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SUMMARY:"Ink and Ivory: Indian Drawings and Photographs Selected with James Ivory" no The Met Museum
DESCRIPTION:Buffaloes in Combat (detalhe)\, Atribuído a Miskin\, Índia\, Mughal\, final do século XVI.\n\n\n\n\nEsta exposição apresenta uma seleção de desenhos superlativos das cortes e centros da Índia e do Paquistão (com algumas obras persas relacionadas)\, datados do final do século XVI ao século XX. Essas obras foram selecionadas principalmente da coleção do Met em parceria com o diretor de cinema James Ivory\, cuja recente doação ao Museu de álbuns fotográficos do século XIX também será destaque na exposição (2021.381.1-16). Os desenhos incluirão exercícios preparatórios frescos e informais para pinturas\, bem como obras lindamente acabadas por si só. As fotografias apresentarão os temas e estilos que surgiram nos contextos de patrocínio real e cerimônia; vistas de arquitetura\, cidades\, paisagens e pessoas\, entre outros. Como artista e cineasta\, James Ivory nos ajudará a apreciar esse material através de seu olhar único. Um curta-metragem — An Arrested Moment — dirigido por Dev Benegal\, acompanhará a exposição. \nA exposição é viabilizada pelo Hagop Kevorkian Fund. \nApoio adicional é fornecido pelo Lavori Sterling Foundation Endowment Fund.
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LOCATION:The Metropolitan Museum of Art\, 1000 5th Ave\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Robert Frank’s Scrapbook Footage" no MoMA
DESCRIPTION:Vista da exposição “Robert Frank’s Scrapbook Footage”. Foto: Emile Askey\n\n\n\n\nRobert Frank é mais conhecido por suas imagens de uma América do pós-guerra marcada por discórdia social e política\, e pelos filmes que fez com os poetas da Geração Beat e os Rolling Stones. Assim\, as imagens filmadas encontradas apenas após a morte de Frank em 2019 podem surpreender alguns espectadores. Armazenadas em locais de depósito\, essas latas e fitas de filme\, que abrangem os anos de 1970 a 2006\, oferecem um vislumbre da vida e do trabalho do artista. Em parceria com a June Leaf e a Robert Frank Foundation\, a editora de filmes de longa data de Frank\, Laura Israel\, e o diretor de arte Alex Bingham utilizaram esses fragmentos para criar um álbum de imagens em movimento. Com projeções em várias telas\, a instalação transmite a intimidade e a imediata percepção das observações de Frank sobre família\, amigos e colaboradores\, bem como sobre interiores domésticos e vistas de cidades e costas. \nAs filmagens nesta instalação\, costuradas por Israel e Bingham para evocar seu olhar e voz inquietos\, lançam uma nova luz sobre seu processo artístico — ao mesmo tempo cômico e melancólico. Vemos Frank viajar entre suas casas em Nova York e Nova Escócia; pelas estradas abertas dos Estados Unidos e do Canadá; e por paisagens urbanas\, incluindo as de Beirute\, Cairo\, Moscovo e sua Suíça natal. Frank torna os prazeres mais efêmeros atemporais: um banho quente e uma chaleira fumegante\, um vislumbre de sua esposa June Leaf em seu estúdio\, o jogo de luz do sol em sua mão.
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LOCATION:MoMA\, 11 W 53rd St Manhattan\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Otobong Nkanga: Cadence" no MoMA
DESCRIPTION:Detalhe do tecido em progresso para Otobong Nkanga: Cadence. Cortesia de Otobong Nkanga. © Otobong Nkanga. Foto: Wim van Dongen\n\n\n\n\nOtobong Nkanga mudou a forma como entendemos a terra e nosso lugar nela. “Os humanos são apenas uma pequena parte do ecossistema\,” disse a artista. “Meus trabalhos nos conectam às nossas histórias compartilhadas\, não apenas por meio da terra e da geografia\, mas por meio de emoções moldadas por eventos e encontros. Essas são as cadências da vida.” \nOtobong Nkanga: Cadence apresenta uma nova comissão da artista: um ambiente abrangente de tapeçaria\, escultura\, som e texto que explora os ritmos turbulentos da natureza e da sociedade. Criada especificamente para o Átrio da Família Marron do MoMA\, a instalação se centra em uma monumental tapeçaria de múltiplos painéis que sugere ecossistemas e galáxias expansivas. \nSuspensa ao longo da parede mais alta do Átrio\, a tapeçaria de grande escala apresenta uma gama caleidoscópica de fibras naturais e sintéticas criadas pela artista utilizando técnicas inovadoras de tecelagem digital no TextielLab em Tilburg\, na Holanda. Esculturas compostas por cordas tingidas\, entrelaçadas com formas de vidro soprado à mão e cerâmica\, pendem do chão ao teto ao lado de tablets de cerâmica impressos com os poemas da artista. Esses elementos diversos são reunidos dentro de uma obra sonora imersiva baseada na voz e na respiração da artista. Cadence confronta tanto a beleza quanto a degradação do mundo natural — e sua agitação em meio a revoluções industriais e tecnológicas\, extração de recursos e guerras. A instalação monumental cria novas maneiras de perceber — e sentir — as enormes mudanças que estão ocorrendo em nosso tempo. \nApresentações ao vivo acontecerão na primavera de 2025. Mais detalhes serão fornecidos aqui nas próximas semanas.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/otobong-nkanga-cadence-no-moma/
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SUMMARY:"Jesse Krimes: Corrections" no The Met Museum
DESCRIPTION:Jesse Krimes\, “Purgatory” (detalhe)\, 2009. The Metropolitan Museum of Art\, Nova York. Aquisição com doação do Vital Projects Fund Inc.\, por meio de Joyce e Robert Menschel\, e doações da Alfred Stieglitz Society\, 2024. © Jesse Krimes.\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\nA fotografia desempenhou um papel central na construção de sistemas de poder na sociedade\, especialmente em contextos ligados ao crime e à punição. Esta exposição apresenta instalações imersivas contemporâneas do artista Jesse Krimes (americano\, nascido em 1982)\, em diálogo com fotografias do século XIX do acervo do The Met\, realizadas pelo criminologista francês Alphonse Bertillon — responsável por desenvolver o primeiro sistema moderno de identificação criminal\, anterior à adoção das impressões digitais. \nAs instalações de Krimes\, criadas ao longo de seus seis anos de encarceramento\, revelam a engenhosidade de um artista que trabalhou sem acesso a materiais tradicionais. Utilizando sabonetes fornecidos pela prisão\, gel para cabelo\, cartas de baralho e jornais\, ele produziu obras que buscam interromper e recontextualizar a circulação de imagens na mídia. Exibidas em contraponto às fotografias de Bertillon — cuja metodologia combinava medidas antropométricas e retratos fotográficos\, dando origem à atual ficha de identificação criminal — as obras de Krimes questionam a suposta neutralidade dos sistemas de reconhecimento e as hierarquias sociais que eles ajudam a criar e perpetuar. \nArtista para quem a colaboração e o ativismo são essenciais\, Krimes fundou o Center for Art and Advocacy\, uma organização voltada à valorização do talento e do potencial criativo de pessoas que passaram pelo sistema prisional\, promovendo apoio e melhores condições para artistas anteriormente encarcerados.
