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SUMMARY:"NAOMI: In Fashion exhibition" no V&A Museum
DESCRIPTION:Naomi Campbell. Imagem: Divulgação V&A Museum\n\n\n\nNAOMI: In Fashion explora os 40 anos inigualáveis da carreira da modelo e ícone cultural Naomi Campbell. Após ser descoberta em Covent Garden aos 15 anos\, Campbell rapidamente ganhou destaque na indústria e fez história alguns anos depois\, aos 18\, ao se tornar a primeira modelo negra a estampar a capa da Vogue Paris\, em agosto de 1988. \n\n\n\nProduzida em colaboração com Campbell e destacando sua voz e perspectiva\, NAOMI: In Fashion é a primeira exposição a celebrar a habilidade e a contribuição de uma modelo individual para a indústria da moda. A exposição conta com o extenso guarda-roupa de alta-costura e prêt-à-porter de Campbell\, incluindo peças de momentos-chave de sua carreira\, além de empréstimos de arquivos de designers e objetos das coleções do V&A. Entrelaçado está o ativismo de Campbell\, que desde cedo defendeu a equidade\, juntando-se à Black Girls Coalition em 1989 e liderando a edição de 2007 da Vogue Itália\, chamada “A Black Issue”\, que clamava por diversidade nas passarelas. \n\n\n\nBecoming Naomi \n\n\n\nA exposição começa com clipes impactantes de Campbell na passarela\, ilustrando seu lendário “andar”. A primeira seção\, “Becoming Naomi”\, explora a infância de Campbell e fundamenta seu sucesso posterior em seu treinamento inicial de dança. Nascida em 1970 no sul de Londres\, ela aspirava a uma carreira no palco e se apresentou em videoclipes dos anos 1980 para artistas como Bob Marley e Culture Club. Sua vida mudou aos 15 anos\, quando foi abordada pela agente de modelos Beth Boldt enquanto fazia compras com amigos da escola. Dois anos depois\, ela estaria na capa da Vogue e desfilando para renomados designers em Londres\, Paris\, Milão e Nova York. \n\n\n\nSupermodel \n\n\n\nCampbell entrou na moda em um momento de mudança. No início dos anos 1990\, o termo supermodelo – ou modelo que se tornou celebridade internacional – era amplamente usado em referência direta a Campbell e um pequeno grupo de colegas. A moda havia se tornado entretenimento de massa e Campbell estava no centro dessa emoção\, sendo apoiada por designers líderes como John Galliano\, Gianni Versace\, Karl Lagerfeld\, Vivienne Westwood e Yves Saint Laurent. Ela se tornou conhecida por sua presença superlativa na passarela\, enquanto seu trabalho com fotógrafos de destaque criou algumas das imagens mais memoráveis da época. Simultaneamente\, ela transcendeu o mundo da moda\, atuando em videoclipes\, lançando seu próprio perfume e se tornando uma defensora da diversidade. \n\n\n\nAzzedine Alaïa \n\n\n\nA próxima seção foca na relação pessoal e profissional de Campbell com o falecido designer Azzedine Alaïa\, nascido na Tunísia e baseado em Paris\, a quem ela conheceu durante seus primeiros dias em Paris e a quem chamou de “Papa”. Famoso por seus designs que acentuam as formas\, Alaïa via o físico escultural de Campbell como “um corpo perfeito”\, o que inspirou grande parte de seu trabalho. Juntos\, criaram momentos mágicos na passarela e editoriais de destaque. \n\n\n\nNew York \n\n\n\nCampbell se mudou para Nova York aos 17 anos\, dividindo um apartamento com a colega modelo Christy Turlington antes de garantir seu próprio lugar na East 30th Street. Campbell mergulhou na vibrante cena da moda da cidade\, forjando amizades duradouras com designers e outros da indústria\, de Marc Jacobs a Anna Sui\, relações que resistiriam ao teste do tempo. \n\n\n\nThe spotlight \n\n\n\nDesde o início dos anos 1990\, Campbell tem sido uma das modelos mais destacadas do mundo – e uma das mulheres negras mais reconhecidas – na televisão\, nos celulares\, em videoclipes e jornais. A seção “The spotlight” explora um momento biográfico muito divulgado quando Campbell cumpriu um período de serviço comunitário por ordem judicial. Em exibição está o vestido Dolce & Gabbana que Campbell usou em seu último dia de serviço comunitário – um look que ela vestiu em resposta aos paparazzi que capturavam sua chegada e partida todos os dias. \n\n\n\nExemplar \n\n\n\nA próxima seção examina Naomi Campbell como um exemplo na área\, focando em suas colaborações iniciais com casas de moda como Dolce & Gabbana\, Vivienne Westwood e Jean Paul Gaultier. Formadas quando Campbell era jovem\, essas conexões evoluíram para amizades colaborativas de décadas\, com designers valorizando sua habilidade de glamourizar qualquer roupa e modelar os conjuntos mais difíceis com aparente facilidade. \n\n\n\nCurada por Edward Enninful OBE\, uma seleção de fotografias na exposição destaca a alquimia única de Campbell com a câmera. Apresentando trabalhos de fotógrafos mundialmente renomados como Steven Meisel\, Arthur Elgort\, Patrick Demarchelier e David Bailey\, Campbell tem um profundo respeito por aqueles com quem trabalha\, reconhecendo seu talento artístico e visão\, e colaborando para alcançar a imagem que eles têm em mente.
