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SUMMARY:"Crossroads: Rubem Valentim’s 1960s" no ICA Miami
DESCRIPTION:Rubem Valentim\, “Pintura 2”\, 1964. Imagem: Divulgação\n\n\n\n\nO ICA Miami apresenta a primeira exposição em um museu dos Estados Unidos dedicada ao pintor afro-brasileiro Rubem Valentim (nascido em 1922\, Salvador\, Brasil; falecido em 1991\, São Paulo). Uma voz singular na pintura modernista e na abstração geométrica\, Valentim explorou as preocupações formais do meio e suas ressonâncias sociais através de culturas e práticas espirituais. Esta exposição concentra-se nas obras produzidas por Valentim na década de 1960 e na transformação de seu trabalho e pensamento durante esse período. \nValentim dividiu a década entre o Brasil\, que vivia um momento entre a rápida industrialização e a ditadura militar\, e a Europa\, onde teve seu primeiro contato direto com a arte africana e as políticas do Terceiro Mundo que influenciariam sua prática artística. Após se mudar de Salvador para o Rio de Janeiro no final da década anterior\, Valentim produziu\, nos anos 1960\, pinturas marcadas pela forma racional e composição simétrica. Como as obras mais progressistas produzidas no Brasil da época\, incluindo as pinturas de Waldemar Cordeiro e os experimentos fotográficos de Geraldo de Barros\, suas pinturas desse período caracterizam-se pela clareza composicional e fácil comunicabilidade. Valentim buscava oferecer ferramentas para que uma população em rápida urbanização pudesse funcionar melhor com os novos sistemas e velocidades de comunicação\, tecnologias e formas de vida nas cidades em modernização\, ainda que segregadas e economicamente desiguais. \nEntre 1963 e 1966\, Valentim viveu na Europa\, estabelecendo-se principalmente em Roma\, onde realizou sua primeira exposição fora do Brasil. Durante esse período\, visitou outras cidades e\, em Londres\, viu esculturas africanas pela primeira vez. O impacto desse encontro está registrado em suas pinturas desse período: obras que mantêm as linhas precisas e os espaços pictóricos rasos da abstração geométrica\, mas nas quais formas genéricas se transformam em figuras que aludem a totens\, objetos de culto\, fragmentos de arquitetura de templos e signos como machados e flechas associados a divindades afro-brasileiras. Sua estadia no exterior culminou com sua participação no Primeiro Festival Mundial de Artes Negras\, realizado em Dakar\, Senegal\, em 1966. \nEm 1967\, ao retornar para viver em Brasília\, a nova capital moderna do país\, Valentim iniciou a série radical intitulada “Emblemas”. Produzidas em baixo-relevo raso\, essas obras invadem o espaço físico do espectador\, rejeitando qualquer possibilidade de ilusão oferecida pelo plano pictórico. Além disso\, essas obras reduzem ainda mais a paleta de cores de Valentim\, frequentemente empregando apenas uma cor sobre um fundo branco impecável. Embora ainda utilizasse formas geométricas abstratas\, Valentim buscava aprofundar sua conexão com a arte das práticas religiosas afro-brasileiras\, criando pinturas como uma tecnologia para interpretar significados cosmológicos. Nesse processo\, suas pinturas tornaram-se crescentemente ideográficas\, fundindo signo e significado e questionando a própria representação. \nAs obras de Rubem Valentim estão presentes em coleções como as do Museum of Modern Art\, Nova York; Museum of Fine Arts\, Boston; Pinacoteca do Estado de São Paulo; Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro; Museu de Arte Moderna da Bahia; Museu de Arte de Brasília; Museu de Arte de São Paulo (MASP); Museu Afro Brasil\, São Paulo; e o Museum of Fine Arts\, Houston. Seu trabalho foi exibido na Bienal de Veneza e na Bienal de São Paulo. Em 2019\, foi tema de uma importante retrospectiva\, Rubem Valentim: Construções Afro-Atlânticas\, no MASP.
