"Amar se aprende amando" de Antonio Bandeira na Pinacoteca do Ceará
2022-12-22 - 2026-03-15 | Pinacoteca do Ceará, R 24 de Maio, 34 - Centro, Fortaleza, Brazil
Amar se aprende amando, dedicada a Antonio Bandeira, encerra no próximo dia 15 de março na Pinacoteca do Ceará, após mais de três anos em cartaz.
Maior mostra já realizada sobre o artista, a exposição reuniu 608 obras e documentos do acervo do Governo do Ceará e integrou a programação de inauguração do museu, em dezembro de 2022, celebrando o centenário do pintor.
Com curadoria de Bitu Cassundé e assistência de Chico Cavalcante Porto, a exposição propôs uma abordagem não linear da trajetória de Bandeira, articulando diferentes cronologias e linguagens para revelar os processos criativos do artista — dos estudos iniciais às telas finalizadas.

"Amalia Mesa-Bains: Archaeology of Memory" no El Museo del Barrio
2023-05-02 11:00 - 2024-08-11 17:00 (America/Sao_Paulo) | El Museo del Barrio, 1230 5th Avenue at 104th Street, Nova York, Nova York, Estados Unidos
Vista da instalação de Amalia Mesa-Bains, “The Virgin’s Garden, 1994/2022” em “Venus Envy Chapter II: The Harem and Other Enclosures”. Cortesia da artista e da Rena Bransten Gallery, São Francisco. Fotografia de Matthew Sherman/Cortesia do Museo del Barrio.

O Museo del Barrio apresenta “Amalia Mesa-Bains: Archaeology of Memory”, a primeira exposição retrospectiva da artista, curadora e teórica pioneira. Nascida em 1943 em uma família de imigrantes mexicanos, Mesa-Bains tem sido uma figura de destaque na arte Chicanx por quase meio século. Sua prática explora temas feministas interseccionais, espiritualidade centrada no meio ambiente e diversidade cultural para combater as exclusões racistas e de gênero da repressão colonial. A exposição apresenta mais de 40 obras, incluindo as grandes “instalações-altar” da artista, bem como gravuras, livros de artista e códices. Ancorada pela série de vários capítulos “Venus Envy”, “Archaeology of Memory” é uma rara oportunidade de ver três décadas de obras que desafiam gêneros de Mesa-Bains, muitas das quais estão sendo exibidas juntas pela primeira vez.

O Museo del Barrio é o único local na Costa Leste a receber a retrospectiva itinerante, organizada pelo Berkeley Art Museum e Pacific Film Archive em colaboração com o Latinx Research Center (LRC) da UC Berkeley. A apresentação no Museo del Barrio expande a longa associação de Mesa-Bains com a instituição, onde seu trabalho tem sido exibido desde os anos 1990. Mais recentemente, sua arte e escrita crítica serviram como inspiração direta para a aclamada exposição de 2022, DOMESTICANX, uma apresentação intergeracional do grupo Latinx que expandiu a teoria inovadora de Mesa-Bains sobre a domesticana.

Em meados da década de 1970, a pesquisa de Mesa-Bains nas tradições ancestrais mexicanas levou à sua reinvenção inovadora de formas sagradas—altares domésticos e oferendas aos mortos—através de uma lente contemporânea como arte de instalação. Nas décadas seguintes, a artista expandiu sua prática baseada em altares, convertendo móveis domésticos como mesas, armários ou penteadeiras em lugares de devoção e memória. Subsequentemente, Mesa-Bains começou a considerar espaços na interseção do privado e do público para explorar as vidas de figuras femininas de contextos históricos e religiosos, incluindo a freira e intelectual mexicana Sor Juana Inés de la Cruz e La Virgem de Guadalupe. Esses espaços, que incluem uma biblioteca, harém, jardim e laboratório, fornecem o cenário para a investigação arqueológica de Mesa-Bains sobre as histórias das mulheres e seu apagamento colonial.

Os desenvolvimentos inovadores de Mesa-Bains são exibidos na série multi-partes “Venus Envy”, criada entre 1993 e 2023 e em exibição em quatro galerias do Museo del Barrio. “Archaeology of Memory” marca a primeira vez que “Venus Envy” está sendo mostrada em sua totalidade, tendo sido originalmente encenada em quatro capítulos em diferentes cenários institucionais, incluindo a Bienal de Whitney de 1993; o Williams College Museum of Art; a Bernice Steinbaum Gallery; e a Menil Collection. Inspirado na terminologia freudiana, o título de Mesa-Bains é sugestivo do empoderamento feminino ao longo da história. Outras instalações abordam a experiência da migração, solidariedades femininas e conhecimento ancestral para reivindicar as histórias que foram ausentes da memória pública através das instituições patriarcais da nação, religião e museu. Essas peças em grande escala são complementadas ao longo da exposição por obras em papel que iluminam a estética da artista de camadas textuais e baseadas em imagens e escavação em forma bidimensional. Baseando-se em histórias familiares, experiências pessoais e legados artísticos, essas gravuras, livros feitos à mão e códices informam a prática conceitual de Mesa-Bains e servem como mapas para sua trajetória artística.

"Lucian Freud's Etchings" no V&A Museum
2024-01-24 10:00 - 2024-08-25 17:30 | Victoria and Albert Museum (V&A), Cromwell Rd, Londres, Reino unido
Pluto Aged Twelve, prova de teste de gravura, de Lucian Freud, impressa por Marc Balakjian, 2000, Londres

Lucian Freud’s Etchings: A Creative Collaboration é uma exposição que destaca um aspecto menos conhecido da obra do renomado artista britânico do século 20, Lucian Freud. Mais conhecido por suas pinturas figurativas, Freud também produziu muitas gravuras, muitas vezes retratando os mesmos temas e modelos de suas pinturas. A mostra apresenta 38 dessas impressões intricadas e íntimas, explorando a prática de gravura de Freud.

Esta coleção, adquirida em 2019, inclui provas nunca antes exibidas que oferecem novas perspectivas sobre o processo criativo do artista e sua abordagem distinta à gravura. Entre os destaques estão retratos de figuras como Leigh Bowery e estudos de seu cão de estimação, além do único autorretrato gravado de Freud. A exposição, gratuita, fica em exibição até 25 de agosto de 2024.

"Wordplay" no ICA Boston
2024-01-30 10:00 - 2025-01-05 17:00 | Institute of Contemporary Art Boston, 25 Harbor Shore Dr, Boston, Massachusetts, Estados Unidos
Renée Green, Space Poem #1, 2007. Vista da instalação, Renée Green, no Instituto de Arte Contemporânea/Boston, 2021–22. Foto por Liza Voll.

Destacando a rica interação entre imagem e texto e as práticas relacionadas de observar e ler, “Wordplay” se baseia principalmente na coleção permanente do ICA para mostrar como artistas contemporâneos brincaram com palavras para animar e expandir suas práticas artísticas. O texto tem sido parte da expressão visual por séculos, mas a “arte textual” como um gênero começou a proliferar com o surgimento da arte conceitual nos anos 1960. Artistas na exposição usam texto para explorar questões filosóficas, expressar e subverter mensagens políticas, desafiar noções de identidade e conectar suas obras com múltiplas referências, escritores e ícones culturais. Esta exposição apresentará muitas obras recentemente adquiridas que nunca foram exibidas, de artistas como Kenturah Davis, Taylor Davis, Joe Wardwell e Rivane Neuenschwander, ao lado de trabalhos de Shepard Fairey, Jenny Holzer, Glenn Ligon, entre outros que pioneiraram o engajamento criativo com a linguagem.

Igshaan Adams no ICA Boston
2024-02-13 10:00 - 2025-02-15 17:00 | Institute of Contemporary Art Boston, 25 Harbor Shore Dr, Boston, Massachusetts, Estados Unidos
Igshaan Adams, Lynloop, 2024. Vista da instalação, Igshaan Adams, no Instituto de Arte Contemporânea/Boston, 2024-25. Foto por Mel Taing.

