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SUMMARY:"Amar se aprende amando" de Antonio Bandeira na Pinacoteca do Ceará
DESCRIPTION:Amar se aprende amando\, dedicada a Antonio Bandeira\, encerra no próximo dia 15 de março na Pinacoteca do Ceará\, após mais de três anos em cartaz. \nMaior mostra já realizada sobre o artista\, a exposição reuniu 608 obras e documentos do acervo do Governo do Ceará e integrou a programação de inauguração do museu\, em dezembro de 2022\, celebrando o centenário do pintor. \nCom curadoria de Bitu Cassundé e assistência de Chico Cavalcante Porto\, a exposição propôs uma abordagem não linear da trajetória de Bandeira\, articulando diferentes cronologias e linguagens para revelar os processos criativos do artista — dos estudos iniciais às telas finalizadas.
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LOCATION:Pinacoteca do Ceará\, R 24 de Maio\, 34 - Centro\, Fortaleza\, Brazil
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SUMMARY:"Amalia Mesa-Bains: Archaeology of Memory" no El Museo del Barrio
DESCRIPTION:Vista da instalação de Amalia Mesa-Bains\, “The Virgin’s Garden\, 1994/2022” em “Venus Envy Chapter II: The Harem and Other Enclosures”. Cortesia da artista e da Rena Bransten Gallery\, São Francisco. Fotografia de Matthew Sherman/Cortesia do Museo del Barrio.\n\n\n\nO Museo del Barrio apresenta “Amalia Mesa-Bains: Archaeology of Memory”\, a primeira exposição retrospectiva da artista\, curadora e teórica pioneira. Nascida em 1943 em uma família de imigrantes mexicanos\, Mesa-Bains tem sido uma figura de destaque na arte Chicanx por quase meio século. Sua prática explora temas feministas interseccionais\, espiritualidade centrada no meio ambiente e diversidade cultural para combater as exclusões racistas e de gênero da repressão colonial. A exposição apresenta mais de 40 obras\, incluindo as grandes “instalações-altar” da artista\, bem como gravuras\, livros de artista e códices. Ancorada pela série de vários capítulos “Venus Envy”\, “Archaeology of Memory” é uma rara oportunidade de ver três décadas de obras que desafiam gêneros de Mesa-Bains\, muitas das quais estão sendo exibidas juntas pela primeira vez. \n\n\n\nO Museo del Barrio é o único local na Costa Leste a receber a retrospectiva itinerante\, organizada pelo Berkeley Art Museum e Pacific Film Archive em colaboração com o Latinx Research Center (LRC) da UC Berkeley. A apresentação no Museo del Barrio expande a longa associação de Mesa-Bains com a instituição\, onde seu trabalho tem sido exibido desde os anos 1990. Mais recentemente\, sua arte e escrita crítica serviram como inspiração direta para a aclamada exposição de 2022\, DOMESTICANX\, uma apresentação intergeracional do grupo Latinx que expandiu a teoria inovadora de Mesa-Bains sobre a domesticana. \n\n\n\nEm meados da década de 1970\, a pesquisa de Mesa-Bains nas tradições ancestrais mexicanas levou à sua reinvenção inovadora de formas sagradas—altares domésticos e oferendas aos mortos—através de uma lente contemporânea como arte de instalação. Nas décadas seguintes\, a artista expandiu sua prática baseada em altares\, convertendo móveis domésticos como mesas\, armários ou penteadeiras em lugares de devoção e memória. Subsequentemente\, Mesa-Bains começou a considerar espaços na interseção do privado e do público para explorar as vidas de figuras femininas de contextos históricos e religiosos\, incluindo a freira e intelectual mexicana Sor Juana Inés de la Cruz e La Virgem de Guadalupe. Esses espaços\, que incluem uma biblioteca\, harém\, jardim e laboratório\, fornecem o cenário para a investigação arqueológica de Mesa-Bains sobre as histórias das mulheres e seu apagamento colonial. \n\n\n\nOs desenvolvimentos inovadores de Mesa-Bains são exibidos na série multi-partes “Venus Envy”\, criada entre 1993 e 2023 e em exibição em quatro galerias do Museo del Barrio. “Archaeology of Memory” marca a primeira vez que “Venus Envy” está sendo mostrada em sua totalidade\, tendo sido originalmente encenada em quatro capítulos em diferentes cenários institucionais\, incluindo a Bienal de Whitney de 1993; o Williams College Museum of Art; a Bernice Steinbaum Gallery; e a Menil Collection. Inspirado na terminologia freudiana\, o título de Mesa-Bains é sugestivo do empoderamento feminino ao longo da história. Outras instalações abordam a experiência da migração\, solidariedades femininas e conhecimento ancestral para reivindicar as histórias que foram ausentes da memória pública através das instituições patriarcais da nação\, religião e museu. Essas peças em grande escala são complementadas ao longo da exposição por obras em papel que iluminam a estética da artista de camadas textuais e baseadas em imagens e escavação em forma bidimensional. Baseando-se em histórias familiares\, experiências pessoais e legados artísticos\, essas gravuras\, livros feitos à mão e códices informam a prática conceitual de Mesa-Bains e servem como mapas para sua trajetória artística.
