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SUMMARY:"By Way Of: Material and Motion in the Guggenheim Collection" no Guggenheim
DESCRIPTION:Vista da instalação\, By Way Of: Material and Motion in the Guggenheim Collection © Solomon R. Guggenheim Museum\, Nova York\n\n\n\nUma das características mais proeminentes da arte do final do século XVIII em diante\, especialmente após a Segunda Guerra Mundial\, é a tendência dos artistas de evoluir métodos tradicionais de produção artística fora dos limites do estúdio. Esta exposição examina as maneiras pelas quais artistas contemporâneos implementaram novas ideias formadas pelos contextos sociais e históricos de seu tempo\, empurrando os limites da criação artística e dos materiais como resultado. \n\n\n\nBy Way Of oferece uma seleção de obras da coleção permanente do museu\, inspiradas pelo presente da Coleção D.Daskalopoulos. Artistas importantes do movimento Arte Povera das décadas de 1960 e 1970\, como Jannis Kounellis e Mario Merz\, compartilham as galerias com artistas que trabalham atualmente\, como Rashid Johnson\, Mona Hatoum e Senga Nengudi. \n\n\n\nBy Way Of: Material and Motion in the Guggenheim Collection é organizada por Naomi Beckwith\, Diretora Adjunta e Curadora-Chefe Jennifer e David Stockman.
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SUMMARY:"Wanda Gág World" no Whitney Museum
DESCRIPTION:Wanda Gág\, The Forge (detalhe)\, 1932. Whitney Museum of American Art\, New York; purchase 32.103. © Estate of  Wanda Gág\n\n\n\nEsta exposição apresenta uma seleção de gravuras da artista\, ilustradora e autora de livros infantis Wanda Gág (1893–1946). Estas obras registram o mundo como Gág o experimentava: um lugar onde as paisagens se movem ritmicamente e os objetos inanimados vibram com vida. Embora ela também pintasse\, as artes gráficas ofereceram o método mais eficaz para expressar essa visão única. \n\n\n\nNascida em Minnesota\, filha de imigrantes da Boêmia Alemã (atualmente parte da República Tcheca)\, Gág chegou a Nova York em 1917 para estudar na Art Students League\, onde se tornou uma figura central da cena artística modernista da cidade. Sem aderir à abstração nem ao realismo social — os movimentos artísticos dominantes na época — Gág desenvolveu sua própria abordagem à figuração. Ao longo de sua carreira\, ela alcançou um sucesso modesto vendendo suas gravuras e produziu vários livros infantis populares\, exemplos dos quais são apresentados na mostra. Gág também foi uma escritora prolífica sobre sua vida e obra\, e trechos de suas cartas e diários acompanham as gravuras em exibição. \n\n\n\nCompletamente extraídas da coleção do Whitney\, as obras nesta exposição abrangem aproximadamente duas décadas\, desde meados da década de 1920 até o ano anterior à morte de Gág. Juntos\, esses naturezas-mortas\, paisagens e interiores iluminam o que a artista chamou de “mundo de Wanda Gág”\, demonstrando sua fervorosa busca para capturar o sentimento e o movimento da vida como ela via. \n\n\n\nO Wanda Gág World é co-curado por Roxanne Smith\, Assistente Sênior de Curadoria\, e Scout Hutchinson\, Curadora Bolsista.
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SUMMARY:The Roof Garden Commission: Petrit Halilaj no The Met Museum
DESCRIPTION:Foto: Ian Kumamoto\n\n\n\nO artista kosovar Petrit Halilaj (nascido em 1986\, Kostërc\, antiga Iugoslávia) foi convidado a criar uma instalação específica para o Jardim do Telhado Iris e B. Gerald Cantor do Museu. Para o primeiro grande projeto do artista nos Estados Unidos\, Halilaj transformou o telhado do Met com uma extensa instalação escultural. \n\n\n\nO trabalho de Halilaj está profundamente conectado à história recente de seu país natal\, Kosovo\, e às consequências das tensões culturais e políticas na região. Após um período formativo na Itália\, onde estudou arte na Accademia di Brera em Milão\, ele se mudou para Berlim em 2008\, onde ainda vive e trabalha. Seus projetos abrangem uma variedade de mídias\, incluindo escultura\, desenho\, poesia e performance.
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LOCATION:The Metropolitan Museum of Art\, 1000 5th Ave\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Lineages: Korean Art at The Met" no The Met Museum
DESCRIPTION:Yi Jeong\, Bamboo in the Wind (detalhe)\, início do século XVII\, Coreia\, dinastia Joseon (1392–1910). The Metropolitan Museum of Art\, Nova York\, Coleção Mary Griggs Burke\, Doação da Fundação Mary and Jackson Burke\, 2015\n\n\n\nEm comemoração ao vigésimo quinto aniversário da galeria Artes da Coreia do Met\, “Lineages: Korean Art at The Met” exibe destaques da coleção do Museu emparelhados com importantes empréstimos internacionais de arte moderna e contemporânea coreana. Esta justaposição de obras de arte históricas e contemporâneas — desde celadons dos séculos XII e XIII até esculturas futurísticas de ciborgues feitas nos anos 2000 — exibe a história da arte coreana em grandes traços através de quatro temas interligados: linhas\, pessoas\, lugares e coisas. Apresentando trinta objetos\, esta exposição promove um diálogo de ideias que ressoaram ao longo do tempo e uniram artistas.
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SUMMARY:"Projects: Tadáskía" no MoMA
DESCRIPTION:Tadáskía. ave preta mística mystical black bird (detalhe)\, 2022. The Museum of Modern Art\, Nova York. Fundo para o Século XXI. © 2024 Tadáskía\n\n\n\n“Estou interessada na passagem de uma coisa para outra”\, disse a artista brasileira Tadáskía. A mudança está no centro de seu trabalho multidisciplinar. Através de desenhos\, esculturas e outros meios\, ela destaca a improvisação\, transmitindo uma sensação de fluidez por meio de suas marcas dinâmicas\, imagens sutis e paleta caleidoscópica. \n\n\n\nProjects: Tadáskía apresenta o livro expansivo e sem encadernação da artista\, ave preta mística mystical black bird (2022)\, que coloca desenhos livres em diálogo com seu próprio texto poético e bilíngue. De uma folha para a outra\, seguimos o protagonista alado da narrativa em um voo “rumo a uma jornada de liberdade”\, informado pela experiência vivida da artista como uma mulher trans negra. \n\n\n\nPara esta exposição\, a primeira apresentação solo da artista nos Estados Unidos\, ela produziu um desenho monumental na parede e um conjunto de esculturas em resposta ao espaço da galeria. Enquanto suas marcas vigorosas nos encorajam a seguir suas linhas sinuosas e mutáveis\, os materiais orgânicos usados em suas esculturas evocam os ciclos de vida efêmeros da natureza. Junto ao papel central da mudança\, como Tadáskía afirma\, “o personagem principal no trabalho é o tempo”.
