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SUMMARY:Instalação David Hammons no Whitney Museum of American Art
DESCRIPTION:O Whitney\, em colaboração com o Hudson River Park \, desenvolveu um projeto de arte pública permanente de David Hammons (n. 1943). Intitulada Day’s End (2014–21)\, esta instalação monumental está localizada no Hudson River Park ao longo da margem sul da Península de Gansevoort\, em frente ao Museu. \n\n\n\nProposto ao Whitney por Hammons\, Day’s End se inspira em uma obra de arte de mesmo nome de Gordon Matta-Clark (1943-1978). Em 1975\, Matta-Clark cortou cinco aberturas no galpão Pier 52 que anteriormente ocupava o local. O Hammons’s Day’s End é uma estrutura aberta que segue precisamente os contornos\, dimensões e localização do galpão original – e\, como a intervenção de Matta-Clark\, oferecerá um lugar extraordinário para experimentar a orla. \n\n\n\nEm conjunto com a realização do projeto\, o Whitney apresentou Around Day’s End: Downtown New York\, 1970–1986 \, uma exposição que apresentou obras da coleção relacionadas ao projeto seminal de Matta-Clark. O Whitney também criou materiais interpretativos\, incluindo a primeira série de podcasts do Museu\, Artists Among Us \, bem como vídeos e passeios a pé pelo bairro. Essa mídia de apoio toma os Day’s End s\, conforme previsto por Hammons e Matta-Clark\, como pontos de partida para explorar a história local – da orla e do Meatpacking District\, o papel dos artistas no bairro\, sua história LGBTQ e a ecologia do estuário. Novas pesquisas\, materiais de arquivo e entrevistas de história oral serão incorporadas.
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LOCATION:Whitney Museum of American Art\, 99 Gansevoort St Manhattan\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"At the Dawn of a New Age" no Whitney Museum of American Art
DESCRIPTION:Os artistas americanos saudaram o século XX com uma confiança juvenil no progresso e na inovação. Animados pelas mudanças tecnológicas que estavam revolucionando as comunicações e a engenharia\, bem como as mudanças culturais\, como o sufrágio feminino\, os artistas abraçaram o novo em detrimento do tradicional e fixo. Não mais contentes em replicar a realidade\, eles se voltaram para os estilos de vanguarda como forma de comunicar sua empolgação com uma época que o crítico Walter Lippmann caracterizou como “explosiva com novas ideias\, novos planos e novas esperanças”. \n\n\n\nAlguns dos artistas apresentados nesta exposição\, como Georgia O’Keeffe e Marsden Hartley \, são bem conhecidos hoje\, mas muitos modernistas igualmente inovadores foram amplamente esquecidos. Com mais de sessenta obras de quarenta e cinco artistas extraídas principalmente da coleção permanente do Whitney\, At the Dawn of a New Age oferece uma compreensão expandida da complexidade da arte americana produzida entre 1900 e 1930 e recupera a exuberante sensação de liberdade e experimentação subjacente isto. \n\n\n\nEsta exposição é organizada por Barbara Haskell\, curadora.
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SUMMARY:"Amar se aprende amando" de Antonio Bandeira na Pinacoteca do Ceará
DESCRIPTION:Amar se aprende amando\, dedicada a Antonio Bandeira\, encerra no próximo dia 15 de março na Pinacoteca do Ceará\, após mais de três anos em cartaz. \nMaior mostra já realizada sobre o artista\, a exposição reuniu 608 obras e documentos do acervo do Governo do Ceará e integrou a programação de inauguração do museu\, em dezembro de 2022\, celebrando o centenário do pintor. \nCom curadoria de Bitu Cassundé e assistência de Chico Cavalcante Porto\, a exposição propôs uma abordagem não linear da trajetória de Bandeira\, articulando diferentes cronologias e linguagens para revelar os processos criativos do artista — dos estudos iniciais às telas finalizadas.
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LOCATION:Pinacoteca do Ceará\, R 24 de Maio\, 34 - Centro\, Fortaleza\, Brazil
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SUMMARY:"Amalia Mesa-Bains: Archaeology of Memory" no El Museo del Barrio
DESCRIPTION:Vista da instalação de Amalia Mesa-Bains\, “The Virgin’s Garden\, 1994/2022” em “Venus Envy Chapter II: The Harem and Other Enclosures”. Cortesia da artista e da Rena Bransten Gallery\, São Francisco. Fotografia de Matthew Sherman/Cortesia do Museo del Barrio.\n\n\n\nO Museo del Barrio apresenta “Amalia Mesa-Bains: Archaeology of Memory”\, a primeira exposição retrospectiva da artista\, curadora e teórica pioneira. Nascida em 1943 em uma família de imigrantes mexicanos\, Mesa-Bains tem sido uma figura de destaque na arte Chicanx por quase meio século. Sua prática explora temas feministas interseccionais\, espiritualidade centrada no meio ambiente e diversidade cultural para combater as exclusões racistas e de gênero da repressão colonial. A exposição apresenta mais de 40 obras\, incluindo as grandes “instalações-altar” da artista\, bem como gravuras\, livros de artista e códices. Ancorada pela série de vários capítulos “Venus Envy”\, “Archaeology of Memory” é uma rara oportunidade de ver três décadas de obras que desafiam gêneros de Mesa-Bains\, muitas das quais estão sendo exibidas juntas pela primeira vez. \n\n\n\nO Museo del Barrio é o único local na Costa Leste a receber a retrospectiva itinerante\, organizada pelo Berkeley Art Museum e Pacific Film Archive em colaboração com o Latinx Research Center (LRC) da UC Berkeley. A apresentação no Museo del Barrio expande a longa associação de Mesa-Bains com a instituição\, onde seu trabalho tem sido exibido desde os anos 1990. Mais recentemente\, sua arte e escrita crítica serviram como inspiração direta para a aclamada exposição de 2022\, DOMESTICANX\, uma apresentação intergeracional do grupo Latinx que expandiu a teoria inovadora de Mesa-Bains sobre a domesticana. \n\n\n\nEm meados da década de 1970\, a pesquisa de Mesa-Bains nas tradições ancestrais mexicanas levou à sua reinvenção inovadora de formas sagradas—altares domésticos e oferendas aos mortos—através de uma lente contemporânea como arte de instalação. Nas décadas seguintes\, a artista expandiu sua prática baseada em altares\, convertendo móveis domésticos como mesas\, armários ou penteadeiras em lugares de devoção e memória. Subsequentemente\, Mesa-Bains começou a considerar espaços na interseção do privado e do público para explorar as vidas de figuras femininas de contextos históricos e religiosos\, incluindo a freira e intelectual mexicana Sor Juana Inés de la Cruz e La Virgem de Guadalupe. Esses espaços\, que incluem uma biblioteca\, harém\, jardim e laboratório\, fornecem o cenário para a investigação arqueológica de Mesa-Bains sobre as histórias das mulheres e seu apagamento colonial. \n\n\n\nOs desenvolvimentos inovadores de Mesa-Bains são exibidos na série multi-partes “Venus Envy”\, criada entre 1993 e 2023 e em exibição em quatro galerias do Museo del Barrio. “Archaeology of Memory” marca a primeira vez que “Venus Envy” está sendo mostrada em sua totalidade\, tendo sido originalmente encenada em quatro capítulos em diferentes cenários institucionais\, incluindo a Bienal de Whitney de 1993; o Williams College Museum of Art; a Bernice Steinbaum Gallery; e a Menil Collection. Inspirado na terminologia freudiana\, o título de Mesa-Bains é sugestivo do empoderamento feminino ao longo da história. Outras instalações abordam a experiência da migração\, solidariedades femininas e conhecimento ancestral para reivindicar as histórias que foram ausentes da memória pública através das instituições patriarcais da nação\, religião e museu. Essas peças em grande escala são complementadas ao longo da exposição por obras em papel que iluminam a estética da artista de camadas textuais e baseadas em imagens e escavação em forma bidimensional. Baseando-se em histórias familiares\, experiências pessoais e legados artísticos\, essas gravuras\, livros feitos à mão e códices informam a prática conceitual de Mesa-Bains e servem como mapas para sua trajetória artística.
