musée Yves Saint Laurent Marrakech\, em cartaz de 2 de março de 2024 a 5 de janeiro de 2025. Pela primeira vez\, os dois museus se uniram para montar uma exposição conjunta dedicada a um tema central na obra do estilista. \n“Trigo traz boa sorteLírios\, minha flor favorita/Uma Vênus de bronze\, símbolo da minha profissão e da minha paixão por bronzesÀ la recherche du temps perdu de Proust/ \nDesde os quinze anos\, nunca parei de reler essa obra incomparável.” \nYves Saint Laurent e seu parceiro Pierre Bergé viviam diariamente cercados por flores e jardins em seus apartamentos\, casas de campo e na própria maison de moda. Apaixonado por flores\, o estilista as considerava uma fonte infinita de inspiração. \nYves Saint Laurent compartilhava essa admiração pela natureza com muitos artistas e escritores\, em particular com um de seus autores favoritos\, Marcel Proust\, como revelou na revista L’Egoïste em 1987. Um universo proustiano aparecia nos interiores do estilista\, assim como em seus desfiles de moda. Enquanto o escritor descrevia mulheres como flores\, o costureiro as homenageava cobrindo-as com flores. \nMais de trinta peças de vestuário e desenhos apresentados na exposição destacam essa simbiose entre natureza\, literatura e o trabalho de Yves Saint Laurent. \nComo em um livro\, cada capítulo da exposição exibe citações de Proust ao lado de silhuetas florais criadas por Yves Saint Laurent\, enquanto acessórios e desenhos do estilista são apresentados em pedestais. Como ao longo de um caminho de jardim\, flores estão por toda parte\, revelando a personalidade e os gostos do designer: desde o lírio-do-vale\, tão querido por Christian Dior\, ao logotipo YSL com seu monograma semelhante a um lírio\, das rosas simbolizando o amor à buganvília de Marrocos\, ou ao trigo\, portador de sorte e triunfo. \nPor meio das peças icônicas vistas na exposição\, o visitante descobre a expertise que Yves Saint Laurent utilizava para dar vida às suas criações florais: desde seu bordado aplicado no vestido da coleção primavera-verão de 1962 até suas estampas inventivas da coleção primavera-verão de 2001\, uma referência inesquecível às pinturas de Pierre Bonnard. \nVemos as flores gigantes de gazar de seda usadas na passarela por Laetitia Casta como noiva de verão em 1999\, uma imagem marcante da obra de Yves Saint Laurent. \nEsse diálogo espontâneo entre as artes e diferentes épocas continua quando nos deparamos com o trabalho do artista americano Sam Falls\, cujas obras são vistas ao longo da exposição. Viajando pelo mundo\, Falls coleta amostras de plantas e preserva a memória de paisagens florais imprimindo diretamente seus pigmentos em tela. Os padrões e cores de sua recriação da natureza se harmonizam com aqueles vistos nas peças de alta-costura. Nas roupas de Yves Saint Laurent\, assim como nas pinturas de Sam Falls\, as flores transcendem o tempo e permanecem eternamente em flor.
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LOCATION:Musée Yves Saint Laurent Paris\, 5 Av. Marceau\, Paris\, França
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SUMMARY:"Guillermo Kuitca\, Chapelle" no Musée Picasso Paris
DESCRIPTION:Guillermo Kuitca. Chapelle\, 2024. Cortesia do Musée Picasso Paris. \n  \nA convite do Museu Nacional Picasso-Paris\, o artista argentino Guillermo Kuitca (n. 1961) criou uma obra site-specific na capela do Hôtel Salé. Desde sua intervenção na Bienal de Veneza em 2007\, Kuitca desenvolveu uma nova linguagem\, ecoando a arquitetura\, que o artista chama de “pintura cubistoide”\, na qual um conjunto de linhas que se cruzam\, como tantas dobras no plano\, é implantado diretamente nas paredes\, formando um novo espaço pictórico. Kuitca descreve seu lugar no “carrossel da arte moderna”: \n“Há muitos anos\, pintei quadros mostrando uma esteira rolante de bagagens. Acredito que a história da arte era o verdadeiro tema dessas pinturas. A arte seria esse carrossel; a obra de arte\, uma bagagem\, e os artistas\, passageiros. Enquanto esperamos por nossa bagagem\, nos fazemos uma série de perguntas: ‘Minha mala chegará e serei capaz de reconhecê-la entre outras semelhantes? E se eu pegasse a mala de outra pessoa\, estaria usando as roupas dela? Minha bagagem será destruída para sempre?’ Para mim\, essas perguntas são uma meditação sobre a herança. Elas também vislumbram um possível encontro com Picasso\, como se ele fosse\, afinal\, mais um passageiro.” \nPara Kuitca\, a pintura tem memória. Por meio desses experimentos\, ele se conecta com a história da arte moderna\, invocando o cubismo como o traço de um movimento que opera como uma difração da realidade\, a construção de um espaço imaginário. Esta instalação site-specific foi generosamente apoiada pela galeria Hauser & Wirth. \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n 
