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SUMMARY:"La Mode en mouvement #2" no Palais Galliera
DESCRIPTION:De 26 de abril de 2024 a 5 de janeiro de 2025\, o Palais Galliera revela “La Mode en mouvement #2”. Com mais de 250 novas obras apresentadas durante esta segunda exibição\, a exposição traça\, através das coleções do museu\, uma história da moda do século XVIII até os dias atuais e desenvolve a temática transversal do corpo em movimento. Um foco especial também é dedicado às roupas de banho\, revelando peças raramente mostradas ao público. \n\n\n\nEnquanto Paris acolhe os Jogos Olímpicos e Paralímpicos no verão de 2024\, “La Mode en mouvement #2” permite compreender o papel do vestuário na prática de atividades físicas e esportivas\, bem como as consequências sociais de sua evolução. \n\n\n\nO vestuário concebido para o esporte (equitacão\, tênis\, golfe\, bicicleta…) é comparado ao vestuário de cidade. Esta segunda apresentação permite ao público perceber a progressiva especialização do vestuário esportivo\, assim como a introdução do sportswear no vestuário cotidiano. \n\n\n\nA seção balneária foca nos banhos de mar e na natação\, símbolos da democratização da prática esportiva desde o final do século XIX. É uma oportunidade de descobrir a importante coleção de trajes de banho\, maiôs\, roupas e acessórios de praia conservados no Palais Galliera. Esta seção destaca a evolução da relação com o corpo através de seu desvelamento na esfera pública\, bem como as noções de pudor e decência. Também revela a transformação dos cânones de beleza\, especialmente através da questão do bronzeamento. \n\n\n\n“La Mode en mouvement #2” beneficia-se de empréstimos excepcionais do Musée National du Sport (Nice)\, da Fundação Azzedine Alaïa\, da Biblioteca Forney (Paris)\, da Biblioteca Histórica da Cidade de Paris\, do Museu Carnavalet – História de Paris\, do Patrimônio da CHANEL\, da coleção Émile Hermès e da casa Yohji Yamamoto. Essas obras permitem colocar em perspectiva as peças do Palais Galliera\, testemunhas de uma prática física e esportiva\, de lazer ou de competição\, ao longo das épocas.
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LOCATION:Palais Galliera\, 10 Av. Pierre 1er de Serbie\, Paris\, França
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SUMMARY:"Andres Serrano. Portraits de l'Amérique" no Musée Maillol
DESCRIPTION:Andres Serrano\, Piss Discus (Immersions)\, 1988\n\n\n\nO Museu Maillol e a agência Tempora apresentam\, a partir de 27 de abril de 2024\, uma exposição de fotografias do artista Andres Serrano para uma melhor compreensão de uma América envolvida em uma batalha eleitoral crucial para seu futuro. \n\n\n\nMais do que um fotógrafo\, Andres Serrano pode ser considerado um “artista com uma câmera”\, como ele mesmo se define. Através de suas fotografias cuidadosamente encenadas\, ele revela uma realidade frequentemente perturbadora da América. Religião\, morte\, sexo\, política\, pobreza ou violência permeiam a obra do artista americano. São facetas de uma América tanto monumental em seu triunfalismo quanto frágil em suas contradições. \n\n\n\nMestre do retrato\, Serrano exalta o indivíduo contemporâneo baseando-se na cultura clássica\, especialmente na pintura antiga\, servindo-se de um sagrado agora mesclado com a cultura pop. O olhar do fotógrafo tem a eficácia de uma arma apontada para uma sociedade esquizofrênica da qual Donald Trump se tornou tanto o sintoma quanto o emblema\, ocupando um lugar obsessivo no propósito da exposição do Museu Maillol. \n\n\n\nProvocador para alguns\, observador objetivo do mundo para outros\, Andres Serrano enfatiza os tabus que uma América puritana deseja esconder. Algumas de suas fotografias\, capazes de chocar e por vezes vandalizadas em exposições anteriores\, serão apresentadas em um espaço dedicado. No total\, o visitante descobrirá 89 obras emblemáticas dos diferentes temas abordados pelo artista.
