"Amar se aprende amando" de Antonio Bandeira na Pinacoteca do Ceará
2022-12-22 - 2026-03-15 | Pinacoteca do Ceará, R 24 de Maio, 34 - Centro, Fortaleza, Brazil
Amar se aprende amando, dedicada a Antonio Bandeira, encerra no próximo dia 15 de março na Pinacoteca do Ceará, após mais de três anos em cartaz.
Maior mostra já realizada sobre o artista, a exposição reuniu 608 obras e documentos do acervo do Governo do Ceará e integrou a programação de inauguração do museu, em dezembro de 2022, celebrando o centenário do pintor.
Com curadoria de Bitu Cassundé e assistência de Chico Cavalcante Porto, a exposição propôs uma abordagem não linear da trajetória de Bandeira, articulando diferentes cronologias e linguagens para revelar os processos criativos do artista — dos estudos iniciais às telas finalizadas.

"Wordplay" no ICA Boston
2024-01-30 10:00 - 2025-01-05 17:00 (America/Sao_Paulo) | Institute of Contemporary Art Boston, 25 Harbor Shore Dr, Boston, Massachusetts, Estados Unidos
Renée Green, Space Poem #1, 2007. Vista da instalação, Renée Green, no Instituto de Arte Contemporânea/Boston, 2021–22. Foto por Liza Voll.

Destacando a rica interação entre imagem e texto e as práticas relacionadas de observar e ler, “Wordplay” se baseia principalmente na coleção permanente do ICA para mostrar como artistas contemporâneos brincaram com palavras para animar e expandir suas práticas artísticas. O texto tem sido parte da expressão visual por séculos, mas a “arte textual” como um gênero começou a proliferar com o surgimento da arte conceitual nos anos 1960. Artistas na exposição usam texto para explorar questões filosóficas, expressar e subverter mensagens políticas, desafiar noções de identidade e conectar suas obras com múltiplas referências, escritores e ícones culturais. Esta exposição apresentará muitas obras recentemente adquiridas que nunca foram exibidas, de artistas como Kenturah Davis, Taylor Davis, Joe Wardwell e Rivane Neuenschwander, ao lado de trabalhos de Shepard Fairey, Jenny Holzer, Glenn Ligon, entre outros que pioneiraram o engajamento criativo com a linguagem.

Igshaan Adams no ICA Boston
2024-02-13 10:00 - 2025-02-15 17:00 | Institute of Contemporary Art Boston, 25 Harbor Shore Dr, Boston, Massachusetts, Estados Unidos
Igshaan Adams, Lynloop, 2024. Vista da instalação, Igshaan Adams, no Instituto de Arte Contemporânea/Boston, 2024-25. Foto por Mel Taing.

O artista multidisciplinar Igshaan Adams (nascido em 1982 em Cidade do Cabo, África do Sul) explora como as pessoas habitam e se movimentam pelo espaço. Adams utiliza práticas de tecelagem para tornar visíveis os padrões cotidianos de movimento que falam sobre formas de cuidado, sobrevivência e resistência na África do Sul pós-apartheid. As recentes tapeçarias de grande escala tecidas por Adams apontam para a interconectividade da espiritualidade do artista, histórias familiares e narrativas da comunidade local, enraizadas em sua herança sul-africana, assim como o uso problemático da terra na região. Ele se inspira no termo de planejamento urbano “linhas de desejo” — caminhos criados por pedestres ao longo do tempo que estão fora dos passeios planejados. Na prática de Adams e na África do Sul, a criação de linhas de desejo representa um ato de transgressão diante dos limites fixos impostos pelo governo durante a era do apartheid para separar à força as comunidades de acordo com castas raciais.

Lynloop, a monumental nova comissão de Adams para o ICA/Boston, é uma tecelagem experimental composta por várias partes, desenvolvida em resposta à arquitetura do museu e às memórias da infância do artista. Baseia-se em imagens aéreas dos caminhos cruzados entre um campo de esportes e um espaço recreativo murado ao sul de onde Adams cresceu. Por meio da obra, Adams considera o impacto das experiências e memórias da infância na trajetória da vida de uma pessoa. Ele escreve: “Ao lidar com o desconforto de crescer entre esses espaços hiper-masculinos, a instalação explora como tive que sobrepor minhas próprias fantasias às memórias de uma maneira que suaviza as arestas duras e a frieza desta área.” Em tons de rosa com contas, cordas, correntes e mohair, Lynloop é um mapeamento impressionante e tátil do espaço, interação humana e memória.

"Wanda Gág World" no Whitney Museum
2024-03-28 10:30 - 2024-12-01 18:00 | Whitney Museum of American Art, 99 Gansevoort St Manhattan, Nova York, Nova York, Estados Unidos
Wanda Gág, The Forge (detalhe), 1932. Whitney Museum of American Art, New York; purchase 32.103. © Estate of Wanda Gág

Esta exposição apresenta uma seleção de gravuras da artista, ilustradora e autora de livros infantis Wanda Gág (1893–1946). Estas obras registram o mundo como Gág o experimentava: um lugar onde as paisagens se movem ritmicamente e os objetos inanimados vibram com vida. Embora ela também pintasse, as artes gráficas ofereceram o método mais eficaz para expressar essa visão única.

Nascida em Minnesota, filha de imigrantes da Boêmia Alemã (atualmente parte da República Tcheca), Gág chegou a Nova York em 1917 para estudar na Art Students League, onde se tornou uma figura central da cena artística modernista da cidade. Sem aderir à abstração nem ao realismo social — os movimentos artísticos dominantes na época — Gág desenvolveu sua própria abordagem à figuração. Ao longo de sua carreira, ela alcançou um sucesso modesto vendendo suas gravuras e produziu vários livros infantis populares, exemplos dos quais são apresentados na mostra. Gág também foi uma escritora prolífica sobre sua vida e obra, e trechos de suas cartas e diários acompanham as gravuras em exibição.

Completamente extraídas da coleção do Whitney, as obras nesta exposição abrangem aproximadamente duas décadas, desde meados da década de 1920 até o ano anterior à morte de Gág. Juntos, esses naturezas-mortas, paisagens e interiores iluminam o que a artista chamou de “mundo de Wanda Gág”, demonstrando sua fervorosa busca para capturar o sentimento e o movimento da vida como ela via.

O Wanda Gág World é co-curado por Roxanne Smith, Assistente Sênior de Curadoria, e Scout Hutchinson, Curadora Bolsista.

"Rose Marie Cromwell: A Geological Survey" no ICA Miami
2024-04-05 11:00 - 2024-10-27 18:00 | Institute of Contemporary Art Miami, 61 NE 41st Street, Miami, Flórida, Estados Unidos
Rose Marie Cromwell, Rearview, 2022. Cortesia da artista.

O ICA Miami apresenta “Rose Marie Cromwell: A Geological Survey”, a primeira exposição individual da artista em um museu, destacando seu trabalho mais recente de 2022-23, no qual ela aplica sua própria interpretação à tradicional arte da fotografia de paisagem. Uma reflexão pessoal sobre identidade, maturação e relações familiares, a série de fotografias acompanha a artista, sua mãe e sua filha jovem em uma jornada pelo Oeste Americano. Juxtapondo esse empreendimento profundamente pessoal com preocupações sociais e ecológicas mais amplas, as fotografias visualmente impactantes e emocionantes confrontam a história complexa da região e o legado carregado das representações artísticas da paisagem.

Rose Marie Cromwell (n. 1983, Sacramento; baseada em Miami) é uma artista de foto e vídeo cujo trabalho explora os efeitos da globalização no local, bem como o espaço tênue entre o político e o espiritual. Seu primeiro livro, El Libro Supremo de la Suerte, foi publicado em 2018 pela TIS books e recebeu o Prêmio Light Work Photobook e foi nomeado um dos 25 Melhores Fotolivros de 2018 pela revista TIME. Em 2021, ela publicou dois livros, Eclipse (TIS books) e A More Fluid Atmosphere (Pomegranate Press). Ela teve exposições individuais na DiabloRosso e Antítesis, ambas na Cidade do Panamá, Panamá; Institute 193, Lexington, Kentucky; e Filter Photo, Chicago. Seu trabalho também foi exibido na Aperture Foundation, Nova York; High Museum, Atlanta; PRIZM Art Fair, Miami; TILT Institute for the Contemporary Image, Filadélfia; e o Silver Eye Center for Photography, Pittsburgh; entre muitos outros. Cromwell é beneficiária de uma bolsa Fulbright e uma bolsa Getty Reportage, foi artista residente no Light Work e artista residente na Oolite Arts em Miami.

