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SUMMARY:"Amalia Mesa-Bains: Archaeology of Memory" no El Museo del Barrio
DESCRIPTION:Vista da instalação de Amalia Mesa-Bains\, “The Virgin’s Garden\, 1994/2022” em “Venus Envy Chapter II: The Harem and Other Enclosures”. Cortesia da artista e da Rena Bransten Gallery\, São Francisco. Fotografia de Matthew Sherman/Cortesia do Museo del Barrio.\n\n\n\nO Museo del Barrio apresenta “Amalia Mesa-Bains: Archaeology of Memory”\, a primeira exposição retrospectiva da artista\, curadora e teórica pioneira. Nascida em 1943 em uma família de imigrantes mexicanos\, Mesa-Bains tem sido uma figura de destaque na arte Chicanx por quase meio século. Sua prática explora temas feministas interseccionais\, espiritualidade centrada no meio ambiente e diversidade cultural para combater as exclusões racistas e de gênero da repressão colonial. A exposição apresenta mais de 40 obras\, incluindo as grandes “instalações-altar” da artista\, bem como gravuras\, livros de artista e códices. Ancorada pela série de vários capítulos “Venus Envy”\, “Archaeology of Memory” é uma rara oportunidade de ver três décadas de obras que desafiam gêneros de Mesa-Bains\, muitas das quais estão sendo exibidas juntas pela primeira vez. \n\n\n\nO Museo del Barrio é o único local na Costa Leste a receber a retrospectiva itinerante\, organizada pelo Berkeley Art Museum e Pacific Film Archive em colaboração com o Latinx Research Center (LRC) da UC Berkeley. A apresentação no Museo del Barrio expande a longa associação de Mesa-Bains com a instituição\, onde seu trabalho tem sido exibido desde os anos 1990. Mais recentemente\, sua arte e escrita crítica serviram como inspiração direta para a aclamada exposição de 2022\, DOMESTICANX\, uma apresentação intergeracional do grupo Latinx que expandiu a teoria inovadora de Mesa-Bains sobre a domesticana. \n\n\n\nEm meados da década de 1970\, a pesquisa de Mesa-Bains nas tradições ancestrais mexicanas levou à sua reinvenção inovadora de formas sagradas—altares domésticos e oferendas aos mortos—através de uma lente contemporânea como arte de instalação. Nas décadas seguintes\, a artista expandiu sua prática baseada em altares\, convertendo móveis domésticos como mesas\, armários ou penteadeiras em lugares de devoção e memória. Subsequentemente\, Mesa-Bains começou a considerar espaços na interseção do privado e do público para explorar as vidas de figuras femininas de contextos históricos e religiosos\, incluindo a freira e intelectual mexicana Sor Juana Inés de la Cruz e La Virgem de Guadalupe. Esses espaços\, que incluem uma biblioteca\, harém\, jardim e laboratório\, fornecem o cenário para a investigação arqueológica de Mesa-Bains sobre as histórias das mulheres e seu apagamento colonial. \n\n\n\nOs desenvolvimentos inovadores de Mesa-Bains são exibidos na série multi-partes “Venus Envy”\, criada entre 1993 e 2023 e em exibição em quatro galerias do Museo del Barrio. “Archaeology of Memory” marca a primeira vez que “Venus Envy” está sendo mostrada em sua totalidade\, tendo sido originalmente encenada em quatro capítulos em diferentes cenários institucionais\, incluindo a Bienal de Whitney de 1993; o Williams College Museum of Art; a Bernice Steinbaum Gallery; e a Menil Collection. Inspirado na terminologia freudiana\, o título de Mesa-Bains é sugestivo do empoderamento feminino ao longo da história. Outras instalações abordam a experiência da migração\, solidariedades femininas e conhecimento ancestral para reivindicar as histórias que foram ausentes da memória pública através das instituições patriarcais da nação\, religião e museu. Essas peças em grande escala são complementadas ao longo da exposição por obras em papel que iluminam a estética da artista de camadas textuais e baseadas em imagens e escavação em forma bidimensional. Baseando-se em histórias familiares\, experiências pessoais e legados artísticos\, essas gravuras\, livros feitos à mão e códices informam a prática conceitual de Mesa-Bains e servem como mapas para sua trajetória artística.
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LOCATION:El Museo del Barrio\, 1230 5th Avenue at 104th Street\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Don't Forget to Call Your Mother" no The Met Museum
DESCRIPTION:Sadie Barnette\, Photo Bar\, 2022 © Sadie Barnette. Foto: Phillip Maisel.\n\n\n\n\nEm uma época em que as fotografias são principalmente compartilhadas e armazenadas digitalmente\, muitos artistas estão retornando à materialidade dos instantâneos em um álbum ou das imagens em um arquivo como fonte de inspiração. A exposição\, intitulada Don’t Forget to Call Your Mother (“Não Esqueça de Ligar para Sua Mãe”)\, a partir de uma fotografia do provocador italiano Maurizio Cattelan\, consiste em obras da coleção do Met\, que vão dos anos 1970 até os dias atuais\, refletindo sobre os sentimentos complexos de nostalgia e sentimentalismo que esses objetos evocam\, enquanto sublinha o poder do objeto encontrado. \nEntre os artistas em destaque está Sadie Barnette\, para quem as fotografias servem como um portal para iluminar a história esquecida do primeiro bar gay de propriedade de negros em São Francisco e a vida de seu próprio pai\, como ilustra poderosamente sua obra Photo Bar de 2022. Assim como Barnette\, muitos dos artistas da exposição buscam fortalecer o legado das histórias familiares\, enfatizar a importância das relações intergeracionais e considerar as maneiras pelas quais o conhecimento e o respeito pelo passado podem informar o nosso momento atual. Alguns artistas\, como Sophie Calle e Larry Sultan\, exploram suas próprias narrativas para revelar a construção do desejo\, enquanto outros\, incluindo Taryn Simon e Hank Willis Thomas\, examinam histórias que moldaram o diálogo cultural e político. Para alguns\, como Darrel Ellis\, que utilizou fotos de família para negociar o trauma da violência policial\, o pessoal é político. Empregando várias estratégias\, esses artistas consideram como uma coleção de imagens—como um talismã ou um retábulo—constrói relações ao longo do tempo e pode transformar nossa compreensão do presente. \nA exposição é viabilizada por Joyce Frank Menschel.
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LOCATION:The Metropolitan Museum of Art\, 1000 5th Ave\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Indian Sky" no The Met Museum
DESCRIPTION:Marriage procession in a bazaar de uma série Ramayana ou Bhagavata Purana\, c. 1640-1650. (Howard Hodgkin Collection/Metropolitan Museum of Art). Foto © Ashmolean Museum\, University of Oxford\n\n\n\nAo longo de sessenta anos\, o artista britânico Howard Hodgkin (britânico\, Londres 1932–2017 Londres) formou uma coleção de pinturas e desenhos indianos reconhecida como uma das melhores de seu tipo. Um pintor e gravurista altamente respeitado\, Hodgkin colecionou obras dos tribunais Mughal\, Deccani\, Rajput e Pahari datadas do século XVI ao XIX\, que refletem sua paixão pessoal pela arte indiana. Esta exposição apresenta mais de 120 dessas obras\, muitas das quais o Met adquiriu recentemente\, junto com empréstimos do The Howard Hodgkin Indian Collection Trust. \n\n\n\nAs obras em exibição incluem retratos deslumbrantes\, ilustrações textuais lindamente detalhadas\, estudos da natureza e temas devocionais. A exposição também exibirá uma pintura de Hodgkin\, Small Indian Sky\, que alude à sutil relação entre sua própria obra\, a Índia e sua coleção. \n\n\n\nEsta exposição é acompanhada por uma edição do Boletim do Metropolitan Museum of Art.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/indian-sky-no-the-met-museum/
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SUMMARY:"By Way Of: Material and Motion in the Guggenheim Collection" no Guggenheim
DESCRIPTION:Vista da instalação\, By Way Of: Material and Motion in the Guggenheim Collection © Solomon R. Guggenheim Museum\, Nova York\n\n\n\nUma das características mais proeminentes da arte do final do século XVIII em diante\, especialmente após a Segunda Guerra Mundial\, é a tendência dos artistas de evoluir métodos tradicionais de produção artística fora dos limites do estúdio. Esta exposição examina as maneiras pelas quais artistas contemporâneos implementaram novas ideias formadas pelos contextos sociais e históricos de seu tempo\, empurrando os limites da criação artística e dos materiais como resultado. \n\n\n\nBy Way Of oferece uma seleção de obras da coleção permanente do museu\, inspiradas pelo presente da Coleção D.Daskalopoulos. Artistas importantes do movimento Arte Povera das décadas de 1960 e 1970\, como Jannis Kounellis e Mario Merz\, compartilham as galerias com artistas que trabalham atualmente\, como Rashid Johnson\, Mona Hatoum e Senga Nengudi. \n\n\n\nBy Way Of: Material and Motion in the Guggenheim Collection é organizada por Naomi Beckwith\, Diretora Adjunta e Curadora-Chefe Jennifer e David Stockman.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/by-way-of-material-and-motion-in-the-guggenheim-collection-no-guggenheim/
LOCATION:The Guggenheim Museum\, 1071 5th Ave\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Wanda Gág World" no Whitney Museum
DESCRIPTION:Wanda Gág\, The Forge (detalhe)\, 1932. Whitney Museum of American Art\, New York; purchase 32.103. © Estate of  Wanda Gág\n\n\n\nEsta exposição apresenta uma seleção de gravuras da artista\, ilustradora e autora de livros infantis Wanda Gág (1893–1946). Estas obras registram o mundo como Gág o experimentava: um lugar onde as paisagens se movem ritmicamente e os objetos inanimados vibram com vida. Embora ela também pintasse\, as artes gráficas ofereceram o método mais eficaz para expressar essa visão única. \n\n\n\nNascida em Minnesota\, filha de imigrantes da Boêmia Alemã (atualmente parte da República Tcheca)\, Gág chegou a Nova York em 1917 para estudar na Art Students League\, onde se tornou uma figura central da cena artística modernista da cidade. Sem aderir à abstração nem ao realismo social — os movimentos artísticos dominantes na época — Gág desenvolveu sua própria abordagem à figuração. Ao longo de sua carreira\, ela alcançou um sucesso modesto vendendo suas gravuras e produziu vários livros infantis populares\, exemplos dos quais são apresentados na mostra. Gág também foi uma escritora prolífica sobre sua vida e obra\, e trechos de suas cartas e diários acompanham as gravuras em exibição. \n\n\n\nCompletamente extraídas da coleção do Whitney\, as obras nesta exposição abrangem aproximadamente duas décadas\, desde meados da década de 1920 até o ano anterior à morte de Gág. Juntos\, esses naturezas-mortas\, paisagens e interiores iluminam o que a artista chamou de “mundo de Wanda Gág”\, demonstrando sua fervorosa busca para capturar o sentimento e o movimento da vida como ela via. \n\n\n\nO Wanda Gág World é co-curado por Roxanne Smith\, Assistente Sênior de Curadoria\, e Scout Hutchinson\, Curadora Bolsista.
