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SUMMARY:"Ink and Ivory: Indian Drawings and Photographs Selected with James Ivory" no The Met Museum
DESCRIPTION:Buffaloes in Combat (detalhe)\, Atribuído a Miskin\, Índia\, Mughal\, final do século XVI.\n\n\n\n\nEsta exposição apresenta uma seleção de desenhos superlativos das cortes e centros da Índia e do Paquistão (com algumas obras persas relacionadas)\, datados do final do século XVI ao século XX. Essas obras foram selecionadas principalmente da coleção do Met em parceria com o diretor de cinema James Ivory\, cuja recente doação ao Museu de álbuns fotográficos do século XIX também será destaque na exposição (2021.381.1-16). Os desenhos incluirão exercícios preparatórios frescos e informais para pinturas\, bem como obras lindamente acabadas por si só. As fotografias apresentarão os temas e estilos que surgiram nos contextos de patrocínio real e cerimônia; vistas de arquitetura\, cidades\, paisagens e pessoas\, entre outros. Como artista e cineasta\, James Ivory nos ajudará a apreciar esse material através de seu olhar único. Um curta-metragem — An Arrested Moment — dirigido por Dev Benegal\, acompanhará a exposição. \nA exposição é viabilizada pelo Hagop Kevorkian Fund. \nApoio adicional é fornecido pelo Lavori Sterling Foundation Endowment Fund.
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LOCATION:The Metropolitan Museum of Art\, 1000 5th Ave\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Robert Frank’s Scrapbook Footage" no MoMA
DESCRIPTION:Vista da exposição “Robert Frank’s Scrapbook Footage”. Foto: Emile Askey\n\n\n\n\nRobert Frank é mais conhecido por suas imagens de uma América do pós-guerra marcada por discórdia social e política\, e pelos filmes que fez com os poetas da Geração Beat e os Rolling Stones. Assim\, as imagens filmadas encontradas apenas após a morte de Frank em 2019 podem surpreender alguns espectadores. Armazenadas em locais de depósito\, essas latas e fitas de filme\, que abrangem os anos de 1970 a 2006\, oferecem um vislumbre da vida e do trabalho do artista. Em parceria com a June Leaf e a Robert Frank Foundation\, a editora de filmes de longa data de Frank\, Laura Israel\, e o diretor de arte Alex Bingham utilizaram esses fragmentos para criar um álbum de imagens em movimento. Com projeções em várias telas\, a instalação transmite a intimidade e a imediata percepção das observações de Frank sobre família\, amigos e colaboradores\, bem como sobre interiores domésticos e vistas de cidades e costas. \nAs filmagens nesta instalação\, costuradas por Israel e Bingham para evocar seu olhar e voz inquietos\, lançam uma nova luz sobre seu processo artístico — ao mesmo tempo cômico e melancólico. Vemos Frank viajar entre suas casas em Nova York e Nova Escócia; pelas estradas abertas dos Estados Unidos e do Canadá; e por paisagens urbanas\, incluindo as de Beirute\, Cairo\, Moscovo e sua Suíça natal. Frank torna os prazeres mais efêmeros atemporais: um banho quente e uma chaleira fumegante\, um vislumbre de sua esposa June Leaf em seu estúdio\, o jogo de luz do sol em sua mão.
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LOCATION:MoMA\, 11 W 53rd St Manhattan\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Edges of Ailey" no Whitney Museum
DESCRIPTION:Carmen de Lavallade e Alvin Ailey no Jacobs Pillow\, 1961. Foto de John Lindquist. © Harvard Theatre Collection\, Houghton Library\, Harvard University\n\n\n\n\nEdges of Ailey\, que foi inaugurada no Whitney Museum of American Art em 25 de setembro\, é a primeira grande exposição institucional a celebrar a vida\, as danças\, influências e o legado duradouro do visionário artista e coreógrafo Alvin Ailey (nascido em 1931\, Rogers\, Texas; falecido em 1989\, Nova York). Esta mostra dinâmica—descrita como uma “extravanganza” pela curadora Adrienne Edwards—reúne arte visual\, performances ao vivo\, música\, uma série de materiais de arquivo e uma instalação em vídeo de múltiplas telas extraídas de gravações do repertório do Alvin Ailey American Dance Theater (AAADT) para explorar a amplitude da vida pessoal e criativa de Ailey. \nApresentada no Museu em duas partes\, Edges of Ailey consiste em uma exposição imersiva nas galerias de 18.000 pés quadrados do quinto andar do Museu—com obras de mais de oitenta artistas e material revelador dos arquivos—e uma série ambiciosa de performances no teatro do terceiro andar do Museu\, incluindo AILEY em residência uma semana por mês durante a exposição. \nA vasta coleção de arquivos raramente vistos\, incluindo filmagens de performances\, entrevistas gravadas\, cadernos\, cartas\, poesias\, contos\, anotações coreográficas\, desenhos e programas e cartazes de apresentações reunidos nos arquivos de Ailey e de outros\, cria uma linha vital na galeria. Seleções dos Arquivos de Alvin Ailey—cedidos pela Allan Gray Family Foundation e mantidos no Black Archives of Mid America em Kansas City\, Missouri—e da Alvin Ailey Dance Foundation Archives Collection\, mantida na Biblioteca do Congresso\, são de importância singular\, digitalizadas especialmente para esta exposição. Uma montagem dinâmica da vida e danças de Ailey será exibida em um loop em uma instalação de vídeo de 18 canais criada pelos cineastas Josh Begley e Kya Lou\, com a curadora Adrienne Edwards. \nA presença de Ailey\, sentida por meio do surround em vídeo e de seus efeitos pessoais encapsulados\, envolve uma instalação cênica com obras de mais de oitenta artistas. Essas obras são organizadas por temas que moldaram a vida e as danças de Ailey. As seções abrangem uma imaginação expandida do sul negro dos EUA que envolve histórias do sul dos EUA com as do Caribe\, Brasil e África Ocidental; as práticas duradouras da espiritualidade negra; as condições profundas e os efeitos da migração negra; a resiliência e a necessidade de uma libertação negra interseccional; a proeminência das