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SUMMARY:"Amar se aprende amando" de Antonio Bandeira na Pinacoteca do Ceará
DESCRIPTION:Amar se aprende amando\, dedicada a Antonio Bandeira\, encerra no próximo dia 15 de março na Pinacoteca do Ceará\, após mais de três anos em cartaz. \nMaior mostra já realizada sobre o artista\, a exposição reuniu 608 obras e documentos do acervo do Governo do Ceará e integrou a programação de inauguração do museu\, em dezembro de 2022\, celebrando o centenário do pintor. \nCom curadoria de Bitu Cassundé e assistência de Chico Cavalcante Porto\, a exposição propôs uma abordagem não linear da trajetória de Bandeira\, articulando diferentes cronologias e linguagens para revelar os processos criativos do artista — dos estudos iniciais às telas finalizadas.
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LOCATION:Pinacoteca do Ceará\, R 24 de Maio\, 34 - Centro\, Fortaleza\, Brazil
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SUMMARY:"Wordplay" no ICA Boston
DESCRIPTION:Renée Green\, Space Poem #1\, 2007. Vista da instalação\, Renée Green\, no Instituto de Arte Contemporânea/Boston\, 2021–22. Foto por Liza Voll.\n\n\n\nDestacando a rica interação entre imagem e texto e as práticas relacionadas de observar e ler\, “Wordplay” se baseia principalmente na coleção permanente do ICA para mostrar como artistas contemporâneos brincaram com palavras para animar e expandir suas práticas artísticas. O texto tem sido parte da expressão visual por séculos\, mas a “arte textual” como um gênero começou a proliferar com o surgimento da arte conceitual nos anos 1960. Artistas na exposição usam texto para explorar questões filosóficas\, expressar e subverter mensagens políticas\, desafiar noções de identidade e conectar suas obras com múltiplas referências\, escritores e ícones culturais. Esta exposição apresentará muitas obras recentemente adquiridas que nunca foram exibidas\, de artistas como Kenturah Davis\, Taylor Davis\, Joe Wardwell e Rivane Neuenschwander\, ao lado de trabalhos de Shepard Fairey\, Jenny Holzer\, Glenn Ligon\, entre outros que pioneiraram o engajamento criativo com a linguagem.
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LOCATION:Institute of Contemporary Art Boston\, 25 Harbor Shore Dr\, Boston\, Massachusetts\, Estados Unidos
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SUMMARY:Igshaan Adams no ICA Boston
DESCRIPTION:Igshaan Adams\, Lynloop\, 2024. Vista da instalação\, Igshaan Adams\, no Instituto de Arte Contemporânea/Boston\, 2024-25. Foto por Mel Taing.\n\n\n\nO artista multidisciplinar Igshaan Adams (nascido em 1982 em Cidade do Cabo\, África do Sul) explora como as pessoas habitam e se movimentam pelo espaço. Adams utiliza práticas de tecelagem para tornar visíveis os padrões cotidianos de movimento que falam sobre formas de cuidado\, sobrevivência e resistência na África do Sul pós-apartheid. As recentes tapeçarias de grande escala tecidas por Adams apontam para a interconectividade da espiritualidade do artista\, histórias familiares e narrativas da comunidade local\, enraizadas em sua herança sul-africana\, assim como o uso problemático da terra na região. Ele se inspira no termo de planejamento urbano “linhas de desejo” — caminhos criados por pedestres ao longo do tempo que estão fora dos passeios planejados. Na prática de Adams e na África do Sul\, a criação de linhas de desejo representa um ato de transgressão diante dos limites fixos impostos pelo governo durante a era do apartheid para separar à força as comunidades de acordo com castas raciais. \n\n\n\nLynloop\, a monumental nova comissão de Adams para o ICA/Boston\, é uma tecelagem experimental composta por várias partes\, desenvolvida em resposta à arquitetura do museu e às memórias da infância do artista. Baseia-se em imagens aéreas dos caminhos cruzados entre um campo de esportes e um espaço recreativo murado ao sul de onde Adams cresceu. Por meio da obra\, Adams considera o impacto das experiências e memórias da infância na trajetória da vida de uma pessoa. Ele escreve: “Ao lidar com o desconforto de crescer entre esses espaços hiper-masculinos\, a instalação explora como tive que sobrepor minhas próprias fantasias às memórias de uma maneira que suaviza as arestas duras e a frieza desta área.” Em tons de rosa com contas\, cordas\, correntes e mohair\, Lynloop é um mapeamento impressionante e tátil do espaço\, interação humana e memória.
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LOCATION:Institute of Contemporary Art Boston\, 25 Harbor Shore Dr\, Boston\, Massachusetts\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Don't Forget to Call Your Mother" no The Met Museum
DESCRIPTION:Sadie Barnette\, Photo Bar\, 2022 © Sadie Barnette. Foto: Phillip Maisel.\n\n\n\n\nEm uma época em que as fotografias são principalmente compartilhadas e armazenadas digitalmente\, muitos artistas estão retornando à materialidade dos instantâneos em um álbum ou das imagens em um arquivo como fonte de inspiração. A exposição\, intitulada Don’t Forget to Call Your Mother (“Não Esqueça de Ligar para Sua Mãe”)\, a partir de uma fotografia do provocador italiano Maurizio Cattelan\, consiste em obras da coleção do Met\, que vão dos anos 1970 até os dias atuais\, refletindo sobre os sentimentos complexos de nostalgia e sentimentalismo que esses objetos evocam\, enquanto sublinha o poder do objeto encontrado. \nEntre os artistas em destaque está Sadie Barnette\, para quem as fotografias servem como um portal para iluminar a história esquecida do primeiro bar gay de propriedade de negros em São Francisco e a vida de seu próprio pai\, como ilustra poderosamente sua obra Photo Bar de 2022. Assim como Barnette\, muitos dos artistas da exposição buscam fortalecer o legado das histórias familiares\, enfatizar a importância das relações intergeracionais e considerar as maneiras pelas quais o conhecimento e o respeito pelo passado podem informar o nosso momento atual. Alguns artistas\, como Sophie Calle e Larry Sultan\, exploram suas próprias narrativas para revelar a construção do desejo\, enquanto outros\, incluindo Taryn Simon e Hank Willis Thomas\, examinam histórias que moldaram o diálogo cultural e político. Para alguns\, como Darrel Ellis\, que utilizou fotos de família para negociar o trauma da violência policial\, o pessoal é político. Empregando várias estratégias\, esses artistas consideram como uma coleção de imagens—como um talismã ou um retábulo—constrói relações ao longo do tempo e pode transformar nossa compreensão do presente. \nA exposição é viabilizada por Joyce Frank Menschel.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/dont-forget-to-call-your-mother-no-the-met-museum/
LOCATION:The Metropolitan Museum of Art\, 1000 5th Ave\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
CATEGORIES:Nova York
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SUMMARY:"Wanda Gág World" no Whitney Museum
DESCRIPTION:Wanda Gág\, The Forge (detalhe)\, 1932. Whitney Museum of American Art\, New York; purchase 32.103. © Estate of  Wanda Gág\n\n\n\nEsta exposição apresenta uma seleção de gravuras da artista\, ilustradora e autora de livros infantis Wanda Gág (1893–1946). Estas obras registram o mundo como Gág o experimentava: um lugar onde as paisagens se movem ritmicamente e os objetos inanimados vibram com vida. Embora ela também pintasse\, as artes gráficas ofereceram o método mais eficaz para expressar essa visão única. \n\n\n\nNascida em Minnesota\, filha de imigrantes da Boêmia Alemã (atualmente parte da República Tcheca)\, Gág chegou a Nova York em 1917 para estudar na Art Students League\, onde se tornou uma figura central da cena artística modernista da cidade. Sem aderir à abstração nem ao realismo social — os movimentos artísticos dominantes na época — Gág desenvolveu sua própria abordagem à figuração. Ao longo de sua carreira\, ela alcançou um sucesso modesto vendendo suas gravuras e produziu vários livros infantis populares\, exemplos dos quais são apresentados na mostra. Gág também foi uma escritora prolífica sobre sua vida e obra\, e trechos de suas cartas e diários acompanham as gravuras em exibição. \n\n\n\nCompletamente extraídas da coleção do Whitney\, as obras nesta exposição abrangem aproximadamente duas décadas\, desde meados da década de 1920 até o ano anterior à morte de Gág. Juntos\, esses naturezas-mortas\, paisagens e interiores iluminam o que a artista chamou de “mundo de Wanda Gág”\, demonstrando sua fervorosa busca para capturar o sentimento e o movimento da vida como ela via. \n\n\n\nO Wanda Gág World é co-curado por Roxanne Smith\, Assistente Sênior de Curadoria\, e Scout Hutchinson\, Curadora Bolsista.