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LOCATION:Whitney Museum of American Art\, 99 Gansevoort St Manhattan\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:Pacita Abad no MoMA PS1
DESCRIPTION:Vista da instalação de Pacita Abad: A Million Things to Say no Museu de Arte Contemporânea e Design\, Manila\, De La Salle-College of Saint Benilde\, 2018. Cortesia de Pacita Abad Art Estate e MCAD Manila. Foto: At Maculangan/Pioneer Studios.\n\n\n\nNesta primavera\, o MoMA PS1 apresenta a primeira retrospectiva da artista Pacita Abad (filipino-americana\, 1946–2004). Abrangendo os 32 anos de carreira da artista\, a exposição inclui mais de 50 obras\, a maioria das quais nunca foram exibidas ao público nos Estados Unidos antes desta exposição. Largamente autodidata\, Abad é mais conhecida por seus trapuntos\, pinturas acolchoadas feitas costurando e enchendo suas telas em vez de esticá-las sobre uma estrutura de madeira. Após se mudar para os Estados Unidos em 1970 para escapar da perseguição política do regime autoritário de Marcos\, Abad buscou dar visibilidade aos refugiados políticos e aos povos oprimidos por meio de seu trabalho. “Sempre acreditei que um artista tem uma obrigação especial de lembrar a sociedade de sua responsabilidade social”\, disse ela. Organizada pelo Walker Art Center em colaboração com o espólio de Abad\, a apresentação celebra o trabalho multifacetado de uma artista cujas preocupações visuais\, materiais e conceituais vibrantes impulsionam conversas relevantes sobre globalização\, poder e resiliência. \n\n\n\nA exposição é acompanhada pela primeira grande publicação sobre o trabalho de Abad\, produzida pelo Walker. O volume é editado com texto de Victoria Sung e inclui contribuições de Julia Bryan-Wilson\, Nancy Lim\, Ruba Katrib\, Xiaoyu Weng e Matthew Villar Miranda\, além de uma história oral abrangente de Pio Abad e Sung.
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LOCATION:MoMA PS1\, 22-25 Jackson Ave LIC\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"A Year with Children 2024" no Guggenheim
DESCRIPTION:Vista da instalação “A Year with Children 2024” no Guggenheim\n\n\n\nEsta exposição apresenta obras criadas por alunos participantes do programa Learning Through Art (LTA)\, o programa de residência artística do Guggenheim nas escolas primárias públicas da cidade de Nova York. O LTA associa artistas docentes a educadores de sala de aula em cada um dos cinco distritos da cidade para projetar atividades que explorem arte e ideias relacionadas ao currículo escolar. O programa promove a curiosidade\, o pensamento crítico e a investigação colaborativa contínua. \n\n\n\nLearning Through Art e A Year with Children 2024 são generosamente apoiados pelo Grupo Lavazza e pelo Departamento de Assuntos Culturais da Cidade de Nova York em parceria com o Conselho da Cidade.
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LOCATION:The Guggenheim Museum\, 1071 5th Ave\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Hiroshige’s 100 Famous Views of Edo" no Brooklyn Museum
DESCRIPTION:Utagawa Hiroshige\, Ryogoku Ekoin and Moto-Yanagibashi Bridge\, No. 5 in One Hundred Famous Views of Edo (detalhe)\, 5º mês de 1857. Museu do Brooklyn\, Doação de Anna Ferris (Foto: Museu do Brooklyn)\n\n\n\nQuais são os locais imperdíveis em sua cidade favorita? Onde você vai quando precisa de um respiro de ar fresco? O que torna certos bairros famosos? Junte-se a um artista insider em um passeio pela Tóquio do século XIX (então conhecida como Edo)\, desde depósitos de madeira até restaurantes famosos\, e veja se suas escolhas iluminam sua própria relação com as cidades que você conhece bem. \n\n\n\nPela primeira vez em vinte e quatro anos\, as 100 Vistas Famosas de Edo de Utagawa Hiroshige – um dos maiores tesouros do Brooklyn Museum – retorna à exibição pública. O conjunto completo dessas gravuras celebradas pelo museu está entre os melhores do mundo\, cheio de cores vibrantes preservadas por décadas na escuridão. \n\n\n\nEnquanto a maioria das apresentações se concentrou na sofisticação técnica das gravuras e na influência sobre artistas europeus\, aqui focamos no seu tema urbano. Originalmente publicada em 1856-58\, a série captura a paisagem socioeconômica e ambiental em evolução da cidade que se tornaria Tóquio. Através das gravuras e de objetos complementares da coleção do museu\, você será imerso na Tóquio do meio do século XIX e a verá pelos olhos das pessoas comuns que povoam os cenários de Hiroshige. Você encontrará todas as quatro estações em cenas de piqueniques sob as flores de cerejeira\, tempestades de verão\, folhas de bordo caindo e crepúsculos de inverno. A exposição também inclui fotografias modernas para mostrar como as cenas de Hiroshige se transformaram na Tóquio atual. \n\n\n\nO artista Takashi Murakami (nascido em Tóquio\, Japão\, em 1962) leva as vistas de Hiroshige a um reino mais fantástico com um conjunto de suas próprias pinturas. Criadas em resposta direta às 100 Vistas Famosas de Edo\, essas obras nos convidam a reconsiderar o mundo de Hiroshige e suas contribuições para a história da arte global.
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LOCATION:Brooklyn Museum\, 200 Eastern Pkwy Brooklyn\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Journeys" de Tamiko Nishimura na Alison Bradley Projects
DESCRIPTION:© Tamiko Nishimura\n\n\n\nA Alison Bradley Projects tem a honra de anunciar Journeys de Tamiko Nishimura\, a primeira exposição solo da artista nos Estados Unidos\, com curadoria de Pauline Vermare e acompanhada por uma publicação da Dashwood Books. Em exibição a partir de 25 de abril\, a exposição vai até 8 de junho\, com uma recepção para a artista em 25 de abril\, das 18h às 20h. \n\n\n\nTamiko Nishimura (西村多美子\, Nishimura Tamiko\, nascida em Tóquio\, 1948) formou-se no Tokyo College of Photography (hoje Tokyo Visual Arts) em 1969. Ela emergiu como parte da vibrante cena avant-garde japonesa no início dos anos 1970\, depois que um de seus colegas da faculdade\, que era ator em uma companhia de teatro avant-garde chamada Jōkyō Gekijō (“Teatro da Situação”)\, a convidou para fotografar uma performance. Nishimura percebeu então que era profundamente atraída pelo “que é expresso através do corpo”. Ao longo dos anos\, seu trabalho – em grande parte baseado em suas próprias jornadas e experiências no Japão e no exterior – transmite uma perspectiva pessoal e lindamente teatral do mundo. \n\n\n\nNishimura fotografa de maneira instintiva e espontânea. Sua linguagem visual é poética\, espiritual e profundamente pessoal. Enquanto sua abordagem estilística à criação de imagens\, em preto e branco contrastado\, muitas vezes borrado ou granulado\, está próxima de alguns dos artistas associados à Provoke\, seu trabalho é impregnado de uma qualidade introspectiva e assombrada que evoca uma dimensão emocional única e profunda. Ao longo de sua longa e contínua carreira\, Nishimura fotografou mulheres com uma atenção distinta. O close-up do rosto de uma mulher\, seu cabelo sendo soprado pelo vento; uma mulher caminhando energicamente pela rua com sua cesta de compras\, com a cabeça virada para longe da câmera; as costas de duas mulheres caminhando pela rua; uma menina lendo em um sofá com uma revista apoiada em seus joelhos; ou os retratos íntimos de sua amiga de infância… Essas fotografias retratando mulheres em suas vidas cotidianas estão repletas de uma qualidade conhecedora e empática que se destaca na história da fotografia japonesa. \n\n\n\nA exposição é acompanhada por uma publicação de edição limitada\, edição de 500 cópias\, publicada e distribuída pela Dashwood Books e em colaboração com a Alison Bradley Projects. Esta publicação apresenta reproduções completas de todas as impressões na exposição e é projetada por Alex Lin\, do Studio Lin. A galeria está aceitando pré-encomendas para esta publicação.
