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SUMMARY:"Être ici est une splendeur" de Nathanaëlle Herbelin no Musée d'Orsay
DESCRIPTION:Nathanaëlle Herbelin\, Emmanuelle et Efi [detalhe]\, 2024 © Cortesia do artista e da Galerie Jousse Entreprise / Foto: Objets pointus / © Adagp\, Paris\, 2024.\n\n\n\nSua apresentação no Museu d’Orsay se encaixa diretamente em um eixo do projeto cultural do museu que visa expandir a “polifonia de Orsay” para figuras artísticas menos clássicas\, aqui apresentando uma artista emergente já muito elogiada pela crítica. Sua trajetória meteórica desde sua saída da Escola de Belas Artes de Paris há menos de dez anos foi comentada várias vezes e será também uma oportunidade de mostrar a atenção do Museu d’Orsay para os artistas frequentadores da escola vizinha e entre os ex-alunos que são apaixonados por suas coleções. \n\n\n\nA exposição contemporânea da primavera de 2024 destacará a sensível inserção da artista na tradição dos Nabis – grupo de jovens artistas pós-impressionistas vanguardistas da última década do século XIX. Se o toque sutil da artista\, sua paleta cromática e seus motivos preferidos nos lembram Pierre Bonnard\, Édouard Vuillard ou Félix Vallotton\, outros detalhes figurativos nos trazem de volta à realidade mais contemporânea: graças à presença de características atuais (telefones celulares ou cabos de alimentação eletrônicos) nessas cenas de gênero atualizadas\, mas também ao transpor preocupações de nosso tempo para essas composições. Assim\, a intimidade do corpo materno no banho às vezes apresenta o modelo se depilando\, ou o gênero é questionado pela transposição de um modelo masculino nu na banheira\, outra tela até mesmo apresenta uma cena íntima centrada no prazer feminino\, ou a encenação do familiar em um quarto é iluminada pela luz azul noturna de um laptop apoiado nos joelhos de uma figura deitada. \n\n\n\nEssa atualização deverá\, incontestavelmente\, ressoar com as telas de Pierre Bonnard\, Édouard Vuillard e Félix Vallotton permanentemente expostas nessas galerias\, sem choque ou sentimento de pastiche\, dado que o universo de Nathanaëlle Herbelin permanece sensível e singular.
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LOCATION:Musée d’Orsay\, 1 Rue de la Légion d'Honneur Paris\, Paris\, Paris\, França
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SUMMARY:"1874 Draw! What did people draw in 1874?" no Musée d'Orsay
DESCRIPTION:Edgar Degas\, Danseuse se grattant le dos [detalhe]\, c. 1873-1874 © RMN-Grand Palais (Musée d’Orsay) / Adrien Didierjean\n\n\n\nDesenhos preparatórios para comissões estatais destinadas a decorar monumentos parisienses\, esboços para grandes composições e pinturas de cavalete em exposição no Salão\, e paisagens da escola “plein air” anotadas diretamente do motivo são todos testemunhos da rica variedade de criação artística em 1874. \n\n\n\nEsta exposição revela obras-primas gráficas de Baudry\, Puvis de Chavannes\, Degas\, Manet e Pissarro\, com algumas peças mais incomuns\, como os esboços a carvão de Boudin\, que nos surpreendem\, e destaca certos desenhistas talentosos que são pouco conhecidos hoje. \n\n\n\nEnquanto esses artistas apropriavam-se das técnicas de desenho e tradições dos antigos mestres\, eles as mantinham vivas apenas para reinventá-las com temas inovadores e materiais inovadores. \n\n\n\nEsta visão geral da arte do desenho tempera o suposto antagonismo entre as técnicas acadêmicas associadas à École des Beaux-Arts e a arte dos pintores impressionistas.
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LOCATION:Musée d’Orsay\, 1 Rue de la Légion d'Honneur Paris\, Paris\, Paris\, França
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SUMMARY:"Le monde comme il va" na Bourse de Commerce
DESCRIPTION:Vista da exposição Le monde comme il va\, Bourse de Commerce – Pinault Collection\, Paris\, 2024. © Tadao Ando Architect & Associates\, Niney et Marca Architectes\, agência Pierre-Antoine Gatier. Foto: Florent Michel / 11h45 / Pinault Collection.\n\n\n\nExclusivamente composta por obras da Coleção Pinault\, destacando sua extensão\, vitalidade e diversidade\, a exposição Le monde comme il va se desdobra em todos os espaços da Bolsa de Comércio\, a partir de 20 de março de 2024. Reunindo uma ampla seleção de peças principalmente criadas entre os anos 1980 e hoje\, sendo metade delas exposta pela primeira vez pela Pinault Collection\, ela destaca a paixão e o comprometimento de François Pinault com uma arte contemporânea diretamente conectada ao nosso tempo. \n\n\n\nAo emprestar seu título de um conto filosófico de Voltaire\, esta nova exposição da Coleção Pinault revela “a aguda consciência do presente” entre os artistas\, segundo o curador Jean-Marie Gallais. De figuras estabelecidas (Maurizio Cattelan\, Damien Hirst\, Jeff Koons\, Cindy Sherman\, Sturtevant\, Rosemarie Trockel…) a uma geração mais jovem de artistas (Anne Imhof\, Mohammed Sami\, Pol Taburet\, Salman Toor…)\, as escolhas de François Pinault como colecionador sempre refletiram essa paixão por uma arte em sintonia com seu tempo\, seja ela engajada ou simplesmente observadora\, provocativa ou mais sombria. Diante dos excessos e paradoxos do mundo\, assim como dos problemas da época e de um sentimento de perda de referências\, os artistas se tornam profetas\, visionários\, filósofos\, às vezes cínicos e irônicos\, frequentemente poetas e reencantadores. \n\n\n\nAssim como o personagem principal do conto — um observador enviado para tentar compreender a humanidade —\, o visitante é confrontado com uma visão ambivalente\, oscilando entre as fraquezas e as forças de um mundo que parece caminhar para sua queda\, mas que mantém esperanças e graças. Os artistas apresentados em Le monde comme il va produzem imagens poderosas\, por vezes irônicas\, por vezes violentas\, dessa situação paradoxal\, e duas gerações de obras dialogam igualmente na jornada: aquelas criadas no contexto das décadas de 1980-1990 e aquelas criadas a partir dos anos 2000. \n\n\n\nEm conexão com a exposição\, a carta branca dada a Kimsooja na Rotunda do museu\, uma intervenção que é ao mesmo tempo monumental e sensível\, subverte toda a arquitetura da Bolsa de Comércio e\, com ela\, a ordem do mundo através de um enorme espelho circular\, colocado no chão. A invisibilidade do material\, que apenas reflete a realidade circundante\, convida a todos a tomarem consciência de que são atores nesta narrativa em curso que se estende até as vitrines e o nível inferior do museu. \n\n\n\nLe monde comme il va compõe um fluxo de imagens capturadas nos movimentos do mundo passado e presente\, que ressoa com o espírito da Coleção Pinault há mais de cinquenta anos.