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LOCATION:El Museo del Barrio\, 1230 5th Avenue at 104th Street\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Lucian Freud's Etchings" no V&A Museum
DESCRIPTION:Pluto Aged Twelve\, prova de teste de gravura\, de Lucian Freud\, impressa por Marc Balakjian\, 2000\, Londres\n\n\n\nLucian Freud’s Etchings: A Creative Collaboration é uma exposição que destaca um aspecto menos conhecido da obra do renomado artista britânico do século 20\, Lucian Freud. Mais conhecido por suas pinturas figurativas\, Freud também produziu muitas gravuras\, muitas vezes retratando os mesmos temas e modelos de suas pinturas. A mostra apresenta 38 dessas impressões intricadas e íntimas\, explorando a prática de gravura de Freud. \n\n\n\nEsta coleção\, adquirida em 2019\, inclui provas nunca antes exibidas que oferecem novas perspectivas sobre o processo criativo do artista e sua abordagem distinta à gravura. Entre os destaques estão retratos de figuras como Leigh Bowery e estudos de seu cão de estimação\, além do único autorretrato gravado de Freud. A exposição\, gratuita\, fica em exibição até 25 de agosto de 2024.
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LOCATION:Victoria and Albert Museum (V&A)\, Cromwell Rd\, Londres\, Reino unido
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SUMMARY:"Wordplay" no ICA Boston
DESCRIPTION:Renée Green\, Space Poem #1\, 2007. Vista da instalação\, Renée Green\, no Instituto de Arte Contemporânea/Boston\, 2021–22. Foto por Liza Voll.\n\n\n\nDestacando a rica interação entre imagem e texto e as práticas relacionadas de observar e ler\, “Wordplay” se baseia principalmente na coleção permanente do ICA para mostrar como artistas contemporâneos brincaram com palavras para animar e expandir suas práticas artísticas. O texto tem sido parte da expressão visual por séculos\, mas a “arte textual” como um gênero começou a proliferar com o surgimento da arte conceitual nos anos 1960. Artistas na exposição usam texto para explorar questões filosóficas\, expressar e subverter mensagens políticas\, desafiar noções de identidade e conectar suas obras com múltiplas referências\, escritores e ícones culturais. Esta exposição apresentará muitas obras recentemente adquiridas que nunca foram exibidas\, de artistas como Kenturah Davis\, Taylor Davis\, Joe Wardwell e Rivane Neuenschwander\, ao lado de trabalhos de Shepard Fairey\, Jenny Holzer\, Glenn Ligon\, entre outros que pioneiraram o engajamento criativo com a linguagem.
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LOCATION:Institute of Contemporary Art Boston\, 25 Harbor Shore Dr\, Boston\, Massachusetts\, Estados Unidos
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SUMMARY:Igshaan Adams no ICA Boston
DESCRIPTION:Igshaan Adams\, Lynloop\, 2024. Vista da instalação\, Igshaan Adams\, no Instituto de Arte Contemporânea/Boston\, 2024-25. Foto por Mel Taing.\n\n\n\nO artista multidisciplinar Igshaan Adams (nascido em 1982 em Cidade do Cabo\, África do Sul) explora como as pessoas habitam e se movimentam pelo espaço. Adams utiliza práticas de tecelagem para tornar visíveis os padrões cotidianos de movimento que falam sobre formas de cuidado\, sobrevivência e resistência na África do Sul pós-apartheid. As recentes tapeçarias de grande escala tecidas por Adams apontam para a interconectividade da espiritualidade do artista\, histórias familiares e narrativas da comunidade local\, enraizadas em sua herança sul-africana\, assim como o uso problemático da terra na região. Ele se inspira no termo de planejamento urbano “linhas de desejo” — caminhos criados por pedestres ao longo do tempo que estão fora dos passeios planejados. Na prática de Adams e na África do Sul\, a criação de linhas de desejo representa um ato de transgressão diante dos limites fixos impostos pelo governo durante a era do apartheid para separar à força as comunidades de acordo com castas raciais. \n\n\n\nLynloop\, a monumental nova comissão de Adams para o ICA/Boston\, é uma tecelagem experimental composta por várias partes\, desenvolvida em resposta à arquitetura do museu e às memórias da infância do artista. Baseia-se em imagens aéreas dos caminhos cruzados entre um campo de esportes e um espaço recreativo murado ao sul de onde Adams cresceu. Por meio da obra\, Adams considera o impacto das experiências e memórias da infância na trajetória da vida de uma pessoa. Ele escreve: “Ao lidar com o desconforto de crescer entre esses espaços hiper-masculinos\, a instalação explora como tive que sobrepor minhas próprias fantasias às memórias de uma maneira que suaviza as arestas duras e a frieza desta área.” Em tons de rosa com contas\, cordas\, correntes e mohair\, Lynloop é um mapeamento impressionante e tátil do espaço\, interação humana e memória.
