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SUMMARY:"1874 Draw! What did people draw in 1874?" no Musée d'Orsay
DESCRIPTION:Edgar Degas\, Danseuse se grattant le dos [detalhe]\, c. 1873-1874 © RMN-Grand Palais (Musée d’Orsay) / Adrien Didierjean\n\n\n\nDesenhos preparatórios para comissões estatais destinadas a decorar monumentos parisienses\, esboços para grandes composições e pinturas de cavalete em exposição no Salão\, e paisagens da escola “plein air” anotadas diretamente do motivo são todos testemunhos da rica variedade de criação artística em 1874. \n\n\n\nEsta exposição revela obras-primas gráficas de Baudry\, Puvis de Chavannes\, Degas\, Manet e Pissarro\, com algumas peças mais incomuns\, como os esboços a carvão de Boudin\, que nos surpreendem\, e destaca certos desenhistas talentosos que são pouco conhecidos hoje. \n\n\n\nEnquanto esses artistas apropriavam-se das técnicas de desenho e tradições dos antigos mestres\, eles as mantinham vivas apenas para reinventá-las com temas inovadores e materiais inovadores. \n\n\n\nEsta visão geral da arte do desenho tempera o suposto antagonismo entre as técnicas acadêmicas associadas à École des Beaux-Arts e a arte dos pintores impressionistas.
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SUMMARY:"Le monde comme il va" na Bourse de Commerce
DESCRIPTION:Vista da exposição Le monde comme il va\, Bourse de Commerce – Pinault Collection\, Paris\, 2024. © Tadao Ando Architect & Associates\, Niney et Marca Architectes\, agência Pierre-Antoine Gatier. Foto: Florent Michel / 11h45 / Pinault Collection.\n\n\n\nExclusivamente composta por obras da Coleção Pinault\, destacando sua extensão\, vitalidade e diversidade\, a exposição Le monde comme il va se desdobra em todos os espaços da Bolsa de Comércio\, a partir de 20 de março de 2024. Reunindo uma ampla seleção de peças principalmente criadas entre os anos 1980 e hoje\, sendo metade delas exposta pela primeira vez pela Pinault Collection\, ela destaca a paixão e o comprometimento de François Pinault com uma arte contemporânea diretamente conectada ao nosso tempo. \n\n\n\nAo emprestar seu título de um conto filosófico de Voltaire\, esta nova exposição da Coleção Pinault revela “a aguda consciência do presente” entre os artistas\, segundo o curador Jean-Marie Gallais. De figuras estabelecidas (Maurizio Cattelan\, Damien Hirst\, Jeff Koons\, Cindy Sherman\, Sturtevant\, Rosemarie Trockel…) a uma geração mais jovem de artistas (Anne Imhof\, Mohammed Sami\, Pol Taburet\, Salman Toor…)\, as escolhas de François Pinault como colecionador sempre refletiram essa paixão por uma arte em sintonia com seu tempo\, seja ela engajada ou simplesmente observadora\, provocativa ou mais sombria. Diante dos excessos e paradoxos do mundo\, assim como dos problemas da época e de um sentimento de perda de referências\, os artistas se tornam profetas\, visionários\, filósofos\, às vezes cínicos e irônicos\, frequentemente poetas e reencantadores. \n\n\n\nAssim como o personagem principal do conto — um observador enviado para tentar compreender a humanidade —\, o visitante é confrontado com uma visão ambivalente\, oscilando entre as fraquezas e as forças de um mundo que parece caminhar para sua queda\, mas que mantém esperanças e graças. Os artistas apresentados em Le monde comme il va produzem imagens poderosas\, por vezes irônicas\, por vezes violentas\, dessa situação paradoxal\, e duas gerações de obras dialogam igualmente na jornada: aquelas criadas no contexto das décadas de 1980-1990 e aquelas criadas a partir dos anos 2000. \n\n\n\nEm conexão com a exposição\, a carta branca dada a Kimsooja na Rotunda do museu\, uma intervenção que é ao mesmo tempo monumental e sensível\, subverte toda a arquitetura da Bolsa de Comércio e\, com ela\, a ordem do mundo através de um enorme espelho circular\, colocado no chão. A invisibilidade do material\, que apenas reflete a realidade circundante\, convida a todos a tomarem consciência de que são atores nesta narrativa em curso que se estende até as vitrines e o nível inferior do museu. \n\n\n\nLe monde comme il va compõe um fluxo de imagens capturadas nos movimentos do mundo passado e presente\, que ressoa com o espírito da Coleção Pinault há mais de cinquenta anos.
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SUMMARY:"To Breathe — Constellation" de Kimsooja na Bourse de Commerce
DESCRIPTION:Vista da intervenção de Kimsooja To Breathe — Constellation como parte da exposição Le monde comme il va\, Bourse de Commerce – Pinault Collection\, Paris\, 2024. © Tadao Ando Architect & Associates\, Niney et Marca Architectes\, agence Pierre-Antoine Gatier. Foto: Florent Michel / 11h45 / Pinault Collection.\n\n\n\nComo parte da exposição Le monde comme il va\, a artista sul-coreana Kimsooja apresenta a intervenção To Breathe — Constellation. Sua obra monumental e imaterial na Rotunda da Bolsa de Comércio consiste em um imenso espelho cobrindo o chão\, que inverte toda a arquitetura e\, com ela\, a ordem do mundo\, fazendo com que o céu se abra sob nossos pés no centro do edifício. Além disso\, Kimsooja ocupa as 24 vitrines do Passage e o nível inferior do museu com obras e instalações de vídeo sobre temas como identidade\, fronteira\, memória\, exílio\, deslocamento e tecelagem. \n\n\n\n“Eu quero criar obras que sejam como água e ar\, que não podem ser possuídas\, mas podem ser compartilhadas com todos”\, diz Kimsooja\, cuja obra\, desde o final dos anos 1970\, tem sido uma experiência essencial e universal na cena internacional de arte. Após estudar pintura em Seul\, ela se afasta de qualquer ensino e prática artística convencional para explorar\, através dos gestos da vida cotidiana\, questões de identidade\, compromisso\, memória individual e coletiva e o lugar do indivíduo no mundo. Em sua performance famosa em 1997\, ela atravessa a Coreia por onze dias\, montada em um caminhão cheio de bottaris coloridos\, balaios de tecidos cintilantes que acompanham e marcam a vida dos coreanos – casamento\, nascimento e morte. Como uma artista nômade\, ela usa metaforicamente seu próprio corpo\, como uma presença anônima quase invisível que\, por sua imobilidade e verticalidade\, se inscreve como uma agulha no tecido do mundo. \n\n\n\nO espelho que ela cobre o chão da Rotunda da Bolsa de Comércio desempenha um papel semelhante ao da agulha ou de seu próprio corpo.