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LOCATION:Musée Maillol\, 59-61 Rue de Grenelle\, Paris\, França
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SUMMARY:"The Body in Motion" no Petit Palais
DESCRIPTION:Augustin Rouart\, Le Nageur\, 1943\n\n\n\nPor ocasião dos Jogos Olímpicos e Paralímpicos de Paris 2024\, o Petit Palais apresenta “The Body in Motion” a partir de 15 de maio de 2024. Esta exposição conecta arte e esporte dentro de suas coleções. \n\n\n\nA exposição\, com uma cenografia que reflete as cores dos Jogos Olímpicos\, apresenta cinquenta obras das coleções do Petit Palais\, que vão da antiguidade ao início do século XX\, algumas das quais foram especialmente retiradas das reservas. Essas pinturas\, esculturas e objetos de arte\, bem como desenhos e gravuras do museu\, foram escolhidos pela maneira como destacam o corpo\, a anatomia e o esporte. A exposição está dividida em oito seções. \n\n\n\nEla começa na Galerie des Antiques\, levando os visitantes de volta no tempo às origens dos Jogos Olímpicos com evocações visuais de um evento de arremesso de disco ou dardo em vasos e ânforas datados do século V a.C. A coleção de ícones próxima destaca a representação do “corpo heroico” através da figura de São Jorge matando o dragão\, personificando a noção de busca e de superação. \n\n\n\nA seção intitulada “The Drawn Body” relembra a importância dos modelos humanos na arte ocidental e apresenta estudos de nus masculinos de Dürer e Rembrandt. A exposição continua com um interlúdio de dança focado em “corpos suspensos”. Incorporando o dinamismo visível em toda a exposição\, a seção chamada “Sculpting the Body” lança luz sobre essa busca pela vitalidade por escultores que procuram capturar o movimento. Mais adiante\, na seção intitulada “Montar!”\, o tema da emancipação das mulheres através do esporte é explorado com pinturas de Jacques-Émile Blanche e Léon Comerre. “The Body at Play”\, por outro lado\, apresenta jogos infantis como peteca e bilhar em tapeçarias do século XVIII\, os respectivos ancestrais do badminton e do mikado de hoje. A seção final da exposição\, intitulada “Sport in Vogue”\, examina o início do século XX\, que marcou a chegada dos Jogos Olímpicos modernos\, transportando os visitantes para uma nova era que leva até os dias atuais. \n\n\n\nA exposição é complementada por vídeos intitulados “In the Words of Athletes”\, apresentando os esportistas apoiados pelas empresas do Groupe BPCE\, parceiro premium dos Jogos Olímpicos e Paralímpicos de Paris 2024 e principal patrocinador ou mecenas do Petit Palais. Cada atleta escolheu uma obra que ressoa particularmente com seu esporte e prática específica\, sua vida pessoal e os desafios físicos que enfrentaram\, juntamente com a arte do gesto perfeitamente executado\, e as ambições ou objetivos que estabeleceram para si mesmos. Esses vídeos emocionantes lançam luz sobre o vínculo que existe entre arte e esporte\, com os atletas participantes se tornando\, em suas próprias palavras\, “artletas”.
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LOCATION:Petit Palais\, Av. Winston Churchill\, 75008\, Paris\, França
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SUMMARY:Éric Dubuc no Musée d'Art Moderne de Paris
DESCRIPTION:Éric Dubuc\, Autoportrait de profil (detalhe)\, 1986 © Museu de Arte Moderna de Paris\, doação da família do artista em 2022. Fotografia: Cécile Dubuc\n\n\n\n\nNascido em Paris em 1961\, em uma família franco-alemã\, Éric Dubuc produziu seus primeiros desenhos durante seus estudos na escola Steiner-Waldorf. Aos 18 anos\, passou um ano na École Nationale des Beaux-Arts antes de continuar sua formação por meio de viagens longínquas e solitárias pela Ásia e África. Durante uma dessas viagens à República Democrática do Congo\, ele contraiu malária e foi hospitalizado no hospital Claude Bernard\, de onde saiu muito debilitado física e psicologicamente. Em 1985\, expôs no Salon de la Jeune Peinture em Paris\, onde seu trabalho alcançou um primeiro sucesso. Sua obra\, tão precoce quanto profundamente pessimista e distante\, foi interrompida por seu suicídio\, aos 25 anos. \nO olhar de Éric Dubuc se lança sobre o mundo como um bisturi. Seja ao retratar a violência cotidiana das ruas ou o realismo miserável dos interiores\, sua arte alcança uma forma de crueldade\, até o ponto da ruptura. A frieza impiedosa da vida urbana é representada em cenas de bares desiludidos\, onde personagens solitários se aproximam sem realmente se encontrar\, ou em vagões de metrô\, onde reinam a indiferença e o anonimato. Sua obra também é composta por autorretratos angulosos\, marcados pela melancolia\, e por numerosas janelas\, sempre fechadas\, através das quais se vislumbra um mundo próximo e\, no entanto\, inalcançável. \nAlém da precisão com que representa os cenários\, suas obras frequentemente revelam uma grande atenção aos rostos\, desenhados com uma linha sinuosa capaz de traduzir a “fisionomia do psiquismo”\, resultado de suas aulas de anatomia. A mesma veia expressionista se manifesta em seu interesse pela degradação dos corpos envelhecidos\, sempre representados de maneira seca e precisa\, recusando qualquer forma de pathos. Graças a uma doação da família do artista em 2022\, dez obras de Éric Dubuc entraram para as coleções do museu. Esta apresentação é complementada por obras do Museu Carnavalet – História de Paris e do Centro Nacional de Artes Plásticas\, além de um certo número de empréstimos da família. \nComissária: Julia Garimorth\, conservadora-chefe no Museu de Arte Moderna de Paris.
