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SUMMARY:"Amalia Mesa-Bains: Archaeology of Memory" no El Museo del Barrio
DESCRIPTION:Vista da instalação de Amalia Mesa-Bains\, “The Virgin’s Garden\, 1994/2022” em “Venus Envy Chapter II: The Harem and Other Enclosures”. Cortesia da artista e da Rena Bransten Gallery\, São Francisco. Fotografia de Matthew Sherman/Cortesia do Museo del Barrio.\n\n\n\nO Museo del Barrio apresenta “Amalia Mesa-Bains: Archaeology of Memory”\, a primeira exposição retrospectiva da artista\, curadora e teórica pioneira. Nascida em 1943 em uma família de imigrantes mexicanos\, Mesa-Bains tem sido uma figura de destaque na arte Chicanx por quase meio século. Sua prática explora temas feministas interseccionais\, espiritualidade centrada no meio ambiente e diversidade cultural para combater as exclusões racistas e de gênero da repressão colonial. A exposição apresenta mais de 40 obras\, incluindo as grandes “instalações-altar” da artista\, bem como gravuras\, livros de artista e códices. Ancorada pela série de vários capítulos “Venus Envy”\, “Archaeology of Memory” é uma rara oportunidade de ver três décadas de obras que desafiam gêneros de Mesa-Bains\, muitas das quais estão sendo exibidas juntas pela primeira vez. \n\n\n\nO Museo del Barrio é o único local na Costa Leste a receber a retrospectiva itinerante\, organizada pelo Berkeley Art Museum e Pacific Film Archive em colaboração com o Latinx Research Center (LRC) da UC Berkeley. A apresentação no Museo del Barrio expande a longa associação de Mesa-Bains com a instituição\, onde seu trabalho tem sido exibido desde os anos 1990. Mais recentemente\, sua arte e escrita crítica serviram como inspiração direta para a aclamada exposição de 2022\, DOMESTICANX\, uma apresentação intergeracional do grupo Latinx que expandiu a teoria inovadora de Mesa-Bains sobre a domesticana. \n\n\n\nEm meados da década de 1970\, a pesquisa de Mesa-Bains nas tradições ancestrais mexicanas levou à sua reinvenção inovadora de formas sagradas—altares domésticos e oferendas aos mortos—através de uma lente contemporânea como arte de instalação. Nas décadas seguintes\, a artista expandiu sua prática baseada em altares\, convertendo móveis domésticos como mesas\, armários ou penteadeiras em lugares de devoção e memória. Subsequentemente\, Mesa-Bains começou a considerar espaços na interseção do privado e do público para explorar as vidas de figuras femininas de contextos históricos e religiosos\, incluindo a freira e intelectual mexicana Sor Juana Inés de la Cruz e La Virgem de Guadalupe. Esses espaços\, que incluem uma biblioteca\, harém\, jardim e laboratório\, fornecem o cenário para a investigação arqueológica de Mesa-Bains sobre as histórias das mulheres e seu apagamento colonial. \n\n\n\nOs desenvolvimentos inovadores de Mesa-Bains são exibidos na série multi-partes “Venus Envy”\, criada entre 1993 e 2023 e em exibição em quatro galerias do Museo del Barrio. “Archaeology of Memory” marca a primeira vez que “Venus Envy” está sendo mostrada em sua totalidade\, tendo sido originalmente encenada em quatro capítulos em diferentes cenários institucionais\, incluindo a Bienal de Whitney de 1993; o Williams College Museum of Art; a Bernice Steinbaum Gallery; e a Menil Collection. Inspirado na terminologia freudiana\, o título de Mesa-Bains é sugestivo do empoderamento feminino ao longo da história. Outras instalações abordam a experiência da migração\, solidariedades femininas e conhecimento ancestral para reivindicar as histórias que foram ausentes da memória pública através das instituições patriarcais da nação\, religião e museu. Essas peças em grande escala são complementadas ao longo da exposição por obras em papel que iluminam a estética da artista de camadas textuais e baseadas em imagens e escavação em forma bidimensional. Baseando-se em histórias familiares\, experiências pessoais e legados artísticos\, essas gravuras\, livros feitos à mão e códices informam a prática conceitual de Mesa-Bains e servem como mapas para sua trajetória artística.