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LOCATION:Institute of Contemporary Art Boston\, 25 Harbor Shore Dr\, Boston\, Massachusetts\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Don't Forget to Call Your Mother" no The Met Museum
DESCRIPTION:Sadie Barnette\, Photo Bar\, 2022 © Sadie Barnette. Foto: Phillip Maisel.\n\n\n\n\nEm uma época em que as fotografias são principalmente compartilhadas e armazenadas digitalmente\, muitos artistas estão retornando à materialidade dos instantâneos em um álbum ou das imagens em um arquivo como fonte de inspiração. A exposição\, intitulada Don’t Forget to Call Your Mother (“Não Esqueça de Ligar para Sua Mãe”)\, a partir de uma fotografia do provocador italiano Maurizio Cattelan\, consiste em obras da coleção do Met\, que vão dos anos 1970 até os dias atuais\, refletindo sobre os sentimentos complexos de nostalgia e sentimentalismo que esses objetos evocam\, enquanto sublinha o poder do objeto encontrado. \nEntre os artistas em destaque está Sadie Barnette\, para quem as fotografias servem como um portal para iluminar a história esquecida do primeiro bar gay de propriedade de negros em São Francisco e a vida de seu próprio pai\, como ilustra poderosamente sua obra Photo Bar de 2022. Assim como Barnette\, muitos dos artistas da exposição buscam fortalecer o legado das histórias familiares\, enfatizar a importância das relações intergeracionais e considerar as maneiras pelas quais o conhecimento e o respeito pelo passado podem informar o nosso momento atual. Alguns artistas\, como Sophie Calle e Larry Sultan\, exploram suas próprias narrativas para revelar a construção do desejo\, enquanto outros\, incluindo Taryn Simon e Hank Willis Thomas\, examinam histórias que moldaram o diálogo cultural e político. Para alguns\, como Darrel Ellis\, que utilizou fotos de família para negociar o trauma da violência policial\, o pessoal é político. Empregando várias estratégias\, esses artistas consideram como uma coleção de imagens—como um talismã ou um retábulo—constrói relações ao longo do tempo e pode transformar nossa compreensão do presente. \nA exposição é viabilizada por Joyce Frank Menschel.
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LOCATION:The Metropolitan Museum of Art\, 1000 5th Ave\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Wu Tsang: Of Whales" no ICA Boston
DESCRIPTION:Wu Tsang\, Of Whales\, 2022. Vista da instalação “Wu Tsang: Of Whales” no Instituto de Arte Contemporânea/Boston\, 2024. Foto por Mel Taing\n\n\n\nWu Tsang (nascida em 1982 em Worcester\, Massachusetts) é uma artista multidisciplinar que produz filmes narrativos e documentários\, performances ao vivo e instalações de vídeo. A instalação imersiva “Of Whales” faz parte de sua trilogia cinematográfica inspirada no clássico romance americano de 1851\, “Moby Dick”\, de Herman Melville. “Of Whales” oferece uma meditação poética sobre a perspectiva de uma baleia cachalote\, que mergulha nas profundezas do oceano por uma hora de cada vez\, emergindo ocasionalmente para respirar. Criada na plataforma de jogos Unity com tecnologias de realidade estendida (XR)\, a instalação de vídeo e som gerada dinamicamente em tempo real imerge os espectadores em uma paisagem oceânica exuberante e onírica para imaginação\, contemplação e provocação. Apresentada pela primeira vez na 59ª Bienal de Veneza em 2022\, a obra conta com uma trilha sonora composta por Asma Maroof e Daniel Pineda\, com Tapiwa Svosve\, Jalalu-Kalvert Nelson\, Miao Zhao e Ahya Simone. A trilha sonora mescla trompas\, saxofone\, clarinete e contrabaixo\, em uma paisagem sonora multicamadas que preenche todo o espaço da galeria. No ICA\, “Of Whales” é apresentada em uma galeria adjacente ao Porto de Boston\, conectando o público à localização à beira-mar do ICA e fazendo referência à história da caça às baleias na Nova Inglaterra.