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LOCATION:Musée Picasso Paris\, 5 rue de Thorigny\, Paris\, França
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SUMMARY:"Suzanne Valadon" no Centre Pompidou
DESCRIPTION:Suzanne Valadon\, “La Chambre bleue”\, 1923 © Centre Pompidou\, MNAM-CCI\, Dist. RMN-Grand Palais / Jacqueline Hyde\n\n\n\n\n\n\n\nO Centre Pompidou está dedicando uma monografia a Suzanne Valadon (1865-1938)\, uma artista ousada e icônica\, e uma das mais importantes de sua geração. Ela estava à margem das tendências dominantes de sua época – o cubismo e a arte abstrata estavam em seus primórdios\, enquanto ela defendia ardentemente a necessidade de pintar a realidade – colocando o nu\, tanto feminino quanto masculino\, no centro de seu trabalho e retratando corpos sem artifício ou voyeurismo. \nSuzanne Valadon não era tema de uma monografia desde a dedicada a ela pelo Musée National d’Art Moderne em 1967. Apresentada no Centre Pompidou-Metz em 2023 (“Suzanne Valadon. A World of Her Own”)\, depois no Musée des Beaux-Arts de Nantes (2024) e no Museu Nacional d’Art de Catalunya (2024)\, a homenagem a esta artista ostensivamente moderna\, livre das convenções de seu tempo\, continua no Centre Pompidou em 2025\, enriquecida por novos empréstimos e novos arquivos. \nA exposição apresenta esta figura excepcional e destaca seu papel pioneiro\, mas frequentemente subestimado\, no nascimento da modernidade artística. Ela revela a grande liberdade desta artista\, que realmente não aderiu a nenhum movimento particular\, exceto talvez o seu próprio. A exposição de quase 200 obras utiliza a rica coleção nacional\, em particular a maior\, a do Centre Pompidou\, mas também do Musée d’Orsay e do Musée de l’Orangerie. \nEmpréstimos excepcionais do Metropolitan Museum of Modern Art em Nova York\, da Fondation de l’Hermitage e de grandes coleções privadas completam a exposição. Ela se concentra nos dois meios favoritos da artista\, desenho e pintura\, com ênfase particular em seu trabalho gráfico\, que é explorado em profundidade através da apresentação de um grande número de desenhos raramente exibidos. \nEla também oferece uma oportunidade de explorar um momento artístico no coração da transição entre as coleções do Musée d’Orsay e do Musée National d’Art Moderne. \nA exposição “Valadon” reconta esta jornada única\, desde os primórdios da artista como modelo favorita de todo o Montmartre até seu reconhecimento artístico inicial por seus pares e críticos. Suzanne Valadon realmente conectou um século ao próximo\, abraçando a fervorosa Paris do final do século\, seus cafés\, bal-musettes e cabarés\, e suas muitas revoluções artísticas\, intelectuais e sociais. Este insight sem precedentes sobre seu trabalho revela tanto suas amizades e conexões artísticas com pintores boêmios quanto sua inegável influência na cena artística parisiense graças ao apoio ativo de seus amigos artistas e galeristas. \nEsta exposição destaca a amplitude\, riqueza e complexidade de sua obra\, focando em cinco seções temáticas: Aprendendo pela observação\, Retratos de família\, “Eu pinto pessoas para conhecê-las”\, “A verdadeira teoria é imposta pela natureza”\, O nu: uma visão feminina. Uma seleção de arquivos inéditos e obras de seus contemporâneos com preocupações pictóricas semelhantes\, como Juliette Roche\, Georgette Agutte\, Jacqueline Marval\, Emilie Charmy e Hélène Delasalle\, complementam a exposição. \nA coleção excepcional de arquivos legados ao Centre Pompidou em 1974 pelo Dr. Robert Le Masle\, médico\, colecionador de arte e amigo próximo da artista\, contendo muitas fotografias\, manuscritos e documentos agora armazenados na Bibliothèque Kandinsky\, fornece um registro vital da personalidade rebelde de Valadon e do reconhecimento artístico inicial. \nSeguindo exposições de obras de Alice Neel\, Georgia O’Keeffe\, Dora Maar e Germaine Richier\, esta monografia faz parte dos esforços contínuos do Centre Pompidou para aprofundar nossa compreensão do trabalho de artistas mulheres e para aumentar o número de suas obras na coleção.
