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SUMMARY:"Anthony McCall: Solid Light" na Tate Modern
DESCRIPTION:Anthony McCall. “Split Second (Mirror)” (2018). Vista da instalação\, Sean Kelly Gallery\, Nova York\, 2018. Fotografia de Dan Bradica\n\n\n\n\nSeus movimentos e interações dão vida às obras dentro de Solid Light\, uma exposição focada nas instalações imersivas de Anthony McCall. \nFeixes de luz projetados através de uma fina névoa criam formas tridimensionais grandes no espaço\, que mudam e se transformam lentamente. Ao se mover por essas esculturas translúcidas de luz\, você cria novas formas e descobre perspectivas fascinantes. \nPosicionada entre escultura\, cinema\, desenho e performance\, McCall é conhecido por suas instalações inovadoras de luz. Em 1973\, sua obra seminal Line Describing a Cone redefiniu as possibilidades da escultura. \nAnthony McCall é apresentado na The George Economou Gallery. \nCuradoria de Gregor Muir\, Diretor de Coleção de Arte Internacional\, Tate Modern\, e Andrew de Brún\, Curador Assistente de Arte Internacional\, Tate Modern.
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SUMMARY:"Electric Dreams: Art and Technology Before the Internet" na Tate Modern
DESCRIPTION:Heinz Mack durante as filmagens do filme TELE-MACK no deserto do Saara\, a leste do Oásis Kebili\, Tunísia\, 1968. Foto: Edwin Braun/VG Bild-Kunst\, Bonn\, 2024\, DACS\, Londres\, 2024\n\n\n\n\nTate Modern apresenta Electric Dreams\, uma exposição que explora o impacto da tecnologia na arte desde o nascimento da op art até a era da internet. \nA mostra reúne obras pioneiras de artistas internacionais que utilizaram ciência\, tecnologia e inovação material para criar instalações sensoriais imersivas e obras geradas automaticamente. Destaque para os ambientes psicodélicos das décadas de 1950 e 1960\, desenvolvidos com princípios matemáticos\, componentes motorizados e processos industriais inovadores\, além dos experimentos com arte digital e sistemas de computação doméstica nas décadas de 1970 e 1980. \nElectric Dreams\, uma das exposições mais ambiciosas da Tate Modern\, oferece aos visitantes a oportunidade de vivenciar obras icônicas de arte tecnológica em funcionamento\, revisitando como os artistas imaginaram a linguagem visual do futuro.
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SUMMARY:"The Face Magazine: Culture Shift" na National Portrait Gallery
DESCRIPTION:SEAGULL (SARF COASTIN’) por Elaine Constantine. Estilizado por Polly Banks\, dezembro de 1997\n\n\n\n\nThe Face Magazine: Culture Shift celebra imagens icônicas de moda e retratos da The Face\, a revista pioneira de cultura jovem e estilo que moldou o cenário criativo e cultural no Reino Unido e além. \nDe 1980 a 2004\, The Face desempenhou um papel fundamental na criação da cultura contemporânea. Músicos que estamparam suas capas alcançaram sucesso global\, e os modelos que a revista destacou—incluindo uma jovem Kate Moss—tornaram-se alguns dos rostos mais reconhecidos de sua época. O veículo também impulsionou as carreiras de fotógrafos e estilistas de moda\, oferecendo-lhes liberdade criativa para reinventar radicalmente a linguagem visual da fotografia de moda e definir o espírito de sua geração. Relançada em 2019\, a revista continua sendo um espaço inovador e disruptivo para criadores de imagens\, destacando novos talentos na fotografia\, moda\, música e design gráfico. \nA exposição reunirá trabalhos de mais de 80 fotógrafos\, entre eles Sheila Rock\, Stéphane Sednaoui\, Corinne Day\, David Sims\, Elaine Constantine e Sølve Sundsbø\, apresentando mais de 200 fotografias—uma oportunidade única de ver muitas dessas imagens fora das páginas da revista pela primeira vez. \nThe Face Magazine: Culture Shift é curada por Sabina Jaskot-Gill\, curadora sênior de fotografia da National Portrait Gallery\, em colaboração com os consultores curatoriais Lee Swillingham\, ex-diretor de arte da The Face entre 1992 e 1999\, e Norbert Schoerner\, fotógrafo cujo trabalho esteve presente na revista ao longo dos anos 1990 e 2000. A mostra será acompanhada por uma publicação de mesmo nome\, com textos de Ekow Eshun\, Sabina Jaskot-Gill\, Jamie Morgan\, Pete Paphides e Matthew Whitehouse\, além de entrevistas entre Nick Logan e Lee Swillingham; Neville Brody\, Jill Furmanovsky e Sheila Rock; Elaine Constantine\, Glen Luchford e Nancy Rohde; e Norbert Schoerner e Stéphane Sednaoui.