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LOCATION:Musée d’Art Moderne de Paris\, 11 Av. du Président Wilson Paris\, Paris\, Paris\, França
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SUMMARY:Daniel Pommereulle no Musée d'Art Moderne de Paris
DESCRIPTION:Daniel Pommereulle\, Objet de prémonition (detalhe)\, 1974-1975. Museu de Arte Moderna de Paris\, aquisição em 2022 © ADAGP 2024. Fotografia: Rurik Dmitrienko.\n\n\n\n\nPor ocasião da entrada de obras de Daniel Pommereulle na coleção\, o Museu de Arte Moderna de Paris presta homenagem a essa figura singular da cena artística francesa. Pintor\, escultor\, cineasta\, performer e poeta\, Pommereulle atravessou a segunda metade do século XX impulsionado por compromissos radicais\, criando formas que testam nossa vulnerabilidade por meio da experiência da violência e do infinito. \nMobilizado durante a guerra da Argélia em 1957\, Pommereulle foi profundamente marcado por essa experiência traumática\, que permeia suas criações. No início de sua carreira\, ele também foi influenciado pelo onirismo de Odilon Redon\, dos surrealistas e de Henri Michaux\, com quem compartilhava o interesse por drogas alucinógenas. Em 1966\, identificado como um “objetor” pelo crítico Alain Jouffroy\, que aplicou o termo aos artistas que reivindicavam o legado de Marcel Duchamp e a revolta política\, ele expôs Pêcher en fleur no Salon de Mai\, no Museu de Arte Moderna de Paris. Em sua obra\, Pommereulle desenvolve uma estética da violência e da crueldade\, criando objetos ameaçadores e dispositivos de tortura (como Toboggan\, 1974)\, que confrontam diretamente os visitantes. \nConhecido também como ator por suas aparições nos filmes da Nouvelle Vague\, o artista apresentou\, em La Collectionneuse de Éric Rohmer (1967)\, seu primeiro Objet Hors Saisie\, que ele continuaria a desenvolver com a série Objets de prémonition (1975): potes de tinta derramados e esculturas de chumbo\, armados com lâminas de facas e objetos cortantes. Nos anos 1980\, Pommereulle passou um tempo na Coreia e no Japão\, marcando uma virada em seu trabalho. Sua prática gráfica e escultórica\, através do uso de vidro\, pedra e aço\, passou a buscar canalizar energias cósmicas. Até sua morte\, segundo Armance Léger\, “a transparência\, o ar e o vazio se tornaram os novos termos de sua exploração.” \nComissária: Fanny Schulmann\, conservadora-chefe no Museu de Arte Moderna de Paris.
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LOCATION:Musée d’Art Moderne de Paris\, 11 Av. du Président Wilson Paris\, Paris\, Paris\, França
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SUMMARY:"Comics\, 1964-2024" no Centre Pompidou
DESCRIPTION:Moebius\, Starwatcher\, 1986. © Moebius Production\n\n\n\nMarcada pelo “segundo vento do Surrealismo”\, sua produção por volta de 1955 está alinhada com a abstração gestual e textural que ocupava um lugar proeminente na época. Misturando o material com uma faca\, tecendo redes inextricáveis e permitindo que “traços gráficos” invadam a tela\, Réquichot parece levar a pintura aos seus limites absolutos. Suas Relíquias e suas telas suspensas enroladas apresentam expressões exacerbadas disso. \n\n\n\nUltrapassando o âmbito da Arte Informal\, da qual ele é um representante eminente\, Réquichot foi rápido em introduzir colagens em sua pintura. No domínio gráfico\, ele investiu o motivo espiral com uma função quase hipnótica em impressionantes tintas sobre papel sublinhadas por guache branco. Relacionados de perto à escrita ilegível\, que não está desconectada da produção literária do artista\, esses motivos se traduzem em escultura na forma de agregados de anéis de poliestireno. Réquichot era uma figura complexa e atormentada que tirou a própria vida pouco antes de sua segunda exposição individual organizada por seu galerista\, Daniel Cordier.
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LOCATION:Centre Pompidou\, Place Georges-Pompidou\, Paris\, França
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SUMMARY:"with\, and\, of\, on Sculpture" de Nicole Eisenman na Hauser & Wirth Paris
DESCRIPTION:Nicole Eisenman\, The Artist at Work\, 2023 © Nicole Eisenman. Foto: Sarah Muehlbauer\n\n\n\n\nEm exibição na galeria de Paris\, a mostra with\, and\, of\, on Sculpture de Nicole Eisenman explora a abordagem multifacetada da artista em relação ao meio escultórico. Embora Eisenman mantenha estúdios distintos para pintura e escultura\, as duas práticas estão profundamente conectadas para ela. (A distinção entre esses espaços pode ser descrita como “bagunçado” e “menos bagunçado.”) Essa inter-relação é mais evidente através dos desenhos da artista\, sobre os quais ela afirmou: “Uma linha é escultural\, do jeito que flutua no espaço sobre uma página em branco. Você está olhando para a representação de uma dimensão\, e ela pode ser percebida como bidimensional ou tridimensional.” \nEntre algumas obras da exposição\, o vínculo é explícito: no andar térreo\, estão instaladas duas figuras da monumental instalação escultórica de Eisenman\, Procession (2019)\, que estreou na Bienal de Whitney de 2019\, enquanto no primeiro andar há um grande desenho preparatório para essa instalação. As obras\, no entanto\, se separam de sua relação direta. No andar de baixo\, a escultura heurística no estilo “Junk Lady” na parte de trás de Perpetual Motion Machine (2019) é o resultado direto tanto do ambiente do estúdio quanto das preocupações técnicas da peça. No andar de cima\, o “G*d-cat” em Drawing for Procession (2024) desvia-se da função prática da obra e a define como algo completo e separado. \nEm outras obras\, a conexão é estabelecida pelo processo. As obras da série Shape Driven Heads são criadas por meio do ato físico da pintura\, onde as relações formais se constroem mutuamente\, com a ação determinando a reação. O trabalho escultórico de Eisenman frequentemente segue essa abordagem também. Em Head with Slab and Foot (2024)\, por exemplo\, a figura é composta tanto de material encontrado no estúdio quanto de elementos esculpidos em resposta a eles. Essa peça leva a exploração da troca dimensional um passo adiante ao incorporar uma laje de gesso com uma placa de intaglio impressa\, fundindo corporalmente uma imagem bidimensional\, criada em resposta a uma estrutura tridimensional\, com um cartucho volumétrico. \nNo centro da exposição está Archangel (The Visitors) (2024)\, uma grande pintura em camadas que retrata a abertura imaginária de uma exposição de esculturas. Nessa obra\, Eisenman pinta esculturas fictícias e\, como o século 20 apreciaria ver\, corpos em relação física com formas no espaço. Uma escultura\, não imaginada\, faz referência a Prussian Archangel (1920) de John Heartfield e Rudolf Schlichter\, uma figura militar com cabeça de porco exibida pela primeira vez na Primeira Feira Internacional Dada em Berlim em 1920. Eisenman “instala” a peça no topo da pintura\, pairando ameaçadoramente sobre a cena. The Visitors no título da obra faz referência ao single homônimo de 1981 do ABBA sobre a perseguição de dissidentes políticos. Também pode se referir às figuras circulando pela galeria\, às três figuras ameaçadoras ao fundo da sala ou ao Arcanjo\, que evoca a narrativa histórica da arte sobre visitas sobrenaturais. \nA ampla variedade de mídias nesta exposição talvez demonstre com mais clareza e coletividade a notável habilidade de Eisenman para a síntese. Ao transitar entre materiais e formas\, as conversas iniciadas em uma mídia continuam e se transformam em outra. Fiel ao seu processo artístico\, as distinções entre formas são mais externas do que internas\, derivadas da praticidade da linguagem. Situada entre “pintora” e “escultora”\, Eisenman talvez seja melhor descrita simplesmente como “artista.”