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SUMMARY:Jean Hélion no Musée d'Art Moderne de Paris
DESCRIPTION:Jean Hélion\, Figure tombée\, 1939. Foto © Centre Pompidou\, MNAM-CCI\, Dist. RMN-Grand Palais / Georges Meguerditchian © ADAGP. Paris 2024\n\n\n\nO Museu de Arte Moderna de Paris propõe uma exposição retrospectiva da obra de Jean Hélion (1904-1987)\, pintor e intelectual cujo trabalho atravessa o século XX: Jean Hélion é um dos pioneiros da abstração\, introduzindo-a na América nos anos 1930\, antes de evoluir para uma figuração pessoal no início da Segunda Guerra Mundial. \n\n\n\nApós retornar à França após a guerra e ser aclamado nos anos 1960 pela nova geração de pintores da Figuration narrative como Gilles Aillaud ou Eduardo Arroyo\, Jean Hélion teve numerosas exposições em galerias e instituições francesas e internacionais durante sua vida\, incluindo as do MAM em 1977 e 1984-85\, sendo a última retrospectiva apresentada no Centro Pompidou em 2004. Apesar de sua importância e singularidade\, sua obra ainda é pouco conhecida pelo público hoje. \n\n\n\nOrganizada de forma cronológica\, a exposição Jean Hélion\, La prose du monde reúne mais de 150 obras (103 pinturas\, 50 desenhos\, cadernos e uma abundante documentação)\, raramente apresentadas ao público\, provenientes de grandes instituições francesas e internacionais\, bem como de numerosas coleções privadas.
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LOCATION:Musée d’Art Moderne de Paris\, 11 Av. du Président Wilson Paris\, Paris\, Paris\, França
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SUMMARY:"Paris 1874: Inventing impressionism" no Musée d'Orsay
DESCRIPTION:Claude Monet (1840-1926)\, Impression\, Soleil Levant [detalhe]\, 1872 © musée Marmottan Monet\, Paris / Studio Baraja SLB\n\n\n\nO que exatamente aconteceu em Paris naquela primavera de 1874 e que sentido devemos atribuir hoje a uma exposição que se tornou lendária? “Paris 1874: Inventing impressionism” busca traçar o surgimento de um movimento artístico que emergiu em um mundo em rápida transformação. \n\n\n\n“Paris 1874” revisita as circunstâncias que levaram esses 31 artistas (dos quais apenas sete são bem conhecidos em todo o mundo hoje) a se unirem e exibirem suas obras juntos. O período em questão tinha um clima pós-guerra\, seguindo dois conflitos: a Guerra Franco-Prussiana de 1870 e\, em seguida\, uma violenta guerra civil. Nesse contexto de crise\, os artistas começaram a repensar sua arte e explorar novas direções. Um pequeno “clã de rebeldes” pintava cenas da vida moderna e paisagens esboçadas ao ar livre\, em tons pálidos e com o toque mais sutil possível. Como observou um observador\, “O que eles parecem estar buscando acima de tudo é uma impressão”. \n\n\n\nEm “Paris 1874”\, uma seleção de obras que figuraram na exposição impressionista de 1874 é colocada em perspectiva com pinturas e esculturas exibidas no Salão oficial no mesmo ano. Essa confrontação sem precedentes ajudará a recriar o choque visual causado pelas obras exibidas pelos impressionistas\, bem como a matizá-lo com paralelos e sobreposições inesperados entre a primeira exposição impressionista e o Salão. \n\n\n\nA exposição no Musée d’Orsay evidencia as contradições e a variedade infinita da criação contemporânea naquela primavera de 1874\, ao mesmo tempo em que destaca a radical modernidade desses jovens artistas. “Boa sorte!” encorajou-os um crítico\, “Inovações sempre levam a algo.” \n\n\n\nEsta exposição é organizada pelo Musée d’Orsay\, pelo Musée de l’Orangerie e pela National Gallery of Art\, Washington\, onde será apresentada de 8 de setembro de 2024 a 20 de janeiro de 2025.
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LOCATION:Musée d’Orsay\, 1 Rue de la Légion d'Honneur Paris\, Paris\, Paris\, França
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SUMMARY:Bernard Réquichot no Centre Pompidou
DESCRIPTION:Bernard Réquichot\, Episode de la guerre des nerfs\, 1957 © Adagp\, Paris Créditos da foto: Serviço de documentação fotográfica do MNAM – Centre Pompidou\, MNAM-CCI / Dist. RMN-GP\n\n\n\nMarcada pelo “segundo vento do Surrealismo”\, sua produção por volta de 1955 está alinhada com a abstração gestual e textural que ocupava um lugar proeminente na época. Misturando o material com uma faca\, tecendo redes inextricáveis e permitindo que “traços gráficos” invadam a tela\, Réquichot parece levar a pintura aos seus limites absolutos. Suas Relíquias e suas telas suspensas enroladas apresentam expressões exacerbadas disso. \n\n\n\nUltrapassando o âmbito da Arte Informal\, da qual ele é um representante eminente\, Réquichot foi rápido em introduzir colagens em sua pintura. No domínio gráfico\, ele investiu o motivo espiral com uma função quase hipnótica em impressionantes tintas sobre papel sublinhadas por guache branco. Relacionados de perto à escrita ilegível\, que não está desconectada da produção literária do artista\, esses motivos se traduzem em escultura na forma de agregados de anéis de poliestireno. Réquichot era uma figura complexa e atormentada que tirou a própria vida pouco antes de sua segunda exposição individual organizada por seu galerista\, Daniel Cordier.