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LOCATION:Centre Pompidou\, Place Georges-Pompidou\, Paris\, França
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SUMMARY:“Art and fashion: statement pieces" no Museu do Louvre
DESCRIPTION:Vista da exposição “Art and fashion: statement pieces” . Via @beautybuzz.br\n\n\n\n\nEmbora saibamos desde os tempos de Paul Cézanne que “o Louvre é o livro do qual aprendemos a ler”\, essa fonte inesgotável de inspiração também alimentou um dos domínios mais dinâmicos da arte contemporânea: o mundo da moda. Cada vez mais\, pesquisas e monografias dedicadas aos grandes nomes da moda têm ousado traçar árvores genealógicas estéticas\, inserindo essas figuras em um contexto histórico e artístico. O padrão não se resume apenas a rupturas\, com diferentes graus de inovação radical\, ou a mudanças sazonais\, mas também a ecos e evocações. Os fios que entrelaçam o trabalho dos grandes nomes da moda e o mundo da arte são praticamente infinitos\, e a história da arte\, conforme expressa pelo Museu do Louvre\, com a profundidade de suas coleções e sua capacidade de refletir os gostos de épocas passadas\, constitui um vasto território de influências e referências. \nDiante da imensidão enciclopédica do Louvre\, esta exposição adota uma abordagem metodológica voltada para a exploração da história dos estilos decorativos\, das profissões artísticas e da ornamentação através das galerias do Departamento de Artes Decorativas\, onde os têxteis estão sempre presentes – embora geralmente em tapeçarias e outros elementos decorativos\, em vez de artigos de vestuário. \nEm um espaço de quase 9.000 metros quadrados\, 65 criações são exibidas\, junto com uma série de acessórios\, revelando de forma inédita o diálogo histórico contínuo entre o mundo da moda e as grandes obras-primas do departamento\, desde o período bizantino até o Segundo Império. Cada uma dessas peças de vestuário e acessórios foi especialmente emprestada pelas mais icônicas casas de moda\, tanto históricas quanto contemporâneas\, de Paris e do mundo inteiro. \nAs peças não serão exibidas aleatoriamente pelo Departamento de Artes Decorativas; ao contrário\, servirão para destacar paralelos já existentes: o departamento deve parte de sua coleção à generosidade de grandes figuras da moda\, de Jacques Doucet a Madame Carven. Essas incontáveis conexões compartilham bases metodológicas comuns entre a história da arte e a moda: o conhecimento de técnicas ancestrais\, a cultura visual e o sutil jogo de referências\, do catálogo raisonné do museu ao moodboard do universo da moda. Louvre Couture oferece uma nova perspectiva sobre as artes decorativas através do prisma do design de moda contemporâneo.
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SUMMARY:"Arthur Jafa" na Bourse de Commerce
DESCRIPTION:Arthur Jafa\, “Love is the Message\, the Message is Death”\, 2016 – Crédito: Divulgação \nA Bourse de Commerce está em transformação para preparar a exposição “Corps et âmes”\, que será revelada progressivamente até sua abertura completa em 5 de março. Durante esse período\, o público poderá descobrir algumas obras da nova temporada. \nA partir de 5 de fevereiro\, três filmes de Arthur Jafa\, pertencentes à Coleção Pinault\, serão exibidos pela primeira vez em Paris. Na Rotonde\, o vídeo Love is the Message\, the Message is Death transforma o espaço em uma ressonância da música e do ativismo de figuras icônicas afro-americanas como Martin Luther King Jr.\, Jimi Hendrix\, Barack Obama e Beyoncé\, conferindo-lhes uma dimensão universal. O artista também ocupa a Galerie 2 e o Studio do museu\, convidando os visitantes a se envolverem com suas obras cinematográficas. \nUtilizando diversos suportes\, a produção de Arthur Jafa\, artista e cineasta baseado em Los Angeles\, celebra e amplia a cultura negra americana\, atribuindo-lhe toda a sua grandiosidade. De Barack Obama aos cânticos gospel\, de Aretha Franklin aos protestos do Black Lives Matter\, passando por Miles Davis e Kanye West\, Jafa recorre a materiais da mídia de massa e da cultura pop para construir uma estética baseada no colagem e montagem\, reafirmando seu papel como colecionador de imagens e multiplicando referências. Ele apresenta\, com imponência\, as grandes ícones da cultura negra\, sempre em diálogo com a complexa história dos Estados Unidos.
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LOCATION:Bourse de Commerce\, 2 Rue de Viarmes Paris\, Paris\, Paris\, França
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SUMMARY:"Hans Hollein. transFORMS" no Centre Pompidou
DESCRIPTION:Hans Hollein\, “Zeichnung mit Akten auf Foto” (Desenho com nu sobre fotografia)\, 1972. © Arquivo Particular Hollein. Crédito fotográfico: Centre Pompidou\, MNAM-CCI / Philippe Migeat / Dist. GrandPalaisRmn\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\nA exposição “Hans Hollein. transFORMS” propõe uma nova leitura da coerência entre a prática criativa e crítica do arquiteto austríaco Hans Hollein (1934–2014)\, destacando suas obras mais emblemáticas\, que marcam uma trajetória de pesquisa desenvolvida ao longo de mais de meio século. \nEmbora comumente associado a um “estilo” pós-moderno\, seu trabalho merece ser revisto à luz de seu envolvimento com os diversos movimentos que moldaram as pós-vanguardas entre os anos 1960 e 1980 — do art informel à arte conceitual e à arquitetura radical. \nEm 1987\, o Centre Pompidou lhe dedicou uma grande exposição no Forum. Após sua morte\, o Centre Pompidou – Musée national d’art moderne adquiriu\, em 2016\, um conjunto significativo de obras\, incluindo instalações\, maquetes\, desenhos e acervos documentais que abrangem todas as fases e aspectos de sua atividade. \nSuas primeiras investigações sobre o espaço (1958–1962) e sobre a arquitetura como escultura\, realizadas entre Áustria e Estados Unidos\, foram seguidas da exposição “Architektur” com Walter Pichler (Galerie nächst St. Stephan\, 1963) e de seus famosos colagens de escala urbana (hoje conservados no MoMA). Essa fase inicial de sua produção estabelece vínculos profundos com a arte conceitual\, refletidos também em sua participação em catálogos e exposições ligadas a essa corrente. \nA partir de 1965\, Hollein passou a colaborar ativamente com a revista BAU na Áustria\, ao mesmo tempo em que concebeu exposições importantes\, como a “Austriennale” (Trienal de Milão\, 1968)\, “MANtransFORMS” (Cooper Hewitt Museum\, Nova York\, 1976)\, além de instalações como Die Turnstunde (Städtisches Museum Abteiberg\, Mönchengladbach\, 1984). Sua célebre fachada com colunata para a exposição fundadora do pós-modernismo\, “La Strada Novissima”\, na Bienal de Veneza de 1980\, consolidou sua fama internacional e associação ao movimento. \nApós projetos como as boutiques Retti (1966) e Schullin I e II (1974–1976)\, Hollein multiplicou suas realizações arquitetônicas na Áustria — como a Haas Haus (1990)\, localizada em frente à catedral de Santo Estêvão\, no centro de Viena — e no exterior\, com marcos como o Museu Abteiberg em Mönchengladbach (1982)\, o Museu de Arte Moderna de Frankfurt (1991) e Vulcania (2002)\, na região de Auvergne\, França.