O artista multidisciplinar Igshaan Adams (nascido em 1982 em Cidade do Cabo, África do Sul) explora como as pessoas habitam e se movimentam pelo espaço. Adams utiliza práticas de tecelagem para tornar visíveis os padrões cotidianos de movimento que falam sobre formas de cuidado, sobrevivência e resistência na África do Sul pós-apartheid. As recentes tapeçarias de grande escala tecidas por Adams apontam para a interconectividade da espiritualidade do artista, histórias familiares e narrativas da comunidade local, enraizadas em sua herança sul-africana, assim como o uso problemático da terra na região. Ele se inspira no termo de planejamento urbano “linhas de desejo” — caminhos criados por pedestres ao longo do tempo que estão fora dos passeios planejados. Na prática de Adams e na África do Sul, a criação de linhas de desejo representa um ato de transgressão diante dos limites fixos impostos pelo governo durante a era do apartheid para separar à força as comunidades de acordo com castas raciais.

Lynloop, a monumental nova comissão de Adams para o ICA/Boston, é uma tecelagem experimental composta por várias partes, desenvolvida em resposta à arquitetura do museu e às memórias da infância do artista. Baseia-se em imagens aéreas dos caminhos cruzados entre um campo de esportes e um espaço recreativo murado ao sul de onde Adams cresceu. Por meio da obra, Adams considera o impacto das experiências e memórias da infância na trajetória da vida de uma pessoa. Ele escreve: “Ao lidar com o desconforto de crescer entre esses espaços hiper-masculinos, a instalação explora como tive que sobrepor minhas próprias fantasias às memórias de uma maneira que suaviza as arestas duras e a frieza desta área.” Em tons de rosa com contas, cordas, correntes e mohair, Lynloop é um mapeamento impressionante e tátil do espaço, interação humana e memória.

"Don't Forget to Call Your Mother" no The Met Museum
2024-02-13 10:00 - 2024-09-15 17:00 | The Metropolitan Museum of Art, 1000 5th Ave, Nova York, Nova York, Estados Unidos
Sadie Barnette, Photo Bar, 2022 © Sadie Barnette. Foto: Phillip Maisel.

Em uma época em que as fotografias são principalmente compartilhadas e armazenadas digitalmente, muitos artistas estão retornando à materialidade dos instantâneos em um álbum ou das imagens em um arquivo como fonte de inspiração. A exposição, intitulada Don’t Forget to Call Your Mother (“Não Esqueça de Ligar para Sua Mãe”), a partir de uma fotografia do provocador italiano Maurizio Cattelan, consiste em obras da coleção do Met, que vão dos anos 1970 até os dias atuais, refletindo sobre os sentimentos complexos de nostalgia e sentimentalismo que esses objetos evocam, enquanto sublinha o poder do objeto encontrado.
Entre os artistas em destaque está Sadie Barnette, para quem as fotografias servem como um portal para iluminar a história esquecida do primeiro bar gay de propriedade de negros em São Francisco e a vida de seu próprio pai, como ilustra poderosamente sua obra Photo Bar de 2022. Assim como Barnette, muitos dos artistas da exposição buscam fortalecer o legado das histórias familiares, enfatizar a importância das relações intergeracionais e considerar as maneiras pelas quais o conhecimento e o respeito pelo passado podem informar o nosso momento atual. Alguns artistas, como Sophie Calle e Larry Sultan, exploram suas próprias narrativas para revelar a construção do desejo, enquanto outros, incluindo Taryn Simon e Hank Willis Thomas, examinam histórias que moldaram o diálogo cultural e político. Para alguns, como Darrel Ellis, que utilizou fotos de família para negociar o trauma da violência policial, o pessoal é político. Empregando várias estratégias, esses artistas consideram como uma coleção de imagens—como um talismã ou um retábulo—constrói relações ao longo do tempo e pode transformar nossa compreensão do presente.
A exposição é viabilizada por Joyce Frank Menschel.

"Wu Tsang: Of Whales" no ICA Boston
2024-02-15 10:00 - 2024-08-04 17:00 | Institute of Contemporary Art Boston, 25 Harbor Shore Dr, Boston, Massachusetts, Estados Unidos
Wu Tsang, Of Whales, 2022. Vista da instalação “Wu Tsang: Of Whales” no Instituto de Arte Contemporânea/Boston, 2024. Foto por Mel Taing

Wu Tsang (nascida em 1982 em Worcester, Massachusetts) é uma artista multidisciplinar que produz filmes narrativos e documentários, performances ao vivo e instalações de vídeo. A instalação imersiva “Of Whales” faz parte de sua trilogia cinematográfica inspirada no clássico romance americano de 1851, “Moby Dick”, de Herman Melville. “Of Whales” oferece uma meditação poética sobre a perspectiva de uma baleia cachalote, que mergulha nas profundezas do oceano por uma hora de cada vez, emergindo ocasionalmente para respirar. Criada na plataforma de jogos Unity com tecnologias de realidade estendida (XR), a instalação de vídeo e som gerada dinamicamente em tempo real imerge os espectadores em uma paisagem oceânica exuberante e onírica para imaginação, contemplação e provocação. Apresentada pela primeira vez na 59ª Bienal de Veneza em 2022, a obra conta com uma trilha sonora composta por Asma Maroof e Daniel Pineda, com Tapiwa Svosve, Jalalu-Kalvert Nelson, Miao Zhao e Ahya Simone. A trilha sonora mescla trompas, saxofone, clarinete e contrabaixo, em uma paisagem sonora multicamadas que preenche todo o espaço da galeria. No ICA, “Of Whales” é apresentada em uma galeria adjacente ao Porto de Boston, conectando o público à localização à beira-mar do ICA e fazendo referência à história da caça às baleias na Nova Inglaterra.

"Cézanne / Renoir: Obras-primas do Musée de l’Orangerie e do Musée d’Orsay" no Palazzo Reale
2024-03-19 12:00 - 2024-06-30 19:30 | Palazzo Reale, Piazza del Duomo, 12, Milão, Itália
Paul Cézanne, Three Bathers Painting (detalhe). Musee d’Orsay, Paris.

Nas prestigiadas salas de exposição do Palazzo Reale em Milão, cinquenta e duas obras-primas narram as vidas de dois mestres que contribuíram para o surgimento de um dos movimentos mais incríveis da história da arte. Uma jornada através de suas pinturas mais icônicas, de retratos a paisagens a banhistas, um confronto épico entre duas figuras-chave do Impressionismo. Curada por Cécile Girardeau do Museé d’Orsay e Stefano Zuffi, historiador da arte e curador de alguns dos projetos de exposição de arte mais importantes realizados na Itália.

"Hallyu! The Korean Wave" no Museum of Fine Arts Boston
2024-03-24 10:00 - 2024-07-28 17:00 | MFA Boston, 465 Huntington Ave, Boston, Massachusetts, Estados Unidos
Vista da instalação de “Hallyu! The Korean Wave”. Cortesia do Museum of Fine Arts, Boston

Hoje, a Coreia do Sul é uma superpotência cultural — uma formadora de tendências globais que produz filmes premiados como “Parasita”, dramas emocionantes como “Round 6” e música de sucesso de grupos de K-pop como BTS e BLACKPINK. Mas, por trás da ascensão meteórica do país ao palco mundial — um fenômeno conhecido como a Onda Coreana, ou hallyu — está a história de notável resiliência e inovação.

Há apenas um século, a Coreia estava em busca de uma nova identidade nacional, após sua ocupação pelo Japão e a Guerra da Coreia. Aproveitando a tecnologia de ponta, o país transformou rapidamente sua economia e reputação internacional. Ao mesmo tempo, suas produções criativas estão profundamente enraizadas em seu passado, com muitos artistas contemporâneos, cineastas, músicos e estilistas prestando homenagem aos valores tradicionais e formas de arte que remontam aos dias dos reinos dinásticos da Coreia.