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LOCATION:Centre Pompidou\, Place Georges-Pompidou\, Paris\, França
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SUMMARY:"En Jeu! Artists and Sport (1870-1930)" no Musée Marmottan Monet
DESCRIPTION:Octave Guillonnet\, Partie de tennis\, 1925 © Museu de Belas Artes de Dijon/François Jay © ADAGP\, Paris\n\n\n\nPara coincidir com os Jogos Olímpicos e Paralímpicos de 2024\, realizados em Paris pela primeira vez em 100 anos\, o Musée Marmottan Monet apresentará a exposição intitulada En Jeu! Artists and Sport (1870-1930) de 4 de abril a 1 de setembro de 2024. A exposição revisitará a história visual do esporte entre 1870 e 1930 por meio de mais de cem obras de arte importantes de coleções públicas e privadas europeias\, americanas e japonesas (Musée National du Sport\, Nice; Musée d’Orsay; Centre Pompidou; Musée Fabre\, Montpellier; National Gallery of Art\, Washington; Yale University Art Gallery\, New Haven; Peggy Guggenheim Collection\, Veneza\, etc.). \n\n\n\nDo Impressionismo ao Cubismo\, a exposição mostrará como o esporte e os esportistas foram transformados em ícones da modernidade e da vanguarda. Ela explorará os desafios éticos e os aspectos estéticos de como os esportes foram percebidos por artistas como Monet\, Degas\, Caillebotte\, Toulouse-Lautrec\, Eakins\, Richer\, Maillol\, Rodin\, Bellows\, Lhote\, Delaunay\, Metzinger e Gromaire\, incluindo esportes elitistas como equitação\, vela e esgrima e esportes antigos como luta livre\, boxe e jogos de bola. Também examinará os significados metafóricos da figura heroica do artista como esportista\, caracterizada pela determinação\, resistência e uma forma de resistência.
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LOCATION:Musée Marmottan Monet\, 2 Rue Louis Boilly\, Paris\, França
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SUMMARY:Ari Marcopoulos no Musée d'Art Moderne de Paris
DESCRIPTION:Ari Marcopoulos\, Brown Bag\, 1994-2020. Paris Musées / Musée d’Art Moderne de Paris.\n\n\n\nO Museu de Arte Moderna de Paris dá total liberdade ao artista Ari Marcopoulos\, fotógrafo e cineasta emblemático da cena underground de Nova York e figura proeminente do mundo do skate. Pela primeira vez no museu\, sua obra Brown Bag é apresentada em uma instalação específica. Além de uma análise especializada e antropológica de seus temas\, Marcopoulos propõe uma nova interpretação de algumas obras das coleções do MAM\, sob a perspectiva das subculturas com as quais ele está tão familiarizado. \n\n\n\nPara além de ser um espaço dedicado à arte moderna e contemporânea\, o Palais de Tokyo – especialmente sua esplanada – é também um local de destaque no cenário mundial do skate. Desde os anos 1990\, o local conhecido como “Dôme” rapidamente se tornou popular entre os skatistas parisienses e internacionais\, devido às suas características arquitetônicas e revestimento. O Museu de Arte Moderna de Paris deseja destacar essa disciplina\, que está cada vez mais presente no dia a dia\, especialmente com a organização dos Jogos Olímpicos de Paris 2024. Após sua estreia como “novo esporte” nos Jogos Olímpicos de Tóquio em 2021\, o skate agora faz parte dos quatro esportes adicionais dos jogos que acontecerão em Paris neste verão. \n\n\n\nPor isso\, o Museu de Arte Moderna decide dar total liberdade ao artista Ari Marcopoulos\, conhecido por seu trabalho com a cultura jovem\, além do skate. Em 2021\, o museu adquire seu filme Brown Bag (1994/2020) – apresentado pela primeira vez – que mostra imagens de skatistas filmados pelo artista em Nova York nos anos 1990. \n\n\n\nEm torno dessa projeção\, o artista propõe uma releitura das coleções do Museu de Arte Moderna através de uma seleção de obras que ele confronta com suas próprias fotografias. Encarnações plásticas dos diferentes pontos de vista que o artista deseja confrontar com as obras do museu\, os retratos de Ari Marcopoulos dialogam com artistas como Hans Bellmer\, Brassaï\, Giorgio de Chirico\, César\, Isa Genzken\, Annette Messager\, Bruce Nauman\, Daniel Turner ou Christopher Wool. O percurso trata assim – através de cerca de quarenta obras – do movimento\, do corpo\, mas também da arquitetura\, temas queridos às culturas urbanas que Ari Marcopoulos tem estudado desde o início de sua carreira.
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SUMMARY:"Présences arabes" no Musée d'Art Moderne de Paris
DESCRIPTION:Hamed Abdalla\, Conscience du Sol (detalhe)\, 1956\n\n\n\nO Museu de Arte Moderna de Paris propõe redescobrir a diversidade das modernidades árabes no século XX e renovar o olhar histórico sobre cenas artísticas ainda pouco conhecidas na Europa. Através de uma seleção de mais de 200 obras\, a maioria nunca antes exposta na França\, a exposição Présences arabes – Art moderne et décolonisation – Paris 1908-1988 (Presenças árabes – Arte moderna e descolonização – Paris 1908-1988) destaca a relação dos artistas árabes com Paris ao longo do século XX. \n\n\n\nA exposição explora uma outra história da Arte moderna\, iluminada por numerosos arquivos sonoros e audiovisuais históricos presentes no percurso. Estruturada de forma cronológica\, inicia-se em 1908\, ano da chegada do poeta e artista libanês Khalil Gibran a Paris e da abertura da Escola de Belas Artes do Cairo. Conclui-se em 1988\, com a primeira exposição dedicada a artistas contemporâneos árabes no Instituto do Mundo Árabe (inaugurado alguns meses antes) em Paris e com a exposição Singuliers : bruts ou naïfs\, com\, entre outros\, a artista marroquina Chaïbia Tallal e o artista tunisiano Jaber Al-Mahjoub\, apresentada no museu infantil do Museu de Arte Moderna de Paris. \n\n\n\nSegundo Silvia Naef\, historiadora de arte e uma das autoras do catálogo da exposição Présences Arabes no MAM: “Como fazer uma arte moderna e árabe? Um verdadeiro projeto estético é estabelecido ao longo do século XX: pensado tanto em ruptura com a arte acadêmica\, ecoando as vanguardas ocidentais\, no contexto de uma identidade nacional própria\, sem voltar\, no entanto\, a uma arte islâmica.” \n\n\n\nA exposição destaca mais de 130 artistas cujas obras constituem uma contribuição essencial para as vanguardas árabes e a história da arte moderna do século XX. \n\n\n\nTambém destaca o papel essencial desempenhado por Paris. Qualificada como “capital do terceiro mundo” pelo historiador Michael Goebel\, a cidade é considerada desde os anos 1920 como um viveiro de redes anticoloniais e o centro das novas modernidades cosmopolitas. \n\n\n\nO percurso da exposição é construído em torno de diferentes trajetórias de artistas que estudaram nas escolas de belas artes de seus países antes de vir estudar e se instalar em Paris para continuar sua formação. Ao longo do século XX\, Paris é o lugar de acesso à modernidade\, da crítica ao colonialismo e o centro de numerosos encontros. O Museu de Arte Moderna teve ele próprio um papel importante no pós-guerra através de suas exposições (Salão das Realidades Novas\, Salão da Jovem Pintura\, Bienal dos Jovens Artistas de Paris…) e das aquisições iniciadas a partir dos anos 1960.