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LOCATION:El Museo del Barrio\, 1230 5th Avenue at 104th Street\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
CATEGORIES:Nova York
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SUMMARY:"Jason Seife: Coming to Fruition" no Pérez Art Museum Miami
DESCRIPTION:Jason Seife\, assim como muitos moradores de Miami\, é filho de imigrantes\, sendo de ascendência cubana e síria. Sua prática artística está centrada em sua herança do Oriente Médio\, fazendo referências a tapetes persas e aos detalhes intricados encontrados em mesquitas e na arte islâmica tradicional. Ele digitalmente projeta suas composições inspiradas em tapetes\, espelhando a prática dos tecelões de associar padrões ou cores a locais e comunidades específicas. Em seguida\, Seife pinta à mão esses padrões intrincados em uma laje de concreto ou tela. Em Coming to Fruition\, Seife apresenta seu processo elaborado em andamento – em meio à ação. O efeito criado por esta exposição específica do local é aquele em que a fronteira entre o processo artístico e o produto final é borrada. A dinâmica de processo-como-produto é evidente em dois trípticos que revelam a progressão de suas pinturas – desde os estágios iniciais com pouco tinta no concreto até o produto final pintado detalhadamente. Os símbolos que Seife incorpora nos desenhos das pinturas fazem referência tanto às suas origens sírias quanto cubanas. Os trípticos\, acompanhados por uma pintura adicional finalizada em tela\, são cercados por molduras de madeira labirínticas. A madeira parece se infiltrar nas pinturas e nas paredes\, como se tomasse conta do interior da galeria. As molduras lembram a ornamentação intricadamente esculpida de mesquitas e foram feitas especificamente para esta exposição e espaço da galeria. O efeito geral das molduras de madeira e das pinturas nas paredes de concreto evoca um fenômeno comum tanto em Cuba quanto na Síria: edifícios lindamente pintados que foram reduzidos pela guerra ou negligência a suas estruturas de madeira e concreto. A especificidade do local de Coming to Fruition permite que Seife apresente um santuário secular onde o visitante pode meditar sobre a profanação humana\, construção de comunidades e identidades complicadas.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/jason-seife-coming-to-fruition-no-perez-art-museum-miami/
LOCATION:Pérez Art Museum Miami\, 1103 Biscayne Blvd.\, Miami\, Flórida\, Estados Unidos
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SUMMARY:"La Mode en mouvement" no Palais Galliera
DESCRIPTION:O Palais Galliera apresenta La Mode en mouvement [A Moda em Movimento]\, sua segunda exposição de coleções nas galerias do térreo do jardim. Com cerca de 200 obras\, este percurso cronológico traça\, através das coleções do museu\, uma história da moda desde o século XVIII até os dias atuais e\, ao mesmo tempo\, desenvolve uma temática transversal dedicada ao corpo em movimento. Refletindo os Jogos Olímpicos e Paralímpicos que serão realizados em Paris em 2024\, o Palais Galliera questiona o papel das roupas na prática de atividades físicas e esportivas\, sua relação com o corpo e o movimento\, bem como as consequências sociais de sua evolução. As roupas projetadas ao longo das épocas para atividades físicas e esportivas são comparadas com as roupas do dia a dia. Esse diálogo questiona as noções de especialização das roupas esportivas\, a adaptação das roupas femininas para a prática física no final do século XIX\, a masculinização das roupas femininas e a introdução do sportswear no guarda-roupa cotidiano. Por fim\, a evolução do corpo\, especialmente o corpo esportivo\, e a forma como ele é valorizado pelas roupas são destacadas para melhor compreender como a liberação do corpo através da atividade física contribuiu para a evolução das mentalidades e dos padrões de beleza. Trajes de banho\, roupas de ciclista e amazona\, casacos e acessórios de automobilismo\, conjuntos de corrida e tênis\, por exemplo\, serão apresentados ao lado de silhuetas características de três séculos de história da moda. O museu receberá empréstimos excepcionais do Museu Nacional do Esporte (Nice)\, da Biblioteca Forney (Paris)\, do Patrimônio CHANEL\, da coleção Emile Hermès\, das casas Sonia Rykiel e Yohji Yamamoto. Essas obras convidadas ajudarão a contextualizar as peças do Palais Galliera\, testemunhas de práticas físicas e esportivas\, de lazer ou de competição\, ao longo das épocas.Por razões de conservação preventiva\, esta exposição será organizada em três fases consecutivas\, cada uma exigindo um período de fechamento de cinco semanas. Assim\, as obras serão em grande parte renovadas\, oferecendo aos visitantes a oportunidade de retornar e descobrir as coleções do Palais Galliera.