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LOCATION:Alison Bradley Projects\, 526 W. 26th Street\, Suite 814\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Melissa Cody: Power Up" na Garth Greenan Gallery
DESCRIPTION:Melissa Cody\, Landscapes of Home (detalhe)\, 2023\n\n\n\nA Garth Greenan Gallery apresenta Melissa Cody: Power Up\, uma exposição de 14 tecidos intricados pela tecelã Navajo de quarta geração\, Melissa Cody. A abertura será na quinta-feira\, 25 de abril de 2024\, sendo esta a primeira exposição individual da artista na galeria de Nova York. A exposição coincidirá com a exposição individual Melissa Cody: Webbed Skies no MoMA PS1\, em exibição até 9 de setembro de 2024. \n\n\n\nO trabalho de Cody está frequentemente associado ao Renascimento de Germantown\, um movimento estilístico nomeado após a lã do governo de Germantown\, na Pensilvânia\, que foi fornecida aos Navajos durante o período da Longa Caminhada. O estilo de tecelagem foi caracterizado por uma complexa interação de contingências tradicionais e históricas: corantes comerciais vibrantes e novas pressões econômicas levaram os tecelões Navajos empreendedores a se adaptarem\, criando novos tecidos ousados. A viabilidade comercial da arte tornou-se um meio de continuidade\, mesmo que a tenha alterado. Em Germantown Sampler (2009)\, Cody leva os corantes comerciais vibrantes ao limite. \n\n\n\nEm Good Luck (2014)\, Cody emprega um motivo Navajo clássico: o Whirling Log\, um símbolo de boa sorte. Reconhecível hoje como uma suástica\, a artista reivindica o símbolo tradicional em uma paleta exuberantemente desafiadora\, circundando-o com outro motivo Navajo: a Rainbow Person\, uma figura protetora. Como se para enfatizar a qualidade brincalhona e bem-humorada do trabalho\, a representação da Rainbow Person de Cody se assemelha a um cabo de extensão — seu rosto assume a forma do plugue\, suas duas pernas a tomada. A tecelagem apertada do tecido cria fronteiras nitidamente definidas ao redor da tipografia pixelada\, que lê “Boa Sorte”. “Eu sou uma criança da cultura dos anos 80 dos videogames: Pac-Man\, Frogger\, Nintendo\,” diz Cody. “Cresci com esse mundo da pixelação.” A artista aborda a tecelagem como uma tradição artística em constante evolução. \n\n\n\nEm suas obras recentes\, Cody aprofunda a ressonância entre a pixelação digital e as imagens representadas no urdume e na trama. Cody\, que normalmente utiliza um tear Navajo tradicional\, começou a usar uma máquina Jacquard\, adicionando uma camada de mediação digital à sua prática. Em Dopamine Dream (2023)\, Cody recombinou padrões Navajo em sobreposições geométricas cada vez mais sofisticadas e esquemas de cores hápticas. Planos visuais são empilhados como janelas de navegador em uma tela de computador. Uma simetria bilateral calmante traz a ordem tão necessária para a composição\, caso contrário fragmentada. A obra foi recentemente apresentada na exposição bienal Made in L.A. 2023: Acts of Living do Museu Hammer.
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LOCATION:Garth Greenan Gallery\, 545 West 20th Street\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Punctum" de Anselm Kiefer na Gagosian
DESCRIPTION:Anselm Kiefer\, Katzensilber (White Mica)\, 1994-2012 © Anselm Kiefer. Foto: Charles Duprat\n\n\n\nA Gagosian apresenta Punctum\, a primeira exposição nos Estados Unidos a se concentrar exclusivamente na fotografia de Anselm Kiefer. Punctum estará em exibição na 976 Madison Avenue de 25 de abril a 3 de julho de 2024. \n\n\n\nA fotografia tem sido um aspecto importante\, mas pouco reconhecido\, da prática de Kiefer desde 1968\, quando ele começou a usar a câmera de 35mm de seu pai. O meio fundamenta a evolução das pinturas do artista e é um componente-chave de seus livros. Punctum oferece novas perspectivas sobre sua exploração de materiais e processos\, e sobre os potenciais simbólicos e expressivos da fotografia. \n\n\n\nO título da exposição refere-se a um conceito formulado por Roland Barthes em seu texto crítico Camera Lucida: Reflections on Photography (1980). Punctum (do latim “puncture” ou “ferida”) denota um detalhe de uma fotografia que evoca um sentimento ou impacto pessoal fora daqueles formados principalmente por seus sujeitos culturalmente codificados. Como se estivesse retratando uma memória de algo que nunca aconteceu\, as fotografias de Kiefer transmitem uma aura abrangente\, evocativa\, até melancólica além das representações convencionais de tempo e lugar.
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LOCATION:Gagosian\, 976 Madison Ave Manhattan\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
CATEGORIES:Nova York
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SUMMARY:"Endless River" de Aislan Pankararu na Salon 94
DESCRIPTION:Aislan Pankararu\, Rio do desejos\, 2023\n\n\n\nAislan Pankararu nasceu em 1990 em Petrolândia\, uma pequena cidade no interior do estado de Pernambuco\, e pertence ao povo indígena Pankararu do Nordeste do Brasil. Seu trabalho é informado por três correntes: o bioma da Caatinga do Nordeste do Brasil\, as tradições e culturas – especialmente a pintura corporal – de sua comunidade indígena brasileira\, e sua formação universitária em medicina. A rica complexidade dessas buscas simultâneas – como o corpo funciona\, como curamos\, como preservamos e honramos comunidades e tradições\, nossa relação com o mundo exterior e natural – amalgamam tradições de conhecimento\, padrões e deleite visual através de cada uma das pinturas e desenhos nesta exposição\, sua primeira nos Estados Unidos. \n\n\n\nAs obras apresentadas em “Endless River” referem-se e constroem sobre a visão de mundo única de Pankararu através do visual e do material: o pigmento branco usado em muitas de suas pinturas é um material argiloso natural tradicionalmente usado pelos Pankararu para adornar o corpo em cerimônias\, tornando cada obra monocromática um corpo\, um grupo de corpos e uma amostra de possibilidade ornamental. Outras obras explodem com cores\, mostrando o mundo natural vibrante e fecundo de cactos\, raízes\, folhas\, vagens de sementes e flores que fazem referência aos terrenos e flora terrestres\, bem como aos ingredientes e elementos para cura\, assim como o cenário florestal onde os curandeiros trabalham. \n\n\n\nMuitas das obras em “Endless River” estão ligadas ao Toré\, uma dança ritual dentro da cultura Pankararu que é a conexão fundamental entre os mundos terreno e espiritual. Esta é uma prática sagrada e divina que é expressa e praticada através da dinâmica de criar caminhos de conectividade através da dança\, movimento\, música e pintura corporal. As experiências sensoriais de uma experiência estética total como o Toré são cruciais para a infraestrutura das sensibilidades estéticas de Aislan e a prática contínua das tradições Pankararu. A expressão artística para Aislan também é um meio de criar sistemas visuais que curam e acalmam indivíduos em tempos e espaços de necessidade para fornecer conforto\, ajuda e/ou suporte. A estética da visão de mundo de Aislan abraça um vasto fluxo de visões e memórias que encontram liberdade infinita na tela ou no papel: cada obra é um momento divisor de águas\, expressando e crescendo com ondas ondulantes de detalhes\, potencialidade e riqueza de pensamento repleto de histórias de cor\, textura e padrões retirados da natureza\, da comunidade e da medicina. A missão de Aislan Pankararu está comprometida não apenas com a cura e a arte\, mas com “a reivindicação de espaço\, reconectando-se com um lugar que foi tomado desde a colonização… é uma forma de trazer uma nova visão…” \n\n\n\nA visão do trabalho de Aislan Parakararu sublinha a tenacidade da resiliência\, resistência\, reivindicação e a necessidade de identidade\, agência e dignidade das culturas indígenas. Nesta era de contínua crise global e desafios das mudanças climáticas\, sua posição combinatória – em si uma sabedoria – é crucial para desenvolver maneiras de honrar e proteger o meio ambiente e as formas de vida\, incluindo suas culturas\, em todas as nações. \n\n\n\nLeslie King Hammond\, PhD \n\n\n\n“Endless River” é organizado em colaboração com Galatea\, São Paulo e Alexandra Mollof Fine Art.