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SUMMARY:“Olympism: Modern Invention\, Ancient Legacy” no Museu do Louvre
DESCRIPTION:Relevo em Gesso: Corrida (Dromos)\, após a Ânfora Panatenaica\, Atribuído ao Pintor de Berlim. © Escola Francesa de Atenas. Cortesia do Louvre.\n\n\n\nEntre os eventos culturais planejados para acompanhar os Jogos Olímpicos e Paralímpicos de 2024 em Paris\, está uma exposição no Louvre sobre a criação dos primeiros Jogos Olímpicos modernos. Os visitantes descobrirão como os Jogos surgiram no final do século XIX: o contexto político da época\, as fontes iconográficas nas quais se basearam e como os organizadores se propuseram a recriar as competições esportivas da Grécia antiga. \n\n\n\nA exposição lança luz sobre as origens da maior e mais assistida competição esportiva do mundo. Este evento internacional foi idealizado por Pierre de Coubertin e diversos luminares franceses e gregos\, aos quais se juntou posteriormente o desenhista suíço Émile Gilliéron (1850-1924). Gilliéron formou-se na École des Beaux-Arts em Paris e era um visitante frequente do Louvre\, onde copiou várias de suas obras-primas. Tendo se estabelecido na Grécia\, ele foi nomeado o artista oficial dos Jogos Olímpicos de 1896 e das Mesoolimpíadas de 1906\, ambos realizados em Atenas\, para os quais desenhou os troféus dos vencedores\, inspirados nas descobertas feitas nos principais sítios arqueológicos da época. Utilizando as mais recentes técnicas de reprodução de seu tempo\, o artista ilustrou materiais de comunicação – em particular selos postais e cartazes – para o recém-formado estado grego. \n\n\n\nGraças a um empréstimo especial da Fundação Stavros Niarchos (SNF)\, o Louvre exibirá a primeira Taça Olímpica\, conhecida como “Taça de Bréal”\, desenhada pelo acadêmico francês Michel Bréal e criada por um ourives francês para o vencedor da primeira maratona – uma corrida inventada para os Jogos Olímpicos modernos. \n\n\n\nComo parte do programa de eventos culturais que acompanham os Jogos Olímpicos e Paralímpicos de 2024\, a exposição mostrará como as disciplinas científicas da filologia\, história\, história da arte e arqueologia se uniram para criar este evento esportivo global.
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LOCATION:Museu do Louvre\, 75001 Paris\, França\, Paris\, França
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SUMMARY:"La Mode en mouvement #2" no Palais Galliera
DESCRIPTION:De 26 de abril de 2024 a 5 de janeiro de 2025\, o Palais Galliera revela “La Mode en mouvement #2”. Com mais de 250 novas obras apresentadas durante esta segunda exibição\, a exposição traça\, através das coleções do museu\, uma história da moda do século XVIII até os dias atuais e desenvolve a temática transversal do corpo em movimento. Um foco especial também é dedicado às roupas de banho\, revelando peças raramente mostradas ao público. \n\n\n\nEnquanto Paris acolhe os Jogos Olímpicos e Paralímpicos no verão de 2024\, “La Mode en mouvement #2” permite compreender o papel do vestuário na prática de atividades físicas e esportivas\, bem como as consequências sociais de sua evolução. \n\n\n\nO vestuário concebido para o esporte (equitacão\, tênis\, golfe\, bicicleta…) é comparado ao vestuário de cidade. Esta segunda apresentação permite ao público perceber a progressiva especialização do vestuário esportivo\, assim como a introdução do sportswear no vestuário cotidiano. \n\n\n\nA seção balneária foca nos banhos de mar e na natação\, símbolos da democratização da prática esportiva desde o final do século XIX. É uma oportunidade de descobrir a importante coleção de trajes de banho\, maiôs\, roupas e acessórios de praia conservados no Palais Galliera. Esta seção destaca a evolução da relação com o corpo através de seu desvelamento na esfera pública\, bem como as noções de pudor e decência. Também revela a transformação dos cânones de beleza\, especialmente através da questão do bronzeamento. \n\n\n\n“La Mode en mouvement #2” beneficia-se de empréstimos excepcionais do Musée National du Sport (Nice)\, da Fundação Azzedine Alaïa\, da Biblioteca Forney (Paris)\, da Biblioteca Histórica da Cidade de Paris\, do Museu Carnavalet – História de Paris\, do Patrimônio da CHANEL\, da coleção Émile Hermès e da casa Yohji Yamamoto. Essas obras permitem colocar em perspectiva as peças do Palais Galliera\, testemunhas de uma prática física e esportiva\, de lazer ou de competição\, ao longo das épocas.
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LOCATION:Palais Galliera\, 10 Av. Pierre 1er de Serbie\, Paris\, França
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SUMMARY:"Andres Serrano. Portraits de l'Amérique" no Musée Maillol
DESCRIPTION:Andres Serrano\, Piss Discus (Immersions)\, 1988\n\n\n\nO Museu Maillol e a agência Tempora apresentam\, a partir de 27 de abril de 2024\, uma exposição de fotografias do artista Andres Serrano para uma melhor compreensão de uma América envolvida em uma batalha eleitoral crucial para seu futuro. \n\n\n\nMais do que um fotógrafo\, Andres Serrano pode ser considerado um “artista com uma câmera”\, como ele mesmo se define. Através de suas fotografias cuidadosamente encenadas\, ele revela uma realidade frequentemente perturbadora da América. Religião\, morte\, sexo\, política\, pobreza ou violência permeiam a obra do artista americano. São facetas de uma América tanto monumental em seu triunfalismo quanto frágil em suas contradições. \n\n\n\nMestre do retrato\, Serrano exalta o indivíduo contemporâneo baseando-se na cultura clássica\, especialmente na pintura antiga\, servindo-se de um sagrado agora mesclado com a cultura pop. O olhar do fotógrafo tem a eficácia de uma arma apontada para uma sociedade esquizofrênica da qual Donald Trump se tornou tanto o sintoma quanto o emblema\, ocupando um lugar obsessivo no propósito da exposição do Museu Maillol. \n\n\n\nProvocador para alguns\, observador objetivo do mundo para outros\, Andres Serrano enfatiza os tabus que uma América puritana deseja esconder. Algumas de suas fotografias\, capazes de chocar e por vezes vandalizadas em exposições anteriores\, serão apresentadas em um espaço dedicado. No total\, o visitante descobrirá 89 obras emblemáticas dos diferentes temas abordados pelo artista.