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LOCATION:El Museo del Barrio\, 1230 5th Avenue at 104th Street\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Don't Forget to Call Your Mother" no The Met Museum
DESCRIPTION:Sadie Barnette\, Photo Bar\, 2022 © Sadie Barnette. Foto: Phillip Maisel.\n\n\n\n\nEm uma época em que as fotografias são principalmente compartilhadas e armazenadas digitalmente\, muitos artistas estão retornando à materialidade dos instantâneos em um álbum ou das imagens em um arquivo como fonte de inspiração. A exposição\, intitulada Don’t Forget to Call Your Mother (“Não Esqueça de Ligar para Sua Mãe”)\, a partir de uma fotografia do provocador italiano Maurizio Cattelan\, consiste em obras da coleção do Met\, que vão dos anos 1970 até os dias atuais\, refletindo sobre os sentimentos complexos de nostalgia e sentimentalismo que esses objetos evocam\, enquanto sublinha o poder do objeto encontrado. \nEntre os artistas em destaque está Sadie Barnette\, para quem as fotografias servem como um portal para iluminar a história esquecida do primeiro bar gay de propriedade de negros em São Francisco e a vida de seu próprio pai\, como ilustra poderosamente sua obra Photo Bar de 2022. Assim como Barnette\, muitos dos artistas da exposição buscam fortalecer o legado das histórias familiares\, enfatizar a importância das relações intergeracionais e considerar as maneiras pelas quais o conhecimento e o respeito pelo passado podem informar o nosso momento atual. Alguns artistas\, como Sophie Calle e Larry Sultan\, exploram suas próprias narrativas para revelar a construção do desejo\, enquanto outros\, incluindo Taryn Simon e Hank Willis Thomas\, examinam histórias que moldaram o diálogo cultural e político. Para alguns\, como Darrel Ellis\, que utilizou fotos de família para negociar o trauma da violência policial\, o pessoal é político. Empregando várias estratégias\, esses artistas consideram como uma coleção de imagens—como um talismã ou um retábulo—constrói relações ao longo do tempo e pode transformar nossa compreensão do presente. \nA exposição é viabilizada por Joyce Frank Menschel.
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LOCATION:The Metropolitan Museum of Art\, 1000 5th Ave\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Indian Sky" no The Met Museum
DESCRIPTION:Marriage procession in a bazaar de uma série Ramayana ou Bhagavata Purana\, c. 1640-1650. (Howard Hodgkin Collection/Metropolitan Museum of Art). Foto © Ashmolean Museum\, University of Oxford\n\n\n\nAo longo de sessenta anos\, o artista britânico Howard Hodgkin (britânico\, Londres 1932–2017 Londres) formou uma coleção de pinturas e desenhos indianos reconhecida como uma das melhores de seu tipo. Um pintor e gravurista altamente respeitado\, Hodgkin colecionou obras dos tribunais Mughal\, Deccani\, Rajput e Pahari datadas do século XVI ao XIX\, que refletem sua paixão pessoal pela arte indiana. Esta exposição apresenta mais de 120 dessas obras\, muitas das quais o Met adquiriu recentemente\, junto com empréstimos do The Howard Hodgkin Indian Collection Trust. \n\n\n\nAs obras em exibição incluem retratos deslumbrantes\, ilustrações textuais lindamente detalhadas\, estudos da natureza e temas devocionais. A exposição também exibirá uma pintura de Hodgkin\, Small Indian Sky\, que alude à sutil relação entre sua própria obra\, a Índia e sua coleção. \n\n\n\nEsta exposição é acompanhada por uma edição do Boletim do Metropolitan Museum of Art.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/indian-sky-no-the-met-museum/
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SUMMARY:"By Way Of: Material and Motion in the Guggenheim Collection" no Guggenheim
DESCRIPTION:Vista da instalação\, By Way Of: Material and Motion in the Guggenheim Collection © Solomon R. Guggenheim Museum\, Nova York\n\n\n\nUma das características mais proeminentes da arte do final do século XVIII em diante\, especialmente após a Segunda Guerra Mundial\, é a tendência dos artistas de evoluir métodos tradicionais de produção artística fora dos limites do estúdio. Esta exposição examina as maneiras pelas quais artistas contemporâneos implementaram novas ideias formadas pelos contextos sociais e históricos de seu tempo\, empurrando os limites da criação artística e dos materiais como resultado. \n\n\n\nBy Way Of oferece uma seleção de obras da coleção permanente do museu\, inspiradas pelo presente da Coleção D.Daskalopoulos. Artistas importantes do movimento Arte Povera das décadas de 1960 e 1970\, como Jannis Kounellis e Mario Merz\, compartilham as galerias com artistas que trabalham atualmente\, como Rashid Johnson\, Mona Hatoum e Senga Nengudi. \n\n\n\nBy Way Of: Material and Motion in the Guggenheim Collection é organizada por Naomi Beckwith\, Diretora Adjunta e Curadora-Chefe Jennifer e David Stockman.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/by-way-of-material-and-motion-in-the-guggenheim-collection-no-guggenheim/