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LOCATION:Centre Pompidou\, Place Georges-Pompidou\, Paris\, França
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SUMMARY:"Art in Prague at the Court of Rudolf II" no Museu do Louvre
DESCRIPTION:© Louvre Museum\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\nO Sacro Imperador Romano Rodolfo II (1552–1612)\, grande patrono das artes e das ciências\, foi um dos governantes europeus mais profundamente interessados no estudo da natureza. Ele reuniu cientistas e artistas de toda a Europa em sua corte\, onde passaram a trabalhar em estreita proximidade dentro dos muros do castelo\, transformando Praga em um verdadeiro laboratório\, um espaço de experimentação\, sob um clima favorável de tolerância intelectual e religiosa. \nA primeira parte da exposição apresenta essa convergência entre os olhares científicos e artísticos sobre a natureza\, particularmente intensa na corte de Praga. Ela se caracteriza\, antes de tudo\, por uma nova abordagem\, ao mesmo tempo direta e observacional. Os artistas participaram ativamente dos primeiros impulsos do empirismo\, não apenas ao produzir instrumentos científicos tão esteticamente refinados quanto inovadores\, mas também ao registrar o mundo vegetal e animal por meio de seus desenhos — uma contribuição fundamental para o inventário das espécies vivas então empreendido pelas ciências naturais. Assim como os cientistas\, os artistas também se interessavam pelas forças ocultas da natureza\, expressando-as por meio da alegoria. Todos compartilhavam uma mesma cultura humanista\, geralmente adquirida por meio dos livros e herdada da Antiguidade. No entanto\, o sistema coeso descrito por essas obras mais antigas não resistiu à observação atenta de um mundo natural instável e caprichoso. \nA segunda parte da exposição mostra como essa curiosidade pelas formas da natureza\, comum a cientistas e artistas\, contribuiu para a renovação da criação artística em Praga. Práticas novas\, como o desenho ao ar livre (en plein air)\, tornaram-se populares\, e essa experiência direta da natureza incentivou os artistas a experimentar novos materiais e temas\, incluindo muitos que antes eram considerados indignos de representação. Desenvolveu-se um gosto por técnicas artísticas capazes de imitar a singularidade das formas naturais e evocar a instabilidade inerente aos processos de crescimento dos seres vivos.
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SUMMARY:"Paris noir" no Centre Pompidou
DESCRIPTION:Bob Thompson\, The Struggle\, 1963. © Michael Rosenfeld Gallery LLC\, Nova York. Foto: Cortesia da Michael Rosenfeld Gallery LLC\, Nova York\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n“Paris noir” é uma imersão vibrante em um Paris cosmopolita\, lugar de resistência e criação\, que deu origem a uma ampla variedade de práticas — da tomada de consciência identitária à busca por linguagens plásticas transculturais. Das abstrações internacionais às afro-atlânticas\, passando pelo surrealismo e pela figuração livre\, esse percurso histórico revela a importância dos artistas afrodescendentes na redefinição das modernidades e pós-modernidades. \nQuatro instalações produzidas especialmente para a exposição por Valérie John\, Nathalie Leroy Fiévee\, Jay Ramier e Shuck One pontuam o percurso com olhares contemporâneos sobre essa memória. No centro da mostra\, uma matriz circular retoma o motivo do Atlântico Negro — oceano transformado em disco\, metonímia do Caribe e do “Todo-Mundo”\, segundo a expressão do poeta martinicano Édouard Glissant — como metáfora do espaço parisiense. \nAtenta aos fluxos\, redes e laços de amizade\, a exposição assume a forma de uma cartografia viva — e muitas vezes inédita — de Paris.