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LOCATION:Bourse de Commerce\, 2 Rue de Viarmes Paris\, Paris\, Paris\, França
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SUMMARY:"To Breathe — Constellation" de Kimsooja na Bourse de Commerce
DESCRIPTION:Vista da intervenção de Kimsooja To Breathe — Constellation como parte da exposição Le monde comme il va\, Bourse de Commerce – Pinault Collection\, Paris\, 2024. © Tadao Ando Architect & Associates\, Niney et Marca Architectes\, agence Pierre-Antoine Gatier. Foto: Florent Michel / 11h45 / Pinault Collection.\n\n\n\nComo parte da exposição Le monde comme il va\, a artista sul-coreana Kimsooja apresenta a intervenção To Breathe — Constellation. Sua obra monumental e imaterial na Rotunda da Bolsa de Comércio consiste em um imenso espelho cobrindo o chão\, que inverte toda a arquitetura e\, com ela\, a ordem do mundo\, fazendo com que o céu se abra sob nossos pés no centro do edifício. Além disso\, Kimsooja ocupa as 24 vitrines do Passage e o nível inferior do museu com obras e instalações de vídeo sobre temas como identidade\, fronteira\, memória\, exílio\, deslocamento e tecelagem. \n\n\n\n“Eu quero criar obras que sejam como água e ar\, que não podem ser possuídas\, mas podem ser compartilhadas com todos”\, diz Kimsooja\, cuja obra\, desde o final dos anos 1970\, tem sido uma experiência essencial e universal na cena internacional de arte. Após estudar pintura em Seul\, ela se afasta de qualquer ensino e prática artística convencional para explorar\, através dos gestos da vida cotidiana\, questões de identidade\, compromisso\, memória individual e coletiva e o lugar do indivíduo no mundo. Em sua performance famosa em 1997\, ela atravessa a Coreia por onze dias\, montada em um caminhão cheio de bottaris coloridos\, balaios de tecidos cintilantes que acompanham e marcam a vida dos coreanos – casamento\, nascimento e morte. Como uma artista nômade\, ela usa metaforicamente seu próprio corpo\, como uma presença anônima quase invisível que\, por sua imobilidade e verticalidade\, se inscreve como uma agulha no tecido do mundo. \n\n\n\nO espelho que ela cobre o chão da Rotunda da Bolsa de Comércio desempenha um papel semelhante ao da agulha ou de seu próprio corpo.
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SUMMARY:Brancusi no Centre Pompidou
DESCRIPTION:Constantin Brancuși\, La Muse endormie\, 1910. Foto: CNAC/MNAM Dist. RMN Adam Rzepka\n\n\n\nConstantin Brancusi nunca foi objeto de uma exposição em uma escala tão grande. Um conjunto de quase duzentas esculturas\, juntamente com fotografias\, desenhos\, filmes\, arquivos\, ferramentas e mobiliário do estúdio serão exibidos. Essa apresentação foi produzida para marcar a completa relocação do estúdio de Brancusi no contexto das obras de renovação do Centro Pompidou\, e proporciona uma oportunidade única de revisar a arte deste imenso artista do século XX sob uma nova luz. O estúdio tem sido a joia da coleção do museu desde que foi legado ao Estado francês em 1957\, e constitui a matriz desta retrospectiva que reúne conjuntos originais de esculturas\, graças a importantes empréstimos de importantes museus internacionais.
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LOCATION:Centre Pompidou\, Place Georges-Pompidou\, Paris\, França
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SUMMARY:Jean Hélion no Musée d'Art Moderne de Paris
DESCRIPTION:Jean Hélion\, Figure tombée\, 1939. Foto © Centre Pompidou\, MNAM-CCI\, Dist. RMN-Grand Palais / Georges Meguerditchian © ADAGP. Paris 2024\n\n\n\nO Museu de Arte Moderna de Paris propõe uma exposição retrospectiva da obra de Jean Hélion (1904-1987)\, pintor e intelectual cujo trabalho atravessa o século XX: Jean Hélion é um dos pioneiros da abstração\, introduzindo-a na América nos anos 1930\, antes de evoluir para uma figuração pessoal no início da Segunda Guerra Mundial. \n\n\n\nApós retornar à França após a guerra e ser aclamado nos anos 1960 pela nova geração de pintores da Figuration narrative como Gilles Aillaud ou Eduardo Arroyo\, Jean Hélion teve numerosas exposições em galerias e instituições francesas e internacionais durante sua vida\, incluindo as do MAM em 1977 e 1984-85\, sendo a última retrospectiva apresentada no Centro Pompidou em 2004. Apesar de sua importância e singularidade\, sua obra ainda é pouco conhecida pelo público hoje. \n\n\n\nOrganizada de forma cronológica\, a exposição Jean Hélion\, La prose du monde reúne mais de 150 obras (103 pinturas\, 50 desenhos\, cadernos e uma abundante documentação)\, raramente apresentadas ao público\, provenientes de grandes instituições francesas e internacionais\, bem como de numerosas coleções privadas.