“Hallyu! The Korean Wave” apresenta aproximadamente 250 objetos — trajes, adereços, fotografias, vídeos, efemeridades da cultura pop e obras contemporâneas. Entre os destaques estão roupas usadas por diferentes gerações de ídolos do K-pop, vestidos da designer de alta costura Park Sohee e da vencedora do Next in Fashion Minju Kim, um trabalho de agulha em grande escala projetado pela artista sul-coreana Kyungah Ham e feito por bordadeiras anônimas da Coreia do Norte, e peças explorando a experiência coreano-americana por Timothy Hyunsoo Lee e Julia Kwon. Além disso, a exposição apresenta objetos da renomada coleção de arte coreana do MFA, incluindo o icônico jarro da lua e hanbok.

Junte-se a nós em uma jornada imersiva e multissensorial através de uma história fascinante, e celebre uma força criativa vibrante que conecta divisões culturais, sociais e linguísticas e continua a alcançar novos patamares hoje.

"Ground Break" de Nari Ward no Pirelli HangarBicocca
2024-03-28 10:30 - 2024-07-28 20:30 | Fondazione Pirelli HangarBicocca, Via Chiese 2, Milão, Itália
Nari Ward, vista da instalação no Pirelli HangarBicocca, Milão, 2024. Imagem: Divulgação

Nari Ward (St. Andrew, Jamaica, 1963; vive e trabalha em Nova York) é um artista internacionalmente aclamado, conhecido por suas instalações que combinam materiais familiares e humildes em uma sobreposição de referências sócio-históricas. Ao reutilizar uma ampla gama de objetos encontrados, cada um com sua própria história única, sua arte dialoga com a memória e a transformação, abrindo novas possibilidades. O entrelaçamento e a justaposição de elementos descartados por Nari Ward aludem a vários aspectos sociais e políticos e abordam noções de identidade, raça, justiça social e cultura do consumo, criando obras comoventes que tecem respostas tanto espirituais quanto conceituais. Seu uso intencional de materiais cotidianos, remanescentes de práticas passadas, lugares, comunidades e épocas, permite ao espectador se conectar diretamente com as obras, mantendo a narrativa aberta a temas contemporâneos e urgentes.

A retrospectiva no Pirelli HangarBicocca apresenta, pela primeira vez, uma combinação de obras que entrelaça a exploração de Ward da performatividade e projetos colaborativos. Com um foco particular em trabalhos de mídia baseada no tempo, incluindo vídeo, som, esculturas performativas e instalações, a exposição embarca em mais de trinta anos de prática, apresentando obras seminais e históricas antigas, bem como novas produções. A narrativa se desenrola por meio das instalações de grande escala seminais, originalmente realizadas por Ward entre 1996 e 2000 para a coreografia da Trilogia Geográfica de Ralph Lemon, apresentadas aqui em um contexto de exposição pela primeira vez desde então. As três obras criarão uma nova coreografia juntamente com outras esculturas, vídeos, instalações e os corpos dos visitantes. A noção de performatividade anima a própria exposição, que será marcada por um programa de ações colaborativas ao vivo durante toda a mostra.

A exposição será complementada por um volume monográfico apresentando os estudos mais recentes sobre a prática de Nari Ward, explorando aspectos de performatividade, som e práticas baseadas no tempo que surgiram a partir de intercâmbios colaborativos no trabalho do artista. O livro incluirá ensaios e contribuições temáticas de acadêmicos e críticos internacionais, incluindo Naomi Beckwith, Jessica Bell Brown, Adrienne Edwards, Dieter Roelstraete e Christina Sharpe.

"Wanda Gág World" no Whitney Museum
2024-03-28 10:30 - 2024-12-01 18:00 | Whitney Museum of American Art, 99 Gansevoort St Manhattan, Nova York, Nova York, Estados Unidos
Wanda Gág, The Forge (detalhe), 1932. Whitney Museum of American Art, New York; purchase 32.103. © Estate of Wanda Gág

Esta exposição apresenta uma seleção de gravuras da artista, ilustradora e autora de livros infantis Wanda Gág (1893–1946). Estas obras registram o mundo como Gág o experimentava: um lugar onde as paisagens se movem ritmicamente e os objetos inanimados vibram com vida. Embora ela também pintasse, as artes gráficas ofereceram o método mais eficaz para expressar essa visão única.

Nascida em Minnesota, filha de imigrantes da Boêmia Alemã (atualmente parte da República Tcheca), Gág chegou a Nova York em 1917 para estudar na Art Students League, onde se tornou uma figura central da cena artística modernista da cidade. Sem aderir à abstração nem ao realismo social — os movimentos artísticos dominantes na época — Gág desenvolveu sua própria abordagem à figuração. Ao longo de sua carreira, ela alcançou um sucesso modesto vendendo suas gravuras e produziu vários livros infantis populares, exemplos dos quais são apresentados na mostra. Gág também foi uma escritora prolífica sobre sua vida e obra, e trechos de suas cartas e diários acompanham as gravuras em exibição.

Completamente extraídas da coleção do Whitney, as obras nesta exposição abrangem aproximadamente duas décadas, desde meados da década de 1920 até o ano anterior à morte de Gág. Juntos, esses naturezas-mortas, paisagens e interiores iluminam o que a artista chamou de “mundo de Wanda Gág”, demonstrando sua fervorosa busca para capturar o sentimento e o movimento da vida como ela via.

O Wanda Gág World é co-curado por Roxanne Smith, Assistente Sênior de Curadoria, e Scout Hutchinson, Curadora Bolsista.

Firelei Báez no ICA Boston
2024-04-04 10:00 - 2024-09-02 17:00 | Institute of Contemporary Art Boston, 25 Harbor Shore Dr, Boston, Massachusetts, Estados Unidos
Firelei Báez, Untitled (Temple of Time), 2020. Coleção Wilks Family. Cortesia da artista e da Hauser & Wirth, Nova York. Foto por Phoebe d’Heurle © Firelei Báez

Esta é a primeira pesquisa na América do Norte dedicada ao trabalho ricamente estratificado de Firelei Báez (n. 1981, República Dominicana). Uma das pintoras mais empolgantes de sua geração, Báez mergulha nas narrativas históricas da bacia do Atlântico. Nos últimos quinze anos, ela produziu obras que exploram o legado multicamadas das histórias coloniais e da diáspora africana no Caribe e além. Ela recorre às disciplinas de antropologia, geografia, folclore, fantasia, ficção científica e história social para desestabilizar categorias de raça, gênero e nacionalidade em suas pinturas, desenhos e instalações. Suas pinturas exuberantes apresentam usos finamente elaborados, complexos e estratificados de padrão, decoração e cor saturada, muitas vezes sobrepostos a mapas feitos durante o domínio colonial nas Américas. O investimento de Báez no meio da pintura e sua capacidade de contar histórias e criar mitos informam todo o seu trabalho, incluindo suas instalações esculturais, que trazem essa qualidade para três dimensões. Esta exposição oferecerá ao público uma oportunidade oportuna de obter uma compreensão holística do complexo e profundamente comovente corpo de trabalho de Báez, consolidando-a como uma das artistas mais importantes do início do século XXI. A exposição é acompanhada por um catálogo ricamente ilustrado.

