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SUMMARY:"Ink and Ivory: Indian Drawings and Photographs Selected with James Ivory" no The Met Museum
DESCRIPTION:Buffaloes in Combat (detalhe)\, Atribuído a Miskin\, Índia\, Mughal\, final do século XVI.\n\n\n\n\nEsta exposição apresenta uma seleção de desenhos superlativos das cortes e centros da Índia e do Paquistão (com algumas obras persas relacionadas)\, datados do final do século XVI ao século XX. Essas obras foram selecionadas principalmente da coleção do Met em parceria com o diretor de cinema James Ivory\, cuja recente doação ao Museu de álbuns fotográficos do século XIX também será destaque na exposição (2021.381.1-16). Os desenhos incluirão exercícios preparatórios frescos e informais para pinturas\, bem como obras lindamente acabadas por si só. As fotografias apresentarão os temas e estilos que surgiram nos contextos de patrocínio real e cerimônia; vistas de arquitetura\, cidades\, paisagens e pessoas\, entre outros. Como artista e cineasta\, James Ivory nos ajudará a apreciar esse material através de seu olhar único. Um curta-metragem — An Arrested Moment — dirigido por Dev Benegal\, acompanhará a exposição. \nA exposição é viabilizada pelo Hagop Kevorkian Fund. \nApoio adicional é fornecido pelo Lavori Sterling Foundation Endowment Fund.
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LOCATION:The Metropolitan Museum of Art\, 1000 5th Ave\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Otobong Nkanga: Cadence" no MoMA
DESCRIPTION:Detalhe do tecido em progresso para Otobong Nkanga: Cadence. Cortesia de Otobong Nkanga. © Otobong Nkanga. Foto: Wim van Dongen\n\n\n\n\nOtobong Nkanga mudou a forma como entendemos a terra e nosso lugar nela. “Os humanos são apenas uma pequena parte do ecossistema\,” disse a artista. “Meus trabalhos nos conectam às nossas histórias compartilhadas\, não apenas por meio da terra e da geografia\, mas por meio de emoções moldadas por eventos e encontros. Essas são as cadências da vida.” \nOtobong Nkanga: Cadence apresenta uma nova comissão da artista: um ambiente abrangente de tapeçaria\, escultura\, som e texto que explora os ritmos turbulentos da natureza e da sociedade. Criada especificamente para o Átrio da Família Marron do MoMA\, a instalação se centra em uma monumental tapeçaria de múltiplos painéis que sugere ecossistemas e galáxias expansivas. \nSuspensa ao longo da parede mais alta do Átrio\, a tapeçaria de grande escala apresenta uma gama caleidoscópica de fibras naturais e sintéticas criadas pela artista utilizando técnicas inovadoras de tecelagem digital no TextielLab em Tilburg\, na Holanda. Esculturas compostas por cordas tingidas\, entrelaçadas com formas de vidro soprado à mão e cerâmica\, pendem do chão ao teto ao lado de tablets de cerâmica impressos com os poemas da artista. Esses elementos diversos são reunidos dentro de uma obra sonora imersiva baseada na voz e na respiração da artista. Cadence confronta tanto a beleza quanto a degradação do mundo natural — e sua agitação em meio a revoluções industriais e tecnológicas\, extração de recursos e guerras. A instalação monumental cria novas maneiras de perceber — e sentir — as enormes mudanças que estão ocorrendo em nosso tempo. \nApresentações ao vivo acontecerão na primavera de 2025. Mais detalhes serão fornecidos aqui nas próximas semanas.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/otobong-nkanga-cadence-no-moma/
LOCATION:MoMA\, 11 W 53rd St Manhattan\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Jesse Krimes: Corrections" no The Met Museum
DESCRIPTION:Jesse Krimes\, “Purgatory” (detalhe)\, 2009. The Metropolitan Museum of Art\, Nova York. Aquisição com doação do Vital Projects Fund Inc.\, por meio de Joyce e Robert Menschel\, e doações da Alfred Stieglitz Society\, 2024. © Jesse Krimes.\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\nA fotografia desempenhou um papel central na construção de sistemas de poder na sociedade\, especialmente em contextos ligados ao crime e à punição. Esta exposição apresenta instalações imersivas contemporâneas do artista Jesse Krimes (americano\, nascido em 1982)\, em diálogo com fotografias do século XIX do acervo do The Met\, realizadas pelo criminologista francês Alphonse Bertillon — responsável por desenvolver o primeiro sistema moderno de identificação criminal\, anterior à adoção das impressões digitais. \nAs instalações de Krimes\, criadas ao longo de seus seis anos de encarceramento\, revelam a engenhosidade de um artista que trabalhou sem acesso a materiais tradicionais. Utilizando sabonetes fornecidos pela prisão\, gel para cabelo\, cartas de baralho e jornais\, ele produziu obras que buscam interromper e recontextualizar a circulação de imagens na mídia. Exibidas em contraponto às fotografias de Bertillon — cuja metodologia combinava medidas antropométricas e retratos fotográficos\, dando origem à atual ficha de identificação criminal — as obras de Krimes questionam a suposta neutralidade dos sistemas de reconhecimento e as hierarquias sociais que eles ajudam a criar e perpetuar. \nArtista para quem a colaboração e o ativismo são essenciais\, Krimes fundou o Center for Art and Advocacy\, uma organização voltada à valorização do talento e do potencial criativo de pessoas que passaram pelo sistema prisional\, promovendo apoio e melhores condições para artistas anteriormente encarcerados.