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LOCATION:MoMA\, 11 W 53rd St Manhattan\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Collecting Inspiration: Edward C. Moore at Tiffany & Co." no The Met Museum
DESCRIPTION:Fragmento de prato carenado de mosaico de vidro Romano\, final do século I a.C. – início do século I d.C. Imagem/Divulgação\n\n\n\nEdward C. Moore (1827–1891) — a força criativa que levou a Tiffany & Co. a uma originalidade e sucesso incomparáveis durante a segunda metade do século XIX — reuniu uma vasta coleção de artes decorativas de qualidade excepcional e em diversos meios\, desde vidro grego e romano e cestos japoneses até trabalhos em metal do mundo islâmico. Esses objetos foram uma fonte de inspiração para Moore\, um prateiro renomado por direito próprio\, e para os designers que ele supervisionava. A exposição “Collecting Inspiration: Edward C. Moore at Tiffany & Co.” apresentará mais de 180 exemplos extraordinários da coleção pessoal de Moore\, que foi doada ao Museu\, ao lado de 70 magníficos objetos de prata projetados e criados na Tiffany & Co. sob sua direção. Retirados principalmente do acervo do Met\, a exibição também incluirá exemplos raramente vistos de uma dúzia de credores privados e públicos. Figura definidora na história da prataria americana\, Moore desempenhou um papel fundamental na formação da estética de design lendária da Tiffany e na evolução da coleção do Met.
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SUMMARY:“The Campus” na kurimanzutto
DESCRIPTION:Vista da instalação de “Climate Change is Real (Global Climate Action Summit\, San Francisco)” de Andrea Bowers\, 2018 (ao fundo)\, no The Campus. Foto: Yael Eban & Matthew Gamber\n\n\n\nBortolami\, James Cohan\, kaufmann repetto\, Anton Kern\, Andrew Kreps e kurimanzutto têm o prazer de apresentar a exposição inaugural em seu novo espaço compartilhado\, The Campus\, em Claverack\, NY. Abraçando um modelo colaborativo\, as galerias transformaram um antigo prédio escolar abandonado em uma plataforma para troca cultural dinâmica. \n\n\n\nVago desde os anos 90\, o edifício de 78.000 pés quadrados da Ockawamick School\, construído em 1951 e em grande parte não reformado\, estava pronto para ser reanimado. Salas de aula pintadas de forma colorida\, detalhes arquitetônicos de meados do século e generosa iluminação natural criam um contexto atraente para que os artistas interajam com o espaço\, o propósito original da estrutura e uns com os outros. \n\n\n\nNos últimos anos\, uma reconsideração de valores levou muitos artistas em direção à comunidade criativa há muito estabelecida no interior do estado de Nova York. The Campus abraça esse ambiente de troca animada com uma exposição abrangente que preenche 40 salas e os terrenos circundantes com obras de arte. Dentro de cada sala\, agrupamentos cuidadosos oferecem momentos de diálogo focado entre vozes diversas dentro e fora dos seis programas de galeria. \n\n\n\nNo espírito de colaboração\, The Campus está fazendo parceria com os Bolsistas de Estúdio e Curadoria da Cohort 05 do NXTHVN. Fundado por Titus Kaphar e Jason Price\, a bolsa anual do NXTHVN trabalha para orientar e elevar artistas e curadores sub-representados. A exposição contará com o trabalho dos Bolsistas de Estúdio Adrian Armstrong\, Alexandria Couch\, Eric Hart Jr.\, Fidelis Joseph\, Jamaal Peterman\, Eugene Mackie e Alex Puz\, organizada pelas Bolsistas de Curadoria Marquita Flowers e Clare Patrick. \n\n\n\nA exposição inaugural conecta obras novas\, históricas e específicas do local de mais de 80 artistas. \n\n\n\nUma instalação urgente de filme\, néon e obras escultóricas de Andrea Bowers ativa a arte em um chamado ressonante para informar\, educar e mobilizar sobre a mudança climática.
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SUMMARY:"Survival Piece #5: Portable Orchard" no Whitney Museum
DESCRIPTION:The Harrisons\, Survival Piece #5: Portable Orchard\, 1972–73 (vista da instalação\, Art Gallery da California State University\, Fullerton) © Helen and Newton Harrison Family Trust. Cortesia de Various Small Fires\, Los Angeles/Dallas/Seoul.\n\n\n\n“Survival Piece #5: Portable Orchard” marca a primeira apresentação independente em um museu do pomar de cítricos indoor completamente realizado\, concebido e projetado em 1972 pelos artistas Helen Mayer Harrison (1927–2018) e Newton Harrison (1932–2022). Este projeto explora a necessidade de um sistema alimentar produtivo e sustentável em um futuro imaginado onde as práticas agrícolas naturais são obsoletas e não podem ser consideradas garantidas. Estendendo-se pela galeria do oitavo andar do Museu\, esta instalação de dezoito árvores cítricas vivas enraizadas em vasos autossuficientes com sistemas de iluminação individuais reflete uma alternativa de sobrevivência diante do declínio ambiental. \n\n\n\nOs Harrisons começaram sua colaboração que durou décadas no início dos anos 1970\, inspirados pelos movimentos ambientalistas emergentes e por uma crescente conscientização social sobre os ecossistemas vulneráveis do planeta. Eles trouxeram experiências distintas em educação e escultura para sua prática criativa compartilhada e desenvolveram uma abordagem à criação artística que se baseava em pesquisas interdisciplinares\, resultando em projetos que serviam simultaneamente como obras de arte e chamados à ação. “Para sobreviver como espécie”\, refletiu Helen Harrison\, “vamos ter que aprender a cultivar nossa própria comida e cuidar de nós mesmos em algum momento. Então começamos a olhar para o que isso significa.” “Portable Orchard” é uma das sete “Survival Pieces” desenvolvidas pelos Harrisons no início dos anos 1970\, cada uma propondo uma alternativa a um sistema de produção de alimentos existente — de um pasto de porcos a uma fazenda de camarões. Os Harrisons planejavam a implementação futura desses projetos fazendo desenhos de instruções detalhadas; a recente aquisição pelo Museu de um desses desenhos foi o impulso para esta apresentação e está em exibição nas galerias\, junto com materiais de arquivo adicionais. “Portable Orchard” revela a qualidade premonitória da pesquisa dos Harrisons sobre sustentabilidade alimentar\, bem como os sucessos e fracassos dos sistemas artificiais construídos para sustentar a vida — questões que são ainda mais relevantes hoje do que há cinquenta anos\, quando o projeto foi concebido pela primeira vez. \n\n\n\n“Survival Piece #5: Portable Orchard” é organizada por Kim Conaty\, curadora-chefe da Família Nancy e Steve Crown\, com Roxanne Smith\, assistente sênior de curadoria.
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SUMMARY:"Chinese Painting and Calligraphy Selections from the Collection" no The Met Museum
DESCRIPTION:Artista não identificado\, Inscrições nos Tambores de Pedra (dinastia Zhou Oriental\, século V a.C.). The Metropolitan Museum of Art\, Nova York. Doação do Sr. e Sra. Wan-go H. C. Weng\, 1992\n\n\n\n\nO Metropolitan Museum of Art adquiriu sua primeira pintura chinesa em 1902. Desde então\, o Museu adicionou mais de duas mil obras de pintura e caligrafia\, construindo uma das coleções mais abrangentes do mundo. Abrangendo um milênio e meio de produção cultural e uma variedade de gêneros\, técnicas e estilos\, a coleção do Met se tornou um recurso fundamental para o estudo da pintura e caligrafia chinesas. Esta exposição apresenta uma rica seleção de obras da coleção\, organizadas em uma exibição majoritariamente cronológica. \nA exposição é viabilizada pelo Joseph Hotung Fund.