mulheres negras na vida de Ailey; e as robustas histórias e experimentos da música negra; além das diversas representações da negritude na dança e meditações sobre a dança após Ailey. \nEntre os artistas expostos estão Jean-Michel Basquiat\, Romare Bearden\, Faith Ringgold\, Alma Thomas\, Jacob Lawrence\, Rashid Johnson\, Kevin Beasley\, Kara Walker\, entre outros. Uma aquisição recente de Eldren Bailey e novas obras de Karon Davis\, Jennifer Packer\, Mickalene Thomas e Lynette Yiadom-Boakye serão apresentadas pela primeira vez em homenagem a esta exposição histórica. \nEdges of Ailey também oferece uma rara oportunidade para os visitantes assistirem a performances ao vivo íntimas do Alvin Ailey American Dance Theater no teatro do terceiro andar do Museu. Como parte do robusto programa de performances ao vivo da exposição\, AILEY estará em residência no Whitney por uma semana por mês\, totalizando cinco semanas e mais de noventa performances. Isso oferece aos visitantes a oportunidade de vivenciar toda a extensão do mundo e do legado de Ailey\, incluindo performances de obras clássicas e contemporâneas pelas duas companhias de repertório—Alvin Ailey American Dance Theater e Ailey II—bem como apresentações de alunos da The Ailey School\, workshops e programas educacionais do Ailey Arts In Education\, e aulas do Ailey Extension. Durante as semanas em que AILEY não estiver em residência no Museu\, uma série de comissões de dança de coreógrafos renomados e seus colaboradores\, incluindo Ronald K. Brown\, Trajal Harrell\, Bill T. Jones\, Ralph Lemon\, com o artista interdisciplinar Kevin Beasley\, Sarah Michelson\, Okwui Okpokwasili e Peter Born\, Will Rawls\, Matthew Rushing\, Yusha-Marie Sorzano e Jawole Willa Jo Zollar\, será exibida.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/mark-armijo-mcknight-decreation-no-whitney-museum-2-2/
LOCATION:Whitney Museum of American Art\, 99 Gansevoort St Manhattan\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Otobong Nkanga: Cadence" no MoMA
DESCRIPTION:Detalhe do tecido em progresso para Otobong Nkanga: Cadence. Cortesia de Otobong Nkanga. © Otobong Nkanga. Foto: Wim van Dongen\n\n\n\n\nOtobong Nkanga mudou a forma como entendemos a terra e nosso lugar nela. “Os humanos são apenas uma pequena parte do ecossistema\,” disse a artista. “Meus trabalhos nos conectam às nossas histórias compartilhadas\, não apenas por meio da terra e da geografia\, mas por meio de emoções moldadas por eventos e encontros. Essas são as cadências da vida.” \nOtobong Nkanga: Cadence apresenta uma nova comissão da artista: um ambiente abrangente de tapeçaria\, escultura\, som e texto que explora os ritmos turbulentos da natureza e da sociedade. Criada especificamente para o Átrio da Família Marron do MoMA\, a instalação se centra em uma monumental tapeçaria de múltiplos painéis que sugere ecossistemas e galáxias expansivas. \nSuspensa ao longo da parede mais alta do Átrio\, a tapeçaria de grande escala apresenta uma gama caleidoscópica de fibras naturais e sintéticas criadas pela artista utilizando técnicas inovadoras de tecelagem digital no TextielLab em Tilburg\, na Holanda. Esculturas compostas por cordas tingidas\, entrelaçadas com formas de vidro soprado à mão e cerâmica\, pendem do chão ao teto ao lado de tablets de cerâmica impressos com os poemas da artista. Esses elementos diversos são reunidos dentro de uma obra sonora imersiva baseada na voz e na respiração da artista. Cadence confronta tanto a beleza quanto a degradação do mundo natural — e sua agitação em meio a revoluções industriais e tecnológicas\, extração de recursos e guerras. A instalação monumental cria novas maneiras de perceber — e sentir — as enormes mudanças que estão ocorrendo em nosso tempo. \nApresentações ao vivo acontecerão na primavera de 2025. Mais detalhes serão fornecidos aqui nas próximas semanas.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/otobong-nkanga-cadence-no-moma/
LOCATION:MoMA\, 11 W 53rd St Manhattan\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Jesse Krimes: Corrections" no The Met Museum
DESCRIPTION:Jesse Krimes\, “Purgatory” (detalhe)\, 2009. The Metropolitan Museum of Art\, Nova York. Aquisição com doação do Vital Projects Fund Inc.\, por meio de Joyce e Robert Menschel\, e doações da Alfred Stieglitz Society\, 2024. © Jesse Krimes.\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\nA fotografia desempenhou um papel central na construção de sistemas de poder na sociedade\, especialmente em contextos ligados ao crime e à punição. Esta exposição apresenta instalações imersivas contemporâneas do artista Jesse Krimes (americano\, nascido em 1982)\, em diálogo com fotografias do século XIX do acervo do The Met\, realizadas pelo criminologista francês Alphonse Bertillon — responsável por desenvolver o primeiro sistema moderno de identificação criminal\, anterior à adoção das impressões digitais. \nAs instalações de Krimes\, criadas ao longo de seus seis anos de encarceramento\, revelam a engenhosidade de um artista que trabalhou sem acesso a materiais tradicionais. Utilizando sabonetes fornecidos pela prisão\, gel para cabelo\, cartas de baralho e jornais\, ele produziu obras que buscam interromper e recontextualizar a circulação de imagens na mídia. Exibidas em contraponto às fotografias de Bertillon — cuja metodologia combinava medidas antropométricas e retratos fotográficos\, dando origem à atual ficha de identificação criminal — as obras de Krimes questionam a suposta neutralidade dos sistemas de reconhecimento e as hierarquias sociais que eles ajudam a criar e perpetuar. \nArtista para quem a colaboração e o ativismo são essenciais\, Krimes fundou o Center for Art and Advocacy\, uma organização voltada à valorização do talento e do potencial criativo de pessoas que passaram pelo sistema prisional\, promovendo apoio e melhores condições para artistas anteriormente encarcerados.