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LOCATION:The Metropolitan Museum of Art\, 1000 5th Ave\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Shifting Landscapes" no Whitney Museum
DESCRIPTION:Jane Dickson\, “Heading in—Lincoln Tunnel 3”\, 2003. Whitney Museum of American Art\, Nova York; presente de Eve Ahearn e Joseph Ahearn 2017.275. © Jane Dickson.\n\n\n\n\nEmbora o gênero paisagem tenha sido historicamente associado a vistas pitorescas\, Shifting Landscapes considera uma interpretação mais expansiva dessa categoria\, explorando como as questões políticas\, ecológicas e sociais em evolução motivam os artistas enquanto tentam representar o mundo ao seu redor. Retirada da coleção do Whitney\, a exposição apresenta obras dos anos 1960 até o presente e é organizada em seções temáticas distintas. Algumas delas se agrupam em torno de afinidades materiais e conceituais: assemblagens escultóricas formadas por objetos locais\, abordagens ecofeministas da land art e os legados da fotografia documental de paisagens. Outras estão relacionadas a geografias específicas\, como o frenético cenário urbano da Nova York moderna ou a cena experimental de cinema de Los Angeles dos anos 1970. Ainda outras mostram como os artistas inventam novos mundos fantásticos\, onde humanos\, animais e a terra se tornam um só. Seja representando os efeitos da industrialização no meio ambiente\, enfrentando o impacto das fronteiras geopolíticas ou propondo espaços imaginados como uma forma de desestabilizar o conceito de um mundo “natural”\, as obras reunidas aqui trazem ideias sobre a terra e o lugar em foco\, destacando como moldamos e somos moldados pelos espaços ao nosso redor. \nShifting Landscapes é organizada por Jennie Goldstein\, Curadora Associada da Coleção; Marcela Guerrero\, Curadora da Família DeMartini; Roxanne Smith\, Assistente Curatorial Sênior; com Angelica Arbelaez\, Rubio Butterfield Family Fellow; com agradecimentos a Araceli Bremauntz-Enriquez e J. English Cook pelo apoio à pesquisa.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/mark-armijo-mcknight-decreation-no-whitney-museum-2/
LOCATION:Whitney Museum of American Art\, 99 Gansevoort St Manhattan\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Solid Gold" no Brooklyn Museum
DESCRIPTION:Foto: Reprodução Brooklyn Museum\n\n\n\n\nContemple a majestade do ouro em uma exposição cintilante dedicada ao elemento que inspirou incontáveis obras de arte\, moda\, cinema\, música e design. Como material e cor\, o ouro simbolizou beleza\, honra\, alegria\, ritual\, espiritualidade\, sucesso e riqueza ao longo da história. Ele também assumiu inúmeras formas: de representações milenares de mundos idealizados a suntuosos retábulos italianos dos séculos XIII e XIV\, passando por delicados biombos japoneses até obras contemporâneas e criações deslumbrantes da alta-costura. Com uma seleção abrangente de objetos e uma perspectiva global\, esta exposição traça as muitas jornadas do metal que influenciou culturas e legados em todo o mundo. \nSolid Gold\, que inaugura as comemorações do bicentenário do Brooklyn Museum\, reúne mais de 500 obras\, combinando peças de destaque do acervo com empréstimos internacionais impressionantes. O fascínio da moda pelo ouro será refletido em criações icônicas de Anna Sui\, Christian Dior\, Demna\, Gianfranco Ferré\, Giorgio di Sant’Angelo\, Halston\, Mary McFadden\, The Blonds\, Walter Van Beirendonck e Yves Saint Laurent. Pinturas e esculturas com fundo dourado\, moedas e outros tesouros dividirão espaço com joias assinadas por Alexander Calder\, Belperron\, Cartier\, Charles Loloma\, Jacob & Co e Verdura — além de grillz criados por Gabby Elan. \nAo mesmo tempo em que celebra o encantamento sedutor desse material luminoso\, a exposição também propõe reflexões sobre suas histórias mais sombrias\, convidando a conversas francas sobre os custos humanos e ambientais envolvidos na extração do minério de ouro. Solid Gold convida o público a mergulhar em uma das obsessões mais cintilantes da humanidade.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/solid-gold-no-brooklyn-museum/
LOCATION:Brooklyn Museum\, 200 Eastern Pkwy Brooklyn\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Jeanne Moutoussamy-Ashe and the Last Gullah Islands" no Whitney Museum
DESCRIPTION:Jeanne Moutoussamy-Ashe\, “An Afternoon with Aunt Tootie”\, Daufuskie Island\, SC\, 1979. © Jeanne Moutoussamy-Ashe\n\n\n\n\nDesde o início dos anos 1970\, a artista\, ativista e acadêmica Jeanne Moutoussamy-Ashe (n. 1951\, Chicago\, IL; vive e trabalha em South Kent\, CT) produz fotografias que capturam a beleza e a complexidade da vida negra\, homenageando os ritmos do cotidiano e marcando importantes ritos de passagem para as pessoas retratadas. \nEm 1977\, após um estudo independente de seis meses na África Ocidental\, Moutoussamy-Ashe atravessou novamente o Oceano Atlântico até Daufuskie Island\, localizada entre Hilton Head\, na Carolina do Sul\, e Savannah\, na Geórgia. Lá\, e nas outras ilhas vizinhas conhecidas como Sea Islands\, ela começou a fotografar entre os Gullah Geechee—muitos deles descendentes de pessoas anteriormente escravizadas que adquiriram terras de antigos proprietários de plantações após o fim da Guerra Civil. Para Moutoussamy-Ashe\, esses lugares\, separados pelo Atlântico\, estavam intrinsecamente ligados\, com as Sea Islands representando um elo dentro da diáspora negra; um espaço moldado pelos séculos violentos da escravidão e por uma comunidade determinada a proteger e nutrir sua cultura e seu povo únicos. As fotografias de Daufuskie Island honram essas histórias entrelaçadas e a perspectiva pessoal da artista. Para ela\, “a fotografia deve nos forçar a questionar a nós mesmos e o ambiente em que vivemos”. \nExtraída da coleção do Whitney Museum\, esta apresentação focada inclui uma seleção de fotografias em preto e branco de Daufuskie Island\, além de publicações relacionadas da artista. Retratos de crianças e idosos\, imagens de casas\, do litoral\, de pessoas trabalhando e descansando\, bem como de cultos religiosos\, formam juntas uma impressão de uma comunidade—e um lugar—à beira de grandes transformações. \nJeanne Moutoussamy-Ashe and the Last Gullah Islands é organizada por Kelly Long\, Assistente Sênior de Curadoria.