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SUMMARY:"Shifting Landscapes" no Whitney Museum
DESCRIPTION:Jane Dickson\, “Heading in—Lincoln Tunnel 3”\, 2003. Whitney Museum of American Art\, Nova York; presente de Eve Ahearn e Joseph Ahearn 2017.275. © Jane Dickson.\n\n\n\n\nEmbora o gênero paisagem tenha sido historicamente associado a vistas pitorescas\, Shifting Landscapes considera uma interpretação mais expansiva dessa categoria\, explorando como as questões políticas\, ecológicas e sociais em evolução motivam os artistas enquanto tentam representar o mundo ao seu redor. Retirada da coleção do Whitney\, a exposição apresenta obras dos anos 1960 até o presente e é organizada em seções temáticas distintas. Algumas delas se agrupam em torno de afinidades materiais e conceituais: assemblagens escultóricas formadas por objetos locais\, abordagens ecofeministas da land art e os legados da fotografia documental de paisagens. Outras estão relacionadas a geografias específicas\, como o frenético cenário urbano da Nova York moderna ou a cena experimental de cinema de Los Angeles dos anos 1970. Ainda outras mostram como os artistas inventam novos mundos fantásticos\, onde humanos\, animais e a terra se tornam um só. Seja representando os efeitos da industrialização no meio ambiente\, enfrentando o impacto das fronteiras geopolíticas ou propondo espaços imaginados como uma forma de desestabilizar o conceito de um mundo “natural”\, as obras reunidas aqui trazem ideias sobre a terra e o lugar em foco\, destacando como moldamos e somos moldados pelos espaços ao nosso redor. \nShifting Landscapes é organizada por Jennie Goldstein\, Curadora Associada da Coleção; Marcela Guerrero\, Curadora da Família DeMartini; Roxanne Smith\, Assistente Curatorial Sênior; com Angelica Arbelaez\, Rubio Butterfield Family Fellow; com agradecimentos a Araceli Bremauntz-Enriquez e J. English Cook pelo apoio à pesquisa.
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SUMMARY:"Harmony and Dissonance: Orphism in Paris\, 1910–1930" no Guggenheim
DESCRIPTION:Robert Delaunay\, “Formes circulaires”\, 1930 (detalhe). Museu Solomon R. Guggenheim\, Nova York\, Coleção Fundadora Solomon R. Guggenheim 49.1184. Foto: Kristopher McKay\, Museu Solomon R. Guggenheim\, Nova York\n\nCom mais de 90 obras de arte que serão apresentadas na icônica rotunda do museu\, esta importante exposição examinará a vibrante arte abstrata do Orfismo. Ela explorará os desenvolvimentos desse movimento transnacional em Paris\, abordando o impacto da dança\, música e poesia na arte\, entre outros temas. \nO Orfismo surgiu no início da década de 1910\, quando as inovações trazidas pela vida moderna estavam alterando radicalmente as concepções de tempo e espaço. Artistas conectados ao Orfismo se envolveram com ideias de simultaneidade em composições caleidoscópicas\, investigando as possibilidades transformadoras da cor\, forma e movimento. Obras selecionadas de artistas como Robert Delaunay\, Sonia Delaunay\, Marcel Duchamp\, Mainie Jellett\, František Kupka\, Francis Picabia\, Amadeo de Souza-Cardoso\, e dos Sincronistas Stanton Macdonald-Wright e Morgan Russell estarão em exibição.
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LOCATION:The Guggenheim Museum\, 1071 5th Ave\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Christian Marclay: The Clock" no MoMA
DESCRIPTION:Christian Marclay\, “The Clock”\, 2010. Museu de Arte Moderna\, Nova York. Doação prometida pela coleção de Jill e Peter Kraus. © 2024 Christian Marclay. Cortesia da Paula Cooper Gallery e White Cube. Visita à instalação\, Christian Marclay—The Clock\, Museu de Arte Moderna\, Nova York\, 21 de dezembro de 2012 a 21 de janeiro de 2013. Foto: Thomas Griesel\n\n\n\n\nEncapsulando 100 anos da história da imagem em movimento\, The Clock (2010) de Christian Marclay é uma montagem de 24 horas composta por milhares de clipes de filmes e programas de televisão que retratam relógios e outras referências ao tempo. James Bond checa seu relógio às 12h20; Meryl Streep desliga um despertador às 6h30; um relógio de bolso faz tique-taque às 11h53 enquanto o Titanic parte. Com cada clipe sincronizado com a hora local\, The Clock colapsa o tempo fictício apresentado na tela com o tempo real de cada minuto que passa. A obra é tanto uma tour de force cinematográfica quanto um relógio funcional. \nCom base em sua formação como músico nas cenas underground de Boston e Nova York no final dos anos 1970 e 1980\, Marclay\, ao longo de cinco décadas\, combinou fragmentos visuais e sonoros para explorar as complexas relações entre imagem e som. Seus trabalhos resultantes tomaram forma em uma ampla variedade de meios: escultura\, pintura\, fotografia\, impressão\, performance e vídeo. Com a ajuda de assistentes em busca de imagens\, Marclay passou três anos editando meticulosamente The Clock—a culminação de sua abordagem inovadora de olhar o mundo de uma forma nova através de material encontrado. \nThe Clock fala sobre a rica história do cinema como um reflexo e uma fuga da realidade\, um paradoxo que se torna cada vez mais central na vida cotidiana na era de transmissão instantânea\, serviços de streaming e inteligência artificial. A montagem de Marclay\, com clipes cuidadosamente selecionados\, nos leva em uma jornada pelo passado para aumentar nossa percepção de um presente sempre elusivo e em constante desdobramento. Ao editar fragmentos do vasto arquivo do cinema para mostrar a hora atual\, Marclay reformula nossa memória coletiva dos filmes como um confronto estranho com nós mesmos.