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LOCATION:Palais Galliera\, 10 Av. Pierre 1er de Serbie\, Paris\, França
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SUMMARY:"FUNK: Um grito de ousadia e liberdade" no Museu de Arte do Rio
DESCRIPTION:O Museu de Arte do Rio (MAR) lança a sua nova exposição FUNK: Um grito de ousadia e liberdade no dia 29 de setembro. A principal mostra do ano do MAR perpassa os contextos do funk carioca através da história. Apresentada pelo Instituto Cultural Vale\, com curadoria da Equipe MAR junto a Taísa Machado e Dom Filó\, a mostra contou também com a colaboração de consultores\, como Deize Tigrona\, Celly IDD\, Tamiris Coutinho\, Glau Tavares\, Sir Dema\, GG Albuquerque\, Marcelo B Groove\, Leo Moraes\, Zulu TR. \n\n\n\nA temática da exposição irá apresentar e articular a história do funk\, para além da sua sonoridade\, também evidenciando a matriz cultural urbana\, periférica\, a sua dimensão coreográfica\, as suas comunidades\, os seus desdobramentos estéticos\, políticos e econômicos ao imaginário que em torno dele foi constituído. “Funk é um tema coletivo. Durante muitos momentos no MAR\, fomos instigados a fazer uma exposição sobre o funk carioca. A exposição conta com duas salas. A primeira sala é sobre o soul\, esse movimento de músicas importadas dos anos 70 e 80\, que ganhou repercussão no Brasil e\, é claro\, influenciou o consumo também de roupas\, sapatos\, cabelos…a estética que vira consumo. Tem ali\, ainda\, a presença de pessoas que tinham acesso a equipamentos\, compravam discos importados e começavam a fazer grandes equipes de som para tocar nas festas. Eram essas festas\, feitas em clubes de bairros\, que precederam o funk de hoje. Já a segunda sala é toda dedicada ao baile de favela\, que hoje constitui\, talvez\, uma das maiores forças de produção artística carioca e nacional. A gente mergulha nisso\, na história dos bailes constituídos por lonas\, instalados em vários lugares\, mas sempre dentro das comunidades”\, antecipa Marcelo Campos\, Curador Chefe do MAR. \n\n\n\nA abordagem vai se estender\, ainda\, à presença do funk nas mais variadas dimensões e práticas culturais\, com especial atenção ao campo das artes visuais contemporâneas\, para as quais o funk foi uma referência de visualidade\, de resistência política\, de alteridade e de forma.  Objetos próprios da história do estilo musical serão combinados a uma profusão audiovisual de sons\, vozes e gestos\, bem como atravessados por uma iconografia relacionada ao funk\, de modo a convidar o público da cidade a experimentar sua história como uma das mais potentes formas de imaginar e singularizar o Rio de Janeiro. \n\n\n\nA exposição é dividida em 11 núcleos e contará com mais de 900 itens. Entre os mais de 100 artistas brasileiros e estrangeiros que participam da exposição\, estão Hebert\, Vincent Rosenblatt\, Blecaute\, Gê Vianna\, Manuela Navas\, Maxwell Alexandre\, Fotogracria\, Emerson Rocha\, Panmela Castro\, Bruno Lyfe\, entre outros. O público poderá interagir com algumas instalações\, ouvir músicas\, dançar e ler textos que contam a história do ritmo musical pelas duas salas do pavilhão de exposições. A expografia é assinada pelo Estúdio Gru.a. \n\n\n\nE na noite de abertura a exposição a programação do MAR contará com um baile funk no Pilotis do Museu. Estão previstas as apresentações de dança do Afrofunk Rio\, e das atrações musicais Jonathan da Provi\, MC Cacau canta MC Marcinho e Trilogia do Santo Amaro. O evento é gratuito\, com retirada de ingressos via Sympla e sujeito à lotação.
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LOCATION:Museu de Arte do Rio\, Praça Mauá\, 5 - Centro\, Rio de Janeiro\, RJ\, Brasil
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SUMMARY:"Toshiko Takaezu: Shaping Abstraction" no Museum of Fine Arts Boston
DESCRIPTION:Bobby Jae Kim\, Detalhe de Toshiko Takaezu\, 1997. Museu de Belas Artes de Montreal\, Coleção Liliane e David M. Stewart\, presente de Bobby Jae Kim\, D97.183.1. Imagem © Bobby J. Kim.\n\n\n\nNascida no Havaí de pais de ascendência okinawana\, Toshiko Takaezu (1922-2011) foi uma artista tecnicamente habilidosa e inovadora\, mais conhecida por suas esculturas de cerâmica\, que tratava como pinturas abstratas em forma de círculo. Seu estilo gestual\, paletas distintivas e complexas camadas de vidrados se alinham com as práticas dos Expressionistas Abstratos que foram seus contemporâneos. No entanto\, Takaezu adicionou um elemento de acaso\, já que suas peças revelavam suas cores finais apenas após a queima. Frequentemente\, ela mostrava suas cerâmicas em grupos\, às vezes com suas pinturas e tecidos igualmente inovadores\, em arranjos cuidadosamente construídos que respondiam aos seus ambientes. Esta exposição se inspira nesses displays\, traçando o desenvolvimento de Takaezu de ceramista a artista de instalação multimídia. \n\n\n\nO MFA possui uma coleção significativa de cerâmicas de Takaezu – mais de 20 exemplos estão apresentados aqui junto com empréstimos de coleções particulares. Destaques também incluem um tecido em grande escala – uma recente aquisição do museu – e um agrupamento de obras explorando as interações transculturais da artista com ceramistas japoneses contemporâneos durante sua viagem crucial de oito meses ao Japão em 1955-56. Em conjunto com a exposição\, exibições adicionais no terceiro andar da Ala de Arte das Américas do MFA e na Ala Linde para Arte Contemporânea\, comparam Takaezu com dois de seus amigos: a ceramista Leza McVey e o escultor Isamu Noguchi. \n\n\n\nDesafiando as apresentações tradicionais da abstração americana\, Toshiko Takaezu: Shaping Abstraction celebra a extraordinária variedade do trabalho de Takaezu – visando tornar suas contribuições mais amplamente conhecidas. É organizado em parceria com o Museu Noguchi e a Fundação Toshiko Takaezu.