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LOCATION:Whitney Museum of American Art\, 99 Gansevoort St Manhattan\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Pirouette: Turning Points in Design" no MoMA
DESCRIPTION:Nifemi Marcus-Bello\, “For the Community by the Community – Handwashing Station”\, 2020. The Museum of Modern Art\, Nova York. Foto: Kadara Enyeasi.\n\n\n\n\nO design é um elemento fundamental da vida\, um catalisador essencial para nossa evolução. Ele nos ajuda a lidar com mudanças e permeia nossas vidas pessoais e sociais\, refletindo tanto nossas forças quanto nossas fragilidades. Muitos designers buscam criar novos comportamentos\, concentrando-se em hábitos e circunstâncias que mais necessitam de transformação. Pirouette: Turning Points in Design reúne objetos—desde Post-Its até Spanx—que representaram experimentos inovadores com novos materiais\, tecnologias e conceitos\, ofereceram soluções não convencionais para problemas tradicionais e tiveram um impacto significativo tanto no design quanto no mundo em geral. \nCom peças majoritariamente retiradas da coleção do MoMA\, a exposição apresenta objetos amplamente reconhecidos—como o logotipo I ♥️ NY ou o novo símbolo de acessibilidade—ao lado de outros conhecidos apenas por públicos especializados. Alguns\, como a Shopping Bag da Telfar\, apelidada de Bushwick Birkin\, reconfiguram as regras de exclusividade e luxo. Outros\, como o Walkman Portable Audio Cassette Player ou o Macintosh 128K Home Computer\, redefiniram e expandiram nosso espaço privado\, permitindo-nos trazer o mundo para dentro de nossas casas ou carregá-lo conosco. Observados em conjunto\, os objetos em Pirouette destacam o papel dos designers em sua expressão mais inventiva e construtiva\, demonstrando o poder do design em traduzir a experiência humana em formas tangíveis e imaginar um futuro melhor.
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SUMMARY:"Democratizing Prints: The JoAnn Edinburg Pinkowitz Gift" no The Met Museum
DESCRIPTION:Leopoldo Méndez\, “Posada in his workshop (homage to Posada)” (detalhe) © 2025 Artists Rights Society (ARS)\, New York / SOMAAP\, Mexico City\n\n\n\n\nO Departamento de Desenhos e Gravuras abriga mais de um milhão de desenhos\, gravuras e livros ilustrados produzidos na Europa e nas Américas desde cerca de 1400 até os dias atuais. Devido à sua quantidade e sensibilidade à luz\, essas obras podem ser exibidas apenas por períodos limitados e geralmente são armazenadas em instalações internas. Para destacar a ampla variedade de obras sobre papel\, o departamento organiza quatro rotações anuais na Robert Wood Johnson\, Jr. Gallery. Cada instalação é fruto da colaboração entre curadores e consiste em até 100 objetos agrupados por artista\, técnica\, estilo\, período ou tema. \nEm 2024\, o Museu recebeu uma doação notável de JoAnn Edinburg Pinkowitz\, composta por cerca de trezentas gravuras de artistas mexicanos e de outros países (principalmente americanos) que trabalharam no México. Essa doação amplia uma contribuição anterior de JoAnn\, que incluiu gravuras chinesas do século XX pertencentes ao movimento moderno da xilogravura. \nJoAnn cresceu em uma família apaixonada por colecionar arte. Durante os anos 1960\, ainda adolescente\, atuou como voluntária no Departamento de Gravuras e Desenhos do Museum of Fine Arts de Boston. Em 2009\, começou a colecionar gravuras depois de se inspirar na exposição Vida y Drama: Modern Mexican Prints do museu. Ela se interessou por obras com forte mensagem social e política. Muitas das gravuras exibidas foram publicadas pelo Taller de Gráfica Popular (Oficina de Arte Gráfica Popular)\, um coletivo de gravura fundado em 1937 na Cidade do México “com o objetivo de estimular a produção de artes gráficas em prol do povo mexicano”. Na década de 1950\, artistas do coletivo viajaram para a China\, onde apresentaram seus trabalhos a artistas locais. A conexão entre os temas abordados por artistas de ambos os países motivou JoAnn a doar gravuras chinesas ao Met. \nO material doado por Pinkowitz complementa perfeitamente a coleção excepcional de gravuras mexicanas do Met e inclui obras de artistas que ainda não estavam representados na instituição. As gravuras de artistas americanos no México e de artistas chineses de meados do século XX também ampliam a compreensão sobre as tradições democráticas da gravura.
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SUMMARY:"Caspar David Friedrich: The Soul of Nature" no The Met Museum
DESCRIPTION:Caspar David Friedrich\, “Mönch am Meer” (detalhe) © Staatliche Museen zu Berlin\, Nationalgalerie / Foto: Kristina Mösl\, Francesca Schneider\n\n\n\n\nCaspar David Friedrich (1774–1840) redefiniu a pintura de paisagem europeia ao representar a natureza como um cenário para encontros espirituais e emocionais profundos. Atuando na vanguarda do movimento romântico alemão\, que promoveu uma nova e radical compreensão do vínculo entre a natureza e o eu interior\, Friedrich desenvolveu temas e estratégias pictóricas que enfatizam a individualidade\, a intimidade\, a abertura e a complexidade das nossas respostas ao mundo natural. A visão de paisagem que se desdobra em sua obra—meditativa\, misteriosa e repleta de admiração—permanece essencial nos dias de hoje. \nApresentada em homenagem ao 250º aniversário de nascimento de Friedrich em 2024\, Caspar David Friedrich: The Soul of Nature é a primeira grande exposição dedicada ao artista realizada nos Estados Unidos. Organizada em cooperação com a Alte Nationalgalerie dos Staatliche Museen zu Berlin\, as Staatliche Kunstsammlungen Dresden e a Hamburger Kunsthalle\, a mostra reúne empréstimos inéditos de mais de 30 instituições na Europa e na América do Norte e apresenta aproximadamente 75 obras de Friedrich. Pinturas a óleo\, desenhos finalizados e esboços de trabalho de todas as fases de sua carreira\, além de exemplos selecionados de seus contemporâneos\, revelam como Friedrich desenvolveu um vocabulário simbólico de motivos paisagísticos para expressar os significados pessoais e existenciais que encontrava na natureza. A exposição contextualiza sua obra no cenário político e cultural turbulento da sociedade alemã do século XIX e\, por extensão\, destaca o papel do romantismo alemão na formação das percepções modernas sobre o mundo natural. \nA exposição é complementada por uma mostra de obras com representações lunares na galeria 554\, localizada logo após a saída da exposição. A lua—um motivo apreciado por Friedrich e outros artistas românticos—foi celebrada em diversas mídias\, incluindo pinturas\, porcelana\, música e poesia.