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SUMMARY:"Light: Rafaël Rozendaal’s Digital Abstractions" no MoMA
DESCRIPTION:Rafaël Rozendaal\, “Implosion”\, 2023. Coleção do artista. Imagem cortesia do artista.\n\n\n\n\n“Eu sempre quis fazer trabalhos que pudessem ser vistos por qualquer pessoa\, em qualquer lugar\, a qualquer hora”\, diz Rafaël Rozendaal\, um inovador no campo da arte baseada na Internet. Desde o início dos anos 2000\, suas animações vibrantes exploram as possibilidades estéticas e conceituais do código\, tratando-o como se fosse tinta. \nComo Rozendaal escolheu a Internet como sua tela\, essas obras estão acessíveis online por todos. Cada obra começa como um storyboard esboçado no papel\, que é então traduzido para o código e ocupa apenas uma pequena quantidade de kilobytes. Sua forma final é um site autônomo alimentado por um algoritmo que gera a animação em tempo real. A prática de Rozendaal se desdobra dentro das possibilidades visuais do navegador\, aproveitando a paisagem digital plana\, mas multidimensional. \nEsta instalação apresenta uma seleção de seus sites\, cada um amostrado por dois a três minutos em uma tela de alta resolução com quase 7\,5 metros de largura. Desde o início\, essas obras foram concebidas para serem independentes de resolução e robustas o suficiente para suportar a evolução de software e telas. O objetivo de Rozendaal é que experimentemos um estado de imersão tão completo que ele se torne um com o nosso mundo físico. Como ele explica: “Eu imagino que viveremos em um mundo onde não haverá diferença entre uma tela e qualquer outra superfície.”
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SUMMARY:"Solid Gold" no Brooklyn Museum
DESCRIPTION:Foto: Reprodução Brooklyn Museum\n\n\n\n\nContemple a majestade do ouro em uma exposição cintilante dedicada ao elemento que inspirou incontáveis obras de arte\, moda\, cinema\, música e design. Como material e cor\, o ouro simbolizou beleza\, honra\, alegria\, ritual\, espiritualidade\, sucesso e riqueza ao longo da história. Ele também assumiu inúmeras formas: de representações milenares de mundos idealizados a suntuosos retábulos italianos dos séculos XIII e XIV\, passando por delicados biombos japoneses até obras contemporâneas e criações deslumbrantes da alta-costura. Com uma seleção abrangente de objetos e uma perspectiva global\, esta exposição traça as muitas jornadas do metal que influenciou culturas e legados em todo o mundo. \nSolid Gold\, que inaugura as comemorações do bicentenário do Brooklyn Museum\, reúne mais de 500 obras\, combinando peças de destaque do acervo com empréstimos internacionais impressionantes. O fascínio da moda pelo ouro será refletido em criações icônicas de Anna Sui\, Christian Dior\, Demna\, Gianfranco Ferré\, Giorgio di Sant’Angelo\, Halston\, Mary McFadden\, The Blonds\, Walter Van Beirendonck e Yves Saint Laurent. Pinturas e esculturas com fundo dourado\, moedas e outros tesouros dividirão espaço com joias assinadas por Alexander Calder\, Belperron\, Cartier\, Charles Loloma\, Jacob & Co e Verdura — além de grillz criados por Gabby Elan. \nAo mesmo tempo em que celebra o encantamento sedutor desse material luminoso\, a exposição também propõe reflexões sobre suas histórias mais sombrias\, convidando a conversas francas sobre os custos humanos e ambientais envolvidos na extração do minério de ouro. Solid Gold convida o público a mergulhar em uma das obsessões mais cintilantes da humanidade.
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SUMMARY:"Lillie P. Bliss and the Birth of the Modern" no MoMA
DESCRIPTION:Paul Cézanne\, “Still Life with Apples”\, 1895–98. Museu de Arte Moderna\, Nova York. Coleção Lillie P. Bliss\n\n\n\n\nMoMA não seria o que é hoje sem Lillie Plummer Bliss. Em 1929\, após anos de defesa da arte moderna em Nova York\, Bliss\, juntamente com Abby Aldrich Rockefeller e Mary Quinn Sullivan\, fundou o Museu de Arte Moderna. Quando faleceu\, aos 66 anos\, apenas dois anos depois\, Bliss deixou grande parte de sua coleção de arte para o museu — um ato visionário que mudou fundamentalmente a trajetória do MoMA. \nLillie P. Bliss and the Birth of the Modern reúne 40 obras da coleção de Bliss\, incluindo pinturas e trabalhos sobre papel de Paul Cézanne\, Odilon Redon\, Georges-Pierre Seurat e Pablo Picasso. Bliss foi uma feroz defensora desses artistas inovadores em uma época em que a arte moderna era frequentemente recebida com suspeita ou ridicularização. “Eles têm algo a dizer que vale a pena ser dito e reivindicam para si mesmos apenas a liberdade de expressá-lo à sua maneira\,” declarou ela. Seu presente generoso\, que permitiu a venda de suas obras para financiar novas aquisições — incluindo A Noite Estrelada de Vincent van Gogh — forneceu ao jovem museu os meios para desenvolver sua coleção por muitos anos no futuro. \nA notável contribuição de Bliss para a história da arte moderna nos Estados Unidos permanece subestimada. Isso se deve em parte ao seu desejo de ficar fora dos holofotes; no final de sua vida\, Bliss solicitou que seus documentos pessoais fossem queimados. Embora grande parte de sua história permaneça por imaginar\, Lillie P. Bliss and the Birth of the Modern ilumina essa figura fundamental por meio das obras de arte que ela mais amava.
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SUMMARY:"Collection in Focus | Piet Mondrian\, Ever further" no Guggenheim
DESCRIPTION:Piet Mondrian\, “Composition No. III\, with Red\, Blue\, Yellow\, and Black”\, s/d. Divulgação Guggeinheim\nEsta exposição apresenta uma seleção de pinturas e desenhos de Piet Mondrian provenientes da coleção singular do Guggenheim\, uma das mais representativas do mundo. Ao longo de sua carreira\, Mondrian fez contribuições marcantes para o desenvolvimento da arte abstrata\, buscando afastar a pintura da representação da natureza para alcançar uma essência ou espírito universal. \nA mostra reúne obras que documentam a evolução do estilo característico do pintor holandês\, desde suas primeiras experimentações na Holanda\, passando pelo período mais produtivo em Paris\, até os anos finais em Nova York. Piet Mondrian: Ever Further inaugura a série de exposições Collection in Focus\, dedicada a destacar artistas da Coleção Guggenheim. \nA curadoria é de Mariët Westermann\, Diretora e CEO do Solomon R. Guggenheim Museum and Foundation.