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SUMMARY:"Anthony McCall: Solid Light" na Tate Modern
DESCRIPTION:Anthony McCall. “Split Second (Mirror)” (2018). Vista da instalação\, Sean Kelly Gallery\, Nova York\, 2018. Fotografia de Dan Bradica\n\n\n\n\nSeus movimentos e interações dão vida às obras dentro de Solid Light\, uma exposição focada nas instalações imersivas de Anthony McCall. \nFeixes de luz projetados através de uma fina névoa criam formas tridimensionais grandes no espaço\, que mudam e se transformam lentamente. Ao se mover por essas esculturas translúcidas de luz\, você cria novas formas e descobre perspectivas fascinantes. \nPosicionada entre escultura\, cinema\, desenho e performance\, McCall é conhecido por suas instalações inovadoras de luz. Em 1973\, sua obra seminal Line Describing a Cone redefiniu as possibilidades da escultura. \nAnthony McCall é apresentado na The George Economou Gallery. \nCuradoria de Gregor Muir\, Diretor de Coleção de Arte Internacional\, Tate Modern\, e Andrew de Brún\, Curador Assistente de Arte Internacional\, Tate Modern.
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SUMMARY:Turner Prize 2024 na Tate Britain
DESCRIPTION:Alter Altar\, de Jasleen Kaur\, que foi indicada para o Turner Prize de 2024. Foto: Tate Britain/PA\n\n\n\n\nPio Abad\, Claudette Johnson\, Jasleen Kaur e Delaine Le Bas são os quatro artistas indicados para o Turner Prize de 2024. A exposição com seus trabalhos será inaugurada no Tate Britain em 25 de setembro de 2024\, e o vencedor será anunciado em 3 de dezembro de 2024. \nCriado em homenagem ao pintor radical JMW Turner\, o Turner Prize foi concedido pela primeira vez em 1984. Anualmente\, premia um artista britânico que tenha realizado uma exposição ou apresentação de destaque. \nArtistas Indicados para o Turner Prize 2024: \nPio AbadA arte de Pio Abad explora a perda cultural e histórias coloniais\, muitas vezes refletindo sobre sua infância nas Filipinas. Com desenhos\, gravuras e esculturas que retratam e transformam artefatos de museus britânicos\, Abad traz à tona histórias esquecidas e as conecta com nosso presente. Ele foi indicado por sua exposição solo To Those Sitting in Darkness\, no Museu Ashmolean\, em Oxford. \nClaudette JohnsonClaudette Johnson cria retratos figurativos impactantes de homens e mulheres negros\, usando pastel\, guache e aquarela. Sua arte examina a marginalização das pessoas negras na história da arte ocidental\, frequentemente retratando amigos e familiares. Ela foi indicada por suas exposições Presence\, na The Courtauld Gallery\, em Londres\, e Drawn Out\, na Ortuzar Projects\, em Nova York. \nJasleen KaurJasleen Kaur produz instalações ao reunir e recriar objetos do cotidiano\, renegociando tradições e mitos. Um harmonium automatizado\, sinos de adoração cinéticos e um Ford Escort vermelho coberto com um grande bordado compõem uma trilha sonora imersiva\, refletindo histórias herdadas e reprimidas. Ela foi indicada por sua exposição solo Alter Altar\, no Tramway\, em Glasgow. \nDelaine Le BasDelaine Le Bas transforma seus ambientes em monumentais instalações imersivas\, com tecidos pintados\, figurinos teatrais e esculturas. Sua arte se inspira na rica história cultural do povo romani e em mitologias\, explorando temas de morte\, perda e renovação. Ela foi indicada por sua apresentação Incipit Vita Nova. Here Begins The New Life/A New Life Is Beginning\, na Secession\, em Viena.