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SUMMARY:"Mary Sully: Native Modern" no The Met Museum
DESCRIPTION:Mary Sully\, Alice (detalhe)\, ca. 1920s–40s. The Metropolitan Museum of Art\, Nova York\, aquisição\, Morris K. Jesup Fund e fundos de diversos doadores\, 2023\n\n\n\n\nMary Sully—nascida Susan Mabel Deloria na Reserva Standing Rock\, em Dakota do Sul—foi uma artista Yankton Dakota pouco conhecida e reclusa\, que\, entre as décadas de 1920 e 1940\, criou obras altamente distintas\, informadas por sua ancestralidade nativa americana e colonizadora. Esta primeira exposição individual da produção inovadora de Sully destaca aquisições recentes do Met e empréstimos da Fundação Mary Sully\, obras que complicam as noções tradicionais de arte nativa americana e moderna. \nTrabalhando sem patrocínio\, quase na obscuridade\, e sendo em grande parte autodidata\, Sully produziu desenhos intricadamente elaborados e vividamente coloridos. Eles misturam aspectos significativos de sua herança Dakota com elementos visuais observados de outras nações nativas\, bem como a estética da vida urbana. Celebridades euro-americanas da cultura popular\, política e religião inspiraram algumas de suas obras mais marcantes\, que ela chamou de “personalidade impressa”— retratos abstratos organizados como trípticos verticais. Apresentando 25 composições raramente vistas de Sully\, além de material de arquivo da família e outros itens nativos da coleção do Met\, Mary Sully: Native Modern oferece uma nova e complexa perspectiva para considerar a arte e a vida americana no início do século 20. \nA exposição é viabilizada pela Fundação Barrie A. e Deedee Wigmore.
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SUMMARY:"Ink and Ivory: Indian Drawings and Photographs Selected with James Ivory" no The Met Museum
DESCRIPTION:Buffaloes in Combat (detalhe)\, Atribuído a Miskin\, Índia\, Mughal\, final do século XVI.\n\n\n\n\nEsta exposição apresenta uma seleção de desenhos superlativos das cortes e centros da Índia e do Paquistão (com algumas obras persas relacionadas)\, datados do final do século XVI ao século XX. Essas obras foram selecionadas principalmente da coleção do Met em parceria com o diretor de cinema James Ivory\, cuja recente doação ao Museu de álbuns fotográficos do século XIX também será destaque na exposição (2021.381.1-16). Os desenhos incluirão exercícios preparatórios frescos e informais para pinturas\, bem como obras lindamente acabadas por si só. As fotografias apresentarão os temas e estilos que surgiram nos contextos de patrocínio real e cerimônia; vistas de arquitetura\, cidades\, paisagens e pessoas\, entre outros. Como artista e cineasta\, James Ivory nos ajudará a apreciar esse material através de seu olhar único. Um curta-metragem — An Arrested Moment — dirigido por Dev Benegal\, acompanhará a exposição. \nA exposição é viabilizada pelo Hagop Kevorkian Fund. \nApoio adicional é fornecido pelo Lavori Sterling Foundation Endowment Fund.
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SUMMARY:"Mark Armijo McKnight: Decreation" no Whitney Museum
DESCRIPTION:Mark Armijo McKnight\, The Black Place (ii)\, 2024. Cortesia do artista. © Mark Armijo McKnight\n\n\n\n\nEsta exposição apresenta uma seleção de gravuras da artista\, ilustradora e autora de livros infantis Wanda Gág (1893–1946). Estas obras registram o mundo como Gág o experimentava: um lugar onde as paisagens se movem ritmicamente e os objetos inanimados vibram com vida. Embora ela também pintasse\, as artes gráficas ofereceram o método mais eficaz para expressar essa visão única. \n\n\n\nNascida em Minnesota\, filha de imigrantes da Boêmia Alemã (atualmente parte da República Tcheca)\, Gág chegou a Nova York em 1917 para estudar na Art Students League\, onde se tornou uma figura central da cena artística modernista da cidade. Sem aderir à abstração nem ao realismo social — os movimentos artísticos dominantes na época — Gág desenvolveu sua própria abordagem à figuração. Ao longo de sua carreira\, ela alcançou um sucesso modesto vendendo suas gravuras e produziu vários livros infantis populares\, exemplos dos quais são apresentados na mostra. Gág também foi uma escritora prolífica sobre sua vida e obra\, e trechos de suas cartas e diários acompanham as gravuras em exibição. \n\n\n\nCompletamente extraídas da coleção do Whitney\, as obras nesta exposição abrangem aproximadamente duas décadas\, desde meados da década de 1920 até o ano anterior à morte de Gág. Juntos\, esses naturezas-mortas\, paisagens e interiores iluminam o que a artista chamou de “mundo de Wanda Gág”\, demonstrando sua fervorosa busca para capturar o sentimento e o movimento da vida como ela via. \n\n\n\nO Wanda Gág World é co-curado por Roxanne Smith\, Assistente Sênior de Curadoria\, e Scout Hutchinson\, Curadora Bolsista.
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SUMMARY:"What It Becomes" no Whitney Museum
DESCRIPTION:Rick Bartow\, Autobiographical Hawk\, 1991. Whitney Museum of American Art\, Nova York; doação do Richard E. Bartow Trust © Richard E. Bartow Trust\n\n\n\n\nComo um ato de marcação direta\, o desenho oferece uma maneira imediata e espontânea para que ideias se desenrolem e imagens ganhem forma. Guiada pelo potencial do meio para ilustrar mudanças\, esta exposição reúne obras da coleção do Whitney de artistas que utilizam o desenho como um ato de transformação. Em suas mãos\, o desenho se torna uma ferramenta para revelar o que é invisível e tornar o familiar irreconhecível\, ou\, como observa a artista Toyin Ojih Odutola: “O que ele se torna é o que me interessa.” \nEmbora as obras nesta exposição variem das artes gráficas a fotografias e vídeos\, os processos inerentes ao desenho desempenham um papel fundamental na criação de cada uma delas. Alguns artistas empregam técnicas como inscrição e apagamento para alterar ou recuperar imagens existentes\, como visto nas obras de Ojih Odutola e Wendy Red Star. Outros\, como David Hammons e Maren Hassinger\, enfatizam a tactileidade do meio\, usando seus próprios corpos como ferramentas de desenho ou superfícies para transformar sua imagem. Todas as obras mantêm uma relação estreita com a figura\, variando de modos tradicionais de retrato a registros gráficos mais abstratos do gesto humano. Aproveitando a relação entre desenho\, toque e formação\, os artistas exploram a natureza maleável da identidade e a possibilidade de moldar e redefinir a si mesmo. \nWhat It Becomes é organizada por Scout Hutchinson\, Curatorial Fellow.
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LOCATION:Whitney Museum of American Art\, 99 Gansevoort St Manhattan\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Room\, Sea & Sky" de Philip Guston na Hauser & Wirth NY
DESCRIPTION:Philip Guston\, Sky\, 1980 © The Estate of Philip Guston\n\n\n\n\nA Hauser & Wirth Nova York irá explorar a significativa\, porém frequentemente negligenciada\, prática de gravura de Philip Guston (1913 – 1980)\, preenchendo uma lacuna de longa data nas discussões sobre a obra do artista. Organizada em torno de três temas principais\, “Room\, Sea & Sky” investiga as qualidades metamórficas da prática de Guston através de sua gravura\, especialmente no final de sua vida\, quando um ataque cardíaco limitou sua capacidade de executar pinturas em grande escala. Foi então que ele iniciou sua colaboração com a renomada gráfica Gemini GEL\, criando uma série de gravuras importantes que levaram sua prática à sua forma mais madura.
