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SUMMARY:"La Mode en mouvement #2" no Palais Galliera
DESCRIPTION:De 26 de abril de 2024 a 5 de janeiro de 2025\, o Palais Galliera revela “La Mode en mouvement #2”. Com mais de 250 novas obras apresentadas durante esta segunda exibição\, a exposição traça\, através das coleções do museu\, uma história da moda do século XVIII até os dias atuais e desenvolve a temática transversal do corpo em movimento. Um foco especial também é dedicado às roupas de banho\, revelando peças raramente mostradas ao público. \n\n\n\nEnquanto Paris acolhe os Jogos Olímpicos e Paralímpicos no verão de 2024\, “La Mode en mouvement #2” permite compreender o papel do vestuário na prática de atividades físicas e esportivas\, bem como as consequências sociais de sua evolução. \n\n\n\nO vestuário concebido para o esporte (equitacão\, tênis\, golfe\, bicicleta…) é comparado ao vestuário de cidade. Esta segunda apresentação permite ao público perceber a progressiva especialização do vestuário esportivo\, assim como a introdução do sportswear no vestuário cotidiano. \n\n\n\nA seção balneária foca nos banhos de mar e na natação\, símbolos da democratização da prática esportiva desde o final do século XIX. É uma oportunidade de descobrir a importante coleção de trajes de banho\, maiôs\, roupas e acessórios de praia conservados no Palais Galliera. Esta seção destaca a evolução da relação com o corpo através de seu desvelamento na esfera pública\, bem como as noções de pudor e decência. Também revela a transformação dos cânones de beleza\, especialmente através da questão do bronzeamento. \n\n\n\n“La Mode en mouvement #2” beneficia-se de empréstimos excepcionais do Musée National du Sport (Nice)\, da Fundação Azzedine Alaïa\, da Biblioteca Forney (Paris)\, da Biblioteca Histórica da Cidade de Paris\, do Museu Carnavalet – História de Paris\, do Patrimônio da CHANEL\, da coleção Émile Hermès e da casa Yohji Yamamoto. Essas obras permitem colocar em perspectiva as peças do Palais Galliera\, testemunhas de uma prática física e esportiva\, de lazer ou de competição\, ao longo das épocas.
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SUMMARY:“Museum: Modern and Contemporary Collection” no Centre Pompidou
DESCRIPTION:Robert Delaunay\, Manège de cochons (detalhe)\, 1922. Domínio público. © Foto: Centre Pompidou\, MNAM-CCI/Bertrand Prévost/Dist. GrandPalaisRmn.\n\n\n\n\nDe baías a passarelas e de salas a corredores\, descubra os movimentos fundadores da história das artes dos séculos XX e XXI\, junto com as obras icônicas que marcaram profundamente a era moderna a partir da vasta coleção do Centre Pompidou.  \nA apresentação cronológica da coleção moderna começa em 1905 (no nível 5)\, com as pinceladas vibrantes e as cores dramáticas dos artistas Fauves. Esse movimento gerou os grandes artistas do século XX\, que lançaram as bases para o Cubismo\, Expressionismo e Abstração. Esses primeiros movimentos “vanguardistas” são representados por artistas de toda a Europa e de diversas partes do mundo. \nA coleção contemporânea (no nível 4) destaca obras que testemunham a diversidade dos contextos artísticos em nosso mundo globalizado\, além de ambientes e apresentações que constituem verdadeiros programas artísticos por si só. Dividida em sequências históricas\, essa apresentação reflete uma coleção em constante evolução\, enriquecida continuamente para mostrar o melhor da cena contemporânea. Algumas das obras emblemáticas da coleção são instalações multissensoriais\, como Le Magasin de Ben\, Plight de Joseph Beuys e Les Piques de Annette Messager.
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LOCATION:Centre Pompidou\, Place Georges-Pompidou\, Paris\, França
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SUMMARY:“Surrealism” no Centre Pompidou
DESCRIPTION:Max Ernst\, L’ange du foyer (Le Triomphe du surréalisme)\, 1937. © Adagp\, Paris. Foto: Vincent Everarts Photographie\n\n\n\n\nCombinando pinturas\, desenhos\, filmes\, fotografias e documentos literários\, a exposição apresenta obras dos artistas icônicos do movimento (Salvador Dalí\, René Magritte\, Giorgio de Chirico\, Max Ernst\, Joan Miró)\, bem como das surrealistas mulheres (incluindo Leonora Carrington\, Ithell Colquhoun\, Dora Maar). \nA exposição é organizada tanto cronologicamente quanto tematicamente\, estruturada em 14 seções que evocam as figuras literárias que inspiraram o movimento (Lautréamont\, Lewis Carroll\, Sade\, etc.) e os princípios poéticos que estruturam sua imagética (o artista como médium\, os sonhos\, a pedra filosofal\, a floresta\, etc.). \nNo centro da exposição está um “tambor” central que abriga o manuscrito original do Manifesto\, um empréstimo excepcional da Biblioteca Nacional da França. Uma exibição multimídia acompanha a descoberta deste documento único\, fornecendo uma visão sobre sua criação e significado.