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SUMMARY:"Christine Sun Kim: All Day All Night" no Whitney Museum of American Art
DESCRIPTION:Vista da exposição “Christine Sun Kim: All Day All Night”\, 2025. Whitney Museum of American Art\, Nova York. Christine Sun Kim e Thomas Mader\, ATTENTION\, 2022. Foto: Ron Amstutz\n\n\n\n\nCom obras marcadas por humor afiado e comentários incisivos\, Christine Sun Kim (nascida em 1980\, Orange County\, Califórnia) investiga o som e as complexidades da comunicação em suas múltiplas formas. Utilizando notação musical\, infográficos e linguagem — tanto na Língua Americana de Sinais (ASL)\, sua língua nativa\, quanto no inglês escrito — a artista produz desenhos\, vídeos\, esculturas e instalações que frequentemente exploram as dimensões políticas e não auditivas do som. Em muitas de suas obras\, Kim parte da dinâmica espacial da ASL\, traduzindo-a em formas gráficas. Ao destacar a imagem\, o corpo e o espaço físico\, ela subverte a suposição social de que línguas faladas são superiores às sinalizadas. \nEsta exposição apresenta um panorama completo da produção de Kim até o momento\, incluindo desde registros de performances dos anos 2010 até seu mais recente mural site-specific\, Ghost(ed) Notes (2024)\, recriado em diversas paredes do oitavo andar do museu. Inspirado em obras de nome semelhante que criou ao longo da carreira\, o título da mostra\, All Day All Night\, alude à vitalidade que Kim imprime em sua prática artística — uma energia ininterrupta\, experimental e profundamente comprometida em compartilhar vivências da experiência surda. \nA exposição é organizada pelo Whitney Museum of American Art\, em Nova York\, e pelo Walker Art Center\, em Minneapolis. Os curadores responsáveis são Jennie Goldstein\, curadora associada da coleção no Whitney; Pavel Pyś\, curador de artes visuais e estratégias de acervo no Walker; e Tom Finkelpearl\, curador independente; com assistência de Rose Pallone\, do Whitney\, e Brandon Eng\, do Walker.
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SUMMARY:"Video After Video: The Critical Media of CAMP" no MoMA
DESCRIPTION:Vista da instalação de “Video After Video: The Critical Media of CAMP”\, em exibição no The Museum of Modern Art\, Nova York. Foto: Jonathan Dorado © The Museum of Modern Art\n\n\n\n\nVideo After Video: The Critical Media of CAMP é a primeira grande exposição em um museu dos Estados Unidos dedicada ao estúdio colaborativo CAMP\, sediado em Mumbai\, na Índia. Fundado em 2007 por Shaina Anand\, Ashok Sukumaran e Sanjay Bhangar\, o coletivo trabalha com vídeo\, cinema\, mídia eletrônica e intervenções públicas para examinar e reconfigurar as condições políticas e socioeconômicas que estruturam a vida contemporânea. \nEm exibição no MoMA de 21 de fevereiro a 20 de julho de 2025\, a mostra apresentará três obras pioneiras que exploram dispositivos de comunicação\, cinema participativo e sistemas de vigilância\, transformando esses aparatos midiáticos em plataformas e meios de expressão artística.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/video-after-video-the-critical-media-of-camp-no-moma/
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SUMMARY:"Breaking the Mold: Brooklyn Museum at 200" no Brooklyn Museum
DESCRIPTION:Winslow Homer\, Glass Windows\, Bahamas\, ca. 1885. Foto: Brooklyn Museum\n\n\n\n\nDas primeiras aquisições pioneiras às adições mais recentes e marcantes\, a coleção do Brooklyn Museum sempre destacou artistas e obras que impulsionam narrativas imaginativas e diálogos corajosos. Em comemoração ao seu 200º aniversário\, a exposição Breaking the Mold: Brooklyn Museum at 200 celebra esse legado singular. Dividida em três capítulos\, a mostra reúne tanto obras icônicas da coleção quanto novas adições\, revelando perspectivas inéditas e explorando a rica trajetória e a evolução futura do acervo. \nBrooklyn Made presta homenagem à arte e ao design criados no bairro desde o século XVII até os dias de hoje. O capítulo se inicia com um par de mocassins juvenis do povo Delaware\, reconhecendo os habitantes originários da região\, e avança no tempo para destacar artistas contemporâneos de Brooklyn\, como KAWS\, Duke Riley e Tourmaline. \nBuilding the Brooklyn Museum and Its Collection apresenta obras transformadoras e materiais de arquivo que narram o desenvolvimento da coleção e do edifício Beaux-Arts que abriga o museu. \nPor fim\, Gifts of Art in Honor of the 200th reúne doações extraordinárias feitas em celebração ao bicentenário\, incluindo pinturas\, fotografias\, vídeos\, esculturas e cerâmicas de artistas renomados\, como Julie Mehretu\, Robert Frank\, Alex Katz e Coco Fusco. Essas contribuições\, ao lado de obras de artistas influentes da atualidade\, muitos deles baseados em Brooklyn\, não apenas contam a história do museu\, mas também refletem as transformações do mundo ao seu redor.