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LOCATION:Hauser & Wirth Paris\, 26 bis Rue François 1er\, Paris\, França
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SUMMARY:"Pictures at an Exhibition" de Sarah Sze na Gagosian Paris
DESCRIPTION:Vista da instalação de Sarah Sze\, Pictures at an Exhibition\, 2023. Obra de arte © Sarah Sze. Foto: Andrea Rossetti\n\n\n\nA Gagosian tem o prazer de anunciar uma exposição de novas pinturas e uma instalação imersiva de Sarah Sze. Aberta em 25 de junho\, Pictures at an Exhibition marca o retorno da artista a Paris após sua primeira mostra na galeria lá em 2020\, que coincidiu com sua exposição individual Noite em Dia na Fondation Cartier pour l’art contemporain. \n\n\n\nApós sua estreia na Bienal da Tailândia inaugural\, co-direcionada por Rirkrit Tiravanija em Chiang Rai no último ano\, a instalação de vídeo imersiva de Sze\, Pictures at an Exhibition (2023)\, ocupa todo o térreo da galeria. Expandindo-se a partir do centro do espaço\, uma multiplicidade de telas de papel são animadas com imagens\, vídeo e luz\, formando um núcleo iluminado e poroso\, como um caleidoscópio do tamanho de um quarto. Projeções cromáticas transbordam pelas bordas para lançar restos de luz nos pisos e paredes da galeria central e espaços adjacentes\, piscando sobre os espectadores conforme eles se movem ao redor da obra.
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LOCATION:Gagosian\, 4 Rue de Ponthieu Paris\, Paris\, Paris\, França
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SUMMARY:“Chefs-d'oeuvre de la collection Torlonia” no Museu do Louvre
DESCRIPTION:A maior coleção privada de escultura romana antiga preservada até hoje – reunida pelos príncipes Torlonia ao longo de todo o século XIX em Roma – é revelada ao público pela primeira vez desde meados do século XX em uma série de exposições-eventos. \nÉ no Louvre que os mármores Torlonia se instalam para sua primeira exibição fora da Itália\, no cenário restaurado dos apartamentos de Ana da Áustria\, sede das coleções permanentes de escultura antiga desde o final do século XVIII e o nascimento do Museu do Louvre. As coleções nacionais francesas prontamente se prestam a um diálogo fecundo com os mármores Torlonia\, questionando a origem dos museus e o gosto pelo Antigo\, elemento fundador da cultura ocidental. \nEsta exposição destaca obras-primas da escultura antiga e convida à contemplação dos maiores tesouros da arte romana\, além de proporcionar uma imersão nas raízes da história dos museus\, na Europa das Luzes e do século XIX.
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LOCATION:Museu do Louvre\, 75001 Paris\, França\, Paris\, França
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SUMMARY:"Tatjana Danneberg — Something Happened" na Maison Européenne de la Photographie
DESCRIPTION:Tatjana Danneberg\, Fiebertraum (detalhe)\, 2024\n\n\n\nAo experimentar com materiais e processos para transferir imagens para a tela\, Tatjana Danneberg transforma suas fotografias analógicas espontâneas em pinturas expressivas. Usando câmeras point-and-shoot\, a artista busca prolongar memórias ocasionais retratando parentes\, conhecidos e objetos do cotidiano em fotos familiares e frequentemente íntimas. Sua técnica para fazer a transição da fotografia para a pintura é bastante complexa. As imagens são primeiro ampliadas e impressas a jato de tinta em folhas de papel plástico. Em seguida\, são pintadas com gesso\, deixadas para secar e umedecidas novamente\, antes de serem finalmente separadas do papel plástico e transferidas para a tela. O resultado final só é conhecido quando a folha é removida da tela. Revelando fragmentos de objetos\, ações cotidianas ou até mesmo uma total ausência de ação\, essas imagens\, semelhantes a instantâneos amadores\, são transformadas em um poderoso gesto pictórico. As pinceladas aplicadas pela artista seguem intuitivamente a composição da fotografia\, adicionando movimento enquanto obscurecem parte da imagem. \n\n\n\nAs obras de Tatjana Danneberg\, do chão ao teto no estúdio\, lembram os pôsteres rasgados encontrados no espaço urbano. Ampliadas e sobrepostas em blocos sólidos de cor\, a artista alcança um efeito de distanciamento dessas imagens íntimas. Elas se tornam autônomas\, criando uma espécie de paradoxo entre dois modos de visão — a observação meticulosa e prolongada das coisas que nos rodeiam e a curiosidade passageira provocada por imagens publicitárias que se impõem ao nosso olhar\, apesar de nós mesmos. Ao manipular e desconstruir imagens\, a artista questiona a natureza e o status da fotografia\, a forma como é distribuída e o valor que lhe atribuímos.