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SUMMARY:"Masterpieces from the Borghese Gallery" no Musée Jacquemart-André
DESCRIPTION:Michelangelo Merisi da Caravaggio\, Boy with a Basket of Fruit (detalhe)\, c. 1593. (Ministero dei Beni e delle Attivita Culturali e del Turismo — Galleria Borghese / J. Paul Getty Trust)\n\n\n\n\nPara sua primeira exposição após mais de um ano de reformas\, o Musée Jacquemart-André apresentará cerca de quarenta obras-primas da famosa Galeria Borghese\, em Roma. Esta parceria excepcional entre as duas instituições oferecerá ao público uma oportunidade única de admirar em Paris um conjunto de obras importantes de artistas renomados dos períodos da Renascença e do Barroco\, raramente emprestadas fora da Itália\, como Caravaggio e Rubens\, além de obras de Botticelli\, Rafael\, Ticiano\, Veronese\, Antonello da Messina e Bernini. \nA Villa Borghese Pinciana\, que hoje abriga a Galeria Borghese\, foi construída entre 1607 e 1616 pelo poderoso Cardeal Scipione Borghese (1577–1633)\, sobrinho do Papa Paulo V (1550–1621). Inspirando-se nas luxuosas vilas romanas\, Scipione desejava usar o palácio\, cercado por jardins\, para exibir suas coleções de obras antigas e pinturas e esculturas contemporâneas\, evocando uma nova era de ouro. Dotado de um grande gosto pela arte\, uma curiosidade insaciável e uma habilidade extraordinária para identificar obras-primas\, Scipione Borghese completou sua coleção por todos os meios possíveis\, legais ou não. Ele se tornou um dos maiores colecionadores e patronos de seu tempo\, transformando a Villa Borghese em um verdadeiro museu antes mesmo de os museus existirem. De acordo com seus últimos desejos\, todas as suas coleções e propriedades foram passadas de geração em geração por quase duzentos anos\, e os herdeiros Borghese continuaram a enriquecer o patrimônio da família. No início do século XIX\, várias centenas de esculturas antigas foram\, no entanto\, cedidas a Napoleão Bonaparte por seu cunhado\, o Príncipe Camille Borghese (1775–1832); elas foram gradualmente substituídas por novas aquisições. A família Borghese acabou vendendo a villa e seu museu ao Estado italiano em 1902. A Galeria Borghese permanece um símbolo da prosperidade econômica\, cultural e artística de Roma na era moderna\, sendo um destino obrigatório para os visitantes da Cidade Eterna. \nGraças à parceria entre o Musée Jacquemart-André e a Galeria Borghese—no contexto de uma campanha de reformas no museu de Roma no outono de 2024—\, esta exposição apresentará uma seleção de obras excepcionais dessa coleção de arte\, única no mundo. O público poderá (re)descobrir obras dos mestres da arte italiana dos séculos XVI e XVII (Rafael\, Antonello da Messina\, Parmesan\, Lorenzo Lotto\, Ticiano\, Veronese\, Caravaggio\, Bernini\, etc.)\, além de pintores nórdicos que permaneceram na Itália (Rubens\, Gerrit van Honthorst\, etc.). A exposição também prestará homenagem a pintores menos conhecidos pelo público geral\, como Annibale Carracci\, Guido Reni\, Cavaliere D’Arpino e Jacopo Bassano. A apresentação das obras na exposição iluminará tanto a história da coleção quanto os grandes temas explorados pelos artistas. A exposição será complementada por um catálogo\, uma obra de referência em francês sobre a coleção de pinturas “modernas” da Galeria Borghese. O Musée Jacquemart-André se esforça para destacar colecionadores que deixaram sua marca na história da arte\, como o casal Édouard André e Nélie Jacquemart. \nEles compilaram uma rica coleção de pinturas\, esculturas e móveis italianos\, desde a Idade Média até o século XVIII\, tornando o Musée Jacquemart-André uma das principais instituições francesas dedicadas à arte italiana. Assim\, as obras-primas colecionadas pela família Borghese serão particularmente bem cuidadas neste museu italiano no coração de Paris.
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LOCATION:Musée Jacquemart-André\, 158 Bd Haussmann\, Paris\, França
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SUMMARY:Barbara Chase-Riboud no Musée d'Orsay
DESCRIPTION:Retrato de Barbara Chase-Riboud © Cortesia da Pulitzer Arts Foundation / Virginia Harold\n\n\n\n\nOito museus parisienses celebram Barbara Chase-Riboud. Nascida em 1939\, esta artista viva trabalha há sete décadas\, viajando pelo mundo e desenvolvendo um domínio incomparável das formas. A exposição\, distribuída por oito locais\, apresenta um conjunto de esculturas monumentais que demonstram o poder do bronze e da seda\, elementos centrais na obra da escultora\, tecendo conexões entre culturas\, histórias e materiais. No museu d’Orsay\, cinco peças da artista estão expostas no salão do relógio\, no 5º andar. \nNo famoso salão do relógio do museu d’Orsay\, um lugar emblemático da modernidade\, cinco esculturas de alumínio e seda são apresentadas. Em diálogo com um dos dois grandes relógios da fachada do museu\, elas questionam a relação com o tempo. \nBarbara Chase-Riboud abre novos caminhos na escultura\, associando o bronze à seda e à lã\, criando obras onde a solidez e a fluidez não estão em contradição\, mas inventam uma forma\, ao mesmo tempo humana e abstrata\, móvel. \nNomeada em homenagem ao livro de poesia de Barbara Chase-Riboud\, publicado em 2014\, a exposição “Quando um nó é desfeito\, um deus é libertado” se desdobra em oito locais. Ela oferece aos visitantes uma constelação de encontros com a obra da artista\, por meio de esculturas\, desenhos e poemas criados entre 1958 e os dias de hoje.