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LOCATION:MFA Boston\, 465 Huntington Ave\, Boston\, Massachusetts\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Nam June Paik: The Miami Years" no The Bass Museum of Art
DESCRIPTION:A partir de quarta-feira\, 4 de outubro de 2023\, até 16 de agosto de 2024\, o Museu de Arte Bass apresenta “Nam June Paik: Os Anos de Miami”\, uma nova exposição com obras do artista visual coreano-americano que exploram sua conexão com Miami Beach e a comunidade circundante do sul da Flórida. \n\n\n\nNam June Paik (nascido em 1932\, Seul; falecido em 2006\, Miami Beach) foi um pioneiro no desenvolvimento de imagens em movimento eletrônicas e composições digitalizadas como forma de expressão criativa. Creditado por originar o termo “superestrada eletrônica” em 1974\, as obras complexas de Paik demonstraram enorme presciência para a influência e proliferação de mídias digitais como meio artístico\, a expansão global de redes sociais e a crescente interligação entre a vida moderna e a tecnologia. \n\n\n\nOrganizada em torno da recente aquisição de TV Cello (2003) pelo Bass\, “Nam June Paik: Os Anos de Miami” oferece uma análise detalhada da conexão do artista com Miami. A exposição revela a pouco conhecida história da vida do artista em Miami Beach\, explorando as formas inovadoras que ele usou para se comunicar e empregar tecnologias de mídia em seu trabalho. \n\n\n\nNo início da década de 1990\, os visitantes do Aeroporto Internacional de Miami tiveram a oportunidade de encontrar duas instalações esculturais extraordinárias de Paik. WING\, localizada no saguão do Concourse B\, saudava os espectadores com quase 100 monitores de televisão montados em uma estrutura em forma de biplano\, iluminada por um quadro de néon\, pontuada por uma hélice. MIAMI\, em frente às portas de saída da alfândega no saguão do Concourse E\, apresentava 74 monitores dispostos para soletrar M-I-A-M-I em letras maiúsculas. \n\n\n\nEm ambas as obras\, as telas de TV apresentavam um fluxo hipnotizante de imagens icônicas do sul da Flórida\, intercaladas com vislumbres reconhecíveis de todo o mundo: palmeiras\, flamingos\, banhistas na praia\, congestionamentos de tráfego\, templos budistas\, terra derretida\, barcos à vela e moléculas. Milhares de imagens\, juntamente com a forma única de “pintura eletrônica” de Paik\, combinavam-se em uma cacofonia dinâmica diante dos olhos dos viajantes. \n\n\n\nEncomendadas em 1985 pelo Miami-Dade Art in Public Places Trust\, WING e MIAMI foram dedicadas em 29 de novembro de 1990. Embora Paik tenha feito de Miami Beach sua casa até sua morte em 2006\, no final da década de 1990\, WING e MIAMI não estavam mais em exibição pública. \n\n\n\nCom pesquisas originais sobre Paik e o sul da Flórida\, incluindo um relato cronológico da criação e exibição de WING e MIAMI\, “Nam June Paik: Os Anos de Miami” oferecerá novas perspectivas sobre o envolvimento pessoal do aclamado artista com nossa região. \n\n\n\nA exposição também incluirá “Notations”\, performances de artistas contemporâneos cujas práticas se envolvem e ampliam o uso experimental de tecnologia encontrado no trabalho de Nam June Paik. A primeira apresentação de “Notations” contará com o MyFi Studio no “Third Thursdays” no The Bass em 19 de outubro.
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SUMMARY:"To Weave the Sky: Textile Abstractions" no El Espacio 23
DESCRIPTION:To Weave the Sky: Textile Abstractions da Coleção Jorge M. Pérez celebra inúmeras obras têxteis da coleção Pérez – muitas das quais nunca foram exibidas publicamente antes – e utiliza essas aquisições como pontos focais para estruturar diálogos criativos com obras apresentadas em outras mídias. Apresentando trabalhos de mais de 100 artistas intergeracionais de todo o mundo\, To Weave the Sky é inspirado nos laços tradicionais do tecer com a abstração e geometria\, paisagem e orgânico\, tato e intimidade\, e cosmologias e rituais indígenas. Curada por Tobias Ostrander em estreita colaboração com os curadores da Coleção Pérez\, Patricia M. Hanna e Anelys Alvarez\, a exposição tenta desvendar a fascinação contemporânea com o meio – um que historicamente foi marginalizado para o gênero de artesanato dentro do contexto da arte ocidental.
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LOCATION:El Espacio 23\, 2270 NW 23rd St Allapattah\, Miami\, Flórida\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Thinking Small: Dutch Art to Scale" no Museum of Fine Arts Boston
DESCRIPTION:Hans Bol\, Vista de Amsterdã do Sul (detalhe)\, 1589. Doação de Rose-Marie e Eijk van Otterloo em apoio ao Centro de Arte Neerlandesa.\n\n\n\nA frase “pensar pequeno” descreve um ato de engajamento profundo com a arte – um tipo específico de encontro no qual um espectador considera\, percebe e age de maneira diferente em resposta ao que vê. Com algumas formas de arte holandesa\, o minúsculo se torna abrangente: elementos pequenos atraem o olhar e inspiram os espectadores a se engajarem em um nível íntimo\, examinando cada centímetro e maravilhando-se com a habilidade e dedicação do criador do objeto. No século XVII\, representações em miniatura da distância eram um meio para homens e mulheres holandeses compreenderem a imensidão de seu mundo. Embora muitas obras que convidam à ação de pensar pequeno sejam pequenas em si mesmas\, obras maiores também podem convidar os espectadores a se concentrarem nos detalhes encontrados nelas. Os pintores de paisagens holandeses frequentemente preenchiam suas composições com detalhes – reais e imaginados – que atraem os espectadores para o mundo da imagem. \n\n\n\nUma colaboração entre o Centro de Arte Neerlandesa do MFA\, a Galeria de Arte da Universidade de Yale e professores e alunos de Yale\, esta exposição explora uma seleção intrigante de objetos dos Países Baixos do século XVII que foram projetados para elicitar um olhar lento e contemplação por parte de seus públicos originais. Com 15 pinturas\, gravuras\, medalhas de prata\, livros e até mesmo uma xícara feita de uma concha de nautilus esculpida\, “Pensando Pequeno: Arte Holandesa em Escala” obriga os espectadores a reconsiderarem sua relação com o mundo ao seu redor. \n\n\n\nEsta é a terceira de uma série de colaborações entre o CNA e seus parceiros acadêmicos que se baseia na profunda coleção de arte holandesa e flamenga do Museu de maneiras novas e inesperadas\, trazendo perspectivas frescas e vozes diversas para o primeiro plano\, enquanto mostra bolsas de estudo interdisciplinares. Exposições anteriores incluíram A Modern Art Market\, em exibição de novembro de 2021 a outubro de 2022\, e Michaelina Wautier and The Five Senses: Innovation in 17th-Century Flemish Painting”\, em exibição de 12 de novembro de 2022 a 5 de novembro de 2023. \n\n\n\nOs Fundadores do Centro de Arte Neerlandesa são Rose-Marie e Eijk van Otterloo e Susan e Matthew Weatherbie.