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SUMMARY:"Énormément bizarre" no Centre Pompidou
DESCRIPTION:Lucile Littot\, “Sur un air de Wagner – Le Favorite – Jumelle blonde No1”\, 2018. © direitos reservados. Créditos da foto: Centre Pompidou\, MNAM-CCI / Philippe Migeat / Dist. GrandPalaisRmn\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\nPor ocasião da doação da coleção Jean Chatelus ao Centre Pompidou pela Fondation Antoine de Galbert\, o Musée national d’art moderne apresenta este conjunto excepcional de obras reunidas ao longo de toda uma vida com paixão e curiosidade. Composta por cerca de quatrocentas peças — esculturas\, instalações\, pinturas\, fotografias\, desenhos\, objetos votivos e vernaculares — que refletem estéticas e vozes diversas\, a exposição enfatiza temas como a poética da ruína\, a decomposição orgânica\, o interdito e o espectro apocalíptico\, revelando as obsessões do colecionador. \nA apresentação de parte da coleção no Musée d’Art Moderne de Paris durante a exposição Passions Privées e\, posteriormente\, na mostra L’intime\, le collectionneur derrière la porte\, que inaugurou a Maison Rouge em 2004\, já havia oferecido um vislumbre da amplitude desse acervo\, então exposto em seus apartamentos de forma densa\, heterogênea e anti-retórica. \nComo forma de homenagear essa visão incomum e revelar a singularidade desse gabinete de curiosidades do século XX\, a exposição Énormément bizarre propõe apresentar quase a totalidade da doação por meio de uma abordagem anacrônica\, privilegiando associações livres. Alguns espaços de sua residência são reconstruídos fielmente para permitir ao público mergulhar em seu universo\, enquanto outros são recriados em chave mais museológica\, ainda que respeitando sua visão particular. A doação\, notável por sua dimensão\, valor histórico e estranheza\, empresta seu título à expressão usada por Wim Delvoye — um dos artistas mais presentes na coleção — ao comentar sua passagem pela casa do colecionador. \nFalecido em 6 de julho de 2021\, aos 82 anos\, Jean Chatelus — de origem lionesa\, agrégé em História e professor da Sorbonne — reuniu ao longo da vida uma coleção única\, livre de convenções e avessa ao gosto dominante. Dizia-se mais “acumulador” do que colecionador. Em seu lar\, obras de Cindy Sherman\, Mike Kelley\, Christian Boltanski\, Yayoi Kusama\, Michel Journiac\, Daniel Spoerri\, Robert Filliou\, Nam June Paik\, Joana Vasconcelos e Andres Serrano passaram a conviver com peças de arte extra-ocidental e objetos oriundos de tradições populares. As obras surrealistas que marcaram o início da coleção deixaram-lhe o gosto pelo objeto desviado\, logo substituídas por criações da arte corporal\, um dos movimentos mais representados no acervo. Além do corpo\, os temas da morte e da efemeridade da vida impregnam muitas das obras reunidas. Seu olhar aguçado e extrema liberdade o levaram a se cercar de trabalhos de artistas outsider e de “crianças terríveis”. Paralelamente\, cultivou profundo interesse por objetos etnográficos de diversas culturas\, especialmente da África subsaariana e do Golfo da Guiné\, demonstrando viva curiosidade por artefatos ligados a múltiplas crenças. \nA exposição\, concebida pela Fondation Antoine de Galbert\, Annalisa Rimmaudo e Xavier Rey\, é acompanhada de um documentário dirigido por Alyssa Verbizh e de um catálogo coeditado pela Empire e pela fundação.
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SUMMARY:"Matisse et Marguerite" no Musée d'Art Moderne de Paris
DESCRIPTION:Henri Matisse\, “Marguerite au chat noir”\, 1910. Paris\, Centre Pompidou / Musée national d’art moderne / Centre de création industrielle\n\n\n\n\nO Musée d’Art Moderne de Paris apresenta uma exposição inédita dedicada a Henri Matisse (1869–1954)\, um dos maiores artistas do século XX. Reunindo mais de 110 obras — entre pinturas\, desenhos\, gravuras\, esculturas e cerâmicas —\, a mostra propõe lançar luz sobre o olhar de artista e de pai que Matisse dirigiu à sua filha mais velha\, Marguerite Duthuit-Matisse (1894–1982)\, figura essencial\, porém discreta\, de seu círculo familiar. \nA exposição apresenta diversos desenhos raramente\, ou nunca antes\, mostrados ao público\, além de importantes pinturas provenientes de coleções americanas\, suíças e japonesas\, expostas na França pela primeira vez. Fotografias\, documentos de arquivo e obras pintadas pela própria Marguerite completam o retrato dessa personalidade ainda pouco conhecida do grande público. \nDas primeiras imagens da infância até o fim da Segunda Guerra Mundial\, Marguerite foi o modelo mais constante da obra de Matisse — a única pessoa a habitar sua produção artística ao longo de várias décadas. Dotados de uma franqueza e intensidade notáveis\, seus retratos revelam uma emoção rara\, proporcional ao afeto profundo que o artista nutria pela filha. Matisse parecia vê-la como uma espécie de espelho de si mesmo\, como se\, ao pintá-la\, finalmente alcançasse a “identificação quase completa entre o pintor e seu modelo” à qual sempre aspirou. \nOrganizada de forma cronológica\, a exposição evidencia a força do vínculo entre pai e filha\, revelando a profunda confiança e o respeito mútuo que compartilhavam. Também é uma oportunidade de descobrir o destino fascinante de uma mulher extraordinária\, que desempenhou um papel central na carreira de seu pai. \nPrimogênita dos três filhos de Matisse\, Marguerite nasceu em 1894\, fruto da breve relação que o jovem estudante de pintura manteve com sua modelo\, Caroline Joblaud. Reconhecida por Matisse\, ela cresceu ao lado de Jean (1899–1976) e Pierre (1900–1989)\, filhos do artista com sua esposa Amélie. “Somos como os cinco dedos da mão”\, escreveria mais tarde Marguerite\, referindo-se a esse núcleo familiar profundamente unido.