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LOCATION:Institute of Contemporary Art Miami\, 61 NE 41st Street\, Miami\, Flórida\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Keiichi Tanaami: Memory Collage" no ICA Miami
DESCRIPTION:Keiichi Tanaami\, Untitled (Collagebook 7_60)\, c. 1971. Coleção particular\, Reino Unido. Cortesia de Karma\, International\n\n\n\n\nO Institute of Contemporary Art\, Miami\, apresenta Keiichi Tanaami: Memory Collage\, a primeira exposição individual do artista em um museu nos Estados Unidos. Keiichi Tanaami (1936–2024\, Tóquio) foi uma figura pioneira no Pop Art japonês e global ao longo de sete décadas\, criando obras magnificamente imersivas em diversos meios para examinar as culturas americana e japonesa no período pós-guerra. Tanaami antecipou o cruzamento entre cultura popular e arte\, e\, por meio de suas conexões com o design\, adotou uma abordagem radical e crítica sobre como imagens de desejo e violência transformam a sociedade. A exposição reúne obras produzidas entre 1965 e 2024\, destacando o uso do artista do método de colagem para expressar a complexa paisagem midiática contemporânea. \nA vida e obra de Tanaami foram profundamente marcadas por sua criação no Japão\, o trauma da Segunda Guerra Mundial e a reconstrução do país no pós-guerra. Apesar de a guerra ter forçado Tanaami e sua mãe a fugirem para o campo em 1943\, os massivos ataques aéreos dos Estados Unidos em Tóquio no final do conflito\, assim como sua experiência em abrigos antiaéreos\, tiveram um impacto imenso no garoto de nove anos e continuam a assombrar sua imaginação. Suas obras alucinatórias transbordam com aviões americanos\, holofotes\, monstros reais e imaginários e multidões em fuga. Imagens sexuais permeiam sua obra ao longo das décadas\, assim como cores sintéticas; Tanaami registra a cultura popular comercializando o desejo como uma forma de suprimir a devastação da guerra. Tanaami formou-se em design gráfico pela Musashino Art University\, em Kodaira\, Japão\, em 1960\, e construiu uma carreira de sucesso no design e publicidade\, atuando como o primeiro diretor de arte da Playboy japonesa e criando capas de discos para Jefferson Airplane e The Monkees\, contribuindo para a introdução da cultura psicodélica no Japão. \nDurante a década de 1960\, a prática artística de Tanaami frequentemente assumiu a forma de exuberantes colagens repletas de recortes de revistas internacionais. Essas colagens densas são fascinantes índices da cultura visual do pós-guerra\, com referências de fontes ocidentais e japonesas\, formas comerciais e chapbooks. Tanaami também desenvolveu esses conjuntos fantásticos de imagens por meio de animações musicais\, surreais e psicodélicas\, que hoje são clássicos do cinema de vanguarda. \nCombinando mídias díspares\, Tanaami criou mundos que exploram como a guerra distorce a percepção por meio de fragmentação\, pesadelos e visões alucinatórias. Nos anos 1970\, suas icônicas pinturas combinavam paisagens idílicas com publicidade\, imagens eróticas e slogans anti-guerra. Nas décadas seguintes\, Tanaami expandiu continuamente esses mundos\, citando mangás\, teatro e\, cada vez mais\, a história da arte\, inspirando-se em fontes tão variadas quanto a Escola de Fontainebleau do século XVI e as xilogravuras japonesas (ukiyo-e). Nos últimos anos\, o artista explorou o papel do criador na cultura visual com a série Pleasure of Picasso (2020–)\, que utiliza apropriação e repetição de forma lúdica e técnica\, refletindo sobre a compressão entre arte social\, comercial e histórica na contemporaneidade. \nA exposição também apresenta uma visão concisa do trabalho recente de Tanaami\, um período de grande produtividade e experimentação para o artista. Em pinturas de escala épica e imagens em movimento complexas\, Tanaami empregou tecnologia para ampliar suas visões caleidoscópicas. Com essas pinturas radicalmente produzidas\, impressas digitalmente e visualmente saturadas\, o artista reflete sobre o regime contemporâneo de imagens onipresentes e o espectro sempre presente da história.