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SUMMARY:"Collection in Focus | Beatriz Milhazes: Rigor and Beauty" no Guggenheim
DESCRIPTION:Beatriz Milhazes\, “As Quatro Estações”\, 1997\nEsta exposição apresenta o trabalho da artista contemporânea global Beatriz Milhazes (n. 1960\, Rio de Janeiro)\, que dialoga com sua herança cultural e identidade brasileiras por meio da linguagem da abstração. Com uma trajetória que abrange quatro décadas—dos anos 1980 até o presente—sua produção inclui escultura\, colagem\, gravura\, têxteis\, arte pública e\, principalmente\, pintura. Esta mostra reúne um conjunto de quinze pinturas e obras sobre papel\, criadas entre 1995 e 2023\, selecionadas do acervo permanente do museu e complementadas por empréstimos estratégicos\, que ajudam a contextualizar a evolução artística de Milhazes. \nA obra de Milhazes está profundamente enraizada na história e nas tradições brasileiras\, inspirando-se na arte e arquitetura coloniais\, nas artes decorativas e na vibrante celebração do Carnaval—o festival que transforma as ruas do Rio de Janeiro em um espetáculo de desfiles\, música\, performances e trajes elaborados. A artista também é influenciada pela Tropicália\, movimento cultural dos anos 1960 que uniu arte\, música e literatura para afirmar a identidade brasileira enquanto desafiava o regime militar da época. Os ritmos e cores da bossa nova\, gênero musical surgido no Rio de Janeiro no final dos anos 1950\, também reverberam em seu trabalho. Além dessas referências\, Milhazes dialoga com a obra de artistas como Henri Matisse e Piet Mondrian\, ao mesmo tempo em que evoca Tarsila do Amaral\, figura essencial para o desenvolvimento do modernismo brasileiro. \nEm 1989\, Milhazes desenvolveu uma técnica inovadora que chama de monotransfer\, inspirada no processo de monotipia\, no qual uma imagem pintada é transferida de uma matriz para o papel\, criando um efeito espelhado. A artista inicia seu processo pintando motivos sobre folhas de plástico transparente com tinta acrílica. Depois que a tinta seca\, as películas pintadas são sobrepostas e aderidas à tela; em seguida\, a artista remove o plástico\, revelando as formas em reverso. O resultado são composições vibrantes e dinâmicas\, que combinam formas abstratas\, padrões orgânicos e estruturas geométricas sobre superfícies texturizadas\, carregadas da memória do gesto artístico. \nAs primeiras pinturas desta exposição\, principalmente do acervo do museu—como Santa Cruz (1995)\, In albis (1995–96) e As quatro estações (1997)—revelam a influência do esplendor das igrejas barrocas coloniais do século XVIII e dos trajes ornamentais da época. Milhazes sintetiza essas influências em motivos abstratos e figurativos\, nos quais círculos e arabescos\, rendas e crochês delicados\, flores e padrões florais\, além de pérolas e elementos de ferro trabalhado\, emergem em suas composições. A partir dos anos 2000\, a artista começou a explorar efeitos ópticos em suas pinturas\, utilizando repetições lineares para criar padrões ondulantes e ritmos visuais\, como se observa em Paisagem carioca (2000)\, O cravo e a rosa (2000) e O Caipira (2004). \nAs obras sobre papel apresentadas nesta exposição\, produzidas entre 2013 e 2021\, demonstram o contínuo interesse de Milhazes pela experimentação com colagem. A artista combina elementos industrializados—como sacolas de grife\, embalagens de chocolate e papéis estampados—com recortes de suas próprias serigrafias em cores sólidas\, criando padrões intricados e composições abstratas expressivas. \nSuas pinturas mais recentes\, como Mistura sagrada (2022)\, indicam um movimento em direção à investigação da força espiritual da natureza\, especialmente no contexto pós-pandemia da COVID-19. Embora referências ao mundo natural estejam presentes desde o início de sua carreira\, aqui a artista aprofunda a reflexão sobre os ciclos de renovação—vida e morte—por meio de formas angulares coloridas e padrões elaborados. Elementos orgânicos\, que remetem à proximidade da artista com o Jardim Botânico do Rio de Janeiro\, a Floresta da Tijuca e a Praia de Copacabana\, ecoam nas harmonias geométricas\, sistemas conceituais e universos cromáticos que atravessam sua obra. \nA exposição foi organizada por Geaninne Gutiérrez-Guimarães\, curadora do Guggenheim Museum Bilbao e da Solomon R. Guggenheim Museum and Foundation\, Nova York.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/collection-in-focus-beatriz-milhazes-rigor-and-beauty-no-guggenheim/
LOCATION:The Guggenheim Museum\, 1071 5th Ave\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Consuelo Kanaga: Catch the Spirit" no Brooklyn Museum
DESCRIPTION:Consuelo Kanaga\, “Kenneth Spencer”\, 1933. Foto: Brooklyn Museum\n\n\n\n\nAo longo de 60 anos\, Consuelo Kanaga (americana\, 1894–1978) utilizou sua câmera para enfrentar as questões sociais mais urgentes de sua época — da pobreza urbana aos direitos trabalhistas\, do terror racial à desigualdade. Consuelo Kanaga: Catch the Spirit traça a trajetória pioneira da artista e ilumina a história de vida dessa figura fundamental\, embora frequentemente negligenciada\, da fotografia moderna. Após uma turnê internacional\, a retrospectiva retorna ao Brooklyn Museum\, instituição que abriga o acervo mais abrangente da artista no mundo. A mostra reúne cerca de 200 fotografias\, documentos e filmes que revelam a evolução de sua arte ao longo do tempo e de temas diversos\, incluindo retratos de artistas e registros do sul dos Estados Unidos. \nKanaga começou sua carreira como fotojornalista — uma função extremamente rara para mulheres naquela época — e se destacou por suas naturezas-mortas modernistas e retratos expressivos. Em suas imagens\, captava a dignidade e a força de pessoas marginalizadas\, como trabalhadores negros durante o período das leis de Jim Crow. Diferente de muitos colegas\, incluindo amigas próximas como Dorothea Lange e Imogen Cunningham\, Kanaga utilizou a linguagem visual do modernismo para abordar desigualdades\, despertando reflexão e empatia. Como afirmou: “A maioria das pessoas tenta ser impactante para atrair o olhar. Eu acho que o mais importante não é capturar o olhar\, mas o espírito.” \nA retrospectiva é acompanhada por um catálogo que destaca a notável produção de Kanaga e apresenta novas pesquisas sobre a artista\, até então pouco reconhecida. Com ensaios de Drew Sawyer\, Shalon Parker\, Ellen Macfarlane e Shana Lopes\, a publicação é uma coedição do Brooklyn Museum\, Fundación MAPFRE e Thames & Hudson — sendo o primeiro grande livro sobre sua obra em 30 anos.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/consuelo-kanaga-catch-the-spirit-no-brooklyn-museum/