“Rose Marie Cromwell: A Geological Survey” é organizada pelo Instituto de Arte Contemporânea, Miami, e curada por Gean Moreno, Diretor do Centro Art + Research da Fundação Knight no ICA Miami, e Amanda Morgan, Curadora Assistente, Exposições e Publicações.

"La Mode en mouvement #2" no Palais Galliera
2024-04-26 10:00 - 2025-01-05 18:00 | Palais Galliera, 10 Av. Pierre 1er de Serbie, Paris, França
De 26 de abril de 2024 a 5 de janeiro de 2025, o Palais Galliera revela “La Mode en mouvement #2”. Com mais de 250 novas obras apresentadas durante esta segunda exibição, a exposição traça, através das coleções do museu, uma história da moda do século XVIII até os dias atuais e desenvolve a temática transversal do corpo em movimento. Um foco especial também é dedicado às roupas de banho, revelando peças raramente mostradas ao público.

Enquanto Paris acolhe os Jogos Olímpicos e Paralímpicos no verão de 2024, “La Mode en mouvement #2” permite compreender o papel do vestuário na prática de atividades físicas e esportivas, bem como as consequências sociais de sua evolução.

O vestuário concebido para o esporte (equitacão, tênis, golfe, bicicleta…) é comparado ao vestuário de cidade. Esta segunda apresentação permite ao público perceber a progressiva especialização do vestuário esportivo, assim como a introdução do sportswear no vestuário cotidiano.

A seção balneária foca nos banhos de mar e na natação, símbolos da democratização da prática esportiva desde o final do século XIX. É uma oportunidade de descobrir a importante coleção de trajes de banho, maiôs, roupas e acessórios de praia conservados no Palais Galliera. Esta seção destaca a evolução da relação com o corpo através de seu desvelamento na esfera pública, bem como as noções de pudor e decência. Também revela a transformação dos cânones de beleza, especialmente através da questão do bronzeamento.

“La Mode en mouvement #2” beneficia-se de empréstimos excepcionais do Musée National du Sport (Nice), da Fundação Azzedine Alaïa, da Biblioteca Forney (Paris), da Biblioteca Histórica da Cidade de Paris, do Museu Carnavalet – História de Paris, do Patrimônio da CHANEL, da coleção Émile Hermès e da casa Yohji Yamamoto. Essas obras permitem colocar em perspectiva as peças do Palais Galliera, testemunhas de uma prática física e esportiva, de lazer ou de competição, ao longo das épocas.

The Roof Garden Commission: Petrit Halilaj no The Met Museum
2024-04-30 10:00 - 2024-10-27 17:00 | The Metropolitan Museum of Art, 1000 5th Ave, Nova York, Nova York, Estados Unidos
Foto: Ian Kumamoto

O artista kosovar Petrit Halilaj (nascido em 1986, Kostërc, antiga Iugoslávia) foi convidado a criar uma instalação específica para o Jardim do Telhado Iris e B. Gerald Cantor do Museu. Para o primeiro grande projeto do artista nos Estados Unidos, Halilaj transformou o telhado do Met com uma extensa instalação escultural.

O trabalho de Halilaj está profundamente conectado à história recente de seu país natal, Kosovo, e às consequências das tensões culturais e políticas na região. Após um período formativo na Itália, onde estudou arte na Accademia di Brera em Milão, ele se mudou para Berlim em 2008, onde ainda vive e trabalha. Seus projetos abrangem uma variedade de mídias, incluindo escultura, desenho, poesia e performance.

"Toward the Celestial: ICA Miami’s Collection at 10 Years" no ICA Miami
2024-05-03 11:00 - 2024-11-01 18:00 | Institute of Contemporary Art Miami, 61 NE 41st Street, Miami, Flórida, Estados Unidos
George Condo, Am I Human?, 2022. © George Condo. Cortesia do artista e Hauser & Wirth. Foto: Thomas Barratt.

Por ocasião de seu décimo aniversário, o ICA Miami apresenta “Toward the Celestial”, uma seleção de obras de sua coleção permanente que destaca o desenvolvimento programático do museu, bem como comissões recentes e obras anteriormente não exibidas. A exposição é organizada tematicamente e percorre desde imagens microscópicas até macroscópicas para explorar a dimensão do tempo e as ordens de escala. O título da exposição alude à bandeira Universo Celestial (1988) de Betye Saar, que foi destaque na pesquisa da artista em 2021 e tem feito parte das instalações da artista ao longo de várias décadas, sugerindo tanto uma presença iminente quanto o registro do tempo através de estruturas ideológicas alternativas.

“Toward the Celestial: ICA Miami’s Collection at 10 Years” é organizada pelo ICA Miami, e curada por Alex Gartenfeld, Diretor Artístico Irma e Norman Braman; Gean Moreno, Diretor da Fundação Knight do Centro de Arte e Pesquisa do ICA Miami; e Stephanie Seidel, Curadora Monica & Blake Grossman.

"The Body in Motion" no Petit Palais
2024-05-15 10:00 - 2024-11-17 18:00 | Petit Palais, Av. Winston Churchill, 75008, Paris, França
Augustin Rouart, Le Nageur, 1943

Por ocasião dos Jogos Olímpicos e Paralímpicos de Paris 2024, o Petit Palais apresenta “The Body in Motion” a partir de 15 de maio de 2024. Esta exposição conecta arte e esporte dentro de suas coleções.

A exposição, com uma cenografia que reflete as cores dos Jogos Olímpicos, apresenta cinquenta obras das coleções do Petit Palais, que vão da antiguidade ao início do século XX, algumas das quais foram especialmente retiradas das reservas. Essas pinturas, esculturas e objetos de arte, bem como desenhos e gravuras do museu, foram escolhidos pela maneira como destacam o corpo, a anatomia e o esporte. A exposição está dividida em oito seções.

Ela começa na Galerie des Antiques, levando os visitantes de volta no tempo às origens dos Jogos Olímpicos com evocações visuais de um evento de arremesso de disco ou dardo em vasos e ânforas datados do século V a.C. A coleção de ícones próxima destaca a representação do “corpo heroico” através da figura de São Jorge matando o dragão, personificando a noção de busca e de superação.

A seção intitulada “The Drawn Body” relembra a importância dos modelos humanos na arte ocidental e apresenta estudos de nus masculinos de Dürer e Rembrandt. A exposição continua com um interlúdio de dança focado em “corpos suspensos”. Incorporando o dinamismo visível em toda a exposição, a seção chamada “Sculpting the Body” lança luz sobre essa busca pela vitalidade por escultores que procuram capturar o movimento. Mais adiante, na seção intitulada “Montar!”, o tema da emancipação das mulheres através do esporte é explorado com pinturas de Jacques-Émile Blanche e Léon Comerre. “The Body at Play”, por outro lado, apresenta jogos infantis como peteca e bilhar em tapeçarias do século XVIII, os respectivos ancestrais do badminton e do mikado de hoje. A seção final da exposição, intitulada “Sport in Vogue”, examina o início do século XX, que marcou a chegada dos Jogos Olímpicos modernos, transportando os visitantes para uma nova era que leva até os dias atuais.

A exposição é complementada por vídeos intitulados “In the Words of Athletes”, apresentando os esportistas apoiados pelas empresas do Groupe BPCE, parceiro premium dos Jogos Olímpicos e Paralímpicos de Paris 2024 e principal patrocinador ou mecenas do Petit Palais. Cada atleta escolheu uma obra que ressoa particularmente com seu esporte e prática específica, sua vida pessoal e os desafios físicos que enfrentaram, juntamente com a arte do gesto perfeitamente executado, e as ambições ou objetivos que estabeleceram para si mesmos. Esses vídeos emocionantes lançam luz sobre o vínculo que existe entre arte e esporte, com os atletas participantes se tornando, em suas próprias palavras, “artletas”.

"Fragile Beauty" no V&A Museum
2024-05-17 10:00 - 2025-01-05 17:30 | Victoria and Albert Museum (V&A), Cromwell Rd, Londres, Reino unido
Elton John, Egg On His Face, Nova York, David LaChapelle, 1999

Apresentando mais de 300 impressões raras de 140 fotógrafos, “Fragile Beauty” é uma importante exibição de fotografia dos séculos 20 e 21, emprestada da coleção particular de Sir Elton John e David Furnish.