LOCATION:The Guggenheim Museum\, 1071 5th Ave\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Wanda Gág World" no Whitney Museum
DESCRIPTION:Wanda Gág\, The Forge (detalhe)\, 1932. Whitney Museum of American Art\, New York; purchase 32.103. © Estate of  Wanda Gág\n\n\n\nEsta exposição apresenta uma seleção de gravuras da artista\, ilustradora e autora de livros infantis Wanda Gág (1893–1946). Estas obras registram o mundo como Gág o experimentava: um lugar onde as paisagens se movem ritmicamente e os objetos inanimados vibram com vida. Embora ela também pintasse\, as artes gráficas ofereceram o método mais eficaz para expressar essa visão única. \n\n\n\nNascida em Minnesota\, filha de imigrantes da Boêmia Alemã (atualmente parte da República Tcheca)\, Gág chegou a Nova York em 1917 para estudar na Art Students League\, onde se tornou uma figura central da cena artística modernista da cidade. Sem aderir à abstração nem ao realismo social — os movimentos artísticos dominantes na época — Gág desenvolveu sua própria abordagem à figuração. Ao longo de sua carreira\, ela alcançou um sucesso modesto vendendo suas gravuras e produziu vários livros infantis populares\, exemplos dos quais são apresentados na mostra. Gág também foi uma escritora prolífica sobre sua vida e obra\, e trechos de suas cartas e diários acompanham as gravuras em exibição. \n\n\n\nCompletamente extraídas da coleção do Whitney\, as obras nesta exposição abrangem aproximadamente duas décadas\, desde meados da década de 1920 até o ano anterior à morte de Gág. Juntos\, esses naturezas-mortas\, paisagens e interiores iluminam o que a artista chamou de “mundo de Wanda Gág”\, demonstrando sua fervorosa busca para capturar o sentimento e o movimento da vida como ela via. \n\n\n\nO Wanda Gág World é co-curado por Roxanne Smith\, Assistente Sênior de Curadoria\, e Scout Hutchinson\, Curadora Bolsista.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/wanda-gag-world-no-whitney-museum/
LOCATION:Whitney Museum of American Art\, 99 Gansevoort St Manhattan\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:Pacita Abad no MoMA PS1
DESCRIPTION:Vista da instalação de Pacita Abad: A Million Things to Say no Museu de Arte Contemporânea e Design\, Manila\, De La Salle-College of Saint Benilde\, 2018. Cortesia de Pacita Abad Art Estate e MCAD Manila. Foto: At Maculangan/Pioneer Studios.\n\n\n\nNesta primavera\, o MoMA PS1 apresenta a primeira retrospectiva da artista Pacita Abad (filipino-americana\, 1946–2004). Abrangendo os 32 anos de carreira da artista\, a exposição inclui mais de 50 obras\, a maioria das quais nunca foram exibidas ao público nos Estados Unidos antes desta exposição. Largamente autodidata\, Abad é mais conhecida por seus trapuntos\, pinturas acolchoadas feitas costurando e enchendo suas telas em vez de esticá-las sobre uma estrutura de madeira. Após se mudar para os Estados Unidos em 1970 para escapar da perseguição política do regime autoritário de Marcos\, Abad buscou dar visibilidade aos refugiados políticos e aos povos oprimidos por meio de seu trabalho. “Sempre acreditei que um artista tem uma obrigação especial de lembrar a sociedade de sua responsabilidade social”\, disse ela. Organizada pelo Walker Art Center em colaboração com o espólio de Abad\, a apresentação celebra o trabalho multifacetado de uma artista cujas preocupações visuais\, materiais e conceituais vibrantes impulsionam conversas relevantes sobre globalização\, poder e resiliência. \n\n\n\nA exposição é acompanhada pela primeira grande publicação sobre o trabalho de Abad\, produzida pelo Walker. O volume é editado com texto de Victoria Sung e inclui contribuições de Julia Bryan-Wilson\, Nancy Lim\, Ruba Katrib\, Xiaoyu Weng e Matthew Villar Miranda\, além de uma história oral abrangente de Pio Abad e Sung.