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SUMMARY:"Leigh Bowery!" na Tate Modern
DESCRIPTION:Fergus Greer\, “Leigh Bowery Session I Look 2″\, 1988 © Fergus Greer\n\n\n\n\nA curta\, porém extraordinária\, vida de Leigh Bowery deixou uma marca distinta e inegável no mundo da arte e além. \nArtista\, performer\, modelo\, personalidade da TV\, promotor de clubes\, designer de moda e músico\, Bowery assumiu múltiplos papéis\, sempre recusando os limites impostos pela convenção. \nDesde sua ascensão na cena noturna da Londres dos anos 1980 até suas performances ousadas e provocativas em galerias\, teatros e nas ruas\, Bowery trilhou um caminho vibrante e intransigente. Ele reinventou roupas e maquiagem como formas de pintura e escultura\, testou os limites do decoro e celebrou o corpo como uma ferramenta mutável\, capaz de desafiar normas estéticas\, de sexualidade e de gênero. \nAbraçando a performance\, a cultura dos clubes e o design de moda\, Bowery criou algumas das imagens mais icônicas das décadas de 1980 e 1990\, que ainda ressoam e influenciam artistas como Alexander McQueen\, Jeffrey Gibson\, Anohni e Lady Gaga. \nEsta exposição eclética e imersiva oferece uma rara oportunidade de experienciar muitos dos ‘Looks’ de Bowery\, além de suas colaborações com artistas como Michael Clark\, John Maybury\, Baillie Walsh\, Fergus Greer\, Nick Knight e Lucian Freud. \nA mostra traz uma nova perspectiva sobre as cenas criativas de Londres\, Nova York e outros centros culturais\, com figuras como Sue Tilley\, Trojan\, Princess Julia\, Les Child\, Andrew Logan\, Lady Bunny\, Scarlett Cannon\, MINTY e Boy George. \nDo clube ao palco\, da galeria ao espaço público\, esta exposição convida o visitante a mergulhar no universo dinâmico de Bowery\, onde as fronteiras entre arte e vida se dissolvem. \nA exposição é organizada pela Tate Modern em colaboração com Nicola Rainbird\, diretora e proprietária do espólio de Leigh Bowery.
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SUMMARY:"Remembering" de Arpita Singh na Serpentines Galleries
DESCRIPTION:Arpita Singh\, “My Lollipop City: Gemini Rising”\, 2005. Vadehra Art Gallery © Arpita Singh\n\n\n\n\nRemembering é a primeira exposição individual institucional de Arpita Singh fora da Índia\, reunindo obras-chave selecionadas em estreita colaboração com a artista\, cuja carreira prolífica se estende por mais de seis décadas. As pinturas de Singh refletem seu estado emocional e psicológico\, inspiradas na arte folclórica bengalesa\, nas narrativas indianas e nas próprias experiências diante de conflitos sociais e transformações globais. \nApresentada na Serpentine North\, a exposição percorre os trabalhos luminosos de Singh desde os anos 1960 até os mais recentes\, exibindo desde suas grandes telas em óleo até aquarelas e desenhos em nanquim de escala mais intimista. Remembering revela como a artista transita entre surrealismo\, figuração e abstração\, além de suas referências às pinturas de corte indianas. A partir da década de 1990\, Singh passou a aprofundar temas como maternidade\, envelhecimento do corpo feminino\, sensualidade\, vulnerabilidade e violência\, refletindo como os relacionamentos e os eventos externos moldam seu universo emocional e psicológico. \nSuas obras são retratos íntimos da vida doméstica e interior\, mas também se debruçam sobre as experiências de mulheres que enfrentam os desafios do mundo exterior. Resistindo a interpretações únicas\, Singh cria uma tensão constante ao entrelaçar paisagens urbanas labirínticas com observações sobre eventos históricos perturbadores e cenas da vida cotidiana. \nA curadoria de Remembering é assinada por Tamsin Hong\, curadora de exposições\, e Liz Stumpf\, assistente de curadoria.