"En Jeu! Artists and Sport (1870-1930)" no Musée Marmottan Monet
2024-04-04 10:00 - 2024-09-01 18:00 | Musée Marmottan Monet, 2 Rue Louis Boilly, Paris, França
Octave Guillonnet, Partie de tennis, 1925 © Museu de Belas Artes de Dijon/François Jay © ADAGP, Paris

Para coincidir com os Jogos Olímpicos e Paralímpicos de 2024, realizados em Paris pela primeira vez em 100 anos, o Musée Marmottan Monet apresentará a exposição intitulada En Jeu! Artists and Sport (1870-1930) de 4 de abril a 1 de setembro de 2024. A exposição revisitará a história visual do esporte entre 1870 e 1930 por meio de mais de cem obras de arte importantes de coleções públicas e privadas europeias, americanas e japonesas (Musée National du Sport, Nice; Musée d’Orsay; Centre Pompidou; Musée Fabre, Montpellier; National Gallery of Art, Washington; Yale University Art Gallery, New Haven; Peggy Guggenheim Collection, Veneza, etc.).

Do Impressionismo ao Cubismo, a exposição mostrará como o esporte e os esportistas foram transformados em ícones da modernidade e da vanguarda. Ela explorará os desafios éticos e os aspectos estéticos de como os esportes foram percebidos por artistas como Monet, Degas, Caillebotte, Toulouse-Lautrec, Eakins, Richer, Maillol, Rodin, Bellows, Lhote, Delaunay, Metzinger e Gromaire, incluindo esportes elitistas como equitação, vela e esgrima e esportes antigos como luta livre, boxe e jogos de bola. Também examinará os significados metafóricos da figura heroica do artista como esportista, caracterizada pela determinação, resistência e uma forma de resistência.

"Rose Marie Cromwell: A Geological Survey" no ICA Miami
2024-04-05 11:00 - 2024-10-27 18:00 | Institute of Contemporary Art Miami, 61 NE 41st Street, Miami, Flórida, Estados Unidos
Rose Marie Cromwell, Rearview, 2022. Cortesia da artista.

O ICA Miami apresenta “Rose Marie Cromwell: A Geological Survey”, a primeira exposição individual da artista em um museu, destacando seu trabalho mais recente de 2022-23, no qual ela aplica sua própria interpretação à tradicional arte da fotografia de paisagem. Uma reflexão pessoal sobre identidade, maturação e relações familiares, a série de fotografias acompanha a artista, sua mãe e sua filha jovem em uma jornada pelo Oeste Americano. Juxtapondo esse empreendimento profundamente pessoal com preocupações sociais e ecológicas mais amplas, as fotografias visualmente impactantes e emocionantes confrontam a história complexa da região e o legado carregado das representações artísticas da paisagem.

Rose Marie Cromwell (n. 1983, Sacramento; baseada em Miami) é uma artista de foto e vídeo cujo trabalho explora os efeitos da globalização no local, bem como o espaço tênue entre o político e o espiritual. Seu primeiro livro, El Libro Supremo de la Suerte, foi publicado em 2018 pela TIS books e recebeu o Prêmio Light Work Photobook e foi nomeado um dos 25 Melhores Fotolivros de 2018 pela revista TIME. Em 2021, ela publicou dois livros, Eclipse (TIS books) e A More Fluid Atmosphere (Pomegranate Press). Ela teve exposições individuais na DiabloRosso e Antítesis, ambas na Cidade do Panamá, Panamá; Institute 193, Lexington, Kentucky; e Filter Photo, Chicago. Seu trabalho também foi exibido na Aperture Foundation, Nova York; High Museum, Atlanta; PRIZM Art Fair, Miami; TILT Institute for the Contemporary Image, Filadélfia; e o Silver Eye Center for Photography, Pittsburgh; entre muitos outros. Cromwell é beneficiária de uma bolsa Fulbright e uma bolsa Getty Reportage, foi artista residente no Light Work e artista residente na Oolite Arts em Miami.

“Rose Marie Cromwell: A Geological Survey” é organizada pelo Instituto de Arte Contemporânea, Miami, e curada por Gean Moreno, Diretor do Centro Art + Research da Fundação Knight no ICA Miami, e Amanda Morgan, Curadora Assistente, Exposições e Publicações.

"Eleonore Koch: Em Cena" no MAC USP
2024-04-06 10:00 - 2024-07-21 21:00 | MAC USP, Av. Pedro Álvares Cabral, 1301 - Vila Mariana, São Paulo, SP, Brasil
Eleonore Koch, Sem título [detalhe], 1976

O Museu de Arte Contemporânea da USP inaugura no sábado, 6 de abril, a partir das 11 horas, a exposição Eleonore Koch: Em Cena, reunindo 190 obras da artista alemã de origem judaica, refugiada no Brasil com a família aos doze anos de idade. A exposição conta com obras de coleções públicas, como sete trabalhos do acervo do MAC USP, além de obras da Pinacoteca de São Paulo, MASP e MAM SP e uma grande parte de obras inéditas pertencentes a coleções privadas, o que permite uma visão única da produção da artista. A exposição também apresenta fotografias, cartões-postais e estudos que fazem parte do arquivo da artista, recentemente doado ao MAC USP. Os documentos demonstram o processo de criação de Koch e suas indagações sobre a natureza da imagem, da perspectiva e do enquadramento.

Eleonore Koch (1926-2018) abordou gêneros tradicionais da pintura – como paisagens, interiores e naturezas-mortas – e uma técnica antiga, a têmpera a ovo, para representar questões contemporâneas e de sua própria experiência de vida. “Sua pintura remete ao exílio, à desterritorialização, a um senso de estar no mundo, ciente de privilégios e das consequências das próprias escolhas”, comenta Fernanda Pitta, curadora da exposição. A metáfora do título da exposição remete ao cinema. Muitas das obras parecem cenários para acontecimentos que acabaram de se dar ou ainda estão por se realizar. A quase total ausência da figura humana é contradita pela presença reiterada de objetos carregados de afetividade, que a artista manteve consigo durante boa parte da vida, personagens de um enredo silencioso.

A analogia cinematográfica também estrutura a exposição, organizada em quatro núcleos – A Cena, A Importância do Objeto, O Método e Interiores – a partir dos gêneros pictóricos em relação aos tipos de enquadramento. “O público é convidado para um travelling sem percurso predeterminado, um mergulho numa narrativa aberta”, conta a curadora. Eleonore Koch sempre acreditou que seus trabalhos deveriam manter um espaço aberto às sensações e aos significados construídos pelo público, que por eles se deixa afetar. A exposição permanece no MAC USP até 17 de julho. Visitas para grupos podem ser agendadas no Serviço Educativo – edumac@usp.br.

“From the Heart to the Hands: Dolce&Gabbana” no Palazzo Reale
2024-04-07 12:00 - 2024-07-31 19:30 | Palazzo Reale, Piazza del Duomo, 12, Milão, Itália
Vista da exposição “From the Heart to the Hands”, 2024 Palazzo Reale. Foto: Michael Adair

“From the Heart to the Hands: Dolce&Gabbana” reunirá pela primeira vez as criações únicas da marca de moda. A exposição será uma carta de amor aberta à cultura italiana como inspiração duradoura para os designs de moda da Dolce&Gabbana, traçando a extraordinária tradução das ideias de Domenico Dolce e Stefano Gabbana, do coração até sua realização, manualmente.

A exposição, que terá início em Milão e depois viajará pelo mundo, celebrará a marca como símbolo do estilo italiano, seguindo os sonhos da Alta Moda, e explorará sua abordagem não convencional ao mundo do luxo: elegante, sensual e única, mas também humorística, irreverente e subversiva.

Curada por Florence Müller e produzida pela IMG, a exposição também apresentará obras de artistas visuais em diálogo com os celebrados designs da Dolce&Gabbana.

O arquivo e as novas coleções serão exibidos em uma série de temas destacando as muitas camadas de influências culturais italianas em seu enfoque ao design de moda – incluindo arte, arquitetura, artesanato, cidades e sua topografia regional, música, ópera e balé, tradições populares, teatro e, é claro, “la dolce vita”.