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LOCATION:Musée Maillol\, 59-61 Rue de Grenelle\, Paris\, França
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SUMMARY:"Matisse: The Red Studio" na Fondation Louis Vuitton
DESCRIPTION:Matisse\, The Red Studio (detalhe)\, 1911\n\n\n\nA Fondation Louis Vuitton\, em colaboração com o Museum of Modern Art (MoMA)\, de Nova York\, e o SMK – Statens Museum for Kunst\, de Copenhague (Galeria Nacional da Dinamarca) – está sediando a exposição Matisse: The Red Studio\, focando na gênese e na história desta famosa obra-prima de 1911\, um dos trabalhos icônicos do MoMA desde sua aquisição em 1949. A grande tela retrata o estúdio do artista repleto de suas pinturas e esculturas\, móveis e objetos decorativos. Esta exposição reúne as obras mostradas no The Red Studio pela primeira vez desde que deixaram o estúdio de Matisse em Issy-les-Moulineaux. A apresentação também inclui material de arquivo e pinturas e desenhos relacionados. \n\n\n\nO cerne da exposição apresenta The Red Studio juntamente com as seis pinturas sobreviventes\, três esculturas e uma cerâmica nele retratadas. Criados entre 1898 e 1911\, esses objetos vão desde pinturas familiares\, como o Young Sailor (II) (1906) – que será exibido na França pela primeira vez em 31 anos – até obras menos conhecidas\, como Corsica\, The Old Mill (1898)\, e objetos cujas localizações foram descobertas recentemente. \n\n\n\nTrês dessas pinturas – Bathers (1907)\, Le Luxe (II) (1907-08) e Nude with a White Scarf (1909) – pertencem ao SMK como parte de uma coleção significativa de obras de Matisse\, enquanto o prato de cerâmica do artista em 1907\, retratado no primeiro plano\, vem da coleção do MoMA. \n\n\n\nA exposição também inclui uma série de pinturas e desenhos intimamente relacionados ao The Red Studio\, como The Blue Window do MoMA (1913) e o Large Red Interior do MNAM/Centro Pompidou (1948)\, que nos ajudam a narrar o complexo percurso da pintura do estúdio de Matisse até sua eventual aquisição pelo MoMA. Uma rica seleção de materiais de arquivo\, como cartas e fotografias – muitos publicados ou exibidos pela primeira vez em conexão com este projeto – revelam novas informações sobre o tema\, evolução e recepção da pintura. A exposição também inclui um vídeo dedicado à ciência da conservação\, que apresenta descobertas recentes sobre o processo de criação da pintura.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/matisse-the-red-studio-na-fondation-louis-vuitton/
LOCATION:Fondation Louis Vuitton\, 8\, Avenue du Mahatma Gandhi Bois de Boulogne\, Paris\, França
CATEGORIES:Paris
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SUMMARY:"The Body in Motion" no Petit Palais
DESCRIPTION:Augustin Rouart\, Le Nageur\, 1943\n\n\n\nPor ocasião dos Jogos Olímpicos e Paralímpicos de Paris 2024\, o Petit Palais apresenta “The Body in Motion” a partir de 15 de maio de 2024. Esta exposição conecta arte e esporte dentro de suas coleções. \n\n\n\nA exposição\, com uma cenografia que reflete as cores dos Jogos Olímpicos\, apresenta cinquenta obras das coleções do Petit Palais\, que vão da antiguidade ao início do século XX\, algumas das quais foram especialmente retiradas das reservas. Essas pinturas\, esculturas e objetos de arte\, bem como desenhos e gravuras do museu\, foram escolhidos pela maneira como destacam o corpo\, a anatomia e o esporte. A exposição está dividida em oito seções. \n\n\n\nEla começa na Galerie des Antiques\, levando os visitantes de volta no tempo às origens dos Jogos Olímpicos com evocações visuais de um evento de arremesso de disco ou dardo em vasos e ânforas datados do século V a.C. A coleção de ícones próxima destaca a representação do “corpo heroico” através da figura de São Jorge matando o dragão\, personificando a noção de busca e de superação. \n\n\n\nA seção intitulada “The Drawn Body” relembra a importância dos modelos humanos na arte ocidental e apresenta estudos de nus masculinos de Dürer e Rembrandt. A exposição continua com um interlúdio de dança focado em “corpos suspensos”. Incorporando o dinamismo visível em toda a exposição\, a seção chamada “Sculpting the Body” lança luz sobre essa busca pela vitalidade por escultores que procuram capturar o movimento. Mais adiante\, na seção intitulada “Montar!”\, o tema da emancipação das mulheres através do esporte é explorado com pinturas de Jacques-Émile Blanche e Léon Comerre. “The Body at Play”\, por outro lado\, apresenta jogos infantis como peteca e bilhar em tapeçarias do século XVIII\, os respectivos ancestrais do badminton e do mikado de hoje. A seção final da exposição\, intitulada “Sport in Vogue”\, examina o início do século XX\, que marcou a chegada dos Jogos Olímpicos modernos\, transportando os visitantes para uma nova era que leva até os dias atuais. \n\n\n\nA exposição é complementada por vídeos intitulados “In the Words of Athletes”\, apresentando os esportistas apoiados pelas empresas do Groupe BPCE\, parceiro premium dos Jogos Olímpicos e Paralímpicos de Paris 2024 e principal patrocinador ou mecenas do Petit Palais. Cada atleta escolheu uma obra que ressoa particularmente com seu esporte e prática específica\, sua vida pessoal e os desafios físicos que enfrentaram\, juntamente com a arte do gesto perfeitamente executado\, e as ambições ou objetivos que estabeleceram para si mesmos. Esses vídeos emocionantes lançam luz sobre o vínculo que existe entre arte e esporte\, com os atletas participantes se tornando\, em suas próprias palavras\, “artletas”.