Selecionadas de uma coleção de mais de 7.000 imagens, as fotografias (muitas das quais serão exibidas publicamente pela primeira vez) são imagens que definem eras e exploram a conexão entre força e vulnerabilidade inerente à condição humana.

A exposição cobre o período de 1950 até os dias atuais, reunindo uma seleção incomparável dos principais fotógrafos do mundo para contar a história da fotografia moderna e contemporânea. Entre as obras celebradas está uma instalação monumental de 149 impressões de Nan Goldin da sua série “Thanksgiving”, bem como imagens de Robert Mapplethorpe, Cindy Sherman, William Eggleston, Diane Arbus, Sally Mann, Zanele Muholi, Ai Weiwei, Carrie Mae Weems e outros.

Aquisições recentes também estão em exibição, incluindo obras de Tyler Mitchell, Trevor Paglen e An-My Lê. Essas se juntam a algumas das primeiras aquisições feitas por John, incluindo fotografias de moda por Horst P. Horst, Irving Penn e Herb Ritts.

Marcando 30 anos de coleção, a exposição celebra a paixão de Elton John e David Furnish pela fotografia e reflete seu gosto pessoal e olhar único como colecionadores. Ao longo de oito seções temáticas, “Fragile Beauty” explora temas como moda, reportagens, celebridades, o corpo masculino e a fotografia americana. Retratos de estrelas do palco e da tela também são apresentados, incluindo fotografias de Aretha Franklin, Elizabeth Taylor, The Beatles e Chet Baker. Muitas fotografias na exposição respondem a temas de perseguição, resistência e momentos chave na história, incluindo imagens do movimento dos direitos civis dos anos 1960, ativismo contra a AIDS dos anos 1980 e os eventos de 11 de setembro de 2001.

Éric Dubuc no Musée d'Art Moderne de Paris
2024-05-17 10:00 - 2024-11-18 18:00 | Musée d’Art Moderne de Paris, 11 Av. du Président Wilson Paris, Paris, Paris, França
Éric Dubuc, Autoportrait de profil (detalhe), 1986 © Museu de Arte Moderna de Paris, doação da família do artista em 2022. Fotografia: Cécile Dubuc

Nascido em Paris em 1961, em uma família franco-alemã, Éric Dubuc produziu seus primeiros desenhos durante seus estudos na escola Steiner-Waldorf. Aos 18 anos, passou um ano na École Nationale des Beaux-Arts antes de continuar sua formação por meio de viagens longínquas e solitárias pela Ásia e África. Durante uma dessas viagens à República Democrática do Congo, ele contraiu malária e foi hospitalizado no hospital Claude Bernard, de onde saiu muito debilitado física e psicologicamente. Em 1985, expôs no Salon de la Jeune Peinture em Paris, onde seu trabalho alcançou um primeiro sucesso. Sua obra, tão precoce quanto profundamente pessimista e distante, foi interrompida por seu suicídio, aos 25 anos.
O olhar de Éric Dubuc se lança sobre o mundo como um bisturi. Seja ao retratar a violência cotidiana das ruas ou o realismo miserável dos interiores, sua arte alcança uma forma de crueldade, até o ponto da ruptura. A frieza impiedosa da vida urbana é representada em cenas de bares desiludidos, onde personagens solitários se aproximam sem realmente se encontrar, ou em vagões de metrô, onde reinam a indiferença e o anonimato. Sua obra também é composta por autorretratos angulosos, marcados pela melancolia, e por numerosas janelas, sempre fechadas, através das quais se vislumbra um mundo próximo e, no entanto, inalcançável.
Além da precisão com que representa os cenários, suas obras frequentemente revelam uma grande atenção aos rostos, desenhados com uma linha sinuosa capaz de traduzir a “fisionomia do psiquismo”, resultado de suas aulas de anatomia. A mesma veia expressionista se manifesta em seu interesse pela degradação dos corpos envelhecidos, sempre representados de maneira seca e precisa, recusando qualquer forma de pathos. Graças a uma doação da família do artista em 2022, dez obras de Éric Dubuc entraram para as coleções do museu. Esta apresentação é complementada por obras do Museu Carnavalet – História de Paris e do Centro Nacional de Artes Plásticas, além de um certo número de empréstimos da família.
Comissária: Julia Garimorth, conservadora-chefe no Museu de Arte Moderna de Paris.

Daniel Pommereulle no Musée d'Art Moderne de Paris
2024-05-17 10:00 - 2024-11-18 18:00 | Musée d’Art Moderne de Paris, 11 Av. du Président Wilson Paris, Paris, Paris, França
Daniel Pommereulle, Objet de prémonition (detalhe), 1974-1975. Museu de Arte Moderna de Paris, aquisição em 2022 © ADAGP 2024. Fotografia: Rurik Dmitrienko.

Por ocasião da entrada de obras de Daniel Pommereulle na coleção, o Museu de Arte Moderna de Paris presta homenagem a essa figura singular da cena artística francesa. Pintor, escultor, cineasta, performer e poeta, Pommereulle atravessou a segunda metade do século XX impulsionado por compromissos radicais, criando formas que testam nossa vulnerabilidade por meio da experiência da violência e do infinito.
Mobilizado durante a guerra da Argélia em 1957, Pommereulle foi profundamente marcado por essa experiência traumática, que permeia suas criações. No início de sua carreira, ele também foi influenciado pelo onirismo de Odilon Redon, dos surrealistas e de Henri Michaux, com quem compartilhava o interesse por drogas alucinógenas. Em 1966, identificado como um “objetor” pelo crítico Alain Jouffroy, que aplicou o termo aos artistas que reivindicavam o legado de Marcel Duchamp e a revolta política, ele expôs Pêcher en fleur no Salon de Mai, no Museu de Arte Moderna de Paris. Em sua obra, Pommereulle desenvolve uma estética da violência e da crueldade, criando objetos ameaçadores e dispositivos de tortura (como Toboggan, 1974), que confrontam diretamente os visitantes.
Conhecido também como ator por suas aparições nos filmes da Nouvelle Vague, o artista apresentou, em La Collectionneuse de Éric Rohmer (1967), seu primeiro Objet Hors Saisie, que ele continuaria a desenvolver com a série Objets de prémonition (1975): potes de tinta derramados e esculturas de chumbo, armados com lâminas de facas e objetos cortantes. Nos anos 1980, Pommereulle passou um tempo na Coreia e no Japão, marcando uma virada em seu trabalho. Sua prática gráfica e escultórica, através do uso de vidro, pedra e aço, passou a buscar canalizar energias cósmicas. Até sua morte, segundo Armance Léger, “a transparência, o ar e o vazio se tornaram os novos termos de sua exploração.”
Comissária: Fanny Schulmann, conservadora-chefe no Museu de Arte Moderna de Paris.

“Hyman Bloom: Landscapes of the Mind” no Museum of Fine Arts Boston
2024-05-25 10:00 - 2024-12-01 17:00 | MFA Boston, 465 Huntington Ave, Boston, Massachusetts, Estados Unidos
Hyman Bloom, Landscape #12 (detalhe), 1963. Doação de Emanuel L. Josephs em memória de Esta M. Josephs. Reproduzido com permissão.

Em 1955, Hyman Bloom (1913–2009) começou a visitar a pequena cidade de Lubec, no Maine—naquela época, uma boa viagem de dez horas de carro de sua casa em Boston. As florestas intocadas de Lubec inspiraram-no a desenhar com ambição, foco e escala que poucos de seus contemporâneos conseguiram igualar. As obras resultantes revelam um desejo de capturar o caráter primordial da natureza selvagem—seu ciclo de vida de nascimento, morte e transformação—bem como um misticismo pervasivo e a crença na correspondência da natureza com a psique.

“Hyman Bloom: Landscapes of the Mind” convida os visitantes a entrarem na imaginação do artista para experimentar a natureza como ele a experimentou. Focadas nos desenhos de Bloom, as obras em exibição comunicam brilhantemente volume, sombreamento, luz e linha, mostrando Bloom como um desenhista tecnicamente talentoso que se iguala a qualquer outro na história. Estes não são cópias exatas do que Bloom viu; eles se baseiam na memória e em fotografias que ele tirou na floresta, mas são essencialmente coloridos por uma visão criativa única. Ao mesmo tempo imaginários e reais, os desenhos de Bloom trazem a arte à vida através de uma habilidade distinta e inata de evocar o espírito.