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LOCATION:Whitney Museum of American Art\, 99 Gansevoort St Manhattan\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
CATEGORIES:Nova York
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SUMMARY:"Rose Marie Cromwell: A Geological Survey" no ICA Miami
DESCRIPTION:Rose Marie Cromwell\, Rearview\, 2022. Cortesia da artista.\n\n\n\nO ICA Miami apresenta “Rose Marie Cromwell: A Geological Survey”\, a primeira exposição individual da artista em um museu\, destacando seu trabalho mais recente de 2022-23\, no qual ela aplica sua própria interpretação à tradicional arte da fotografia de paisagem. Uma reflexão pessoal sobre identidade\, maturação e relações familiares\, a série de fotografias acompanha a artista\, sua mãe e sua filha jovem em uma jornada pelo Oeste Americano. Juxtapondo esse empreendimento profundamente pessoal com preocupações sociais e ecológicas mais amplas\, as fotografias visualmente impactantes e emocionantes confrontam a história complexa da região e o legado carregado das representações artísticas da paisagem. \n\n\n\nRose Marie Cromwell (n. 1983\, Sacramento; baseada em Miami) é uma artista de foto e vídeo cujo trabalho explora os efeitos da globalização no local\, bem como o espaço tênue entre o político e o espiritual. Seu primeiro livro\, El Libro Supremo de la Suerte\, foi publicado em 2018 pela TIS books e recebeu o Prêmio Light Work Photobook e foi nomeado um dos 25 Melhores Fotolivros de 2018 pela revista TIME. Em 2021\, ela publicou dois livros\, Eclipse (TIS books) e A More Fluid Atmosphere (Pomegranate Press). Ela teve exposições individuais na DiabloRosso e Antítesis\, ambas na Cidade do Panamá\, Panamá; Institute 193\, Lexington\, Kentucky; e Filter Photo\, Chicago. Seu trabalho também foi exibido na Aperture Foundation\, Nova York; High Museum\, Atlanta; PRIZM Art Fair\, Miami; TILT Institute for the Contemporary Image\, Filadélfia; e o Silver Eye Center for Photography\, Pittsburgh; entre muitos outros. Cromwell é beneficiária de uma bolsa Fulbright e uma bolsa Getty Reportage\, foi artista residente no Light Work e artista residente na Oolite Arts em Miami. \n\n\n\n“Rose Marie Cromwell: A Geological Survey” é organizada pelo Instituto de Arte Contemporânea\, Miami\, e curada por Gean Moreno\, Diretor do Centro Art + Research da Fundação Knight no ICA Miami\, e Amanda Morgan\, Curadora Assistente\, Exposições e Publicações.
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LOCATION:Institute of Contemporary Art Miami\, 61 NE 41st Street\, Miami\, Flórida\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Zilia Sánchez: Topologías / Topologies" no ICA Miami
DESCRIPTION:Zilia Sanchez\, Eros\, 1976/1998. © Zilia Sanchez. Cortesia da Galerie Lelong & Co.\, Nova York.\n\n\n\nO Instituto de Arte Contemporânea\, Miami\, apresenta uma grande retrospectiva das obras de Zilia Sánchez\, abrangendo de 1950 a 1996. \n\n\n\nDe abril a outubro de 2024\, o Instituto de Arte Contemporânea\, Miami\, apresentará uma pesquisa abrangente das obras da artista Zilia Sánchez (n. 1926\, Havana; vive e trabalha em San Juan\, Porto Rico). Uma voz singular no modernismo latino-americano pós-guerra e na abstração geométrica\, a prática artística dinâmica de Sánchez engloba uma ampla gama de estilos e temas. Abrangendo mais de sete décadas\, suas obras são produto de experimentação contínua. \n\n\n\nSánchez é mais conhecida por suas icônicas pinturas em telas moldadas. Esticadas sobre construções de madeira\, essas obras assemelham-se a formas corporais enquanto mantêm qualidades abstratas. Por meio dessas obras\, a artista explorou preocupações formalistas enquanto lidava sutilmente com questões sociais significativas — noções de gênero\, feminismo e formação de identidade\, entre outras. Além dessas pinturas em tela esticada\, a exposição também inclui um número significativo de trabalhos anteriores de Sánchez\, como suas pinturas abstratas em tons vivos e formas geométricas criadas na década de 1950 enquanto vivia em Cuba. \n\n\n\nEm Havana\, Sánchez fez parte de um grupo de pintores que buscava deixar para trás a pintura figurativa\, que havia dominado gerações anteriores. Em seu lugar\, eles mobilizaram a abstração\, como uma proposta antiestabelecimento e como uma inovação formal. Esses foram anos turbulentos em Cuba\, à medida que a ditadura repressiva foi estabelecida\, e uma jovem geração de estudantes\, artistas e líderes cívicos resistiu. Nesse ambiente\, Sánchez começou a desenvolver propostas formais cada vez mais complexas e a testar novas linguagens abstratas. Paralelamente às suas abstrações\, Sánchez desenvolveu sua série “Afrocubanos” de pinturas que retratam figuras estilizadas abstratas e aludem a práticas rituais e efígies religiosas. Esta exposição reúne pela primeira vez um robusto grupo dessas obras\, ampliando a compreensão do escopo expansivo e da amplitude da prática de Sánchez. \n\n\n\nA artista deixou Cuba em 1960\, um ano após Fidel Castro chegar ao poder\, e se estabeleceu em Nova York\, onde se tornou uma membro ativa da cena cultural de artistas e escritores emigrantes. Ela trabalhou como designer gráfica e como cenógrafa de teatro\, enquanto continuava a desenvolver e exibir suas pinturas. Experimentando com materiais não tradicionais\, como serragem\, resina e cera\, Sánchez criou uma série de pinturas em mídia mista que se relacionam com os quatro elementos\, incluindo “Agua” (1961) e “Tierra” (1968)\, junto com temas mais abstratos como “Ecuación” (Equação\, 1963) e “Sucesión” (Sucessão\, 1966). \n\n\n\nEm 1966\, Sánchez mudou-se para Madrid\, auxiliada por uma bolsa de estudos da Fundação CINTAS\, para estudar conservação e restauração. Ela começou a desenvolver o estilo que viria a caracterizar sua prática. Telas tridimensionais com formas sensuais\, suas pinturas desse período combinam abstração geométrica com conotações sociais\, biográficas\, emocionais e eróticas\, como sugerem obras com títulos referenciando “Eros” e “Amazonas”. Desde 1971\, Sánchez vive e trabalha em San Juan\, Porto Rico. As obras que ela criou lá são marcadas por um abraço enfático da forma feminina\, desafiando as convenções rígidas e racionais do modernismo europeu com uma abordagem sensorial e feminista da abstração geométrica. \n\n\n\nA exposição “Zilia Sánchez: Topologías / Topologies” abrange aproximadamente trinta obras da artista produzidas entre 1950 e 1996. A retrospectiva será acompanhada por um catálogo de exposição ricamente ilustrado\, apresentando novas fotografias\, ensaios acadêmicos sobre a artista e materiais de arquivo. \n\n\n\nZilia Sánchez (n. 1926\, Havana; vive e trabalha em San Juan\, Porto Rico) tem sido exibida internacionalmente desde a década de 1950. Mais recentemente\, exposições individuais foram realizadas no Artist Space\, Nova York (2013); a Phillips Collection\, Washington\, D.C.\, que viajou para o Museo de Arte Ponce\, San Juan\, e El Museo del Barrio\, Nova York (todos em 2019). O trabalho de Sánchez foi destaque em exposições coletivas seminais\, incluindo “Mulheres Radicais: Arte Latino-Americana\, 1960-1985\,” no Brooklyn Museum\, Brooklyn\, Nova York\, bem como na exposição principal “Viva Arte Viva” da Bienal de Veneza de 2017. Atualmente está em exibição em “Estrangeiros em Todo Lugar” na Bienal de Veneza de 2024. O trabalho de Sánchez está presente em coleções de museus incluindo a Tate\, Londres; Museu de Arte Moderna\, Nova York; Centre Pompidou\, Paris; Museu de Arte de Porto Rico\, San Juan; Museu de Arte Latino-Americano em Buenos Aires\, Argentina; Museu Nacional de Belas Artes em Havana\, Cuba. \n\n\n\n“Zilia Sánchez: Topologías / Topologies” é organizada pelo ICA Miami e curada por Gean Moreno\, Diretor do Centro de Arte + Pesquisa da instituição\, e Stephanie Seidel\, Curadora Monica e Blake Grossman.