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LOCATION:Serpentine South Gallery\, Kensington Gardens London W2 3XA\, Londres\, Reino unido
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SUMMARY:"Giuseppe Penone: Thoughts in the Roots" na Serpentines Galleries
DESCRIPTION:Giuseppe Penone\, “Alberi libro (Book Trees)\, 2017\, e Respirare l’ombra (To Breathe the Shadow)”\, 2000\, vista da instalação\, Serpentine South. © Foto: George Darrell. Cortesia de Giuseppe Penone e Serpentine\n\n\n\n\nRemembering é a primeira exposição individual institucional de Arpita Singh fora da Índia\, reunindo obras-chave selecionadas em estreita colaboração com a artista\, cuja carreira prolífica se estende por mais de seis décadas. As pinturas de Singh refletem seu estado emocional e psicológico\, inspiradas na arte folclórica bengalesa\, nas narrativas indianas e nas próprias experiências diante de conflitos sociais e transformações globais. \nApresentada na Serpentine North\, a exposição percorre os trabalhos luminosos de Singh desde os anos 1960 até os mais recentes\, exibindo desde suas grandes telas em óleo até aquarelas e desenhos em nanquim de escala mais intimista. Remembering revela como a artista transita entre surrealismo\, figuração e abstração\, além de suas referências às pinturas de corte indianas. A partir da década de 1990\, Singh passou a aprofundar temas como maternidade\, envelhecimento do corpo feminino\, sensualidade\, vulnerabilidade e violência\, refletindo como os relacionamentos e os eventos externos moldam seu universo emocional e psicológico. \nSuas obras são retratos íntimos da vida doméstica e interior\, mas também se debruçam sobre as experiências de mulheres que enfrentam os desafios do mundo exterior. Resistindo a interpretações únicas\, Singh cria uma tensão constante ao entrelaçar paisagens urbanas labirínticas com observações sobre eventos históricos perturbadores e cenas da vida cotidiana. \nA curadoria de Remembering é assinada por Tamsin Hong\, curadora de exposições\, e Liz Stumpf\, assistente de curadoria.
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SUMMARY:"The Genesis Exhibition: Do Ho Suh: Walk the House" na Tate Modern
DESCRIPTION:Do Ho Suh. “Nest/s”\, 2024. © Do Ho Suh\n\n\n\n\nO artista Do Ho Suh\, nascido na Coreia do Sul e radicado em Londres\, convida o público a explorar suas instalações em grande escala\, esculturas\, vídeos e desenhos em uma importante exposição panorâmica. \nO que é “lar”? Um lugar\, um sentimento ou uma ideia? Suh propõe perguntas urgentes sobre o enigma do pertencimento\, da identidade e de como nos movemos e habitamos o mundo ao nosso redor. \nPor meio de obras imersivas que exploram pertencimento\, coletividade e individualidade\, conexão e desconexão\, o artista investiga a relação complexa entre arquitetura\, espaço\, corpo\, memória e os momentos que moldam quem somos. \nPercorra os corredores e limiares das famosas arquiteturas têxteis de Suh. Descubra suas primeiras instalações\, obras delicadas sobre papel e vídeos. Caminhe por Seul\, Nova York e Londres através de réplicas em escala real de lares passados e presentes. Encontre esculturas que repensam a tradição dos monumentos. \nVivencie a amplitude e a profundidade da prática inventiva e singular de Do Ho Suh ao longo de três décadas — com destaque para novas obras e criações site-specific exibidas pela primeira vez.