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LOCATION:MoMA PS1\, 22-25 Jackson Ave LIC\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"A Year with Children 2024" no Guggenheim
DESCRIPTION:Vista da instalação “A Year with Children 2024” no Guggenheim\n\n\n\nEsta exposição apresenta obras criadas por alunos participantes do programa Learning Through Art (LTA)\, o programa de residência artística do Guggenheim nas escolas primárias públicas da cidade de Nova York. O LTA associa artistas docentes a educadores de sala de aula em cada um dos cinco distritos da cidade para projetar atividades que explorem arte e ideias relacionadas ao currículo escolar. O programa promove a curiosidade\, o pensamento crítico e a investigação colaborativa contínua. \n\n\n\nLearning Through Art e A Year with Children 2024 são generosamente apoiados pelo Grupo Lavazza e pelo Departamento de Assuntos Culturais da Cidade de Nova York em parceria com o Conselho da Cidade.
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LOCATION:The Guggenheim Museum\, 1071 5th Ave\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Hiroshige’s 100 Famous Views of Edo" no Brooklyn Museum
DESCRIPTION:Utagawa Hiroshige\, Ryogoku Ekoin and Moto-Yanagibashi Bridge\, No. 5 in One Hundred Famous Views of Edo (detalhe)\, 5º mês de 1857. Museu do Brooklyn\, Doação de Anna Ferris (Foto: Museu do Brooklyn)\n\n\n\nQuais são os locais imperdíveis em sua cidade favorita? Onde você vai quando precisa de um respiro de ar fresco? O que torna certos bairros famosos? Junte-se a um artista insider em um passeio pela Tóquio do século XIX (então conhecida como Edo)\, desde depósitos de madeira até restaurantes famosos\, e veja se suas escolhas iluminam sua própria relação com as cidades que você conhece bem. \n\n\n\nPela primeira vez em vinte e quatro anos\, as 100 Vistas Famosas de Edo de Utagawa Hiroshige – um dos maiores tesouros do Brooklyn Museum – retorna à exibição pública. O conjunto completo dessas gravuras celebradas pelo museu está entre os melhores do mundo\, cheio de cores vibrantes preservadas por décadas na escuridão. \n\n\n\nEnquanto a maioria das apresentações se concentrou na sofisticação técnica das gravuras e na influência sobre artistas europeus\, aqui focamos no seu tema urbano. Originalmente publicada em 1856-58\, a série captura a paisagem socioeconômica e ambiental em evolução da cidade que se tornaria Tóquio. Através das gravuras e de objetos complementares da coleção do museu\, você será imerso na Tóquio do meio do século XIX e a verá pelos olhos das pessoas comuns que povoam os cenários de Hiroshige. Você encontrará todas as quatro estações em cenas de piqueniques sob as flores de cerejeira\, tempestades de verão\, folhas de bordo caindo e crepúsculos de inverno. A exposição também inclui fotografias modernas para mostrar como as cenas de Hiroshige se transformaram na Tóquio atual. \n\n\n\nO artista Takashi Murakami (nascido em Tóquio\, Japão\, em 1962) leva as vistas de Hiroshige a um reino mais fantástico com um conjunto de suas próprias pinturas. Criadas em resposta direta às 100 Vistas Famosas de Edo\, essas obras nos convidam a reconsiderar o mundo de Hiroshige e suas contribuições para a história da arte global.