Muitas obras na exposição fazem parte de uma doação de Stella Bloom, viúva do artista. Esta doação transformadora ajuda o MFA em sua aspiração de se tornar a coleção de referência para este importante artista de Boston.

"Barbara Bosworth: The Meadow" no Museum of Fine Arts Boston
2024-05-25 10:00 - 2024-12-01 17:00 | MFA Boston, 465 Huntington Ave, Boston, Massachusetts, Estados Unidos
Barbara Bosworth, The Meadow (detalhe) da série The Meadow, 2003. Scott Offen Collection. © Barbara Bosworth.

Em 1996, a artista Barbara Bosworth (nascida em 1953) começou a fotografar um campo em Carlisle, Massachusetts, a noroeste de Boston. Retornando regularmente ao longo dos 15 anos seguintes, ela usou uma câmera de grande formato para capturar imagens da terra em diferentes horas do dia e em todas as estações. Através da série de fotos resultante, chamada “The Meadow” (O Campo), Bosworth continua uma longa tradição de artistas, poetas e naturalistas da Nova Inglaterra que documentaram a passagem do tempo e os vestígios da presença humana em paisagens bonitas, porém discretamente inspecionais, como esta.

Com uma dúzia de fotografias coloridas de grande formato, bem como várias pequenas impressões de contato, esta exposição oferece aos visitantes um vislumbre da visão única e em evolução de Bosworth sobre o campo. Embora aparentemente humilde e modesto, a área, pacientemente retratada através da lente de Bosworth, revela uma rica diversidade de vida—desde uma extensão sempre mutável de céu acima até uma profusão de samambaias nativas, flores, vaga-lumes, líquenes, cogumelos, lagartas, macieiras e até formigas abaixo.

Junto com sua amiga, a escritora Margot Anne Kelley, Bosworth convidou cientistas, forrageadores urbanos, arqueólogos e historiadores locais para caminhadas pelo campo. Com a ajuda de sua expertise, ela passou a entender melhor a terra que fornecia seu tema. O campo está localizado em uma parte de Carlisle que antes era Concord (fundada em 1635) e fica não muito longe do rio Concord. Originalmente chamada de Musketaquid—que significa “rio da grama do pântano” na língua algonquina—a área foi caçada, pescada e cultivada por povos nativos por milhares de anos. Colonos europeus gradualmente transformaram a paisagem em campos agrícolas e pastagens, mas, mais recentemente, parte dela, incluindo o campo, foi reservada como terra de conservação protegida do desenvolvimento.

Simone Leigh no LACMA
2024-05-26 11:00 - 2025-01-20 18:00 | LACMA, 5905 Wilshire Blvd Central LA, Los Angeles, Califórnia, Estados Unidos
Simone Leigh, Martinique, 2022. Cortesia da artista e Matthew Marks Gallery, © Simone Leigh. Foto: Timothy Schenck

A exposição itinerante Simone Leigh, organizada pelo ICA Boston e coapresentada em Los Angeles pelo LACMA e pelo Museu Afro-Americano da Califórnia, é a primeira pesquisa abrangente sobre o trabalho ricamente complexo desta artista celebrada. A apresentação do LACMA apresenta aproximadamente 20 anos de produção de Leigh em cerâmica, bronze, vídeo e instalação, bem como obras de sua apresentação na Bienal de Veneza de 2022. Ao longo das últimas duas décadas, Leigh criou trabalhos que exploram questões da subjetividade e produção de conhecimento de mulheres negras. Abordando uma ampla variedade de períodos históricos, geografias e tradições, sua arte faz referência a processos vernaculares e feitos à mão de toda a diáspora africana, bem como formas tradicionalmente associadas à arte e arquitetura africanas. Acompanhada por um importante monógrafo, esta exposição oferece aos visitantes uma oportunidade oportuna de obter uma compreensão holística do trabalho complexo e profundamente emocionante de Leigh.

"Comics, 1964-2024" no Centre Pompidou
2024-05-29 11:00 - 2024-11-04 21:00 | Centre Pompidou, Place Georges-Pompidou, Paris, França
Moebius, Starwatcher, 1986. © Moebius Production

Marcada pelo “segundo vento do Surrealismo”, sua produção por volta de 1955 está alinhada com a abstração gestual e textural que ocupava um lugar proeminente na época. Misturando o material com uma faca, tecendo redes inextricáveis e permitindo que “traços gráficos” invadam a tela, Réquichot parece levar a pintura aos seus limites absolutos. Suas Relíquias e suas telas suspensas enroladas apresentam expressões exacerbadas disso.

Ultrapassando o âmbito da Arte Informal, da qual ele é um representante eminente, Réquichot foi rápido em introduzir colagens em sua pintura. No domínio gráfico, ele investiu o motivo espiral com uma função quase hipnótica em impressionantes tintas sobre papel sublinhadas por guache branco. Relacionados de perto à escrita ilegível, que não está desconectada da produção literária do artista, esses motivos se traduzem em escultura na forma de agregados de anéis de poliestireno. Réquichot era uma figura complexa e atormentada que tirou a própria vida pouco antes de sua segunda exposição individual organizada por seu galerista, Daniel Cordier.

Zanele Muholi na Tate Modern
2024-06-06 10:00 - 2025-01-26 18:00 | Tate Modern, Bankside, Londres, Reino unido
Zanele Muholi, Manzi I, West Coast, Cape Town (detalhe), 2022. Cortesia da artista e da Yancey Richardson Gallery © Zanele Muholi

Zanele Muholi é uma das fotógrafas mais aclamadas da atualidade, com obras exibidas em todo o mundo. Com mais de 260 fotografias, esta exposição apresenta a amplitude de sua carreira até o momento.

Muholi se descreve como uma ativista visual. Desde o início dos anos 2000, documenta e celebra as vidas das comunidades negras de lésbicas, gays, trans, queer e intersexuais da África do Sul.

Na série inicial “Only Half the Picture”, Muholi captura momentos de amor e intimidade, bem como imagens intensas que aludem a eventos traumáticos – apesar da igualdade prometida pela constituição sul-africana de 1996, a comunidade LGBTQIA+ continua sendo alvo de violência e preconceito.

Em “Faces and Phases”, cada participante olha diretamente para a câmera, desafiando o espectador a manter o olhar. Estas imagens e os testemunhos que as acompanham formam um arquivo crescente de uma comunidade de pessoas que arriscam suas vidas vivendo de forma autêntica frente à opressão e discriminação.

Outras séries importantes incluem “Brave Beauties”, que celebra pessoas não-binárias e mulheres trans empoderadas, muitas das quais venceram concursos de beleza Miss Gay, e “Being”, uma série de imagens ternas de casais que desafiam estereótipos e tabus.

Muholi volta a câmera para si na série contínua “Somnyama Ngonyama” – traduzido como “Salve a Leoa Negra”. Estas imagens poderosas e reflexivas exploram temas como trabalho, racismo, eurocentrismo e política sexual.

A exposição é baseada na mostra da artista de 2020-21 na Tate Modern e incluirá novas obras produzidas desde então.

"Renunciar / Mobi" no Museu de Arte do Rio
2024-06-15 11:00 - 2024-10-27 18:00 | Museu de Arte do Rio, Praça Mauá, 5 - Centro, Rio de Janeiro, RJ, Brasil
Coleção MOBI. Imagem: Divulgação/Reprodução

Abre ao público no dia 15 de junho, às 11h, no Museu de Arte do Rio – MAR a exposição itinerante Renunciar / Mobi, que apresenta a cidade de São Luís (MA) dos anos 70 aos 2000 de uma maneira jamais vista, por meio do trabalho do fotógrafo maranhense Mobi.

Com curadoria de Gabriel Gutierrez, diretor do Centro Cultural Vale Maranhão – CCVM, a exposição convida o público a conhecer o Brasil que ficou à margem e apresenta a obra de Mobi em três linhas narrativas: a cidade oficial, berço das transformações urbanas e mobilizações políticas; a cidade marginal, que, embora esquecida, constitui os alicerces para seu funcionamento maior; e as pessoas, agentes que constroem, transformam, assistem e habitam os espaços urbanos.