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LOCATION:Musée d’Art Moderne de Paris\, 11 Av. du Président Wilson Paris\, Paris\, Paris\, França
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SUMMARY:Os Tiepolo na Beaux Arts Paris
DESCRIPTION:Béryl Coulomblé\, LL\, 2023. © Sacha Boccara\n\n\n\nEsta exposição excepcional reúne desenhos e gravuras de Giambattista Tiepolo e seus dois filhos\, Giandomenico e Lorenzo Tiepolo\, uma família de artistas virtuosos do século XVIII em Veneza. \n\n\n\nA École des Beaux-Arts de Paris possui um notável conjunto de dez folhas de Giambattista Tiepolo (1696-1770)\, tornando-se a segunda coleção pública de desenhos do artista na França. Esta coleção é única no país por incluir não apenas desenhos de Giambattista\, mas também de seus dois filhos pintores\, Giandomenico (1727-1804) e Lorenzo (1736-1776)\, além de outro artista assistente de Tiepolo nos anos 1730\, Giovanni Raggi. Portanto\, ela oferece uma visão das práticas gráficas dentro da família e do estúdio. \n\n\n\nA análise dessas folhas e gravuras\, juntamente com obras de outros artistas\, como Rembrandt\, Piazzetta e contemporâneos como Canaletto\, Guardi e Novelli\, destaca a grande modernidade de sua arte. Isso se manifesta especialmente em sua habilidade para criar variantes de um mesmo tema\, tanto em assuntos religiosos e mitológicos tradicionais quanto em estudos de figuras\, caricaturas e cenas da vida veneziana. A exposição também questiona as relações entre pai e filhos\, e o trabalho dentro de uma família de artistas. \n\n\n\nO percurso começa com um conjunto de estudos de cabeças e rostos\, levantando questões sobre a formação dentro do estúdio de Tiepolo. Continua com a evocação de pinturas religiosas e grandes decorações profanas realizadas pelos Tiepolo e seus contemporâneos em Veneza\, apresentando depois obras gráficas autônomas\, concebidas fora de qualquer projeto de pintura\, como exercícios puros ou recreações gráficas\, sobre temas iconográficos repetidos de forma quase obsessiva\, em várias variantes. \n\n\n\nÉ a excepcional capacidade inventiva de Giambattista e Giandomenico Tiepolo\, uma das facetas mais fascinantes de suas personalidades artísticas\, que esses desenhos e gravuras permitem redescobrir.
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LOCATION:Beaux Arts Paris\, 46 Rue de la Ferté Gaucher\, Paris\, França
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SUMMARY:"Paris 1874: Inventing impressionism" no Musée d'Orsay
DESCRIPTION:Claude Monet (1840-1926)\, Impression\, Soleil Levant [detalhe]\, 1872 © musée Marmottan Monet\, Paris / Studio Baraja SLB\n\n\n\nO que exatamente aconteceu em Paris naquela primavera de 1874 e que sentido devemos atribuir hoje a uma exposição que se tornou lendária? “Paris 1874: Inventing impressionism” busca traçar o surgimento de um movimento artístico que emergiu em um mundo em rápida transformação. \n\n\n\n“Paris 1874” revisita as circunstâncias que levaram esses 31 artistas (dos quais apenas sete são bem conhecidos em todo o mundo hoje) a se unirem e exibirem suas obras juntos. O período em questão tinha um clima pós-guerra\, seguindo dois conflitos: a Guerra Franco-Prussiana de 1870 e\, em seguida\, uma violenta guerra civil. Nesse contexto de crise\, os artistas começaram a repensar sua arte e explorar novas direções. Um pequeno “clã de rebeldes” pintava cenas da vida moderna e paisagens esboçadas ao ar livre\, em tons pálidos e com o toque mais sutil possível. Como observou um observador\, “O que eles parecem estar buscando acima de tudo é uma impressão”. \n\n\n\nEm “Paris 1874”\, uma seleção de obras que figuraram na exposição impressionista de 1874 é colocada em perspectiva com pinturas e esculturas exibidas no Salão oficial no mesmo ano. Essa confrontação sem precedentes ajudará a recriar o choque visual causado pelas obras exibidas pelos impressionistas\, bem como a matizá-lo com paralelos e sobreposições inesperados entre a primeira exposição impressionista e o Salão. \n\n\n\nA exposição no Musée d’Orsay evidencia as contradições e a variedade infinita da criação contemporânea naquela primavera de 1874\, ao mesmo tempo em que destaca a radical modernidade desses jovens artistas. “Boa sorte!” encorajou-os um crítico\, “Inovações sempre levam a algo.” \n\n\n\nEsta exposição é organizada pelo Musée d’Orsay\, pelo Musée de l’Orangerie e pela National Gallery of Art\, Washington\, onde será apresentada de 8 de setembro de 2024 a 20 de janeiro de 2025.