"Yinka Shonibare CBE: Suspended States" na Serpentines Galleries
2024-04-12 10:00 - 2024-09-01 18:00 | Serpentine North Gallery, W Carriage Dr, Londres, Reino unido
Yinka Shonibare CBE, Decolonised Structures, 2022-23. Cortesia do artista e da Goodman Gallery. Foto: Stephen White & Co. © Yinka Shonibare CBE

Por mais de 30 anos, Yinka Shonibare CBE tem utilizado a história da arte e a literatura ocidentais para explorar a cultura contemporânea e as identidades nacionais. “Suspended States” é a primeira exposição solo do artista em Londres em mais de 20 anos. Ela apresenta novas obras que investigam como os sistemas de poder afetam locais de refúgio, debates sobre estátuas públicas, o impacto ecológico da colonização e o legado do imperialismo sobre conflitos e tentativas consequentes de paz.

A exposição inclui duas novas instalações principais na Serpentine South. “Sanctuary City” (2024) é composta por miniaturas de edifícios que representam locais de refúgio para grupos perseguidos e vulneráveis. “The War Library” (2024) consiste em 5.000 livros encadernados em tecido de cera holandesa, representando conflitos e tratados de paz.

Ao longo da exposição, o uso característico de Shonibare do tecido de cera holandesa simboliza a relação entrelaçada entre a África e a Europa. Esse tecido de cores vibrantes foi inspirado em designs de batique indonésio, produzido em massa pelos holandeses e eventualmente vendido às colônias britânicas na África Ocidental, onde mais tarde foi denominado ‘estampa africana.’ Em “Decolonised Structures” (2022-2023), o artista pinta esses padrões em suas réplicas em menor escala das grandes esculturas públicas de Londres. Reconstruindo figuras coloniais como a Rainha Vitória e Herbert Kitchener, Shonibare questiona o papel e a presença desses monumentos.

Outras obras destacam estilos de vida luxuosos sustentados pela colonização e a importância da arte africana para a cultura global. Shonibare também faz conexões entre a história da xenofobia e o impacto da colonização no meio ambiente em seus quilts, incluindo sua nova série “African Bird Magic” (2024).

A exposição também destaca a prática social de Shonibare, incluindo seu espaço experimental Guest Project em Hackney e a Guest Artist Space (G.A.S.) Foundation, que ele lançou na Nigéria em 2019.

"Dress Up" no Museum of Fine Arts Boston
2024-04-13 10:00 - 2024-09-02 17:00 | MFA Boston, 465 Huntington Ave, Boston, Massachusetts, Estados Unidos
Hattie Carnegie, broche de flor de seda (detalhe), 1960–69. Doação de Carole Tanenbaum.

A moda nos permite assumir diferentes papéis, escolhendo roupas, joias, sapatos, bolsas e outros acessórios para transformar a maneira como somos vistos e como nos vemos. A escolha de vestuário de uma pessoa pode fazer uma declaração política, expressar um humor ou comunicar identidades pessoais. Através de mais de 100 obras da coleção do MFA, “Dress Up” celebra o estilo dos séculos 20 e 21 com modas de Alexander McQueen, Bob Mackie, Pauline Trigère, Patrick Kelly e Oscar de la Renta; joias de designers como Hattie Carnegie, Lanvin, Elsa Peretti, Schreiner e Trifari; acessórios de designers como Thom Solo; ilustrações; e fotografias de Cecil Beaton e Martin Parr.

Observando joias como moda e moda como joias, esta exposição remove a delimitação entre os dois para focar em como eles desempenham um papel integral e inseparável na auto-expressão. Objetos com miçangas, lantejoulas e brilhos desfocam as linhas entre moda e joias, ao mesmo tempo em que estendem e expandem nossas ideias sobre eles. Desde um broche ou sapato com joias, até um anel de herança ou um pequeno vestido preto, cada seleção pode representar uma variedade de histórias e experiências vividas.

Seções temáticas exploram o brincar infantil, política de identidade e mais, e apresentam inúmeras novas aquisições — incluindo sapatos e vestidos da coleção de Donna Summer, um conjunto da ex-aluna do Project Runway Korina Emmerich e da artista local de joias Tiffany Vanderhoop, e um anel da Of Rare Origin, uma versão do qual foi usada pela poeta Amanda Gorman na inauguração presidencial dos EUA em 2020. Empréstimos espetaculares incluem um conjunto de Iris Apfel do Peabody Essex Museum e pulseiras de punho desenhadas por Fulco di Verdura para Gabrielle “Coco” Chanel, que foi fotografada usando ao longo de sua vida.

"Songs for Modern Japan" no Museum of Fine Arts Boston
2024-04-13 10:00 - 2024-09-02 17:00 | MFA Boston, 465 Huntington Ave, Boston, Massachusetts, Estados Unidos
Tomita Morizō, Literary Ditty, Beautiful Woman (detalhe), da série Partituras de Harmônica da Shōchiku, publicada pela Shōchiku Film Music Score Publishing, 1930. Doação de Robert e Mary Levenson.

O Japão experimentou uma onda de mudanças entre 1900 e 1950. No início do século, a notação musical ocidental havia se tornado um símbolo de modernidade, ajudando a espalhar o jazz e a Broadway para cafés e boates de Tóquio, além de promover a música cinematográfica japonesa tanto dentro quanto fora do Japão. O crescente modernismo, consumismo e influência do Ocidente vieram acompanhados de uma revolução no som e nas imagens produzidas em massa por filmes e rádio.

Songs for Modern Japan: Popular Music and Graphic Design, 1900–1950 explora como as capas de partituras fornecem uma janela para a sociedade e cultura japonesas durante este período de imensa transformação. Os visitantes descobrem como os principais designers gráficos japoneses da época interpretaram os movimentos artísticos internacionais modernistas, como o Art Nouveau e o Art Deco, e como a demanda por partituras militares com imagens de propaganda cresceu nas décadas de 1920 e 1930, refletindo as aspirações imperialistas do país. Ao investigar estilos de design gráfico, tipografia arrojada, gêneros musicais e o ambiente social no Japão, os visitantes obtêm uma visão de como o design e a música que celebravam a modernidade e o globalismo deram lugar ao endosso do nacionalismo.

Cerca de 100 capas de partituras da coleção de Mary e Robert Levenson—juntamente com pinturas, fotografias, têxteis, música, trechos de filmes e instrumentos musicais do período—capturam os efeitos dinâmicos do intercâmbio artístico internacional e as profundas mudanças sociais em um Japão em processo de globalização. A exposição apresenta uma oportunidade de traçar paralelos entre este momento crucial na história do Japão e os dias de hoje.

"O Pernambuco Cósmico de Suanê" de Lúcia Suanê no MAC USP
2024-04-20 10:00 - 2024-07-21 21:00 | MAC USP, Av. Pedro Álvares Cabral, 1301 - Vila Mariana, São Paulo, SP, Brasil
Lúcia Suanê, Barraca com Romãs [detalhe], 1963

O Museu de Arte Contemporânea da USP inaugura no sábado, 20 de abril, a partir das 11 horas, a exposição O Pernambuco Cósmico de Suanê, reunindo 62 pinturas da artista pernambucana Lúcia de Barros Carvalho (1922-2020). Com curadoria de Tálisson Melo, a exposição inédita traz uma retrospectiva da produção de Suanê entre 1946 e 2019, evidenciando a ligação da artista com a cultura nordestina, em especial a pernambucana, através de símbolos, formas e cores. “Suanê foi uma artista que se recusava a perder suas raízes. Seus costumes, as celebrações populares, a passagem dos cangaceiros por sua região, a convivência com os Fulni-ô, o catolicismo e todos os aspectos culturais que a formaram, são características fortes e presentes em todas as suas obras”, afirma o curador.