O acervo utilizado para compor a exposição pertence ao Instituto Federal do Maranhão e foi digitalizado pelo Centro Cultural Vale Maranhão. Ao todo 5 mil fotos foram pesquisadas. “Mobi foi um fotógrafo que esteve à margem do que foi amplamente exposto, publicado e divulgado. Ele documentou o que podemos chamar de ‘cidade amazônica’, que é uma cidade complexa, que não cabe nos moldes que estamos habituados a conceber e construir. O trabalho é um manifesto sobre a importância do cotidiano e do humano na conformação e sustentação da urbanidade específica. Por trás dos grandes feitos, são as pessoas que, em profundidade psicológica e de experiência, miram-se nesse grande espelho. Mobi fotografou a rua, as praças, os edifícios, os bichos e o que encontrava enquanto cidadão, sujeito popular, de São Luís, e revelou a oposição flagrante própria desse espaço urbano”, conta Gabriel.

As visitas de Ulysses Guimarães, Teotônio Vilela e Luiz Inácio Lula da Silva ao Maranhão são alguns dos destaques entre as 151 fotos escolhidas para compor a mostra, que também conta com um documentário dirigido pelo cineasta Beto Matuck, cujo conteúdo apresenta Mobi pelos depoimentos e reações de amigos que mergulharam no universo fotográfico do artista, desconhecido até por quem fazia parte de seu ciclo.

Esta é a quarta exposição do Centro Cultural Vale Maranhão que itinera por espaços culturais do Brasil. “A itinerância de ‘Renunciar/Mobi’ apresenta a diversidade cultural do Maranhão e dialoga com diferentes públicos ao trazer um olhar sobre a cidade e como seus moradores se relacionam com ela. Mostrar essa experiência para o Rio de Janeiro se conecta à atuação do Instituto Cultural Vale no sentido de promover a circulação da cultura entre os eixos Norte-Nordeste e Sul-Sudeste, e vice-versa, contribuindo para a descentralização do acesso e promovendo novos diálogos”, diz Hugo Barreto, diretor-presidente do Instituto Cultural Vale.

O Museu de Arte do Rio é um equipamento da Prefeitura do Rio de Janeiro, de responsabilidade da Secretaria Municipal de Cultura, gerido pela Organização de Estados Ibero-Americanos (OEI). A itinerância inaugura uma parceria entre o CCVM e o MAR, que ainda prevê uma segunda exposição com temática maranhense para o segundo semestre. Renunciar / Mobi ficará em cartaz gratuitamente no Foyer do MAR, espaço localizado no 5º andar do prédio da Escola do Olhar, até o dia 27 de outubro. “Apresentar, em parceria com o Centro Cultural Vale Maranhão, um panorama da obra fotográfica de Mobi no Museu de Arte do Rio é abrir a possibilidade de enxergar a poética de um fotógrafo para além do trivial. Diante de suas fotos, enxergamos a rotina das ruas, dos rostos, da fruição da vida. Eis a beleza da função foto-jornalística: documentar. A nova mostra do MAR pontua esse cruzamento da imagem revelada como arte e da intenção do artista como um produtor de documentos históricos”, destaca Leonardo Barchini, diretor do MAR e da OEI no Brasil.

"NAOMI: In Fashion exhibition" no V&A Museum
2024-06-22 10:00 - 2025-04-06 17:30 | Victoria and Albert Museum (V&A), Cromwell Rd, Londres, Reino unido
Naomi Campbell. Imagem: Divulgação V&A Museum

NAOMI: In Fashion explora os 40 anos inigualáveis da carreira da modelo e ícone cultural Naomi Campbell. Após ser descoberta em Covent Garden aos 15 anos, Campbell rapidamente ganhou destaque na indústria e fez história alguns anos depois, aos 18, ao se tornar a primeira modelo negra a estampar a capa da Vogue Paris, em agosto de 1988.

Produzida em colaboração com Campbell e destacando sua voz e perspectiva, NAOMI: In Fashion é a primeira exposição a celebrar a habilidade e a contribuição de uma modelo individual para a indústria da moda. A exposição conta com o extenso guarda-roupa de alta-costura e prêt-à-porter de Campbell, incluindo peças de momentos-chave de sua carreira, além de empréstimos de arquivos de designers e objetos das coleções do V&A. Entrelaçado está o ativismo de Campbell, que desde cedo defendeu a equidade, juntando-se à Black Girls Coalition em 1989 e liderando a edição de 2007 da Vogue Itália, chamada “A Black Issue”, que clamava por diversidade nas passarelas.

Becoming Naomi

A exposição começa com clipes impactantes de Campbell na passarela, ilustrando seu lendário “andar”. A primeira seção, “Becoming Naomi”, explora a infância de Campbell e fundamenta seu sucesso posterior em seu treinamento inicial de dança. Nascida em 1970 no sul de Londres, ela aspirava a uma carreira no palco e se apresentou em videoclipes dos anos 1980 para artistas como Bob Marley e Culture Club. Sua vida mudou aos 15 anos, quando foi abordada pela agente de modelos Beth Boldt enquanto fazia compras com amigos da escola. Dois anos depois, ela estaria na capa da Vogue e desfilando para renomados designers em Londres, Paris, Milão e Nova York.

Supermodel

Campbell entrou na moda em um momento de mudança. No início dos anos 1990, o termo supermodelo – ou modelo que se tornou celebridade internacional – era amplamente usado em referência direta a Campbell e um pequeno grupo de colegas. A moda havia se tornado entretenimento de massa e Campbell estava no centro dessa emoção, sendo apoiada por designers líderes como John Galliano, Gianni Versace, Karl Lagerfeld, Vivienne Westwood e Yves Saint Laurent. Ela se tornou conhecida por sua presença superlativa na passarela, enquanto seu trabalho com fotógrafos de destaque criou algumas das imagens mais memoráveis da época. Simultaneamente, ela transcendeu o mundo da moda, atuando em videoclipes, lançando seu próprio perfume e se tornando uma defensora da diversidade.

Azzedine Alaïa

A próxima seção foca na relação pessoal e profissional de Campbell com o falecido designer Azzedine Alaïa, nascido na Tunísia e baseado em Paris, a quem ela conheceu durante seus primeiros dias em Paris e a quem chamou de “Papa”. Famoso por seus designs que acentuam as formas, Alaïa via o físico escultural de Campbell como “um corpo perfeito”, o que inspirou grande parte de seu trabalho. Juntos, criaram momentos mágicos na passarela e editoriais de destaque.

New York

Campbell se mudou para Nova York aos 17 anos, dividindo um apartamento com a colega modelo Christy Turlington antes de garantir seu próprio lugar na East 30th Street. Campbell mergulhou na vibrante cena da moda da cidade, forjando amizades duradouras com designers e outros da indústria, de Marc Jacobs a Anna Sui, relações que resistiriam ao teste do tempo.

The spotlight

Desde o início dos anos 1990, Campbell tem sido uma das modelos mais destacadas do mundo – e uma das mulheres negras mais reconhecidas – na televisão, nos celulares, em videoclipes e jornais. A seção “The spotlight” explora um momento biográfico muito divulgado quando Campbell cumpriu um período de serviço comunitário por ordem judicial. Em exibição está o vestido Dolce & Gabbana que Campbell usou em seu último dia de serviço comunitário – um look que ela vestiu em resposta aos paparazzi que capturavam sua chegada e partida todos os dias.

Exemplar

A próxima seção examina Naomi Campbell como um exemplo na área, focando em suas colaborações iniciais com casas de moda como Dolce & Gabbana, Vivienne Westwood e Jean Paul Gaultier. Formadas quando Campbell era jovem, essas conexões evoluíram para amizades colaborativas de décadas, com designers valorizando sua habilidade de glamourizar qualquer roupa e modelar os conjuntos mais difíceis com aparente facilidade.

Curada por Edward Enninful OBE, uma seleção de fotografias na exposição destaca a alquimia única de Campbell com a câmera. Apresentando trabalhos de fotógrafos mundialmente renomados como Steven Meisel, Arthur Elgort, Patrick Demarchelier e David Bailey, Campbell tem um profundo respeito por aqueles com quem trabalha, reconhecendo seu talento artístico e visão, e colaborando para alcançar a imagem que eles têm em mente.