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SUMMARY:“Olympism: Modern Invention\, Ancient Legacy” no Museu do Louvre
DESCRIPTION:Relevo em Gesso: Corrida (Dromos)\, após a Ânfora Panatenaica\, Atribuído ao Pintor de Berlim. © Escola Francesa de Atenas. Cortesia do Louvre.\n\n\n\nEntre os eventos culturais planejados para acompanhar os Jogos Olímpicos e Paralímpicos de 2024 em Paris\, está uma exposição no Louvre sobre a criação dos primeiros Jogos Olímpicos modernos. Os visitantes descobrirão como os Jogos surgiram no final do século XIX: o contexto político da época\, as fontes iconográficas nas quais se basearam e como os organizadores se propuseram a recriar as competições esportivas da Grécia antiga. \n\n\n\nA exposição lança luz sobre as origens da maior e mais assistida competição esportiva do mundo. Este evento internacional foi idealizado por Pierre de Coubertin e diversos luminares franceses e gregos\, aos quais se juntou posteriormente o desenhista suíço Émile Gilliéron (1850-1924). Gilliéron formou-se na École des Beaux-Arts em Paris e era um visitante frequente do Louvre\, onde copiou várias de suas obras-primas. Tendo se estabelecido na Grécia\, ele foi nomeado o artista oficial dos Jogos Olímpicos de 1896 e das Mesoolimpíadas de 1906\, ambos realizados em Atenas\, para os quais desenhou os troféus dos vencedores\, inspirados nas descobertas feitas nos principais sítios arqueológicos da época. Utilizando as mais recentes técnicas de reprodução de seu tempo\, o artista ilustrou materiais de comunicação – em particular selos postais e cartazes – para o recém-formado estado grego. \n\n\n\nGraças a um empréstimo especial da Fundação Stavros Niarchos (SNF)\, o Louvre exibirá a primeira Taça Olímpica\, conhecida como “Taça de Bréal”\, desenhada pelo acadêmico francês Michel Bréal e criada por um ourives francês para o vencedor da primeira maratona – uma corrida inventada para os Jogos Olímpicos modernos. \n\n\n\nComo parte do programa de eventos culturais que acompanham os Jogos Olímpicos e Paralímpicos de 2024\, a exposição mostrará como as disciplinas científicas da filologia\, história\, história da arte e arqueologia se uniram para criar este evento esportivo global.
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SUMMARY:"Expressionists: Kandinsky\, Münter and The Blue Rider" na Tate Modern
DESCRIPTION:Gabriele Münter\, Jawlensky and Werefkin\, 1909\, Lenbachhaus Munique\, Doação de Gabriele Münter\, 1957 © DACS 2024\n\n\n\nExplore o trabalho inovador de um círculo de amigos e colaboradores próximos conhecido como The Blue Rider. No início do século 20\, eles se uniram para formar\, em suas próprias palavras\, “uma união de vários países para servir a um propósito” – transformar a arte moderna. Os artistas se reuniram em torno de Wassily Kandinsky e Gabriele Münter para experimentar cor\, som e luz\, criando uma arte ousada e vibrante. \n\n\n\nExpressionists é uma história de amizades contada através da arte. A exposição examina os criativos altamente individuais que compunham The Blue Rider\, desde o interesse de Franz Marc pela cor até a performance freestyle de Alexander Sacharoff. As artistas mulheres desempenharam um papel central no movimento. Descubra as fotografias experimentais de Gabriele Münter ao lado das pinturas dramáticas de Marianne Werefkin. \n\n\n\nExperimente uma coleção de obras-primas\, desde pinturas\, esculturas e fotografias até performance e som. Esta exposição marcante é possível graças à colaboração com a Lenbachhaus\, Munique\, que ofereceu à Tate um acesso sem precedentes à sua coleção. A exposição apresenta mais de 130 obras – reunidas no Reino Unido pela primeira vez em mais de 60 anos.
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SUMMARY:"La Mode en mouvement #2" no Palais Galliera
DESCRIPTION:De 26 de abril de 2024 a 5 de janeiro de 2025\, o Palais Galliera revela “La Mode en mouvement #2”. Com mais de 250 novas obras apresentadas durante esta segunda exibição\, a exposição traça\, através das coleções do museu\, uma história da moda do século XVIII até os dias atuais e desenvolve a temática transversal do corpo em movimento. Um foco especial também é dedicado às roupas de banho\, revelando peças raramente mostradas ao público. \n\n\n\nEnquanto Paris acolhe os Jogos Olímpicos e Paralímpicos no verão de 2024\, “La Mode en mouvement #2” permite compreender o papel do vestuário na prática de atividades físicas e esportivas\, bem como as consequências sociais de sua evolução. \n\n\n\nO vestuário concebido para o esporte (equitacão\, tênis\, golfe\, bicicleta…) é comparado ao vestuário de cidade. Esta segunda apresentação permite ao público perceber a progressiva especialização do vestuário esportivo\, assim como a introdução do sportswear no vestuário cotidiano. \n\n\n\nA seção balneária foca nos banhos de mar e na natação\, símbolos da democratização da prática esportiva desde o final do século XIX. É uma oportunidade de descobrir a importante coleção de trajes de banho\, maiôs\, roupas e acessórios de praia conservados no Palais Galliera. Esta seção destaca a evolução da relação com o corpo através de seu desvelamento na esfera pública\, bem como as noções de pudor e decência. Também revela a transformação dos cânones de beleza\, especialmente através da questão do bronzeamento. \n\n\n\n“La Mode en mouvement #2” beneficia-se de empréstimos excepcionais do Musée National du Sport (Nice)\, da Fundação Azzedine Alaïa\, da Biblioteca Forney (Paris)\, da Biblioteca Histórica da Cidade de Paris\, do Museu Carnavalet – História de Paris\, do Patrimônio da CHANEL\, da coleção Émile Hermès e da casa Yohji Yamamoto. Essas obras permitem colocar em perspectiva as peças do Palais Galliera\, testemunhas de uma prática física e esportiva\, de lazer ou de competição\, ao longo das épocas.
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LOCATION:Palais Galliera\, 10 Av. Pierre 1er de Serbie\, Paris\, França
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SUMMARY:"Ancestors and Place: Indigenous North American Prints" no Museum of Fine Arts Boston
DESCRIPTION:Wendy Red Star\, Yakima or Yakama—Not For Me To Say\, publicado pelo Crow’s Shadow Institute of the Arts\, 2015–16. © Wendy Red Star.\n\n\n\nAs palavras ancestrais e lugar têm muitas conotações\, mas para os povos indígenas\, estão ligadas a todas as coisas. Lugar se estende além de uma única localização para abranger terra\, água e céu. Ancestrais são não apenas humanos\, mas também não humanos\, que são elementos vivos de um lugar. Alguns artistas nativos usaram o meio colaborativo da gravura como uma forma de honrar esses conceitos profundamente conectados e nos lembrar que\, embora muitas terras ancestrais indígenas tenham sido perdidas para a colonização\, as relações com esses lugares e as comunidades que eles nutriram perduram. \n\n\n\nCelebrando uma área crescente da coleção do MFA\, Ancestors and Place: Indigenous North American Prints [Ancestrais e Lugar: Gravuras Indígenas da América do Norte] apresenta mais de 30 obras — a maioria delas aquisições recentes — de artistas indígenas dos Estados Unidos e do Canadá que exploram ideias nuances de administração. As obras reconhecem o lugar como uma bênção\, mas também algo a ser cuidado — para o passado\, presente e futuro. Principalmente criadas através de residências em estúdios de gravura como Crow’s Shadow Institute of the Arts\, Tamarind Institute e High Point\, essas gravuras mostram artistas levando suas práticas em novas direções\, experimentando e reconceitualizando temas significativos para eles e suas comunidades. \n\n\n\nTanto artistas emergentes quanto estabelecidos estão em destaque\, incluindo Wendy Red Star\, Jaune Quick-to-See Smith\, James Lavadour e Raven Chacon. Além de fazer arte\, alguns\, como Smith\, também são ativistas\, movidos pelo desejo de melhorar a representação cultural e política dos nativos americanos. Enraizadas em suas comunidades específicas\, essas gravuras demonstram a criatividade e a experimentação de diversos artistas contemporâneos. \n\n\n\nEsta exposição é organizada em colaboração com o artista e professor Duane Slick (Meskwaki/Ho-Chunk). Segue uma exposição anterior de gravuras indígenas norte-americanas\, que explorou a resiliência\, em exibição entre novembro de 2023 e março de 2024.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/ancestors-and-place-indigenous-north-american-prints-no-museum-of-fine-arts-boston/
LOCATION:MFA Boston\, 465 Huntington Ave\, Boston\, Massachusetts\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Reverberations" no MOCA Grand Avenue