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SUMMARY:"Jeanne Moutoussamy-Ashe and the Last Gullah Islands" no Whitney Museum
DESCRIPTION:Jeanne Moutoussamy-Ashe\, “An Afternoon with Aunt Tootie”\, Daufuskie Island\, SC\, 1979. © Jeanne Moutoussamy-Ashe\n\n\n\n\nDesde o início dos anos 1970\, a artista\, ativista e acadêmica Jeanne Moutoussamy-Ashe (n. 1951\, Chicago\, IL; vive e trabalha em South Kent\, CT) produz fotografias que capturam a beleza e a complexidade da vida negra\, homenageando os ritmos do cotidiano e marcando importantes ritos de passagem para as pessoas retratadas. \nEm 1977\, após um estudo independente de seis meses na África Ocidental\, Moutoussamy-Ashe atravessou novamente o Oceano Atlântico até Daufuskie Island\, localizada entre Hilton Head\, na Carolina do Sul\, e Savannah\, na Geórgia. Lá\, e nas outras ilhas vizinhas conhecidas como Sea Islands\, ela começou a fotografar entre os Gullah Geechee—muitos deles descendentes de pessoas anteriormente escravizadas que adquiriram terras de antigos proprietários de plantações após o fim da Guerra Civil. Para Moutoussamy-Ashe\, esses lugares\, separados pelo Atlântico\, estavam intrinsecamente ligados\, com as Sea Islands representando um elo dentro da diáspora negra; um espaço moldado pelos séculos violentos da escravidão e por uma comunidade determinada a proteger e nutrir sua cultura e seu povo únicos. As fotografias de Daufuskie Island honram essas histórias entrelaçadas e a perspectiva pessoal da artista. Para ela\, “a fotografia deve nos forçar a questionar a nós mesmos e o ambiente em que vivemos”. \nExtraída da coleção do Whitney Museum\, esta apresentação focada inclui uma seleção de fotografias em preto e branco de Daufuskie Island\, além de publicações relacionadas da artista. Retratos de crianças e idosos\, imagens de casas\, do litoral\, de pessoas trabalhando e descansando\, bem como de cultos religiosos\, formam juntas uma impressão de uma comunidade—e um lugar—à beira de grandes transformações. \nJeanne Moutoussamy-Ashe and the Last Gullah Islands é organizada por Kelly Long\, Assistente Sênior de Curadoria.
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LOCATION:Whitney Museum of American Art\, 99 Gansevoort St Manhattan\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Projects: Marlon Mullen" no MoMA
DESCRIPTION:Marlon Mullen\, “Untitled”\, 2017. © 2024 Marlon Mullen\n\n\n\n\nNão há como confundir o trabalho de Marlon Mullen. Suas pinturas vibrantes\, com superfícies exuberantes e cores marcantes\, ampliam a longa tradição de criar arte sobre a própria arte. \nHá quase 40 anos\, Mullen trabalha no NIAD Art Center\, um estúdio progressivo para artistas com deficiência de desenvolvimento em sua cidade natal\, Richmond\, Califórnia. Edições doadas de publicações de arte\, como Art in America e Artforum\, servem como seu principal ponto de partida. Projects: Marlon Mullen apresenta uma seleção de pinturas do artista produzidas na última década. \nAo escolher uma capa brilhante ou uma página interna como base\, Mullen pinta com acrílico sobre tela\, posicionada plana sobre uma mesa. Ele mantém vínculos visuais com o material de origem\, ao mesmo tempo em que o transforma radicalmente. As composições resultantes reinventam as relações entre seus elementos. Códigos de barras e outros detalhes podem ganhar destaque. Letras\, números\, pontuações e os espaços entre eles podem desaparecer ou se repetir. Imagens e gráficos tornam-se formas puras\, reorganizadas e reconfiguradas. Como demonstra esta exposição\, Mullen vê revistas e livros de arte não apenas como um estímulo à criação\, mas também como um convite para interagir com o mundo da arte contemporânea nos seus próprios termos pictóricos.
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LOCATION:MoMA\, 11 W 53rd St Manhattan\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"People and Natural Numbers" de Lucia Koch na Nara Roesler
DESCRIPTION:Lucia Koch\, “Piercing eyes”\, 2025 – Divulgação Nara Roesler\n\n\n\n\nA Nara Roesler Nova York apresenta People and Natural Numbers\, primeira individual de Lucia Koch na cidade. A mostra é acompanhada de texto assinado pelo arquiteto e educador Mark Lee e reúne cerca de 14 trabalhos recentes que desdobram a pesquisa que a artista vem empreendendo nas últimas décadas e que tem e espacialidade como seu eixo principal \nUm dos destaques da exposição é o conjunto de trabalhos da série Numbers\, desenvolvida por Koch ao longo do ano de 2024 e que tem como ponto de partida a série intitulada Fundos\, na qual Koch fotografa o interior de caixas e embalagens e\, através de ampliações e do uso da iluminação natural\, confere um caráter arquitetônico a estes objetos\, como se fossem extensões do próprio espaço em que se situam. Assim como em Fundos\, a base para a realização dos trabalhos recentes são caixas de papelão e embalagens. Em Numbers\, no entanto\, a artista destaca as cavidades e aberturas presentes nestes objetos\, fazendo referência a elementos arquitetônicos\, como janelas\, grades e outras aberturas\, cujas quantidades são referenciadas nos títulos dos trabalhos.  \nEm People\, outra série escultórica recente\, a artista se inspira em uma série de trabalhos realizados pelo artista francês Francis Picabia (1879–1953) durante sua estadia em Nova York\, em 1914. Por meio de desenhos de máquinas incompletas\, Picabia criava retratos mecanomorficos de pessoas de seu círculo social. People tem um ponto de partida semelhante: através de objetos\, espelhos\, fontes de luz e projeções\, a artista cria jogos e interações entre os elementos\, de modo a evocar presenças no espaço\, como se fossem pessoas. O mesmo ocorre em A esposa\, obra em que Koch explora a tradução de desenhos em objetos que não existiriam por si só. \nDe acordo com Mark Lee\, que assina o texto da exposição: “A relação recíproca entre a obra de arte e o espaço ao redor\, seja ele imediato ou distante\, contingente ou projetivo\, sempre foi persistente no trabalho de Koch. Conhecida há muito tempo pelo uso de elementos arquitetônicos como janelas\, cortinas\, papel de parede\, telas ou outdoors para alterar os ambientes ao redor\, suas intervenções sempre foram convites generosos à descoberta\, à participação e à interação. Juntamente com os componentes de construção\, a cor é tratada como um espaço a ser habitado em vez de uma camada a ser aplicada”.