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SUMMARY:"Shifting Landscapes" no Whitney Museum
DESCRIPTION:Jane Dickson\, “Heading in—Lincoln Tunnel 3”\, 2003. Whitney Museum of American Art\, Nova York; presente de Eve Ahearn e Joseph Ahearn 2017.275. © Jane Dickson.\n\n\n\n\nEmbora o gênero paisagem tenha sido historicamente associado a vistas pitorescas\, Shifting Landscapes considera uma interpretação mais expansiva dessa categoria\, explorando como as questões políticas\, ecológicas e sociais em evolução motivam os artistas enquanto tentam representar o mundo ao seu redor. Retirada da coleção do Whitney\, a exposição apresenta obras dos anos 1960 até o presente e é organizada em seções temáticas distintas. Algumas delas se agrupam em torno de afinidades materiais e conceituais: assemblagens escultóricas formadas por objetos locais\, abordagens ecofeministas da land art e os legados da fotografia documental de paisagens. Outras estão relacionadas a geografias específicas\, como o frenético cenário urbano da Nova York moderna ou a cena experimental de cinema de Los Angeles dos anos 1970. Ainda outras mostram como os artistas inventam novos mundos fantásticos\, onde humanos\, animais e a terra se tornam um só. Seja representando os efeitos da industrialização no meio ambiente\, enfrentando o impacto das fronteiras geopolíticas ou propondo espaços imaginados como uma forma de desestabilizar o conceito de um mundo “natural”\, as obras reunidas aqui trazem ideias sobre a terra e o lugar em foco\, destacando como moldamos e somos moldados pelos espaços ao nosso redor. \nShifting Landscapes é organizada por Jennie Goldstein\, Curadora Associada da Coleção; Marcela Guerrero\, Curadora da Família DeMartini; Roxanne Smith\, Assistente Curatorial Sênior; com Angelica Arbelaez\, Rubio Butterfield Family Fellow; com agradecimentos a Araceli Bremauntz-Enriquez e J. English Cook pelo apoio à pesquisa.
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SUMMARY:"Vital Signs: Artists and the Body" no MoMA
DESCRIPTION:Barbara Hammer. Cena de Sync Touch. 1981. Museu de Arte Moderna\, Nova York. © 2024 The Estate of Barbara Hammer\, and Company\, Nova York. Imagem cortesia da Coleção Barbara Hammer no Academy Film Archive.\n\n\n\n\n“Por trás dessa máscara\, outra máscara; nunca terminarei de remover todos esses rostos”\, escreveu o artista e poeta Claude Cahun em 1930. Ao longo do século 20\, artistas imaginaram o corpo e as ideias do eu como fluidos e abertos a transformações contínuas. Vital Signs inclui mais de 100 obras de artistas que questionam o que significa ser um indivíduo dentro de uma sociedade maior—e como categorias socialmente sustentadas\, como gênero\, raça e identidade sexual\, estão enraizadas na abstração. \nGrande parte do trabalho em Vital Signs foi feito por mulheres ou artistas de gênero expansivo. A exposição sugere novas perspectivas sobre obras celebradas da coleção do MoMA por artistas como Frida Kahlo\, Ana Mendieta\, Louise Bourgeois e Senga Nengudi\, além de obras que estão em exibição no Museu pela primeira vez\, de artistas como Belkis Ayón\, Ted Joans e Rosemary Mayer. Alguns artistas exploram como projetamos\, distorcemos e criamos identidades por meio de atos de brincadeira\, empatia ou controle. Outros se concentram no interior do corpo—tanto real quanto imaginado—ou olham para o mundo exterior\, formando combinações recém-imaginadas do humano e do não humano. Cheia de vida\, Vital Signs ilumina algumas das maneiras pelas quais os artistas refletem sobre a abstração em seus sentidos sociais mais amplos\, enquanto expandem as ideias sobre o que significa estar vivo e se conectar com os outros.
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SUMMARY:"Harmony and Dissonance: Orphism in Paris\, 1910–1930" no Guggenheim
DESCRIPTION:Robert Delaunay\, “Formes circulaires”\, 1930 (detalhe). Museu Solomon R. Guggenheim\, Nova York\, Coleção Fundadora Solomon R. Guggenheim 49.1184. Foto: Kristopher McKay\, Museu Solomon R. Guggenheim\, Nova York\n\nCom mais de 90 obras de arte que serão apresentadas na icônica rotunda do museu\, esta importante exposição examinará a vibrante arte abstrata do Orfismo. Ela explorará os desenvolvimentos desse movimento transnacional em Paris\, abordando o impacto da dança\, música e poesia na arte\, entre outros temas. \nO Orfismo surgiu no início da década de 1910\, quando as inovações trazidas pela vida moderna estavam alterando radicalmente as concepções de tempo e espaço. Artistas conectados ao Orfismo se envolveram com ideias de simultaneidade em composições caleidoscópicas\, investigando as possibilidades transformadoras da cor\, forma e movimento. Obras selecionadas de artistas como Robert Delaunay\, Sonia Delaunay\, Marcel Duchamp\, Mainie Jellett\, František Kupka\, Francis Picabia\, Amadeo de Souza-Cardoso\, e dos Sincronistas Stanton Macdonald-Wright e Morgan Russell estarão em exibição.