LOCATION:Brooklyn Museum\, 200 Eastern Pkwy Brooklyn\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Nancy Elizabeth Prophet: I Will Not Bend an Inch" no Brooklyn Museum
DESCRIPTION:Nancy Elizabeth Prophet\, Sem título (desenho\, s.d.). Coleção Nancy Elizabeth Prophet\, MSS-0028\, Coleções Especiais\, Biblioteca James P. Adams\, Rhode Island College\n\n\n\n\nComo artista afro-indígena\, Nancy Elizabeth Prophet (americana\, 1890–1960) desenvolveu sua prática em meio a um contexto marcado por racismo e sexismo profundamente enraizados. Sua escultura é incomparável em sutileza emocional e virtuosismo técnico\, e sua trajetória representa um exemplo de determinação inabalável. I Will Not Bend an Inch — primeira exposição museológica dedicada a essa escultora ainda pouco reconhecida — homenageia sua obra e legado por meio de novas pesquisas urgentes e reveladoras. Vinte obras raras\, acompanhadas de documentação histórica\, mostram como Prophet enfrentou um mundo da arte que lhe era hostil. \nNascida em Rhode Island\, filha de pai indígena Narragansett e mãe negra\, Prophet tornou-se a primeira mulher não branca conhecida a se formar na prestigiada Rhode Island School of Design. Viveu um período em Nova York antes de se mudar para Paris\, onde atingiu o auge de sua carreira\, recebendo aclamação crítica. Ainda assim\, enfrentou extrema pobreza\, isolamento e chegou a passar fome em diversos momentos. Mesmo assim\, manteve-se fiel à sua prática artística. Nove cabeças esculpidas em madeira dura — uma pertencente ao Brooklyn Museum — demonstram com força a habilidade técnica de Prophet\, sendo algumas das poucas obras suas que sobreviveram. Elas estão reunidas na mostra ao lado de peças ainda mais raras\, como esculturas em mármore\, relevos e desenhos. \nSua correspondência com W. E. B. Du Bois\, um dos principais apoiadores de sua obra\, ajuda a preencher lacunas em sua biografia\, assim como fotografias de arquivo e um instigante diário mantido durante sua estadia em Paris. O título da exposição é extraído de uma entrada escrita por Prophet em 1929\, e traduz seu espírito combativo e sua dedicação incansável à escultura\, mesmo diante de enormes adversidades. \nA mostra é acompanhada por um catálogo ricamente ilustrado\, publicado pelo RISD Museum em parceria com a Yale University Press\, de New Haven e Londres.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/nancy-elizabeth-prophet-i-will-not-bend-an-inch-no-brooklyn-museum/
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SUMMARY:"Jack Whitten: The Messenger" no MoMA
DESCRIPTION:Jack Whitten\, “Atopolis: Para Édouard Glissant”\, 2014. The Museum of Modern Art\, Nova York.\n\n\n\n\nJack Whitten criou uma beleza visionária a partir de uma raiva justa. Nascido em Bessemer\, no Alabama\, em meio à violência do Sul segregado dos Estados Unidos\, integrou o movimento dos Direitos Civis antes de se mudar para Nova York em 1960. Foi lá que decidiu tornar-se artista. Por meio da experimentação com materiais e ferramentas — de novas tintas a pentes afro e impressão eletrostática —\, Whitten inventou técnicas artísticas inéditas. Ao enfrentar o racismo e as transformações tecnológicas de seu tempo\, fez com que a arte se tornasse um instrumento essencial num mundo em convulsão. Esta retrospectiva é a primeira a abarcar as seis décadas e todos os meios da prática inovadora de Whitten\, reunindo mais de 175 obras entre pinturas\, esculturas e trabalhos em papel que iluminam sua trajetória singular. \nNa década de 1970\, Whitten experimentou arrastar camadas de tinta acrílica sobre telas dispostas no chão com movimentos amplos e contínuos\, criando superfícies luminosas com um efeito quase fotográfico. Já nos anos 1990\, passou a cortar folhas endurecidas de tinta acrílica em milhares de pequenos mosaicos\, montando pinturas ricamente texturizadas que remetem a pixels ou constelações. Durante décadas\, passou os verões na Grécia\, onde construiu esculturas que fundem as artes da África e do Mediterrâneo antigo com tecnologias contemporâneas. Muitas vezes dedicava suas obras a figuras da história negra\, como se fosse um mensageiro — e sua arte\, uma forma de enviar significados ao mundo. “Sou um condutor do espírito”\, declarou. “Ele flui através de mim e se manifesta na materialidade da tinta.” \nJack Whitten: The Messenger apresenta uma história reveladora da investigação do artista sobre raça\, tecnologia\, jazz\, amor e guerra. Do tumulto dos anos 1960 até sua morte\, em 2018\, Whitten enfrentou constantes pressões para produzir arte figurativa como forma de ativismo. No entanto\, ousou inventar novas formas de abstração — e ofereceu ao mundo uma nova maneira de enxergar.
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SUMMARY:"Monstrous Beauty: A Feminist Revision of Chinoiserie" no The Met Museum
DESCRIPTION:“A Toilette da Princesa”\, da série de tapeçarias À moda dos índios. Vários artistas/fabricantes\, após 1690. Imagem: Cortesia do The Metropolitan Museum of Art\n\n\n\n\nMonstrous Beauty: A Feminist Revision of Chinoiserie propõe uma reinterpretação radical da história da porcelana europeia a partir de uma perspectiva feminista. Quando a porcelana chegou à Europa moderna vinda da China\, desencadeou o surgimento do chinoiserie\, estilo decorativo que condensava as fantasias europeias sobre o Oriente e suas obsessões com o exótico — junto a novas concepções sobre mulheres\, sexualidade e raça. Esta exposição investiga como esse material aparentemente delicado moldou tanto as identidades femininas europeias quanto estereótipos raciais e culturais sobre mulheres asiáticas. Ao desmontar a ideia de que o chinoiserie é apenas uma fantasia inofensiva\, Monstrous Beauty propõe um olhar crítico sobre o estilo e seus desdobramentos\, reinterpretando termos historicamente negativos sob uma ótica de empoderamento feminino. \nReunindo cerca de 200 obras históricas e contemporâneas — do século XVI europeu a instalações atuais de artistas asiáticas e asiático-americanas —\, a mostra ilumina o chinoiserie a partir de uma abordagem conceitual que coloca passado e presente em diálogo ativo. No século XVIII\, a porcelana era altamente valorizada como material-síntese das fantasias europeias sobre o Oriente\, e passou a ser associada ao gosto feminino. Frágil\, delicada e cortante quando quebrada\, tornou-se uma metáfora potente para a figura da mulher\, que emergiu como protagonista de novas narrativas sobre troca cultural\, consumo e desejo.