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LOCATION:Musée d’Art Moderne de Paris\, 11 Av. du Président Wilson Paris\, Paris\, Paris\, França
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SUMMARY:"Gabriele Münter: Peindre sans détours" no Musée d'Art Moderne de Paris
DESCRIPTION:Gabriele Münter\, “Portrait de Marianne von Werefkin”\, 1909. Städtische Galerie im Lenbachhaus und Kunstbau München\, Munich\n\n\n\n\nO Musée d’Art Moderne de Paris apresenta a primeira retrospectiva na França dedicada à artista alemã Gabriele Münter (1877–1962). Cofundadora do círculo de Munique conhecido como Der Blaue Reiter (O Cavaleiro Azul)\, Gabriele Münter está entre as artistas mais importantes do expressionismo alemão. Em um meio artístico dominado por homens\, ela construiu uma obra profundamente pessoal e diversa\, que se estende por seis décadas. \nEmbora seu nome ainda seja frequentemente associado ao de Wassily Kandinsky\, com quem teve um relacionamento durante seus anos em Munique (1903–1914)\, Münter nunca deixou de se reinventar com surpreendente modernidade\, dominando diversas técnicas e deixando um conjunto de obras abundante. \nApós as retrospectivas de destaque dedicadas a Sonia Delaunay (2014–2015)\, Paula Modersohn-Becker (2016) e Anna-Eva Bergman (2023)\, o MAM dá continuidade à sua política de valorização de figuras femininas fundamentais da arte moderna cujos percursos estão intimamente ligados à capital francesa. O museu convida o público a redescobrir essa pioneira da arte moderna\, que iniciou sua carreira em Paris\, onde expôs pela primeira vez em 1907 no Salon des Indépendants. \nCom uma seleção de aproximadamente 170 obras em diversas técnicas — pintura\, gravura\, fotografia\, bordado\, entre outras —\, esta exposição inédita na França tem como objetivo apresentar um percurso cronológico detalhado da produção de Gabriele Münter\, cobrindo mais de 60 anos de criação e destacando sua importância para a história da arte do século XX. \nO catálogo reúne sete ensaios de especialistas franceses e alemães — entre eles Kathrin Heinz\, Dominique Jarassé\, Angela Lampe e Katharina Sykora — alinhados às diferentes seções da exposição. Os textos detalham a riqueza técnica da obra de Münter\, com especial atenção à fotografia e à evolução de sua linguagem artística a partir da metade dos anos 1920. Trata-se do primeiro catálogo de exposição em francês dedicado à artista\, uma referência essencial para o conhecimento e a difusão de sua obra.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/gabriele-munter-peindre-sans-detours-no-musee-dart-moderne-de-paris/
LOCATION:Musée d’Art Moderne de Paris\, 11 Av. du Président Wilson Paris\, Paris\, Paris\, França
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SUMMARY:"Philippe Perrot" no Musée d'Art Moderne de Paris
DESCRIPTION:Philippe Perrot\, Sem título\, 2005. Crédito: Aurélie Dupuis/Azentis Technology\n\n\n\n\nNascido em 1967\, Philippe Perrot cresceu na periferia de Paris. Aos quinze anos\, descobriu a literatura francesa do pós-guerra e mergulhou nos escritos de Antonin Artaud. Apaixonou-se por Pier Paolo Pasolini e pela Nova Vaga italiana\, ingressando em uma escola de cinema. Por meio de vídeos curtos\, o artista começou a explorar o universo familiar e as feridas de sua infância. A partir dos anos 1990\, abandonou o cinema para se dedicar\, como autodidata\, à pintura — sem\, no entanto\, abrir mão dos temas centrais que atravessam toda a sua obra. Perrot faleceu em 2015\, aos 48 anos\, em decorrência de uma longa doença. \nA pintura de Philippe Perrot dá corpo ao sonho e ao inconsciente. Em suas telas\, personagens flutuantes e debilitados encenam dramas íntimos orbitando figuras tutelares como o pai ou a mãe. Seus quadros são representações de estados de alma\, visões complexas oriundas de alucinações cotidianas e segredos de família reprimidos. Esses traumas\, porém\, são suavizados pela constante intrusão de elementos burlescos inspirados no universo dos desenhos animados\, que\, segundo o próprio artista\, aproximam a figuração de “uma piada de mau gosto”. Embora os títulos ofereçam algumas pistas para a compreensão das imagens\, as narrativas permanecem\, em geral\, desconcertantes e enigmáticas. \nPintadas a óleo sobre telas preparadas com pigmento amarelo ocre\, suas obras se caracterizam pela justaposição de vários micro-relatos em uma mesma composição. \nÀ semelhança de planos-sequência no cinema\, as imagens se encadeiam em narrativas que o espectador pode livremente interpretar. A iconografia violenta é acentuada por cores berrantes\, muitas vezes misturadas com desinfetantes farmacêuticos como betadina e eosina. A perturbação da perspectiva\, assim como a superposição de cenas e elementos díspares\, intensificam as tensões expressas nas obras e dificultam sua leitura linear. \nArtista discreto\, na contramão do mercado da arte contemporânea\, Philippe Perrot produziu pouco — cerca de três a quatro pinturas por ano. Seu corpo de trabalho se limita a 130 telas e aproximadamente o mesmo número de desenhos em toda a sua carreira. Graças a uma generosa doação\, seis obras do artista passaram a integrar\, em 2019\, as coleções do museu. Esta apresentação é complementada por diversos empréstimos provenientes de coleções particulares.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/philippe-perrot-no-musee-dart-moderne-de-paris/