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LOCATION:Salon 94\, 3 E 89th Street\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"The Time and the Color" de Ione Saldanha na Salon 94
DESCRIPTION:Ione Saldanha\, Sem título\, c. 1950s\n\n\n\nA pioneira modernista brasileira Ione Saldanha nasceu em 1919 em Alegrete\, Brasil\, perto da fronteira com o Uruguai. Ela viveu e trabalhou no Rio de Janeiro por sete décadas até seu falecimento em 2001. “O Tempo e a Cor”\, a primeira exposição individual de seu trabalho nos Estados Unidos\, inclui pinturas das décadas de 1950 a 1980\, desde paisagens urbanas iniciais até experimentos em abstração geométrica e obras posteriores de abstração absoluta e forma que percorreram telas e obras esculturais de bambu. \n\n\n\nNo centro do trabalho de Saldanha está a preocupação com uma certa representação da cidade – incluindo seus habitantes – e composições arquitetônicas abstratas\, construções e elementos de construção. Saldanha começou pintando cidades coloniais como Ouro Preto e Salvador\, gradualmente migrando para a abstração geométrica mais tarde em sua carreira. Há ritmo nessas construções\, construído através de códigos de cores e camadas. Muitas de suas obras não indicam títulos ou datas exatas; elas fazem referência menos ao mundo exterior do que à própria colocação dentro de seu trabalho – sua própria sequência\, lógica e ritmo – criando uma linguagem completa de valores e estéticas. \n\n\n\nA abstração dominou as práticas artísticas durante a segunda metade do século XX\, à medida que muitos artistas que trabalhavam após a Segunda Guerra Mundial buscavam uma linguagem internacional que pudesse transcender narrativas nacionais e regionais – e\, para artistas mulheres\, aquelas relacionadas ao gênero. É necessário entender os contextos políticos e sociais nos quais a maioria dessas obras foi produzida: durante uma onda de regimes militares que assolaram a América do Sul das décadas de 1960 a 1990\, quando o internacionalismo era uma questão contínua. À medida que os artistas enfrentavam a censura e a impossibilidade de se dedicarem apenas a obras explicitamente políticas\, alguns encontravam na abstração a possibilidade de fazer arte em liberdade. \n\n\n\nSaldanha tinha uma prática muito particular que desafiava as normas da pintura moderna. Embora tenha estudado na Europa e admirado artistas como Henri Matisse\, seu trabalho não necessariamente busca essas tradições para inspiração ou linhagem comum. Em vez disso\, sua maneira de se relacionar com a cor faz referência às culturas vernaculares e à arte popular única do Brasil\, como jogos de rua\, casas populares e festividades. \n\n\n\nO interesse fundamental de Saldanha pela cor e pela forma é evidente em seu trabalho desde os estágios iniciais; ela concebia suas construções como maneiras de relacionar esses elementos. Ela estava completamente inserida na cena das artes visuais do Rio de Janeiro\, exibindo em galerias e museus localmente e em todo o Brasil\, mas suas referências sempre retornavam ao que ela chamava de “cultura popular”. \n\n\n\nAs pinturas de bambu de Saldanha exigem um encontro entre natureza e abstração. O bambu é ubíquo no Brasil\, comumente usado para modos vernaculares de construção\, e tinha para Saldanha uma memória íntima particular. Geralmente exibidas em grupo\, os postes de bambu de Saldanha permitem uma quantidade quase infinita de combinações de cores. Estas obras nos remetem às qualidades “artesanais” do meio – não a pintura do cânone histórico da arte\, mas a pintura que alguém poderia fazer na rua: um trabalho diário\, um ato simples\, decorativo e significativo ao mesmo tempo. \n\n\n\nCatarina Duncan \n\n\n\n“O Tempo e a Cor” é organizado em colaboração com Simões de Assis\, São Paulo.
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LOCATION:Salon 94\, 3 E 89th Street\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Tableaux Éclatés" de Niki de Saint Phalle na Salon 94
DESCRIPTION:Niki de Saint Phalle\, Magic Carpet Ride\, 1994\n\n\n\nNeste mês de abril\, o Salon 94 apresenta a segunda exposição individual da artista franco-americana Niki de Saint Phalle\, exibindo cinco obras de sua série tardia Tableaux Éclatés\, exibida pela primeira vez em sua retrospectiva no Musée d’Art Moderne de Paris em 1993. Os dinâmicos Tableaux Éclatés (“Pinturas Explosivas”) são quadros vibrantes e mecanizados que retratam paisagens nas quais animais e naturezas-mortas\, bem como suas famosas Nanas\, dançam por praias\, desertos e mares. A composição de cada pintura é animada através de uma intrincada armação motorizada ativada por um sensor de foto: quando a obra reconhece um espectador\, os motores internos acionam o movimento dos elementos dispersos da obra ou iluminam a cena com brilhantes lâmpadas elétricas. \n\n\n\nAs icônicas Nanas dos anos 1960 de Saint Phalle\, mulheres emancipadas cujos corpos esbeltos e trajes coloridos professam uma afirmação lúdica\, assertiva e feminista em oposição às odaliscas passivas comuns na arte ocidental\, são as protagonistas dos Tableaux Éclatés. Outras obras são ricas em símbolos artísticos históricos: o crânio e as flores em “Acordei Na Noite Passada” (1994) lembram as pinturas vanitas dos mestres antigos europeus que retratam os prazeres fugazes da vida terrena – embora a interpretação de Saint Phalle seja inovadora por remixar a natureza morta como uma cena em movimento perpétuo. Após a morte de seu marido\, o artista suíço Jean Tinguely\, em 1991\, e o desenvolvimento de seus próprios problemas de saúde\, Saint Phalle também buscou respostas sobre a vida após a morte em várias religiões. Ela se encantou com a história da divindade hindu Ganesh\, que viveu após a decapitação e passou a representar o renascimento diante das adversidades. A espiral – um tema recorrente na vida da artista e talvez o símbolo mais antigo conhecido dos ciclos de nascimento e morte da vida – encontra rotação eterna na barriga de “La Déesse Noire” (1993)\, cujo útero é um tesouro dourado e empresta sua forma dos menores filamentos de DNA à imensidão das galáxias\, bem como as bobinas de seu amigo Alexander Calder – e\, é claro\, os motores de Tinguely. \n\n\n\nO retorno de Saint Phalle aos Estados Unidos e suas diversas paisagens também encontra forma nessas obras. Ela visitou e retratou os desertos da Califórnia e do Arizona\, usando esses locais para criar cenas fantásticas povoadas por criaturas reais e imaginárias. Em “O Tesouro do Deserto de Borrego” (1994)\, baleias\, golfinhos e Nanas nadam em um vasto oceano azul enquanto um sol luminoso nasce e se põe continuamente. O pico da montanha central e a vida marinha em primeiro plano se rearranjam de maneiras tanto lúdicas quanto ameaçadoras. Essa representação da frágil harmonia entre a vida selvagem e a humanidade aponta para a crescente consciência da artista sobre a destruição ambiental e a vulnerabilidade de toda vida. Ela também produziu uma série de impressões com essa imagética\, que estão em exibição na exposição. De fato\, a mudança de Saint Phalle para La Jolla\, Califórnia\, em 1993\, foi resultado da luta da artista contra uma debilitante doença respiratória; o ar do oceano Pacífico a revigorou\, e ela manteve uma prática ativa nos nove anos seguintes. Em “O Tesouro do Deserto de Borrego”\, a montanha se abre para revelar uma das Nanas originais da infância de Saint Phalle em Nova York: a Estátua da Liberdade\, o símbolo prototípico da liberdade encarnado na figura de uma mulher. \n\n\n\nInspirada na prática dos Méta-relevos cinéticos de Tinguely\, Saint Phalle adotou o movimento dinâmico em sua própria obra. Ela inventou novas estratégias para animar pinturas em relevo bidimensionais\, assim como fez anteriormente quando mirou seu rifle em telas em seus Tirs (“pinturas de tiro”) do início dos anos 1960. Ela novamente encontrou uma maneira de ir além dos limites do meio\, fazendo a estrutura explodir e fragmentar e depois se reagrupar através da introdução de movimento inesperado: ser reunida. A série Tirs viu a criação espetacular da artista de uma pintura ao atirar com uma arma na tela\, criando composições ao explodir recipientes de tinta escondidos em eventos que evoluíram em sua natureza performativa. Quarenta anos depois\, com os Tableaux Éclatés\, ela revisitou a performance\, desta vez na obra\, permitindo a Saint Phalle revelar de maneira encantadora narrativas dinâmicas e complicadas enquanto metaforicamente lidava com a imensa perda de seu parceiro. \n\n\n\nJuntando-se aos Tableaux Éclatés está a fonte de Saint Phalle\, “La femme et L’oiseau fontaine” (1967-1988)\, instalada pela primeira vez no interior após sua estreia nos EUA na retrospectiva da artista no MoMA PS1 em 2021. Cheia de água jorrante\, uma Nana de maiô equilibra-se\, braços estendidos em proclamação alegre\, sobre um pássaro cujas asas refletem seu gesto de abraço aberto. “La femme et L’oiseau fontaine” segue o compromisso de Saint Phalle com a arte pública\, especificamente fontes\, a mais famosa das quais\, “Fontaine Igor Stravinsky” (1983)\, recebe os visitantes do Centre Pompidou\, em Paris. \n\n\n\nEsta exposição é organizada em colaboração com a Fundação de Arte Beneficente Niki.