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LOCATION:Institute of Contemporary Art Boston\, 25 Harbor Shore Dr\, Boston\, Massachusetts\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Cézanne / Renoir: Obras-primas do Musée de l’Orangerie e do Musée d’Orsay" no Palazzo Reale
DESCRIPTION:Paul Cézanne\, Three Bathers Painting (detalhe). Musee d’Orsay\, Paris.\n\n\n\nNas prestigiadas salas de exposição do Palazzo Reale em Milão\, cinquenta e duas obras-primas narram as vidas de dois mestres que contribuíram para o surgimento de um dos movimentos mais incríveis da história da arte. Uma jornada através de suas pinturas mais icônicas\, de retratos a paisagens a banhistas\, um confronto épico entre duas figuras-chave do Impressionismo. Curada por Cécile Girardeau do Museé d’Orsay e Stefano Zuffi\, historiador da arte e curador de alguns dos projetos de exposição de arte mais importantes realizados na Itália.
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LOCATION:Palazzo Reale\, Piazza del Duomo\, 12\, Milão\, Itália
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SUMMARY:"Hallyu! The Korean Wave" no Museum of Fine Arts Boston
DESCRIPTION:Vista da instalação de “Hallyu! The Korean Wave”. Cortesia do Museum of Fine Arts\, Boston\n\n\n\nHoje\, a Coreia do Sul é uma superpotência cultural — uma formadora de tendências globais que produz filmes premiados como “Parasita”\, dramas emocionantes como “Round 6” e música de sucesso de grupos de K-pop como BTS e BLACKPINK. Mas\, por trás da ascensão meteórica do país ao palco mundial — um fenômeno conhecido como a Onda Coreana\, ou hallyu — está a história de notável resiliência e inovação. \n\n\n\nHá apenas um século\, a Coreia estava em busca de uma nova identidade nacional\, após sua ocupação pelo Japão e a Guerra da Coreia. Aproveitando a tecnologia de ponta\, o país transformou rapidamente sua economia e reputação internacional. Ao mesmo tempo\, suas produções criativas estão profundamente enraizadas em seu passado\, com muitos artistas contemporâneos\, cineastas\, músicos e estilistas prestando homenagem aos valores tradicionais e formas de arte que remontam aos dias dos reinos dinásticos da Coreia. \n\n\n\n“Hallyu! The Korean Wave” apresenta aproximadamente 250 objetos — trajes\, adereços\, fotografias\, vídeos\, efemeridades da cultura pop e obras contemporâneas. Entre os destaques estão roupas usadas por diferentes gerações de ídolos do K-pop\, vestidos da designer de alta costura Park Sohee e da vencedora do Next in Fashion Minju Kim\, um trabalho de agulha em grande escala projetado pela artista sul-coreana Kyungah Ham e feito por bordadeiras anônimas da Coreia do Norte\, e peças explorando a experiência coreano-americana por Timothy Hyunsoo Lee e Julia Kwon. Além disso\, a exposição apresenta objetos da renomada coleção de arte coreana do MFA\, incluindo o icônico jarro da lua e hanbok. \n\n\n\nJunte-se a nós em uma jornada imersiva e multissensorial através de uma história fascinante\, e celebre uma força criativa vibrante que conecta divisões culturais\, sociais e linguísticas e continua a alcançar novos patamares hoje.