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LOCATION:Institute of Contemporary Art Miami\, 61 NE 41st Street\, Miami\, Flórida\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Jaime Hayon: BESTIAL" na Mindy Solomon Gallery
DESCRIPTION:Jaime Hayon\, “Mingbeast Vase I”\, 2024. Divulgação/Cortesia Mindy Solomon Gallery\n\n\n\n\n\n\n\n\n“Bestial” é uma palavra que remete à fauna\, mas também funciona como um adjetivo superlativo para algo impressionante\, incrível\, brutal ou selvagem. A exposição aborda a relação entre natureza e humanidade de maneira crítica\, lúdica e irônica\, apresentando animais com características e gestos humanos que adentram realidades desconhecidas. \nCom pinceladas enérgicas e furiosas de saturação máxima\, as bestas metamórficas parecem explodir nas telas. Intensos e contraditórios\, flora e fauna se buscam em um universo onírico\, explorando a condição incerta do mundo natural e da humanidade que o domina. Nesta exposição individual\, por meio de pinturas e esculturas feitas de diversos materiais\, Hayon transcende a realidade e a imaginação para investigar temas como fragilidade\, incerteza e a busca contínua por autodescoberta. \nNa visão do artista\, os animais desempenham um papel essencial na história da arte\, simbolizando emoções e experiências humanas ao longo das civilizações. Desde os egípcios\, que humanizaram os animais em seus deuses\, até artistas como Picasso\, Dalí e Rousseau\, os animais expressam força\, fúria e paixão em nosso cotidiano. \nJaime Hayon se inspira nessa herança para criar formas fantásticas que transmitem sentimentos humanizados. Ele encontra uma fonte profunda de inspiração na arte egípcia antiga e nas pinturas de flores flamengas\, onde cores vibrantes contrastam com fundos escuros. Para Hayon\, conectar passado e presente é essencial\, refletindo como animais\, fauna e flora têm enriquecido as narrativas pictóricas e escultóricas ao longo da história humana.
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LOCATION:Mindy Solomon Gallery\, 848 NW 22 Street\, Miami\, Flórida\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Vanessa Raw: This is How the Light Gets In" no Rubell Museum
DESCRIPTION:Vanessa Raw\, “When I talk to the night”\, 2024. Cortesia da artista e do Rubell Museum\n\n\n\n\nNascida em 1984 em Hexham\, Inglaterra\, Vanessa Raw vive e trabalha em Margate\, também na Inglaterra. Sua apresentação no Rubell Museum Miami marca sua primeira exposição nos Estados Unidos\, bem como sua primeira mostra institucional. Nas obras de grande escala recém-comissionadas\, as camadas distintas de pinceladas e o uso expressivo de cores de Raw retratam um mundo onírico e exclusivamente feminino—um paraíso terrestre onde a natureza é benevolente e senciente\, e onde o desejo feminino ocupa um lugar central. Ex-triatleta\, a maestria praticada de Raw sobre seu próprio corpo transparece em seu trabalho sobre a tela. Suas figuras são tranquilas e à vontade\, mas possuem agência. Elas se deleitam na companhia umas das outras e na paisagem exuberante\, suave e repleta de cores—um verdadeiro paraíso encontrado.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/vanessa-raw-this-is-how-the-light-gets-in-no-rubell-museum/
LOCATION:Rubell Museum\, 1100 NW 23rd St Allapattah\, Miami\, Flórida\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Recent Acquisitions" no Rubell Museum
DESCRIPTION:Vista da exposição com obras de February James e Murjoni Merriweather. Divulgação/Cortesia Rubell Museum\n\n\n\n\nEstendendo a paixão multigeracional dos Rubells por descobrir e apoiar muitos dos artistas mais fascinantes da atualidade\, uma apresentação de aquisições recentes ocupa as galerias centrais do museu. Com exposições individuais de sete artistas\, a maioria deles exibindo pela primeira vez em um museu nos Estados Unidos\, a mostra demonstra o compromisso contínuo dos Rubells em identificar\, envolver e promover artistas emergentes. Os artistas apresentados incluem: \n\nPatrick Goddard\nOlaolu Slawn\nEmmanuel Louisnord Desir\nFebruary James\, Murjoni Merriweather\nMichelle Uckotter\nOmari Douglin
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SUMMARY:"Alien" na David Castillo Gallery
DESCRIPTION:Song Kun\, “Self Portrait: Dragon Girl”\, 2024. Divulgação/Cortesia David Castillo Gallery\n\n\n\n\nAlienCuradoria de Yesiyu Zhao \nO conceito de alienígena é um construto complexo e multifacetado\, que entrelaça ideias de alteridade\, estranhamento e o desconhecido. A exposição Alien\, com curadoria da artista da galeria Yesiyu Zhao\, reúne mais de 40 artistas da diáspora asiática\, que trabalham globalmente em uma diversidade de mídias\, para explorar e articular os significados sutis associados ao alienígena e à alienação em suas inúmeras formas—abrangendo contextos culturais\, sociais e políticos. Aqui\, o termo “alienígena” transcende o campo da ficção científica\, capturando as realidades frequentemente duras do deslocamento\, imigração e o sentimento pervasivo de ser um outsider em qualquer ambiente. \nPor meio de suas obras\, esses artistas interrogam e iluminam as dimensões multifacetadas do que significa ser alienígena no mundo contemporâneo. Eles oferecem insights sobre as experiências vividas e os desafios existenciais enfrentados por aqueles que navegam\, e talvez até mesmo abraçam\, as condições mutáveis e conflitantes de ser alienígena. \nDesenvolvida nos últimos dois anos\, a exposição inclui artistas de diversas cidades da Ásia\, dos Estados Unidos e da Europa. As obras viajaram para Miami vindas de locais como Antuérpia\, Austin\, Bangcoc\, Pequim\, Berlim\, Brooklyn\, Chicago\, Hong Kong\, Huangshan\, Londres\, Los Angeles\, Nova York\, Newark\, Seul\, Xangai e Tóquio. A exposição é historicamente significativa como a primeira pesquisa sobre a diáspora asiática em Miami\, seja em museu ou galeria. Este olhar multifacetado sobre criadores da Ásia e de ascendência asiática é oportuno\, enquanto a galeria se aproxima de 20 anos de inovação em descobertas conceituais e artísticas.