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LOCATION:Petit Palais\, Av. Winston Churchill\, 75008\, Paris\, França
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SUMMARY:Éric Dubuc no Musée d'Art Moderne de Paris
DESCRIPTION:Éric Dubuc\, Autoportrait de profil (detalhe)\, 1986 © Museu de Arte Moderna de Paris\, doação da família do artista em 2022. Fotografia: Cécile Dubuc\n\n\n\n\nNascido em Paris em 1961\, em uma família franco-alemã\, Éric Dubuc produziu seus primeiros desenhos durante seus estudos na escola Steiner-Waldorf. Aos 18 anos\, passou um ano na École Nationale des Beaux-Arts antes de continuar sua formação por meio de viagens longínquas e solitárias pela Ásia e África. Durante uma dessas viagens à República Democrática do Congo\, ele contraiu malária e foi hospitalizado no hospital Claude Bernard\, de onde saiu muito debilitado física e psicologicamente. Em 1985\, expôs no Salon de la Jeune Peinture em Paris\, onde seu trabalho alcançou um primeiro sucesso. Sua obra\, tão precoce quanto profundamente pessimista e distante\, foi interrompida por seu suicídio\, aos 25 anos. \nO olhar de Éric Dubuc se lança sobre o mundo como um bisturi. Seja ao retratar a violência cotidiana das ruas ou o realismo miserável dos interiores\, sua arte alcança uma forma de crueldade\, até o ponto da ruptura. A frieza impiedosa da vida urbana é representada em cenas de bares desiludidos\, onde personagens solitários se aproximam sem realmente se encontrar\, ou em vagões de metrô\, onde reinam a indiferença e o anonimato. Sua obra também é composta por autorretratos angulosos\, marcados pela melancolia\, e por numerosas janelas\, sempre fechadas\, através das quais se vislumbra um mundo próximo e\, no entanto\, inalcançável. \nAlém da precisão com que representa os cenários\, suas obras frequentemente revelam uma grande atenção aos rostos\, desenhados com uma linha sinuosa capaz de traduzir a “fisionomia do psiquismo”\, resultado de suas aulas de anatomia. A mesma veia expressionista se manifesta em seu interesse pela degradação dos corpos envelhecidos\, sempre representados de maneira seca e precisa\, recusando qualquer forma de pathos. Graças a uma doação da família do artista em 2022\, dez obras de Éric Dubuc entraram para as coleções do museu. Esta apresentação é complementada por obras do Museu Carnavalet – História de Paris e do Centro Nacional de Artes Plásticas\, além de um certo número de empréstimos da família. \nComissária: Julia Garimorth\, conservadora-chefe no Museu de Arte Moderna de Paris.
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LOCATION:Musée d’Art Moderne de Paris\, 11 Av. du Président Wilson Paris\, Paris\, Paris\, França
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SUMMARY:Daniel Pommereulle no Musée d'Art Moderne de Paris
DESCRIPTION:Daniel Pommereulle\, Objet de prémonition (detalhe)\, 1974-1975. Museu de Arte Moderna de Paris\, aquisição em 2022 © ADAGP 2024. Fotografia: Rurik Dmitrienko.\n\n\n\n\nPor ocasião da entrada de obras de Daniel Pommereulle na coleção\, o Museu de Arte Moderna de Paris presta homenagem a essa figura singular da cena artística francesa. Pintor\, escultor\, cineasta\, performer e poeta\, Pommereulle atravessou a segunda metade do século XX impulsionado por compromissos radicais\, criando formas que testam nossa vulnerabilidade por meio da experiência da violência e do infinito. \nMobilizado durante a guerra da Argélia em 1957\, Pommereulle foi profundamente marcado por essa experiência traumática\, que permeia suas criações. No início de sua carreira\, ele também foi influenciado pelo onirismo de Odilon Redon\, dos surrealistas e de Henri Michaux\, com quem compartilhava o interesse por drogas alucinógenas. Em 1966\, identificado como um “objetor” pelo crítico Alain Jouffroy\, que aplicou o termo aos artistas que reivindicavam o legado de Marcel Duchamp e a revolta política\, ele expôs Pêcher en fleur no Salon de Mai\, no Museu de Arte Moderna de Paris. Em sua obra\, Pommereulle desenvolve uma estética da violência e da crueldade\, criando objetos ameaçadores e dispositivos de tortura (como Toboggan\, 1974)\, que confrontam diretamente os visitantes. \nConhecido também como ator por suas aparições nos filmes da Nouvelle Vague\, o artista apresentou\, em La Collectionneuse de Éric Rohmer (1967)\, seu primeiro Objet Hors Saisie\, que ele continuaria a desenvolver com a série Objets de prémonition (1975): potes de tinta derramados e esculturas de chumbo\, armados com lâminas de facas e objetos cortantes. Nos anos 1980\, Pommereulle passou um tempo na Coreia e no Japão\, marcando uma virada em seu trabalho. Sua prática gráfica e escultórica\, através do uso de vidro\, pedra e aço\, passou a buscar canalizar energias cósmicas. Até sua morte\, segundo Armance Léger\, “a transparência\, o ar e o vazio se tornaram os novos termos de sua exploração.” \nComissária: Fanny Schulmann\, conservadora-chefe no Museu de Arte Moderna de Paris.
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LOCATION:Musée d’Art Moderne de Paris\, 11 Av. du Président Wilson Paris\, Paris\, Paris\, França
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SUMMARY:"Comics\, 1964-2024" no Centre Pompidou
DESCRIPTION:Moebius\, Starwatcher\, 1986. © Moebius Production\n\n\n\nMarcada pelo “segundo vento do Surrealismo”\, sua produção por volta de 1955 está alinhada com a abstração gestual e textural que ocupava um lugar proeminente na época. Misturando o material com uma faca\, tecendo redes inextricáveis e permitindo que “traços gráficos” invadam a tela\, Réquichot parece levar a pintura aos seus limites absolutos. Suas Relíquias e suas telas suspensas enroladas apresentam expressões exacerbadas disso. \n\n\n\nUltrapassando o âmbito da Arte Informal\, da qual ele é um representante eminente\, Réquichot foi rápido em introduzir colagens em sua pintura. No domínio gráfico\, ele investiu o motivo espiral com uma função quase hipnótica em impressionantes tintas sobre papel sublinhadas por guache branco. Relacionados de perto à escrita ilegível\, que não está desconectada da produção literária do artista\, esses motivos se traduzem em escultura na forma de agregados de anéis de poliestireno. Réquichot era uma figura complexa e atormentada que tirou a própria vida pouco antes de sua segunda exposição individual organizada por seu galerista\, Daniel Cordier.