O nome Suanê foi adotado desde a adolescência, quando recebeu do pajé na aldeia do povo indígena Fulni-ô, ao redor da vila de Águas Belas, interior pernambucano, onde conviveu com a cultura e tradições desta comunidade. Depois de itinerar com a família por outras vilas da região, até as cidades de Recife e Olinda, chega à São Paulo em 1940. Suanê deu início a sua produção artística Incentivada pelo marido Nelson Nóbrega a tornar visível tudo o que cantava e contava, e instigada também por rezas, lendas e suas memórias de infância. Conhecida por trazer em seu trabalho o regionalismo e as raízes pernambucanas que moldaram seu estilo único, Suanê construiu uma trajetória artística multifacetada, incorporando elementos de várias proposições estéticas, em diferentes momentos de sua carreira.

As pinturas produzidas durante as décadas de 1980 e 1990, chamadas de “cósmicas” pela própria artista mostram a capacidade e desejo de Suanê em se reinventar constantemente. Entre linhas, formas e cores, a obra da artista está conectada às figurações da festa, do culto ao divino, da artesania, o imaginário, a memória, a identidade. “Mesmo em se tratando de um contexto também caracterizado pela fome, seca e desigualdade históricas, sua arte explorava temas relacionados à identidade, memória, natureza e sociedade, refletindo suas próprias experiências e observações do mundo ao seu redor”, afirma o curador e completa: “O trabalho e a trajetória de Suanê também instigam a reflexão sobre os limites da história da arte entre os séculos XIX e XXI”.

A exposição, que conta com financiamento do Programas Unidades de Fomento à Cultura (PROAC-SP), da Secretaria da Cultura, Economia e Indústrias Criativas do Estado de São Paulo, permanece no MAC USP até 21 de julho. Visitas para grupos podem ser agendadas no Serviço Educativo – edumac@usp.br.

"Zilia Sánchez: Topologías / Topologies" no ICA Miami
2024-04-20 11:00 - 2024-10-13 18:00 | Institute of Contemporary Art Miami, 61 NE 41st Street, Miami, Flórida, Estados Unidos
Zilia Sanchez, Eros, 1976/1998. © Zilia Sanchez. Cortesia da Galerie Lelong & Co., Nova York.

O Instituto de Arte Contemporânea, Miami, apresenta uma grande retrospectiva das obras de Zilia Sánchez, abrangendo de 1950 a 1996.

De abril a outubro de 2024, o Instituto de Arte Contemporânea, Miami, apresentará uma pesquisa abrangente das obras da artista Zilia Sánchez (n. 1926, Havana; vive e trabalha em San Juan, Porto Rico). Uma voz singular no modernismo latino-americano pós-guerra e na abstração geométrica, a prática artística dinâmica de Sánchez engloba uma ampla gama de estilos e temas. Abrangendo mais de sete décadas, suas obras são produto de experimentação contínua.

Sánchez é mais conhecida por suas icônicas pinturas em telas moldadas. Esticadas sobre construções de madeira, essas obras assemelham-se a formas corporais enquanto mantêm qualidades abstratas. Por meio dessas obras, a artista explorou preocupações formalistas enquanto lidava sutilmente com questões sociais significativas — noções de gênero, feminismo e formação de identidade, entre outras. Além dessas pinturas em tela esticada, a exposição também inclui um número significativo de trabalhos anteriores de Sánchez, como suas pinturas abstratas em tons vivos e formas geométricas criadas na década de 1950 enquanto vivia em Cuba.

Em Havana, Sánchez fez parte de um grupo de pintores que buscava deixar para trás a pintura figurativa, que havia dominado gerações anteriores. Em seu lugar, eles mobilizaram a abstração, como uma proposta antiestabelecimento e como uma inovação formal. Esses foram anos turbulentos em Cuba, à medida que a ditadura repressiva foi estabelecida, e uma jovem geração de estudantes, artistas e líderes cívicos resistiu. Nesse ambiente, Sánchez começou a desenvolver propostas formais cada vez mais complexas e a testar novas linguagens abstratas. Paralelamente às suas abstrações, Sánchez desenvolveu sua série “Afrocubanos” de pinturas que retratam figuras estilizadas abstratas e aludem a práticas rituais e efígies religiosas. Esta exposição reúne pela primeira vez um robusto grupo dessas obras, ampliando a compreensão do escopo expansivo e da amplitude da prática de Sánchez.

A artista deixou Cuba em 1960, um ano após Fidel Castro chegar ao poder, e se estabeleceu em Nova York, onde se tornou uma membro ativa da cena cultural de artistas e escritores emigrantes. Ela trabalhou como designer gráfica e como cenógrafa de teatro, enquanto continuava a desenvolver e exibir suas pinturas. Experimentando com materiais não tradicionais, como serragem, resina e cera, Sánchez criou uma série de pinturas em mídia mista que se relacionam com os quatro elementos, incluindo “Agua” (1961) e “Tierra” (1968), junto com temas mais abstratos como “Ecuación” (Equação, 1963) e “Sucesión” (Sucessão, 1966).

Em 1966, Sánchez mudou-se para Madrid, auxiliada por uma bolsa de estudos da Fundação CINTAS, para estudar conservação e restauração. Ela começou a desenvolver o estilo que viria a caracterizar sua prática. Telas tridimensionais com formas sensuais, suas pinturas desse período combinam abstração geométrica com conotações sociais, biográficas, emocionais e eróticas, como sugerem obras com títulos referenciando “Eros” e “Amazonas”. Desde 1971, Sánchez vive e trabalha em San Juan, Porto Rico. As obras que ela criou lá são marcadas por um abraço enfático da forma feminina, desafiando as convenções rígidas e racionais do modernismo europeu com uma abordagem sensorial e feminista da abstração geométrica.

A exposição “Zilia Sánchez: Topologías / Topologies” abrange aproximadamente trinta obras da artista produzidas entre 1950 e 1996. A retrospectiva será acompanhada por um catálogo de exposição ricamente ilustrado, apresentando novas fotografias, ensaios acadêmicos sobre a artista e materiais de arquivo.

Zilia Sánchez (n. 1926, Havana; vive e trabalha em San Juan, Porto Rico) tem sido exibida internacionalmente desde a década de 1950. Mais recentemente, exposições individuais foram realizadas no Artist Space, Nova York (2013); a Phillips Collection, Washington, D.C., que viajou para o Museo de Arte Ponce, San Juan, e El Museo del Barrio, Nova York (todos em 2019). O trabalho de Sánchez foi destaque em exposições coletivas seminais, incluindo “Mulheres Radicais: Arte Latino-Americana, 1960-1985,” no Brooklyn Museum, Brooklyn, Nova York, bem como na exposição principal “Viva Arte Viva” da Bienal de Veneza de 2017. Atualmente está em exibição em “Estrangeiros em Todo Lugar” na Bienal de Veneza de 2024. O trabalho de Sánchez está presente em coleções de museus incluindo a Tate, Londres; Museu de Arte Moderna, Nova York; Centre Pompidou, Paris; Museu de Arte de Porto Rico, San Juan; Museu de Arte Latino-Americano em Buenos Aires, Argentina; Museu Nacional de Belas Artes em Havana, Cuba.

“Zilia Sánchez: Topologías / Topologies” é organizada pelo ICA Miami e curada por Gean Moreno, Diretor do Centro de Arte + Pesquisa da instituição, e Stephanie Seidel, Curadora Monica e Blake Grossman.

“Olympism: Modern Invention, Ancient Legacy” no Museu do Louvre
2024-04-24 10:00 - 2024-09-16 18:00 | Museu do Louvre, 75001 Paris, França, Paris, França
Relevo em Gesso: Corrida (Dromos), após a Ânfora Panatenaica, Atribuído ao Pintor de Berlim. © Escola Francesa de Atenas. Cortesia do Louvre.

Entre os eventos culturais planejados para acompanhar os Jogos Olímpicos e Paralímpicos de 2024 em Paris, está uma exposição no Louvre sobre a criação dos primeiros Jogos Olímpicos modernos. Os visitantes descobrirão como os Jogos surgiram no final do século XIX: o contexto político da época, as fontes iconográficas nas quais se basearam e como os organizadores se propuseram a recriar as competições esportivas da Grécia antiga.