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LOCATION:MFA Boston\, 465 Huntington Ave\, Boston\, Massachusetts\, Estados Unidos
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SUMMARY:"La poesia ti guarda". Homenagem ao Grupo 70 (1963-2023) na Galleria d'Arte Moderna
DESCRIPTION:Imagem: Divulgação Galleria d’Arte Moderna\n\n\n\n\nEm 24 de maio de 1963\, no Forte do Belvedere em Florença\, ocorreu a conferência “Arte e comunicação”\, considerada pelos estudiosos o ato oficial de fundação do Grupo 70. \n\n\n\nSeis décadas após esse evento\, a Galleria d’Arte Moderna organiza uma exposição em homenagem aos artistas que determinaram sua criação. \n\n\n\nO Grupo 70 é o grupo artístico que interpreta de forma mais completa e coerente\, no contexto italiano\, o movimento internacional da poesia visual. Entre as neo-vanguardas\, é a que mais possui um caráter híbrido e multilíngue\, situando-se em uma “terra de ninguém” sugestiva entre a escrita e a imagem\, entre as artes visuais e a poesia. A arte era entendida e problematizada\, de forma mais geral\, como parte do complexo sistema de comunicação. \n\n\n\nEm comemoração a este aniversário\, é realizada uma homenagem aos principais expoentes do grupo – Ketty La Rocca\, Lucia Marcucci\, Eugenio Miccini\, Luciano Ori\, Lamberto Pignotti\, além de Roberto Malquori e Michele Perfetti – destacando as diversas manifestações estéticas e formais da poesia visual. \n\n\n\nAs obras\, em sua maioria inéditas e/ou pouco conhecidas pelo grande público\, provêm da coleção da Galeria de Arte Moderna\, do Arquivo Carlo Palli de Prato\, entre as principais coleções italianas de poesia visual\, do MART de Rovereto\, do Arquivo Lamberto Pignotti de Roma\, da Fundação Bonotto de Colceresa (VI) e de outras prestigiosas coleções privadas. \n\n\n\nA exposição inclui também poesias sonoras e cinépoesias\, livros de artista e documentos que ilustram de diversas maneiras as premissas teóricas\, as razões poéticas e os resultados expressivos do Grupo 70. \n\n\n\nA mostra\, com curadoria de Daniela Vasta\, é realizada em colaboração com o Arquivo Carlo Palli\, Arquivo Lamberto Pignotti e Fundação Bonotto. \n\n\n\nA exposição é acompanhada por um catálogo editado pela De Luca Editori d’Arte\, com contribuições críticas de Daniela Vasta\, Patrizio Peterlini e Lucilla Saccà\, e uma entrevista inédita com Lamberto Pignotti por Claudio Crescentini\, além de aparatos bio-bibliográficos organizados por Elena Rosica.
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LOCATION:Galleria d’Arte Moderna\, via Palestro 16\, Milão\, Itália
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SUMMARY:"Social Assembly: Welcome to the Museum" no The Bass Museum of Art
DESCRIPTION:Haegue Yang\, Coordinates of Speculative Solidarity\, 2019. Foto: Zachary Balber. Imagem: Cortesia The Bass Miami Beach\n\n\n\nO Bass convida você a repensar como interagimos e aprendemos com a arte — e uns com os outros — em um ambiente de museu com nossa mais recente iniciativa Social Assembly: Welcome to the Museum\, em exibição de 3 de dezembro de 2023 a 1 de setembro de 2024. \n\n\n\nEsta exposição multifacetada e programa flexível é realizada na Galeria Harrison do Bass\, coincidindo com a recente descoberta das janelas originais da galeria. Assim como essas janelas restauradas proporcionam vistas amplas para o Collins Park\, permitindo transparência entre espaços internos e externos\, a Social Assembly oferece ao público maiores oportunidades de se reunir de forma informal e mais frequente com a arte. Seja encontrando amigos\, lendo livros\, assistindo vídeos\, tomando café ou ouvindo música — todas maneiras dos visitantes relaxarem\, se refrescarem e se reagruparem — essas atividades de museu reimaginadas já estão em andamento como parte de uma experiência de exposição. \n\n\n\nDentro da Social Assembly\, Exploded View: Coconut (2023)\, uma instalação do artista e designer baseado em Miami\, Emmett Moore\, inclui mesas\, assentos e um bar\, convidando os visitantes a permanecerem e aproveitarem casualmente o museu. A peça de Moore se entrelaça com outras da coleção permanente do Bass\, cada obra selecionada por sua capacidade de equilibrar as características de objeto de arte e mobiliário funcional. O objetivo é oferecer aos visitantes do museu maior autonomia para decidir como desejam se reunir nos espaços do Bass\, em seus próprios termos. \n\n\n\nComo pano de fundo para a cena social da exposição\, as Coordinates of Speculative Solidarity de Haegue Yang consideram as condições e pressões recentes das mudanças climáticas\, visualizando pesquisas meteorológicas e dados climáticos de Miami Beach em um colagem digital do chão ao teto que se estende por quarenta e cinco pés. Este “papel de parede” único abstrai infográficos\, fotos de satélite e diagramas\, refletindo sobre o clima e as circunstâncias relacionadas às mudanças climáticas como um agente de ligação social. Como o trabalho de Yang sugere\, o clima une as pessoas inconscientemente por meio de uma determinação compartilhada de enfrentar um desafio e reagir em solidariedade. \n\n\n\nAo longo do ano\, a Social Assembly mescla arte\, design e arquitetura\, combinando as funções e estéticas de um lounge\, bar de café\, café\, interior doméstico e galeria de arte para explorar as muitas possibilidades de se reunir em torno da arte contemporânea e das ideias que ela inspira. Nesse espírito: Welcome to the Museum.
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LOCATION:The Bass Museum of Art\, 2100 Collins Ave City Center\, Miami\, Flórida\, Estados Unidos
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SUMMARY:Alejandro Piñeiro Bello no Rubell Museum
DESCRIPTION:O artista nascido em Havana e baseado em Miami\, Piñeiro Bello\, concentra sua prática na diáspora caribenha\, em Cuba\, e nas identidades culturais\, imagens e história das ilhas circundantes. Ele pinta o esplendor místico sociocultural da cultura caribenha usando materiais tradicionais\, como óleo sobre linho cru ou juta\, e trabalha com uma paleta de cores vibrante para criar imagens que capturam a fertilidade da região.