DESCRIPTION:Rachel Harrison\, Hot Topic Two\, 2022 © Rachel Harrison. Imagem cortesia de Regen Projects\, Los Angeles e Greene Naftali\, Nova York. Foto de Joshua White/JWPictures.com.\n\n\n\nA Coleção do MOCA\, agora com quase 8.000 obras de arte que abrangem o meio do século XX até o presente\, é internacionalmente renomada por sua profundidade e excelência em mídia\, estilo e história da arte. Destacando áreas de força única\, estas galerias da Coleção se orientam em torno de apresentações de obras de um único artista\, como Robert Rauschenberg e Mark Rothko\, e reúnem aquisições-chave feitas pelo museu ao longo de seus 44 anos de história\, incluindo muitas seleções das Coleções Panza\, Schreiber\, Weisman e Parsons\, que são fundamentais. \n\n\n\nGalerias dedicadas à abstração\, Pop e trabalho conceitual das décadas de 1950 e 1960 são acompanhadas por aquisições recentes de Nairy Baghramian\, Isa Genzken e Rachel Harrison\, enquanto pinturas figurativas de Michael Armitage\, Jennifer Packer e Henry Taylor se juntam a obras canônicas de Alice Neel\, George Segal e outros. Também em exibição estão apresentações de “The Americans” de Robert Frank em sua totalidade e a instalação Import-Export Funk Office (1993) de Renée Green. \n\n\n\nReverberations é organizada por Bennett Simpson\, Curador Sênior\, com Emilia Nicholson-Fajardo\, Assistente Curatorial\, do Museu de Arte Contemporânea\, Los Angeles.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/reverberations-no-moca-grand-avenue/
LOCATION:MOCA Grand Avenue\, 250 South Grand Avenue Los Angeles\, Los Angeles\, Califórnia\, Estados Unidos
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SUMMARY:The Roof Garden Commission: Petrit Halilaj no The Met Museum
DESCRIPTION:Foto: Ian Kumamoto\n\n\n\nO artista kosovar Petrit Halilaj (nascido em 1986\, Kostërc\, antiga Iugoslávia) foi convidado a criar uma instalação específica para o Jardim do Telhado Iris e B. Gerald Cantor do Museu. Para o primeiro grande projeto do artista nos Estados Unidos\, Halilaj transformou o telhado do Met com uma extensa instalação escultural. \n\n\n\nO trabalho de Halilaj está profundamente conectado à história recente de seu país natal\, Kosovo\, e às consequências das tensões culturais e políticas na região. Após um período formativo na Itália\, onde estudou arte na Accademia di Brera em Milão\, ele se mudou para Berlim em 2008\, onde ainda vive e trabalha. Seus projetos abrangem uma variedade de mídias\, incluindo escultura\, desenho\, poesia e performance.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/the-roof-garden-commission-petrit-halilaj-no-the-met-museum/
LOCATION:The Metropolitan Museum of Art\, 1000 5th Ave\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Toward the Celestial: ICA Miami’s Collection at 10 Years" no ICA Miami
DESCRIPTION:George Condo\, Am I Human?\, 2022. © George Condo. Cortesia do artista e Hauser & Wirth. Foto: Thomas Barratt.\n\n\n\nPor ocasião de seu décimo aniversário\, o ICA Miami apresenta “Toward the Celestial”\, uma seleção de obras de sua coleção permanente que destaca o desenvolvimento programático do museu\, bem como comissões recentes e obras anteriormente não exibidas. A exposição é organizada tematicamente e percorre desde imagens microscópicas até macroscópicas para explorar a dimensão do tempo e as ordens de escala. O título da exposição alude à bandeira Universo Celestial (1988) de Betye Saar\, que foi destaque na pesquisa da artista em 2021 e tem feito parte das instalações da artista ao longo de várias décadas\, sugerindo tanto uma presença iminente quanto o registro do tempo através de estruturas ideológicas alternativas. \n\n\n\n“Toward the Celestial: ICA Miami’s Collection at 10 Years” é organizada pelo ICA Miami\, e curada por Alex Gartenfeld\, Diretor Artístico Irma e Norman Braman; Gean Moreno\, Diretor da Fundação Knight do Centro de Arte e Pesquisa do ICA Miami; e Stephanie Seidel\, Curadora Monica & Blake Grossman.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/toward-the-celestial-ica-miamis-collection-at-10-years-no-ica-miami/
LOCATION:Institute of Contemporary Art Miami\, 61 NE 41st Street\, Miami\, Flórida\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Huguette Caland: Outside the Line" no ICA Miami
DESCRIPTION:Huguette Caland\, Bribes de corps (detalhe)\, 1973. Cortesia do espólio do artista.\n\n\n\nO ICA Miami tem o orgulho de apresentar “Huguette Caland: Outside the Line”\, a primeira exposição individual das obras da artista libanesa Huguette Caland em um museu americano. Figura provocativa na arte abstrata\, Caland (1931–2019) foi recentemente reconhecida por suas pinturas figurativas e abstratas que representam o corpo em linhas sutis e explosões de cor que são simultaneamente íntimas\, eróticas e ousadas. Esta exposição reúne pinturas da série da artista “Bribes de corps” (Partes do Corpo\, 1973–76) e obras associadas\, refletindo sua preocupação com o corpo e a experimentação formal em desenho e pintura abstrata. Caland frequentemente usava seu próprio corpo como ponto de partida; essas obras focam no corpo como artesanato e caricatura\, expressando suas formas sutis através do humor\, expressão sexual e invenção formal. \n\n\n\nNascida em Beirute\, filha do primeiro presidente de um Líbano independente\, Caland cresceu em um ambiente cosmopolita e político. Até a Guerra Civil Libanesa em 1975\, a cena artística de Beirute era de grande liberdade e experimentação. Participante ativa desse meio\, Caland criou desenhos\, pinturas e caftãs que construíram a base para sua investigação da forma feminina. Em 1970\, Caland mudou-se para Paris para prosseguir com sua prática artística; foi lá que ela aprofundou o poder expressivo e erótico da linha e da cor em seu trabalho\, criando a série “Bribes de corps”\, que centraliza o corpo e suas expressões eróticas. Enfatizando o corpo através de close-ups que\, por vezes\, o tornam irreconhecível\, as obras de Caland são simultaneamente minimalistas e audaciosamente referenciais. \n\n\n\nEnquanto suas obras anteriores exploravam a relação entre figuração e abstração\, “Bribes de corps” estabeleceu Caland como uma figura chave no discurso mais amplo do Expressionismo Abstrato e da pintura de Campo de Cor. As obras também assumem uma corrente autobiográfica. Transformando as curvas e orifícios do corpo em abstrações que dobram como paisagens ou formas não humanas\, Caland subverteu as representações idealizadas da forma feminina e desafiou os métodos interpretativos dos espectadores. Esta série reflete o profundo investimento de Caland na visibilidade e celebração da forma feminina\, enquanto também expressa uma aguda consciência das maneiras como o corpo é submetido a forças políticas e violentas. \n\n\n\nAs obras de Caland podem ser encontradas em coleções ao redor do mundo\, incluindo o Los Angeles County Museum of Art (LACMA); Hammer Museum\, Los Angeles; British Museum\, Londres; Tate\, Reino Unido; Museu de Arte Moderna\, Nova York; Metropolitan Museum of Art\, Nova York; San Diego Museum of Art; Museum of Fine Arts\, Houston; Centre Pompidou\, Paris; Bibliothèque nationale de France\, Paris; Fonds national d’art contemporain\, Paris; Barjeel Art Foundation\, Sharjah\, Emirados Árabes Unidos; Sharjah Art Foundation; e a Ramzi and Saeda Dalloul Art Foundation\, Beirute. \n\n\n\n“Huguette Caland: Outside the Line (1970–84)” é organizada pelo ICA Miami e curada por Donna Honarpisheh\, Curadora Associada.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/huguette-caland-outside-the-line-no-ica-miami/
LOCATION:Institute of Contemporary Art Miami\, 61 NE 41st Street\, Miami\, Flórida\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Natureza Viva" de Marcelo Tinoco no Centro Cultural Fiesp
DESCRIPTION:Marcelo Tinoco\, Natureza Viva (detalhe)\, 2015\n\n\n\nO Centro Cultural Fiesp (CCF) realiza em São Paulo a exposição Natureza Viva\, do artista Marcelo Tinoco\, com curadoria de Nancy Betts. O período expositivo tem início dia 08 de maio e vai até dia 13 de outubro. A visitação é gratuita e pode ser feita de terça a domingo\, das 10h às 20h. \n\n\n\nA mostra apresenta 12 obras\, produzidas durante a última década\, que representam jardins e paisagens naturais\, promovendo a reflexão sobre a interação humanidade – natureza. Em seu processo de criação\, Tinoco desconstrói fotografias de diferentes épocas e locais e as utiliza como rascunho para a composição de uma nova cena\, desenhada e colorida manualmente\, gerando o que ele chama de “fotografia multidisciplinar”. \n\n\n\nNeste contexto\, a coleção exposta conduz o espectador a uma experiência imersiva composta de dois vieses: as paisagens tropicais e as paisagens europeias. Mais que apresentar lugares\, na poética do artista há uma perspectiva dialógica entre todas as obras. As paisagens tropicais remetem aos jardins de Burle Marx com seus arranjos de um paisagismo modernista.   \n\n\n\nA mostra é um convite para que os visitantes reflitam sobre a necessidade do cuidado e do conviver com a natureza\, gerando novas realidades possíveis. Natureza Viva é livre para todos os públicos e inclusiva para pessoas com deficiência visual\, contendo audiodescrição em cinco obras.  \n\n\n\nA Gerente de Cultura do Sesi-SP\, Débora Viana\, traz a importância de exposições como Natureza Viva integrar a programação do Sesi-SP: “Reiteramos o compromisso da nossa instituição em ofertar um ambiente cultural e artístico\, proporcionando ao público a projetos de qualidade\, que o acesso a obras\, ao processo criativo de artistas de diversas origens\, e incentivando a reflexão e a experimentação. No Sesi-SP\, consideramos crucial a formação de novos apreciadores das artes\, promovendo a difusão e o acesso à cultura de maneira gratuita. Por isso\, concebemos e executamos projetos em uma ampla gama de áreas\, convidando o público a mergulhar de cabeça no universo do conhecimento e da expressão artística.”