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SUMMARY:"Cy Twombly" na Gagosian
DESCRIPTION:Vista da da instalação com Cy Twombly\, “Untitled”\, 1971 © Cy Twombly Foundation. Foto: Maris Hutchinson\n\n\n\n\nA Gagosian apresenta uma exposição de pinturas\, uma escultura e obras em papel de Cy Twombly. A apresentação será inaugurada em 23 de janeiro de 2025\, ocupando dois andares das galerias na 980 Madison Avenue. Organizada em colaboração com a Cy Twombly Foundation\, a exposição inclui importantes séries de trabalhos realizados entre 1968 e 1990\, incluindo peças nunca antes exibidas e empréstimos da família Twombly. \nA instalação no sexto andar apresenta uma série de pinturas que Twombly produziu entre 1968 e 1971\, representando uma abordagem mais austera em comparação com as telas da década anterior. Criadas durante a era do Minimalismo e da arte conceitual\, essas telas frequentemente são interpretadas como “quadros-negros” — sua fluidez gestual rompe as distinções entre pintura\, desenho e escrita. \nUma obra de 1968 apresenta loops aninhados que se espalham pela tela em cascata. Inscrições e números conferem à obra uma qualidade diagramática\, enquanto sua composição dinâmica remete aos desenhos do Dilúvio de Leonardo da Vinci (c. 1517–18). Uma pintura sem título de nove painéis\, datada de 1971\, forma uma sequência conectada por diagonais e curvas acumuladas.
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LOCATION:Gagosian Madison Avenue\, 980 Madison Avenue\, Nova York\, Nova York
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SUMMARY:"Pirouette: Turning Points in Design" no MoMA
DESCRIPTION:Nifemi Marcus-Bello\, “For the Community by the Community – Handwashing Station”\, 2020. The Museum of Modern Art\, Nova York. Foto: Kadara Enyeasi.\n\n\n\n\nO design é um elemento fundamental da vida\, um catalisador essencial para nossa evolução. Ele nos ajuda a lidar com mudanças e permeia nossas vidas pessoais e sociais\, refletindo tanto nossas forças quanto nossas fragilidades. Muitos designers buscam criar novos comportamentos\, concentrando-se em hábitos e circunstâncias que mais necessitam de transformação. Pirouette: Turning Points in Design reúne objetos—desde Post-Its até Spanx—que representaram experimentos inovadores com novos materiais\, tecnologias e conceitos\, ofereceram soluções não convencionais para problemas tradicionais e tiveram um impacto significativo tanto no design quanto no mundo em geral. \nCom peças majoritariamente retiradas da coleção do MoMA\, a exposição apresenta objetos amplamente reconhecidos—como o logotipo I ♥️ NY ou o novo símbolo de acessibilidade—ao lado de outros conhecidos apenas por públicos especializados. Alguns\, como a Shopping Bag da Telfar\, apelidada de Bushwick Birkin\, reconfiguram as regras de exclusividade e luxo. Outros\, como o Walkman Portable Audio Cassette Player ou o Macintosh 128K Home Computer\, redefiniram e expandiram nosso espaço privado\, permitindo-nos trazer o mundo para dentro de nossas casas ou carregá-lo conosco. Observados em conjunto\, os objetos em Pirouette destacam o papel dos designers em sua expressão mais inventiva e construtiva\, demonstrando o poder do design em traduzir a experiência humana em formas tangíveis e imaginar um futuro melhor.
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SUMMARY:"A Number of Things" de Camille Henrot na Hauser & Wirth
DESCRIPTION:Camille Henrot\, “1263 / 3612 (Abacus)”\, 2024 © Camille Henrot. Foto: Stefan Altenburger\n\n\n\n\nCamille Henrot estreará um novo e extraordinário conjunto de esculturas em bronze\, intitulado Abacus\, em sua primeira grande exposição na galeria em Nova York. Evocando ferramentas de desenvolvimento infantil\, calçados\, gráficos distorcidos e antigos dispositivos de contagem\, as esculturas em grande escala\, juntamente com obras menores como Tomber Pour Toujours e Misfits\, abordam o atrito entre um senso incipiente de imaginação e os sistemas de signos da sociedade. As esculturas serão apresentadas ao lado de novas e vibrantes pinturas da série Dos and Don’ts da artista.
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LOCATION:Hauser & Wirth 22nd Street\, 542 West 22nd Street\, Nova York\, Nova York
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SUMMARY:"Pastels" de George Condo na Hauser & Wirth
DESCRIPTION:George Condo\, “Abstract Male Portrait”\, 2024 © George Condo. Foto: Matt Grubb\n\n\n\n\nA exposição em duas partes de George Condo\, Pastels\, apresentada nas galerias Sprüth Magers e Hauser & Wirth em Nova York\, oferece um vislumbre do processo criativo do artista e de sua inventividade sem limites por meio do pastel. As novas obras de Condo desafiam os limites da improvisação nesse meio\, utilizando espontaneamente gesso\, campos de cor e gestos dramáticos com pastel\, sem esboços preparatórios\, para expressar diversos estados da psique humana. O artista explora a abstração dentro de uma estrutura figurativa de maneiras inovadoras\, materializando a natureza fragmentada e fugidia de pensamentos e sentimentos inefáveis.
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SUMMARY:"Catherine Goodman. Silent Music" na Hauser & Wirth
DESCRIPTION:Catherine Goodman\, “Jura”\, 2024 © Catherine Goodman. Foto: Eva Herzog\n\n\n\n\nCom abertura em janeiro\, Catherine Goodman. Silent Music apresenta uma série de novas pinturas em grande escala da artista britânica\, onde sua pincelada expressiva dá origem a superfícies vibrantes que ressoam com a energia do gesto. Para Goodman\, o ateliê é um espaço de meditação espiritual. Cada pintura é um ato de transmutação íntima—um meio de transformar memórias profundamente guardadas e vulnerabilidades pessoais em uma nova forma de equilíbrio. \nComo artista curadora da National Gallery\, em Londres\, Goodman passou horas desenhando a partir da coleção do museu\, desenvolvendo uma afinidade particular com as pinturas dos antigos mestres\, que ela descreve como seus “únicos verdadeiros professores”. Inspirada pela intensidade e pelo drama de obras renascentistas de artistas como Ticiano e Veronese\, e influenciada pela profundidade psicológica do grupo conhecido como London School\, sua pintura altamente pessoal transcende a experiência individual\, expandindo-se e convidando o espectador a adentrar seu universo.