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SUMMARY:"Hiroshige: artist of the open road" no British Museum
DESCRIPTION:Utagawa Hiroshige\, Vista ao Entardecer dos Oito Pontos Cênicos de Kanazawa na Província de Musashi. Tríptico de gravura em madeira colorida\, 1857. Empréstimo da coleção de Alan Medaugh.\n\n\n\n\nEmbarque com Hiroshige em uma jornada poética pelo Japão do período Edo\, explorando tanto a beleza natural das paisagens quanto os prazeres da vida urbana. \nEsta é a primeira exposição dedicada a Hiroshige no British Museum e a primeira em Londres em mais de 25 anos. A mostra oferece um retrato visual deslumbrante de um país prestes a passar por transformações profundas. Nascido em um período de instabilidade na história japonesa\, Utagawa Hiroshige (1797–1858) se tornou um dos artistas mais talentosos\, prolíficos e populares do Japão. Em um momento em que o país começava a enfrentar a pressão do mundo exterior\, a visão serena de Hiroshige estabeleceu uma conexão poderosa — e reconfortante — com pessoas de todas as classes sociais. \nDe personagens da moda e vibrantes cenas urbanas a paisagens remotas e registros do mundo natural\, Hiroshige capturou uma multiplicidade de aspectos da vida no Japão de seu tempo. Suas impressionantes gravuras de aves e flores revelam sua sensibilidade poética em relação à natureza\, enquanto suas paisagens evocativas refletem o interesse crescente pelas viagens dentro do país. Hiroshige retratava seu mundo\, por vezes\, como ele realmente era — e\, muitas vezes\, como imaginava que poderia ser. \nDotado de notável habilidade técnica\, tanto como colorista quanto desenhista\, Hiroshige possuía um olhar empático para pessoas de todos os estratos sociais. Diferente da maioria dos designers de gravura de sua época\, ele vinha de uma família samurai\, mas cruzou fronteiras sociais ao se dedicar à representação dos costumes populares. Sua obra era também acessível: além de suas celebradas gravuras de paisagem\, Hiroshige produziu centenas de abanos descartáveis e portáteis\, acessíveis a qualquer pessoa. \nA exposição reúne gravuras\, desenhos\, livros ilustrados e pinturas da coleção do British Museum\, além de uma doação significativa e empréstimos de obras do colecionador norte-americano Alan Medaugh\, especializado na obra de Hiroshige\, e de outras coleções importantes. Além de explorar o vasto legado do artista\, a mostra também reflete sobre sua influência global\, que atravessa desde o período Edo (1615–1868) até chegar a artistas como Vincent van Gogh e contemporâneos como Julian Opie.
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SUMMARY:"Robert Healy to John Minton: the Nina Drucker bequest" no British Museum
DESCRIPTION:William Turner of Oxford\, “Study from Nature on Shotover Hill”. c. 1810s–20s. Divulgação\n\n\n\n\nEsta mostra celebra a doação de Nina Drucker (1934–2022)\, colecionadora de arte dos séculos XVIII ao XX e apoiadora de longa data do British Museum. \nTendo estudado piano na Royal Academy of Music’s Junior Academy e frequentado concertos ao longo de toda a vida\, Drucker era uma entusiasta da música — e também profundamente apaixonada pelas artes visuais. Sua doação inclui 30 gravuras e desenhos\, selecionados de um acervo de mais de uma centena de obras que ocupavam literalmente todas as superfícies disponíveis de seu apartamento no norte de Londres. A coleção traz obras de artistas até então não representados no acervo do museu. \nA seleção apresentada aqui reúne alguns dos destaques da doação\, ao lado de obras da coleção permanente — com a qual Drucker tinha grande familiaridade por meio de visitas a exposições\, consultas no Prints and Drawings Study Room e na plataforma Collection online. Um raro desenho do retratista irlandês Robert Healy (1743–1771) torna-se a primeira obra desse artista a ingressar no British Museum. Aquarelas de paisagem de David Cox (1783–1859) e William Turner of Oxford (1789–1862) complementam os conjuntos já existentes desses artistas. Algumas das obras favoritas de Drucker\, como as gravuras de Christopher Richard Wynne Nevinson (1889–1946) e um conjunto de desenhos de John Minton (1917–1957)\, fortalecem de forma significativa o acervo de arte moderna britânica do museu.