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LOCATION:Rubell Museum\, 1100 NW 23rd St Allapattah\, Miami\, Flórida\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Basil Kincaid: Spirit in the Gift" no Rubell Museum
DESCRIPTION:A prática pós-disciplinar de Basil Kincaid\, um artista nascido em St. Louis que divide seu tempo entre os EUA e a África\, examina as relações entre ancestralidade\, lugar e a construção contemporânea do eu. Ao longo de seu trabalho\, Kincaid incorpora quilting\, colagem\, fotografia\, instalação\, performance e o uso de materiais encontrados.
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SUMMARY:"Dining with the Sultan" no LACMA
DESCRIPTION:O ato de se reunir para compartilhar uma refeição é uma prática compartilhada por todas as culturas. A comida nos define – somos o que comemos. Dining with the Sultan é a primeira exposição a apresentar a arte islâmica no contexto de suas tradições culinárias associadas. Ela incluirá cerca de 250 obras de arte relacionadas à origem\, preparação\, serviço e consumo de alimentos\, provenientes de 30 coleções públicas e privadas nos Estados Unidos\, Europa e Oriente Médio – objetos de qualidade e apelo incontestáveis\, vistos através da lente universal da alta gastronomia. A exposição estimulará não apenas os olhos\, mas também o apetite\, lembrando aos visitantes o prazer comunitário da comida – tanto do seu sabor quanto da sua apresentação. Ela fornecerá informações muito necessárias sobre a vasta classe de objetos de luxo que podem ser amplamente definidos como utensílios de mesa e demonstrará como o discernimento gustativo era uma atividade fundamental nas grandes cortes islâmicas.
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LOCATION:LACMA\, 5905 Wilshire Blvd Central LA\, Los Angeles\, Califórnia\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Lucian Freud's Etchings" no V&A Museum
DESCRIPTION:Pluto Aged Twelve\, prova de teste de gravura\, de Lucian Freud\, impressa por Marc Balakjian\, 2000\, Londres\n\n\n\nLucian Freud’s Etchings: A Creative Collaboration é uma exposição que destaca um aspecto menos conhecido da obra do renomado artista britânico do século 20\, Lucian Freud. Mais conhecido por suas pinturas figurativas\, Freud também produziu muitas gravuras\, muitas vezes retratando os mesmos temas e modelos de suas pinturas. A mostra apresenta 38 dessas impressões intricadas e íntimas\, explorando a prática de gravura de Freud. \n\n\n\nEsta coleção\, adquirida em 2019\, inclui provas nunca antes exibidas que oferecem novas perspectivas sobre o processo criativo do artista e sua abordagem distinta à gravura. Entre os destaques estão retratos de figuras como Leigh Bowery e estudos de seu cão de estimação\, além do único autorretrato gravado de Freud. A exposição\, gratuita\, fica em exibição até 25 de agosto de 2024.
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LOCATION:Victoria and Albert Museum (V&A)\, Cromwell Rd\, Londres\, Reino unido
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SUMMARY:"Wordplay" no ICA Boston
DESCRIPTION:Renée Green\, Space Poem #1\, 2007. Vista da instalação\, Renée Green\, no Instituto de Arte Contemporânea/Boston\, 2021–22. Foto por Liza Voll.\n\n\n\nDestacando a rica interação entre imagem e texto e as práticas relacionadas de observar e ler\, “Wordplay” se baseia principalmente na coleção permanente do ICA para mostrar como artistas contemporâneos brincaram com palavras para animar e expandir suas práticas artísticas. O texto tem sido parte da expressão visual por séculos\, mas a “arte textual” como um gênero começou a proliferar com o surgimento da arte conceitual nos anos 1960. Artistas na exposição usam texto para explorar questões filosóficas\, expressar e subverter mensagens políticas\, desafiar noções de identidade e conectar suas obras com múltiplas referências\, escritores e ícones culturais. Esta exposição apresentará muitas obras recentemente adquiridas que nunca foram exibidas\, de artistas como Kenturah Davis\, Taylor Davis\, Joe Wardwell e Rivane Neuenschwander\, ao lado de trabalhos de Shepard Fairey\, Jenny Holzer\, Glenn Ligon\, entre outros que pioneiraram o engajamento criativo com a linguagem.
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LOCATION:Institute of Contemporary Art Boston\, 25 Harbor Shore Dr\, Boston\, Massachusetts\, Estados Unidos
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SUMMARY:3 exposições imersivas no Atelier des Lumières
DESCRIPTION:© Culturespaces / C. de la Motte Rouge\n\n\n\nTrês exposições fascinantes convidam os espectadores a viajarem por universos distintos. A primeira\, mergulha na antiguidade egípcia\, revelando as maravilhas dos faraós e seus rituais sagrados ao longo de milênios. A segunda\, transporta para o século XIX\, onde pintores ocidentais como Delacroix\, Gérôme e Ingres exploram os mistérios paisagísticos e as cores exuberantes do Oriente\, criando visões encantadas. Por fim\, adentra-se em um mundo surreal de fractais e paisagens alienígenas\, onde matemática e arte se fundem. \n\n\n\nConfira os horários e adquira seus ingressos clicando em “Informações” abaixo.
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LOCATION:Atelier des Lumières\, 38 Rue Saint-Maur\, Paris\, França
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SUMMARY:Igshaan Adams no ICA Boston
DESCRIPTION:Igshaan Adams\, Lynloop\, 2024. Vista da instalação\, Igshaan Adams\, no Instituto de Arte Contemporânea/Boston\, 2024-25. Foto por Mel Taing.\n\n\n\nO artista multidisciplinar Igshaan Adams (nascido em 1982 em Cidade do Cabo\, África do Sul) explora como as pessoas habitam e se movimentam pelo espaço. Adams utiliza práticas de tecelagem para tornar visíveis os padrões cotidianos de movimento que falam sobre formas de cuidado\, sobrevivência e resistência na África do Sul pós-apartheid. As recentes tapeçarias de grande escala tecidas por Adams apontam para a interconectividade da espiritualidade do artista\, histórias familiares e narrativas da comunidade local\, enraizadas em sua herança sul-africana\, assim como o uso problemático da terra na região. Ele se inspira no termo de planejamento urbano “linhas de desejo” — caminhos criados por pedestres ao longo do tempo que estão fora dos passeios planejados. Na prática de Adams e na África do Sul\, a criação de linhas de desejo representa um ato de transgressão diante dos limites fixos impostos pelo governo durante a era do apartheid para separar à força as comunidades de acordo com castas raciais. \n\n\n\nLynloop\, a monumental nova comissão de Adams para o ICA/Boston\, é uma tecelagem experimental composta por várias partes\, desenvolvida em resposta à arquitetura do museu e às memórias da infância do artista. Baseia-se em imagens aéreas dos caminhos cruzados entre um campo de esportes e um espaço recreativo murado ao sul de onde Adams cresceu. Por meio da obra\, Adams considera o impacto das experiências e memórias da infância na trajetória da vida de uma pessoa. Ele escreve: “Ao lidar com o desconforto de crescer entre esses espaços hiper-masculinos\, a instalação explora como tive que sobrepor minhas próprias fantasias às memórias de uma maneira que suaviza as arestas duras e a frieza desta área.” Em tons de rosa com contas\, cordas\, correntes e mohair\, Lynloop é um mapeamento impressionante e tátil do espaço\, interação humana e memória.