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LOCATION:Centro Cultural Fiesp\, Avenida Paulista\, 1313\, Bela Vista\, São Paulo\, SP\, Brasil
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SUMMARY:"The Body in Motion" no Petit Palais
DESCRIPTION:Augustin Rouart\, Le Nageur\, 1943\n\n\n\nPor ocasião dos Jogos Olímpicos e Paralímpicos de Paris 2024\, o Petit Palais apresenta “The Body in Motion” a partir de 15 de maio de 2024. Esta exposição conecta arte e esporte dentro de suas coleções. \n\n\n\nA exposição\, com uma cenografia que reflete as cores dos Jogos Olímpicos\, apresenta cinquenta obras das coleções do Petit Palais\, que vão da antiguidade ao início do século XX\, algumas das quais foram especialmente retiradas das reservas. Essas pinturas\, esculturas e objetos de arte\, bem como desenhos e gravuras do museu\, foram escolhidos pela maneira como destacam o corpo\, a anatomia e o esporte. A exposição está dividida em oito seções. \n\n\n\nEla começa na Galerie des Antiques\, levando os visitantes de volta no tempo às origens dos Jogos Olímpicos com evocações visuais de um evento de arremesso de disco ou dardo em vasos e ânforas datados do século V a.C. A coleção de ícones próxima destaca a representação do “corpo heroico” através da figura de São Jorge matando o dragão\, personificando a noção de busca e de superação. \n\n\n\nA seção intitulada “The Drawn Body” relembra a importância dos modelos humanos na arte ocidental e apresenta estudos de nus masculinos de Dürer e Rembrandt. A exposição continua com um interlúdio de dança focado em “corpos suspensos”. Incorporando o dinamismo visível em toda a exposição\, a seção chamada “Sculpting the Body” lança luz sobre essa busca pela vitalidade por escultores que procuram capturar o movimento. Mais adiante\, na seção intitulada “Montar!”\, o tema da emancipação das mulheres através do esporte é explorado com pinturas de Jacques-Émile Blanche e Léon Comerre. “The Body at Play”\, por outro lado\, apresenta jogos infantis como peteca e bilhar em tapeçarias do século XVIII\, os respectivos ancestrais do badminton e do mikado de hoje. A seção final da exposição\, intitulada “Sport in Vogue”\, examina o início do século XX\, que marcou a chegada dos Jogos Olímpicos modernos\, transportando os visitantes para uma nova era que leva até os dias atuais. \n\n\n\nA exposição é complementada por vídeos intitulados “In the Words of Athletes”\, apresentando os esportistas apoiados pelas empresas do Groupe BPCE\, parceiro premium dos Jogos Olímpicos e Paralímpicos de Paris 2024 e principal patrocinador ou mecenas do Petit Palais. Cada atleta escolheu uma obra que ressoa particularmente com seu esporte e prática específica\, sua vida pessoal e os desafios físicos que enfrentaram\, juntamente com a arte do gesto perfeitamente executado\, e as ambições ou objetivos que estabeleceram para si mesmos. Esses vídeos emocionantes lançam luz sobre o vínculo que existe entre arte e esporte\, com os atletas participantes se tornando\, em suas próprias palavras\, “artletas”.
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LOCATION:Petit Palais\, Av. Winston Churchill\, 75008\, Paris\, França
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SUMMARY:"Now You See Us: Women Artists in Britain 1520-1920" na Tate Britain
DESCRIPTION:Laura Knight\, The Dark Pool\, 1908-1918\, Laing Art Gallery (Tyne and Wear Archives & Museums) © Estate of Dame Laura Knight\, 1877-1970 (Worthing\, Reino Unido)\n\n\n\nAbrangendo 400 anos\, esta exposição acompanha a jornada das mulheres em sua trajetória para se tornarem artistas profissionais. Desde os tempos Tudor até a Primeira Guerra Mundial\, artistas como Mary Beale\, Angelica Kauffman\, Elizabeth Butler e Laura Knight abriram um novo caminho artístico para gerações de mulheres. Elas desafiaram o que significava ser uma mulher trabalhadora na época\, indo contra as expectativas da sociedade ao terem carreiras comerciais como artistas e participarem de exposições públicas. \n\n\n\nCom mais de 150 obras\, a mostra desmonta os estereótipos em torno das mulheres artistas na história\, frequentemente consideradas amadoras. Determinadas a alcançar o sucesso e recusando-se a serem limitadas\, elas ousadamente pintaram temas geralmente atribuídos a artistas homens: peças históricas\, cenas de batalha e o nu. \n\n\n\nA exposição lança luz sobre como essas artistas defenderam o acesso igualitário ao treinamento em arte e à adesão às academias\, quebrando barreiras e superando muitos obstáculos para estabelecer o que significava ser uma mulher no mundo da arte.
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LOCATION:Tate Britain\, Millbank\, Londres\, Reino unido
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SUMMARY:"Lineages: Korean Art at The Met" no The Met Museum
DESCRIPTION:Yi Jeong\, Bamboo in the Wind (detalhe)\, início do século XVII\, Coreia\, dinastia Joseon (1392–1910). The Metropolitan Museum of Art\, Nova York\, Coleção Mary Griggs Burke\, Doação da Fundação Mary and Jackson Burke\, 2015\n\n\n\nEm comemoração ao vigésimo quinto aniversário da galeria Artes da Coreia do Met\, “Lineages: Korean Art at The Met” exibe destaques da coleção do Museu emparelhados com importantes empréstimos internacionais de arte moderna e contemporânea coreana. Esta justaposição de obras de arte históricas e contemporâneas — desde celadons dos séculos XII e XIII até esculturas futurísticas de ciborgues feitas nos anos 2000 — exibe a história da arte coreana em grandes traços através de quatro temas interligados: linhas\, pessoas\, lugares e coisas. Apresentando trinta objetos\, esta exposição promove um diálogo de ideias que ressoaram ao longo do tempo e uniram artistas.
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LOCATION:The Metropolitan Museum of Art\, 1000 5th Ave\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Jenny Holzer: Light Line" no Guggenheim
DESCRIPTION:Vista da instalação “Jenny Holzer: Light Line” no Guggenheim\n\n\n\nEsta exposição apresenta uma reimaginação da emblemática instalação de Jenny Holzer de 1989 no Guggenheim. Subindo todas as seis rampas da rotonda projetada por Frank Lloyd Wright até o ápice do edifício\, a instalação específica do local transforma o edifício com uma exibição de textos rolantes\, apresentando seleções de suas séries icônicas\, como “Truisms” e “Inflammatory Essays”. \n\n\n\nLight Line destaca o uso incisivo da palavra escrita ao longo do tempo e em diferentes mídias na prática de Holzer. Além do letreiro de LED\, a exposição apresenta uma seleção de obras de Holzer desde os anos 1970 até os dias atuais\, incluindo pinturas\, obras em papel e peças de pedra. De 16 a 20 de maio\, a projeção de luz da artista Para o Guggenheim iluminou a fachada do prédio com uma seleção de poemas e relatos de testemunhas oculares que falam da necessidade de paz. \n\n\n\nJenny Holzer: Light Line é organizada por Lauren Hinkson\, Curadora Associada para Coleções. A pesquisa de conservação e tratamento da Instalação de Jenny Holzer para o Museu Solomon R. Guggenheim é liderada por Lena Stringari\, Diretora Adjunta e Chefe Conservadora Andrew W. Mellon\, e Agathe Jarczyk\, Conservadora Associada de Mídia Temporal.