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SUMMARY:"Christian Marclay: The Clock" no MoMA
DESCRIPTION:Christian Marclay\, “The Clock”\, 2010. Museu de Arte Moderna\, Nova York. Doação prometida pela coleção de Jill e Peter Kraus. © 2024 Christian Marclay. Cortesia da Paula Cooper Gallery e White Cube. Visita à instalação\, Christian Marclay—The Clock\, Museu de Arte Moderna\, Nova York\, 21 de dezembro de 2012 a 21 de janeiro de 2013. Foto: Thomas Griesel\n\n\n\n\nEncapsulando 100 anos da história da imagem em movimento\, The Clock (2010) de Christian Marclay é uma montagem de 24 horas composta por milhares de clipes de filmes e programas de televisão que retratam relógios e outras referências ao tempo. James Bond checa seu relógio às 12h20; Meryl Streep desliga um despertador às 6h30; um relógio de bolso faz tique-taque às 11h53 enquanto o Titanic parte. Com cada clipe sincronizado com a hora local\, The Clock colapsa o tempo fictício apresentado na tela com o tempo real de cada minuto que passa. A obra é tanto uma tour de force cinematográfica quanto um relógio funcional. \nCom base em sua formação como músico nas cenas underground de Boston e Nova York no final dos anos 1970 e 1980\, Marclay\, ao longo de cinco décadas\, combinou fragmentos visuais e sonoros para explorar as complexas relações entre imagem e som. Seus trabalhos resultantes tomaram forma em uma ampla variedade de meios: escultura\, pintura\, fotografia\, impressão\, performance e vídeo. Com a ajuda de assistentes em busca de imagens\, Marclay passou três anos editando meticulosamente The Clock—a culminação de sua abordagem inovadora de olhar o mundo de uma forma nova através de material encontrado. \nThe Clock fala sobre a rica história do cinema como um reflexo e uma fuga da realidade\, um paradoxo que se torna cada vez mais central na vida cotidiana na era de transmissão instantânea\, serviços de streaming e inteligência artificial. A montagem de Marclay\, com clipes cuidadosamente selecionados\, nos leva em uma jornada pelo passado para aumentar nossa percepção de um presente sempre elusivo e em constante desdobramento. Ao editar fragmentos do vasto arquivo do cinema para mostrar a hora atual\, Marclay reformula nossa memória coletiva dos filmes como um confronto estranho com nós mesmos.
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SUMMARY:"Light: Rafaël Rozendaal’s Digital Abstractions" no MoMA
DESCRIPTION:Rafaël Rozendaal\, “Implosion”\, 2023. Coleção do artista. Imagem cortesia do artista.\n\n\n\n\n“Eu sempre quis fazer trabalhos que pudessem ser vistos por qualquer pessoa\, em qualquer lugar\, a qualquer hora”\, diz Rafaël Rozendaal\, um inovador no campo da arte baseada na Internet. Desde o início dos anos 2000\, suas animações vibrantes exploram as possibilidades estéticas e conceituais do código\, tratando-o como se fosse tinta. \nComo Rozendaal escolheu a Internet como sua tela\, essas obras estão acessíveis online por todos. Cada obra começa como um storyboard esboçado no papel\, que é então traduzido para o código e ocupa apenas uma pequena quantidade de kilobytes. Sua forma final é um site autônomo alimentado por um algoritmo que gera a animação em tempo real. A prática de Rozendaal se desdobra dentro das possibilidades visuais do navegador\, aproveitando a paisagem digital plana\, mas multidimensional. \nEsta instalação apresenta uma seleção de seus sites\, cada um amostrado por dois a três minutos em uma tela de alta resolução com quase 7\,5 metros de largura. Desde o início\, essas obras foram concebidas para serem independentes de resolução e robustas o suficiente para suportar a evolução de software e telas. O objetivo de Rozendaal é que experimentemos um estado de imersão tão completo que ele se torne um com o nosso mundo físico. Como ele explica: “Eu imagino que viveremos em um mundo onde não haverá diferença entre uma tela e qualquer outra superfície.”
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SUMMARY:"Solid Gold" no Brooklyn Museum
DESCRIPTION:Foto: Reprodução Brooklyn Museum\n\n\n\n\nContemple a majestade do ouro em uma exposição cintilante dedicada ao elemento que inspirou incontáveis obras de arte\, moda\, cinema\, música e design. Como material e cor\, o ouro simbolizou beleza\, honra\, alegria\, ritual\, espiritualidade\, sucesso e riqueza ao longo da história. Ele também assumiu inúmeras formas: de representações milenares de mundos idealizados a suntuosos retábulos italianos dos séculos XIII e XIV\, passando por delicados biombos japoneses até obras contemporâneas e criações deslumbrantes da alta-costura. Com uma seleção abrangente de objetos e uma perspectiva global\, esta exposição traça as muitas jornadas do metal que influenciou culturas e legados em todo o mundo. \nSolid Gold\, que inaugura as comemorações do bicentenário do Brooklyn Museum\, reúne mais de 500 obras\, combinando peças de destaque do acervo com empréstimos internacionais impressionantes. O fascínio da moda pelo ouro será refletido em criações icônicas de Anna Sui\, Christian Dior\, Demna\, Gianfranco Ferré\, Giorgio di Sant’Angelo\, Halston\, Mary McFadden\, The Blonds\, Walter Van Beirendonck e Yves Saint Laurent. Pinturas e esculturas com fundo dourado\, moedas e outros tesouros dividirão espaço com joias assinadas por Alexander Calder\, Belperron\, Cartier\, Charles Loloma\, Jacob & Co e Verdura — além de grillz criados por Gabby Elan. \nAo mesmo tempo em que celebra o encantamento sedutor desse material luminoso\, a exposição também propõe reflexões sobre suas histórias mais sombrias\, convidando a conversas francas sobre os custos humanos e ambientais envolvidos na extração do minério de ouro. Solid Gold convida o público a mergulhar em uma das obsessões mais cintilantes da humanidade.