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SUMMARY:Bernard Réquichot no Centre Pompidou
DESCRIPTION:Bernard Réquichot\, Episode de la guerre des nerfs\, 1957 © Adagp\, Paris Créditos da foto: Serviço de documentação fotográfica do MNAM – Centre Pompidou\, MNAM-CCI / Dist. RMN-GP\n\n\n\nMarcada pelo “segundo vento do Surrealismo”\, sua produção por volta de 1955 está alinhada com a abstração gestual e textural que ocupava um lugar proeminente na época. Misturando o material com uma faca\, tecendo redes inextricáveis e permitindo que “traços gráficos” invadam a tela\, Réquichot parece levar a pintura aos seus limites absolutos. Suas Relíquias e suas telas suspensas enroladas apresentam expressões exacerbadas disso. \n\n\n\nUltrapassando o âmbito da Arte Informal\, da qual ele é um representante eminente\, Réquichot foi rápido em introduzir colagens em sua pintura. No domínio gráfico\, ele investiu o motivo espiral com uma função quase hipnótica em impressionantes tintas sobre papel sublinhadas por guache branco. Relacionados de perto à escrita ilegível\, que não está desconectada da produção literária do artista\, esses motivos se traduzem em escultura na forma de agregados de anéis de poliestireno. Réquichot era uma figura complexa e atormentada que tirou a própria vida pouco antes de sua segunda exposição individual organizada por seu galerista\, Daniel Cordier.
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LOCATION:Centre Pompidou\, Place Georges-Pompidou\, Paris\, França
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SUMMARY:"En Jeu! Artists and Sport (1870-1930)" no Musée Marmottan Monet
DESCRIPTION:Octave Guillonnet\, Partie de tennis\, 1925 © Museu de Belas Artes de Dijon/François Jay © ADAGP\, Paris\n\n\n\nPara coincidir com os Jogos Olímpicos e Paralímpicos de 2024\, realizados em Paris pela primeira vez em 100 anos\, o Musée Marmottan Monet apresentará a exposição intitulada En Jeu! Artists and Sport (1870-1930) de 4 de abril a 1 de setembro de 2024. A exposição revisitará a história visual do esporte entre 1870 e 1930 por meio de mais de cem obras de arte importantes de coleções públicas e privadas europeias\, americanas e japonesas (Musée National du Sport\, Nice; Musée d’Orsay; Centre Pompidou; Musée Fabre\, Montpellier; National Gallery of Art\, Washington; Yale University Art Gallery\, New Haven; Peggy Guggenheim Collection\, Veneza\, etc.). \n\n\n\nDo Impressionismo ao Cubismo\, a exposição mostrará como o esporte e os esportistas foram transformados em ícones da modernidade e da vanguarda. Ela explorará os desafios éticos e os aspectos estéticos de como os esportes foram percebidos por artistas como Monet\, Degas\, Caillebotte\, Toulouse-Lautrec\, Eakins\, Richer\, Maillol\, Rodin\, Bellows\, Lhote\, Delaunay\, Metzinger e Gromaire\, incluindo esportes elitistas como equitação\, vela e esgrima e esportes antigos como luta livre\, boxe e jogos de bola. Também examinará os significados metafóricos da figura heroica do artista como esportista\, caracterizada pela determinação\, resistência e uma forma de resistência.
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LOCATION:Musée Marmottan Monet\, 2 Rue Louis Boilly\, Paris\, França
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SUMMARY:Ari Marcopoulos no Musée d'Art Moderne de Paris
DESCRIPTION:Ari Marcopoulos\, Brown Bag\, 1994-2020. Paris Musées / Musée d’Art Moderne de Paris.\n\n\n\nO Museu de Arte Moderna de Paris dá total liberdade ao artista Ari Marcopoulos\, fotógrafo e cineasta emblemático da cena underground de Nova York e figura proeminente do mundo do skate. Pela primeira vez no museu\, sua obra Brown Bag é apresentada em uma instalação específica. Além de uma análise especializada e antropológica de seus temas\, Marcopoulos propõe uma nova interpretação de algumas obras das coleções do MAM\, sob a perspectiva das subculturas com as quais ele está tão familiarizado. \n\n\n\nPara além de ser um espaço dedicado à arte moderna e contemporânea\, o Palais de Tokyo – especialmente sua esplanada – é também um local de destaque no cenário mundial do skate. Desde os anos 1990\, o local conhecido como “Dôme” rapidamente se tornou popular entre os skatistas parisienses e internacionais\, devido às suas características arquitetônicas e revestimento. O Museu de Arte Moderna de Paris deseja destacar essa disciplina\, que está cada vez mais presente no dia a dia\, especialmente com a organização dos Jogos Olímpicos de Paris 2024. Após sua estreia como “novo esporte” nos Jogos Olímpicos de Tóquio em 2021\, o skate agora faz parte dos quatro esportes adicionais dos jogos que acontecerão em Paris neste verão. \n\n\n\nPor isso\, o Museu de Arte Moderna decide dar total liberdade ao artista Ari Marcopoulos\, conhecido por seu trabalho com a cultura jovem\, além do skate. Em 2021\, o museu adquire seu filme Brown Bag (1994/2020) – apresentado pela primeira vez – que mostra imagens de skatistas filmados pelo artista em Nova York nos anos 1990. \n\n\n\nEm torno dessa projeção\, o artista propõe uma releitura das coleções do Museu de Arte Moderna através de uma seleção de obras que ele confronta com suas próprias fotografias. Encarnações plásticas dos diferentes pontos de vista que o artista deseja confrontar com as obras do museu\, os retratos de Ari Marcopoulos dialogam com artistas como Hans Bellmer\, Brassaï\, Giorgio de Chirico\, César\, Isa Genzken\, Annette Messager\, Bruce Nauman\, Daniel Turner ou Christopher Wool. O percurso trata assim – através de cerca de quarenta obras – do movimento\, do corpo\, mas também da arquitetura\, temas queridos às culturas urbanas que Ari Marcopoulos tem estudado desde o início de sua carreira.