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LOCATION:The Guggenheim Museum\, 1071 5th Ave\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
CATEGORIES:Nova York
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SUMMARY:"Fragile Beauty" no V&A Museum
DESCRIPTION:Elton John\, Egg On His Face\, Nova York\, David LaChapelle\, 1999\n\n\n\nApresentando mais de 300 impressões raras de 140 fotógrafos\, “Fragile Beauty” é uma importante exibição de fotografia dos séculos 20 e 21\, emprestada da coleção particular de Sir Elton John e David Furnish. \n\n\n\nSelecionadas de uma coleção de mais de 7.000 imagens\, as fotografias (muitas das quais serão exibidas publicamente pela primeira vez) são imagens que definem eras e exploram a conexão entre força e vulnerabilidade inerente à condição humana. \n\n\n\nA exposição cobre o período de 1950 até os dias atuais\, reunindo uma seleção incomparável dos principais fotógrafos do mundo para contar a história da fotografia moderna e contemporânea. Entre as obras celebradas está uma instalação monumental de 149 impressões de Nan Goldin da sua série “Thanksgiving”\, bem como imagens de Robert Mapplethorpe\, Cindy Sherman\, William Eggleston\, Diane Arbus\, Sally Mann\, Zanele Muholi\, Ai Weiwei\, Carrie Mae Weems e outros. \n\n\n\nAquisições recentes também estão em exibição\, incluindo obras de Tyler Mitchell\, Trevor Paglen e An-My Lê. Essas se juntam a algumas das primeiras aquisições feitas por John\, incluindo fotografias de moda por Horst P. Horst\, Irving Penn e Herb Ritts. \n\n\n\nMarcando 30 anos de coleção\, a exposição celebra a paixão de Elton John e David Furnish pela fotografia e reflete seu gosto pessoal e olhar único como colecionadores. Ao longo de oito seções temáticas\, “Fragile Beauty” explora temas como moda\, reportagens\, celebridades\, o corpo masculino e a fotografia americana. Retratos de estrelas do palco e da tela também são apresentados\, incluindo fotografias de Aretha Franklin\, Elizabeth Taylor\, The Beatles e Chet Baker. Muitas fotografias na exposição respondem a temas de perseguição\, resistência e momentos chave na história\, incluindo imagens do movimento dos direitos civis dos anos 1960\, ativismo contra a AIDS dos anos 1980 e os eventos de 11 de setembro de 2001.
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LOCATION:Victoria and Albert Museum (V&A)\, Cromwell Rd\, Londres\, Reino unido
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SUMMARY:Éric Dubuc no Musée d'Art Moderne de Paris
DESCRIPTION:Éric Dubuc\, Autoportrait de profil (detalhe)\, 1986 © Museu de Arte Moderna de Paris\, doação da família do artista em 2022. Fotografia: Cécile Dubuc\n\n\n\n\nNascido em Paris em 1961\, em uma família franco-alemã\, Éric Dubuc produziu seus primeiros desenhos durante seus estudos na escola Steiner-Waldorf. Aos 18 anos\, passou um ano na École Nationale des Beaux-Arts antes de continuar sua formação por meio de viagens longínquas e solitárias pela Ásia e África. Durante uma dessas viagens à República Democrática do Congo\, ele contraiu malária e foi hospitalizado no hospital Claude Bernard\, de onde saiu muito debilitado física e psicologicamente. Em 1985\, expôs no Salon de la Jeune Peinture em Paris\, onde seu trabalho alcançou um primeiro sucesso. Sua obra\, tão precoce quanto profundamente pessimista e distante\, foi interrompida por seu suicídio\, aos 25 anos. \nO olhar de Éric Dubuc se lança sobre o mundo como um bisturi. Seja ao retratar a violência cotidiana das ruas ou o realismo miserável dos interiores\, sua arte alcança uma forma de crueldade\, até o ponto da ruptura. A frieza impiedosa da vida urbana é representada em cenas de bares desiludidos\, onde personagens solitários se aproximam sem realmente se encontrar\, ou em vagões de metrô\, onde reinam a indiferença e o anonimato. Sua obra também é composta por autorretratos angulosos\, marcados pela melancolia\, e por numerosas janelas\, sempre fechadas\, através das quais se vislumbra um mundo próximo e\, no entanto\, inalcançável. \nAlém da precisão com que representa os cenários\, suas obras frequentemente revelam uma grande atenção aos rostos\, desenhados com uma linha sinuosa capaz de traduzir a “fisionomia do psiquismo”\, resultado de suas aulas de anatomia. A mesma veia expressionista se manifesta em seu interesse pela degradação dos corpos envelhecidos\, sempre representados de maneira seca e precisa\, recusando qualquer forma de pathos. Graças a uma doação da família do artista em 2022\, dez obras de Éric Dubuc entraram para as coleções do museu. Esta apresentação é complementada por obras do Museu Carnavalet – História de Paris e do Centro Nacional de Artes Plásticas\, além de um certo número de empréstimos da família. \nComissária: Julia Garimorth\, conservadora-chefe no Museu de Arte Moderna de Paris.
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LOCATION:Musée d’Art Moderne de Paris\, 11 Av. du Président Wilson Paris\, Paris\, Paris\, França
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SUMMARY:Daniel Pommereulle no Musée d'Art Moderne de Paris
DESCRIPTION:Daniel Pommereulle\, Objet de prémonition (detalhe)\, 1974-1975. Museu de Arte Moderna de Paris\, aquisição em 2022 © ADAGP 2024. Fotografia: Rurik Dmitrienko.\n\n\n\n\nPor ocasião da entrada de obras de Daniel Pommereulle na coleção\, o Museu de Arte Moderna de Paris presta homenagem a essa figura singular da cena artística francesa. Pintor\, escultor\, cineasta\, performer e poeta\, Pommereulle atravessou a segunda metade do século XX impulsionado por compromissos radicais\, criando formas que testam nossa vulnerabilidade por meio da experiência da violência e do infinito. \nMobilizado durante a guerra da Argélia em 1957\, Pommereulle foi profundamente marcado por essa experiência traumática\, que permeia suas criações. No início de sua carreira\, ele também foi influenciado pelo onirismo de Odilon Redon\, dos surrealistas e de Henri Michaux\, com quem compartilhava o interesse por drogas alucinógenas. Em 1966\, identificado como um “objetor” pelo crítico Alain Jouffroy\, que aplicou o termo aos artistas que reivindicavam o legado de Marcel Duchamp e a revolta política\, ele expôs Pêcher en fleur no Salon de Mai\, no Museu de Arte Moderna de Paris. Em sua obra\, Pommereulle desenvolve uma estética da violência e da crueldade\, criando objetos ameaçadores e dispositivos de tortura (como Toboggan\, 1974)\, que confrontam diretamente os visitantes. \nConhecido também como ator por suas aparições nos filmes da Nouvelle Vague\, o artista apresentou\, em La Collectionneuse de Éric Rohmer (1967)\, seu primeiro Objet Hors Saisie\, que ele continuaria a desenvolver com a série Objets de prémonition (1975): potes de tinta derramados e esculturas de chumbo\, armados com lâminas de facas e objetos cortantes. Nos anos 1980\, Pommereulle passou um tempo na Coreia e no Japão\, marcando uma virada em seu trabalho. Sua prática gráfica e escultórica\, através do uso de vidro\, pedra e aço\, passou a buscar canalizar energias cósmicas. Até sua morte\, segundo Armance Léger\, “a transparência\, o ar e o vazio se tornaram os novos termos de sua exploração.” \nComissária: Fanny Schulmann\, conservadora-chefe no Museu de Arte Moderna de Paris.