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LOCATION:Hauser & Wirth Nova York 18th Street\, 443 West 18th Street\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Encyclopedia: The Late Collages of Dorothea Tanning" na Kasmin Gallery
DESCRIPTION:Dorothea Tanning\, Encyclopedia (detalhe)\, 1990-1995. Cortesia Kasmin Gallery\n\n\n\n\nA Kasmin tem o prazer de apresentar sua segunda exposição individual do trabalho de Dorothea Tanning (1910-2012)\, com foco em suas colagens da fase final de carreira\, dos anos 1980 e 1990. Celebrando o espírito multidisciplinar de sua obra\, Encyclopedia: The Late Collages of Dorothea Tanning explora o universo da artista\, onde dispositivos literários\, como humor\, ironia\, paradoxo e repetição\, se combinam com seu léxico visual pessoal para inspirar o que ela uma vez descreveu como “a arte como metáfora da linguagem”. \nAs obras em exibição foram realizadas por Tanning em Nova York nos anos 1980 e 1990\, período em que suas energias criativas começaram a se deslocar da pintura e escultura para os trabalhos em papel e\, de forma mais ampla\, da arte de estúdio para a escrita de poesia\, ficção e suas memórias. Tanning havia experimentado com colagem ao longo de sua carreira e voltou ao meio com foco renovado após retornar aos Estados Unidos em 1980\, depois de viver cerca de 25 anos na França. Nestas colagens\, Tanning emprega técnicas desenvolvidas ao longo de seis décadas—pintura\, desenho\, corte e composição de papel\, incluindo fragmentos de suas próprias aquarelas. Ela também incorporou pedaços de tecido\, evocando suas esculturas macias do final dos anos 1960 ao início dos anos 1970. Justapondo formas orgânicas e sugestivas com imagens mais familiares\, como bicicletas\, utensílios de mesa\, animais\, nus em queda e sua própria mão\, Tanning expandiu temas e brincou com a relação entre figuração e abstração encontrados em suas pinturas e esculturas anteriores. Ao combinar suas imagens com títulos inesperados e evocativos\, ela explora a dimensão poética de sua prática artística visual. \nSendo a maior e uma das últimas colagens de Tanning\, Encyclopedia (1990-95) representa o ápice de seu trabalho nesse meio\, onde formas tanto reconhecíveis quanto desconhecidas aparecem em um momento de narrativa incerta\, seja lúdica\, desastrosa ou onírica\, como já ocorria em suas primeiras pinturas. Os títulos de Tanning são elementos essenciais que convidam o espectador à interpretação\, e Encyclopedia sugere que uma única obra pode abranger uma vasta gama de temas e fontes. Nesta colagem monumental\, a artista também demonstra seu domínio dos materiais\, usando pedaços de papel vegetal rasgado à mão colados em uma composição de papel de construção montada em masonite\, criando textura\, dimensão e até mesmo um leve movimento na imagem\, ao construir suas camadas delicadas da mesma forma que um narrador constrói uma história. Quando um estado inicial de Encyclopedia foi exibido pela primeira vez na retrospectiva de Tanning em 1993 na Malmö Konsthall\, na Suécia\, apenas quatro painéis foram mostrados; a obra completa\, com cinco painéis\, está sendo exibida publicamente aqui pela primeira vez. \nA Kasmin agradece à The Destina Foundation e à The Dorothea Tanning Foundation pela colaboração na organização desta exposição.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/encyclopedia-the-late-collages-of-dorothea-tanning-na-kasmin-gallery/
LOCATION:Kasmin Gallery\, 297 Tenth Avenue\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"New York City" de Arshile Gorky na Hauser & Wirth NY
DESCRIPTION:Arshile Gorky\, Untitled (Sunset in Central Park) (detalhe)\, 1931 © The Arshile Gorky Foundation / Artists Rights Society. Foto: Jerry L. Thompson\n\n\n\n\nNo outono de 1924\, um jovem pintor e refugiado armênio chamado Vosdanig Manuk Adoian mudou-se para a cidade de Nova York e adotou um novo nome: Arshile Gorky. Com esse gesto\, o artista (c. 1904-1948) iniciou uma jornada de auto-reinvenção e inovação estética que paralelamente acompanharia a transformação de Nova York\, de uma cidade emergente para uma metrópole pujante e um epicentro cultural. Em um ano que viu Manhattan sediar a estreia de “Rhapsody in Blue” de George Gershwin\, a inauguração pública da Morgan Library\, a conclusão do arranha-céu dourado conhecido como American Radiator Building e\, em muitos aspectos\, o nascimento do Renascimento do Harlem\, Gorky estabeleceu-se na cidade e começou a trilhar um caminho rumo a tornar-se um dos artistas mais significativos da vanguarda americana. \nNeste setembro\, a Hauser & Wirth celebrará o centenário da chegada de Gorky a Nova York com uma apresentação especial em seu espaço na Wooster Street\, a poucos quarteirões do endereço original do artista no West Village. “Arshile Gorky. New York City” apresentará pinturas e trabalhos em papel\, muitos não vistos em mais de 40 anos\, que destacam o desenvolvimento do mestre de uma linguagem artística que\, em última análise\, seria tão singular – e consequente – quanto a cidade americana que foi seu lar.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/new-york-city-de-arshile-gorky-na-hauser-wirth-ny/
LOCATION:Hauser & Wirth Wooster Street\, 134 Wooster Street\, Nova York\, NY
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SUMMARY:"Ibrahim Mahama: A Spell of Good Things" de Yoko Matsumoto na White Cube
DESCRIPTION:Ibrahim Mahama\, Abena\, 2024\n\n\n\n\nA White Cube apresenta uma exposição individual de Ibrahim Mahama\, apresentando uma nova instalação e uma série de desenhos em carvão que tomam as ferrovias da era colonial de Gana como ponto de referência principal. \nAmpliando a investigação contínua do artista sobre as economias de trabalho e migração\, a exposição explora o potencial latente de materiais industriais recuperados para construir narrativas visuais em torno da produção e do comércio locais. \nPara marcar a abertura da exposição\, Ibrahim Mahama participará de uma conversa com Courtney Willis Blair\, Diretora Sênior da White Cube US\, das 17h às 18h no dia 4 de setembro de 2024. O evento será seguido por uma prévia da exposição\, que continuará até as 20h.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/ibrahim-mahama-a-spell-of-good-things-de-yoko-matsumoto-na-white-cube/
LOCATION:White Cube Nova York\, 1002 Madison Avenue\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Liza Lou: Painting" na Lehmann Maupin
DESCRIPTION:Liza Lou\, Gravity’s Rainbow (detalhe)\, 2024. Cortesia Lehmann Maupin\n\n\n\n\nA Lehmann Maupin apresenta Liza Lou: Painting\, uma exposição de novas obras da artista baseada em Los Angeles. Ocupando a galeria de Nova York\, a mostra apresenta uma série de trabalhos abstratos sobre tela\, nos quais Lou explora a característica mais essencial da pintura: a pincelada. Utilizando miçangas de vidro\, material que é sua marca registrada\, Lou transforma essas pequenas peças em uma nova forma de pintura\, aplicando-as de maneira livre e intuitiva. À medida que as miçangas colidem e se sobrepõem na tela\, elas recriam pinceladas\, remetendo ao abstracionismo americano de meados do século XX. Paralelamente à exposição\, a obra icônica Trailer (1998–2000)\, será instalada no saguão do Brooklyn Museum\, recentemente adquirida para a coleção permanente\, e estreará no museu em setembro\, permitindo que o público experimente as obras mais recentes da artista ao lado dessa escultura imersiva rara. \nCom uma carreira de três décadas\, Lou tornou-se amplamente reconhecida por introduzir miçangas como um meio de arte contemporânea. Sua constante experimentação desafia hierarquias e incorpora humor e glamour em uma visão feminista. O projeto de Lou é uma investigação aberta sobre as possibilidades metafóricas de um material simples\, destacando as dimensões poéticas e dolorosas do trabalho\, do processo artístico e das complexidades da vida americana. \nNesta nova série de pinturas\, Lou recria gestos rápidos e pictóricos com detalhes minuciosos\, grão por grão. As miçangas naturalmente resistem à mistura ou fusão\, e assim Lou aplica a cor pura diretamente na tela\, em uma homenagem à frase de Frank Stella de “pintar tão bem quanto sai do tubo”. Cada pincelada é posicionada de maneira espontânea\, em reação à anterior\, criando uma interação estética entre as cores que são justapostas e sobrepostas. O brilho das cores irradia pela tela em golpes vívidos\, enquanto estruturas em rede se constroem e se expandem. De perto\, as pequenas peças tridimensionais de cor fabricada se agitam\, resultando em explosões que surpreendem\, oferecendo uma nova perspectiva sobre a pintura abstrata americana. \nConhecida por sua abordagem comunitária\, o trabalho atual de Lou surge de um período de solidão vivido no deserto de Mojave\, no sul da Califórnia. Dessa experiência profunda com a natureza\, Lou oferece um olhar atento ao ato de pintar\, ampliando gestos granulares e\, como ela descreve\, “ouvindo o material”. Juntas\, as exposições de Lou na Lehmann Maupin e no Brooklyn Museum oferecem um vislumbre da evolução de sua prática ao longo das décadas\, centrada na materialidade\, invenção e possibilidade.