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LOCATION:Musée d’Orsay\, 1 Rue de la Légion d'Honneur Paris\, Paris\, Paris\, França
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SUMMARY:"The Flowers of Yves Saint Laurent" no Musée Yves Saint Laurent
DESCRIPTION:Imagem: Divulgação\n\nDe 20 de setembro de 2024 a 4 de maio de 2025\, o Musée Yves Saint Laurent Paris apresenta As Flores de Yves Saint Laurent. Idealizada pelos curadores Olivier Saillard e Gaël Mamine\, a exposição segue uma exibição inaugural no Musée Yves Saint Laurent Marrakech\, em cartaz de 2 de março de 2024 a 5 de janeiro de 2025. Pela primeira vez\, os dois museus se uniram para montar uma exposição conjunta dedicada a um tema central na obra do estilista. \n“Trigo traz boa sorteLírios\, minha flor favorita/Uma Vênus de bronze\, símbolo da minha profissão e da minha paixão por bronzesÀ la recherche du temps perdu de Proust/ \nDesde os quinze anos\, nunca parei de reler essa obra incomparável.” \nYves Saint Laurent e seu parceiro Pierre Bergé viviam diariamente cercados por flores e jardins em seus apartamentos\, casas de campo e na própria maison de moda. Apaixonado por flores\, o estilista as considerava uma fonte infinita de inspiração. \nYves Saint Laurent compartilhava essa admiração pela natureza com muitos artistas e escritores\, em particular com um de seus autores favoritos\, Marcel Proust\, como revelou na revista L’Egoïste em 1987. Um universo proustiano aparecia nos interiores do estilista\, assim como em seus desfiles de moda. Enquanto o escritor descrevia mulheres como flores\, o costureiro as homenageava cobrindo-as com flores. \nMais de trinta peças de vestuário e desenhos apresentados na exposição destacam essa simbiose entre natureza\, literatura e o trabalho de Yves Saint Laurent. \nComo em um livro\, cada capítulo da exposição exibe citações de Proust ao lado de silhuetas florais criadas por Yves Saint Laurent\, enquanto acessórios e desenhos do estilista são apresentados em pedestais. Como ao longo de um caminho de jardim\, flores estão por toda parte\, revelando a personalidade e os gostos do designer: desde o lírio-do-vale\, tão querido por Christian Dior\, ao logotipo YSL com seu monograma semelhante a um lírio\, das rosas simbolizando o amor à buganvília de Marrocos\, ou ao trigo\, portador de sorte e triunfo. \nPor meio das peças icônicas vistas na exposição\, o visitante descobre a expertise que Yves Saint Laurent utilizava para dar vida às suas criações florais: desde seu bordado aplicado no vestido da coleção primavera-verão de 1962 até suas estampas inventivas da coleção primavera-verão de 2001\, uma referência inesquecível às pinturas de Pierre Bonnard. \nVemos as flores gigantes de gazar de seda usadas na passarela por Laetitia Casta como noiva de verão em 1999\, uma imagem marcante da obra de Yves Saint Laurent. \nEsse diálogo espontâneo entre as artes e diferentes épocas continua quando nos deparamos com o trabalho do artista americano Sam Falls\, cujas obras são vistas ao longo da exposição. Viajando pelo mundo\, Falls coleta amostras de plantas e preserva a memória de paisagens florais imprimindo diretamente seus pigmentos em tela. Os padrões e cores de sua recriação da natureza se harmonizam com aqueles vistos nas peças de alta-costura. Nas roupas de Yves Saint Laurent\, assim como nas pinturas de Sam Falls\, as flores transcendem o tempo e permanecem eternamente em flor.
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LOCATION:Musée Yves Saint Laurent Paris\, 5 Av. Marceau\, Paris\, França
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SUMMARY:“Antoine d'Agata: Méthode” no Centre Pompidou
DESCRIPTION:Antoine D’Agata © Gilles Pandel\n\n\n\n\n\n\n\nA convite do Centre Pompidou\, o fotógrafo Antoine d’Agata (nascido em 1961 em Marselha\, França) transforma uma das salas do museu em seu ateliê durante cem dias. O público é convidado a acompanhar o processo de trabalho do artista ao longo desse período. \nO ateliê de Antoine d’Agata é o mundo. O fotógrafo leva uma vida incansável\, sempre em movimento\, entre seus projetos pessoais e encomendas para a imprensa\, que o conduzem a regiões remotas e zonas de conflito. O projeto Méthode propõe uma mudança radical em sua prática. Aqui\, ele experimenta uma abordagem híbrida\, que chama de “obra-práxis”\, alimentada por uma tentativa incessante e inacabada de alcançar uma conclusão que continuamente se reinicia. \nEssa residência artística no museu oferece a d’Agata a oportunidade de transformar a sala 21bis em seu ateliê por cem dias. Ele dedica esse tempo a trabalhar em seus vastos arquivos fotográficos\, suas coleções de objetos\, livros e filmes. Assim\, ele revisita sua trajetória e busca criar uma espécie de conclusão sob a forma de uma instalação monumental\, o Atelier-monde e seus 256 cadernos de trabalho. \nEsse espaço contrasta o isolamento do viajante com o encontro com o público\, que pode observar o artista enquanto ele finaliza sua obra e busca um método para organizar seu fluxo narrativo. A residência também inclui trocas com treze autores convidados para debater os temas centrais da obra de d’Agata — a história\, a crueldade\, a fragilidade\, a falta e a morte.