LOCATION:Musée d’Art Moderne de Paris\, 11 Av. du Président Wilson Paris\, Paris\, Paris\, França
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SUMMARY:"Eugène Boudin\, the father of Impressionism: a private collection" no Musée Marmottan Monet
DESCRIPTION:Eugène Boudin\, “La Plage à Trouville”\, 1863. Coleção Yann Guyonvarc’h © Studio Christian Baraja SLB\n\n\n\n\nDe 9 de abril a 31 de agosto de 2025\, o Musée Marmottan Monet apresenta a exposição Eugène Boudin\, o pai do impressionismo: uma coleção particular. \nO colecionador Yann Guyonwarc’h reuniu um acervo de obras de Eugène Boudin (1824–1898) sem equivalente em nenhum museu do mundo. A mostra contempla todas as fases da carreira do artista\, desde suas primeiras pinturas em Le Havre até sua última viagem a Veneza; de esboços íntimos a obras destinadas ao Salão (incluindo uma das duas maiores cenas de praia já pintadas por Boudin). \nAs obras dessa coleção excepcional dialogam com o acervo do Musée Marmottan Monet\, destacando a relação entre Boudin e seu principal discípulo\, Claude Monet. Com o apoio dos arquivos Durand-Ruel\, a exposição também investiga a relação entre os dois artistas e o marchand que os representava. \nCuradoria de Laurent Manoeuvre\, historiador da arte e engenheiro de pesquisa do Departamento de Museus da França.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/eugene-boudin-the-father-of-impressionism-a-private-collection-no-musee-marmottan-monet/
LOCATION:Musée Marmottan Monet\, 2 Rue Louis Boilly\, Paris\, França
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SUMMARY:"Morisot / Pétrovitch" no Musée Marmottan Monet
DESCRIPTION:Foto © Hervé Plumet\, Adagp 2025\n\n\n\n\nDesde 2019\, o museu convida uma artista contemporânea para dialogar com seu acervo. Para a nona edição destes “Diálogos Inesperados”\, o museu escolheu Françoise Pétrovitch\, uma artista de destaque no cenário artístico francês e internacional. Neste “Diálogo Inesperado”\, apresentado de 9 de abril a 14 de setembro de 2025\, ela escolheu outra artista\, Berthe Morisot\, com quem compartilha os temas do retrato\, da infância\, da adolescência e da intimidade. Aqui\, o paralelo entre as “Rosas Trémières” de Morisot e os “Soleils” de Pétrovitch destaca outra ponte entre as duas pintoras: a relação interior e muito corporificada com a natureza.
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LOCATION:Musée Marmottan Monet\, 2 Rue Louis Boilly\, Paris\, França
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SUMMARY:"David Hockney 25" na Fondation Louis Vuitton
DESCRIPTION:David Hockney\, “Portrait of an Artist (Pool with Two Figures)”\, 1972 © David Hockney – Imagem ilustrativa\n\n\n\n\nA mostra David Hockney 25 evidencia como\, nos últimos anos\, o artista manteve um processo de renovação contínua\, tanto em seus temas quanto nos modos de expressão. Sua capacidade de se reinventar por meio de novos meios é\, de fato\, notável. Inicialmente desenhista e exímio conhecedor das técnicas acadêmicas\, Hockney tornou-se hoje um dos principais expoentes das novas tecnologias na arte. \nLogo na entrada\, são reunidas no térreo obras emblemáticas produzidas entre os anos 1950 e 1970 — desde seus primeiros trabalhos em Bradford (Portrait of My Father\, 1955)\, passando por sua estadia em Londres\, até chegar à Califórnia. O tema da piscina\, ícone de sua obra\, surge com A Bigger Splash (1967) e Portrait of an Artist (Pool with Two Figures) (1972). Sua série de duplos retratos está representada por duas pinturas fundamentais: Mr. and Mrs. Clark and Percy (1970–1971) e Christopher Isherwood and Don Bachardy (1968). \nA natureza passa a ocupar um lugar cada vez mais central na produção de Hockney a partir das décadas de 1980 e 1990 — como evidencia A Bigger Grand Canyon (1998) —\, até que o artista retorna à Europa para aprofundar sua exploração de paisagens familiares. \nO núcleo principal da exposição é dedicado aos últimos 25 anos\, período em que Hockney viveu principalmente no Yorkshire\, onde reencontrou as paisagens de sua infância\, e também na Normandia e em Londres. A mostra celebra essa fase com obras como May Blossom on the Roman Road (2009)\, em que transforma um simples arbusto de espinheiro em uma explosão espetacular da primavera. Sua observação do ritmo das estações culmina em Bigger Trees near Warter or/ou Peinture sur le Motif pour le Nouvel Âge Post-Photographique (2007)\, uma paisagem monumental de inverno pintada ao ar livre\, emprestada excepcionalmente pela Tate de Londres. \nAo mesmo tempo\, David Hockney continua a retratar seus amigos e pessoas próximas\, seja com tinta acrílica ou no iPad — série pontuada por diversos autorretratos. A exposição reúne cerca de sessenta retratos na galeria 4\, acompanhados de “retratos de flores” feitos no iPad\, mas apresentados em molduras tradicionais\, criando um jogo de percepções que se intensifica no dispositivo que os agrupa na parede em 25th June 