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LOCATION:Maison Européenne de la Photographie\, 5/7 Rue de Fourcy\, Paris\, França
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SUMMARY:“Museum: Modern and Contemporary Collection” no Centre Pompidou
DESCRIPTION:Robert Delaunay\, Manège de cochons (detalhe)\, 1922. Domínio público. © Foto: Centre Pompidou\, MNAM-CCI/Bertrand Prévost/Dist. GrandPalaisRmn.\n\n\n\n\nDe baías a passarelas e de salas a corredores\, descubra os movimentos fundadores da história das artes dos séculos XX e XXI\, junto com as obras icônicas que marcaram profundamente a era moderna a partir da vasta coleção do Centre Pompidou.  \nA apresentação cronológica da coleção moderna começa em 1905 (no nível 5)\, com as pinceladas vibrantes e as cores dramáticas dos artistas Fauves. Esse movimento gerou os grandes artistas do século XX\, que lançaram as bases para o Cubismo\, Expressionismo e Abstração. Esses primeiros movimentos “vanguardistas” são representados por artistas de toda a Europa e de diversas partes do mundo. \nA coleção contemporânea (no nível 4) destaca obras que testemunham a diversidade dos contextos artísticos em nosso mundo globalizado\, além de ambientes e apresentações que constituem verdadeiros programas artísticos por si só. Dividida em sequências históricas\, essa apresentação reflete uma coleção em constante evolução\, enriquecida continuamente para mostrar o melhor da cena contemporânea. Algumas das obras emblemáticas da coleção são instalações multissensoriais\, como Le Magasin de Ben\, Plight de Joseph Beuys e Les Piques de Annette Messager.
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SUMMARY:"Isle of Thanet" de Nick Goss na Perrotin
DESCRIPTION:Vista da exposição Isle of Thanet de Nick Goss na Perrotin Paris\, 2024. Foto: Tanguy Beurdeley. Cortesia do artista e da Perrotin.\n\n\n\n\nIntitulada Isle of Thanet\, de Nick Goss\, a exposição apresenta onze novas pinturas que refletem sobre a experiência de viver em uma ilha\, inspiradas na antiga separação geográfica da região de Thanet do Reino Unido. Goss utiliza técnicas variadas\, como têmpera\, óleo e serigrafia\, para criar obras que integram referências históricas e literárias\, como “The Waste Land” de T.S. Eliot e as pinturas de The Isle of the Dead de Arnold Böcklin. Suas cenas trazem fragmentos de memórias\, paisagens e textos antigos\, criando composições que misturam tempos e lugares. A exposição propõe uma reflexão sobre o isolamento e a passagem do tempo\, deixando espaço para interpretações abertas sobre as figuras e paisagens que aparecem nas telas.
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SUMMARY:"Sweet Expulsion" de Katherina Olschbaur na Perrotin
DESCRIPTION:Vista da exposição Sweet Expulsion de Katherina Olschbaur na Perrotin Paris\, 2024. Foto: Claire Dorn. Cortesia da artista e da Perrotin.\n\n\n\n\nA mostra Sweet Expulsion\, de Katherina Olschbaur\, marca sua primeira grande apresentação na Europa e explora temas como o tempo\, o corpo e a transição. Suas pinturas combinam técnicas abstratas e figurativas\, misturando memórias\, sonhos e elementos autobiográficos. Cores vibrantes e formas desconstruídas criam cenas que parecem suspensas entre o familiar e o desconhecido\, onde figuras humanas e paisagens se entrelaçam. Obras como Expulsion e The Heaviest Sound revelam a complexidade emocional do movimento e da mudança\, refletindo sobre o equilíbrio entre o passado e o futuro.
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SUMMARY:"Lake Margrethe" de Koak na Perrotin
DESCRIPTION:Vista da exposição Lake Margrethe de Koak na Perrotin Paris\, 2024. Foto: Claire Dorn. Cortesia do artista e da Perrotin.\n\n\n\n\nA exposição Lake Margrethe\, de Koak\, marca sua primeira grande exibição na Europa e explora a complexidade emocional e visual entre natureza e corpo. Com influências de quadrinhos e um forte uso de linhas expressivas\, Koak mistura memórias familiares e experiências pessoais\, como as retratadas em pinturas de sua avó\, mãe e dela própria. As obras transitam entre o real e o abstrato\, com temas de transição\, saúde e doença. A cor verde\, presente em muitas das peças\, remete tanto à vitalidade quanto à toxicidade\, refletindo a dualidade de momentos aparentemente belos e os perigos ocultos.