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LOCATION:Centre Pompidou\, Place Georges-Pompidou\, Paris\, França
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SUMMARY:"Céline Laguarde (1873-1961) Photographe" no Musée d'Orsay
DESCRIPTION:Céline Laguarde\, Portrait d’homme et paysage du pays basque\, entre 1901 e 1914 © Musée d’Orsay\, dist. GrandPalaisRmn / Allison Bellido\n\n\n\n\nNo início do século XX\, Céline Laguarde se destacou como uma figura internacional do primeiro movimento artístico da história da fotografia\, o pictorialismo. Sua obra\, após um século de esquecimento\, está sendo redescoberta. A exposição convida a uma dupla redescoberta: a de uma mulher fotógrafa que alcançou um nível de reconhecimento até então único e sem precedentes na França desde a invenção do meio\, mas também\, e sobretudo\, a de uma artista já considerada\, em vida\, uma das fotógrafas mais importantes de seu tempo. \nA exposição foi possível graças à progressiva revelação do acervo pessoal da artista\, que foi recomposto nas coleções do Museu d’Orsay entre 2017 e 2024. Seu objetivo principal é revelar uma obra de qualidade\, variedade e longevidade surpreendentes. Retratos\, estudos de figuras e paisagens permitem avaliar a reputação de virtuosa adquirida pela fotógrafa no campo dos processos pigmentares\, ainda hoje considerados entre as técnicas de impressão mais complexas e sofisticadas. \nPor meio de mais de cento e trinta provas originais da artista\, colocadas ocasionalmente em diálogo com fotografias de contemporâneos masculinos e femininos\, a exposição permite observar as evoluções e permanências\, as influências e diálogos\, bem como a originalidade e especificidades que caracterizam a obra de Laguarde. \nFruto de pesquisas totalmente inéditas\, a exposição e o catálogo que a acompanha — o primeiro dedicado à artista — são construídos com base em uma reconstituição do corpus\, da biografia\, da carreira e da fortuna crítica de Céline Laguarde. Esta trajetória individual também é contextualizada em três âmbitos: o de uma rede singularmente eclética de sociabilidades artísticas\, literárias\, musicais e científicas; o da fotografia artística regional\, nacional e internacional; e o\, até então pouco explorado\, da fotografia feminina na França no final do século XIX e início do século XX. \nOferecendo um novo olhar sobre o pictorialismo\, esta retrospectiva\, a primeira dedicada a Céline Laguarde\, é também a primeira dedicada a uma fotógrafa francesa que foi ativa antes da Primeira Guerra Mundial.
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SUMMARY:"Harriet Backer (1845-1932) La musique des couleurs" no Musée d'Orsay
DESCRIPTION:Harriet Backer\, Intérieur bleu\, 1883 © Oslo\, Nasjonalmuseet for kunst\, arkitektur og design\, NG.M.02216 / Foto: National Museum / Børre Høstland\n\n\n\n\nPouco conhecida fora das fronteiras de seu país\, a pintora norueguesa Harriet Backer foi\, no entanto\, a mulher pintora mais renomada em seu país no final do século XIX. Famosa por seu uso de cores ricas e luminosas\, ela desenvolveu uma síntese muito pessoal entre as cenas de interiores e a prática ao ar livre. Ela se inspirava tanto no movimento realista quanto nas inovações do impressionismo\, com uma pincelada livre e um grande interesse nas variações da luz. Também é reconhecida por seus retratos sensíveis da vida rural e seu interesse pelos interiores de igrejas. \nEm uma época em que as mulheres na Noruega não eram consideradas cidadãs plenas\, Harriet Backer se destacou graças ao seu talento com o pincel\, tornando-se uma figura importante da cena artística de seu tempo. Membro do conselho de administração e do comitê de aquisição da Galeria Nacional da Noruega por vinte anos\, ela abriu\, no início da década de 1890\, uma escola de pintura onde formou artistas importantes da geração seguinte\, como Nikolai Astrup\, Halfdan Egedius e Helga Ring Reusch. Ela foi apoiada pelo colecionador Rasmus Meyer\, também grande patrono de Edvard Munch. \nEmbora a pintura de Backer tenha evoluído significativamente ao longo de sua longa carreira\, ela permaneceu fiel a um conjunto restrito de temas\, sempre enriquecidos pelo estudo a partir da observação direta. A exposição aborda a formação da artista nas grandes capitais culturais da época\, como Munique e Paris\, e também apresenta o círculo de mulheres artistas escandinavas próximas a Backer\, que\, assim como ela\, foram formadas pela Europa e compartilhavam de seus compromissos feministas. A exposição aborda\, em seguida\, os principais temas de predileção da artista: interiores rústicos\, pinturas de igrejas tradicionais norueguesas\, paisagens e seu sentido único para naturezas-mortas. A mostra também dará grande destaque às representações de cenas musicais\, uma componente importante na vida de Backer\, cuja irmã Agathe Backer Grondahl foi uma musicista renomada na Noruega\, e um tema central em sua obra\, onde as vibrações da pincelada tornam perceptíveis as notas de música. \nEsta exposição\, a primeira retrospectiva dedicada à artista na França\, se alinha a um dos principais eixos da programação do Museu d’Orsay\, que propõe\, paralelamente à apresentação de figuras mais emblemáticas\, a descoberta de artistas menos conhecidos\, mas essenciais para a compreensão das grandes transformações na arte da segunda metade do século XIX. A Noruega recebe uma atenção especial devido ao dinamismo de sua cena artística e aos laços privilegiados que seus artistas mantinham com as vanguardas parisienses.