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SUMMARY:"Silk Roads" no British Museum
DESCRIPTION:Imagem: Divulgação\n\n\n\n\nCaravanas de camelos atravessando dunas do deserto\, mercadores negociando sedas e especiarias em bazares – essas são as imagens que costumamos associar às Rotas da Seda. No entanto\, a realidade é muito mais complexa. \nEm vez de uma única rota comercial de Leste a Oeste\, as Rotas da Seda eram formadas por redes sobrepostas que ligavam comunidades na Ásia\, África e Europa\, desde o Leste Asiático até a Grã-Bretanha\, e da Escandinávia a Madagascar. Esta exposição significativa explora como as jornadas de pessoas\, objetos e ideias ao longo das Rotas da Seda moldaram culturas e histórias. \nAs Rotas da Seda foram usadas por milênios\, mas esta exibição visualmente impressionante foca em um período definidor de sua história\, aproximadamente entre 500 e 1000 d.C. Nesse período\, ocorreram avanços significativos na conectividade e o surgimento de religiões universais que uniram comunidades através de continentes. \nTrabalhando com 29 parceiros nacionais e internacionais\, a exposição apresenta objetos de diversas regiões e culturas\, lado a lado com itens da coleção do Museu Britânico. Essa é uma oportunidade única de ver objetos provenientes de toda a extensão das Rotas da Seda. Desde cerâmicas chinesas da dinastia Tang destinadas a portos do Oriente Médio até granadas indianas encontradas em Suffolk\, esses itens revelam o alcance impressionante dessas redes. \nPeças destacadas do Uzbequistão e do Tajiquistão\, nunca vistas antes no Reino Unido\, também ressaltam a importância da Ásia Central nessa narrativa que abrange continentes. \nVocê conhecerá figuras cujas histórias se entrelaçam com as Rotas da Seda\, como Willibald\, um astuto contrabandista de bálsamo da Inglaterra\, e uma lendária princesa chinesa que compartilhou os segredos da criação de seda com seu novo reino. Cruzando desertos\, montanhas\, rios e mares\, as Rotas da Seda contam uma história de conexão entre culturas e continentes\, séculos antes da formação do mundo globalizado que conhecemos hoje.
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SUMMARY:“Ghost and Spirit” de Mike Kelley na Tate Modern
DESCRIPTION:Mike Kelley\, Ahh…Youth!\, 1991\n\n\n\n\nDescubra os mundos elaborados\, provocativos e imaginários criados pelo artista experimental Mike Kelley. \nDe meados da década de 1970 até 2012\, Kelley produziu uma vasta obra que inclui desenho\, colagem\, performance\, objetos encontrados e vídeo. \nAbrangendo toda a carreira de Kelley\, a exposição apresenta suas esculturas de ‘artesanato’ feitas com têxteis e brinquedos de pelúcia\, além de suas instalações multimídia\, como Day Is Done. \nInspirando-se na cultura popular e underground\, na literatura e na filosofia\, Kelley explora como os papéis que desempenhamos na sociedade estão entrelaçados com fatos históricos e personagens imaginários dos filmes e imagens que consumimos. \nMais de uma década após sua morte\, as reflexões de Kelley sobre identidade e memória continuam a ressoar. \nOrganizada pela Tate Modern em colaboração com a Bourse de Commerce\, Paris\, K21\, Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen\, Düsseldorf e Moderna Museet\, Estocolmo.