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LOCATION:Salon 94\, 3 E 89th Street\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Sunday" de Maurizio Cattelan na Gagosian
DESCRIPTION:Vista da instalação © Maurizio Cattelan. Foto: Maris Hutchinson\n\n\n\nA Gagosian apresenta a abertura de Sunday\, a primeira exposição individual de galeria de Maurizio Cattelan em mais de duas décadas e sua estreia solo na Gagosian. Semelhante a America — um vaso sanitário funcional em ouro maciço que ele instalou no Museu Solomon R. Guggenheim\, em Nova York\, em 2016 —\, o novo projeto de Cattelan\, que está em exibição na localização da galeria na 522 West 21st Street\, mais uma vez desafia as contradições da sociedade e cultura americanas e aborda questões sensíveis enfrentadas pelo mundo em geral. \n\n\n\nEm uma nova instalação\, Sunday (2024)\, Cattelan compõe a resposta à desigualdade econômica incorporada por America (2016)\, usando metal precioso para desconstruir a relação do país com a acessibilidade de armas (uma condição contra a qual o privilégio não oferece defesa). Painéis de aço inoxidável\, banhados a ouro 24 quilates\, foram “modificados” por tiros. As superfícies anteriormente lisas dos componentes ficam cravejadas de crateras e buracos\, evocando uma história de armas na arte que vai desde The Execution of Emperor Maximilian (1868–69)\, de Edouard Manet\, até Shoot (1971)\, de Chris Burden\, e as pinturas de espingarda de William Burroughs. \n\n\n\nOs visitantes são imediatamente confrontados por uma parede imponente de 17 pés de altura\, composta pelos painéis dourados que se estendem por cerca de 68 pés de largura. Em frente a isso está November (2024)\, uma fonte de mármore que retrata uma figura reclinada urinando no chão. Cattelan caracteriza a obra como “um monumento à marginalidade”\, uma imagem de uma realidade que habitualmente ignoramos. Ecoando Manneken Pis (1619)\, uma famosa escultura pública de um menino urinando em uma fonte\, ela apresenta ao espectador uma transgressão desconfortável das normas sociais. Mas\, como Bonami demanda\, “Se você é livre para comprar um fuzil de assalto em uma loja de departamento\, o que há de errado em urinar em público?”
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LOCATION:Gagosian Park & 75\, Park & 75\, Nova York\, Nova York
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SUMMARY:The Roof Garden Commission: Petrit Halilaj no The Met Museum
DESCRIPTION:Foto: Ian Kumamoto\n\n\n\nO artista kosovar Petrit Halilaj (nascido em 1986\, Kostërc\, antiga Iugoslávia) foi convidado a criar uma instalação específica para o Jardim do Telhado Iris e B. Gerald Cantor do Museu. Para o primeiro grande projeto do artista nos Estados Unidos\, Halilaj transformou o telhado do Met com uma extensa instalação escultural. \n\n\n\nO trabalho de Halilaj está profundamente conectado à história recente de seu país natal\, Kosovo\, e às consequências das tensões culturais e políticas na região. Após um período formativo na Itália\, onde estudou arte na Accademia di Brera em Milão\, ele se mudou para Berlim em 2008\, onde ainda vive e trabalha. Seus projetos abrangem uma variedade de mídias\, incluindo escultura\, desenho\, poesia e performance.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/the-roof-garden-commission-petrit-halilaj-no-the-met-museum/
LOCATION:The Metropolitan Museum of Art\, 1000 5th Ave\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"AERIAL" de Antony Gormley na White Cube
DESCRIPTION:Antony Gormley\, vista da exposição AERIAL na White Cube Nova York. Imagem: Divulgação\n\n\n\nA instalação “Aéreo” (2023)\, da qual a exposição tira seu título\, manifesta uma matriz ortogonal que tanto mede quanto ativa a arquitetura do térreo da galeria na qual está contida. Construída a partir de uma escala descendente de barras de alumínio maciço que terminam em elementos delicados referidos pelo artista como ‘fios’\, Aéreo cria uma zona de energia dispersa que interage com a luz. O sistema ramificado de barras verticais e horizontais da obra dialoga com a série “Pier and Ocean” de Piet Mondrian\, na qual o espaço elemental e a dinâmica entre distância e proximidade são evocados através de linhas articuladas em ângulos retos. \n\n\n\n“Aéreo” se esforça para ser tanto um receptor quanto um transmissor de energia\, o observador e a obra de arte mutuamente ativados pela trajetória do observador através do espaço e do tempo. A obra promove uma compreensão do espaço não como um vazio isolando um objeto do outro\, mas sim como um lugar que existe dentro e através dos objetos. “Você poderia pensar nesta obra como os pelos de raiz do mundo feito”\, observa Gormley\, “ou como a antena da arquitetura\, talvez até mesmo os fios do quarto que nos permitem sentir o espaço e o quarto sentir-nos”. \n\n\n\nNo andar de cima\, três “Big Double Blockworks” de ferro fundido sólido (todos de 2023) exploram a intimidade física através de uma linguagem geométrica radicalmente reduzida. Partindo das explorações anteriores de formas dobradas de Gormley\, que se concentravam na duplicação mitótica orgânica de seu próprio corpo\, essas obras se referem à geometria ortogonal da arquitetura – o que Gormley chama de nosso ‘segundo corpo’ – e usam sua linguagem física\, em vez de linha pura\, para formar massa. Gormley concebeu estas obras recentes durante\, e em resposta\, aos bloqueios do Covid – períodos em que as intimidades da convivência compartilhada amplificaram um sentido de ‘estar com’. \n\n\n\nDeitada de bruços no chão da galeria\, a primeira obra dupla\, Big Tender (2023)\, espelha duas formas corporais empilhadas\, comprimidas através da ação de forças contrabalanceadas\, inclinando-as uma em direção à outra e impulsionando-as para baixo para criar um centro de gravidade singular. Em Big Sidle (2023) e Big Bare (2023)\, dois corpos eretos compostos por blocos empilhados convergem em uma massa singular\, compartilhando um único caminho de carga\, a precariedade de ambos paradoxalmente criando a estabilidade da forma final. Os “Big Double Blockworks” de Gormley evocam a necessidade intrínseca de apoio e intimidade. \n\n\n\nAo lado dos blocos na galeria superior\, estão uma seleção de desenhos de Gormley. Executados em vários meios\, incluindo carbono\, caseína e tinta de nogueira\, esses desenhos articulam trajetórias arquitetônicas e expansão cosmológica. Nos desenhos ‘Cósmicos’ (2014-18)\, o artista explora a criação de luz através da transformação da matéria no espaço\, como nos fenômenos de quasares e supernovas. Para Gormley\, esses desenhos são ‘criados pelas forças da matéria fluida e são descobertos em vez de feitos’. Em ‘Abertura’ e ‘Lux’ (ambos de 2023)\, camadas de carbono e caseína evocam os interiores das obras em grande escala anteriores de Gormley\, como Modelo (2012) e Caverna (2019)\, que exploram corpos como edifícios. Aqui\, o espaço arquitetônico é transportado através de planos fractais que parecem convergir as dimensões de espaço\, luz e volume. Em outros desenhos\, difusões escuras de carbono evocam o que o artista chama de ‘escuridão do corpo’. Essas obras expressam a experiência da meditação onde\, ao acalmar o corpo em várias posições comprimidas\, alguém pode ganhar um sentido do espaço ilimitado\, sem bordas\, sem objetos dentro do corpo.