"Carrie Mae Weems: Remember to Dream" no Hessel Museum of Art
2024-06-22 12:00 - 2024-12-01 18:00 | Hessel Museum of Art, 33 Garden Rd, Annandale-On-Hudson, Nova York, Estados Unidos
Remember to Dream revisita a amplitude e a profundidade da carreira prolífica de Carrie Mae Weems através de obras raramente exibidas e menos conhecidas que demonstram a evolução de sua prática pioneira e engajada politicamente. Indo além dos projetos icônicos, Remember to Dream busca reequilibrar a compreensão do desenvolvimento artístico de Weems nos últimos 30 anos, situando seu trabalho no contexto de suas próprias experiências de vida e compromisso com o ativismo. Variando de instalações em grande escala a séries fotográficas, as obras na exposição traçam uma linha contínua do Movimento dos Direitos Civis ao Black Lives Matter, destacando momentos significativos de reconhecimento racial nos Estados Unidos através da própria perspectiva de Weems.
Ao longo da exposição, a prática e a história pessoal de Weems, que se cruza com a história política dos EUA, iluminam o que o poeta e estudioso negro americano Amiri Baraka chamou de “o mesmo que muda”, referindo-se à continuidade do racismo e do sexismo—os modos como certos padrões de violência e opressão são perpetuados de uma geração para a próxima, mesmo que as condições específicas da vida cotidiana continuem a mudar.
A exposição é sequenciada em nove salas, cada uma representando um ou mais corpos de trabalho. Começando com Pintando a Cidade (2021), Weems aborda os protestos que irromperam em maio de 2020 em mais de 2.000 cidades e vilas dos Estados Unidos em resposta ao assassinato de George Floyd pela Polícia de Minneapolis. Na cidade natal de Weems, Portland, Oregon, os protestos continuaram até setembro de 2020, escalando para pontos de confronto violento entre policiais, manifestantes e contra-manifestantes. Weems voltou a Portland para fotografar muitas das lojas que protegeram suas vitrines contra possíveis saques e vandalismo. Em uma sala adjacente, Weems exibe uma série de retratos íntimos intitulada Fotos e Histórias de Família (1978-1984), uma série anterior de Portland com fotografias em preto e branco que registram as alegrias e agonias da vida familiar.
Remember to Dream contextualiza o presente dentro de uma luta secular. Uma representação especialmente comovente e convincente do legado brutal do racismo é Saia, Saia Agora! (2022), uma instalação de vídeo recente que lembra um antigo teatro no qual a artista e sua irmã contam a história de seu avô Frank, um meeiro que era membro do Sindicato dos Agricultores Arrendatários do Sul e trabalhava em terras no Arkansas. Após ser espancado e deixado para morrer em Earle, Arkansas, em 1936, Frank escapou a pé para Chicago, fugindo do Sul segregacionista, perdendo sua terra e, por um tempo, sua família. No vídeo, Weems faz um poderoso apelo por reparações por tudo o que ele e sua família perderam ao longo das gerações.
A exposição continua com Blues e Pinks (1992-93), em que Weems se baseia em imagens da “Cruzada das Crianças” que começou em 2 de maio de 1963, quando mais de mil crianças saíram da escola em Birmingham, Alabama, para marchar até o centro da cidade e falar com o prefeito sobre a segregação em sua cidade. As crianças foram detidas pela polícia e centenas foram presas. Elas se reuniram novamente no dia seguinte para marchar novamente, e o chefe de polícia ordenou que as forças de segurança usassem a força contra as crianças. Weems apropria-se da fotografia do jornalista sulista branco Charles Moore, tingindo as imagens com tons de azul e rosa, e justapondo cenas que ressuscitam o terror daquele dia. Em uma obra adicional intitulada Terra dos Sonhos Despedaçados: Um Estudo de Caso (2021), Weems relembra os Panteras Negras como uma força de autodefesa.
Remember to Dream é curada por Tom Eccles, Diretor Executivo do Centro de Estudos Curatoriais do Bard College, após colaborações com Weems em A Forma das Coisas no Park Avenue Armory em Nova York (2021) e Luma Arles em Arles, França (2023), com o apoio de Marina Caron (Turma de 2023 do CCS Bard).

“The Campus” na kurimanzutto
2024-06-26 10:00 - 2024-10-27 18:00 | kurimanzutto, 520 w 20th St, Nova York, Nova York, Estados Unidos
Vista da instalação de “Climate Change is Real (Global Climate Action Summit, San Francisco)” de Andrea Bowers, 2018 (ao fundo), no The Campus. Foto: Yael Eban & Matthew Gamber

Bortolami, James Cohan, kaufmann repetto, Anton Kern, Andrew Kreps e kurimanzutto têm o prazer de apresentar a exposição inaugural em seu novo espaço compartilhado, The Campus, em Claverack, NY. Abraçando um modelo colaborativo, as galerias transformaram um antigo prédio escolar abandonado em uma plataforma para troca cultural dinâmica.

Vago desde os anos 90, o edifício de 78.000 pés quadrados da Ockawamick School, construído em 1951 e em grande parte não reformado, estava pronto para ser reanimado. Salas de aula pintadas de forma colorida, detalhes arquitetônicos de meados do século e generosa iluminação natural criam um contexto atraente para que os artistas interajam com o espaço, o propósito original da estrutura e uns com os outros.

Nos últimos anos, uma reconsideração de valores levou muitos artistas em direção à comunidade criativa há muito estabelecida no interior do estado de Nova York. The Campus abraça esse ambiente de troca animada com uma exposição abrangente que preenche 40 salas e os terrenos circundantes com obras de arte. Dentro de cada sala, agrupamentos cuidadosos oferecem momentos de diálogo focado entre vozes diversas dentro e fora dos seis programas de galeria.

No espírito de colaboração, The Campus está fazendo parceria com os Bolsistas de Estúdio e Curadoria da Cohort 05 do NXTHVN. Fundado por Titus Kaphar e Jason Price, a bolsa anual do NXTHVN trabalha para orientar e elevar artistas e curadores sub-representados. A exposição contará com o trabalho dos Bolsistas de Estúdio Adrian Armstrong, Alexandria Couch, Eric Hart Jr., Fidelis Joseph, Jamaal Peterman, Eugene Mackie e Alex Puz, organizada pelas Bolsistas de Curadoria Marquita Flowers e Clare Patrick.

A exposição inaugural conecta obras novas, históricas e específicas do local de mais de 80 artistas.

Uma instalação urgente de filme, néon e obras escultóricas de Andrea Bowers ativa a arte em um chamado ressonante para informar, educar e mobilizar sobre a mudança climática.

“Chefs-d'oeuvre de la collection Torlonia” no Museu do Louvre
2024-06-26 10:00 - 2024-11-11 18:00 | Museu do Louvre, 75001 Paris, França, Paris, França
A maior coleção privada de escultura romana antiga preservada até hoje – reunida pelos príncipes Torlonia ao longo de todo o século XIX em Roma – é revelada ao público pela primeira vez desde meados do século XX em uma série de exposições-eventos.
É no Louvre que os mármores Torlonia se instalam para sua primeira exibição fora da Itália, no cenário restaurado dos apartamentos de Ana da Áustria, sede das coleções permanentes de escultura antiga desde o final do século XVIII e o nascimento do Museu do Louvre. As coleções nacionais francesas prontamente se prestam a um diálogo fecundo com os mármores Torlonia, questionando a origem dos museus e o gosto pelo Antigo, elemento fundador da cultura ocidental.
Esta exposição destaca obras-primas da escultura antiga e convida à contemplação dos maiores tesouros da arte romana, além de proporcionar uma imersão nas raízes da história dos museus, na Europa das Luzes e do século XIX.

"Anthony McCall: Solid Light" na Tate Modern
2024-06-27 10:00 - 2025-06-29 18:00 | Tate Modern, Bankside, Londres, Reino unido
Anthony McCall. “Split Second (Mirror)” (2018). Vista da instalação, Sean Kelly Gallery, Nova York, 2018. Fotografia de Dan Bradica

Seus movimentos e interações dão vida às obras dentro de Solid Light, uma exposição focada nas instalações imersivas de Anthony McCall.
Feixes de luz projetados através de uma fina névoa criam formas tridimensionais grandes no espaço, que mudam e se transformam lentamente. Ao se mover por essas esculturas translúcidas de luz, você cria novas formas e descobre perspectivas fascinantes.
Posicionada entre escultura, cinema, desenho e performance, McCall é conhecido por suas instalações inovadoras de luz. Em 1973, sua obra seminal Line Describing a Cone redefiniu as possibilidades da escultura.
Anthony McCall é apresentado na The George Economou Gallery.
Curadoria de Gregor Muir, Diretor de Coleção de Arte Internacional, Tate Modern, e Andrew de Brún, Curador Assistente de Arte Internacional, Tate Modern.