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SUMMARY:“Surrealism” no Centre Pompidou
DESCRIPTION:Max Ernst\, L’ange du foyer (Le Triomphe du surréalisme)\, 1937. © Adagp\, Paris. Foto: Vincent Everarts Photographie\n\n\n\n\nCombinando pinturas\, desenhos\, filmes\, fotografias e documentos literários\, a exposição apresenta obras dos artistas icônicos do movimento (Salvador Dalí\, René Magritte\, Giorgio de Chirico\, Max Ernst\, Joan Miró)\, bem como das surrealistas mulheres (incluindo Leonora Carrington\, Ithell Colquhoun\, Dora Maar). \nA exposição é organizada tanto cronologicamente quanto tematicamente\, estruturada em 14 seções que evocam as figuras literárias que inspiraram o movimento (Lautréamont\, Lewis Carroll\, Sade\, etc.) e os princípios poéticos que estruturam sua imagética (o artista como médium\, os sonhos\, a pedra filosofal\, a floresta\, etc.). \nNo centro da exposição está um “tambor” central que abriga o manuscrito original do Manifesto\, um empréstimo excepcional da Biblioteca Nacional da França. Uma exibição multimídia acompanha a descoberta deste documento único\, fornecendo uma visão sobre sua criação e significado.
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LOCATION:Centre Pompidou\, Place Georges-Pompidou\, Paris\, França
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SUMMARY:"Masterpieces from the Borghese Gallery" no Musée Jacquemart-André
DESCRIPTION:Michelangelo Merisi da Caravaggio\, Boy with a Basket of Fruit (detalhe)\, c. 1593. (Ministero dei Beni e delle Attivita Culturali e del Turismo — Galleria Borghese / J. Paul Getty Trust)\n\n\n\n\nPara sua primeira exposição após mais de um ano de reformas\, o Musée Jacquemart-André apresentará cerca de quarenta obras-primas da famosa Galeria Borghese\, em Roma. Esta parceria excepcional entre as duas instituições oferecerá ao público uma oportunidade única de admirar em Paris um conjunto de obras importantes de artistas renomados dos períodos da Renascença e do Barroco\, raramente emprestadas fora da Itália\, como Caravaggio e Rubens\, além de obras de Botticelli\, Rafael\, Ticiano\, Veronese\, Antonello da Messina e Bernini. \nA Villa Borghese Pinciana\, que hoje abriga a Galeria Borghese\, foi construída entre 1607 e 1616 pelo poderoso Cardeal Scipione Borghese (1577–1633)\, sobrinho do Papa Paulo V (1550–1621). Inspirando-se nas luxuosas vilas romanas\, Scipione desejava usar o palácio\, cercado por jardins\, para exibir suas coleções de obras antigas e pinturas e esculturas contemporâneas\, evocando uma nova era de ouro. Dotado de um grande gosto pela arte\, uma curiosidade insaciável e uma habilidade extraordinária para identificar obras-primas\, Scipione Borghese completou sua coleção por todos os meios possíveis\, legais ou não. Ele se tornou um dos maiores colecionadores e patronos de seu tempo\, transformando a Villa Borghese em um verdadeiro museu antes mesmo de os museus existirem. De acordo com seus últimos desejos\, todas as suas coleções e propriedades foram passadas de geração em geração por quase duzentos anos\, e os herdeiros Borghese continuaram a enriquecer o patrimônio da família. No início do século XIX\, várias centenas de esculturas antigas foram\, no entanto\, cedidas a Napoleão Bonaparte por seu cunhado\, o Príncipe Camille Borghese (1775–1832); elas foram gradualmente substituídas por novas aquisições. A família Borghese acabou vendendo a villa e seu museu ao Estado italiano em 1902. A Galeria Borghese permanece um símbolo da prosperidade econômica\, cultural e artística de Roma na era moderna\, sendo um destino obrigatório para os visitantes da Cidade Eterna. \nGraças à parceria entre o Musée Jacquemart-André e a Galeria Borghese—no contexto de uma campanha de reformas no museu de Roma no outono de 2024—\, esta exposição apresentará uma seleção de obras excepcionais dessa coleção de arte\, única no mundo. O público poderá (re)descobrir obras dos mestres da arte italiana dos séculos XVI e XVII (Rafael\, Antonello da Messina\, Parmesan\, Lorenzo Lotto\, Ticiano\, Veronese\, Caravaggio\, Bernini\, etc.)\, além de pintores nórdicos que permaneceram na Itália (Rubens\, Gerrit van Honthorst\, etc.). A exposição também prestará homenagem a pintores menos conhecidos pelo público geral\, como Annibale Carracci\, Guido Reni\, Cavaliere D’Arpino e Jacopo Bassano. A apresentação das obras na exposição iluminará tanto a história da coleção quanto os grandes temas explorados pelos artistas. A exposição será complementada por um catálogo\, uma obra de referência em francês sobre a coleção de pinturas “modernas” da Galeria Borghese. O Musée Jacquemart-André se esforça para destacar colecionadores que deixaram sua marca na história da arte\, como o casal Édouard André e Nélie Jacquemart. \nEles compilaram uma rica coleção de pinturas\, esculturas e móveis italianos\, desde a Idade Média até o século XVIII\, tornando o Musée Jacquemart-André uma das principais instituições francesas dedicadas à arte italiana. Assim\, as obras-primas colecionadas pela família Borghese serão particularmente bem cuidadas neste museu italiano no coração de Paris.