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SUMMARY:"The End Time!" de Sin Wai Kin no Canal Projects
DESCRIPTION:Sin Wai Kin\, “Dreaming the End”. Cortesia de artiste e Fondazione Memmo\n\n\n\n\nThe End Time! de Sin Wai Kin marca a estreia nos Estados Unidos de sua recém-comissionada sitcom de ficção científica\, The Time of Our Lives (2024). Misturando ficção especulativa com a estética da TV diurna\, o filme explora teorias sobre espaço-tempo\, entrelaçamento quântico e realidades subjetivas. A exposição também inclui o projeto Essence (2024)\, no qual o personagem Wai King se torna embaixador de uma colônia masculina apresentada em The Time of Our Lives. Apresentados juntos pela primeira vez\, The Time of Our Lives e Essence funcionam como investigações interligadas do elaborado universo ficcional de Sin\, trazendo personagens enigmáticos que aparecem regularmente em suas obras. Combinando imagem em movimento e instalação\, The End Time! se baseia no interesse do artista por ficção científica\, drag\, ópera cantonesa e cultura popular para desafiar os binarismos que moldam nossas identidades e experiências. \nNa instalação de dois canais The Time of Our Lives\, uma sitcom é projetada em uma tela enquanto um público “ao vivo” aparece em outra\, com os espectadores posicionados entre elas\, simultaneamente como observadores e habitantes do universo de Sin. Um dia na vida de um casal americano idealizado—V Sin e Wai King—se desenrola na tela\, mas rapidamente se desintegra em um tempo indefinível com uma cronologia circular. Momentos de sua vida se sobrepõem entre passado\, presente e futuro\, oscilando entre casamento\, formatura\, gravidez e morte. Os personagens saltam para frente e para trás no tempo não linear\, alternando entre uma idealização bucólica do passado e um futuro pós-apocalíptico desolador\, enquanto um relógio do juízo final anuncia o fim iminente do mundo. Ocasionalmente\, sua TV liga sozinha e The Storyteller interrompe a narrativa para lembrar ao público como somos condicionados a experimentar o tempo. V Sin e Wai King questionam suas próprias percepções de tempo e memória em meio a um mundo em colapso\, onde causa e efeito se tornam indistintos. O filme é acompanhado por objetos e adereços de The Time of Our Lives: as perucas icônicas de V Sin e Wai King\, um vaso quebrado e um salto descartado trazem o universo de Sin para um diálogo com o nosso. \nApresentada como um intervalo comercial dentro de The Time of Our Lives\, a série Essence é exibida ao lado do frasco de colônia sobre um pedestal. Wai King\, representando uma visão de masculinidade irrestrita\, assume o papel de embaixador da marca Essence. Ele é retratado em contemplação profunda\, montado a cavalo em uma paisagem arcadiana rural. Evocando uma jornada de autodescoberta\, o slogan do perfume—“Sua verdadeira essência espera por você”—sugere que Essence contém a chave para o que é intrínseco à nossa natureza. Ao exibir o frasco como um adereço em um pedestal\, Sin aponta para as estruturas comerciais de identificação e desejo\, revelando como a fantasia promovida por produtos de consumo como Essence molda nossa percepção do que somos. \nOs mundos vibrantes e extravagantemente estilizados de Sin exemplificam seu compromisso com a narrativa e com o poder da linguagem não apenas para transmitir realidades\, mas também para construí-las. Percorrendo diferentes temporalidades\, personagens e universos\, The End Time! direciona nosso olhar para os muitos binarismos que sustentam nossa existência—vida e morte\, pessoal e universal\, ator e público\, sonho e vigília—ao mesmo tempo em que nos oferece a possibilidade de definir nossa própria realidade além deles. \n 
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LOCATION:Canal Projects\, 351 Canal St\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"iiZiiT [3]: RIEGE Jewelry + Supply Eric-Paul Riege" no Canal Projects
DESCRIPTION:Imagem: Divulgação\n\n\n\n\n\n\n\n\nO artista têxtil e tecelão Eric-Paul Riege (n. 1994) apresentará uma seleção de novas obras em sua primeira exposição individual institucional em Nova York\, intitulada iiZiiT [3]: RIEGE Jewelry + Supply. Riege utiliza uma ampla variedade de materiais naturais e sintéticos\, incluindo lã e pele sintética\, para criar grandes instalações têxteis e tapeçarias que homenageiam a tradição hózhó dos Diné (Navajo)—uma visão de mundo que valoriza a beleza\, o equilíbrio e a bondade em todas as coisas\, tanto no plano físico quanto no espiritual. \nSua instalação questiona o papel da autenticidade nos objetos de arte indígena norte-americana\, fazendo referência às tradicionais lojas de postos comerciais nos Estados Unidos e à economia de mercadorias falsificadas que circula na região da Canal Street. Para Riege\, suas obras são animadas e móveis\, frequentemente ativadas por meio de som e performances. Dessa forma\, seu trabalho atua como uma ponte entre os reinos espiritual e físico\, prestando homenagem e estabelecendo um vínculo com gerações de tecelões de sua família\, que o auxiliam na criação de espaços de refúgio e contemplação.
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SUMMARY:"Democratizing Prints: The JoAnn Edinburg Pinkowitz Gift" no The Met Museum
DESCRIPTION:Leopoldo Méndez\, “Posada in his workshop (homage to Posada)” (detalhe) © 2025 Artists Rights Society (ARS)\, New York / SOMAAP\, Mexico City\n\n\n\n\nO Departamento de Desenhos e Gravuras abriga mais de um milhão de desenhos\, gravuras e livros ilustrados produzidos na Europa e nas Américas desde cerca de 1400 até os dias atuais. Devido à sua quantidade e sensibilidade à luz\, essas obras podem ser exibidas apenas por períodos limitados e geralmente são armazenadas em instalações internas. Para destacar a ampla variedade de obras sobre papel\, o departamento organiza quatro rotações anuais na Robert Wood Johnson\, Jr. Gallery. Cada instalação é fruto da colaboração entre curadores e consiste em até 100 objetos agrupados por artista\, técnica\, estilo\, período ou tema. \nEm 2024\, o Museu recebeu uma doação notável de JoAnn Edinburg Pinkowitz\, composta por cerca de trezentas gravuras de artistas mexicanos e de outros países (principalmente americanos) que trabalharam no México. Essa doação amplia uma contribuição anterior de JoAnn\, que incluiu gravuras chinesas do século XX pertencentes ao movimento moderno da xilogravura. \nJoAnn cresceu em uma família apaixonada por colecionar arte. Durante os anos 1960\, ainda adolescente\, atuou como voluntária no Departamento de Gravuras e Desenhos do Museum of Fine Arts de Boston. Em 2009\, começou a colecionar gravuras depois de se inspirar na exposição Vida y Drama: Modern Mexican Prints do museu. Ela se interessou por obras com forte mensagem social e política. Muitas das gravuras exibidas foram publicadas pelo Taller de Gráfica Popular (Oficina de Arte Gráfica Popular)\, um coletivo de gravura fundado em 1937 na Cidade do México “com o objetivo de estimular a produção de artes gráficas em prol do povo mexicano”. Na década de 1950\, artistas do coletivo viajaram para a China\, onde apresentaram seus trabalhos a artistas locais. A conexão entre os temas abordados por artistas de ambos os países motivou JoAnn a doar gravuras chinesas ao Met. \nO material doado por Pinkowitz complementa perfeitamente a coleção excepcional de gravuras mexicanas do Met e inclui obras de artistas que ainda não estavam representados na instituição. As gravuras de artistas americanos no México e de artistas chineses de meados do século XX também ampliam a compreensão sobre as tradições democráticas da gravura.