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SUMMARY:"Présences arabes" no Musée d'Art Moderne de Paris
DESCRIPTION:Hamed Abdalla\, Conscience du Sol (detalhe)\, 1956\n\n\n\nO Museu de Arte Moderna de Paris propõe redescobrir a diversidade das modernidades árabes no século XX e renovar o olhar histórico sobre cenas artísticas ainda pouco conhecidas na Europa. Através de uma seleção de mais de 200 obras\, a maioria nunca antes exposta na França\, a exposição Présences arabes – Art moderne et décolonisation – Paris 1908-1988 (Presenças árabes – Arte moderna e descolonização – Paris 1908-1988) destaca a relação dos artistas árabes com Paris ao longo do século XX. \n\n\n\nA exposição explora uma outra história da Arte moderna\, iluminada por numerosos arquivos sonoros e audiovisuais históricos presentes no percurso. Estruturada de forma cronológica\, inicia-se em 1908\, ano da chegada do poeta e artista libanês Khalil Gibran a Paris e da abertura da Escola de Belas Artes do Cairo. Conclui-se em 1988\, com a primeira exposição dedicada a artistas contemporâneos árabes no Instituto do Mundo Árabe (inaugurado alguns meses antes) em Paris e com a exposição Singuliers : bruts ou naïfs\, com\, entre outros\, a artista marroquina Chaïbia Tallal e o artista tunisiano Jaber Al-Mahjoub\, apresentada no museu infantil do Museu de Arte Moderna de Paris. \n\n\n\nSegundo Silvia Naef\, historiadora de arte e uma das autoras do catálogo da exposição Présences Arabes no MAM: “Como fazer uma arte moderna e árabe? Um verdadeiro projeto estético é estabelecido ao longo do século XX: pensado tanto em ruptura com a arte acadêmica\, ecoando as vanguardas ocidentais\, no contexto de uma identidade nacional própria\, sem voltar\, no entanto\, a uma arte islâmica.” \n\n\n\nA exposição destaca mais de 130 artistas cujas obras constituem uma contribuição essencial para as vanguardas árabes e a história da arte moderna do século XX. \n\n\n\nTambém destaca o papel essencial desempenhado por Paris. Qualificada como “capital do terceiro mundo” pelo historiador Michael Goebel\, a cidade é considerada desde os anos 1920 como um viveiro de redes anticoloniais e o centro das novas modernidades cosmopolitas. \n\n\n\nO percurso da exposição é construído em torno de diferentes trajetórias de artistas que estudaram nas escolas de belas artes de seus países antes de vir estudar e se instalar em Paris para continuar sua formação. Ao longo do século XX\, Paris é o lugar de acesso à modernidade\, da crítica ao colonialismo e o centro de numerosos encontros. O Museu de Arte Moderna teve ele próprio um papel importante no pós-guerra através de suas exposições (Salão das Realidades Novas\, Salão da Jovem Pintura\, Bienal dos Jovens Artistas de Paris…) e das aquisições iniciadas a partir dos anos 1960.
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SUMMARY:Takesada Matsutani na Hauser & Wirth Paris
DESCRIPTION:Vista da exposição. Foto: Divulgação Hauser & Wirth\n\n\n\nDesde o início da década de 1960 até os anos 1970\, Matsutani foi um membro-chave do influente coletivo de arte japonês pós-guerra\, a Associação de Arte Gutai. Como parte do grupo\, Matsutani experimentou com cola vinílica\, manipulando a substância para criar formas bulbosas e sensuais reminiscentes de curvas e características humanas. Ao aplicar a cola na tela\, deixando-a parcialmente secar para formar uma pele e então inflá-la com seu próprio sopro usando um canudo ou secadores de cabelo e ventiladores\, Matsutani dá vida ao material. Em algumas obras\, ele deixa as formas convexas inchadas\, enquanto em outras permite que a cola se rompa e enrugue\, explorando a ampla gama de formas e qualidades táteis possíveis da substância. Explorando novas possibilidades pictóricas no cruzamento com a escultura\, o artista explica: “A ideia era algo tridimensional\, na tela. Uma forma orgânica.” \n\n\n\nDepois que o grupo Gutai se dissolveu em 1972\, Matsutani se dedicou a um novo corpo radical\, porém consistente\, informado por sua experiência no renomado estúdio de gravura de Stanley William Hayter\, Atelier 17. Fiel às suas raízes Gutai\, ele se esforçou para identificar e transmitir o caráter essencial da cola vinílica com grafite\, que se tornaram seus materiais de assinatura. O artista começou a criar obras compostas por vastas extensões de grafite metálico preto em folhas de papel mural de tamanho grande\, construídas com cuidadosas pinceladas individuais\, o ritualizado método apresentando um registro temporal de seus gestos. Em exibição está uma obra da série Wave do final dos anos 1990\, na qual a aplicação de camadas de grafite permitiu ao artista experimentar com o caráter essencial e as possibilidades expressivas do material. Matsutani continua a usar essa técnica em sua prática diária no estúdio\, exemplificada em novas obras em exposição\, incluindo ‘Knoll’ (2023) e ‘Purple 8-4-2023’ (2023)\, empregando verdes e roxos profundos e escuros em uma partida de sua paleta de cores monocromáticas. \n\n\n\nMatsutani criou uma instalação específica para o local em diálogo direto com as janelas do espaço da galeria térrea\, na qual a tela construída em grande escala cria um delicado jogo de luz. Através de sua série contínua de instalações\, Matsutani permaneceu fiel ao seu passado\, enquanto também revisitava as tradições de seu país e encontrava uma maneira radical de romper com as convenções artísticas. \n\n\n\nAs primeiras experimentações de Matsutani são exemplificadas em duas obras raras feitas pelo artista em 1965\, ‘Work 65-W’ e ‘Work 65-D’\, onde formas táteis na superfície da pintura evocam balões murchos e também associações corporais. ‘Plexiglas Box’ (1966) desenvolve essa técnica\, não em tela como é de se esperar\, mas em três dimensões\, um exemplo único de suas experimentações com escultura baseada em objetos. Nesta obra\, o artista fixou uma forma bulbosa em cinco lados internos do cubo transparente\, deixando a delicada cola inchada comprimir e se combinar no centro. Contido dentro do Plexiglas\, os abaulamentos redondos da pele de Matsutani reúnem um jogo de opostos – duro e macio\, transparente e opaco\, orgânico e geométrico. \n\n\n\nMatsutani continuou a ser inspirado pela tangibilidade da cola vinílica; no entanto\, hoje\, seu método enfatiza mais o meditativo e metódico. Sentindo uma afinidade profunda com a filosofia Zen\, Matsutani tenta parar o tempo\, materializar um momento suspenso e reconhecer a repetição e fluidez da vida cotidiana através de sua prática multifacetada. Essas ideias são personificadas na nova obra ‘Suspend’ (2023)\, que apresenta uma das distintas formas de bolhas de vinil do artista pendurada por um cordão na tela\, sustentada por um mecanismo de madeira. Ao combinar essa introspecção contínua com uma experimentação destemida\, Matsutani transgride a própria ideia de pintura. \n\n\n\nUma performance encomendada em resposta à exposição de Matsutani pelo dançarino e coreógrafo Kenta Kojiri será encenada na galeria duas vezes em 20 de abril de 2024.