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LOCATION:Brooklyn Museum\, 200 Eastern Pkwy Brooklyn\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Journeys" de Tamiko Nishimura na Alison Bradley Projects
DESCRIPTION:© Tamiko Nishimura\n\n\n\nA Alison Bradley Projects tem a honra de anunciar Journeys de Tamiko Nishimura\, a primeira exposição solo da artista nos Estados Unidos\, com curadoria de Pauline Vermare e acompanhada por uma publicação da Dashwood Books. Em exibição a partir de 25 de abril\, a exposição vai até 8 de junho\, com uma recepção para a artista em 25 de abril\, das 18h às 20h. \n\n\n\nTamiko Nishimura (西村多美子\, Nishimura Tamiko\, nascida em Tóquio\, 1948) formou-se no Tokyo College of Photography (hoje Tokyo Visual Arts) em 1969. Ela emergiu como parte da vibrante cena avant-garde japonesa no início dos anos 1970\, depois que um de seus colegas da faculdade\, que era ator em uma companhia de teatro avant-garde chamada Jōkyō Gekijō (“Teatro da Situação”)\, a convidou para fotografar uma performance. Nishimura percebeu então que era profundamente atraída pelo “que é expresso através do corpo”. Ao longo dos anos\, seu trabalho – em grande parte baseado em suas próprias jornadas e experiências no Japão e no exterior – transmite uma perspectiva pessoal e lindamente teatral do mundo. \n\n\n\nNishimura fotografa de maneira instintiva e espontânea. Sua linguagem visual é poética\, espiritual e profundamente pessoal. Enquanto sua abordagem estilística à criação de imagens\, em preto e branco contrastado\, muitas vezes borrado ou granulado\, está próxima de alguns dos artistas associados à Provoke\, seu trabalho é impregnado de uma qualidade introspectiva e assombrada que evoca uma dimensão emocional única e profunda. Ao longo de sua longa e contínua carreira\, Nishimura fotografou mulheres com uma atenção distinta. O close-up do rosto de uma mulher\, seu cabelo sendo soprado pelo vento; uma mulher caminhando energicamente pela rua com sua cesta de compras\, com a cabeça virada para longe da câmera; as costas de duas mulheres caminhando pela rua; uma menina lendo em um sofá com uma revista apoiada em seus joelhos; ou os retratos íntimos de sua amiga de infância… Essas fotografias retratando mulheres em suas vidas cotidianas estão repletas de uma qualidade conhecedora e empática que se destaca na história da fotografia japonesa. \n\n\n\nA exposição é acompanhada por uma publicação de edição limitada\, edição de 500 cópias\, publicada e distribuída pela Dashwood Books e em colaboração com a Alison Bradley Projects. Esta publicação apresenta reproduções completas de todas as impressões na exposição e é projetada por Alex Lin\, do Studio Lin. A galeria está aceitando pré-encomendas para esta publicação.