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LOCATION:Lehmann Maupin\, 501 W 24th St Manhattan\, Manhattan\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"DRIVE II" de Jason Rhoades na Hauser & Wirth NY
DESCRIPTION:Jason Rhoades\, Fucking Picabia Cars with Ejection Seat\, 1997/2000\n\n\n\n\nPara Jason Rhoades\, o carro era um veículo de busca artística e ambição. A partir de 5 de setembro\, a Hauser & Wirth Nova York apresentará uma grande exposição de seus “Car Projects”\, incluindo uma frota de diferentes esculturas de carros prontos. A instalação também contará com uma obra monumental de 2000\, nomeada em homenagem ao modernista dadaísta e colecionador de carros Francis Picabia. “DRIVE II” ocorrerá simultaneamente à exploração de um ano da arte de Rhoades e da cultura automobilística na Hauser & Wirth no centro de Los Angeles.
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LOCATION:Hauser & Wirth 22nd Street\, 542 West 22nd Street\, Nova York\, Nova York
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SUMMARY:"Joanna Pousette-Dart: Centering" na Lisson Gallery
DESCRIPTION:Obra de Joanna Pousette-Dart © Joanna Pousette-Dart e Lisson Gallery\n\n\n\n\nPara sua sétima exposição com a Lisson Gallery\, Joanna Pousette-Dart retorna à sua cidade natal com uma grande mostra de novas pinturas\, intitulada Centering. Desde a década de 1970\, quando a artista começou a se afastar dos formatos retangulares tradicionais – inicialmente ao entrelaçar telas não esticadas em grades suaves e depois\, nos anos 1990\, ao criar telas em formatos definidos para pintar – Pousette-Dart vem utilizando formatos dinamicamente moldados para sugerir as qualidades expansivas\, viscerais e abrangentes da paisagem. A partir dessas superfícies de painéis curvilíneos verticalmente unidos\, ela reimaginou a pintura como uma arena de profundidade e amplitude\, criando um continuum de luz e espaço onde o desenho interno está em constante diálogo com a forma externa\, e tudo está em perpétuo movimento. Para intensificar ainda mais a qualidade viva e pulsante dessas formas e os mundos em constante mudança e expansão dentro de mundos\, a artista bisela as bordas das pinturas\, fazendo com que pareçam flutuar nas paredes. \nAs novas obras arqueadas e abobadadas de Pousette-Dart aprofundam essa exploração\, mas possuem uma qualidade singularmente envolvente. Cada uma é desenhada à mão e sutilmente assimétrica\, conferindo às pinturas uma ligeira inclinação ou sugestão de rotação\, que coloca em movimento os campos de cores e formas. Cada pintura é composta por dois painéis com uma linha de “horizonte” que divide o espaço de maneira diferente em cada obra\, de modo que o espaço interno de cada pintura tem sua própria ascensão e queda ou força gravitacional. Faixas horizontais de cor sugerem uma hierarquia de distâncias e qualidades flutuantes de luz\, alcançadas através da acumulação de camadas finas de tons variados\, às vezes complementares. A cor modula-se\, às vezes de forma sutil e outras vezes dramaticamente\, de claro para escuro\, ou de quente para frio\, tornando-se uma das maneiras pelas quais Pousette-Dart nos conduz pelos movimentos cíclicos e rotacionais inerentes a cada obra\, sugerindo visualmente uma passagem de um estado ou reino para outro. Seu vocabulário singular de linhas e formas caligráficas define a orientação\, bem como o senso de drama e foco de cada pintura\, às vezes funcionando em oposição ao seu movimento interno e\, em outras\, ecoando-o.
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LOCATION:Lisson Gallery\, 504-508 West 24th Street\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Out of Country" de Mark Grotjahn na Gagosian
DESCRIPTION:Mark Grotjahn\, Untitled (Backcountry 55.89)\, 2023 © Mark Grotjahn. Foto: Douglas M. Parker Studio\n\n\n\n\nA Gagosian apresenta Out of Country\, uma exposição de novas e recentes pinturas de Mark Grotjahn na galeria localizada na 980 Madison Avenue\, em Nova York. Com inauguração em 10 de setembro\, Out of Country representa o ápice da série Backcountry\, que tem ocupado o artista desde 2021\, e apresenta pinturas sobre fundos brancos nunca antes exibidas\, além de duas pinturas em fundo preto. Uma prévia para a imprensa e uma visita guiada com o artista ocorrerão às 10h30 da manhã de segunda-feira\, 9 de setembro. \nEm suas pinturas\, esculturas e obras em papel\, Grotjahn investiga cor\, perspectiva\, serialidade e o sublime. As últimas obras da série Backcountry\, apresentadas nesta exposição\, mostram o artista mais uma vez se inspirando nas paisagens rurais americanas\, especificamente nas suas experiências de esqui e pesca com mosca nas áreas remotas do interior do oeste do Colorado. Embora as obras contenham um elemento de representação pictórica\, sugerindo uma descida montanhosa nevada ou uma travessia noturna iluminada por estrelas\, o foco principal continua sendo a abstração\, especificamente a sobreposição sutil de linhas\, tons e texturas. Continuando a produzir variações sobre um estilo e formato identificáveis\, Grotjahn constrói um ritmo dinâmico que transcende o registro visual simples para alcançar uma complexidade formal e emocional única.