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LOCATION:Musée d’Orsay\, 1 Rue de la Légion d'Honneur Paris\, Paris\, Paris\, França
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SUMMARY:“Apophénies\, interruptions: Artistes et intelligences artificielles au travail” no Centre Pompidou
DESCRIPTION:Holly Herndon & Mat Dryhurst\, “I’m Here\, 17.12.2022\, 5:44”\, 2023 © D.R.\n\n\n\n\n\n\n\n\n \n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\nNovas comissões\, obras recentes… seis instalações (Éric Baudelaire\, Mat Dryhurst e Holly Herndon\, Auriea Harvey\, Ho Rui An\, Interspecifics\, Agnieszka Kurant) exploram as férteis conexões entre criação artística e inteligência artificial. \nA exposição investiga as implicações da inteligência artificial\, com ênfase no papel da inteligência humana e da intervenção nos processos criativos\, chegando ao ponto de modificar os próprios sistemas de produção de IA. Reflexões sobre memória coletiva catalogada em arquivos nacionais\, uma investigação experimental sobre o fim dos grandes relatos\, previsões de futuras obras de arte ainda por serem realizadas\, experiências íntimas e os ecos da história colonial… esses são alguns dos temas que emergem nas obras apresentadas\, todas marcadas por uma curiosidade lúcida e que servem como experimentos com essa nova tecnologia que está transformando nosso mundo. \nEmbora a IA generativa abra caminhos para transformar a pesquisa artística e ofereça novas ferramentas criativas\, ela também tem um impacto profundo na maneira como somos levados a observar obras de arte. O termo “apofenia”\, cunhado em 1958 para descrever a esquizofrenia\, refere-se a um distúrbio cognitivo que envolve perceber conexões significativas entre coisas díspares e aparentemente não relacionadas. Esse fenômeno pode ser comparado às conexões errôneas nos processos de detecção de objetos que estão no cerne das inteligências artificiais generativas. Tais processos\, que oscilam entre a eficiência algorítmica e erros que comprometem a coerência\, são aqui considerados como pontos de partida férteis para a pesquisa artística. \nCom a IA generativa\, redes neurais transcendem a análise de informações e tornam-se criadoras\, gerando novas imagens e textos sintetizados a partir de vastos conjuntos de dados coletados na internet. No entanto\, como na apofenia\, distorções e vieses aparecem frequentemente\, produzindo conteúdos incorretos chamados “alucinações”. \nMesmo que essas imprecisões sejam atenuadas pela intervenção humana nos processos de treinamento\, filtragem e rotulagem\, elas ainda são preocupantes. Ainda assim\, esses modelos já são usados diariamente por milhões de pessoas. É justamente essa característica de acesso massivo à IA que torna este um momento revolucionário e\, consequentemente\, convoca explorações críticas artísticas. Não se trata apenas de considerar as potenciais consequências dessa nova tecnologia\, mas também de compreender como ela já começa a modificar e moldar nosso mundo social.
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SUMMARY:“Particules de nuit / Night Particles” no Centre Pompidou
DESCRIPTION:Apichatpong Weerasethakul\, “On Blue” © Kick the Machine Fims\, 2022\n\n\n\n\n\n\n\n\n \n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\nA obra de Apichatpong Weerasethakul situa-se na interseção entre o cinema de ficção\, o filme experimental e uma exploração artística que integra espaço\, imagens e sons em situações inéditas. \nA exposição Particules de nuit foi concebida especificamente para um local particular: o pavilhão que outrora abrigava uma reprodução do ateliê do escultor Constantin Brancusi e que\, atualmente\, está vazio em preparação para as obras de renovação do Centre Pompidou. De um espaço projetado para receber a luz do sol\, Weerasethakul transforma-o em um lugar de deambulação noturna\, pontuado apenas pela luz das imagens projetadas. \n“Ver / não é ver” — estas palavras escritas à mão reaparecem como um refrão em Seeing Circles (2022)\, em que o artista descreve um tremor da visão. Remetendo ao obturador de uma câmera\, o olho explora intermitentemente as múltiplas escalas do mundo visível a partir de seu próprio lar. Em For Bruce (2022)\, filmado na natureza peruana\, o mesmo olhar examina as ondulações e reflexos do sol na superfície da água\, revelando tanto a simplicidade instantânea quanto a complexidade de olhar / ver e\, talvez\, de meditar. As obras recentes reunidas para esta exposição\, assim como os estudos de Brancusi sobre luz e formas naturais\, apresentam um fluxo variado\, desde o brilho do sol amazônico até os meandros da noite. Como o palimpsesto de um sonho\, as imagens formam-se e dissipam-se\, despedem-se sem realmente desaparecer: transformam-se para depositar-se em outro lugar. As realidades do presente permanecem inseparáveis das memórias e dos mitos vernaculares. Ao mover-se entre essas iluminações\, o público percebe as fronteiras temporais se dissolvendo. \nEm Solarium (2023)\, uma instalação criada recentemente para a Bienal da Tailândia em Chiang Rai\, a investigação hipnagógica de Apichatpong Weerasethakul alcança um realismo alucinatório\, imaginando uma visão órfã e errante que volta para si mesma sua própria busca. O sol da memória nasce e se põe no horizonte. Resta apenas à pupila inventar outra luz.
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SUMMARY:"Arte Povera" na Bourse de Commerce
DESCRIPTION:Giuseppe Penone\, “Essere vento (To Be Wind)”\, 2014. Cortesia Marian Goodman Gallery\n\n\n\n\nEsta exposição explica tanto o nascimento italiano quanto a difusão internacional do movimento Arte Povera\, por meio das obras dos treze principais protagonistas: Giovanni Anselmo\, Alighiero Boetti\, Pier Paolo Calzolari\, Luciano Fabro\, Jannis Kounellis\, Mario Merz\, Marisa Merz\, Giulio Paolini\, Pino Pascali\, Giuseppe Penone\, Michelangelo Pistoletto\, Emilio Prini e Gilberto Zorio. Situada na arquitetura única da Bourse de Commerce\, transformada pelo arquiteto japonês Tadao Ando\, a exposição foi concebida como uma paisagem a ser percorrida\, que se torna o terreno no qual as infinitas poéticas da Arte Povera estão enraizadas. \nIdealizada pela curadora Carolyn Christov-Bakargiev\, uma especialista internacionalmente reconhecida neste movimento artístico\, a exposição “Arte Povera” apresenta cerca de cinquenta obras históricas e emblemáticas da Coleção Pinault\, colocadas em diálogo com peças de outras importantes coleções públicas e privadas.