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LOCATION:Centre Pompidou\, Place Georges-Pompidou\, Paris\, França
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SUMMARY:"Ectopia" de Ilana Savdie na White Cube
DESCRIPTION:Ilana Savdie\, Muecas\, 2024\n\n\n\nMarcando a primeira exposição individual da artista na França\, “Ectopia” apresenta novas pinturas e trabalhos em papel que desenvolvem a exploração da performance e teatralidade pela artista como respostas às estruturas de poder. Nesta exposição\, a artista foca no conceito de espetáculo e na figura do herói que emerge dele. Através de suas obras em acrílico\, óleo e cera de abelha\, Savdie busca interseções entre o mundo biológico e o folclórico para abordar modos de adaptação e sobrevivência\, enquanto desafia binários codificados como predador/presa\, prazer/disgusto e verdade/artefato.
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LOCATION:White Cube Paris\, 10 Avenue Matignon\, Paris\, França
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SUMMARY:"with\, and\, of\, on Sculpture" de Nicole Eisenman na Hauser & Wirth Paris
DESCRIPTION:Nicole Eisenman\, The Artist at Work\, 2023 © Nicole Eisenman. Foto: Sarah Muehlbauer\n\n\n\n\nEm exibição na galeria de Paris\, a mostra with\, and\, of\, on Sculpture de Nicole Eisenman explora a abordagem multifacetada da artista em relação ao meio escultórico. Embora Eisenman mantenha estúdios distintos para pintura e escultura\, as duas práticas estão profundamente conectadas para ela. (A distinção entre esses espaços pode ser descrita como “bagunçado” e “menos bagunçado.”) Essa inter-relação é mais evidente através dos desenhos da artista\, sobre os quais ela afirmou: “Uma linha é escultural\, do jeito que flutua no espaço sobre uma página em branco. Você está olhando para a representação de uma dimensão\, e ela pode ser percebida como bidimensional ou tridimensional.” \nEntre algumas obras da exposição\, o vínculo é explícito: no andar térreo\, estão instaladas duas figuras da monumental instalação escultórica de Eisenman\, Procession (2019)\, que estreou na Bienal de Whitney de 2019\, enquanto no primeiro andar há um grande desenho preparatório para essa instalação. As obras\, no entanto\, se separam de sua relação direta. No andar de baixo\, a escultura heurística no estilo “Junk Lady” na parte de trás de Perpetual Motion Machine (2019) é o resultado direto tanto do ambiente do estúdio quanto das preocupações técnicas da peça. No andar de cima\, o “G*d-cat” em Drawing for Procession (2024) desvia-se da função prática da obra e a define como algo completo e separado. \nEm outras obras\, a conexão é estabelecida pelo processo. As obras da série Shape Driven Heads são criadas por meio do ato físico da pintura\, onde as relações formais se constroem mutuamente\, com a ação determinando a reação. O trabalho escultórico de Eisenman frequentemente segue essa abordagem também. Em Head with Slab and Foot (2024)\, por exemplo\, a figura é composta tanto de material encontrado no estúdio quanto de elementos esculpidos em resposta a eles. Essa peça leva a exploração da troca dimensional um passo adiante ao incorporar uma laje de gesso com uma placa de intaglio impressa\, fundindo corporalmente uma imagem bidimensional\, criada em resposta a uma estrutura tridimensional\, com um cartucho volumétrico. \nNo centro da exposição está Archangel (The Visitors) (2024)\, uma grande pintura em camadas que retrata a abertura imaginária de uma exposição de esculturas. Nessa obra\, Eisenman pinta esculturas fictícias e\, como o século 20 apreciaria ver\, corpos em relação física com formas no espaço. Uma escultura\, não imaginada\, faz referência a Prussian Archangel (1920) de John Heartfield e Rudolf Schlichter\, uma figura militar com cabeça de porco exibida pela primeira vez na Primeira Feira Internacional Dada em Berlim em 1920. Eisenman “instala” a peça no topo da pintura\, pairando ameaçadoramente sobre a cena. The Visitors no título da obra faz referência ao single homônimo de 1981 do ABBA sobre a perseguição de dissidentes políticos. Também pode se referir às figuras circulando pela galeria\, às três figuras ameaçadoras ao fundo da sala ou ao Arcanjo\, que evoca a narrativa histórica da arte sobre visitas sobrenaturais. \nA ampla variedade de mídias nesta exposição talvez demonstre com mais clareza e coletividade a notável habilidade de Eisenman para a síntese. Ao transitar entre materiais e formas\, as conversas iniciadas em uma mídia continuam e se transformam em outra. Fiel ao seu processo artístico\, as distinções entre formas são mais externas do que internas\, derivadas da praticidade da linguagem. Situada entre “pintora” e “escultora”\, Eisenman talvez seja melhor descrita simplesmente como “artista.”
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LOCATION:Hauser & Wirth Paris\, 26 bis Rue François 1er\, Paris\, França
CATEGORIES:Paris
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SUMMARY:"The Art of the Olympics" na Gagosian
DESCRIPTION:Vista da instalação com Andreas Gursky\, Amsterdam\, Arena I\, 2000. Obra de arte © Andreas Gursky\, VG Bild-Kunst\, Bonn\, Alemanha. Foto: Thomas Lannes.\n\n\n\nA Gagosian tem o prazer de anunciar The Art of the Olympics\, uma exposição coletiva em duas partes organizada em associação com o Museu Olímpico para celebrar os Jogos Olímpicos e Paralímpicos Paris 2024. \n\n\n\nA galeria na rue de Castiglione apresenta obras em diversos meios que exploram o rico tecido cultural\, iconográfico\, social e emocional do esporte. Entre as seleções está a monumental fotografia de Andreas Gursky\, Amsterdam\, Arena I (2000)\, que apresenta uma vista aérea panorâmica de uma partida de futebol\, reduzindo os jogadores uniformizados e o gramado bem cuidado a uma composição abstrata de linhas e cores. Jeux Nocturnes (circa 1970)\, de Man Ray\, infunde a própria bola de futebol com um espírito de mistério que sugere uma dinâmica oculta\, enquanto a escultura de bronze policromada Bodybuilder (1989–90)\, de Duane Hanson\, retrata um homem musculoso e sem camisa encontrado pelo artista em uma academia em Hollywood\, Flórida; a pele do sujeito está coberta de suor e sua expressão transmite um profundo envolvimento consigo mesmo. Scholl Canyon (2005)\, de Jonas Wood\, transforma a paisagem serena de um extenso campo de golfe em uma composição abstrata multilayered\, e o desenho de Christo para Running Fence (1974)\, uma escultura pública de 39\,4 quilômetros\, comunica um sentido de exaltação compartilhada semelhante a uma maratona em seu estímulo ao intercâmbio cultural e à união. O reaproveitamento do tecido usado na obra Arc de Triomphe\, Wrapped (1961–2021)\, em tendas para os Jogos Olímpicos de Paris\, amplia seu legado duradouro. Outra seleção inclui obras de Keith Haring\, Takashi Murakami\, Marc Newson\, Ed Ruscha\, Andy Warhol e outros.