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LOCATION:White Cube Nova York\, 1002 Madison Avenue\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"AERIAL" de Antony Gormley na White Cube
DESCRIPTION:Antony Gormley\, vista da exposição AERIAL na White Cube Nova York. Imagem: Divulgação\n\n\n\nA instalação “Aéreo” (2023)\, da qual a exposição tira seu título\, manifesta uma matriz ortogonal que tanto mede quanto ativa a arquitetura do térreo da galeria na qual está contida. Construída a partir de uma escala descendente de barras de alumínio maciço que terminam em elementos delicados referidos pelo artista como ‘fios’\, Aéreo cria uma zona de energia dispersa que interage com a luz. O sistema ramificado de barras verticais e horizontais da obra dialoga com a série “Pier and Ocean” de Piet Mondrian\, na qual o espaço elemental e a dinâmica entre distância e proximidade são evocados através de linhas articuladas em ângulos retos. \n\n\n\n“Aéreo” se esforça para ser tanto um receptor quanto um transmissor de energia\, o observador e a obra de arte mutuamente ativados pela trajetória do observador através do espaço e do tempo. A obra promove uma compreensão do espaço não como um vazio isolando um objeto do outro\, mas sim como um lugar que existe dentro e através dos objetos. “Você poderia pensar nesta obra como os pelos de raiz do mundo feito”\, observa Gormley\, “ou como a antena da arquitetura\, talvez até mesmo os fios do quarto que nos permitem sentir o espaço e o quarto sentir-nos”. \n\n\n\nNo andar de cima\, três “Big Double Blockworks” de ferro fundido sólido (todos de 2023) exploram a intimidade física através de uma linguagem geométrica radicalmente reduzida. Partindo das explorações anteriores de formas dobradas de Gormley\, que se concentravam na duplicação mitótica orgânica de seu próprio corpo\, essas obras se referem à geometria ortogonal da arquitetura – o que Gormley chama de nosso ‘segundo corpo’ – e usam sua linguagem física\, em vez de linha pura\, para formar massa. Gormley concebeu estas obras recentes durante\, e em resposta\, aos bloqueios do Covid – períodos em que as intimidades da convivência compartilhada amplificaram um sentido de ‘estar com’. \n\n\n\nDeitada de bruços no chão da galeria\, a primeira obra dupla\, Big Tender (2023)\, espelha duas formas corporais empilhadas\, comprimidas através da ação de forças contrabalanceadas\, inclinando-as uma em direção à outra e impulsionando-as para baixo para criar um centro de gravidade singular. Em Big Sidle (2023) e Big Bare (2023)\, dois corpos eretos compostos por blocos empilhados convergem em uma massa singular\, compartilhando um único caminho de carga\, a precariedade de ambos paradoxalmente criando a estabilidade da forma final. Os “Big Double Blockworks” de Gormley evocam a necessidade intrínseca de apoio e intimidade. \n\n\n\nAo lado dos blocos na galeria superior\, estão uma seleção de desenhos de Gormley. Executados em vários meios\, incluindo carbono\, caseína e tinta de nogueira\, esses desenhos articulam trajetórias arquitetônicas e expansão cosmológica. Nos desenhos ‘Cósmicos’ (2014-18)\, o artista explora a criação de luz através da transformação da matéria no espaço\, como nos fenômenos de quasares e supernovas. Para Gormley\, esses desenhos são ‘criados pelas forças da matéria fluida e são descobertos em vez de feitos’. Em ‘Abertura’ e ‘Lux’ (ambos de 2023)\, camadas de carbono e caseína evocam os interiores das obras em grande escala anteriores de Gormley\, como Modelo (2012) e Caverna (2019)\, que exploram corpos como edifícios. Aqui\, o espaço arquitetônico é transportado através de planos fractais que parecem convergir as dimensões de espaço\, luz e volume. Em outros desenhos\, difusões escuras de carbono evocam o que o artista chama de ‘escuridão do corpo’. Essas obras expressam a experiência da meditação onde\, ao acalmar o corpo em várias posições comprimidas\, alguém pode ganhar um sentido do espaço ilimitado\, sem bordas\, sem objetos dentro do corpo.
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LOCATION:White Cube Nova York\, 1002 Madison Avenue\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Kobby Adi: Cloisters & Instruments" no Swiss Institute
DESCRIPTION:Kobby Adi\, Lesson\, 2023–24\, film still. Cortesia do artista e Cabinet\, Londres\n\n\n\nO Swiss Institute (SI) apresenta A Worm’s Eye View from a Bird’s Beak\, a primeira grande exposição individual institucional do artista Raven Chacon\, organizada em parceria com o Nordnorsk Kunstmuseum em Tromsø\, Noruega. O primeiro artista nativo americano a receber o Prêmio Pulitzer de Música em 2022\, Chacon trabalha com som\, vídeo\, partituras\, performance e escultura para abordar a soberania indígena e a justiça ambiental. A mostra reúne obras inovadoras dos últimos 25 anos com uma instalação de som e vídeo recém-encomendada\, novas iterações de obras pioneiras e um grande mural de arte pública no prédio do SI. A exposição abrange contextos geográficos diversos: Sápmi (a terra dos Sámi atravessada pelos estados-nação da Noruega\, Suécia\, Finlândia e Rússia) e Lenapehoking\, ou Nova York\, na Turtle Island. Ambos os locais compartilham histórias e presenças indígenas que o colonialismo tentou erradicar por séculos. No entanto\, também são locais onde a resiliência\, ou\, nas palavras do teórico cultural Gerald Vizenor\, a “sobrevivência” continua a prosperar. \n\n\n\nAo entrar na exposição\, a partitura American Ledger No. 1 (2018) exibe uma meditação gráfica sobre a fundação dos Estados Unidos em ordem cronológica descendente. Feita para instrumentos de sustentação e percussão\, moedas\, machado e madeira\, um apito de polícia e um fósforo\, a peça narra momentos de contato\, promulgação de leis coloniais\, eventos de violência\, construção de cidades\, apropriação de terras e tentativas de eliminar visões de mundo indígenas. No centro da galeria do primeiro andar do SI está a instalação sonora de Chacon\, Still Life No. 3 (2015). Através de uma série de alto-falantes instalados em um arco em cascata\, uma mulher conta a história de origens dos Navajos\, que compreende quatro mundos abaixo e vários outros acima. Mas\, em vez de conceber os mundos abaixo como o passado e os mundos acima como o futuro\, da maneira linear que narrativas ocidentais podem sugerir\, na cosmogonia Navajo\, esses múltiplos mundos ainda\, ou já\, existem. Partes do mito de criação se repetem e se sobrepõem\, borrando sua progressão e permitindo que múltiplas temporalidades coexistam e se influenciem mutuamente. Mais adiante na galeria\, Report (2001/2015)\, uma composição e partitura para um conjunto de armas de fogo\, pontua o silêncio com uma cacofonia de poder e resistência. \n\n\n\nNo segundo andar\, a nova instalação de vídeo de Chacon\, For Four (Caldera) (2024)\, apresenta quatro mulheres em pé em um vazio vulcânico nas Montanhas Jemez\, no Novo México\, lendo o panorama de seu ambiente natural e expressando o que veem através da música. Para uma nova iteração de Still Life No. 4\, Chacon tocou um tambor Diné da coleção do Museu Nacional do Índio Americano do Smithsonian que não havia sido tocado por muito tempo e gravou a batida\, reproduzindo-a em estações de escuta no SI e em outros lugares em diferentes tempos\, variando de rápido a lento quanto mais distante cada estação estiver do tambor. Field Recordings (1999) do sudoeste americano amplificam os sons do silêncio para produzir ruídos que revelam os padrões vibracionais desses locais. Além disso\, por todo o prédio\, os espectadores são convidados a pegar e realizar impressões de partituras. Pintada como um mural em grande escala na fachada externa do SI\, de frente para a St. Marks Pl\, a nova partitura para Vertical Neighbors (2024) será ativada durante a exposição com uma performance\, juntamente com uma programação pública abrangente ao longo da duração da mostra.
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LOCATION:Swiss Intitute\, 38 St Marks Pl\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"VOLUMENS" de Rodolpho Parigi na Nara Roesler
DESCRIPTION:Rodolpho Parigi\, VAM (detalhe)\, 2024\n\n\n\nA Nara Roesler New York tem o prazer de apresentar VOLUMENS\, primeira individual de Rodolpho Parigi na cidade\, que reúne em torno de 35 pinturas inéditas realizadas ao longo dos últimos dois anos.  \n\n\n\nO título da mostra remete a um elemento pictórico amplamente empregado na obra de Parigi ao longo de sua trajetória: a criação de elaboradas volumetrias em uma mídia bidimensional como a pintura. Essa característica pode ser vista na obra de artistas históricos\, muitos deles referências para o artista\, como Pablo Picasso e Tarsila do Amaral. Em VOLUMENS\, porém\, suas obras de cores intensas e formas de aspecto “maleável” e ambíguas\, se assemelham a partes de corpos\, órgãos\, formas biomórficas e abstrações escultóricas.  \n\n\n\nAo longo do último ano\, o artista pensou a mostra através das “aproximações” que os trabalhos podem estabelecer entre si. Ainda que a volumetria seja amplamente empregada nas pinturas\, as formas que compõem os elementos representados apresentam certa maleabilidade\, como se estivessem se “metamorfoseando”. Assim\, pinturas que guardam semelhanças entre si\, sejam elas temáticas ou formais\, são mostradas em conjunto\, destacando o percurso poético do artista e desdobramentos de suas investigações pictóricas.  \n\n\n\nNas palavras de Parigi: “Eu desenho e pinto as figuras com a vontade de transfigurar corpos e ideias pré-estabelecidas\, confusão de gêneros e a exploração das fronteiras entre imagens reais ou simuladas. Corpos são fundidos e remodelados para transformar a superfície da tela ou do papel\, onde contenções e expansões são negociadas dentro do limite físico do suporte”. \n\n\n\nEstão presentes na exposição referências a artistas e momentos da História da Arte\, em especial o Surrealismo\, que completa neste ano o seu centenário. A ambiguidade das formas e seu exuberante colorido conferem às composições um aspecto onírico e absurdo\, que se aproxima das propostas da vanguarda artística. Parigi ressalta que o desenvolvimento dos trabalhos foi uma espécie de mergulho em seu próprio subconsciente: “Meu trabalho acontece a partir do conflito entre realidade e ficção. A partir de desenhos\, pinturas e performances exploro um universo imagético de ficção auto imaginado\, habitado por figuras híbridas ou andróginas de beleza estranha\, formas que habitam a superfície como corpos vivos que poderiam até mesmo respirar ou se mover”.