2022\, Looking at the Flowers (Framed)\, 2022. \nTodo o primeiro andar — galerias 5 a 7 — é dedicado à Normandia e suas paisagens. A série 220 for 2020\, realizada exclusivamente no iPad\, é apresentada em uma instalação inédita na galeria 5. Nela\, Hockney registra\, dia após dia e estação após estação\, as variações da luz. Na galeria 6\, que dá continuidade a esse conjunto\, destaca-se uma série de pinturas acrílicas com um tratamento muito particular do céu\, animado por pinceladas vibrantes — uma evocação distante de Van Gogh. Já a galeria 7 apresenta um panorama composto por vinte e quatro desenhos a tinta (La Grande Cour\, 2019)\, que remete à Tapeçaria de Bayeux. \nO último andar se abre com uma série de reproduções que remontam ao Quattrocento\, referências fundamentais para Hockney (The Great Wall\, 2000). Sua pintura\, alimentada pela história universal da arte desde a Antiguidade\, tem como foco aqui a tradição europeia — da Primeira Renascença e dos mestres flamengos até a arte moderna. A primeira parte da galeria 9 testemunha esse diálogo com Fra Angelico\, Claude Lorrain\, Cézanne\, Van Gogh\, Picasso… Em seguida\, o público é convidado a atravessar esse espaço transformado em uma espécie de sala de ensaio\, como o próprio Hockney costuma fazer em sua casa\, onde recebe músicos e dançarinos. \nApaixonado por ópera\, o artista desejou reinterpretar suas criações para o palco desde os anos 1970 em uma nova composição polifônica\, musical e visual\, realizada em colaboração com o 59 Studio\, que envolve o visitante na galeria 10\, a mais monumental da Fundação. \nA exposição se encerra em um espaço mais intimista — galeria 11 — dedicado às obras mais recentes pintadas em Londres\, onde Hockney reside desde julho de 2023. Essas pinturas\, especialmente enigmáticas\, são inspiradas em Edvard Munch e William Blake: After Munch: Less is Known than People Think (2023) e After Blake: Less is Known than People Think (2024)\, onde astronomia\, história e geografia se entrelaçam com uma forma de espiritualidade\, segundo o próprio artista. Nesta última sala\, ele decidiu incluir seu autorretrato mais recente.
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LOCATION:Fondation Louis Vuitton\, 8\, Avenue du Mahatma Gandhi Bois de Boulogne\, Paris\, França
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SUMMARY:"Robert Doisneau: Instants Donnés" no Musée Maillol
DESCRIPTION:© Robert Doisneau\, Instants donnés\, no Musée Maillol\n\n\n\n\nPor meio de uma jornada notável composta por mais de 350 fotografias\, descubra a obra do renomado fotógrafo Robert Doisneau. \nA exposição Robert Doisneau. Instants Donnés marca o retorno das fotografias de Doisneau à cidade de Paris após anos de ausência. \nCerca de 400 imagens foram cuidadosamente selecionadas a partir das 450 mil que compõem o acervo. Ícones conhecidos se misturam a séries totalmente renovadas\, revelando a habilidade do fotógrafo em capturar a experiência humana em uma ampla variedade de contextos: a infância\, os artistas\, os escritores\, os cafés\, os anos na Vogue\, assim como a dureza e a gravidade da vida nos subúrbios… \nUMA CRIAÇÃO NOVA\, RARA E PESSOAL\nPartindo da realidade mais ordinária\, Robert Doisneau nos conduz a sua visão única do mundo ao seu redor. \nSeu olhar divertido sobre a infância. Seus subúrbios parisienses que passam do preto e branco à cor. As visitas íntimas aos ateliês de pintores e escultores; a exploração da moda e do luxo no pós-guerra durante os anos na Vogue. São tantos temas que\, com uma atenção sempre minuciosa\, oferecem um comentário social sobre um mundo áspero e implacável\, com o qual o fotógrafo mantinha profunda solidariedade. \nAo longo de um percurso excepcionalmente rico\, o público poderá descobrir objetos pessoais e documentos pertencentes ao artista\, além de conteúdos interativos e audiovisuais. Também será apresentada sua produção publicitária — muitas vezes bem-humorada e amplamente desconhecida. \nLonge de um Doisneau nostálgico\, suas fotografias estavam enraizadas no presente e voltadas para o futuro. \nUM MUNDO REAL VISTO PELOS OLHOS DE UM SONHADOR\nA exposição Robert Doisneau. Instants Donnés oferece um verdadeiro encontro com o fotógrafo e seu universo criativo abundante. Seu olhar é marcado por um realismo poético\, que vê o mundo como ele é\, mas realça o maravilhoso. A mostra transmite um espírito que flutua entre a leveza e a gravidade\, entre o sonho e a realidade. \nSeja como reflexo de uma realidade melancólica ou como testemunho de uma alegria de viver irreprimível\, o impacto dessas imagens depende da história de cada um. Talvez essas fotografias — algumas das quais se tornaram universais — nos conduzam a um encontro mais profundo conosco mesmos… \nUma exposição concebida por uma curadoria coletiva envolvendo a Tempora e o Atelier Doisneau\, liderado por Annette Doisneau e Francine Deroudille\, filhas do fotógrafo\, em colaboração com o Musée Maillol.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/robert-doisneau-instants-donnes-no-musee-maillol/
LOCATION:Musée Maillol\, 59-61 Rue de Grenelle\, Paris\, França
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