"Lélia em nós: festas populares e amefricanidade" no Sesc Vila Mariana
2024-06-27 11:00 - 2025-02-09 17:00 | Sesc Vila Mariana, Rua Pelotas, 141 - Vila Mariana, São Paulo, SP, Brasil
Lita Cerqueira, Procissão de Santo Amaro. Foto: Coleção da artista

A partir de 26 de junho será possível conhecer o pensamento da antropóloga, historiadora e filósofa brasileira Lélia Gonzalez (1935 – 1994). O Sesc São Paulo, em parceria com a Boitempo, inaugura o projeto Lélia em nós: festas populares e amefricanidade, na unidade Vila Mariana. A exposição, que fica em cartaz até 24 de novembro de 2024, foi inspirada pelo livro Festas populares no Brasil (que ganha nova edição pela Boitempo) e promove uma celebração da cultura afro-brasileira – ou amefricana, como propõe a autora – a partir de um recorte que estabelece diálogos e reflexões suscitados pela produção intelectual de Gonzalez, uma proeminente ativista do movimento negro brasileiro e importante teórica do feminismo negro, cuja morte completará 30 anos em 10 de julho de 2024.

Com uma seleção de produções contemporâneas e de diferentes períodos, reunida em cinco eixos temáticos, Lélia em nós: festas populares e amefricanidade apresenta pinturas, fotografias, documentos históricos, objetos, performances, instalações e vídeos de artistas como Alberto Pitta, Heitor dos Prazeres, Januário Garcia, Maria Auxiliadora, Nelson Sargento, e Walter Firmo, além de 12 trabalhos inéditos, de artistas como Coletivo Lentes Malungas, Eneida Sanches, Lidia Lisboa, Lita Cerqueira, Manuela Navas, Maurício Pazz, Rafael Galante e Rainha Favelada.

A mostra também apresenta um recorte de sonoridades e musicalidades, tanto do universo das festas e festejos brasileiros quanto das intervenções do DJ Machintown e do trombonista Allan Abbadia, além de registros fonográficos da discoteca pessoal de Lélia. Parte do acervo do Instituto Memorial Lélia Gonzalez (IMELG), a coleção reúne álbuns de artistas como Wilson Moreira e Nei Lopes, Luiz Gonzaga, Tamba Trio, Clementina de Jesus, Jamelão e Lazzo Matumbi

Partindo de conceitos teóricos desenvolvidos por Lélia Gonzalez, como a categoria político-cultural de amefricanidade – termo cunhado pela acadêmica em contraposição à ideia hegemônica de afro-americanidade para, segundo ela, “ultrapassar as limitações de caráter territorial, linguístico e ideológico” e redimensionar a influência da diáspora atlântica para a formação das Américas do Sul, Central, do Norte e Insular –, a mostra convida o público à compreensão dopotencial da cultura popular afro-brasileira como tecnologia de identidade e resistência.

Com curadoria de Glaucea Britto e Raquel Barreto, a exposição foi inspirada pelas proposições feitas por Lélia Gonzalez em Festas populares no Brasil. Único título publicado em vida pela intelectual exclusivamente como autora, o livro foi publicado originalmente em 1987. A obra não foi oficialmente lançada no mercado, tendo sido patrocinada por uma empresa multinacional e distribuída como presente de fim de ano. No mês de abertura da exposição, a publicação ganhará nova edição da Boitempo, a primeira voltada à circulação no mercado editorial. Com textos da acadêmica que evidenciam laços indissociáveis entre Brasil e África por meio de manifestações populares como o Carnaval, o Bumba-Meu-Boi, as Cavalhadas e festas afro-brasileiras como as Congadas e o Maracatu, a obra reúne mais de cem imagens de cinco fotógrafos: Leila Jinkings, Marcel Gautherot, Maureen Bisilliat, Januário Garcia e Walter Firmo (os dois últimos, integrando a exposição). A nova edição inclui também materiais inéditos, textos de apoio, fac-símiles, prólogo de Leci Brandão, prefácio de Raquel Marreto, posfácio de Leda Maria Martins, texto de orelha de Sueli Carneiro e quarta capa de Angela Davis e Zezé Motta.

"Displacement" no MassArt Art Museum
2024-06-27 12:00 - 2024-12-08 17:00 | MassArt Art Museum, 621 Huntington Ave, Boston, Massachusetts, Estados Unidos
Sandra M. Sawatzky, The Black Gold Tapestry, 2008-2017. Cortesia da artista.

“Displacement”, uma exposição de obras de artistas contemporâneos, explora a relação entre os humanos e seus ambientes. Através de têxteis, esculturas, filmes e aromas, esta exposição examina as alterações causadas pelo homem no mar, na terra e no ar, e as maneiras como esses sistemas estão respondendo.

Ao investigar a relação histórica e atual entre a civilização industrial e o mundo natural, uma variedade de questões são abordadas, incluindo migração, adaptação e extinção. As linguagens visuais dos artistas em “Displacement” oferecem uma lente através da qual o arco das dinâmicas humano-ambientais pode ser avaliado e reconsiderado.

"J. Borges – O Sol do Sertão" no Museu do Pontal
2024-06-29 10:00 - 2025-03-30 18:00 | Museu do Pontal, 3300 Av. Célia Ribeiro da Silva Mendes Barra da Tijuca, Rio de Janeiro, Rio de Janeiro, Brasil
J. Borges, O forró dos bichos. Foto: Divulgação

A exposição “J. Borges – O Sol do Sertão”, com curadoria de Angela Mascelani e Lucas Van de Beuque, é a mais abrangente da carreira do mestre da xilogravura brasileira. Com mais de 200 obras que percorrem seus 60 anos de trajetória, a mostra inclui xilogravuras, matrizes, cordéis e vídeos. As obras de J. Borges estão distribuídas em duas galerias do mezanino, parte do foyer e da galeria principal, interagindo com o acervo de arte brasileira do Museu do Pontal. No jardim interno, um mural de 24 m² apresentará a popular xilogravura “Asa Branca”, inspirada pela música de Luís Gonzaga e reproduzida por Pablo Borges, filho do artista.

"Survival Piece #5: Portable Orchard" no Whitney Museum
2024-06-29 10:30 - 2025-01-01 18:00 | Whitney Museum of American Art, 99 Gansevoort St Manhattan, Nova York, Nova York, Estados Unidos
The Harrisons, Survival Piece #5: Portable Orchard, 1972–73 (vista da instalação, Art Gallery da California State University, Fullerton) © Helen and Newton Harrison Family Trust. Cortesia de Various Small Fires, Los Angeles/Dallas/Seoul.

“Survival Piece #5: Portable Orchard” marca a primeira apresentação independente em um museu do pomar de cítricos indoor completamente realizado, concebido e projetado em 1972 pelos artistas Helen Mayer Harrison (1927–2018) e Newton Harrison (1932–2022). Este projeto explora a necessidade de um sistema alimentar produtivo e sustentável em um futuro imaginado onde as práticas agrícolas naturais são obsoletas e não podem ser consideradas garantidas. Estendendo-se pela galeria do oitavo andar do Museu, esta instalação de dezoito árvores cítricas vivas enraizadas em vasos autossuficientes com sistemas de iluminação individuais reflete uma alternativa de sobrevivência diante do declínio ambiental.

Os Harrisons começaram sua colaboração que durou décadas no início dos anos 1970, inspirados pelos movimentos ambientalistas emergentes e por uma crescente conscientização social sobre os ecossistemas vulneráveis do planeta. Eles trouxeram experiências distintas em educação e escultura para sua prática criativa compartilhada e desenvolveram uma abordagem à criação artística que se baseava em pesquisas interdisciplinares, resultando em projetos que serviam simultaneamente como obras de arte e chamados à ação. “Para sobreviver como espécie”, refletiu Helen Harrison, “vamos ter que aprender a cultivar nossa própria comida e cuidar de nós mesmos em algum momento. Então começamos a olhar para o que isso significa.” “Portable Orchard” é uma das sete “Survival Pieces” desenvolvidas pelos Harrisons no início dos anos 1970, cada uma propondo uma alternativa a um sistema de produção de alimentos existente — de um pasto de porcos a uma fazenda de camarões. Os Harrisons planejavam a implementação futura desses projetos fazendo desenhos de instruções detalhadas; a recente aquisição pelo Museu de um desses desenhos foi o impulso para esta apresentação e está em exibição nas galerias, junto com materiais de arquivo adicionais. “Portable Orchard” revela a qualidade premonitória da pesquisa dos Harrisons sobre sustentabilidade alimentar, bem como os sucessos e fracassos dos sistemas artificiais construídos para sustentar a vida — questões que são ainda mais relevantes hoje do que há cinquenta anos, quando o projeto foi concebido pela primeira vez.