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SUMMARY:"Lillie P. Bliss and the Birth of the Modern" no MoMA
DESCRIPTION:Paul Cézanne\, “Still Life with Apples”\, 1895–98. Museu de Arte Moderna\, Nova York. Coleção Lillie P. Bliss\n\n\n\n\nMoMA não seria o que é hoje sem Lillie Plummer Bliss. Em 1929\, após anos de defesa da arte moderna em Nova York\, Bliss\, juntamente com Abby Aldrich Rockefeller e Mary Quinn Sullivan\, fundou o Museu de Arte Moderna. Quando faleceu\, aos 66 anos\, apenas dois anos depois\, Bliss deixou grande parte de sua coleção de arte para o museu — um ato visionário que mudou fundamentalmente a trajetória do MoMA. \nLillie P. Bliss and the Birth of the Modern reúne 40 obras da coleção de Bliss\, incluindo pinturas e trabalhos sobre papel de Paul Cézanne\, Odilon Redon\, Georges-Pierre Seurat e Pablo Picasso. Bliss foi uma feroz defensora desses artistas inovadores em uma época em que a arte moderna era frequentemente recebida com suspeita ou ridicularização. “Eles têm algo a dizer que vale a pena ser dito e reivindicam para si mesmos apenas a liberdade de expressá-lo à sua maneira\,” declarou ela. Seu presente generoso\, que permitiu a venda de suas obras para financiar novas aquisições — incluindo A Noite Estrelada de Vincent van Gogh — forneceu ao jovem museu os meios para desenvolver sua coleção por muitos anos no futuro. \nA notável contribuição de Bliss para a história da arte moderna nos Estados Unidos permanece subestimada. Isso se deve em parte ao seu desejo de ficar fora dos holofotes; no final de sua vida\, Bliss solicitou que seus documentos pessoais fossem queimados. Embora grande parte de sua história permaneça por imaginar\, Lillie P. Bliss and the Birth of the Modern ilumina essa figura fundamental por meio das obras de arte que ela mais amava.
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SUMMARY:"Collection in Focus | Piet Mondrian\, Ever further" no Guggenheim
DESCRIPTION:Piet Mondrian\, “Composition No. III\, with Red\, Blue\, Yellow\, and Black”\, s/d. Divulgação Guggeinheim\nEsta exposição apresenta uma seleção de pinturas e desenhos de Piet Mondrian provenientes da coleção singular do Guggenheim\, uma das mais representativas do mundo. Ao longo de sua carreira\, Mondrian fez contribuições marcantes para o desenvolvimento da arte abstrata\, buscando afastar a pintura da representação da natureza para alcançar uma essência ou espírito universal. \nA mostra reúne obras que documentam a evolução do estilo característico do pintor holandês\, desde suas primeiras experimentações na Holanda\, passando pelo período mais produtivo em Paris\, até os anos finais em Nova York. Piet Mondrian: Ever Further inaugura a série de exposições Collection in Focus\, dedicada a destacar artistas da Coleção Guggenheim. \nA curadoria é de Mariët Westermann\, Diretora e CEO do Solomon R. Guggenheim Museum and Foundation.
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SUMMARY:"Jeanne Moutoussamy-Ashe and the Last Gullah Islands" no Whitney Museum
DESCRIPTION:Jeanne Moutoussamy-Ashe\, “An Afternoon with Aunt Tootie”\, Daufuskie Island\, SC\, 1979. © Jeanne Moutoussamy-Ashe\n\n\n\n\nDesde o início dos anos 1970\, a artista\, ativista e acadêmica Jeanne Moutoussamy-Ashe (n. 1951\, Chicago\, IL; vive e trabalha em South Kent\, CT) produz fotografias que capturam a beleza e a complexidade da vida negra\, homenageando os ritmos do cotidiano e marcando importantes ritos de passagem para as pessoas retratadas. \nEm 1977\, após um estudo independente de seis meses na África Ocidental\, Moutoussamy-Ashe atravessou novamente o Oceano Atlântico até Daufuskie Island\, localizada entre Hilton Head\, na Carolina do Sul\, e Savannah\, na Geórgia. Lá\, e nas outras ilhas vizinhas conhecidas como Sea Islands\, ela começou a fotografar entre os Gullah Geechee—muitos deles descendentes de pessoas anteriormente escravizadas que adquiriram terras de antigos proprietários de plantações após o fim da Guerra Civil. Para Moutoussamy-Ashe\, esses lugares\, separados pelo Atlântico\, estavam intrinsecamente ligados\, com as Sea Islands representando um elo dentro da diáspora negra; um espaço moldado pelos séculos violentos da escravidão e por uma comunidade determinada a proteger e nutrir sua cultura e seu povo únicos. As fotografias de Daufuskie Island honram essas histórias entrelaçadas e a perspectiva pessoal da artista. Para ela\, “a fotografia deve nos forçar a questionar a nós mesmos e o ambiente em que vivemos”. \nExtraída da coleção do Whitney Museum\, esta apresentação focada inclui uma seleção de fotografias em preto e branco de Daufuskie Island\, além de publicações relacionadas da artista. Retratos de crianças e idosos\, imagens de casas\, do litoral\, de pessoas trabalhando e descansando\, bem como de cultos religiosos\, formam juntas uma impressão de uma comunidade—e um lugar—à beira de grandes transformações. \nJeanne Moutoussamy-Ashe and the Last Gullah Islands é organizada por Kelly Long\, Assistente Sênior de Curadoria.
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LOCATION:Whitney Museum of American Art\, 99 Gansevoort St Manhattan\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Projects: Marlon Mullen" no MoMA
DESCRIPTION:Marlon Mullen\, “Untitled”\, 2017. © 2024 Marlon Mullen\n\n\n\n\nNão há como confundir o trabalho de Marlon Mullen. Suas pinturas vibrantes\, com superfícies exuberantes e cores marcantes\, ampliam a longa tradição de criar arte sobre a própria arte. \nHá quase 40 anos\, Mullen trabalha no NIAD Art Center\, um estúdio progressivo para artistas com deficiência de desenvolvimento em sua cidade natal\, Richmond\, Califórnia. Edições doadas de publicações de arte\, como Art in America e Artforum\, servem como seu principal ponto de partida. Projects: Marlon Mullen apresenta uma seleção de pinturas do artista produzidas na última década. \nAo escolher uma capa brilhante ou uma página interna como base\, Mullen pinta com acrílico sobre tela\, posicionada plana sobre uma mesa. Ele mantém vínculos visuais com o material de origem\, ao mesmo tempo em que o transforma radicalmente. As composições resultantes reinventam as relações entre seus elementos. Códigos de barras e outros detalhes podem ganhar destaque. Letras\, números\, pontuações e os espaços entre eles podem desaparecer ou se repetir. Imagens e gráficos tornam-se formas puras\, reorganizadas e reconfiguradas. Como demonstra esta exposição\, Mullen vê revistas e livros de arte não apenas como um estímulo à criação\, mas também como um convite para interagir com o mundo da arte contemporânea nos seus próprios termos pictóricos.