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LOCATION:Nara Roesler Nova York\, 511 W 21st St Manhattan\, Nova York\, Nova York
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SUMMARY:"Kindred Spirits: Joan Miró and Alexander Calder" na Opera Gallery
DESCRIPTION:Alexander Calder\, Caged Stone on Yellow Stalk (detalhe)\, 1955\n\n\n\nKindred Spirits: Joan Miró and Alexander Calder explora a profunda amizade e troca artística entre dois artistas modernos pioneiros. O par fortuito se conheceu em Paris em 1928 e se uniu por seu amor compartilhado pela arte e criatividade\, apesar das barreiras linguísticas — Calder era americano\, e Miró era catalão. Sua amizade perdurou por quase meio século até a morte de Calder em 1976. Eles trocaram obras de arte e se visitaram em várias localidades\, fomentando uma profunda admiração mútua e entendimento que transcendeu diferenças culturais. \n\n\n\nMiró inicialmente teve maior proeminência artística\, exibindo notáveis telas na década de 1920 que mesclavam fantasia com imagens inventivas. Enquanto isso\, a evolução artística de Calder foi medida\, influenciada por seu background em engenharia e fascinação infantil por transformar objetos cotidianos em arte. \n\n\n\nApesar de suas origens e abordagens criativas diferentes\, ambos os artistas compartilhavam uma linguagem visual enraizada em forma e cor\, exibindo maestria em diversos meios artísticos — de escultura e pintura a gravura e design de cenários. \n\n\n\nEsta exposição ilustra a duradoura amizade e diálogo artístico entre Calder e Miró\, traçando seus caminhos paralelos através da evolução da arte moderna durante a segunda metade do século XX. Suas experiências compartilhadas e trocas criativas destacam o profundo impacto que tiveram no trabalho um do outro\, moldando o curso da história da arte e deixando para trás um legado de inovação e imaginação.
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LOCATION:Opera Gallery\, 65-66 New Bond St\, Londres\, United Kingdom
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SUMMARY:"Lucas Arruda: Assum Preto" na David Zwirner
DESCRIPTION:Lucas Arruda\, Sem título (da série Deserto-Modelo) (detalhe)\, 2024\n\n\n\nDavid Zwirner tem o prazer de apresentar novas obras do artista brasileiro Lucas Arruda\, em exibição na localização da galeria na West 20th Street\, em Nova York. Arruda é conhecido por suas composições intricadas e meditativas que borram as fronteiras entre registros mnemônicos e imaginativos. Suas paisagens evocativas são mais produtos de um estado mental do que representações de locais específicos. Como ele observou: “A única razão para chamar minhas obras de paisagens é cultural – simplesmente porque os espectadores automaticamente reconhecem meu formato como uma paisagem\, embora nenhuma das imagens possa ser rastreada até um local geográfico. É a ideia de paisagem como uma estrutura\, em vez de um lugar real.” \n\n\n\nA exposição inclui pinturas e uma instalação de luz específica do local de sua série contínua Deserto-Modelo\, marcando a quarta apresentação solo do artista na galeria.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/lucas-arruda-assum-preto-na-david-zwirner/
LOCATION:David Zwirner\, 537 West 20th Street\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
CATEGORIES:Nova York
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SUMMARY:"One of Many Ideas of Home" de Elias Mung'ora na Montague Contemporary
DESCRIPTION:Elias Mung’ora\, One of Many Ideas of Home\, 2024\n\n\n\nEm sua nova série One of Many Ideas of Home\, Elias Mung’ora embarca em uma exploração profundamente pessoal de identidade\, pertencimento e história familiar. Inspirado em suas próprias experiências e relacionamentos\, assim como em uma busca para entender sua ancestralidade em Nyeri\, no centro do Quênia\, Mung’ora tece uma narrativa rica que examina a interação entre vidas individuais e contextos históricos mais amplos. Através da integração de fotografias antigas da família\, muitas vezes sobrepostas até o ponto da obscuridade\, ele busca se conectar com e evocar memórias e histórias que\, de outra forma\, seriam inacessíveis\, convidando à reflexão sobre as formas como nos relacionamos com nossos passados. \n\n\n\nCentral para a série é o motivo recorrente de tapetes\, simbolizando espaços contestados e a noção de lar como construção tanto física quanto emocional. Esse tema é especialmente comovente em obras como Lunch in the Midst of an Unplanned Move\, onde a ausência de um tapete reflete um momento de deslocamento e uma reavaliação do que significa pertencer. O trabalho de Mung’ora transcende o autobiográfico\, desafiando os espectadores a considerarem suas próprias percepções de lar e identidade diante do pano de fundo da história colonial do Quênia e da busca universal por raízes e conexão. \n\n\n\nA obra de arte At Home on My 30th é um destaque cativante dentro desta série. Ambientado em um interior de casa vividamente retratado\, este trabalho contrasta tapetes nitidamente definidos—simbólicos de espaço e valor reivindicados e íntimos—com elementos abstratos\, menos definidos\, como paredes e tetos\, representando a impermanência do estado atual de enraizamento do artista. Neste marco pessoal significativo\, Elias reflete sobre a natureza transitória do lar e do pertencimento\, utilizando o tapete como fundação tanto literal quanto metafórica dentro do espaço. Esta obra não apenas reflete sentimentos pessoais\, mas também se engaja em temas mais amplos de identidade e legado cultural\, tornando-se uma peça poderosa tanto para contemplação quanto para discussão.
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LOCATION:Montague Contemporary\, 526 W 26th St 4th Floor\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Jennifer Rochlin. Paintings on Clay" na Hauser & Wirth NY
DESCRIPTION:Jennifer Rochlin\, Green Tapestry with Poppies and Bites\, 2024. © Jennifer Rochlin. Foto: Keith Lubow\n\n\n\nA Hauser & Wirth Nova York apresenta a mais recente série de grandes vasos de terracota construídos à mão de Rochlin\, nos quais ela oferece uma jornada autobiográfica – cenas íntimas de sua vida e amores\, da natureza observada e de suas próprias respostas aos grandes da história da arte. Jennifer Rochlin. Paintings on Clay permanecerá em exibição no segundo andar do prédio da galeria na Rua 22 até 12 de julho. \n\n\n\nAs composições tridimensionais de Rochlin coalescem em grande parte sem planejamento. Embora esboçadas antecipadamente\, as formas de seus vasos acabam por se afastar da forma e simetria clássicas através de um processo laborioso de construção manual que permite – e até encoraja – a distorção. Corporais\, excêntricos e imponentes\, a fisicalidade comandante dos vasos leva os espectadores a traçar suas curvas e a caminhar ao redor deles para seguir a sequência de vinhetas que percorrem suas circunferências.
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LOCATION:Hauser & Wirth 22nd Street\, 542 West 22nd Street\, Nova York\, Nova York
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SUMMARY:"Eva Hesse. Five Sculptures" na Hauser & Wirth NY
DESCRIPTION:Eva Hesse\, Expanded Expansion\, 1969. © The Estate of Eva Hesse. Foto: Matt Grubb\n\n\n\nEva Hesse (1936-1970) transformou a linguagem da escultura por meio de seu uso pioneiro de formas e materiais alternativos. Desafiando a estética rígida e industrial do movimento minimalista predominante em sua época\, o uso de látex\, fibra de vidro e plásticos industriais por Hesse abriu novas possibilidades na arte. Meio século depois\, seu inovador trabalho é tão potente quanto em 1968\, o ano da primeira e única exposição de suas esculturas realizada durante sua vida. O fato de ter havido cerca de quinze exposições nas décadas seguintes à sua morte em 1970 é um testemunho da contemporaneidade contínua de Hesse. \n\n\n\nA partir de 2 de maio\, celebraremos o 25º aniversário da representação do espólio pela galeria destacando as notáveis conquistas de Hesse. Esta exposição\, organizada por Barry Rosen\, consultor de longa data do espólio de Hesse\, em colaboração com a historiadora e crítica de arte Briony Fer\, reúne cinco de suas obras em grande escala mais celebradas\, todas emprestadas de importantes museus americanos e todas feitas no período mais intenso no final de sua vida\, de 1967 a 1969.
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SUMMARY:Rita Ackermann em duas exposições simultâneas na Hauser & Wirth NY
DESCRIPTION:Rita Ackermann\, Shutters (detalhe)\, 2023\n\n\n\nEm 2 de maio\, a Hauser & Wirth apresentará a mais recente série de pinturas e gravuras de Rita Ackermann em exposições simultâneas que abrangem as duas localizações da galeria em West Chelsea. Na 542 West 22nd Street\, a artista irá estrear um conjunto de novas telas ampliando as técnicas\, temas e imagens que ela tem explorado ao longo de sua carreira desde o início dos anos 1990\, enquanto na 443 West 18th Street ela irá revelar uma série de complexas serigrafias em grande escala. Anunciando um salto significativo em sua prática artística\, essas gravuras representam uma dramática convergência dos processos técnicos da gravura com a exploração contínua de forma\, movimento e apagamento por parte de Ackermann.