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LOCATION:Gagosian Madison Avenue\, 980 Madison Avenue\, Nova York\, Nova York
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SUMMARY:"Mexican Prints at the Vanguard" no The Met Museum
DESCRIPTION:Gabriel Fernández Ledesma\, cartaz anunciando uma exposição de obras de jovens artistas mexicanos realizada no Parque Retiro\, Madri (detalhe)\, 1929. The Metropolitan Museum of Art\, Nova York\, Doação de Gabriel Fernández Ledesma\n\n\n\n\nA rica tradição da gravura no México — do século XVIII até meados do século XX — é explorada nesta exposição composta principalmente por obras da coleção do The Met. Entre as primeiras obras apresentadas estão as do mais conhecido gravurista mexicano\, José Guadalupe Posada\, cujas representações de esqueletos em diversas atividades ajudaram a estabelecer uma identidade global para a arte mexicana. Após a Revolução Mexicana (1910–1920)\, a gravura provou ser o meio ideal para artistas que desejavam abordar questões sociais e políticas e expressar resistência à ascensão do fascismo em todo o mundo. Os artistas também recorreram à gravura para reproduzir murais mexicanos dos anos 1920\, criar cartazes de exposições\, impressões para a imprensa popular e portfólios que celebravam o vestuário e os costumes mexicanos. \nA exposição apresenta mais de 130 obras\, incluindo xilogravuras\, litografias e serigrafias de artistas como Posada\, Diego Rivera\, José Clemente Orozco e Leopoldo Méndez. Ela explora como as gravuras foram centrais para a identidade artística e a prática no México\, destacando sua eficácia em abordar questões sociais e políticas — um papel das artes gráficas que continua até hoje. Grande parte da vasta coleção do The Met veio por meio do artista francês Jean Charlot\, cuja associação com o museu começou no final da década de 1920. Charlot doou muitas de suas próprias gravuras e obras de outros artistas ao The Met\, e na metade dos anos 1940 atuou em nome do museu para adquirir gravuras no México. A coleção demonstra o interesse precoce do The Met na arte e cultura mexicanas em uma época de crescente interesse internacional pelo tema.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/mexican-prints-at-the-vanguard-no-the-met-museum/
LOCATION:The Metropolitan Museum of Art\, 1000 5th Ave\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Joel Shapiro: Out of the Blue" na Pace Gallery
DESCRIPTION:Retrato de Joel Shapiro\, 2024. Foto: Kyle Knodell\n\n\n\n\nA Pace apresenta Joel Shapiro: Out of the Blue em suas galerias localizadas na 508 e 510 West 25th Street\, em Nova York. Esta é a primeira exposição individual do artista com a Pace em Nova York desde 2014\, e será acompanhada por um novo catálogo da Pace Publishing\, com um ensaio do poeta e acadêmico Vincent Katz. A mostra ocorrerá de 13 de setembro a 26 de outubro\, apresentando três novas esculturas de madeira pintada em grande escala e uma seleção de estudos e pequenos bronzes\, oferecendo um vislumbre vibrante da prática artística de Shapiro. \nConsiderado um dos artistas mais renomados dos Estados Unidos\, Shapiro tem expandido os limites da forma escultural ao longo de seus 55 anos de carreira\, com uma obra marcada por dinamismo\, complexidade e elegância formal. Desde o início dos anos 1970\, Shapiro buscou transcender as restrições do Minimalismo\, introduzindo uma forma de arte mais referencial\, íntima e psicologicamente profunda. Embora seja mais conhecido por ajudar a redefinir a linguagem da escultura contemporânea com formas de bronze fundido que borram a linha entre abstração e figuração\, o artista empregou diversos métodos e materiais ao longo de sua carreira. Ele continua explorando a capacidade da escultura de alterar a percepção de espaço e escala\, criando obras que testemunham a resiliência humana diante da catástrofe e do colapso.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/joel-shapiro-out-of-the-blue-na-pace-gallery/
LOCATION:Pace Gallery\, 508 West 25th Street\, Nova York\, Nova York
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SUMMARY:"Presence in Light" de Mary Corse na Pace Gallery
DESCRIPTION:Mary Corse\, Untitled (White Diamond)\, 2024 © Mary Corse\n\n\n\n\nA Pace apresenta uma exposição de novas obras de Mary Corse\, em sua galeria localizada na 540 West 25th Street\, em Nova York. Em cartaz de 13 de setembro a 26 de outubro\, esta apresentação marca a primeira exposição individual de Corse na cidade desde 2019 e segue várias mostras institucionais recentes da artista\, incluindo no Long Museum West Bund\, em Xangai\, e no Amorepacific Museum of Art\, em Seul\, além de sua retrospectiva itinerante de 2018 no Whitney Museum of American Art\, em Nova York\, e no Los Angeles County Museum of Art. A próxima exposição de Corse na Pace coincidirá com sua participação na mostra Particles and Waves: Southern California Abstraction and Science\, 1945–1990\, uma exposição coletiva organizada como parte da iniciativa PST ART: Art & Science Collide do Getty\, no Palm Springs Art Museum\, na Califórnia. \nAo longo de sua carreira de seis décadas\, Corse tem explorado fenômenos de luz\, espaço e percepção em abstrações sublimes e transgressoras de fronteiras por meio de diversos suportes. Membro fundamental da comunidade artística de Los Angeles desde os anos 1960 até o presente\, ela é frequentemente associada ao movimento Light and Space\, mas sempre se manteve comprometida com as possibilidades da pintura\, que permanece sua principal preocupação. Como parte de sua abordagem empírica e altamente tátil na criação artística\, Corse investigou continuamente as formas pelas quais a luz pode ser tanto tema quanto material. No final dos anos 1960\, em busca de uma maneira de incorporar a luz dentro de suas pinturas\, Corse teve uma epifania. Dirigindo pela Pacific Coast Highway\, em Malibu\, ao pôr do sol\, ela notou que as marcações na estrada eram progressivamente iluminadas pelos faróis dos carros enquanto dirigia. Investigando as aplicações industriais que tornavam esse efeito possível\, ela descobriu as microesferas de vidro – um material utilizado para melhorar a visibilidade de sinalizações rodoviárias. Em 1968\, Corse começou a aplicar essas microesferas refrativas nas superfícies de suas pinturas White Light\, conferindo a essas obras uma sensação de iluminação projetada de dentro do próprio plano da imagem.
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LOCATION:Pace Gallery\, 540 West 25th Street\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
CATEGORIES:Nova York
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SUMMARY:"Elizabeth Catlett: A Black Revolutionary Artist and All That It Implies" no Brooklyn Museum
DESCRIPTION:Elizabeth Catlett\, “I am the Black Woman”\, 1946–47\, da série Black Woman in America. Cortesia da Pennsylvania Academy of the Fine Arts\, Filadélfia\, Coleção Art by Women\, Presente de Linda Lee Alter © 2024 Mora-Catlett Family / Licenciado pela VAGA na Artists Rights Society (ARS)\, NY.\n\n\n\n\nUma artista negra definidora do século XX\, Elizabeth Catlett (1915–2012) não recebeu a atenção do mundo da arte convencional que muitos de seus colegas desfrutaram. O Museu de Brooklyn\, em parceria com a National Gallery of Art\, preenche essa lacuna com a exposição Elizabeth Catlett: A Black Revolutionary Artist and All That It Implies\, uma mostra de mais de 200 obras que dá a essa artista revolucionária e ativista radical o reconhecimento que merece. \nHábil escultora e gravadora\, feminista devota e defensora da justiça social ao longo da vida\, Catlett estava comprometida de forma única tanto com seu processo criativo quanto com suas convicções políticas. Crescendo durante a Grande Depressão\, ela testemunhou de perto a desigualdade de classes\, a violência racial e o imperialismo dos EUA\, enquanto buscava uma educação artística fundamentada nos princípios do modernismo. Catlett protestou contra injustiças por quase um século\, tanto por meio de suas obras impactantes quanto por meio de ativismo prático. \nNascida em Washington\, DC\, Catlett se estabeleceu permanentemente no México em 1946 e\, pelo resto de sua vida\, trabalhou para amplificar as experiências de mulheres negras e mexicanas. Inspirada por fontes que vão da escultura africana às obras de Barbara Hepworth e Käthe Kollwitz\, Catlett nunca perdeu de vista a luta pela libertação negra nos Estados Unidos. Caracterizada por linhas ousadas e formas voluptuosas\, sua poderosa obra continua a falar diretamente a todos aqueles unidos na luta contra a pobreza\, o racismo e o imperialismo.