A exposição lança luz sobre as origens da maior e mais assistida competição esportiva do mundo. Este evento internacional foi idealizado por Pierre de Coubertin e diversos luminares franceses e gregos, aos quais se juntou posteriormente o desenhista suíço Émile Gilliéron (1850-1924). Gilliéron formou-se na École des Beaux-Arts em Paris e era um visitante frequente do Louvre, onde copiou várias de suas obras-primas. Tendo se estabelecido na Grécia, ele foi nomeado o artista oficial dos Jogos Olímpicos de 1896 e das Mesoolimpíadas de 1906, ambos realizados em Atenas, para os quais desenhou os troféus dos vencedores, inspirados nas descobertas feitas nos principais sítios arqueológicos da época. Utilizando as mais recentes técnicas de reprodução de seu tempo, o artista ilustrou materiais de comunicação – em particular selos postais e cartazes – para o recém-formado estado grego.

Graças a um empréstimo especial da Fundação Stavros Niarchos (SNF), o Louvre exibirá a primeira Taça Olímpica, conhecida como “Taça de Bréal”, desenhada pelo acadêmico francês Michel Bréal e criada por um ourives francês para o vencedor da primeira maratona – uma corrida inventada para os Jogos Olímpicos modernos.

Como parte do programa de eventos culturais que acompanham os Jogos Olímpicos e Paralímpicos de 2024, a exposição mostrará como as disciplinas científicas da filologia, história, história da arte e arqueologia se uniram para criar este evento esportivo global.

"Expressionists: Kandinsky, Münter and The Blue Rider" na Tate Modern
2024-04-25 10:00 - 2024-10-20 18:00 | RJ
Gabriele Münter, Jawlensky and Werefkin, 1909, Lenbachhaus Munique, Doação de Gabriele Münter, 1957 © DACS 2024

Explore o trabalho inovador de um círculo de amigos e colaboradores próximos conhecido como The Blue Rider. No início do século 20, eles se uniram para formar, em suas próprias palavras, “uma união de vários países para servir a um propósito” – transformar a arte moderna. Os artistas se reuniram em torno de Wassily Kandinsky e Gabriele Münter para experimentar cor, som e luz, criando uma arte ousada e vibrante.

Expressionists é uma história de amizades contada através da arte. A exposição examina os criativos altamente individuais que compunham The Blue Rider, desde o interesse de Franz Marc pela cor até a performance freestyle de Alexander Sacharoff. As artistas mulheres desempenharam um papel central no movimento. Descubra as fotografias experimentais de Gabriele Münter ao lado das pinturas dramáticas de Marianne Werefkin.

Experimente uma coleção de obras-primas, desde pinturas, esculturas e fotografias até performance e som. Esta exposição marcante é possível graças à colaboração com a Lenbachhaus, Munique, que ofereceu à Tate um acesso sem precedentes à sua coleção. A exposição apresenta mais de 130 obras – reunidas no Reino Unido pela primeira vez em mais de 60 anos.

"La Mode en mouvement #2" no Palais Galliera
2024-04-26 10:00 - 2025-01-05 18:00 | Palais Galliera, 10 Av. Pierre 1er de Serbie, Paris, França
De 26 de abril de 2024 a 5 de janeiro de 2025, o Palais Galliera revela “La Mode en mouvement #2”. Com mais de 250 novas obras apresentadas durante esta segunda exibição, a exposição traça, através das coleções do museu, uma história da moda do século XVIII até os dias atuais e desenvolve a temática transversal do corpo em movimento. Um foco especial também é dedicado às roupas de banho, revelando peças raramente mostradas ao público.

Enquanto Paris acolhe os Jogos Olímpicos e Paralímpicos no verão de 2024, “La Mode en mouvement #2” permite compreender o papel do vestuário na prática de atividades físicas e esportivas, bem como as consequências sociais de sua evolução.

O vestuário concebido para o esporte (equitacão, tênis, golfe, bicicleta…) é comparado ao vestuário de cidade. Esta segunda apresentação permite ao público perceber a progressiva especialização do vestuário esportivo, assim como a introdução do sportswear no vestuário cotidiano.

A seção balneária foca nos banhos de mar e na natação, símbolos da democratização da prática esportiva desde o final do século XIX. É uma oportunidade de descobrir a importante coleção de trajes de banho, maiôs, roupas e acessórios de praia conservados no Palais Galliera. Esta seção destaca a evolução da relação com o corpo através de seu desvelamento na esfera pública, bem como as noções de pudor e decência. Também revela a transformação dos cânones de beleza, especialmente através da questão do bronzeamento.

“La Mode en mouvement #2” beneficia-se de empréstimos excepcionais do Musée National du Sport (Nice), da Fundação Azzedine Alaïa, da Biblioteca Forney (Paris), da Biblioteca Histórica da Cidade de Paris, do Museu Carnavalet – História de Paris, do Patrimônio da CHANEL, da coleção Émile Hermès e da casa Yohji Yamamoto. Essas obras permitem colocar em perspectiva as peças do Palais Galliera, testemunhas de uma prática física e esportiva, de lazer ou de competição, ao longo das épocas.

"Ancestors and Place: Indigenous North American Prints" no Museum of Fine Arts Boston
2024-04-27 10:00 - 2024-10-16 17:00 | MFA Boston, 465 Huntington Ave, Boston, Massachusetts, Estados Unidos
Wendy Red Star, Yakima or Yakama—Not For Me To Say, publicado pelo Crow’s Shadow Institute of the Arts, 2015–16. © Wendy Red Star.

As palavras ancestrais e lugar têm muitas conotações, mas para os povos indígenas, estão ligadas a todas as coisas. Lugar se estende além de uma única localização para abranger terra, água e céu. Ancestrais são não apenas humanos, mas também não humanos, que são elementos vivos de um lugar. Alguns artistas nativos usaram o meio colaborativo da gravura como uma forma de honrar esses conceitos profundamente conectados e nos lembrar que, embora muitas terras ancestrais indígenas tenham sido perdidas para a colonização, as relações com esses lugares e as comunidades que eles nutriram perduram.

Celebrando uma área crescente da coleção do MFA, Ancestors and Place: Indigenous North American Prints [Ancestrais e Lugar: Gravuras Indígenas da América do Norte] apresenta mais de 30 obras — a maioria delas aquisições recentes — de artistas indígenas dos Estados Unidos e do Canadá que exploram ideias nuances de administração. As obras reconhecem o lugar como uma bênção, mas também algo a ser cuidado — para o passado, presente e futuro. Principalmente criadas através de residências em estúdios de gravura como Crow’s Shadow Institute of the Arts, Tamarind Institute e High Point, essas gravuras mostram artistas levando suas práticas em novas direções, experimentando e reconceitualizando temas significativos para eles e suas comunidades.

Tanto artistas emergentes quanto estabelecidos estão em destaque, incluindo Wendy Red Star, Jaune Quick-to-See Smith, James Lavadour e Raven Chacon. Além de fazer arte, alguns, como Smith, também são ativistas, movidos pelo desejo de melhorar a representação cultural e política dos nativos americanos. Enraizadas em suas comunidades específicas, essas gravuras demonstram a criatividade e a experimentação de diversos artistas contemporâneos.

Esta exposição é organizada em colaboração com o artista e professor Duane Slick (Meskwaki/Ho-Chunk). Segue uma exposição anterior de gravuras indígenas norte-americanas, que explorou a resiliência, em exibição entre novembro de 2023 e março de 2024.