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SUMMARY:“目 Chine” no Centre Pompidou
DESCRIPTION:Qiu Xiaofei\, “A Pillow for Eating Dreams”\, 2023. Via Instagram @beijingcommune\n\n\n\n\nEsta exposição coletiva destaca a cena emergente da arte contemporânea chinesa\, com obras de 21 artistas\, traçando um retrato subjetivo pela primeira vez na França. A abertura da China ao mundo\, as transformações ambientais e as mudanças nos estilos de vida da sociedade chinesa são temas abordados na produção criativa contemporânea desta jovem geração de artistas\, nascidos entre o final da década de 1970 e início dos anos 1990\, período marcado pelo grande boom econômico do país. \nSob o tema do caractere 目 (mù)\, que significa “olho” e faz referência tanto à visão quanto à capacidade do olho de organizar a realidade\, a rica seleção de obras escolhidas pelos curadores sino-franceses abrange uma ampla variedade de práticas — vídeo\, pintura\, escultura\, instalações\, fotografia e novos meios — com foco em criações dos últimos anos. No cenário internacional pós-Covid\, essas obras tiveram pouca visibilidade no exterior\, mas o Centre Pompidou fortaleceu seus laços com esta cena artística durante esse período\, graças à parceria com o Centre Pompidou × West Bund Museum Project em Xangai. \nEm meio a essa diversidade pulsante\, a exposição enfoca temas relevantes nas práticas dos artistas. Questões centrais exploradas nas obras incluem a interação da China com o resto do mundo\, reflexões sobre a globalização e os desafios globais\, especialmente o colapso ambiental. \nEssa geração de criadores também explora temas férteis\, como as grandes mudanças na sociedade chinesa\, especialmente as transformações incessantes nos estilos de vida em aglomerações urbanas em constante expansão e o paradigma em evolução da regulação de fluxos e atividades. O riquíssimo patrimônio cultural e estético da China estrutura o trabalho de alguns artistas\, que buscam colocá-lo em perspectiva e reinterpretá-lo em um contexto contemporâneo. \nPor fim\, a exposição dedica uma grande seção aos novos meios\, um campo particularmente dinâmico em um país que experimentou uma digitalização rápida\, massiva e intensa de sua economia e sociedade.
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SUMMARY:"James Turrell: Path Taken" na Almine Rech
DESCRIPTION:James Turrell\, City of Light\, 2019. Vista da instalação da obra City of Light na Almine Rech Shanghai em 2019.\n\n\n\n\nA Almine Rech Paris apresenta sua 12ª exposição em três décadas com James Turrell\, organizada pela galeria. Uma nova peça da série Glassworks\, iniciada em 2004\, estará em exibição. \nHá mais de meio século\, o artista americano James Turrell\, nascido em Los Angeles\, Califórnia\, em 1943\, trabalha diretamente com luz e espaço para criar obras de arte que envolvem o espectador com os limites e a maravilha da percepção humana. \nO conceito de Glasswork de Turrell é uma abertura única — retangular ou elíptica\, horizontal ou vertical\, raramente de outras formas — na qual a composição\, luz e cores da obra se desenvolvem gradualmente ao longo de uma hora\, perceptível através do uso de materiais translúcidos. No passado\, as Glassworks de Turrell eram realizadas com néon\, mas nos últimos 15 anos o artista tem usado tecnologias LED\, que permitem tonalidades mais ricas e um nível de luz mais baixo\, oferecendo-lhe mais liberdade para incluir formas\, transições e combinações de cores variadas. As obras desta série são fruto da pesquisa de Turrell\, iniciada em meados dos anos 1960\, sobre a luz como material que afeta a percepção ocular humana. \nA exposição também contará com Passageways\, um filme de Carine Asscher\, de 1995. Passageways é uma introdução à obra de James Turrell\, convidando o espectador a mergulhar mais fundo em sua trajetória\, abordando as origens de sua arte no encontro entre a cosmogonia Hopi e uma agenda artística. \nTrecho de uma conversa entre Almine Rech e James Turrell\, em 9 de setembro de 2004: \nAR: Sua arte leva as pessoas a olhar para dentro de si e em direção à luz\, ao céu\, ao espaço. Você acredita que sua arte pode ajudar as pessoas a se afastarem do materialismo e adotarem uma postura mais espiritual? \nJT: Sim\, se elas tiverem inclinação espiritual! Quando as pessoas falam sobre luz\, elas usam um “vocabulário da luz”: experiências de quase morte\, transformação religiosa\, jornadas espirituais… Meu trabalho é sobre a própria “coisa” da luz\, sobre sentir a luz; não há mensagem religiosa! O ouro não tem valor exceto aquele que atribuímos a ele. Somos muito casuais em relação à luz\, desdenhosos. A luz não é efêmera; é um material\, os fótons são matéria. Eles exibem fenômenos ondulatórios\, assim como a água. \nA exposição promete uma imersão no universo de Turrell\, onde luz e percepção se encontram de forma singular\, provocando reflexões tanto físicas quanto espirituais.