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SUMMARY:"Don't Forget to Call Your Mother" no The Met Museum
DESCRIPTION:Sadie Barnette\, Photo Bar\, 2022 © Sadie Barnette. Foto: Phillip Maisel.\n\n\n\n\nEm uma época em que as fotografias são principalmente compartilhadas e armazenadas digitalmente\, muitos artistas estão retornando à materialidade dos instantâneos em um álbum ou das imagens em um arquivo como fonte de inspiração. A exposição\, intitulada Don’t Forget to Call Your Mother (“Não Esqueça de Ligar para Sua Mãe”)\, a partir de uma fotografia do provocador italiano Maurizio Cattelan\, consiste em obras da coleção do Met\, que vão dos anos 1970 até os dias atuais\, refletindo sobre os sentimentos complexos de nostalgia e sentimentalismo que esses objetos evocam\, enquanto sublinha o poder do objeto encontrado. \nEntre os artistas em destaque está Sadie Barnette\, para quem as fotografias servem como um portal para iluminar a história esquecida do primeiro bar gay de propriedade de negros em São Francisco e a vida de seu próprio pai\, como ilustra poderosamente sua obra Photo Bar de 2022. Assim como Barnette\, muitos dos artistas da exposição buscam fortalecer o legado das histórias familiares\, enfatizar a importância das relações intergeracionais e considerar as maneiras pelas quais o conhecimento e o respeito pelo passado podem informar o nosso momento atual. Alguns artistas\, como Sophie Calle e Larry Sultan\, exploram suas próprias narrativas para revelar a construção do desejo\, enquanto outros\, incluindo Taryn Simon e Hank Willis Thomas\, examinam histórias que moldaram o diálogo cultural e político. Para alguns\, como Darrel Ellis\, que utilizou fotos de família para negociar o trauma da violência policial\, o pessoal é político. Empregando várias estratégias\, esses artistas consideram como uma coleção de imagens—como um talismã ou um retábulo—constrói relações ao longo do tempo e pode transformar nossa compreensão do presente. \nA exposição é viabilizada por Joyce Frank Menschel.
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SUMMARY:Peter Fischli & David Weiss na Bourse de Commerce
DESCRIPTION:Peter Fischli & David Weiss\, Suddendly this Overwiew (Popular Opposites: Funny and Silly I)\, 1981-2012\n\n\n\nA Bourse de Commerce está em movimento para preparar a exposição Le monde comme il va\, que será revelada gradualmente até sua abertura completa em 20 de março. Durante esse período\, você poderá descobrir algumas obras da nova temporada. \n\n\n\nA partir de 14 de fevereiro de 2024\, no primeiro andar do museu\, a dupla de artistas Peter Fischli & David Weiss expõe uma parte de sua extensa instalação Suddenly this Overview (1981-2012)\, que nunca havia sido apresentada pela Coleção Pinault. Em argila\, esta obra moldada à mão cria uma história ao mesmo tempo parcial e tendenciosa da humanidade\, revisitando-a com fragmentos humorísticos. Na entrada da instalação\, o filme The Least Resistance (1981) mostra dois personagens\, um rato e um panda\, passeando por Los Angeles e discutindo as últimas evoluções no mundo da arte. \n\n\n\nA primeira epopeia escultural da dupla suíça\, iniciada em 1981 e cuja data de conclusão coincide com o desaparecimento de David Weiss\, Suddenly this Overview (1981-2012) é composta por cenas modeladas em uma matéria argilosa\, cujos títulos aparecem como tantas piadas para descrever as situações inventariadas. A argila crua\, material geralmente reservado para artesanato amador\, é usada aqui para modelos desviados de seu significado original e\, portanto\, incompreensíveis sem a legenda associada a eles. \n\n\n\nPorta-trecos\, ração para cães\, micropaisagens\, mas também personalidades midiáticas\, culturais e intelectuais: entre materialismo e existência humana\, Fischli e Weiss tentam aqui reunir um repertório na encruzilhada da enciclopédia e da história em quadrinhos sob a forma de vinhetas tridimensionais.
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LOCATION:Bourse de Commerce\, 2 Rue de Viarmes Paris\, Paris\, Paris\, França
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SUMMARY:Descubra 8 artistas que estarão presentes em "Le monde comme il va" na Bourse de Commerce
DESCRIPTION:Vista da exposição “Le monde comme il va”\, Bourse de Commerce – Pinault Collection\, 2024 Sigmar Polke\, Zirkusfiguren (Circus Figures)\, 2005. © Sigmar Polke / ADAGP\, Paris\, 2024. Foto: Florent Michel / Pinault Collection\n\n\n\nA Bourse de Commerce está em movimento para preparar a exposição Le monde comme il va\, que será revelada progressivamente até sua abertura completa em 20 de março. Durante esse período\, você poderá descobrir algumas obras da nova temporada. \n\n\n\nA partir de 14 de fevereiro de 2024 na Galeria 2\, descubra as obras de Liu Wei\, Goshka Macuga\, Sigmar Polke\, Cindy Sherman\, Sun Yuan & Peng Yu\, Pol Taburet e Salman Toor. \n\n\n\nA comédia humana \n\n\n\nLe monde comme il va: será que é entregue aos palhaços equilibristas e animais de circo que povoam as telas de Sigmar Polke? Será que é dirigido pelas figuras políticas envelhecidas de Sun Yuan e Peng Yu? Será que é ritmado pelo baile fantasmagórico de Salman Toor ou assombrado pelos fantasmas de Pol Taburet? Diante do caos de um mundo com orientações paradoxais\, o visitante se encontra aqui em uma feira de incoerências e anomalias.