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LOCATION:David Castillo Gallery\, 3930 NE 2nd Ave #201\, Miami\, United States
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SUMMARY:"Ding Shilun: Janus" no ICA Miami
DESCRIPTION:Ding Shilun\, “Smile Reveal”\, 2024. Cortesia do artista e Bernheim Gallery. Crédito da foto: Eva Herzog\n\n\n\n\nDing Shilun: Janus apresenta um conjunto de pinturas recém-comissionadas e uma instalação site-specific na primeira exposição individual do artista em um museu nos Estados Unidos. As obras etéreas e\, por vezes\, inquietantes de Shilun apresentam mitologias idiossincráticas inspiradas em sua vida cotidiana. Cada pintura funciona como uma vinheta individual\, retratando cenas autônomas e frequentemente ambíguas que utilizam a figuração para transmitir emoções intensas e anedotas simples\, em vez de narrativas elaboradas. \nO artista se refere a essa forma de contar histórias como uma “fábula pessoal”; os protagonistas de suas pinturas são avatares do próprio artista\, que ele descreve como “projeções e incorporações do meu eu interior\, refletindo minha confusão ao viver entre diferentes culturas e ideologias\, assim como meu desejo de construir minha própria realidade.” O título da exposição\, Janus\, foi inspirado no deus romano dos começos e fins\, escolhido pelo artista para evocar esse paradoxo em suas obras. \nAs pinturas de Shilun são influenciadas por uma ampla gama de imagens de referência\, tradições e técnicas. A teatralidade de suas obras\, assim como seus temas sobrenaturais e satíricos\, têm como influência a ópera Nuo—performances da religião popular chinesa Nuoismo—\, bem como coleções proeminentes do folclore chinês e as célebres gravuras de Francisco Goya\, como a série Los caprichos (Os Caprichos\, 1797–98). Para imitar os pigmentos à base de água da pintura tradicional chinesa gongbi\, Shilun aplica numerosas camadas finas de tinta a óleo diluída. Esse método delicado contrasta com a iconografia volátil de suas obras\, evocando as contradições e tensões da vida cotidiana.
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LOCATION:Institute of Contemporary Art Miami\, 61 NE 41st Street\, Miami\, Flórida\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Lucy Bull: The Garden of Forking Paths" no ICA Miami
DESCRIPTION:Lucy Bull\, “Most Attractive”\, 2019. Foto: © A Artista. Cortesia da Artista\n\n\n\n\nO ICA Miami apresenta a primeira exposição em um museu dos Estados Unidos da pintora Lucy Bull (n. 1990\, Nova York)\, baseada em Los Angeles\, intitulada Lucy Bull: The Garden of Forking Paths. Uma voz única na pintura abstrata contemporânea\, Bull explora questões formais e experienciais do meio por meio de uma aplicação dinâmica de tinta. Seus gestos enérgicos criam campos pictóricos eruptivos\, onde cores exuberantes e formas elusivas\, referência e atmosfera\, densidade e transparência estão em constante tensão. \nAs obras de Bull situam-se no limite da linguagem. Nelas\, o macroscópico e o microscópico frequentemente trocam de lugar\, com paisagens se transformando em representações de espaços psíquicos internos. Mundos se consolidam momentaneamente em suas pinturas\, apenas para se render novamente à dinâmica de constante transformação. Suas obras ganham vida com temperaturas emocionais moduladas e associações amplas. Em última análise\, elas levam a consciência visual dos espectadores ao limite: sobrecarga óptica e dissonância disruptiva deslocam a percepção típica para um modo hipersensível. \nLucy Bull: The Garden of Forking Paths inclui dezesseis pinturas produzidas entre 2019 e 2024. Entre elas estão obras horizontais de grande escala\, que se estendem por mais de três metros de largura\, marcando um novo campo de exploração para a artista e reunidas pela primeira vez nesta exposição. Além dessas\, a mostra inclui uma série de pinturas verticais que continuam a pesquisa pictórica da artista ao longo da última década. \nEm paralelo à exposição\, Bull criará a próxima instalação no vão da escada do ICA Miami\, que ficará em exibição até setembro de 2025.