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LOCATION:Brooklyn Museum\, 200 Eastern Pkwy Brooklyn\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Robert Frank’s Scrapbook Footage" no MoMA
DESCRIPTION:Vista da exposição “Robert Frank’s Scrapbook Footage”. Foto: Emile Askey\n\n\n\n\nRobert Frank é mais conhecido por suas imagens de uma América do pós-guerra marcada por discórdia social e política\, e pelos filmes que fez com os poetas da Geração Beat e os Rolling Stones. Assim\, as imagens filmadas encontradas apenas após a morte de Frank em 2019 podem surpreender alguns espectadores. Armazenadas em locais de depósito\, essas latas e fitas de filme\, que abrangem os anos de 1970 a 2006\, oferecem um vislumbre da vida e do trabalho do artista. Em parceria com a June Leaf e a Robert Frank Foundation\, a editora de filmes de longa data de Frank\, Laura Israel\, e o diretor de arte Alex Bingham utilizaram esses fragmentos para criar um álbum de imagens em movimento. Com projeções em várias telas\, a instalação transmite a intimidade e a imediata percepção das observações de Frank sobre família\, amigos e colaboradores\, bem como sobre interiores domésticos e vistas de cidades e costas. \nAs filmagens nesta instalação\, costuradas por Israel e Bingham para evocar seu olhar e voz inquietos\, lançam uma nova luz sobre seu processo artístico — ao mesmo tempo cômico e melancólico. Vemos Frank viajar entre suas casas em Nova York e Nova Escócia; pelas estradas abertas dos Estados Unidos e do Canadá; e por paisagens urbanas\, incluindo as de Beirute\, Cairo\, Moscovo e sua Suíça natal. Frank torna os prazeres mais efêmeros atemporais: um banho quente e uma chaleira fumegante\, um vislumbre de sua esposa June Leaf em seu estúdio\, o jogo de luz do sol em sua mão.
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LOCATION:MoMA\, 11 W 53rd St Manhattan\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Life Dances On: Robert Frank in Dialogue" no MoMA
DESCRIPTION:Robert Frank. Zoe\, 1980. National Gallery of Art\, Washington\, DC. Coleção Robert Frank\, doação do Collectors Committee. © 2024 The June Leaf and Robert Frank Foundation\n\n\n\n\n“Eu me vejo\, de pé em um mundo que nunca para\,” escreveu o artista Robert Frank uma vez. “Ainda estou lá lutando\, vivo porque acredito no que estou tentando fazer agora.” Life Dances On: Robert Frank in Dialogue—a primeira exposição solo do artista no MoMA—oferece uma nova perspectiva sobre seu extenso corpo de trabalho\, explorando as seis vibrantes décadas da carreira de Frank após a publicação em 1958 de seu icônico livro de fotografias\, Os Americanos. \nCoincidindo com o centenário do nascimento de Frank\, a exposição explorará sua incessante experimentação em diversos meios\, incluindo fotografia\, cinema e livros\, assim como seus diálogos com outros artistas e suas comunidades. Incluindo cerca de 200 obras feitas ao longo de 60 anos até a morte do artista em 2019\, muitas retiradas da extensa coleção do MoMA\, bem como materiais que nunca foram exibidos antes. \nA exposição toma seu título do tocante filme de Frank de 1980\, no qual o artista reflete sobre os indivíduos que moldaram sua visão de mundo. Como grande parte de seu trabalho\, o filme se passa na cidade de Nova York e em Cape Breton\, Nova Escócia\, onde ele e sua esposa\, a artista June Leaf\, se mudaram em 1970. No filme\, Leaf olha para a câmera e pergunta a Frank: “Por que você faz essas imagens?” Em uma introdução à exibição do filme\, ele respondeu: “Porque estou vivo.”
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SUMMARY:"Edges of Ailey" no Whitney Museum
DESCRIPTION:Carmen de Lavallade e Alvin Ailey no Jacobs Pillow\, 1961. Foto de John Lindquist. © Harvard Theatre Collection\, Houghton Library\, Harvard University\n\n\n\n\nEdges of Ailey\, que foi inaugurada no Whitney Museum of American Art em 25 de setembro\, é a primeira grande exposição institucional a celebrar a vida\, as danças\, influências e o legado duradouro do visionário artista e coreógrafo Alvin Ailey (nascido em 1931\, Rogers\, Texas; falecido em 1989\, Nova York). Esta mostra dinâmica—descrita como uma “extravanganza” pela curadora Adrienne Edwards—reúne arte visual\, performances ao vivo\, música\, uma série de materiais de arquivo e uma instalação em vídeo de múltiplas telas extraídas de gravações do repertório do Alvin Ailey American Dance Theater (AAADT) para explorar a amplitude da vida pessoal e criativa de Ailey. \nApresentada no Museu em duas partes\, Edges of Ailey consiste em uma exposição imersiva nas galerias de 18.000 pés quadrados do quinto andar do Museu—com obras de mais de oitenta artistas e material revelador dos arquivos—e uma série ambiciosa de performances no teatro do terceiro andar do Museu\, incluindo AILEY em residência uma semana por mês durante a exposição. \nA vasta coleção de arquivos raramente vistos\, incluindo filmagens de performances\, entrevistas gravadas\, cadernos\, cartas\, poesias\, contos\, anotações coreográficas\, desenhos e programas e cartazes de apresentações reunidos nos arquivos de Ailey e de outros\, cria uma linha vital na galeria. Seleções dos Arquivos de Alvin Ailey—cedidos pela Allan Gray Family Foundation e mantidos no Black Archives of Mid America em Kansas City\, Missouri—e da Alvin Ailey Dance Foundation Archives Collection\, mantida na Biblioteca do Congresso\, são de importância singular\, digitalizadas especialmente para esta exposição. Uma montagem dinâmica da vida e danças de Ailey será exibida em um loop em uma instalação de vídeo de 18 canais criada pelos cineastas Josh Begley e Kya Lou\, com a curadora Adrienne Edwards. \nA presença de Ailey\, sentida por meio do surround em vídeo e de seus efeitos pessoais encapsulados\, envolve uma instalação cênica com obras de mais de oitenta artistas. Essas obras são organizadas por temas que moldaram a vida e as danças de Ailey. As seções abrangem uma imaginação expandida do sul negro dos EUA que envolve histórias do sul dos EUA com as do Caribe\, Brasil e África Ocidental; as práticas duradouras da espiritualidade negra; as condições profundas e os efeitos da migração negra; a resiliência e a necessidade de uma libertação negra interseccional; a proeminência das mulheres negras na vida de Ailey; e as robustas histórias e experimentos da música negra; além das diversas representações da negritude na dança e meditações sobre a dança após Ailey. \nEntre os artistas expostos estão Jean-Michel Basquiat\, Romare Bearden\, Faith Ringgold\, Alma Thomas\, Jacob Lawrence\, Rashid Johnson\, Kevin Beasley\, Kara Walker\, entre outros. Uma aquisição recente de Eldren Bailey e novas obras de Karon Davis\, Jennifer Packer\, Mickalene Thomas e Lynette Yiadom-Boakye serão apresentadas pela primeira vez em homenagem a esta exposição histórica. \nEdges of Ailey também oferece uma rara oportunidade para os visitantes assistirem a performances ao vivo íntimas do Alvin Ailey American Dance Theater no teatro do terceiro andar do Museu. Como parte do robusto programa de performances ao vivo da exposição\, AILEY estará em residência no Whitney por uma semana por mês\, totalizando cinco semanas e mais de noventa performances. Isso oferece aos visitantes a oportunidade de vivenciar toda a extensão do mundo e do legado de Ailey\, incluindo performances de obras clássicas e contemporâneas pelas duas companhias de repertório—Alvin Ailey American Dance Theater e Ailey II—bem como apresentações de alunos da The Ailey School\, workshops e programas educacionais do Ailey Arts In Education\, e aulas do Ailey Extension. Durante as semanas em que AILEY não estiver em residência no Museu\, uma série de comissões de dança de coreógrafos renomados e seus colaboradores\, incluindo Ronald K. Brown\, Trajal Harrell\, Bill T. Jones\, Ralph Lemon\, com o artista interdisciplinar Kevin Beasley\, Sarah Michelson\, Okwui Okpokwasili e Peter Born\, Will Rawls\, Matthew Rushing\, Yusha-Marie Sorzano e Jawole Willa Jo Zollar\, será exibida.