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LOCATION:MFA Boston\, 465 Huntington Ave\, Boston\, Massachusetts\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Ground Break" de Nari Ward no Pirelli HangarBicocca
DESCRIPTION:Nari Ward\, vista da instalação no Pirelli HangarBicocca\, Milão\, 2024. Imagem: Divulgação\n\n\n\nNari Ward (St. Andrew\, Jamaica\, 1963; vive e trabalha em Nova York) é um artista internacionalmente aclamado\, conhecido por suas instalações que combinam materiais familiares e humildes em uma sobreposição de referências sócio-históricas. Ao reutilizar uma ampla gama de objetos encontrados\, cada um com sua própria história única\, sua arte dialoga com a memória e a transformação\, abrindo novas possibilidades. O entrelaçamento e a justaposição de elementos descartados por Nari Ward aludem a vários aspectos sociais e políticos e abordam noções de identidade\, raça\, justiça social e cultura do consumo\, criando obras comoventes que tecem respostas tanto espirituais quanto conceituais. Seu uso intencional de materiais cotidianos\, remanescentes de práticas passadas\, lugares\, comunidades e épocas\, permite ao espectador se conectar diretamente com as obras\, mantendo a narrativa aberta a temas contemporâneos e urgentes. \n\n\n\nA retrospectiva no Pirelli HangarBicocca apresenta\, pela primeira vez\, uma combinação de obras que entrelaça a exploração de Ward da performatividade e projetos colaborativos. Com um foco particular em trabalhos de mídia baseada no tempo\, incluindo vídeo\, som\, esculturas performativas e instalações\, a exposição embarca em mais de trinta anos de prática\, apresentando obras seminais e históricas antigas\, bem como novas produções. A narrativa se desenrola por meio das instalações de grande escala seminais\, originalmente realizadas por Ward entre 1996 e 2000 para a coreografia da Trilogia Geográfica de Ralph Lemon\, apresentadas aqui em um contexto de exposição pela primeira vez desde então. As três obras criarão uma nova coreografia juntamente com outras esculturas\, vídeos\, instalações e os corpos dos visitantes. A noção de performatividade anima a própria exposição\, que será marcada por um programa de ações colaborativas ao vivo durante toda a mostra. \n\n\n\nA exposição será complementada por um volume monográfico apresentando os estudos mais recentes sobre a prática de Nari Ward\, explorando aspectos de performatividade\, som e práticas baseadas no tempo que surgiram a partir de intercâmbios colaborativos no trabalho do artista. O livro incluirá ensaios e contribuições temáticas de acadêmicos e críticos internacionais\, incluindo Naomi Beckwith\, Jessica Bell Brown\, Adrienne Edwards\, Dieter Roelstraete e Christina Sharpe.
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LOCATION:Fondazione Pirelli HangarBicocca\, Via Chiese 2\, Milão\, Itália
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SUMMARY:"Wanda Gág World" no Whitney Museum
DESCRIPTION:Wanda Gág\, The Forge (detalhe)\, 1932. Whitney Museum of American Art\, New York; purchase 32.103. © Estate of  Wanda Gág\n\n\n\nEsta exposição apresenta uma seleção de gravuras da artista\, ilustradora e autora de livros infantis Wanda Gág (1893–1946). Estas obras registram o mundo como Gág o experimentava: um lugar onde as paisagens se movem ritmicamente e os objetos inanimados vibram com vida. Embora ela também pintasse\, as artes gráficas ofereceram o método mais eficaz para expressar essa visão única. \n\n\n\nNascida em Minnesota\, filha de imigrantes da Boêmia Alemã (atualmente parte da República Tcheca)\, Gág chegou a Nova York em 1917 para estudar na Art Students League\, onde se tornou uma figura central da cena artística modernista da cidade. Sem aderir à abstração nem ao realismo social — os movimentos artísticos dominantes na época — Gág desenvolveu sua própria abordagem à figuração. Ao longo de sua carreira\, ela alcançou um sucesso modesto vendendo suas gravuras e produziu vários livros infantis populares\, exemplos dos quais são apresentados na mostra. Gág também foi uma escritora prolífica sobre sua vida e obra\, e trechos de suas cartas e diários acompanham as gravuras em exibição. \n\n\n\nCompletamente extraídas da coleção do Whitney\, as obras nesta exposição abrangem aproximadamente duas décadas\, desde meados da década de 1920 até o ano anterior à morte de Gág. Juntos\, esses naturezas-mortas\, paisagens e interiores iluminam o que a artista chamou de “mundo de Wanda Gág”\, demonstrando sua fervorosa busca para capturar o sentimento e o movimento da vida como ela via. \n\n\n\nO Wanda Gág World é co-curado por Roxanne Smith\, Assistente Sênior de Curadoria\, e Scout Hutchinson\, Curadora Bolsista.