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SUMMARY:"Koudelka: Ciganos\, Praga 1968\, Exílios" no IMS Paulista
DESCRIPTION:Romênia\, 1968\, da série “Ciganos” © Josef Koudelka/Magnum Photos\, cortesia da Fundação Josef Koudelka.\n\n\n\nUm dos grandes representantes da tradição humanista e poética que dominou a fotografia europeia na segunda metade do século XX\, Josef Koudelka terá três de seus mais icônicos trabalhos exibidos pelo Instituto Moreira Salles. A exposição Koudelka: Ciganos\, Praga 1968\, Exíliosabre em 18 de maio no IMS Paulista (Av. Paulista\, 2424\, SP). Koudelka virá para a inauguração da mostra e participará do evento de abertura\, no dia 18/5 às 11h\, em uma conversa sobre a sua obra com a jornalista Dorrit Harazim. O evento é gratuito e aberto ao público\, com distribuição de senhas 1 hora antes. \n\n\n\nCom curadoria do próprio artista e organização de Samuel Titan Jr. e Miguel Del Castillo\, a mostra traz a integral das séries Ciganos (com 111 fotografias) e Exílios (74 obras). Ambas tiveram suas tiragens produzidas nas décadas de 1980 e 1990\, com supervisão do fotógrafo\, e pertencem à Coleção Josef Koudelka no Museu de Artes Decorativas de Praga\, República Tcheca. Também poderão ser vistas 11 fotografias da invasão da capital da então Tchecoslováquia pelas tropas do Pacto de Varsóvia\, em 1968\, evento que interrompeu abruptamente o período celebrado como Primavera de Praga. \n\n\n\nCiganos foi a primeira série que Koudelka dedicou a um único tema. Ele trabalhava como engenheiro aeronáutico e colaborava como fotógrafo para o Divadlo za branou (Teatro Além do Portão)\, registrando ensaios e espetáculos\, quando se interessou pelos ciganos. Suas fotografias foram feitas entre 1962 e 1970\, a maioria em acampamentos ciganos no leste da Eslováquia\, mas também na Boêmia\, na Morávia (região onde nasceu\, na cidade de Boskovice\, em 1938) e na Romênia. Nesses trabalhos\, sua intenção não era criar um relato preciso e objetivo da vida dos ciganos na Europa Central da época\, e sim registrar sua visão pessoal\, em poderosas histórias contadas por intermédio de imagens. \n\n\n\nAs fotografias de Exílios\, a outra série completa na mostra\, começaram a ser produzidas a partir de 1970. Nesse ano Josef Koudelka saiu da Tchecoslováquia\, motivado pelas condições políticas em seu país. Para poder viajar e fotografar\, vivia modestamente. Em suas viagens constantes – por Espanha\, França\, Portugal\, Itália\, Irlanda e Grã-Bretanha –\, retratou o povo romani\, as celebrações religiosas\, as festas populares tradicionais e a vida cotidiana. São fotos que dão pleno testemunho da alienação e da busca pela identidade de uma vida europeia em vias de desaparecer. Registrou também espaços desabitados\, animais perdidos em áreas densamente construídas\, paisagens e naturezas-mortas. \n\n\n\nNa conversa com Karel Hvížd’alacitada acima\, ele fala sobre essa experiência: “Quando deixei a Tchecoslováquia\, estava descobrindo o mundo à minha volta. O que eu mais precisava era viajar para poder fotografar. Não queria ter o que as pessoas chamam de ‘lar’. Não queria ter o desejo de retornar a algum lugar. Precisava saber que nada aguardava por mim em parte alguma\, que o lugar em que deveria estar era aquele em que estava no momento e que\, se nada mais havia para fotografar ali\, que estava na hora de partir para outro lugar.” \n\n\n\nA exposição ocupa dois andares do IMS Paulista. O percurso começa pelo 8º andar\, onde estarão as 111 fotos de Ciganos\, e continua no 7º andar\, onde\, antes de se chegar às fotografias de Exílios\, o visitante será apresentado a 11 fotografias num formato maior da série Praga 1968. Estão\, portanto\, dispostas na ordem em que foram produzidas. As imagens da invasão soviética aconteceram por impulso. Koudelka nunca havia trabalhado antes como fotojornalista\, mas pôs-se a documentar o que se passava nas ruas de Praga tão logo soube\, na manhã de 21 de agosto de 1968\, da invasão da Tchecoslováquia por exércitos do Pacto de Varsóvia. Ao longo de sete dias dramáticos\, criou uma série espetacular\, considerada por muitos um dos mais importantes trabalhos de fotojornalismo do século XX. Para além da tragédia nacional\, as imagens feitas naquela ocasião se tornaram simbólicas de toda opressão militar e da luta por liberdade. Na mesma entrevista já citada\, ele diz\, sobre essa série: “Importante nas fotografias não é quem é russo e quem é tcheco. Importante é que uma pessoa tem uma arma e a outra\, não. E aquela que não a tem é\, na verdade\, a mais forte\, embora não pareça de imediato.” \n\n\n\nContrabandeadas para fora da Tchecoslováquia\, as fotos chegaram à Magnum Photos\, nos Estados Unidos\, fundada por\, entre outros\, Henri Cartier-Bresson. O colega francês diria\, sobre o trabalho de Koudelka\, ser “um esplendor de sensibilidade\, força e honestidade”. No primeiro aniversário da invasão e sem o conhecimento do autor\, elas foram publicadas em jornais e revistas do mundo todo. Buscando proteger o fotógrafo e sua família\, a Magnum Photos creditou as fotografias apenas com as letras P.P. (Prague Photographer\, “fotógrafo de Praga”). No mesmo ano\, o Overseas Press Club dos Estados Unidos agraciou o “fotógrafo tcheco anônimo” com a prestigiosa Medalha de Ouro Robert Capa. O fotógrafo só foi admitir publicamente que tinha sido ele a fotografar a invasão na ocasião de sua primeira grande exposição\, em 1984\, na Hayward Gallery\, em Londres. Isso\, contudo\, somente depois da morte de seu pai\, quando a informação já não punha em perigo sua família. Na Tchecoslováquia\, essas fotos só foram publicadas 22 anos depois da invasão\, em 1990\, num suplemento especial do semanário Respekt.
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LOCATION:IMS Paulista\, Avenida Paulista\, 2424\, São Paulo\, SP\, Brasil
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SUMMARY:"Cecilia Vicuña: Sonhar a água – Uma retrospectiva do futuro (1964…)" na Pinacoteca Contemporânea
DESCRIPTION:Cecília Vicuña\, Bendígame Mamita (detalhe)\, 1977\n\n\n\nCecilia Vicuña (Santiago\, Chile\, 1948) “Sonhar a água — Uma retrospectiva do futuro (1964…)” é uma colaboração da Pinacoteca com o Museu Nacional do Chile\, em Santiago\, e com o Malba\, em Buenos Aires. A curadoria é do peruano Miguel López e levará pinturas\, fotografias\, vídeos\, peças sonoras\, esculturas e instalações da artista para a Pina Contemporânea. Um de seus trabalhos mais emblemáticos\, Menstrual (2006)\, poderá ser visto pelo público pela primeira vez no Brasil. \n\n\n\nEssa é a primeira grande mostra da artista chilena no Brasil\, reúne cerca de 200 obras que abrangem os 60 anos de sua produção e apresenta  o compromisso de Vicuña com as lutas populares\, o respeito aos direitos humanos e a proteção ambiental. O nome da exposição representa um convite para mudarmos nossa relação com a terra. \n\n\n\nNÚCLEOS \n\n\n\nA exposição é organizada em nove núcleos. O primeiro é “Tribu No“\, nome de um grupo de jovens artistas e poetas de Santiago que\, como ela\, buscavam expressar sua oposição às forças conservadoras do Chile. O segundo núcleo “Pinturas\, poemas e explicações” apresenta algumas de suas primeiras pinturas produzidas em Santiago\, Londres e Bogotá\, junto com textos explicativos. \n\n\n\nUma série de documentos\, fotografias e materiais impressos relacionados com as campanhas de solidariedade com o Chile compõem o núcleo “Artistas pela democracia“\, enquanto o núcleo “Vicuña na Colômbia” representa o momento em que Vicuña atravessou um período de explosão criativa no qual deu vida a centenas de desenhos\, colagens e pinturas\, ações em espaços públicos\, oficinas educativas\, projetos cenográficos e filmes experimentais em 16 mm. \n\n\n\nO quinto núcleo da exposição leva o nome “Palabrarmas” e representa o período (1973) em que a artista começou a produzir  uma série de desenhos\, colagens e vídeos que refletiam sobre o papel da poesia em um tempo de repressão política e desaparecimentos forçados na América do Sul. \n\n\n\nO “Quipu desaparecido” faz alusão ao legado de sequestros e assassinatos por motivos políticos perpetrados por várias ditaduras latino-americanas do século XX.  O núcleo 7\, “Precarios” traz as primeiras obras precárias de Vicuña criadas na Praia de Concón\, no Chile\, em 1966.  A instalação “Quipu menstrual” (O sangue dos glaciais)  nomeia o oitavo e último núcleo da mostra. Na Pina\, visitantes poderão ver uma versão feita para o espaço da Grande Galeria.