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LOCATION:Musée Jacquemart-André\, 158 Bd Haussmann\, Paris\, França
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SUMMARY:"Leonor Fini" na Galerie Minsky
DESCRIPTION:Leonor Fini\, Autoportrait avec Stanislao Lepri (detalhe)\, 1943-43 © Leonor Fini\n\n\n\n\nConsiderada uma das artistas mais importantes do século 20\, mas também uma das mais incompreendidas\, Leonor Fini tem sido recentemente objeto de uma reavaliação apaixonada. Suas pinturas quebram recordes em leilões à medida que são cada vez mais adquiridas por grandes museus. A partir de 5 de setembro de 2024\, a Galerie Minsky celebrará esse importante passo na valorização de sua arte com três exposições curadas por Richard Overstreet\, sucessor da artista. Simultaneamente\, participaremos da exposição “Surrealismo” no Centre Pompidou\, emprestando obras de Leonor Fini. \nA primeira das três exposições será uma mostra individual de Leonor Fini\, apresentando obras-primas desde os anos 1920 até os anos 1990. Dois raros autorretratos dos anos 1940 e 1950 serão exibidos ao público\, juntamente com peças enigmáticas (como Nebbia\, 1982) que desafiam nossa percepção da vasta obra da artista.
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LOCATION:Galerie Minsky\, 37 Rue Vaneau\, Paris\, França
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SUMMARY:"Serge Poliakoff: Image Divine" na Almine Rech
DESCRIPTION:Poliakoff concebia a arte como um mundo de Deus. Ele se mudou para a França há 100 anos\, em 1923\, e passou a maior parte de sua vida lá. O artista refletiu certa vez: “Se eu não tivesse vindo para Paris\, talvez eu não fosse pintor.” Kandinsky\, também da Rússia\, reconheceu o talento de Poliakoff e recomendou seu trabalho a galeristas. Em 1962\, Poliakoff representou a França na Bienal de Veneza. \nEle era um artista contemplativo. Três influências principais deixaram um impacto duradouro sobre ele: a arte bizantina\, a pintura italiana da época de Giotto e os ícones russos. “Quando criança\, fiquei impressionado com a beleza dos ícones nas igrejas russas\, e essa impressão ficou comigo. Guardei traços disso na minha arte”\, lembrou o pintor. \nPara Poliakoff\, criar uma pintura era um processo de busca por harmonia\, combinando formas e técnicas. Ele queria “seguir os Velhos Mestres” e muitas vezes ia ao Louvre\, onde levava seu filho Alexis. Quais pinturas eles observavam? Alexis se lembra de A Coroação da Virgem\, de Fra Angelico\, e A Batalha de San Romano\, de Paolo Uccello. Ao estudar São Francisco de Assis\, de Giotto\, Poliakoff se interessava pelas vestes do papa adormecido. Todas essas obras tratavam de problemas relacionados à fronteira entre a imagem e o fundo e à textura da superfície pintada. \n— Dr. Dimitri Ozerkov
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LOCATION:Almine Rech Paris\, 18 avenue Matignon\, Paris\, França
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SUMMARY:Mostras individuais de Alex Katz\, Tony Cragg e Tom Sachs na Thaddaeus Ropac Paris
DESCRIPTION:Detalhe da obra de Tony Cragg. Cortesia Thaddaeus Ropac\n\n\n\n\nIntitulada 60 Years of Printmaking\, a mostra reúne gravuras que abrangem 60 anos da carreira de Alex Katz. Ela dá continuidade à exposição de destaque realizada na galeria Pantin no início deste ano\, a primeira dedicada à prática de gravura do artista americano. Abrangendo os evocativos paisagens de Katz\, seus retratos cinematográficos de corte fechado\, assim como um grupo de portfólios iniciais que testemunham o experimento técnico em suas gravuras\, a exposição oferece aos visitantes uma visão retrospectiva sem precedentes sobre a prática de impressão do artista. 60 Years of Printmaking coincide com uma exposição das pinturas recentes de Katz na Fondazione Giorgio Cini\, em Veneza\, bem como com uma apresentação individual de quatro de suas pinturas monumentais no Museu de Arte Moderna de Nova York. \nJá New Sculptures\, de Tony Cragg\, apresenta seus trabalhos mais recentes e revela a amplitude dos desenvolvimentos formais do artista britânico\, marcados por sua constante investigação das possibilidades oferecidas por uma ampla gama de materiais\, explorando tanto o mundo natural quanto o criado pelo homem. “Seu trabalho tem o efeito acumulado de sutilmente desestabilizar as certezas de tais categorias\, ao mesmo tempo em que nos permite pensar – por meio da escultura – sobre as complexas conexões materiais entre […] cultura e natureza\,” escreve o historiador de arte Jon Wood. As esculturas abstratas de Cragg manifestam formas completamente inéditas\, que\, no entanto\, despertam uma sensação de reconhecimento ao fazerem alusão ao mundo ao nosso redor. \nEm “Painting” (Volume II)\, Tom Sachs reimagina pinturas de Pablo Picasso utilizando sua própria linguagem pictórica distinta. Nesta exposição\, ele se concentrou particularmente nos retratos de Picasso\, cujas reinterpretações constituem uma investigação sobre o consumo e o desejo na retratística\, além de uma reflexão irônica sobre o propósito da pintura em si.
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LOCATION:Thaddaeus Ropac Marais\, 7 Rua Debelleyme\, Paris\, França
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SUMMARY:"Inside the White Cube" de Salvatore Emblema na White Cube
DESCRIPTION:Vista da exposição Inside the White Cube de Salvatore Emblema na White Cube Paris. Cortesia White Cube\n\n\n\n\nA White Cube Paris apresenta uma exposição individual com obras do falecido artista italiano Salvatore Emblema (1929–2006)\, abrangendo desde o início dos anos 1960 até meados dos anos 1980. Inspirado por seu entorno rural no sul da Itália\, Emblema trabalhava com materiais naturais e matéria orgânica\, como juta bruta\, folhas\, terra vulcânica\, lava petrificada e metais oxidados. Atuando de forma independente da vanguarda pós-guerra do país\, que se concentrava nas cidades do norte\, Emblema dedicou sua vida artística a preocupações que tornaram seu trabalho resistente a classificações estilísticas\, mas ainda assim conectado aos movimentos de sua época.