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SUMMARY:Hyundai Commission "Mire Lee: Open Wound" na Tate Modern
DESCRIPTION:Hyundai Commission: Mire Lee: Open Wound\, Vista da Instalação\, Foto © Tate (Lucy Green)\n\n\n\n\nInspirando-se na história da Tate Modern como uma antiga usina\, Mire Lee transforma o Turbine Hall com esculturas suspensas de tecido e instalações mecânicas épicas\, reinventando o espaço como uma fábrica viva. Uma mistura fascinante de materiais\, como silicone e correntes\, dá vida às suas criações\, desafiando nossas ideias sobre o que é belo\, perverso\, provocativo e desejável. Open Wound nos convida a experimentar emoções contraditórias: desde o espanto e o desgosto até a compaixão\, o medo e o amor.
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SUMMARY:"Lauren Halsey: emajendat" na Serpentines Galleries
DESCRIPTION:Lauren Halsey\, land of the sunshine wherever we go II (detalhe)\, 2021. Cortesia de Lauren Halsey\n\n\n\n\nNos últimos dez anos\, Lauren Halsey (nascida em 1987\, Los Angeles\, EUA) desenvolveu uma linguagem visual distinta\, profundamente enraizada em South Central Los Angeles\, onde sua família vive há gerações. Por meio de objetos e instalações\, Halsey arquiva e reinventa os sinais e símbolos mutantes de seu ambiente\, coletando materiais físicos e gráficos de seu bairro. Em seu trabalho\, Halsey funde passado\, presente e futuro\, interessando-se pela iconografia conectada à diáspora africana\, ícones negros e queer\, e à arquitetura. Ela cita a sobreposição sônica e visual coletiva associada ao funk como modelo para sua abordagem artística\, atravessando o tempo e extraindo uma ampla variedade de fontes. \nemajendat\, a primeira exposição solo da artista no Reino Unido\, transforma a Serpentine South Gallery em um ‘jardim Funk’ imersivo que responde à localização do edifício nos Kensington Gardens\, oferecendo uma extensão do parque para dentro das galerias. No centro da exposição está uma versão em tamanho real dos vinhetas característicos de Halsey\, geralmente vistos em miniatura em esculturas ou dispostos em tableaux intrincados. Aqui\, um chão prismático e paredes feitas de CDs formam o cenário para figuras ampliadas\, funkmounds e uma fonte de água viva. A primeira obra de imagem em movimento da artista é apresentada ao lado de dunas de areia e um papel de parede personalizado. \nA prática de Halsey se estende ao Summaeverythang\, um centro comunitário que ela fundou em 2019\, dedicado ao “empoderamento e transcendência de pessoas negras e pardas\, sociopoliticamente\, economicamente\, intelectualmente e artisticamente.” Seu trabalho celebra a vitalidade de South Central e oferece uma forma criativa de resistência à sua crescente gentrificação. Halsey aborda suas exposições em galerias e comissões como protótipos para um de seus objetivos: criar um parque de esculturas permanente em South Central.
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SUMMARY:"Hew Locke: What Have We Here?" no British Museum
DESCRIPTION:Hew Locke\, “Souvenir 20 (Queen Victoria)”\, 2024. Cortesia do artista. Foto: Anna Arca © Hew Locke\n\n\n\n\nNesta exposição inovadora\, Hew Locke (nascido em 1959) explora\, questiona e desafia as narrativas do imperialismo britânico por meio de objetos da coleção do British Museum\, além de novas obras especialmente encomendadas. Oferecendo uma perspectiva inédita sobre a história e o acervo do museu\, intimamente ligados ao império britânico\, Locke investiga as complexas e\, por vezes\, problemáticas formas como os museus se envolvem com essas histórias. \nNascido em Edimburgo e criado em Georgetown\, na Guiana\, Locke foca nas interações históricas da Grã-Bretanha com a África\, a Índia e o Caribe\, que tiveram impacto significativo na história de seu país natal. Essa abordagem dá forma a uma investigação profundamente pessoal dos objetos exibidos. Usando técnicas interventivas\, Locke ressignifica itens históricos\, como os primeiros desenhos sobreviventes de americanos indígenas feitos por um artista europeu e um cocar Akawaio da Guiana. \nThe Watchers\, uma série de esculturas inéditas de Locke\, ocupa um lugar central na exposição\, com figuras que observam os visitantes de pontos estratégicos e se expandem para a Galeria do Iluminismo (Sala 1) do museu. \nEssa ousada e instigante exposição co-curada abre espaço para discussões sobre história\, propriedade e identidade. \nHew Locke: What Have We Here? é uma exposição criada por Hew Locke e o British Museum\, com a colaboração de Indra Khanna.