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LOCATION:Whitney Museum of American Art\, 99 Gansevoort St Manhattan\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Maracatu Rural - A Magia dos Canaviais" no Centro Cultural Fiesp
DESCRIPTION:Foto de Hans Von Manteuffel – Luiz Caboclo\n\n\n\nEntre os dias 3 de abril e 9 de junho de 2024\, o Centro Cultural FIESP apresenta a exposição Maracatu Rural – A Magia dos Canaviais\, que traz à capital paulista a produção artística de trabalhadores da Zona da Mata de Pernambuco\, representantes desta manifestação que é Patrimônio Cultural Brasileiro\, o Maracatu Rural ou Maracatu de Baque Solto. \n\n\n\nAmbientada em uma cenografia que remete ao território da Zona Canavieira Pernambucana\, a exposição apresenta documentos\, vídeos\, fotografias\, objetos\, textos\, indumentárias e peças de artesanato\, além de audiovisuais. São objetos e obras que vão além dos maracatus\, e adentram no universo do trabalho\, da religião e das influências que o Maracatu Rural exerceu sobre artistas contemporâneos como Chico Science\, Gilberto Gil\, Jorge Mautner e Siba. \n\n\n\nCom projeto expográfico assinado pela designer pernambucana Júlia Filizola\, a exposição conta com mais de 60 fotografias selecionadas\, assinadas por diversos fotógrafos pernambucanos como Hans von Manteuffel (alemão/pernambucano)\, Toni Braga\, Pedro Raiz\, Ederlan Fábio\, Fred Jordão e Afonso Oliveira\, além de obras da antropóloga americana Katarina Real que\, entre 1950 e 1990\, pesquisou sobre o Carnaval do Recife e outras manifestações culturais do Nordeste (suas fotografias foram cedidas pela Fundação Joaquim Nabuco). \n\n\n\nEntre os documentos estão troféus\, CDs\, livros\, ferramentas da agricultura\, instrumentos e a medalha da Ordem do Mérito Cultural (concedida pelo Ministério da Cultura). Na indumentária\, a exposição traz 11 manequins com os figurinos típicos de Caboclos de Lança\, Rei\, Rainha\, Reiamar\, Mestre de Apito\, Burra\, Catirina e Mateus. Destaque também para uma Mesa de Jurema Sagrada\, ritual religioso de origem indígena e cultuado por aqueles que fazem o Maracatu Rural\, e para o Totem\, onde o visitante\, de forma interativa\, irá conhecer a história e a estética dessa cultura. \n\n\n\nO público pode ainda assistir a um documentário produzido especialmente para a exposição\, que mostra o Maracatu Rural desde os preparativos\, à noite\, até as apresentações durante o carnaval. Será exibido também o filme Maracatu Atômico – Kaosnavial (2012)\, com Jorge Mautner e Mestre Zé Duda\, dirigido por Afonso Oliveira e Marcelo Pedroso\, produzido na Zona da Mata Pernambucana. \n\n\n\nA produção e curadoria Maracatu Rural – A Magia dos Canaviais é assinada por Afonso Oliveira\, que tem uma vivência de mais de 30 anos junto a esta manifestação cultural\, já tendo desenvolvido diversos projetos com os maracatus rurais. “Quem visitar a exposição viverá uma experiência marcante e única. O Maracatu Rural vai além do colorido de seus caboclos de lança\, é um mergulho na história da formação do povo nordestino. É muito representativo trazer este acervo para São Paulo. Aqui vive uma parte de nós.” \n\n\n\nA mostra conta com audiodescrição e legendas em braile. Haverá\, ainda\, visitas guiadas nos dias 3\, 4 e 5 de abril (quarta\, às 10h; quinta e sexta\, às 10h e 15h)\, com participação de Luiz Caboclo\, Mestre dos Caboclos de Lança do Maracatu Estrela de Ouro de Aliança.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/maracatu-rural-a-magia-dos-canaviais-no-centro-cultural-fiesp/
LOCATION:Centro Cultural Fiesp\, Avenida Paulista\, 1313\, Bela Vista\, São Paulo\, SP\, Brasil
CATEGORIES:São Paulo
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SUMMARY:Firelei Báez no ICA Boston
DESCRIPTION:Firelei Báez\, Untitled (Temple of Time)\, 2020. Coleção Wilks Family. Cortesia da artista e da Hauser & Wirth\, Nova York. Foto por Phoebe d’Heurle © Firelei Báez\n\n\n\nEsta é a primeira pesquisa na América do Norte dedicada ao trabalho ricamente estratificado de Firelei Báez (n. 1981\, República Dominicana). Uma das pintoras mais empolgantes de sua geração\, Báez mergulha nas narrativas históricas da bacia do Atlântico. Nos últimos quinze anos\, ela produziu obras que exploram o legado multicamadas das histórias coloniais e da diáspora africana no Caribe e além. Ela recorre às disciplinas de antropologia\, geografia\, folclore\, fantasia\, ficção científica e história social para desestabilizar categorias de raça\, gênero e nacionalidade em suas pinturas\, desenhos e instalações. Suas pinturas exuberantes apresentam usos finamente elaborados\, complexos e estratificados de padrão\, decoração e cor saturada\, muitas vezes sobrepostos a mapas feitos durante o domínio colonial nas Américas. O investimento de Báez no meio da pintura e sua capacidade de contar histórias e criar mitos informam todo o seu trabalho\, incluindo suas instalações esculturais\, que trazem essa qualidade para três dimensões. Esta exposição oferecerá ao público uma oportunidade oportuna de obter uma compreensão holística do complexo e profundamente comovente corpo de trabalho de Báez\, consolidando-a como uma das artistas mais importantes do início do século XXI. A exposição é acompanhada por um catálogo ricamente ilustrado.