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LOCATION:The Metropolitan Museum of Art\, 1000 5th Ave\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Caspar David Friedrich: The Soul of Nature" no The Met Museum
DESCRIPTION:Caspar David Friedrich\, “Mönch am Meer” (detalhe) © Staatliche Museen zu Berlin\, Nationalgalerie / Foto: Kristina Mösl\, Francesca Schneider\n\n\n\n\nCaspar David Friedrich (1774–1840) redefiniu a pintura de paisagem europeia ao representar a natureza como um cenário para encontros espirituais e emocionais profundos. Atuando na vanguarda do movimento romântico alemão\, que promoveu uma nova e radical compreensão do vínculo entre a natureza e o eu interior\, Friedrich desenvolveu temas e estratégias pictóricas que enfatizam a individualidade\, a intimidade\, a abertura e a complexidade das nossas respostas ao mundo natural. A visão de paisagem que se desdobra em sua obra—meditativa\, misteriosa e repleta de admiração—permanece essencial nos dias de hoje. \nApresentada em homenagem ao 250º aniversário de nascimento de Friedrich em 2024\, Caspar David Friedrich: The Soul of Nature é a primeira grande exposição dedicada ao artista realizada nos Estados Unidos. Organizada em cooperação com a Alte Nationalgalerie dos Staatliche Museen zu Berlin\, as Staatliche Kunstsammlungen Dresden e a Hamburger Kunsthalle\, a mostra reúne empréstimos inéditos de mais de 30 instituições na Europa e na América do Norte e apresenta aproximadamente 75 obras de Friedrich. Pinturas a óleo\, desenhos finalizados e esboços de trabalho de todas as fases de sua carreira\, além de exemplos selecionados de seus contemporâneos\, revelam como Friedrich desenvolveu um vocabulário simbólico de motivos paisagísticos para expressar os significados pessoais e existenciais que encontrava na natureza. A exposição contextualiza sua obra no cenário político e cultural turbulento da sociedade alemã do século XIX e\, por extensão\, destaca o papel do romantismo alemão na formação das percepções modernas sobre o mundo natural. \nA exposição é complementada por uma mostra de obras com representações lunares na galeria 554\, localizada logo após a saída da exposição. A lua—um motivo apreciado por Friedrich e outros artistas românticos—foi celebrada em diversas mídias\, incluindo pinturas\, porcelana\, música e poesia.
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LOCATION:The Metropolitan Museum of Art\, 1000 5th Ave\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
CATEGORIES:Nova York
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SUMMARY:"Christine Sun Kim: All Day All Night" no Whitney Museum of American Art
DESCRIPTION:Vista da exposição “Christine Sun Kim: All Day All Night”\, 2025. Whitney Museum of American Art\, Nova York. Christine Sun Kim e Thomas Mader\, ATTENTION\, 2022. Foto: Ron Amstutz\n\n\n\n\nCom obras marcadas por humor afiado e comentários incisivos\, Christine Sun Kim (nascida em 1980\, Orange County\, Califórnia) investiga o som e as complexidades da comunicação em suas múltiplas formas. Utilizando notação musical\, infográficos e linguagem — tanto na Língua Americana de Sinais (ASL)\, sua língua nativa\, quanto no inglês escrito — a artista produz desenhos\, vídeos\, esculturas e instalações que frequentemente exploram as dimensões políticas e não auditivas do som. Em muitas de suas obras\, Kim parte da dinâmica espacial da ASL\, traduzindo-a em formas gráficas. Ao destacar a imagem\, o corpo e o espaço físico\, ela subverte a suposição social de que línguas faladas são superiores às sinalizadas. \nEsta exposição apresenta um panorama completo da produção de Kim até o momento\, incluindo desde registros de performances dos anos 2010 até seu mais recente mural site-specific\, Ghost(ed) Notes (2024)\, recriado em diversas paredes do oitavo andar do museu. Inspirado em obras de nome semelhante que criou ao longo da carreira\, o título da mostra\, All Day All Night\, alude à vitalidade que Kim imprime em sua prática artística — uma energia ininterrupta\, experimental e profundamente comprometida em compartilhar vivências da experiência surda. \nA exposição é organizada pelo Whitney Museum of American Art\, em Nova York\, e pelo Walker Art Center\, em Minneapolis. Os curadores responsáveis são Jennie Goldstein\, curadora associada da coleção no Whitney; Pavel Pyś\, curador de artes visuais e estratégias de acervo no Walker; e Tom Finkelpearl\, curador independente; com assistência de Rose Pallone\, do Whitney\, e Brandon Eng\, do Walker.
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LOCATION:Whitney Museum of American Art\, 99 Gansevoort St Manhattan\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
CATEGORIES:Nova York
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SUMMARY:"Video After Video: The Critical Media of CAMP" no MoMA
DESCRIPTION:Vista da instalação de “Video After Video: The Critical Media of CAMP”\, em exibição no The Museum of Modern Art\, Nova York. Foto: Jonathan Dorado © The Museum of Modern Art\n\n\n\n\nVideo After Video: The Critical Media of CAMP é a primeira grande exposição em um museu dos Estados Unidos dedicada ao estúdio colaborativo CAMP\, sediado em Mumbai\, na Índia. Fundado em 2007 por Shaina Anand\, Ashok Sukumaran e Sanjay Bhangar\, o coletivo trabalha com vídeo\, cinema\, mídia eletrônica e intervenções públicas para examinar e reconfigurar as condições políticas e socioeconômicas que estruturam a vida contemporânea. \nEm exibição no MoMA de 21 de fevereiro a 20 de julho de 2025\, a mostra apresentará três obras pioneiras que exploram dispositivos de comunicação\, cinema participativo e sistemas de vigilância\, transformando esses aparatos midiáticos em plataformas e meios de expressão artística.