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SUMMARY:"Amy Sherald: American Sublime" no Whitney Museum of American Art
DESCRIPTION:Amy Sherald\, “Miss Everything (Unsuppressed Deliverance)”\, 2014. Coleção particular. © Amy Sherald. Cortesia da artista e Hauser & Wirth. Foto: Joseph Hyde\n\n\n\n\nAmy Sherald é uma contadora de histórias. Suas pinturas\, meticulosamente construídas\, revelam narrativas da vida americana ao retratar pessoas comuns com uma precisão estilística que une observação e imaginação. Sherald (nascida em 1973\, Columbus\, Geórgia) baseia suas obras em indivíduos específicos\, mas vai além do retrato tradicional: ela centra suas composições em pessoas negras comuns nos Estados Unidos\, cuja individualidade é apresentada como algo ao mesmo tempo extraordinário e cotidiano. Cada figura convida o espectador a entrar em um universo cuidadosamente concebido pela artista. \nNesta exposição\, retratos de americanos comuns se unem a obras icônicas\, como o retrato da ex-primeira-dama Michelle Obama e o comovente retrato póstumo de Breonna Taylor\, formando uma ode à multiplicidade e à complexidade da identidade americana. \nSherald também pinta as imagens que deseja ver no mundo. Embora se considere herdeira da tradição realista americana de artistas como Edward Hopper — um gênero fundamental para a história do Whitney Museum —\, Sherald volta seu olhar para uma população historicamente excluída da história da arte e da representação visual: os negros americanos. Assim\, propõe uma expansão da genealogia do realismo americano\, sugerindo outra linhagem\, oriunda dos departamentos de arte e galerias das universidades e faculdades historicamente negras dos EUA (HBCUs)\, onde ela se formou como artista\, e que inclui nomes muitas vezes negligenciados como William H. Johnson\, Archibald Motley e Laura Wheeler Waring. \nEm Amy Sherald: American Sublime\, os retratados parecem voltados para sua própria interioridade — priorizando sua paz e autorrealização em vez da percepção alheia ou dos grilhões da história\, embora inevitavelmente impactados por ambos. Seu projeto ambicioso e sensível revela o que a artista descreve como o “encanto de ser uma pessoa negra americana”\, construindo\, em vibrante Technicolor\, um mundo negro pleno\, complexo e livre de amarras. \nAmy Sherald: American Sublime é organizada pelo San Francisco Museum of Modern Art (SFMOMA) e teve curadoria de Sarah Roberts\, ex-curadora Andrew W. Mellon e chefe do departamento de pintura e escultura no SFMOMA. A apresentação no Whitney Museum of American Art é organizada por Rujeko Hockley\, curadora associada Arnhold\, com David Lisbon\, assistente de curadoria.
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SUMMARY:"Mary Heilmann: Long Line" no Whitney Museum of American Art
DESCRIPTION:Vista da exposição “Mary Heilmann: Long Line”. Whitney Museum of American Art\, Nova York. Foto: Ron Amstutz\n\n\n\n\nMary Heilmann (n. 1940\, San Francisco) afirmou certa vez que “museus são lugares para passar o tempo” [tradução livre]\, e essa exposição encarna esse espírito ao convidar o público à conexão social e ao engajamento com a arquitetura do Whitney Museum\, o Rio Hudson e a paisagem urbana ao redor. O ambiente imersivo inclui uma ampliação pintada à mão de Long Line (2020)\, além de diversas cadeiras esculturais inspiradas em móveis que a artista já exibiu em galerias e espaços domésticos. A influência da contracultura dos anos 1960 e do Minimalismo geométrico permeia a trajetória de Heilmann\, que há décadas desenvolve uma abordagem da abstração marcada por cores vibrantes e formas pouco convencionais. Long Line nasceu da experiência de observar as ondas nas costas de Long Island e da Califórnia — e aqui estabelece uma rima visual com o fluxo do Rio Hudson. \nA nova instalação site-specific\, Mary Heilmann: Long Line\, celebra o décimo aniversário do edifício atual do Whitney Museum\, para o qual a artista criou anteriormente Mary Heilmann: Sunset (2015). Esse projeto inaugural da maior galeria externa do museu incluiu a reprodução em larga escala de uma pintura vibrante\, um filme e as emblemáticas cadeiras da artista\, transformando o espaço em um lugar de contemplação\, descanso e reflexão sobre a cidade em constante transformação.
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SUMMARY:"David Byrne" na Pace Gallery
DESCRIPTION:Imagem / Cortesia Pace Gallery\n\n\n\n\nA Pace apresenta uma instalação especial de desenhos do artista David Byrne em sua sede de Nova York. Realizadas diretamente nas paredes dos patamares da escadaria entre o primeiro e o sétimo andar da galeria\, as nove obras refletem a sensibilidade surreal e lúdica de Byrne. \nProduzidos ao longo de vários dias em abril de 2025\, os desenhos foram concebidos em escala real\, com o intuito de que o público os “confronte” e experimente de formas inesperadas. A instalação permanecerá em exibição por tempo indeterminado. \nAo longo de cinco décadas de carreira\, David Byrne desenvolveu uma prática nas artes visuais que inclui desenho\, fotografia\, instalação\, performance e design. O artista realizou sua primeira grande exposição com a Pace em 2003\, também em Nova York.
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LOCATION:Pace Gallery\, 540 West 25th Street\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Picasso: Tête-à-tête" na Gagosian
DESCRIPTION:Pablo Picasso\, “Femme au béret bleu assise dans un fauteuil gris\, manches rouges”\, 1937 – Crédito: Divulgação Gagosian\n\n\n\n\nVocê me vê aqui\, e ainda assim eu já mudei\, já estou em outro lugar.—Pablo Picasso\, 1963 [tradução livre] \nA Gagosian apresenta Picasso: Tête-à-tête\, apresentada em parceria com a filha do artista\, Paloma Picasso. A mostra oferece uma oportunidade única de ver mais de cinquenta pinturas\, esculturas e desenhos raramente expostos\, abrangendo toda a carreira de Picasso — de 1896 a 1972. A exposição incluirá cerca de uma dúzia de obras que estarão em exibição pública pela primeira vez\, além de outras que não são vistas há décadas. Com grande parte das obras proveniente do espólio do artista\, Picasso: Tête-à-tête abre no dia 18 de abril e será a última mostra realizada na galeria principal da Gagosian\, no número 980 da Madison Avenue. \nTive a sorte de apresentar mais de vinte exposições dedicadas a Pablo Picasso ao longo da minha carreira\, e parece apropriado que uma grande mostra de sua obra encerre nossa passagem pelo 980 Madison. É incrivelmente empolgante colaborar com Paloma em sua primeira grande exposição internacional e revelar tantas obras que nunca haviam sido exibidas.—Larry Gagosian [tradução livre] \nFiquei encantada quando Larry sugeriu que trabalhássemos juntos em uma exposição de grande porte. Apresentar a obra do meu pai da forma como ele gostaria que fosse vista — em diálogo entre temas e períodos — é uma homenagem justa ao seu legado. Algumas das obras que selecionamos não são vistas desde que estavam em seu ateliê\, e tê-las reunidas a exemplos importantes de outras coleções será um evento muito especial.—Paloma Picasso [tradução livre] \nHá registros de duas exposições organizadas pessoalmente por Picasso\, sendo a primeira sua retrospectiva de 1932 na Galerie Georges Petit\, em Paris. Naquela ocasião\, em vez de seguir uma tese acadêmica ou uma ordem cronológica rígida\, ele optou por expor obras de diferentes épocas e estilos lado a lado\, criando um diálogo entre elas. No mesmo espírito\, Picasso: Tête-à-tête justapõe pinturas\, esculturas e desenhos do artista mutável\, incentivando o público a descobrir novas conexões e continuidades pessoais. A mostra incluirá obras-primas da coleção do próprio Picasso\, além de trabalhos provenientes de outras fontes de destaque. \nA Gagosian publicará um catálogo ilustrado da exposição\, com uma conversa entre Paloma Picasso e o artista Peter Doig\, além da tradução de um artigo contemporâneo de Eric Tériade sobre a montagem de Picasso em Paris em 1932.