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LOCATION:MoMA\, 11 W 53rd St Manhattan\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Giorgio Morandi: Masterpieces from the Magnani-Rocca Foundation" na David Zwirner
DESCRIPTION:Giorgio Morandi\, “Natura morta (Still Life)”\, 1942 – Divulgação David Zwirner\n\n\n\n\nDavid Zwirner apresenta Giorgio Morandi: Masterpieces from the Magnani-Rocca Foundation. Com curadoria da historiadora da arte e especialista em Morandi\, Dra. Alice Ensabella\, e organizada em colaboração com a Fundação Magnani-Rocca\, a exposição apresenta cinquenta obras da aclamada carreira de seis décadas do artista\, todas emprestadas da Fundação\, localizada em Mamiano di Traversetolo (Parma)\, Itália. Esta exposição é uma das maiores em Nova York a focar no trabalho de Morandi desde Giorgio Morandi: 1890–1964\, a retrospectiva do artista em 2008 no The Metropolitan Museum of Art\, Nova York. Ela segue e expande apresentações institucionais celebradas da coleção de obras de Morandi da Fundação na Estorick Collection of Modern Italian Art\, Londres\, em 2023\, e no Musée de Grenoble\, em 2021.
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LOCATION:David Zwirner\, 537 West 20th Street\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"People and Natural Numbers" de Lucia Koch na Nara Roesler
DESCRIPTION:Lucia Koch\, “Piercing eyes”\, 2025 – Divulgação Nara Roesler\n\n\n\n\nA Nara Roesler Nova York apresenta People and Natural Numbers\, primeira individual de Lucia Koch na cidade. A mostra é acompanhada de texto assinado pelo arquiteto e educador Mark Lee e reúne cerca de 14 trabalhos recentes que desdobram a pesquisa que a artista vem empreendendo nas últimas décadas e que tem e espacialidade como seu eixo principal \nUm dos destaques da exposição é o conjunto de trabalhos da série Numbers\, desenvolvida por Koch ao longo do ano de 2024 e que tem como ponto de partida a série intitulada Fundos\, na qual Koch fotografa o interior de caixas e embalagens e\, através de ampliações e do uso da iluminação natural\, confere um caráter arquitetônico a estes objetos\, como se fossem extensões do próprio espaço em que se situam. Assim como em Fundos\, a base para a realização dos trabalhos recentes são caixas de papelão e embalagens. Em Numbers\, no entanto\, a artista destaca as cavidades e aberturas presentes nestes objetos\, fazendo referência a elementos arquitetônicos\, como janelas\, grades e outras aberturas\, cujas quantidades são referenciadas nos títulos dos trabalhos.  \nEm People\, outra série escultórica recente\, a artista se inspira em uma série de trabalhos realizados pelo artista francês Francis Picabia (1879–1953) durante sua estadia em Nova York\, em 1914. Por meio de desenhos de máquinas incompletas\, Picabia criava retratos mecanomorficos de pessoas de seu círculo social. People tem um ponto de partida semelhante: através de objetos\, espelhos\, fontes de luz e projeções\, a artista cria jogos e interações entre os elementos\, de modo a evocar presenças no espaço\, como se fossem pessoas. O mesmo ocorre em A esposa\, obra em que Koch explora a tradução de desenhos em objetos que não existiriam por si só. \nDe acordo com Mark Lee\, que assina o texto da exposição: “A relação recíproca entre a obra de arte e o espaço ao redor\, seja ele imediato ou distante\, contingente ou projetivo\, sempre foi persistente no trabalho de Koch. Conhecida há muito tempo pelo uso de elementos arquitetônicos como janelas\, cortinas\, papel de parede\, telas ou outdoors para alterar os ambientes ao redor\, suas intervenções sempre foram convites generosos à descoberta\, à participação e à interação. Juntamente com os componentes de construção\, a cor é tratada como um espaço a ser habitado em vez de uma camada a ser aplicada”.
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LOCATION:Nara Roesler Nova York\, 511 W 21st St Manhattan\, Nova York\, Nova York
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SUMMARY:"I-Ching / Machine" de Leah Ke Yi Zheng na Mendes Wood DM
DESCRIPTION:Leah Ke Yi Zheng\, “Untitled (no.49/revolution)”\, 2024 – Imagem: divulgação Mendes Wood DM\n\n\n\n\n\n\n\n\nMendes Wood DM apresenta a segunda exposição individual de Leah Ke Yi Zheng com a galeria\, seguindo o anúncio de representação da artista\, nascida na China e baseada em Chicago. \nA exposição ocupa tanto o térreo quanto o nível inferior da nossa galeria em Tribeca\, e apresenta quinze novas pinturas\, sendo quatorze em acrílico e uma em óleo\, todas pintadas sobre seda esticada em chassis de madeira natural. Cada pintura\, em graus variados\, desvia-se do ortogonal para alcançar uma forma peculiar e irregular. Além disso\, Zheng estreia um vídeo pintado à mão que acompanha a exposição. \nO espaço expositivo no térreo é dedicado à representação dos hexagramas do I Ching\, com cada pintura correspondendo a um aspecto diferente do universo\, como poder\, limitação\, clareza ou equilíbrio. Já a galeria no nível inferior destaca a exploração contínua da artista sobre engrenagens de máquinas e dispositivos matemáticos\, refletindo uma meditação sobre a vida moderna e a representabilidade do tempo. Em uma novidade para Zheng\, algumas obras integram esses temas\, sobrepondo hexagramas do I Ching a imagens de máquinas. No nível inferior\, um exemplo desse novo desenvolvimento é exibido suspenso\, com a luz atravessando a seda translúcida\, tornando visíveis tanto o lado frontal quanto o verso. \nA exposição explora uma negociação contínua entre a criação e educação inicial de Zheng com as técnicas tradicionais da pintura de paisagens chinesa e as histórias das vanguardas ocidentais que ela estudou no School of the Art Institute of Chicago. \nUm ensaio escrito por A.E. Benenson acompanha a exposição.