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SUMMARY:"Colour and line: Watteau drawings" no British Museum
DESCRIPTION:Antoine Watteau\, detalhe de seu desenho “Cinco estudos da cabeça de uma mulher”. Giz vermelho\, preto e branco\, cerca de 1716–1717.\n\n\n\n\nExplore os desenhos de um dos mais talentosos e versáteis desenhistas do século XVIII. \nAntoine Watteau (provavelmente 1684–1721) foi um dos artistas mais influentes e prolíficos da França no século XVIII. Em uma carreira breve\, que durou pouco mais de uma década\, ele levou a pintura a novas direções que guiariam gerações de artistas franceses\, combinando cenas de gênero\, mitologia e a leveza rococó em obras tão inovadoras que deram origem a um novo gênero: a fête galante. \nWatteau conquistou reconhecimento especial pelos milhares de desenhos que produziu ao longo da vida. O desenho\, como já percebiam seus contemporâneos\, era seu meio de expressão favorito\, lhe trazendo\, segundo consta\, “muito mais prazer do que suas pinturas finalizadas”. Ele desenhava incessantemente e desenvolveu ideias sobre o valor do desenho tão originais quanto suas pinturas. Ao contrário da prática acadêmica\, que previa estudos preparatórios diretamente vinculados a uma obra\, Watteau desenhava de forma especulativa\, criando ideias que poderiam ser incorporadas a uma pintura meses ou até anos depois. Seus desenhos eram feitos para serem apreciados como obras autônomas\, representando a versão mais fresca e imediata de seus pensamentos\, que\, segundo ele\, se enfraqueciam quando transformados em pintura. \nNenhum outro lugar valorizou tanto essas qualidades quanto a Grã-Bretanha\, e\, ao longo dos últimos dois séculos\, colecionadores britânicos contribuíram para que o British Museum formasse uma das melhores coleções de desenhos de Watteau no mundo. Reunindo quase todos os trabalhos autógrafos presentes no acervo\, esta é a primeira exposição dedicada aos desenhos de Watteau no museu desde 1980. A variedade de obras demonstra não só seu talento extraordinário como desenhista\, mas também sua abordagem sofisticada e inovadora ao desenho e o prestígio que suas obras gráficas conquistaram entre os grandes conhecedores da Europa.
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SUMMARY:"Raphael to Cozens: drawings from the Richard Payne Knight bequest" no British Museum
DESCRIPTION:John Robert Cozens\, “Monte Etna visto da Grotta del Capro”\, 1777\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\nRafael\, Michelangelo e Thomas Gainsborough estão entre os grandes mestres cujas obras estarão em exibição em uma nova mostra que celebra um legado transformador do século XIX. \nO antiquário e colecionador de arte Richard Payne Knight (1751–1824) deixou em testamento mais de mil desenhos para o British Museum. A qualidade excepcional de sua coleção transformou o acervo gráfico do museu\, consolidando-o como um espaço onde o público poderia admirar tanto desenhos de mestres antigos quanto obras da arte britânica contemporânea de sua época. \nNascido em uma família abastada de industriais do ferro\, em Herefordshire\, Payne Knight recebeu uma formação clássica e\, assim como muitos de sua geração\, complementou seus estudos com uma longa viagem pela Itália\, o famoso “Grand Tour”. Lá\, aprofundou seu interesse pelas civilizações antigas\, pelos idiomas clássicos e formou o gosto estético que mais tarde orientaria tanto sua prática de colecionador quanto seus escritos teóricos. \nSua considerável fortuna lhe permitiu adquirir os melhores desenhos disponíveis no mercado de arte de Londres no final do século XVIII. A exposição explora a amplitude dos interesses intelectuais de Payne Knight por meio de algumas das obras mais celebradas desse legado. Desenhos de mestres do Renascimento e do Barroco\, como Rafael\, Michelangelo e Claude Lorrain\, estarão ao lado de trabalhos de contemporâneos seus\, como Thomas Gainsborough e John Robert Cozens. Juntas\, essas obras revelam o fascínio de Payne Knight por paisagens\, pela romantização do passado clássico e pela sua admiração pela energia e espontaneidade dos artistas que colecionava. \nEsta é a primeira vez\, desde sua chegada ao British Museum em 1824\, que uma seleção representativa desse legado tão importante é exibida ao público.
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