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LOCATION:Hauser & Wirth Paris\, 26 bis Rue François 1er\, Paris\, França
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SUMMARY:"Pooya Abbasian — Maltournée" na Maison Européenne de la Photographie
DESCRIPTION:Imagem retirada do filme Maltournée © Pooya Abbasian\n\n\n\nA peça central da exposição é o curta-metragem “Maltournée”\, descrito pelo artista como um encontro perdido com uma comunidade de refugiados que vivia ao longo do canal Saint-Denis\, perto do Stade de France\, e que desapareceu repentinamente após ser evacuada pela polícia. Neste filme\, Pooya Abbasian poeticamente documenta as marcas que deixaram para trás através de viagens\, diálogos e narrações que destacam a intensidade de sua ausência\, evocando emoções\, situações e objetos que uma vez preenchiam essa terra de ninguém. \n\n\n\nAlém disso\, a exposição apresenta fragmentos de sanitários ou pias quebrados coletados pelo artista nas periferias\, transformando a cerâmica desses objetos em uma superfície fotossensível por meio de um processo inspirado em emulsões fotográficas\, sobre a qual são projetadas fotografias tiradas nos arredores dos locais onde foram encontrados\, resultando em imagens delicadas e frágeis que transformam os fragmentos em fósseis\, vestígios frágeis de um local abandonado\, assombrado por seu passado\, existindo em algum lugar entre memória e fantasia.
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LOCATION:Maison Européenne de la Photographie\, 5/7 Rue de Fourcy\, Paris\, França
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SUMMARY:“Olympism: Modern Invention\, Ancient Legacy” no Museu do Louvre
DESCRIPTION:Relevo em Gesso: Corrida (Dromos)\, após a Ânfora Panatenaica\, Atribuído ao Pintor de Berlim. © Escola Francesa de Atenas. Cortesia do Louvre.\n\n\n\nEntre os eventos culturais planejados para acompanhar os Jogos Olímpicos e Paralímpicos de 2024 em Paris\, está uma exposição no Louvre sobre a criação dos primeiros Jogos Olímpicos modernos. Os visitantes descobrirão como os Jogos surgiram no final do século XIX: o contexto político da época\, as fontes iconográficas nas quais se basearam e como os organizadores se propuseram a recriar as competições esportivas da Grécia antiga. \n\n\n\nA exposição lança luz sobre as origens da maior e mais assistida competição esportiva do mundo. Este evento internacional foi idealizado por Pierre de Coubertin e diversos luminares franceses e gregos\, aos quais se juntou posteriormente o desenhista suíço Émile Gilliéron (1850-1924). Gilliéron formou-se na École des Beaux-Arts em Paris e era um visitante frequente do Louvre\, onde copiou várias de suas obras-primas. Tendo se estabelecido na Grécia\, ele foi nomeado o artista oficial dos Jogos Olímpicos de 1896 e das Mesoolimpíadas de 1906\, ambos realizados em Atenas\, para os quais desenhou os troféus dos vencedores\, inspirados nas descobertas feitas nos principais sítios arqueológicos da época. Utilizando as mais recentes técnicas de reprodução de seu tempo\, o artista ilustrou materiais de comunicação – em particular selos postais e cartazes – para o recém-formado estado grego. \n\n\n\nGraças a um empréstimo especial da Fundação Stavros Niarchos (SNF)\, o Louvre exibirá a primeira Taça Olímpica\, conhecida como “Taça de Bréal”\, desenhada pelo acadêmico francês Michel Bréal e criada por um ourives francês para o vencedor da primeira maratona – uma corrida inventada para os Jogos Olímpicos modernos. \n\n\n\nComo parte do programa de eventos culturais que acompanham os Jogos Olímpicos e Paralímpicos de 2024\, a exposição mostrará como as disciplinas científicas da filologia\, história\, história da arte e arqueologia se uniram para criar este evento esportivo global.