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LOCATION:Mendes Wood DM NY\, 47 Walker Street\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Cy Twombly" na Gagosian
DESCRIPTION:Vista da da instalação com Cy Twombly\, “Untitled”\, 1971 © Cy Twombly Foundation. Foto: Maris Hutchinson\n\n\n\n\nA Gagosian apresenta uma exposição de pinturas\, uma escultura e obras em papel de Cy Twombly. A apresentação será inaugurada em 23 de janeiro de 2025\, ocupando dois andares das galerias na 980 Madison Avenue. Organizada em colaboração com a Cy Twombly Foundation\, a exposição inclui importantes séries de trabalhos realizados entre 1968 e 1990\, incluindo peças nunca antes exibidas e empréstimos da família Twombly. \nA instalação no sexto andar apresenta uma série de pinturas que Twombly produziu entre 1968 e 1971\, representando uma abordagem mais austera em comparação com as telas da década anterior. Criadas durante a era do Minimalismo e da arte conceitual\, essas telas frequentemente são interpretadas como “quadros-negros” — sua fluidez gestual rompe as distinções entre pintura\, desenho e escrita. \nUma obra de 1968 apresenta loops aninhados que se espalham pela tela em cascata. Inscrições e números conferem à obra uma qualidade diagramática\, enquanto sua composição dinâmica remete aos desenhos do Dilúvio de Leonardo da Vinci (c. 1517–18). Uma pintura sem título de nove painéis\, datada de 1971\, forma uma sequência conectada por diagonais e curvas acumuladas.
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LOCATION:Gagosian Madison Avenue\, 980 Madison Avenue\, Nova York\, Nova York
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SUMMARY:"Pirouette: Turning Points in Design" no MoMA
DESCRIPTION:Nifemi Marcus-Bello\, “For the Community by the Community – Handwashing Station”\, 2020. The Museum of Modern Art\, Nova York. Foto: Kadara Enyeasi.\n\n\n\n\nO design é um elemento fundamental da vida\, um catalisador essencial para nossa evolução. Ele nos ajuda a lidar com mudanças e permeia nossas vidas pessoais e sociais\, refletindo tanto nossas forças quanto nossas fragilidades. Muitos designers buscam criar novos comportamentos\, concentrando-se em hábitos e circunstâncias que mais necessitam de transformação. Pirouette: Turning Points in Design reúne objetos—desde Post-Its até Spanx—que representaram experimentos inovadores com novos materiais\, tecnologias e conceitos\, ofereceram soluções não convencionais para problemas tradicionais e tiveram um impacto significativo tanto no design quanto no mundo em geral. \nCom peças majoritariamente retiradas da coleção do MoMA\, a exposição apresenta objetos amplamente reconhecidos—como o logotipo I ♥️ NY ou o novo símbolo de acessibilidade—ao lado de outros conhecidos apenas por públicos especializados. Alguns\, como a Shopping Bag da Telfar\, apelidada de Bushwick Birkin\, reconfiguram as regras de exclusividade e luxo. Outros\, como o Walkman Portable Audio Cassette Player ou o Macintosh 128K Home Computer\, redefiniram e expandiram nosso espaço privado\, permitindo-nos trazer o mundo para dentro de nossas casas ou carregá-lo conosco. Observados em conjunto\, os objetos em Pirouette destacam o papel dos designers em sua expressão mais inventiva e construtiva\, demonstrando o poder do design em traduzir a experiência humana em formas tangíveis e imaginar um futuro melhor.
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SUMMARY:"A Number of Things" de Camille Henrot na Hauser & Wirth
DESCRIPTION:Camille Henrot\, “1263 / 3612 (Abacus)”\, 2024 © Camille Henrot. Foto: Stefan Altenburger\n\n\n\n\nCamille Henrot estreará um novo e extraordinário conjunto de esculturas em bronze\, intitulado Abacus\, em sua primeira grande exposição na galeria em Nova York. Evocando ferramentas de desenvolvimento infantil\, calçados\, gráficos distorcidos e antigos dispositivos de contagem\, as esculturas em grande escala\, juntamente com obras menores como Tomber Pour Toujours e Misfits\, abordam o atrito entre um senso incipiente de imaginação e os sistemas de signos da sociedade. As esculturas serão apresentadas ao lado de novas e vibrantes pinturas da série Dos and Don’ts da artista.
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LOCATION:Hauser & Wirth 22nd Street\, 542 West 22nd Street\, Nova York\, Nova York
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SUMMARY:"Pastels" de George Condo na Hauser & Wirth
DESCRIPTION:George Condo\, “Abstract Male Portrait”\, 2024 © George Condo. Foto: Matt Grubb\n\n\n\n\nA exposição em duas partes de George Condo\, Pastels\, apresentada nas galerias Sprüth Magers e Hauser & Wirth em Nova York\, oferece um vislumbre do processo criativo do artista e de sua inventividade sem limites por meio do pastel. As novas obras de Condo desafiam os limites da improvisação nesse meio\, utilizando espontaneamente gesso\, campos de cor e gestos dramáticos com pastel\, sem esboços preparatórios\, para expressar diversos estados da psique humana. O artista explora a abstração dentro de uma estrutura figurativa de maneiras inovadoras\, materializando a natureza fragmentada e fugidia de pensamentos e sentimentos inefáveis.