"Reverberations" no MOCA Grand Avenue
2024-04-28 11:00 - 2024-09-29 17:00 | MOCA Grand Avenue, 250 South Grand Avenue Los Angeles, Los Angeles, Califórnia, Estados Unidos
Rachel Harrison, Hot Topic Two, 2022 © Rachel Harrison. Imagem cortesia de Regen Projects, Los Angeles e Greene Naftali, Nova York. Foto de Joshua White/JWPictures.com.

A Coleção do MOCA, agora com quase 8.000 obras de arte que abrangem o meio do século XX até o presente, é internacionalmente renomada por sua profundidade e excelência em mídia, estilo e história da arte. Destacando áreas de força única, estas galerias da Coleção se orientam em torno de apresentações de obras de um único artista, como Robert Rauschenberg e Mark Rothko, e reúnem aquisições-chave feitas pelo museu ao longo de seus 44 anos de história, incluindo muitas seleções das Coleções Panza, Schreiber, Weisman e Parsons, que são fundamentais.

Galerias dedicadas à abstração, Pop e trabalho conceitual das décadas de 1950 e 1960 são acompanhadas por aquisições recentes de Nairy Baghramian, Isa Genzken e Rachel Harrison, enquanto pinturas figurativas de Michael Armitage, Jennifer Packer e Henry Taylor se juntam a obras canônicas de Alice Neel, George Segal e outros. Também em exibição estão apresentações de “The Americans” de Robert Frank em sua totalidade e a instalação Import-Export Funk Office (1993) de Renée Green.

Reverberations é organizada por Bennett Simpson, Curador Sênior, com Emilia Nicholson-Fajardo, Assistente Curatorial, do Museu de Arte Contemporânea, Los Angeles.

The Roof Garden Commission: Petrit Halilaj no The Met Museum
2024-04-30 10:00 - 2024-10-27 17:00 | The Metropolitan Museum of Art, 1000 5th Ave, Nova York, Nova York, Estados Unidos
Foto: Ian Kumamoto

O artista kosovar Petrit Halilaj (nascido em 1986, Kostërc, antiga Iugoslávia) foi convidado a criar uma instalação específica para o Jardim do Telhado Iris e B. Gerald Cantor do Museu. Para o primeiro grande projeto do artista nos Estados Unidos, Halilaj transformou o telhado do Met com uma extensa instalação escultural.

O trabalho de Halilaj está profundamente conectado à história recente de seu país natal, Kosovo, e às consequências das tensões culturais e políticas na região. Após um período formativo na Itália, onde estudou arte na Accademia di Brera em Milão, ele se mudou para Berlim em 2008, onde ainda vive e trabalha. Seus projetos abrangem uma variedade de mídias, incluindo escultura, desenho, poesia e performance.

"Tara Donovan: Stratagems" na Pace Gallery
2024-05-03 10:00 - 2024-08-16 18:00 | Pace Gallery, 540 West 25th Street, Nova York, Nova York, Estados Unidos
Tara Donovan, Stratagem XIV (detalhe), 2024. Cortesia Pace Gallery

A Pace tem o prazer de apresentar uma exposição de novos trabalhos de Tara Donovan em sua galeria localizada na 540 West 25th Street, em Nova York. Em exibição de 3 de maio a 16 de agosto, a mostra, intitulada “Stratagems”, destacará um grupo de esculturas feitas inteiramente de discos de CD-ROM encontrados, recuperados e reciclados. Coincidindo com a Frieze New York, a apresentação da artista na galeria será complementada por uma performance do Pace Live da coreógrafa Kim Brandt.

Conhecida por seu trabalho baseado em processos e sistemas em escultura, instalação, desenho e gravura, Donovan frequentemente explora as qualidades talismânicas de materiais e objetos do cotidiano, desde botões, copos de isopor, lápis e alfinetes até telas prontas e brinquedos Slinky. Baseando-se na linguagem formal do Minimalismo e Pós-Minimalismo, as obras de Donovan utilizam e reutilizam esses materiais não tradicionais, transformando-os em composições visualmente deslumbrantes sem obliterar suas essências ou histórias fundamentais como objetos do dia a dia. Através de atos de acumulação, agregação e iteração, ela transmuta seus materiais em obras de arte em constante transformação, que exploram as possibilidades — e limites — da percepção humana.

"Huong Dodinh: TRANSCENDENCE" na Pace Gallery
2024-05-03 10:00 - 2024-08-16 18:00 | Pace Gallery, 540 West 25th Street, Nova York, Nova York, Estados Unidos
Huong Dodinh, Sans titre (detalhe), 1990. Cortesia Pace Gallery

A Pace tem o prazer de apresentar uma exposição de obras novas e históricas de Huong Dodinh em sua galeria localizada na 540 West 25th Street, em Nova York, de 3 de maio a 16 de agosto. Intitulada “TRANSCENDENCE”, a mostra, que marca a primeira apresentação solo da artista nos Estados Unidos, reunirá pinturas e trabalhos em papel criados ao longo de sua carreira, desde a década de 1960 até os dias atuais. Coincidindo com a edição de 2024 da Frieze New York, “TRANSCENDENCE” será acompanhada por um novo catálogo da Pace Publishing, que será lançado durante a exposição.

Dodinh nasceu em Soc Trang, Vietnã, em 1945. Forçada a fugir do país, sua família buscou refúgio em Paris em 1953, após o início da Primeira Guerra da Indochina. Dodinh vive e trabalha na capital francesa desde então, cultivando uma vida solitária a serviço de suas buscas artísticas. Isolando-se das tendências do mercado de arte, ela mantém um compromisso com a autenticidade, pureza, contemplação e verdade em seu trabalho desde que começou a pintar na década de 1960.

Ao longo das últimas seis décadas, Dodinh dedicou sua prática a três princípios centrais — luz, densidade e transparência — através dos quais ela explora a fluidez da linha, forma e espaço negativo. Ao adotar um estilo de vida privado e intensamente regimentado, a artista desenvolveu uma maneira distinta de fazer arte que desfoca as fronteiras entre arte e cotidiano. Trabalhando sozinha e sem assistentes em seu ateliê em Paris, Dodinh assume a responsabilidade pessoal por cada etapa de seu processo, desde a obtenção de pós minerais para seus pigmentos na Provença até a montagem de suas telas e a aplicação de sua pintura. Criando seus próprios pigmentos e aglutinantes orgânicos à mão, Dodinh aplica camadas finas de tinta várias vezes para formar superfícies transparentes, porém densas. Através do uso de materiais naturais, ela produz efeitos visuais vibrantes por meio de absorções e reflexões de luz em suas elegantes composições minimalistas.

"Toward the Celestial: ICA Miami’s Collection at 10 Years" no ICA Miami
2024-05-03 11:00 - 2024-11-01 18:00 | Institute of Contemporary Art Miami, 61 NE 41st Street, Miami, Flórida, Estados Unidos
George Condo, Am I Human?, 2022. © George Condo. Cortesia do artista e Hauser & Wirth. Foto: Thomas Barratt.

Por ocasião de seu décimo aniversário, o ICA Miami apresenta “Toward the Celestial”, uma seleção de obras de sua coleção permanente que destaca o desenvolvimento programático do museu, bem como comissões recentes e obras anteriormente não exibidas. A exposição é organizada tematicamente e percorre desde imagens microscópicas até macroscópicas para explorar a dimensão do tempo e as ordens de escala. O título da exposição alude à bandeira Universo Celestial (1988) de Betye Saar, que foi destaque na pesquisa da artista em 2021 e tem feito parte das instalações da artista ao longo de várias décadas, sugerindo tanto uma presença iminente quanto o registro do tempo através de estruturas ideológicas alternativas.

“Toward the Celestial: ICA Miami’s Collection at 10 Years” é organizada pelo ICA Miami, e curada por Alex Gartenfeld, Diretor Artístico Irma e Norman Braman; Gean Moreno, Diretor da Fundação Knight do Centro de Arte e Pesquisa do ICA Miami; e Stephanie Seidel, Curadora Monica & Blake Grossman.