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SUMMARY:"Electric Dreams: Art and Technology Before the Internet" na Tate Modern
DESCRIPTION:Heinz Mack durante as filmagens do filme TELE-MACK no deserto do Saara\, a leste do Oásis Kebili\, Tunísia\, 1968. Foto: Edwin Braun/VG Bild-Kunst\, Bonn\, 2024\, DACS\, Londres\, 2024\n\n\n\n\nTate Modern apresenta Electric Dreams\, uma exposição que explora o impacto da tecnologia na arte desde o nascimento da op art até a era da internet. \nA mostra reúne obras pioneiras de artistas internacionais que utilizaram ciência\, tecnologia e inovação material para criar instalações sensoriais imersivas e obras geradas automaticamente. Destaque para os ambientes psicodélicos das décadas de 1950 e 1960\, desenvolvidos com princípios matemáticos\, componentes motorizados e processos industriais inovadores\, além dos experimentos com arte digital e sistemas de computação doméstica nas décadas de 1970 e 1980. \nElectric Dreams\, uma das exposições mais ambiciosas da Tate Modern\, oferece aos visitantes a oportunidade de vivenciar obras icônicas de arte tecnológica em funcionamento\, revisitando como os artistas imaginaram a linguagem visual do futuro.
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SUMMARY:"Japanese Art History à la Takashi Murakami" na Gagosian
DESCRIPTION:Takashi Murakami\, “Rakuchū-Rakugai-zu Byōbu: Iwasa Matabei RIP”\, 2023–24 (detalhe). © 2023–24 Takashi Murakami/Kaikai Kiki Co.\, Ltd. Todos os direitos reservados. Foto: Josh White\n\n\n\n\nA Gagosian apresenta Japanese Art History à la Takashi Murakami\, uma exposição de novas pinturas de Takashi Murakami na galeria Grosvenor Hill\, em Londres. Nesta apresentação\, o artista explora sua fascinação pela narrativa da arte japonesa ao reinterpretar pinturas históricas. “Murakamizando” essas imagens icônicas\, ele reflete sobre a erosão do esplendor antigo do Japão e considera como este foi influenciado por novas estéticas e valores associados à abertura do país ao Ocidente após o fim do período Edo (1603–1868). \nUma das obras em destaque\, Rakuchū-Rakugai-zu Byōbu: Iwasa Matabei RIP (2023–24)\, é inspirada no Rakuchū-Rakugai-zu Byōbu (Cenas dentro e ao redor de Kyoto) de Iwasa Matabei\, versão Funaki\, do acervo do Museu Nacional de Tóquio. O trabalho original do século XVII retrata a cidade de Kyoto em detalhes extraordinários em dois biombos de seis painéis. A versão de Murakami\, encomendada para sua exposição Mononoke Kyoto no Museu de Arte da Cidade de Kyoto Kyocera\, substitui as nuvens de folhas de ouro por crânios\, um memento mori inspirado em uma visita ao cemitério Toribeno. Ele também incorpora elementos de sua iconografia\, como figuras sorridentes em forma de flores e o conhecido personagem Mr. DOB. \nAs pinturas de Murakami sobre os Quatro Símbolos\, guardiões míticos de Kyoto\, associam cada um deles a locais da cidade alinhados às quatro direções da bússola: a Tartaruga Negra ao Monte Funaoka e ao Monte Kitayama no norte; o Dragão Azul ao Rio Kamo no leste; o Pássaro Vermilion ao Lago Ogura no sul; e o Tigre Branco à estrada San’indo no oeste. Para chegar a essas associações\, Murakami combinou esboços próprios com imagens geradas por inteligência artificial e fragmentos de trabalhos anteriores\, num processo que ecoa a inventividade de artistas históricos ao retratar criaturas imaginárias ou desconhecidas.
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LOCATION:Gagosian Grosvenor Hill\, 20 Grosvenor Hill\, Londres
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