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SUMMARY:"Catherine Goodman. Silent Music" na Hauser & Wirth
DESCRIPTION:Catherine Goodman\, “Jura”\, 2024 © Catherine Goodman. Foto: Eva Herzog\n\n\n\n\nCom abertura em janeiro\, Catherine Goodman. Silent Music apresenta uma série de novas pinturas em grande escala da artista britânica\, onde sua pincelada expressiva dá origem a superfícies vibrantes que ressoam com a energia do gesto. Para Goodman\, o ateliê é um espaço de meditação espiritual. Cada pintura é um ato de transmutação íntima—um meio de transformar memórias profundamente guardadas e vulnerabilidades pessoais em uma nova forma de equilíbrio. \nComo artista curadora da National Gallery\, em Londres\, Goodman passou horas desenhando a partir da coleção do museu\, desenvolvendo uma afinidade particular com as pinturas dos antigos mestres\, que ela descreve como seus “únicos verdadeiros professores”. Inspirada pela intensidade e pelo drama de obras renascentistas de artistas como Ticiano e Veronese\, e influenciada pela profundidade psicológica do grupo conhecido como London School\, sua pintura altamente pessoal transcende a experiência individual\, expandindo-se e convidando o espectador a adentrar seu universo.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/catherine-goodman-silent-music-na-hauser-wirth/
LOCATION:Hauser & Wirth 22nd Street\, 542 West 22nd Street\, Nova York\, Nova York
CATEGORIES:Nova York
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SUMMARY:"The End Time!" de Sin Wai Kin no Canal Projects
DESCRIPTION:Sin Wai Kin\, “Dreaming the End”. Cortesia de artiste e Fondazione Memmo\n\n\n\n\nThe End Time! de Sin Wai Kin marca a estreia nos Estados Unidos de sua recém-comissionada sitcom de ficção científica\, The Time of Our Lives (2024). Misturando ficção especulativa com a estética da TV diurna\, o filme explora teorias sobre espaço-tempo\, entrelaçamento quântico e realidades subjetivas. A exposição também inclui o projeto Essence (2024)\, no qual o personagem Wai King se torna embaixador de uma colônia masculina apresentada em The Time of Our Lives. Apresentados juntos pela primeira vez\, The Time of Our Lives e Essence funcionam como investigações interligadas do elaborado universo ficcional de Sin\, trazendo personagens enigmáticos que aparecem regularmente em suas obras. Combinando imagem em movimento e instalação\, The End Time! se baseia no interesse do artista por ficção científica\, drag\, ópera cantonesa e cultura popular para desafiar os binarismos que moldam nossas identidades e experiências. \nNa instalação de dois canais The Time of Our Lives\, uma sitcom é projetada em uma tela enquanto um público “ao vivo” aparece em outra\, com os espectadores posicionados entre elas\, simultaneamente como observadores e habitantes do universo de Sin. Um dia na vida de um casal americano idealizado—V Sin e Wai King—se desenrola na tela\, mas rapidamente se desintegra em um tempo indefinível com uma cronologia circular. Momentos de sua vida se sobrepõem entre passado\, presente e futuro\, oscilando entre casamento\, formatura\, gravidez e morte. Os personagens saltam para frente e para trás no tempo não linear\, alternando entre uma idealização bucólica do passado e um futuro pós-apocalíptico desolador\, enquanto um relógio do juízo final anuncia o fim iminente do mundo. Ocasionalmente\, sua TV liga sozinha e The Storyteller interrompe a narrativa para lembrar ao público como somos condicionados a experimentar o tempo. V Sin e Wai King questionam suas próprias percepções de tempo e memória em meio a um mundo em colapso\, onde causa e efeito se tornam indistintos. O filme é acompanhado por objetos e adereços de The Time of Our Lives: as perucas icônicas de V Sin e Wai King\, um vaso quebrado e um salto descartado trazem o universo de Sin para um diálogo com o nosso. \nApresentada como um intervalo comercial dentro de The Time of Our Lives\, a série Essence é exibida ao lado do frasco de colônia sobre um pedestal. Wai King\, representando uma visão de masculinidade irrestrita\, assume o papel de embaixador da marca Essence. Ele é retratado em contemplação profunda\, montado a cavalo em uma paisagem arcadiana rural. Evocando uma jornada de autodescoberta\, o slogan do perfume—“Sua verdadeira essência espera por você”—sugere que Essence contém a chave para o que é intrínseco à nossa natureza. Ao exibir o frasco como um adereço em um pedestal\, Sin aponta para as estruturas comerciais de identificação e desejo\, revelando como a fantasia promovida por produtos de consumo como Essence molda nossa percepção do que somos. \nOs mundos vibrantes e extravagantemente estilizados de Sin exemplificam seu compromisso com a narrativa e com o poder da linguagem não apenas para transmitir realidades\, mas também para construí-las. Percorrendo diferentes temporalidades\, personagens e universos\, The End Time! direciona nosso olhar para os muitos binarismos que sustentam nossa existência—vida e morte\, pessoal e universal\, ator e público\, sonho e vigília—ao mesmo tempo em que nos oferece a possibilidade de definir nossa própria realidade além deles. \n 
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LOCATION:Canal Projects\, 351 Canal St\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
CATEGORIES:Nova York
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SUMMARY:"iiZiiT [3]: RIEGE Jewelry + Supply Eric-Paul Riege" no Canal Projects
DESCRIPTION:Imagem: Divulgação\n\n\n\n\n\n\n\n\nO artista têxtil e tecelão Eric-Paul Riege (n. 1994) apresentará uma seleção de novas obras em sua primeira exposição individual institucional em Nova York\, intitulada iiZiiT [3]: RIEGE Jewelry + Supply. Riege utiliza uma ampla variedade de materiais naturais e sintéticos\, incluindo lã e pele sintética\, para criar grandes instalações têxteis e tapeçarias que homenageiam a tradição hózhó dos Diné (Navajo)—uma visão de mundo que valoriza a beleza\, o equilíbrio e a bondade em todas as coisas\, tanto no plano físico quanto no espiritual. \nSua instalação questiona o papel da autenticidade nos objetos de arte indígena norte-americana\, fazendo referência às tradicionais lojas de postos comerciais nos Estados Unidos e à economia de mercadorias falsificadas que circula na região da Canal Street. Para Riege\, suas obras são animadas e móveis\, frequentemente ativadas por meio de som e performances. Dessa forma\, seu trabalho atua como uma ponte entre os reinos espiritual e físico\, prestando homenagem e estabelecendo um vínculo com gerações de tecelões de sua família\, que o auxiliam na criação de espaços de refúgio e contemplação.
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LOCATION:Canal Projects\, 351 Canal St\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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