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SUMMARY:"Marguerite Humeau: \*sk\*/ey-" no ICA Miami
DESCRIPTION:Vista da instalação de “Marguerite Humeau: sk/ey-” no Institute of Contemporary Art\, Miami. Foto: Oriol Tarridas\n\n\n\n\nO ICA Miami apresenta *sk*/ey-\, uma grande exposição individual da artista Marguerite Humeau (n. 1986\, França; vive em Londres)\, composta por esculturas e um vídeo recém-comissionados. Esta instalação imersiva marca a primeira apresentação institucional de grande escala da artista nos Estados Unidos\, onde Humeau experimenta formas por meio de narrativas abstratas de mundos alternativos. Informadas pela ameaça das mudanças climáticas\, essas novas esculturas polinizam\, florescem e se armam\, propondo um modo de vida potencialmente inevitável: uma existência pós-humana em que seres nômades habitam o ar e estão em perpétuo movimento. \nOs métodos laboratoriais de Humeau testam radicalmente a materialidade e a temporalidade para explorar os mistérios da existência humana\, desde pré-histórias até noções especulativas de futuro. Minuciosamente pesquisada e frequentemente desenvolvida em colaboração com especialistas que vão de antropólogos e paleontólogos a coletores e clarividentes\, a prática multidisciplinar da artista envolve tanto a produção de conhecimento quanto a criação de novas mitologias. “Estou extraindo as essências de eventos reais e expandindo para cenários ‘e se?’”\, afirma Humeau. “Estou prototipando mundos invisíveis\, extintos ou paralelos ao nosso.” A artista se inspira em ideias perdidas e formas de vida extintas\, utilizando especulação\, pesquisa e metodologia para preencher lacunas em diferentes campos do conhecimento. \nO título da exposição vem do termo proto-indo-europeu arcaico sk-ey\, que significa descascar ou dividir\, aludindo a uma misteriosa mutação da Terra. Humeau cria um mundo em metamorfose\, onde o solo se desprende da Terra e se transforma em seres nômades voadores. A exposição começa com um vídeo recém-comissionado que narra a cosmologia de um sol eterno criado pelo homem\, uma grande migração e a transformação de formas de vida terrestres em habitantes nômades e sem raízes no céu. A trilha sonora do vídeo ecoa a paisagem em transformação\, alternando entre melodias evocativas e ruídos rítmicos viscerais. \nEm uma grande nova instalação\, Humeau evoca uma paisagem desértica. A artista cita a frase da historiadora de arte Petra Lange-Berndt\, “o solo está cheio de corpos decompostos”\, como ponto de partida para três esculturas que parecem emergir do chão no centro do espaço. Feitas de materiais orgânicos como nogueira esculpida com 150 anos\, borracha fundida\, vidro soprado à mão e seda semi-translúcida adornada\, suas superfícies lembram tanto mofo quanto carne\, erguendo-se como extrusões do solo. \nOutro grupo de esculturas espalhadas pelo espaço parece ter se arrancado do chão. Com contornos que evocam estátuas matriarcais\, essas obras parecem ter se transformado de materiais vegetais em figuras emplumadas e aladas. Os materiais que compõem essas obras—vidro soprado\, seda semi-translúcida\, feltro encerado e lã crua—passaram por processos meticulosos de tingimento\, imersão\, fundição e oxidação para criar ornamentos elaborados que evocam mofo\, lama seca\, casca derretida\, fogo e luz dourada do sol. Como sistemas fechados\, esses seres nômades se “abrigam” de maneira autossuficiente. Eles povoam o espaço expositivo\, empoleirados nas paredes\, como se pudessem alçar voo a qualquer momento.
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