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LOCATION:Almine Rech Paris – Turenne\, 64 rue de Turenne\, Paris\, França
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SUMMARY:"Anima" de Rashid Johnson na Hauser & Wirth
DESCRIPTION:Rashid Johnson\, Soul Painting “I Feel For You” \, 2024 © Rashid Johnson. Foto: Stephanie Powell\n\n\n\n\nCoincidindo com a Art Basel Paris 2024\, a exposição Anima apresenta os trabalhos mais recentes de Rashid Johnson\, abrangendo pintura\, escultura e filme\, refletindo o interesse contínuo do artista pelos conceitos de interioridade e autorreflexão. \nA exposição demonstra o envolvimento de Johnson com o animismo\, crença de que todos os seres\, inclusive objetos inanimados\, possuem alma. Anima marca a estreia de duas novas séries de pinturas\, Soul Paintings e God Paintings\, que Johnson desenvolveu nos últimos anos. Em paralelo e evoluindo das obras em tela\, há duas novas séries de esculturas em bronze\, cujas superfícies rústicas evidenciam o toque do artista\, característica marcante de sua prática escultórica recente. \nA exposição também inclui o novo filme de Johnson\, Sanguine\, que explora relações de atenção e cuidado entre três gerações de sua família: seu pai\, ele próprio e seu filho. A palavra “sanguine” pode se referir tanto a uma perspectiva otimista e esperançosa quanto a uma cor vermelha como sangue; ambos os significados se aplicam ao filme Sanguine (2024) de Rashid Johnson.
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LOCATION:Hauser & Wirth Paris\, 26 bis Rue François 1er\, Paris\, França
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SUMMARY:"Guillermo Kuitca\, Chapelle" no Musée Picasso Paris
DESCRIPTION:Guillermo Kuitca. Chapelle\, 2024. Cortesia do Musée Picasso Paris. \n  \nA convite do Museu Nacional Picasso-Paris\, o artista argentino Guillermo Kuitca (n. 1961) criou uma obra site-specific na capela do Hôtel Salé. Desde sua intervenção na Bienal de Veneza em 2007\, Kuitca desenvolveu uma nova linguagem\, ecoando a arquitetura\, que o artista chama de “pintura cubistoide”\, na qual um conjunto de linhas que se cruzam\, como tantas dobras no plano\, é implantado diretamente nas paredes\, formando um novo espaço pictórico. Kuitca descreve seu lugar no “carrossel da arte moderna”: \n“Há muitos anos\, pintei quadros mostrando uma esteira rolante de bagagens. Acredito que a história da arte era o verdadeiro tema dessas pinturas. A arte seria esse carrossel; a obra de arte\, uma bagagem\, e os artistas\, passageiros. Enquanto esperamos por nossa bagagem\, nos fazemos uma série de perguntas: ‘Minha mala chegará e serei capaz de reconhecê-la entre outras semelhantes? E se eu pegasse a mala de outra pessoa\, estaria usando as roupas dela? Minha bagagem será destruída para sempre?’ Para mim\, essas perguntas são uma meditação sobre a herança. Elas também vislumbram um possível encontro com Picasso\, como se ele fosse\, afinal\, mais um passageiro.” \nPara Kuitca\, a pintura tem memória. Por meio desses experimentos\, ele se conecta com a história da arte moderna\, invocando o cubismo como o traço de um movimento que opera como uma difração da realidade\, a construção de um espaço imaginário. Esta instalação site-specific foi generosamente apoiada pela galeria Hauser & Wirth. \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n 
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LOCATION:Musée Picasso Paris\, 5 rue de Thorigny\, Paris\, França
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SUMMARY:"Jackson Pollock: The Early Years (1934-1947)" no Musée Picasso Paris
DESCRIPTION:Jackson Pollock\, “The Moon Woman” (detalhe)\, 1942 © Pollock-Krasner Foundation / ADAGP\, Paris 2024\n\n\n\n\nDe 15 de outubro de 2024 a 19 de janeiro de 2025\, o Musée national Picasso-Paris apresenta uma nova exposição temporária dedicada ao artista americano Jackson Pollock. Primeira exposição na França desde 2008\, ela se concentrará em suas obras iniciais\, de 1934 a 1947. A exposição “Jackson Pollock: The Early Years (1934-1947)” revisita a carreira inicial de Jackson Pollock (1912-1956)\, marcada pela influência do regionalismo e dos muralistas mexicanos\, até suas primeiras drippings em 1947. \nEsse conjunto de obras\, raramente exibido isoladamente\, testemunha as diversas fontes que alimentaram a pesquisa do jovem artista\, cruzando a influência das artes nativas americanas com as vanguardas europeias\, entre as quais Pablo Picasso figura proeminentemente. Comparado ao pintor espanhol e aos grandes nomes da pintura europeia pelos críticos\, Pollock rapidamente se estabeleceu como um verdadeiro monumento da pintura americana\, isolando-se das redes mais complexas de intercâmbio de influências que nutriram seu trabalho durante seus anos em Nova York. A exposição visa apresentar detalhadamente esses anos\, que foram o laboratório de sua obra\, restaurando o contexto artístico e intelectual do qual ambas foram alimentadas. \nA exposição foca em vários momentos-chave no desenvolvimento artístico e intelectual do jovem Pollock durante esses anos de experimentação. Ao convocar figuras-chave em sua carreira artística (Charles Pollock\, William Baziotes\, Lee Krasner\, André Masson\, Pablo Picasso\, Janet Sobel…)\, a exposição destaca a intensidade e singularidade de seu trabalho em suas várias dimensões (pintura e trabalho com materiais\, gravura\, escultura).