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LOCATION:MoMA\, 11 W 53rd St Manhattan\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
CATEGORIES:Nova York
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SUMMARY:"Breaking the Mold: Brooklyn Museum at 200" no Brooklyn Museum
DESCRIPTION:Winslow Homer\, Glass Windows\, Bahamas\, ca. 1885. Foto: Brooklyn Museum\n\n\n\n\nDas primeiras aquisições pioneiras às adições mais recentes e marcantes\, a coleção do Brooklyn Museum sempre destacou artistas e obras que impulsionam narrativas imaginativas e diálogos corajosos. Em comemoração ao seu 200º aniversário\, a exposição Breaking the Mold: Brooklyn Museum at 200 celebra esse legado singular. Dividida em três capítulos\, a mostra reúne tanto obras icônicas da coleção quanto novas adições\, revelando perspectivas inéditas e explorando a rica trajetória e a evolução futura do acervo. \nBrooklyn Made presta homenagem à arte e ao design criados no bairro desde o século XVII até os dias de hoje. O capítulo se inicia com um par de mocassins juvenis do povo Delaware\, reconhecendo os habitantes originários da região\, e avança no tempo para destacar artistas contemporâneos de Brooklyn\, como KAWS\, Duke Riley e Tourmaline. \nBuilding the Brooklyn Museum and Its Collection apresenta obras transformadoras e materiais de arquivo que narram o desenvolvimento da coleção e do edifício Beaux-Arts que abriga o museu. \nPor fim\, Gifts of Art in Honor of the 200th reúne doações extraordinárias feitas em celebração ao bicentenário\, incluindo pinturas\, fotografias\, vídeos\, esculturas e cerâmicas de artistas renomados\, como Julie Mehretu\, Robert Frank\, Alex Katz e Coco Fusco. Essas contribuições\, ao lado de obras de artistas influentes da atualidade\, muitos deles baseados em Brooklyn\, não apenas contam a história do museu\, mas também refletem as transformações do mundo ao seu redor.
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CATEGORIES:Nova York
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SUMMARY:"Collection in Focus | Beatriz Milhazes: Rigor and Beauty" no Guggenheim
DESCRIPTION:Beatriz Milhazes\, “As Quatro Estações”\, 1997\nEsta exposição apresenta o trabalho da artista contemporânea global Beatriz Milhazes (n. 1960\, Rio de Janeiro)\, que dialoga com sua herança cultural e identidade brasileiras por meio da linguagem da abstração. Com uma trajetória que abrange quatro décadas—dos anos 1980 até o presente—sua produção inclui escultura\, colagem\, gravura\, têxteis\, arte pública e\, principalmente\, pintura. Esta mostra reúne um conjunto de quinze pinturas e obras sobre papel\, criadas entre 1995 e 2023\, selecionadas do acervo permanente do museu e complementadas por empréstimos estratégicos\, que ajudam a contextualizar a evolução artística de Milhazes. \nA obra de Milhazes está profundamente enraizada na história e nas tradições brasileiras\, inspirando-se na arte e arquitetura coloniais\, nas artes decorativas e na vibrante celebração do Carnaval—o festival que transforma as ruas do Rio de Janeiro em um espetáculo de desfiles\, música\, performances e trajes elaborados. A artista também é influenciada pela Tropicália\, movimento cultural dos anos 1960 que uniu arte\, música e literatura para afirmar a identidade brasileira enquanto desafiava o regime militar da época. Os ritmos e cores da bossa nova\, gênero musical surgido no Rio de Janeiro no final dos anos 1950\, também reverberam em seu trabalho. Além dessas referências\, Milhazes dialoga com a obra de artistas como Henri Matisse e Piet Mondrian\, ao mesmo tempo em que evoca Tarsila do Amaral\, figura essencial para o desenvolvimento do modernismo brasileiro. \nEm 1989\, Milhazes desenvolveu uma técnica inovadora que chama de monotransfer\, inspirada no processo de monotipia\, no qual uma imagem pintada é transferida de uma matriz para o papel\, criando um efeito espelhado. A artista inicia seu processo pintando motivos sobre folhas de plástico transparente com tinta acrílica. Depois que a tinta seca\, as películas pintadas são sobrepostas e aderidas à tela; em seguida\, a artista remove o plástico\, revelando as formas em reverso. O resultado são composições vibrantes e dinâmicas\, que combinam formas abstratas\, padrões orgânicos e estruturas geométricas sobre superfícies texturizadas\, carregadas da memória do gesto artístico. \nAs primeiras pinturas desta exposição\, principalmente do acervo do museu—como Santa Cruz (1995)\, In albis (1995–96) e As quatro estações (1997)—revelam a influência do esplendor das igrejas barrocas coloniais do século XVIII e dos trajes ornamentais da época. Milhazes sintetiza essas influências em motivos abstratos e figurativos\, nos quais círculos e arabescos\, rendas e crochês delicados\, flores e padrões florais\, além de pérolas e elementos de ferro trabalhado\, emergem em suas composições. A partir dos anos 2000\, a artista começou a explorar efeitos ópticos em suas pinturas\, utilizando repetições lineares para criar padrões ondulantes e ritmos visuais\, como se observa em Paisagem carioca (2000)\, O cravo e a rosa (2000) e O Caipira (2004). \nAs obras sobre papel apresentadas nesta exposição\, produzidas entre 2013 e 2021\, demonstram o contínuo interesse de Milhazes pela experimentação com colagem. A artista combina elementos industrializados—como sacolas de grife\, embalagens de chocolate e papéis estampados—com recortes de suas próprias serigrafias em cores sólidas\, criando padrões intricados e composições abstratas expressivas. \nSuas pinturas mais recentes\, como Mistura sagrada (2022)\, indicam um movimento em direção à investigação da força espiritual da natureza\, especialmente no contexto pós-pandemia da COVID-19. Embora referências ao mundo natural estejam presentes desde o início de sua carreira\, aqui a artista aprofunda a reflexão sobre os ciclos de renovação—vida e morte—por meio de formas angulares coloridas e padrões elaborados. Elementos orgânicos\, que remetem à proximidade da artista com o Jardim Botânico do Rio de Janeiro\, a Floresta da Tijuca e a Praia de Copacabana\, ecoam nas harmonias geométricas\, sistemas conceituais e universos cromáticos que atravessam sua obra. \nA exposição foi organizada por Geaninne Gutiérrez-Guimarães\, curadora do Guggenheim Museum Bilbao e da Solomon R. Guggenheim Museum and Foundation\, Nova York.
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CATEGORIES:Nova York
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