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LOCATION:Museu do Louvre\, 75001 Paris\, França\, Paris\, França
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SUMMARY:"Regeneration" de Minjung Kim na Almine Rech
DESCRIPTION:Minjung Kim\, Regeneration\, 2024 © Minjung Kim – Cortesia da artista e Almine Rech. Foto: Minjung Kim\n\n\n\nO tempo de Minjung Kim em seu estúdio é guiado pelos princípios da experimentação e da reação. Ao longo de quase 40 anos envolvida como artista\, a prática de Kim tem se alimentado consistentemente de forma inerente. Cada corpo de trabalho responde ao que veio antes dele em uma ascensão leve\, mas constante\, em direção à novidade. \n\n\n\nCom Regeneration\, Kim mantém essa premissa com uma continuação de séries em andamento\, bem como uma nova série surgida a partir de descobertas recentes no estúdio\, da qual a exposição recebe seu título. Produzidas de forma adequada antes da mudança de estações do inverno para a primavera\, as obras surgem a partir de papel restante que Kim entrou em contato com aquarela remanescente. Os tons de rosa resultantes que se espalham pela superfície do papel brilham com nova vida como se nascessem da beleza da descoberta. Em Regeneration\, uma dualidade de antigo e novo\, presente em toda a prática de Kim\, vem à tona e apresenta uma infinidade de fundamentos filosóficos. \n\n\n\n— Maria Vogel\, escritora
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LOCATION:Almine Rech Paris\, 18 avenue Matignon\, Paris\, França
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SUMMARY:“From the Gods” de Allen Jones na Almine Rech
DESCRIPTION:Allen Jones\, Moving Picture (3d elements) (detalhe)\, 2021 © Allen Jones – Cortesia do Artista e Almine Rech. Foto: Leon Chew\n\n\n\nHá um ar de desafio exuberante permeando as obras que Allen Jones fez desde 2017\, período abrangido por esta exposição\, quando ele completou oitenta anos. Essas pinturas\, esculturas e híbridos entre os dois\, que incluem algumas direções novas e ousadas\, constituem não apenas uma recusa vigorosa em recuar de sua busca ao longo da vida por imagens eróticas centradas em corpos femininos\, mas também um senso de celebração e admiração por ele ainda estar aqui. Como os recortes de papel surpreendentemente frescos feitos por seu herói Matisse durante a década que antecedeu sua morte\, essa florescência tardia exibe uma vitalidade juvenil\, invenção e alegria abandonada que facilmente combinam com a inovadora Pop Art na qual Jones apostou sua reputação e lugar na história da arte no início dos anos 1960. \n\n\n\n— Marco Livingstone\, crítico de arte
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LOCATION:Almine Rech Paris – Turenne\, 64 rue de Turenne\, Paris\, França
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SUMMARY:"La Mode en mouvement #2" no Palais Galliera
DESCRIPTION:De 26 de abril de 2024 a 5 de janeiro de 2025\, o Palais Galliera revela “La Mode en mouvement #2”. Com mais de 250 novas obras apresentadas durante esta segunda exibição\, a exposição traça\, através das coleções do museu\, uma história da moda do século XVIII até os dias atuais e desenvolve a temática transversal do corpo em movimento. Um foco especial também é dedicado às roupas de banho\, revelando peças raramente mostradas ao público. \n\n\n\nEnquanto Paris acolhe os Jogos Olímpicos e Paralímpicos no verão de 2024\, “La Mode en mouvement #2” permite compreender o papel do vestuário na prática de atividades físicas e esportivas\, bem como as consequências sociais de sua evolução. \n\n\n\nO vestuário concebido para o esporte (equitacão\, tênis\, golfe\, bicicleta…) é comparado ao vestuário de cidade. Esta segunda apresentação permite ao público perceber a progressiva especialização do vestuário esportivo\, assim como a introdução do sportswear no vestuário cotidiano. \n\n\n\nA seção balneária foca nos banhos de mar e na natação\, símbolos da democratização da prática esportiva desde o final do século XIX. É uma oportunidade de descobrir a importante coleção de trajes de banho\, maiôs\, roupas e acessórios de praia conservados no Palais Galliera. Esta seção destaca a evolução da relação com o corpo através de seu desvelamento na esfera pública\, bem como as noções de pudor e decência. Também revela a transformação dos cânones de beleza\, especialmente através da questão do bronzeamento. \n\n\n\n“La Mode en mouvement #2” beneficia-se de empréstimos excepcionais do Musée National du Sport (Nice)\, da Fundação Azzedine Alaïa\, da Biblioteca Forney (Paris)\, da Biblioteca Histórica da Cidade de Paris\, do Museu Carnavalet – História de Paris\, do Patrimônio da CHANEL\, da coleção Émile Hermès e da casa Yohji Yamamoto. Essas obras permitem colocar em perspectiva as peças do Palais Galliera\, testemunhas de uma prática física e esportiva\, de lazer ou de competição\, ao longo das épocas.
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SUMMARY:"Andres Serrano. Portraits de l'Amérique" no Musée Maillol
DESCRIPTION:Andres Serrano\, Piss Discus (Immersions)\, 1988\n\n\n\nO Museu Maillol e a agência Tempora apresentam\, a partir de 27 de abril de 2024\, uma exposição de fotografias do artista Andres Serrano para uma melhor compreensão de uma América envolvida em uma batalha eleitoral crucial para seu futuro. \n\n\n\nMais do que um fotógrafo\, Andres Serrano pode ser considerado um “artista com uma câmera”\, como ele mesmo se define. Através de suas fotografias cuidadosamente encenadas\, ele revela uma realidade frequentemente perturbadora da América. Religião\, morte\, sexo\, política\, pobreza ou violência permeiam a obra do artista americano. São facetas de uma América tanto monumental em seu triunfalismo quanto frágil em suas contradições. \n\n\n\nMestre do retrato\, Serrano exalta o indivíduo contemporâneo baseando-se na cultura clássica\, especialmente na pintura antiga\, servindo-se de um sagrado agora mesclado com a cultura pop. O olhar do fotógrafo tem a eficácia de uma arma apontada para uma sociedade esquizofrênica da qual Donald Trump se tornou tanto o sintoma quanto o emblema\, ocupando um lugar obsessivo no propósito da exposição do Museu Maillol. \n\n\n\nProvocador para alguns\, observador objetivo do mundo para outros\, Andres Serrano enfatiza os tabus que uma América puritana deseja esconder. Algumas de suas fotografias\, capazes de chocar e por vezes vandalizadas em exposições anteriores\, serão apresentadas em um espaço dedicado. No total\, o visitante descobrirá 89 obras emblemáticas dos diferentes temas abordados pelo artista.