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LOCATION:Gagosian Madison Avenue\, 980 Madison Avenue\, Nova York\, Nova York
CATEGORIES:Nova York
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SUMMARY:"Rashid Johnson: A Poem for Deep Thinkers" no Guggenheim
DESCRIPTION:Imagem: Divulgação\n\nO ChatGPT disse:\n\n\n\n\n\n\n\n\nHá quase 30 anos\, o artista Rashid Johnson (n. 1977\, Chicago) desenvolve uma produção diversa que dialoga com disciplinas como história\, filosofia\, literatura e música. Esta grande exposição individual destaca seu papel como estudioso da história da arte\, mediador da cultura popular negra e força criativa na arte contemporânea. \nCerca de 90 obras — entre pinturas com sabão negro\, textos com spray\, esculturas em grande escala\, filmes e vídeos — ocupam a rotunda do museu. Entre elas está Sanguine\, uma obra monumental e site-specific instalada na rampa superior do edifício\, que incorpora um piano para apresentações musicais. Além disso\, um programa dinâmico de eventos\, desenvolvido em colaboração com parceiros comunitários de toda a cidade de Nova York\, ativa um palco escultural no piso da rotunda.
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LOCATION:The Guggenheim Museum\, 1071 5th Ave\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Woven Histories: Textiles and Modern Abstraction" no MoMA
DESCRIPTION:Ed Rossbach. Painel de Parede com Cores Construídas\, 1965. The Museum of Modern Art\, Nova York. Fundo Emery.\n\n\n\n\nTecidos tocam todos os aspectos da nossa vida e nos conectam à história. “Os fios estavam entre os primeiros transmissores de significado”\, escreveu a artista Anni Albers em 1965. Woven Histories: Textiles and Modern Abstraction (Histórias Tecidas: Têxteis e Abstração Moderna) revela as conexões entre essa forma de arte e a abstração. Incorporando cestaria\, vestuário e mais de um século de outras obras têxteis que desafiam as divisões tradicionalmente aceitas entre arte e artesanato\, a exposição amplia a narrativa da abstração\, sugerindo que não apenas as ideias\, mas também os materiais — como tecidos trançados\, amarrados e entrelaçados — são cruciais para sua compreensão e relevância. \nAbrangendo desde obras do início do século XX de Sonia Delaunay\, Hannah Höch e Sophie Taeuber-Arp — cujas práticas têxteis dialogam com suas pinturas e desenhos —\, passando por trabalhos de meados do século de Anni Albers e Ed Rossbach\, até obras contemporâneas de Rosemarie Trockel\, Andrea Zittel e Igshaan Adams\, a mostra reúne mais de 150 objetos diversos e interdisciplinares. Ao destacar questões de trabalho e identidade entrelaçadas à produção têxtil moderna\, Woven Histories defende que a tecelagem e os têxteis são o elo essencial entre a experiência vivida e a arte.
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LOCATION:MoMA\, 11 W 53rd St Manhattan\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Resilience of Scale" de Thomas J Price na Hauser & Wirth NY
DESCRIPTION:Vista da exposição “Resilience of Scale” de Thomas J Price na Hauser & Wirth – Divulgação Hauser & Wirth\n\n\n\n\nEm Resilience of Scale\, sua primeira grande exposição individual com a Hauser & Wirth em Nova York\, o artista britânico Thomas J Price apresenta cinco figuras monumentais em bronze que ampliam corpos historicamente marginalizados e reconfiguram estruturas de hierarquia\, convidando à reflexão sobre quem escolhemos celebrar na arte. A mostra propõe um ambiente onde a mobilidade é sentida de forma concreta: o público pode circular livremente pelo espaço\, interagir com as obras de diferentes ângulos e se posicionar dentro da narrativa do artista\, em vez de observar à distância. \nCom esculturas que chegam a até 3\,6 metros de altura e são instaladas diretamente no chão\, Price homenageia pessoas comuns ao lhes conferir a escala grandiosa e o acabamento nobre tradicionalmente reservados\, no Ocidente\, à feitura de monumentos — um gênero e um material historicamente associados às elites sociais\, econômicas e culturais. Em A Place Beyond (2025)\, o artista leva essa ideia ainda mais longe ao empregar uma liga de bronze dourado\, cor carregada de significados em diversas culturas — do Egito Antigo ao consumo contemporâneo —\, sempre associada à riqueza e ao prestígio. \nCada uma das figuras criadas por Thomas J Price possui uma identidade ficcional composta a partir da observação de pessoas nas ruas\, em revistas e em seleções abertas. Construídas por meio de modelagem digital e fundição em cera perdida\, essas esculturas vestem roupas casuais e assumem posturas igualmente descontraídas\, como se estivessem imersas em seus próprios pensamentos\, alheias à presença dos espectadores sobre os quais se erguem. Ao unir a escala monumental\, o material tradicionalmente reservado à celebração heroica e a representação de sujeitos cotidianos\, Price desafia as convenções estéticas que sustentam as formas clássicas de representar o poder. \nParalelamente à exposição na Hauser & Wirth em SoHo\, a Times Square Arts apresenta a escultura monumental Grounded in the Stars (2023)\, instalada entre a Broadway e a 46th Street\, de 29 de abril a 17 de junho de 2025. Além disso\, animações em stop-motion da série Man Series\, também de Price\, serão exibidas em mais de 90 telões digitais espalhados pelo distrito de Times Square.
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LOCATION:Hauser & Wirth 22nd Street\, 542 West 22nd Street\, Nova York\, Nova York
CATEGORIES:Nova York
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