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LOCATION:White Cube Paris\, 10 Avenue Matignon\, Paris\, França
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SUMMARY:Barbara Chase-Riboud no Musée d'Orsay
DESCRIPTION:Retrato de Barbara Chase-Riboud © Cortesia da Pulitzer Arts Foundation / Virginia Harold\n\n\n\n\nOito museus parisienses celebram Barbara Chase-Riboud. Nascida em 1939\, esta artista viva trabalha há sete décadas\, viajando pelo mundo e desenvolvendo um domínio incomparável das formas. A exposição\, distribuída por oito locais\, apresenta um conjunto de esculturas monumentais que demonstram o poder do bronze e da seda\, elementos centrais na obra da escultora\, tecendo conexões entre culturas\, histórias e materiais. No museu d’Orsay\, cinco peças da artista estão expostas no salão do relógio\, no 5º andar. \nNo famoso salão do relógio do museu d’Orsay\, um lugar emblemático da modernidade\, cinco esculturas de alumínio e seda são apresentadas. Em diálogo com um dos dois grandes relógios da fachada do museu\, elas questionam a relação com o tempo. \nBarbara Chase-Riboud abre novos caminhos na escultura\, associando o bronze à seda e à lã\, criando obras onde a solidez e a fluidez não estão em contradição\, mas inventam uma forma\, ao mesmo tempo humana e abstrata\, móvel. \nNomeada em homenagem ao livro de poesia de Barbara Chase-Riboud\, publicado em 2014\, a exposição “Quando um nó é desfeito\, um deus é libertado” se desdobra em oito locais. Ela oferece aos visitantes uma constelação de encontros com a obra da artista\, por meio de esculturas\, desenhos e poemas criados entre 1958 e os dias de hoje.
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LOCATION:Musée d’Orsay\, 1 Rue de la Légion d'Honneur Paris\, Paris\, Paris\, França
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SUMMARY:"The Flowers of Yves Saint Laurent" no Musée Yves Saint Laurent
DESCRIPTION:Imagem: Divulgação\n\nDe 20 de setembro de 2024 a 4 de maio de 2025\, o Musée Yves Saint Laurent Paris apresenta As Flores de Yves Saint Laurent. Idealizada pelos curadores Olivier Saillard e Gaël Mamine\, a exposição segue uma exibição inaugural no Musée Yves Saint Laurent Marrakech\, em cartaz de 2 de março de 2024 a 5 de janeiro de 2025. Pela primeira vez\, os dois museus se uniram para montar uma exposição conjunta dedicada a um tema central na obra do estilista. \n“Trigo traz boa sorteLírios\, minha flor favorita/Uma Vênus de bronze\, símbolo da minha profissão e da minha paixão por bronzesÀ la recherche du temps perdu de Proust/ \nDesde os quinze anos\, nunca parei de reler essa obra incomparável.” \nYves Saint Laurent e seu parceiro Pierre Bergé viviam diariamente cercados por flores e jardins em seus apartamentos\, casas de campo e na própria maison de moda. Apaixonado por flores\, o estilista as considerava uma fonte infinita de inspiração. \nYves Saint Laurent compartilhava essa admiração pela natureza com muitos artistas e escritores\, em particular com um de seus autores favoritos\, Marcel Proust\, como revelou na revista L’Egoïste em 1987. Um universo proustiano aparecia nos interiores do estilista\, assim como em seus desfiles de moda. Enquanto o escritor descrevia mulheres como flores\, o costureiro as homenageava cobrindo-as com flores. \nMais de trinta peças de vestuário e desenhos apresentados na exposição destacam essa simbiose entre natureza\, literatura e o trabalho de Yves Saint Laurent. \nComo em um livro\, cada capítulo da exposição exibe citações de Proust ao lado de silhuetas florais criadas por Yves Saint Laurent\, enquanto acessórios e desenhos do estilista são apresentados em pedestais. Como ao longo de um caminho de jardim\, flores estão por toda parte\, revelando a personalidade e os gostos do designer: desde o lírio-do-vale\, tão querido por Christian Dior\, ao logotipo YSL com seu monograma semelhante a um lírio\, das rosas simbolizando o amor à buganvília de Marrocos\, ou ao trigo\, portador de sorte e triunfo. \nPor meio das peças icônicas vistas na exposição\, o visitante descobre a expertise que Yves Saint Laurent utilizava para dar vida às suas criações florais: desde seu bordado aplicado no vestido da coleção primavera-verão de 1962 até suas estampas inventivas da coleção primavera-verão de 2001\, uma referência inesquecível às pinturas de Pierre Bonnard. \nVemos as flores gigantes de gazar de seda usadas na passarela por Laetitia Casta como noiva de verão em 1999\, uma imagem marcante da obra de Yves Saint Laurent. \nEsse diálogo espontâneo entre as artes e diferentes épocas continua quando nos deparamos com o trabalho do artista americano Sam Falls\, cujas obras são vistas ao longo da exposição. Viajando pelo mundo\, Falls coleta amostras de plantas e preserva a memória de paisagens florais imprimindo diretamente seus pigmentos em tela. Os padrões e cores de sua recriação da natureza se harmonizam com aqueles vistos nas peças de alta-costura. Nas roupas de Yves Saint Laurent\, assim como nas pinturas de Sam Falls\, as flores transcendem o tempo e permanecem eternamente em flor.
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