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LOCATION:Musée Maillol\, 59-61 Rue de Grenelle\, Paris\, França
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SUMMARY:"Matisse: The Red Studio" na Fondation Louis Vuitton
DESCRIPTION:Matisse\, The Red Studio (detalhe)\, 1911\n\n\n\nA Fondation Louis Vuitton\, em colaboração com o Museum of Modern Art (MoMA)\, de Nova York\, e o SMK – Statens Museum for Kunst\, de Copenhague (Galeria Nacional da Dinamarca) – está sediando a exposição Matisse: The Red Studio\, focando na gênese e na história desta famosa obra-prima de 1911\, um dos trabalhos icônicos do MoMA desde sua aquisição em 1949. A grande tela retrata o estúdio do artista repleto de suas pinturas e esculturas\, móveis e objetos decorativos. Esta exposição reúne as obras mostradas no The Red Studio pela primeira vez desde que deixaram o estúdio de Matisse em Issy-les-Moulineaux. A apresentação também inclui material de arquivo e pinturas e desenhos relacionados. \n\n\n\nO cerne da exposição apresenta The Red Studio juntamente com as seis pinturas sobreviventes\, três esculturas e uma cerâmica nele retratadas. Criados entre 1898 e 1911\, esses objetos vão desde pinturas familiares\, como o Young Sailor (II) (1906) – que será exibido na França pela primeira vez em 31 anos – até obras menos conhecidas\, como Corsica\, The Old Mill (1898)\, e objetos cujas localizações foram descobertas recentemente. \n\n\n\nTrês dessas pinturas – Bathers (1907)\, Le Luxe (II) (1907-08) e Nude with a White Scarf (1909) – pertencem ao SMK como parte de uma coleção significativa de obras de Matisse\, enquanto o prato de cerâmica do artista em 1907\, retratado no primeiro plano\, vem da coleção do MoMA. \n\n\n\nA exposição também inclui uma série de pinturas e desenhos intimamente relacionados ao The Red Studio\, como The Blue Window do MoMA (1913) e o Large Red Interior do MNAM/Centro Pompidou (1948)\, que nos ajudam a narrar o complexo percurso da pintura do estúdio de Matisse até sua eventual aquisição pelo MoMA. Uma rica seleção de materiais de arquivo\, como cartas e fotografias – muitos publicados ou exibidos pela primeira vez em conexão com este projeto – revelam novas informações sobre o tema\, evolução e recepção da pintura. A exposição também inclui um vídeo dedicado à ciência da conservação\, que apresenta descobertas recentes sobre o processo de criação da pintura.
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SUMMARY:"The Body in Motion" no Petit Palais
DESCRIPTION:Augustin Rouart\, Le Nageur\, 1943\n\n\n\nPor ocasião dos Jogos Olímpicos e Paralímpicos de Paris 2024\, o Petit Palais apresenta “The Body in Motion” a partir de 15 de maio de 2024. Esta exposição conecta arte e esporte dentro de suas coleções. \n\n\n\nA exposição\, com uma cenografia que reflete as cores dos Jogos Olímpicos\, apresenta cinquenta obras das coleções do Petit Palais\, que vão da antiguidade ao início do século XX\, algumas das quais foram especialmente retiradas das reservas. Essas pinturas\, esculturas e objetos de arte\, bem como desenhos e gravuras do museu\, foram escolhidos pela maneira como destacam o corpo\, a anatomia e o esporte. A exposição está dividida em oito seções. \n\n\n\nEla começa na Galerie des Antiques\, levando os visitantes de volta no tempo às origens dos Jogos Olímpicos com evocações visuais de um evento de arremesso de disco ou dardo em vasos e ânforas datados do século V a.C. A coleção de ícones próxima destaca a representação do “corpo heroico” através da figura de São Jorge matando o dragão\, personificando a noção de busca e de superação. \n\n\n\nA seção intitulada “The Drawn Body” relembra a importância dos modelos humanos na arte ocidental e apresenta estudos de nus masculinos de Dürer e Rembrandt. A exposição continua com um interlúdio de dança focado em “corpos suspensos”. Incorporando o dinamismo visível em toda a exposição\, a seção chamada “Sculpting the Body” lança luz sobre essa busca pela vitalidade por escultores que procuram capturar o movimento. Mais adiante\, na seção intitulada “Montar!”\, o tema da emancipação das mulheres através do esporte é explorado com pinturas de Jacques-Émile Blanche e Léon Comerre. “The Body at Play”\, por outro lado\, apresenta jogos infantis como peteca e bilhar em tapeçarias do século XVIII\, os respectivos ancestrais do badminton e do mikado de hoje. A seção final da exposição\, intitulada “Sport in Vogue”\, examina o início do século XX\, que marcou a chegada dos Jogos Olímpicos modernos\, transportando os visitantes para uma nova era que leva até os dias atuais. \n\n\n\nA exposição é complementada por vídeos intitulados “In the Words of Athletes”\, apresentando os esportistas apoiados pelas empresas do Groupe BPCE\, parceiro premium dos Jogos Olímpicos e Paralímpicos de Paris 2024 e principal patrocinador ou mecenas do Petit Palais. Cada atleta escolheu uma obra que ressoa particularmente com seu esporte e prática específica\, sua vida pessoal e os desafios físicos que enfrentaram\, juntamente com a arte do gesto perfeitamente executado\, e as ambições ou objetivos que estabeleceram para si mesmos. Esses vídeos emocionantes lançam luz sobre o vínculo que existe entre arte e esporte\, com os atletas participantes se tornando\, em suas próprias palavras\, “artletas”.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/the-body-in-motion-no-petit-palais/
LOCATION:Petit Palais\, Av. Winston Churchill\, 75008\, Paris\, França
CATEGORIES:Paris
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