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LOCATION:Gagosian\, 9 Rue de Castiglione\, Paris\, França
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SUMMARY:"Picasso Iconophage" no Musée Picasso Paris
DESCRIPTION:Pablo Picasso\, Estudos (detalhe)\, 1920. Museu Nacional Picasso-Paris © Succession Picasso 2024\n\n\n\nO Museu Nacional Picasso-Paris apresenta sua nova exposição temporária intitulada “Picasso Iconophage” de 11 de junho a 15 de setembro de 2024 nos espaços do térreo. A exposição analisa a modernidade da concepção da imagem de Pablo Picasso explorando as fontes artísticas e extrartísticas de sua obra e seus modos de apropriação. \n\n\n\nA obra de Pablo Picasso é multirreferencial e impressiona pela riqueza de sua cultura visual. O artista\, celebrado pelas vanguardas como um crítico do academicismo\, no entanto\, sempre se apresentou como herdeiro de uma longa tradição pictórica. Seu relacionamento ambíguo com a história da arte levanta tanto a questão das fontes quanto a dos modos de apropriação delas. Visitante assíduo do Louvre\, Picasso acumulou ao longo da vida fotografias\, cartões postais\, reproduções\, pôsteres\, revistas e livros ilustrados\, além das obras de sua coleção pessoal. Este acúmulo\, que constituía para o artista um rico repertório iconográfico\, é sintomático de uma nova maneira de pensar a imagem\, liberta do campo artístico e do tempo histórico. No entanto\, não há citações literais em sua obra: suas variações sobre as pinturas dos grandes mestres são principalmente desconstruções; suas formas e composições são sempre híbridas. A exposição visa destacar a integração das pinturas\, esculturas e desenhos de Picasso em uma complexa rede de imagens fontes através de quatro temas que atravessam sua obra: o herói\, o Minotauro\, o voyeur\, o mosqueteiro.
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LOCATION:Musée Picasso Paris\, 5 rue de Thorigny\, Paris\, França
CATEGORIES:Paris
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SUMMARY:"Pictures at an Exhibition" de Sarah Sze na Gagosian Paris
DESCRIPTION:Vista da instalação de Sarah Sze\, Pictures at an Exhibition\, 2023. Obra de arte © Sarah Sze. Foto: Andrea Rossetti\n\n\n\nA Gagosian tem o prazer de anunciar uma exposição de novas pinturas e uma instalação imersiva de Sarah Sze. Aberta em 25 de junho\, Pictures at an Exhibition marca o retorno da artista a Paris após sua primeira mostra na galeria lá em 2020\, que coincidiu com sua exposição individual Noite em Dia na Fondation Cartier pour l’art contemporain. \n\n\n\nApós sua estreia na Bienal da Tailândia inaugural\, co-direcionada por Rirkrit Tiravanija em Chiang Rai no último ano\, a instalação de vídeo imersiva de Sze\, Pictures at an Exhibition (2023)\, ocupa todo o térreo da galeria. Expandindo-se a partir do centro do espaço\, uma multiplicidade de telas de papel são animadas com imagens\, vídeo e luz\, formando um núcleo iluminado e poroso\, como um caleidoscópio do tamanho de um quarto. Projeções cromáticas transbordam pelas bordas para lançar restos de luz nos pisos e paredes da galeria central e espaços adjacentes\, piscando sobre os espectadores conforme eles se movem ao redor da obra.
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LOCATION:Gagosian\, 4 Rue de Ponthieu Paris\, Paris\, Paris\, França
CATEGORIES:Paris
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SUMMARY:“Chefs-d'oeuvre de la collection Torlonia” no Museu do Louvre
DESCRIPTION:A maior coleção privada de escultura romana antiga preservada até hoje – reunida pelos príncipes Torlonia ao longo de todo o século XIX em Roma – é revelada ao público pela primeira vez desde meados do século XX em uma série de exposições-eventos. \nÉ no Louvre que os mármores Torlonia se instalam para sua primeira exibição fora da Itália\, no cenário restaurado dos apartamentos de Ana da Áustria\, sede das coleções permanentes de escultura antiga desde o final do século XVIII e o nascimento do Museu do Louvre. As coleções nacionais francesas prontamente se prestam a um diálogo fecundo com os mármores Torlonia\, questionando a origem dos museus e o gosto pelo Antigo\, elemento fundador da cultura ocidental. \nEsta exposição destaca obras-primas da escultura antiga e convida à contemplação dos maiores tesouros da arte romana\, além de proporcionar uma imersão nas raízes da história dos museus\, na Europa das Luzes e do século XIX.
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LOCATION:Museu do Louvre\, 75001 Paris\, França\, Paris\, França
CATEGORIES:Paris
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SUMMARY:“Sport and Beyond” na Almine Rech
DESCRIPTION:Imagem: Cortesia Almine Rech Paris\n\n\n\nPor ocasião dos Jogos Olímpicos de Paris\, a Almine Rech tem o prazer de apresentar “Sport and Beyond”\, uma exposição coletiva com obras de Jeff Koons\, Laurie Simmons e Hank Willis Thomas. \n\n\n\n“Sport and Beyond” reúne três renomados artistas americanos cujas obras foram influenciadas pelo esporte – um pilar social e cultural importante em nossa sociedade. \n\n\n\nPara esta exposição\, Jeff Koons criou uma nova escultura que é uma extensão de sua famosa série “Gazing Balls”\, inspirada no Gladiador Borghese no Louvre (cerca de 110 a.C.). A obra resultante oferece um encontro anacrônico entre o mundo antigo e sua série em andamento. As esferas de vidro das “Gazing Balls” simbolizam o cosmos do século XIX\, anteriormente abrigadas em palácios (notadamente o de Ludwig II da Baviera) e reposicionadas como esferas decorativas nos jardins norte-americanos do século XX. A obra na exposição situa-se na interseção entre decoração e os cânones do nu masculino da antiguidade grega. Esses dois objetos – a esfera e o nu masculino – personificam a perfeição\, usando essas respectivas iconografias e vínculos com a história da arte para criar uma obra que brinca com referências kitsch\, como é frequentemente o caso com Jeff Koons\, as obras de Duchamp e Warhol.
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LOCATION:Almine Rech Paris – Turenne\, 64 rue de Turenne\, Paris\, França
CATEGORIES:Paris
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