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SUMMARY:"Hugh Hayden: Hughmans" na Lisson Gallery
DESCRIPTION:Hugh Hayden\, vista da instalação. Imagem: Divulgação\n\n\n\nApós sua exposição solo em Los Angeles\, Hugh Hayden continua sua exploração das próteses de poder em uma nova série de obras e instalações específicas criadas para o espaço da Lisson Gallery em Nova York. Em “Hughmans”\, Hayden retoma o conceito de cabine de banheiro para investigar experiências de revelação\, intimidade\, desejo e sexualidade – desta vez através da lente da experiência coletiva. \n\n\n\nConhecido por suas metáforas perspicazes e exames da existência humana\, o trabalho de Hayden transcende a experiência individual para sondar a consciência coletiva. “Hughmans” mantém o uso característico de madeira como meio principal\, ao lado de bronze\, resina e silicone\, ampliando a profundidade e a textura de sua narrativa. No centro da exposição está uma instalação específica ambiciosa\, desvendando as complexidades das dinâmicas de poder na sociedade contemporânea. Hayden transforma elementos mundanos em símbolos profundos\, convidando os espectadores a confrontar suas próprias percepções e pressupostos da vida diária. \n\n\n\nNa galeria\, os visitantes encontrarão uma disposição de cabines de banheiro de metal\, cada uma escondendo uma obra de arte dentro. Esta configuração não convencional desafia noções de privacidade e intimidade\, instando os espectadores a reconsiderar sua relação com espaços públicos. Duas esculturas de madeira que incorporam o personagem fictício Pinóquio serão exibidas. “Ebanocchio” (2024) e “Nocecchio” (2024) servem como contrapartes contrastantes\, uma feita de ébano e a outra de nogueira. No conto de fadas original\, o nome de Pinóquio também foi derivado de sua origem física\, “Pino” sendo o termo italiano para pinheiro. Essas obras empregam o gesto conceitual recorrente de Hayden com madeira e a interseção de materialidade e identidade. O artista recentemente revelou outra escultura\, “Geppetto” (2023)\, em sua exposição abrangente\, “American Vernacular”\, no Laumeier Sculpture Park. Nomeada em referência ao pai de Pinóquio\, a obra serve como um antecedente para as peças apresentadas em Nova York. Como grande parte da obra de Hayden\, a história fantástica do boneco articulado é frequentemente atribuída como uma metáfora para a condição humana. \n\n\n\nEm outra cabine\, o artista apresentará “Harlem” (2024)\, um novo conjunto de panelas de ferro fundido e frigideiras de cobre – obras que servem como metáfora para a criação da América através da diversidade cultural. Essas esculturas em particular representarão características faciais e instrumentos musicais funcionais. Essa iteração de panelas de fusão\, feitas usando moldagem em areia\, sintetiza o movimento diaspórico e as origens africanas dos EUA. Ao contrário de apresentações anteriores de trabalhos semelhantes que foram pendurados na parede e no teto\, essas obras serão suspensas a partir de um corrimão estilo metrô da cidade de Nova York.
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SUMMARY:"Tara Donovan: Stratagems" na Pace Gallery
DESCRIPTION:Tara Donovan\, Stratagem XIV (detalhe)\, 2024. Cortesia Pace Gallery\n\n\n\nA Pace tem o prazer de apresentar uma exposição de novos trabalhos de Tara Donovan em sua galeria localizada na 540 West 25th Street\, em Nova York. Em exibição de 3 de maio a 16 de agosto\, a mostra\, intitulada “Stratagems”\, destacará um grupo de esculturas feitas inteiramente de discos de CD-ROM encontrados\, recuperados e reciclados. Coincidindo com a Frieze New York\, a apresentação da artista na galeria será complementada por uma performance do Pace Live da coreógrafa Kim Brandt. \n\n\n\nConhecida por seu trabalho baseado em processos e sistemas em escultura\, instalação\, desenho e gravura\, Donovan frequentemente explora as qualidades talismânicas de materiais e objetos do cotidiano\, desde botões\, copos de isopor\, lápis e alfinetes até telas prontas e brinquedos Slinky. Baseando-se na linguagem formal do Minimalismo e Pós-Minimalismo\, as obras de Donovan utilizam e reutilizam esses materiais não tradicionais\, transformando-os em composições visualmente deslumbrantes sem obliterar suas essências ou histórias fundamentais como objetos do dia a dia. Através de atos de acumulação\, agregação e iteração\, ela transmuta seus materiais em obras de arte em constante transformação\, que exploram as possibilidades — e limites — da percepção humana.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/tara-donovan-stratagems-na-pace-gallery/
LOCATION:Pace Gallery\, 540 West 25th Street\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
CATEGORIES:Nova York
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SUMMARY:"Huong Dodinh: TRANSCENDENCE" na Pace Gallery
DESCRIPTION:Huong Dodinh\, Sans titre (detalhe)\, 1990. Cortesia Pace Gallery\n\n\n\nA Pace tem o prazer de apresentar uma exposição de obras novas e históricas de Huong Dodinh em sua galeria localizada na 540 West 25th Street\, em Nova York\, de 3 de maio a 16 de agosto. Intitulada “TRANSCENDENCE”\, a mostra\, que marca a primeira apresentação solo da artista nos Estados Unidos\, reunirá pinturas e trabalhos em papel criados ao longo de sua carreira\, desde a década de 1960 até os dias atuais. Coincidindo com a edição de 2024 da Frieze New York\, “TRANSCENDENCE” será acompanhada por um novo catálogo da Pace Publishing\, que será lançado durante a exposição. \n\n\n\nDodinh nasceu em Soc Trang\, Vietnã\, em 1945. Forçada a fugir do país\, sua família buscou refúgio em Paris em 1953\, após o início da Primeira Guerra da Indochina. Dodinh vive e trabalha na capital francesa desde então\, cultivando uma vida solitária a serviço de suas buscas artísticas. Isolando-se das tendências do mercado de arte\, ela mantém um compromisso com a autenticidade\, pureza\, contemplação e verdade em seu trabalho desde que começou a pintar na década de 1960. \n\n\n\nAo longo das últimas seis décadas\, Dodinh dedicou sua prática a três princípios centrais — luz\, densidade e transparência — através dos quais ela explora a fluidez da linha\, forma e espaço negativo. Ao adotar um estilo de vida privado e intensamente regimentado\, a artista desenvolveu uma maneira distinta de fazer arte que desfoca as fronteiras entre arte e cotidiano. Trabalhando sozinha e sem assistentes em seu ateliê em Paris\, Dodinh assume a responsabilidade pessoal por cada etapa de seu processo\, desde a obtenção de pós minerais para seus pigmentos na Provença até a montagem de suas telas e a aplicação de sua pintura. Criando seus próprios pigmentos e aglutinantes orgânicos à mão\, Dodinh aplica camadas finas de tinta várias vezes para formar superfícies transparentes\, porém densas. Através do uso de materiais naturais\, ela produz efeitos visuais vibrantes por meio de absorções e reflexões de luz em suas elegantes composições minimalistas.
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CATEGORIES:Nova York
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SUMMARY:"Paul McCartney Photographs 1963–64: Eyes of the Storm" no Brooklyn Museum
DESCRIPTION:Paul McCartney\, Autorretrato\, Londres\, 1963 © Paul McCartney sob licença exclusiva para MPL Archive LLP.\n\n\n\nÀ medida que os Beatles conquistavam os corações de milhões\, o membro fundador Paul McCartney capturava tudo em sua câmera Pentax. Viajando do Reino Unido para Nova York – assim como “os garotos” fizeram seis décadas atrás – “Eyes of the Storm” nos leva para dentro da frenesi da Beatlemania em 1963-64\, quando a primeira turnê dos EUA da banda os lançou ao estrelato. Mais de 250 fotos de McCartney\, recentemente redescobertas em seus arquivos\, revelam seu ponto de vista singular no centro desse turbilhão de atenção e adoração. Muitas das impressões vibram com a eletricidade de Nova York dos anos 1960\, que teve um caso de amor com os Beatles desde então. \n\n\n\nExibidas ao lado de videoclipes e material de arquivo\, as fotografias não apenas mostram a versatilidade artística de McCartney\, mas também servem como um registro pessoal e histórico. Elas transmitem a intensidade da agenda de turnês dos Beatles\, enquanto os Fab Four eram arrastados de concertos para hotéis e para a estrada com fãs fanáticos e paparazzi em seus calcanhares. As imagens também evocam um álbum de família carinhoso\, retratando McCartney e os companheiros de banda John Lennon\, George Harrison e Ringo Starr em um momento em que suas vidas estavam mudando irrevogavelmente. Veja através dos “olhos da tempestade”\, como McCartney descreve sua perspectiva única sobre este período extraordinário\, e reviva a ascensão meteórica de uma lenda musical. \n\n\n\nEsta exposição está incluída na entrada geral.
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LOCATION:Brooklyn Museum\, 200 Eastern Pkwy Brooklyn\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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