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/firelei-baez-no-ica-boston/
LOCATION:Institute of Contemporary Art Boston\, 25 Harbor Shore Dr\, Boston\, Massachusetts\, Estados Unidos
CATEGORIES:Boston
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SUMMARY:"En Jeu! Artists and Sport (1870-1930)" no Musée Marmottan Monet
DESCRIPTION:Octave Guillonnet\, Partie de tennis\, 1925 © Museu de Belas Artes de Dijon/François Jay © ADAGP\, Paris\n\n\n\nPara coincidir com os Jogos Olímpicos e Paralímpicos de 2024\, realizados em Paris pela primeira vez em 100 anos\, o Musée Marmottan Monet apresentará a exposição intitulada En Jeu! Artists and Sport (1870-1930) de 4 de abril a 1 de setembro de 2024. A exposição revisitará a história visual do esporte entre 1870 e 1930 por meio de mais de cem obras de arte importantes de coleções públicas e privadas europeias\, americanas e japonesas (Musée National du Sport\, Nice; Musée d’Orsay; Centre Pompidou; Musée Fabre\, Montpellier; National Gallery of Art\, Washington; Yale University Art Gallery\, New Haven; Peggy Guggenheim Collection\, Veneza\, etc.). \n\n\n\nDo Impressionismo ao Cubismo\, a exposição mostrará como o esporte e os esportistas foram transformados em ícones da modernidade e da vanguarda. Ela explorará os desafios éticos e os aspectos estéticos de como os esportes foram percebidos por artistas como Monet\, Degas\, Caillebotte\, Toulouse-Lautrec\, Eakins\, Richer\, Maillol\, Rodin\, Bellows\, Lhote\, Delaunay\, Metzinger e Gromaire\, incluindo esportes elitistas como equitação\, vela e esgrima e esportes antigos como luta livre\, boxe e jogos de bola. Também examinará os significados metafóricos da figura heroica do artista como esportista\, caracterizada pela determinação\, resistência e uma forma de resistência.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/en-jeu-artists-and-sport-1870-1930-no-musee-marmottan-monet/
LOCATION:Musée Marmottan Monet\, 2 Rue Louis Boilly\, Paris\, França
CATEGORIES:Paris
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SUMMARY:"Rose Marie Cromwell: A Geological Survey" no ICA Miami
DESCRIPTION:Rose Marie Cromwell\, Rearview\, 2022. Cortesia da artista.\n\n\n\nO ICA Miami apresenta “Rose Marie Cromwell: A Geological Survey”\, a primeira exposição individual da artista em um museu\, destacando seu trabalho mais recente de 2022-23\, no qual ela aplica sua própria interpretação à tradicional arte da fotografia de paisagem. Uma reflexão pessoal sobre identidade\, maturação e relações familiares\, a série de fotografias acompanha a artista\, sua mãe e sua filha jovem em uma jornada pelo Oeste Americano. Juxtapondo esse empreendimento profundamente pessoal com preocupações sociais e ecológicas mais amplas\, as fotografias visualmente impactantes e emocionantes confrontam a história complexa da região e o legado carregado das representações artísticas da paisagem. \n\n\n\nRose Marie Cromwell (n. 1983\, Sacramento; baseada em Miami) é uma artista de foto e vídeo cujo trabalho explora os efeitos da globalização no local\, bem como o espaço tênue entre o político e o espiritual. Seu primeiro livro\, El Libro Supremo de la Suerte\, foi publicado em 2018 pela TIS books e recebeu o Prêmio Light Work Photobook e foi nomeado um dos 25 Melhores Fotolivros de 2018 pela revista TIME. Em 2021\, ela publicou dois livros\, Eclipse (TIS books) e A More Fluid Atmosphere (Pomegranate Press). Ela teve exposições individuais na DiabloRosso e Antítesis\, ambas na Cidade do Panamá\, Panamá; Institute 193\, Lexington\, Kentucky; e Filter Photo\, Chicago. Seu trabalho também foi exibido na Aperture Foundation\, Nova York; High Museum\, Atlanta; PRIZM Art Fair\, Miami; TILT Institute for the Contemporary Image\, Filadélfia; e o Silver Eye Center for Photography\, Pittsburgh; entre muitos outros. Cromwell é beneficiária de uma bolsa Fulbright e uma bolsa Getty Reportage\, foi artista residente no Light Work e artista residente na Oolite Arts em Miami. \n\n\n\n“Rose Marie Cromwell: A Geological Survey” é organizada pelo Instituto de Arte Contemporânea\, Miami\, e curada por Gean Moreno\, Diretor do Centro Art + Research da Fundação Knight no ICA Miami\, e Amanda Morgan\, Curadora Assistente\, Exposições e Publicações.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/rose-marie-cromwell-a-geological-survey-no-ica-miami/