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LOCATION:Pinacoteca Luz\, Av. Tiradentes\, 273 – Luz\, São Paulo\, SP
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SUMMARY:"Isaac Julien: Lessons of the Hour" no MoMA
DESCRIPTION:Vista da instalação de Isaac Julien: Lessons of the Hour\, em exibição no Museu de Arte Moderna de Nova York de 19 de maio a 28 de setembro de 2024. Foto: Emile Askey.\n\n\n\nEm “Lessons of the Hour” (2019)\, Sir Isaac Julien apresenta um retrato imersivo do abolicionista Frederick Douglass\, que obteve a liberdade da escravidão em 1838 e se tornou um dos mais importantes oradores\, escritores e estadistas do século XIX. Ao longo das 10 telas desta instalação de vídeo\, uma narrativa não linear mistura a vida e a obra de Douglass com trechos de vários de seus discursos\, obras literárias e correspondências pessoais. O americano mais fotografado de sua época\, Douglass entendia que o retrato poderia desafiar estereótipos racistas e promover a liberdade e os direitos civis dos negros americanos e de pessoas subjugadas ao redor do mundo. \n\n\n\nPela primeira vez\, objetos históricos diretamente relacionados a “Lessons of the Hour” serão exibidos junto à obra. Eles incluem retratos de Douglass em impressões de prata de albumina\, panfletos de seus discursos\, primeiras edições de suas memórias\, uma reprodução de um raro manuscrito que expõe suas ideias sobre a fotografia e um papel de parede especialmente projetado\, composto por recortes de jornais da época\, cartazes\, ilustrações de revistas e páginas de álbuns de recortes. Esses objetos revelam como a imagem e as palavras de Douglass circulavam no mundo transatlântico do século XIX e também comprovam a percepção de Julien em “Lessons of the Hour”: que as ideias de Douglass sobre cidadania\, democracia e dignidade humana permanecem atemporais.
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SUMMARY:"Projects: Tadáskía" no MoMA
DESCRIPTION:Tadáskía. ave preta mística mystical black bird (detalhe)\, 2022. The Museum of Modern Art\, Nova York. Fundo para o Século XXI. © 2024 Tadáskía\n\n\n\n“Estou interessada na passagem de uma coisa para outra”\, disse a artista brasileira Tadáskía. A mudança está no centro de seu trabalho multidisciplinar. Através de desenhos\, esculturas e outros meios\, ela destaca a improvisação\, transmitindo uma sensação de fluidez por meio de suas marcas dinâmicas\, imagens sutis e paleta caleidoscópica. \n\n\n\nProjects: Tadáskía apresenta o livro expansivo e sem encadernação da artista\, ave preta mística mystical black bird (2022)\, que coloca desenhos livres em diálogo com seu próprio texto poético e bilíngue. De uma folha para a outra\, seguimos o protagonista alado da narrativa em um voo “rumo a uma jornada de liberdade”\, informado pela experiência vivida da artista como uma mulher trans negra. \n\n\n\nPara esta exposição\, a primeira apresentação solo da artista nos Estados Unidos\, ela produziu um desenho monumental na parede e um conjunto de esculturas em resposta ao espaço da galeria. Enquanto suas marcas vigorosas nos encorajam a seguir suas linhas sinuosas e mutáveis\, os materiais orgânicos usados em suas esculturas evocam os ciclos de vida efêmeros da natureza. Junto ao papel central da mudança\, como Tadáskía afirma\, “o personagem principal no trabalho é o tempo”.
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LOCATION:MoMA\, 11 W 53rd St Manhattan\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:“Hyman Bloom: Landscapes of the Mind” no Museum of Fine Arts Boston
DESCRIPTION:Hyman Bloom\, Landscape #12 (detalhe)\, 1963. Doação de Emanuel L. Josephs em memória de Esta M. Josephs. Reproduzido com permissão.\n\n\n\nEm 1955\, Hyman Bloom (1913–2009) começou a visitar a pequena cidade de Lubec\, no Maine—naquela época\, uma boa viagem de dez horas de carro de sua casa em Boston. As florestas intocadas de Lubec inspiraram-no a desenhar com ambição\, foco e escala que poucos de seus contemporâneos conseguiram igualar. As obras resultantes revelam um desejo de capturar o caráter primordial da natureza selvagem—seu ciclo de vida de nascimento\, morte e transformação—bem como um misticismo pervasivo e a crença na correspondência da natureza com a psique. \n\n\n\n“Hyman Bloom: Landscapes of the Mind” convida os visitantes a entrarem na imaginação do artista para experimentar a natureza como ele a experimentou. Focadas nos desenhos de Bloom\, as obras em exibição comunicam brilhantemente volume\, sombreamento\, luz e linha\, mostrando Bloom como um desenhista tecnicamente talentoso que se iguala a qualquer outro na história. Estes não são cópias exatas do que Bloom viu; eles se baseiam na memória e em fotografias que ele tirou na floresta\, mas são essencialmente coloridos por uma visão criativa única. Ao mesmo tempo imaginários e reais\, os desenhos de Bloom trazem a arte à vida através de uma habilidade distinta e inata de evocar o espírito. \n\n\n\nMuitas obras na exposição fazem parte de uma doação de Stella Bloom\, viúva do artista. Esta doação transformadora ajuda o MFA em sua aspiração de se tornar a coleção de referência para este importante artista de Boston.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/hyman-bloom-landscapes-of-the-mind-no-museum-of-fine-arts-boston/
LOCATION:MFA Boston\, 465 Huntington Ave\, Boston\, Massachusetts\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Barbara Bosworth: The Meadow" no Museum of Fine Arts Boston
DESCRIPTION:Barbara Bosworth\, The Meadow (detalhe) da série The Meadow\, 2003. Scott Offen Collection. © Barbara Bosworth.\n\n\n\nEm 1996\, a artista Barbara Bosworth (nascida em 1953) começou a fotografar um campo em Carlisle\, Massachusetts\, a noroeste de Boston. Retornando regularmente ao longo dos 15 anos seguintes\, ela usou uma câmera de grande formato para capturar imagens da terra em diferentes horas do dia e em todas as estações. Através da série de fotos resultante\, chamada “The Meadow” (O Campo)\, Bosworth continua uma longa tradição de artistas\, poetas e naturalistas da Nova Inglaterra que documentaram a passagem do tempo e os vestígios da presença humana em paisagens bonitas\, porém discretamente inspecionais\, como esta. \n\n\n\nCom uma dúzia de fotografias coloridas de grande formato\, bem como várias pequenas impressões de contato\, esta exposição oferece aos visitantes um vislumbre da visão única e em evolução de Bosworth sobre o campo. Embora aparentemente humilde e modesto\, a área\, pacientemente retratada através da lente de Bosworth\, revela uma rica diversidade de vida—desde uma extensão sempre mutável de céu acima até uma profusão de samambaias nativas\, flores\, vaga-lumes\, líquenes\, cogumelos\, lagartas\, macieiras e até formigas abaixo. \n\n\n\nJunto com sua amiga\, a escritora Margot Anne Kelley\, Bosworth convidou cientistas\, forrageadores urbanos\, arqueólogos e historiadores locais para caminhadas pelo campo. Com a ajuda de sua expertise\, ela passou a entender melhor a terra que fornecia seu tema. O campo está localizado em uma parte de Carlisle que antes era Concord (fundada em 1635) e fica não muito longe do rio Concord. Originalmente chamada de Musketaquid—que significa “rio da grama do pântano” na língua algonquina—a área foi caçada\, pescada e cultivada por povos nativos por milhares de anos. Colonos europeus gradualmente transformaram a paisagem em campos agrícolas e pastagens\, mas\, mais recentemente\, parte dela\, incluindo o campo\, foi reservada como terra de conservação protegida do desenvolvimento.
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SUMMARY:Simone Leigh no LACMA
DESCRIPTION:Simone Leigh\, Martinique\, 2022. Cortesia da artista e Matthew Marks Gallery\, © Simone Leigh. Foto: Timothy Schenck\n\n\n\nA exposição itinerante Simone Leigh\, organizada pelo ICA Boston e coapresentada em Los Angeles pelo LACMA e pelo Museu Afro-Americano da Califórnia\, é a primeira pesquisa abrangente sobre o trabalho ricamente complexo desta artista celebrada. A apresentação do LACMA apresenta aproximadamente 20 anos de produção de Leigh em cerâmica\, bronze\, vídeo e instalação\, bem como obras de sua apresentação na Bienal de Veneza de 2022. Ao longo das últimas duas décadas\, Leigh criou trabalhos que exploram questões da subjetividade e produção de conhecimento de mulheres negras. Abordando uma ampla variedade de períodos históricos\, geografias e tradições\, sua arte faz referência a processos vernaculares e feitos à mão de toda a diáspora africana\, bem como formas tradicionalmente associadas à arte e arquitetura africanas. Acompanhada por um importante monógrafo\, esta exposição oferece aos visitantes uma oportunidade oportuna de obter uma compreensão holística do trabalho complexo e profundamente emocionante de Leigh.
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LOCATION:LACMA\, 5905 Wilshire Blvd Central LA\, Los Angeles\, Califórnia\, Estados Unidos
CATEGORIES:Los Angeles
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