“Survival Piece #5: Portable Orchard” é organizada por Kim Conaty, curadora-chefe da Família Nancy e Steve Crown, com Roxanne Smith, assistente sênior de curadoria.

"Catherine Opie: o gênero do retrato" no MASP
2024-07-05 10:00 - 2024-10-27 18:00 | MASP – Museu de Arte de São Paulo Assis Chateaubriand, Avenida Paulista, 1578 - Bela Vista, São Paulo, SP, Brasil
Catherine Opie, Flipper, Tanya, Chloe & Harriet, San Francisco, California, da série “Domestic”, 1995. Cortesia da artista e Regen Projects; Lehmann Maupinl; e Thomas Dane Gallery

O MASP – Museu de Arte de São Paulo Assis Chateaubriand apresenta, de 5 de julho a 27 de outubro de 2024, a exposição Catherine Opie: o gênero do retrato, com obras de um dos principais nomes da fotografia internacional contemporânea. Catherine Opie (Sandusky, Ohio, EUA, 1961) foi uma das precursoras na discussão sobre questões de gênero entre o fim dos anos 1980 e o início dos anos 1990. Sua produção dialoga com a tradição do retrato – um dos mais tradicionais gêneros da pintura ocidental – de modo a dar legitimidade a novos corpos, subjetividades e experiências que emergem na sociedade contemporânea. Em suas fotografias, Opie retrata diversas expressões e subjetividades de indivíduos e coletivos que se identificam com gêneros e orientações sexuais diversas, especialmente pessoas queer.

Com curadoria de Adriano Pedrosa, diretor artístico, MASP, e Guilherme Giufrida, curador assistente, MASP, a mostra é a primeira da artista no Brasil, e reúne 63 fotografias de suas séries mais emblemáticas, desenvolvidas ao longo de mais de três décadas. Os retratos de Opie figuram ao lado de 21 importantes pinturas da coleção do MASP, entre elas, de Pierre-Auguste Renoir, Hans Holbein, Anthony van Dyck e Van Gogh. As obras são apresentadas em diálogo com o objetivo de acentuar os diálogos, tensões e reformulações aos quais o trabalho de Opie se propõe, além de desdobrar a predileção pela arte figurativa, marca da coleção do museu.

A artista explora o gênero clássico do retrato assumindo algumas de suas características, – fundo neutro, os gestos com as mãos, as expressões e os enquadramentos – e adiciona novos elementos, como a diversidade de gênero, as práticas sexuais, os corpos distintos e os relacionamentos familiares homossexuais. “É fundamental que todos os seres humanos sejam legitimados, isso é necessário para a inclusão de todas as pessoas, para a humanidade. Ao utilizar a estética tradicional do retrato, conforme a minha visão sobre a retratística, busco manter o espectador envolvido na obra durante a observação. Além disso, é uma forma de redefinir o corpo queer dentro de uma formalidade conhecida, e não tratar apenas de uma fotografia documental”, comenta Catherine Opie.

"Lia D Castro: em todo e nenhum lugar" no MASP
2024-07-05 10:00 - 2024-11-17 18:00 | MASP – Museu de Arte de São Paulo Assis Chateaubriand, Avenida Paulista, 1578 - Bela Vista, São Paulo, SP, Brasil
Lia D Castro, Sem título (detalhe), da série Axs nossxs pais, natureza morta, 2021. Galeria Martins&Montero, São Paulo, Brasil, e Bruxelas, Bélgica. Foto: Lucas Cruz/Instituto Çarê

É impossível refletir sobre a obra da artista e intelectual Lia D Castro (Martinópolis, São Paulo, 1978) sem falar de encontros, contrastes, fricções e transformações. A partir de 5 de julho, o público pode encontrar a exposição Lia D Castro: em todo e nenhum lugar, no MASP – Museu de Arte de São Paulo Assis Chateaubriand. A primeira mostra individual da artista em um museu reúne 36 trabalhos, sendo a maioria pinturas de caráter figurativo. As obras selecionadas exploram cenários onde o afeto, o diálogo e a imaginação se tornam importantes ferramentas de transformação social.

O título da exposição parte da constatação da ausência histórica de grupos minorizados em posições de poder e decisão — em nenhum lugar —, enquanto sua presença e força de trabalho compõem as bases que sustentam a sociedade — em todo lugar. Com curadoria de Isabella Rjeille, curadora, MASP, e Glaucea Helena de Britto, curadora assistente, MASP, a mostra apresenta trabalhos que abrangem toda a produção da artista.

Lia D Castro utiliza a prostituição como ferramenta de pesquisa e desenvolve sua produção a partir de encontros com seus clientes – homens cisgêneros, em sua maioria brancos, heterossexuais, de classe média e alta – para subverter relações de poder ou violência que possam surgir entre eles, aliando história de vida e história social. Temas como masculinidade e branquitude, mas também afeto, cuidado e responsabilidade, são abordados nessas ocasiões e resultam em pinturas, gravuras, desenhos, fotografias e instalações criadas de modo colaborativo.

Nesses momentos, ela conversa com esses homens e os convida a refletir: quando você se percebeu branco? E quando se descobriu cisgênero, heterossexual? “Perguntas sobre as quais a artista não busca uma resposta definitiva, mas sim provocar um posicionamento dentro do debate racial, sobre gênero e sexualidade”, afirma a curadora Isabella Rjeille.

As conversas de Lia D Castro com esses homens são permeadas por referências a importantes intelectuais negros como Frantz Fanon, Toni Morrison, Conceição Evaristo e bell hooks. Frases retiradas dos livros desses autores, lidos pela artista na companhia de seus colaboradores, são inseridas nas telas e misturam-se aos gestos, cenas, cores e personagens. O trabalho de Lia D Castro torna-se um lugar de encontro, embate e fricção, no qual ações, imagens e imaginários são debatidos, revistos e transformados. Com frequência, a artista insere referências a outros trabalhos por ela realizados, incluindo-os em outro contexto e, consequentemente, atribuindo novos significados e leituras a essas imagens.

“Partindo da visão de Frantz Fanon de que o racismo é uma repetição, eu proponho combatê-lo com a repetição de imagens. Como a imagem constrói cultura e memória, ao colocar uma obra dentro da outra, busco criar novas referências estéticas”, comenta a artista.

"Dalí: Disruption and Devotion" no Museum of Fine Arts Boston
2024-07-06 10:00 - 2024-12-01 17:00 | MFA Boston, 465 Huntington Ave, Boston, Massachusetts, Estados Unidos
Salvador Dalí, “The Disintegration of the Persistence of Memory” (1952‑54). Cortesia do The Dalí Museum, St. Petersburg/Museum of Fine Arts, Boston.

O excêntrico e iconoclasta artista Salvador Dalí (1904–1989) é famoso por suas imagens bizarras e sua distinta visão surrealista. No entanto, Dalí também estava profundamente enraizado na tradição. Ele estudou, emulou e reverenciou seus predecessores europeus de séculos passados, absorvendo influências da Espanha, Países Baixos e Itália ao longo de sua longa carreira.
Dalí: Disruption and Devotion reúne cerca de 30 pinturas e gravuras emprestadas do Salvador Dalí Museum em St. Petersburg, Flórida, com obras-primas europeias da coleção do MFA, incluindo retratos, cenas religiosas e naturezas-mortas de artistas como El Greco, Orazio Gentileschi e Velázquez, entre outros. Além dessas combinações reveladoras, a exposição apresenta algumas das obras mais conhecidas de Dalí, como Disintegration of the Persistence of Memory (1952–54). Outros exemplos destacam ilusões ópticas e imagens duplas—marcas do Surrealismo—enquanto a monumental Ecumenical Council (1960) evidencia o domínio técnico de Dalí. Ao vê-lo em diálogo com grandes pintores e gravuristas que o precederam, os visitantes podem experimentar uma perspectiva única sobre um dos mais celebrados artistas de vanguarda do século 20.