LOCATION:Institute of Contemporary Art Miami\, 61 NE 41st Street\, Miami\, Flórida\, Estados Unidos
CATEGORIES:Miami
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SUMMARY:"Eleonore Koch: Em Cena" no MAC USP
DESCRIPTION:Eleonore Koch\, Sem título [detalhe]\, 1976\n\n\n\nO Museu de Arte Contemporânea da USP inaugura no sábado\, 6 de abril\, a partir das 11 horas\, a exposição Eleonore Koch: Em Cena\, reunindo 190 obras da artista alemã de origem judaica\, refugiada no Brasil com a família aos doze anos de idade. A exposição conta com obras de coleções públicas\, como sete trabalhos do acervo do MAC USP\, além de obras da Pinacoteca de São Paulo\, MASP e MAM SP e uma grande parte de obras inéditas pertencentes a coleções privadas\, o que permite uma visão única da produção da artista. A exposição também apresenta fotografias\, cartões-postais e estudos que fazem parte do arquivo da artista\, recentemente doado ao MAC USP. Os documentos demonstram o processo de criação de Koch e suas indagações sobre a natureza da imagem\, da perspectiva e do enquadramento. \n\n\n\nEleonore Koch (1926-2018) abordou gêneros tradicionais da pintura – como paisagens\, interiores e naturezas-mortas – e uma técnica antiga\, a têmpera a ovo\, para representar questões contemporâneas e de sua própria experiência de vida. “Sua pintura remete ao exílio\, à desterritorialização\, a um senso de estar no mundo\, ciente de privilégios e das consequências das próprias escolhas”\, comenta Fernanda Pitta\, curadora da exposição. A metáfora do título da exposição remete ao cinema. Muitas das obras parecem cenários para acontecimentos que acabaram de se dar ou ainda estão por se realizar. A quase total ausência da figura humana é contradita pela presença reiterada de objetos carregados de afetividade\, que a artista manteve consigo durante boa parte da vida\, personagens de um enredo silencioso. \n\n\n\nA analogia cinematográfica também estrutura a exposição\, organizada em quatro núcleos – A Cena\, A Importância do Objeto\, O Método e Interiores – a partir dos gêneros pictóricos em relação aos tipos de enquadramento. “O público é convidado para um travelling sem percurso predeterminado\, um mergulho numa narrativa aberta”\, conta a curadora. Eleonore Koch sempre acreditou que seus trabalhos deveriam manter um espaço aberto às sensações e aos significados construídos pelo público\, que por eles se deixa afetar. A exposição permanece no MAC USP até 17 de julho. Visitas para grupos podem ser agendadas no Serviço Educativo – edumac@usp.br.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/eleonore-koch-em-cena-no-mac-usp/
LOCATION:MAC USP\, Av. Pedro Álvares Cabral\, 1301 - Vila Mariana\, São Paulo\, SP\, Brasil
CATEGORIES:São Paulo
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SUMMARY:“From the Heart to the Hands: Dolce&Gabbana” no Palazzo Reale
DESCRIPTION:Vista da exposição “From the Heart to the Hands”\, 2024 Palazzo Reale. Foto: Michael Adair\n\n\n\n“From the Heart to the Hands: Dolce&Gabbana” reunirá pela primeira vez as criações únicas da marca de moda. A exposição será uma carta de amor aberta à cultura italiana como inspiração duradoura para os designs de moda da Dolce&Gabbana\, traçando a extraordinária tradução das ideias de Domenico Dolce e Stefano Gabbana\, do coração até sua realização\, manualmente. \n\n\n\nA exposição\, que terá início em Milão e depois viajará pelo mundo\, celebrará a marca como símbolo do estilo italiano\, seguindo os sonhos da Alta Moda\, e explorará sua abordagem não convencional ao mundo do luxo: elegante\, sensual e única\, mas também humorística\, irreverente e subversiva. \n\n\n\nCurada por Florence Müller e produzida pela IMG\, a exposição também apresentará obras de artistas visuais em diálogo com os celebrados designs da Dolce&Gabbana. \n\n\n\nO arquivo e as novas coleções serão exibidos em uma série de temas destacando as muitas camadas de influências culturais italianas em seu enfoque ao design de moda – incluindo arte\, arquitetura\, artesanato\, cidades e sua topografia regional\, música\, ópera e balé\, tradições populares\, teatro e\, é claro\, “la dolce vita”.
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LOCATION:Palazzo Reale\, Piazza del Duomo\, 12\, Milão\, Itália
CATEGORIES:Milão
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