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LOCATION:Whitney Museum of American Art\, 99 Gansevoort St Manhattan\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Snailing (Slippy slimy slug slut)" no Canal Projects
DESCRIPTION:Vista da exposição “Snailing (Slippy slimy slug slut)” no Canal Projects. Imagem: Reprodução\n\n\n\n\nO Canal Projects apresenta Snailing (Slippy slimy slug slut)\, a primeira exposição institucional solo em Nova York da artista Anne Duk Hee Jordan\, nascida na Coreia e baseada em Berlim. Conhecida por explorar os efeitos adversos da tecnologia na natureza e seu impacto na conexão da humanidade com o planeta\, Duk Hee transforma o Canal Projects em uma instalação imersiva centrada no mundo do famoso caracol\, Jeremy\, e sua busca por um par compatível. \nJeremy era um caracol de jardim com uma condição sinistral rara\, onde sua concha girava para a esquerda\, em vez da direita\, como a grande maioria das conchas de caracol. Como os caracóis têm uma vida útil de um ano e se acasalam face a face\, deslizandos um pelo lado direito para que seus órgãos genitais possam se encontrar\, a concha rara de Jeremy dificultou a reprodução. Esta trágica história de amor levou os pesquisadores que estudavam Jeremy a embarcar em uma busca internacional para encontrar um par para ele\, tendo sucesso pouco antes de sua morte em 2017. \nPossuindo órgãos reprodutivos masculinos e femininos\, os caracóis têm habilidades eletromagnéticas para ter relações sexuais e habilidades telepáticas para trocar seus pensamentos e sentimentos. Tomando a história de Jeremy e as qualidades únicas da sexualidade dos caracóis como tema desta obra\, Duk Hee\, que se identifica como não-binária\, continua uma exploração artística de “ecologias sexuais”\, desafiando as normas patriarcais ocidentais de compreensão sexual para destacar as exuberantes possibilidades sexuais e estratégias de sobrevivência do mundo mais-que-humano. A jornada de Jeremy da solidão para encontrar um parceiro é paralela a momentos de afinidade que surgem entre os visitantes humanos e os caracóis robóticos que Duk Hee organizou em vários habitats de caracóis ao longo da exposição. \nInspirado pela busca de Jeremy por parceria\, o ambiente imersivo serve como uma reflexão sobre sua vida extraordinária e exerce a promessa de construção de conhecimento entre espécies. Ao entrar no Canal Projects\, os visitantes encontrarão áreas onde os habitats humanos e de caracóis se fundem. Longas colunas de cortinas dispostas como a espiral da concha de um caracol criam enclosures preenchidas com almofadas de folhas de salada e tapetes\, plantas vivas e caracóis robóticos. A instalação é acompanhada por três canções escritas por Duk Hee e compostas pela musicista Sasha Perera\, que colagem fatos científicos sobre Jeremy obtidos na internet\, que os visitantes são encorajados a ouvir enquanto se deitam nas áreas de descanso. A artista nos convida a desacelerar e experimentar a vida no ritmo de um caracol\, promovendo um senso de existência compartilhada e cuidado mútuo. \nA fixação de Duk Hee em Jeremy e nas práticas reprodutivas dos caracóis serve como uma continuação da longa exploração artística da artista sobre a vida de outras espécies. Uma exposição anterior\, The Worm: Terrestrial\, Fantastic and Wet\, na Urania Berlin em 2021\, envolveu efeitos luminosos e grandes túneis para recriar o interior dos vermes. Em Ziggy and the Starfish (2016-2022)\, um ambiente escultórico em vídeo\, Duk Hee estudou a vida sexual de espécies marinhas\, especialmente aquelas que são não-binárias\, iluminando as exuberantes possibilidades sexuais e estratégias de sobrevivência que nos fazem\, humanos\, parecer prudentes e inexperientes. Agora\, no Canal Projects\, os visitantes seguirão a história de Jeremy desde uma curiosidade científica até um símbolo da biodiversidade e da importância de preservar toda a vida. Observar esses caracóis artificiais e aprender sobre a história de Jeremy pode ensinar aos humanos sobre paciência\, resiliência e os aspectos menores\, muitas vezes negligenciados\, da natureza\, sublinhando a importância da comunicação entre as espécies.
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SUMMARY:"Niro" de Hyeree Ro no Canal Projects
DESCRIPTION:Vista da instalação “Niro” de Hyeree Ro no Canal Projects. Imagem: Reprodução\n\n\n\n\nNiro é uma instalação recém-comissionada pela artista Hyeree Ro que explora temas de perda\, mobilidade\, invisibilidade e intimidade. A instalação gira em torno de uma escultura esquelética de um Kia Niro\, o carro que pertenceu ao pai falecido da artista. Niro ativa essa estrutura como uma alusão às fronteiras entre pai e filha\, e aos momentos que são fisicamente e metaforicamente compartilhados e passados separados em relação aos limites do veículo. \nA estrutura do carro\, construída a partir de finas tiras de madeira e alumínio\, desfoca as fronteiras entre interior e exterior\, apresentando o carro como um espaço que é tanto público quanto privado. Os espectadores serão convidados a entrar na escultura para vivenciar uma gravação de áudio de uma viagem de quatorze horas de carro até Niagara Falls\, feita pela artista no início do verão. Um novo trabalho em vídeo centrado em corpos d’água apresenta uma paisagem sonora composta por entrevistas que Ro realizou com amigos\, onde eles compartilharam suas experiências ao cruzar o Oceano Pacífico. Compilados e reproduzidos simultaneamente\, os componentes audiovisuais da instalação fluem como um fluxo de consciência que transporta o espectador pelas memórias e reflexões reunidas por Ro. \nRo ativará a escultura Niro por meio de movimento e um monólogo fragmentado em várias línguas. Engajando-se com a escultura enquanto repete palavras\, gestos e sons\, a performance desconstruirá e reconstruirá tanto o veículo físico quanto a relação da artista com seu pai\, levando o espectador a um fluxo meandro de memória que se transforma e flui à medida que a artista se move e reorganiza a escultura e outros objetos no espaço. As performances estão agendadas para os dias 5 de outubro\, 7 de novembro e 7 de dezembro de 2024.
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