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LOCATION:Alison Bradley Projects\, 526 W. 26th Street\, Suite 814\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Melissa Cody: Power Up" na Garth Greenan Gallery
DESCRIPTION:Melissa Cody\, Landscapes of Home (detalhe)\, 2023\n\n\n\nA Garth Greenan Gallery apresenta Melissa Cody: Power Up\, uma exposição de 14 tecidos intricados pela tecelã Navajo de quarta geração\, Melissa Cody. A abertura será na quinta-feira\, 25 de abril de 2024\, sendo esta a primeira exposição individual da artista na galeria de Nova York. A exposição coincidirá com a exposição individual Melissa Cody: Webbed Skies no MoMA PS1\, em exibição até 9 de setembro de 2024. \n\n\n\nO trabalho de Cody está frequentemente associado ao Renascimento de Germantown\, um movimento estilístico nomeado após a lã do governo de Germantown\, na Pensilvânia\, que foi fornecida aos Navajos durante o período da Longa Caminhada. O estilo de tecelagem foi caracterizado por uma complexa interação de contingências tradicionais e históricas: corantes comerciais vibrantes e novas pressões econômicas levaram os tecelões Navajos empreendedores a se adaptarem\, criando novos tecidos ousados. A viabilidade comercial da arte tornou-se um meio de continuidade\, mesmo que a tenha alterado. Em Germantown Sampler (2009)\, Cody leva os corantes comerciais vibrantes ao limite. \n\n\n\nEm Good Luck (2014)\, Cody emprega um motivo Navajo clássico: o Whirling Log\, um símbolo de boa sorte. Reconhecível hoje como uma suástica\, a artista reivindica o símbolo tradicional em uma paleta exuberantemente desafiadora\, circundando-o com outro motivo Navajo: a Rainbow Person\, uma figura protetora. Como se para enfatizar a qualidade brincalhona e bem-humorada do trabalho\, a representação da Rainbow Person de Cody se assemelha a um cabo de extensão — seu rosto assume a forma do plugue\, suas duas pernas a tomada. A tecelagem apertada do tecido cria fronteiras nitidamente definidas ao redor da tipografia pixelada\, que lê “Boa Sorte”. “Eu sou uma criança da cultura dos anos 80 dos videogames: Pac-Man\, Frogger\, Nintendo\,” diz Cody. “Cresci com esse mundo da pixelação.” A artista aborda a tecelagem como uma tradição artística em constante evolução. \n\n\n\nEm suas obras recentes\, Cody aprofunda a ressonância entre a pixelação digital e as imagens representadas no urdume e na trama. Cody\, que normalmente utiliza um tear Navajo tradicional\, começou a usar uma máquina Jacquard\, adicionando uma camada de mediação digital à sua prática. Em Dopamine Dream (2023)\, Cody recombinou padrões Navajo em sobreposições geométricas cada vez mais sofisticadas e esquemas de cores hápticas. Planos visuais são empilhados como janelas de navegador em uma tela de computador. Uma simetria bilateral calmante traz a ordem tão necessária para a composição\, caso contrário fragmentada. A obra foi recentemente apresentada na exposição bienal Made in L.A. 2023: Acts of Living do Museu Hammer.
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LOCATION:Garth Greenan Gallery\, 545 West 20th Street\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Punctum" de Anselm Kiefer na Gagosian
DESCRIPTION:Anselm Kiefer\, Katzensilber (White Mica)\, 1994-2012 © Anselm Kiefer. Foto: Charles Duprat\n\n\n\nA Gagosian apresenta Punctum\, a primeira exposição nos Estados Unidos a se concentrar exclusivamente na fotografia de Anselm Kiefer. Punctum estará em exibição na 976 Madison Avenue de 25 de abril a 3 de julho de 2024. \n\n\n\nA fotografia tem sido um aspecto importante\, mas pouco reconhecido\, da prática de Kiefer desde 1968\, quando ele começou a usar a câmera de 35mm de seu pai. O meio fundamenta a evolução das pinturas do artista e é um componente-chave de seus livros. Punctum oferece novas perspectivas sobre sua exploração de materiais e processos\, e sobre os potenciais simbólicos e expressivos da fotografia. \n\n\n\nO título da exposição refere-se a um conceito formulado por Roland Barthes em seu texto crítico Camera Lucida: Reflections on Photography (1980). Punctum (do latim “puncture” ou “ferida”) denota um detalhe de uma fotografia que evoca um sentimento ou impacto pessoal fora daqueles formados principalmente por seus sujeitos culturalmente codificados. Como se estivesse retratando uma memória de algo que nunca aconteceu\, as fotografias de Kiefer transmitem uma aura abrangente\, evocativa\, até melancólica além das representações convencionais de tempo e lugar.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/punctum-de-anselm-kiefer-na-gagosian/
LOCATION:Gagosian\, 976 Madison Ave Manhattan\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
CATEGORIES:Nova York
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