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SUMMARY:“Chaosmose” no Centre Pompidou
DESCRIPTION:Françoise Janicot\, “Encoconnage”\, 1975. © Adagp\, Paris. Créditos da foto: Fonds de dotation Jean-Jacques Lebel. Raphaële Kriegel. Via centrepompidou.fr\n\n\n\n\n\n\n\n\n \n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\nEsta exposição estabelece um diálogo entre o fundo de dotação Jean-Jacques Lebel e a coleção do Centre Pompidou. Com mais de 120 obras de origens diversas\, a mostra conduz o público por uma travessia caótica através das paixões\, lutas e revoltas do século 20 até os dias de hoje. A exposição atribui igual importância a objetos anônimos e obras de grande destaque\, buscando novas perspectivas e narrativas sobre a arte. \nCom sua “collecte”\, como preferia chamar\, Jean-Jacques Lebel propõe um panorama vibrante que visa promover não apenas artistas renomados\, mas também aqueles injustamente apagados da história da arte\, apesar de terem trabalhado com igual intensidade. Isso inclui pintores\, escultores\, pensadores\, poetas\, agentes propulsores de todas as formas de arte-ação\, agitadores culturais e virtuosos em assemblage e colagem. \nChaosmosis dá continuidade ao legado de André Breton\, grande amigo de Jean-Jacques Lebel\, em seu ateliê: atribuir igual importância a objetos anônimos e obras-primas para desvendar novas perspectivas e histórias sobre a arte.
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SUMMARY:"Pop Forever\, Tom Wesselmann &…" na Fondation Louis Vuitton
DESCRIPTION:Yayoi Kusama\, “Self Obliteration”\, 1966-1974 © 2024 Yayoi Kusama. Foto: Cortesia M+\, Hong Kong\n\n\n\n\nDe 17 de outubro de 2024 a 24 de fevereiro de 2025\, a Fondation Louis Vuitton apresenta “Pop Forever\, Tom Wesselmann &…”\, uma exposição dedicada à Pop Art\, um dos principais movimentos artísticos da década de 1960\, cuja influência continua a ser sentida em todos os continentes e entre todas as gerações. \nA exposição é centrada em Tom Wesselmann (1931-2004) — um dos principais nomes do movimento — e apresenta uma seleção de 150 pinturas e obras em diversos materiais. A mostra também inclui 70 obras de 35 artistas de diferentes gerações e nacionalidades\, que compartilham uma sensibilidade comum pela “Pop Art” — desde suas raízes dadaístas até suas manifestações contemporâneas\, abrangendo desde a década de 1920 até os dias de hoje. \nAlém das obras de Tom Wesselmann\, a exposição conta com trabalhos de Derrick Adams\, Ai Weiwei\, Njideka Akunyili Crosby\, Evelyne Axell\, Thomas Bayrle\, Frank Bowling\, Rosalyn Drexler\, Marcel Duchamp\, Sylvie Fleury\, Lauren Halsey\, Richard Hamilton\, David Hammons\, Jann Haworth\, Barkley L. Hendricks\, Hannah Höch\, Jasper Johns\, KAWS\, Kiki Kogelnik\, Jeff Koons\, Yayoi Kusama\, Roy Lichtenstein\, Marisol\, Tomokazu Matsuyama\, Claes Oldenburg\, Meret Oppenheim\, Eduardo Paolozzi\, Robert Rauschenberg\, Martial Raysse\, James Rosenquist\, Kurt Schwitters\, Marjorie Strider\, Do Ho Suh\, Mickalene Thomas\, Andy Warhol\, Tadanori Yokoo e outros. \nEntre os ícones históricos da Pop Art apresentados nesta exposição está a famosa serigrafia de Andy Warhol\, Shot Sage Blue Marilyn (1964)\, que imortaliza Marilyn Monroe em uma explosão de cores vivas e contrastantes. \nDe acordo com os curadores convidados\, Dieter Buchhart e Anna Karina Hofbauer\, mais do que uma retrospectiva\, “Pop Forever\, Tom Wesselmann &…” contextualiza a obra de Tom Wesselmann na história da arte e oferece perspectivas fascinantes sobre a Pop Art\, passado\, presente e até futuro. \nNo final da década de 1950\, a Pop Art emergiu em ambos os lados do Atlântico\, na América do Norte e na Europa. Tiras de quadrinhos\, publicidade\, cinema\, celebridades\, processadores de alimentos e tablóides tornaram-se temas da pintura. Pop Art celebra\, com certo grau de ambiguidade\, o casamento entre a arte e a cultura popular\, entre museus\, galerias e a indústria cultural. Sem manifesto ou fronteiras definidas\, a Pop Art define uma estética que vai muito além do domínio artístico e continua a prevalecer até hoje. \nA exposição “Pop Forever” se apresenta em duas vertentes: ao mesmo tempo retrospectiva e temática\, a mostra mergulha Tom Wesselmann no clima intelectual e estético da era “Pop” de onde seu trabalho emergiu e que continua a moldá-lo até hoje. \nCom obras que vão desde os primeiros colagens de Wesselmann em 1959 até seus grandes naturezas-mortas em relevo\, passando por paisagens que beiram a abstração e seus Sunset Nudes de 2004\, a exposição ocupa todos os quatro andares do edifício da Fondation. \nA exposição\, que é cronologicamente ligada às obras e temas de Wesselmann\, usa o trabalho do artista como ponto de partida para desenvolver uma apresentação mais ampla da Pop Art. Seus Great American Nudes dialogam com os ícones americanos de seus contemporâneos (como Evelyne Axell\, Jasper Johns\, Roy Lichtenstein\, Marisol\, Marjorie Strider\, Andy Warhol). As raízes dadaístas da Pop Art (Marcel Duchamp\, Kurt Schwitters) precedem seus grandes colagens. Quanto às suas representações de bens de consumo\, elas prefiguram as representações de mercadorias na era da globalização de Jeff Koons ou Ai Weiwei. Finalmente\, seus nus e cenas domésticas íntimas se espelham em novas obras de uma nova geração\, algumas das quais (Derrick Adams\, Tomokazu Matsuyama\, Mickalene Thomas) foram criadas especificamente para a exposição.
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