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SUMMARY:"A Needle Woman" de Kimsooja na Bourse de Commerce
DESCRIPTION:Kimsooja\, A Needle Woman\, 1999-2000\n\n\n\nA Bourse de Commerce está em movimento para preparar a exposição Le monde comme il va\, que será revelada progressivamente até sua abertura completa em 20 de março. Durante este período\, você poderá descobrir algumas obras da nova temporada. \n\n\n\nA partir de 14 de fevereiro\, a performance em vídeo A Needle Woman da artista coreana Kimsooja estará visível no estúdio\, como preâmbulo de sua carta branca To Breathe — Constellation apresentada a partir de 13 de março como parte da exposição Le monde comme il va. \n\n\n\nEnigmática\, A Needle Woman (1999-2000) é uma performance em vídeo de Kimsooja\, preservada na Coleção Pinault. A artista coreana se apresenta nos quatro cantos do mundo (Xangai\, Delhi\, Tóquio e Nova York): ela fica sozinha\, de costas\, imóvel\, como um eixo interagindo e resistindo aos tumultos da vida urbana. Com esta obra apresentada no nível inferior da Bourse de Commerce\, Kimsooja metaforicamente utiliza seu próprio corpo\, como uma presença anônima quase invisível que se inscreve\, pela sua imobilidade e verticalidade\, como uma agulha no tecido do mundo\, e humildemente costura suas falhas e rasgos. Através desta performance\, a artista oferece à multidão um espelho simbólico refletindo tanto a imagem de um mundo envolvido em uma aceleração permanente quanto sua própria identidade diante das dos outros.
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SUMMARY:"Yoko Ono: Music of the Mind" na Tate Modern
DESCRIPTION:Yoko Ono\, Half-A-Room\, 1967 de HALF-A-WIND SHOW\, Lisson Gallery\, Londres\, 1967. Foto © Clay Perry\n\n\n\nYoko Ono é pioneira da arte conceitual e participativa\, do cinema e da performance\, uma celebrada musicista e uma formidável defensora da paz mundial. Desenvolvendo sua prática nos Estados Unidos\, Japão e Reino Unido\, as ideias são centrais em sua arte\, frequentemente expressas de maneiras poéticas\, humorísticas\, profundas e radicais. \n\n\n\nAbrangendo mais de sete décadas\, YOKO ONO: MUSIC OF THE MIND é a maior exposição do Reino Unido que celebra momentos-chave na carreira inovadora\, influente e multidisciplinar de Ono\, desde meados da década de 1950 até hoje – incluindo seus anos em Londres\, onde conheceu seu futuro marido e colaborador de longa data\, John Lennon. \n\n\n\nA mostra traça o desenvolvimento de sua prática e explora algumas das obras e performances mais comentadas e poderosas de Ono. Isso inclui Cut Piece (1964)\, onde as pessoas eram convidadas a cortar suas roupas\, até seu filme banido Film No.4 (Bottoms) (1966-67)\, que ela criou como um ‘pedido pela paz’. Os visitantes são convidados a participar de atos simples de imaginação e encontros ativos com as obras de Ono\, como as Wish Trees for London\, onde os visitantes podem contribuir com desejos pessoais pela paz. \n\n\n\nO público descobrirá mais de 200 obras\, incluindo peças de instrução\, partituras\, instalações\, filmes\, música e fotografia. A exposição revela uma abordagem inovadora à linguagem\, arte e participação que continua a falar ao momento presente. \n\n\n\nApoiado por John J. Studzinski CBE \n\n\n\nA exposição é organizada pela Tate Modern\, Londres\, em colaboração com Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen\, Düsseldorf.
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LOCATION:Tate Modern\, Bankside\, Londres\, Reino unido
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SUMMARY:"Wu Tsang: Of Whales" no ICA Boston
DESCRIPTION:Wu Tsang\, Of Whales\, 2022. Vista da instalação “Wu Tsang: Of Whales” no Instituto de Arte Contemporânea/Boston\, 2024. Foto por Mel Taing\n\n\n\nWu Tsang (nascida em 1982 em Worcester\, Massachusetts) é uma artista multidisciplinar que produz filmes narrativos e documentários\, performances ao vivo e instalações de vídeo. A instalação imersiva “Of Whales” faz parte de sua trilogia cinematográfica inspirada no clássico romance americano de 1851\, “Moby Dick”\, de Herman Melville. “Of Whales” oferece uma meditação poética sobre a perspectiva de uma baleia cachalote\, que mergulha nas profundezas do oceano por uma hora de cada vez\, emergindo ocasionalmente para respirar. Criada na plataforma de jogos Unity com tecnologias de realidade estendida (XR)\, a instalação de vídeo e som gerada dinamicamente em tempo real imerge os espectadores em uma paisagem oceânica exuberante e onírica para imaginação\, contemplação e provocação. Apresentada pela primeira vez na 59ª Bienal de Veneza em 2022\, a obra conta com uma trilha sonora composta por Asma Maroof e Daniel Pineda\, com Tapiwa Svosve\, Jalalu-Kalvert Nelson\, Miao Zhao e Ahya Simone. A trilha sonora mescla trompas\, saxofone\, clarinete e contrabaixo\, em uma paisagem sonora multicamadas que preenche todo o espaço da galeria. No ICA\, “Of Whales” é apresentada em uma galeria adjacente ao Porto de Boston\, conectando o público à localização à beira-mar do ICA e fazendo referência à história da caça às baleias na Nova Inglaterra.
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LOCATION:Institute of Contemporary Art Boston\, 25 Harbor Shore Dr\, Boston\, Massachusetts\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Sea Change" no Pérez Art Museum Miami
DESCRIPTION:Rick Silva e Nicolas Sassoon\, Signals 4 (still)\, 2023. Cortesia dos artistas\n\n\n\n“Sea Change” no Pérez Art Museum Miami (PAMM) é uma exposição imersiva que reflete sobre as aceleradas mudanças no clima\, cultura e tempo. As obras de arte transitam entre alertas aquáticos\, reflexões poéticas sobre a natureza humana e reinterpretações futurísticas das tecnologias que estão remodelando nossas vidas. Cada obra oferece uma perspectiva única sobre a interconexão entre tecnologia e o mundo natural. \n\n\n\nA playlist inclui seres virtuais multicamadas imaginados por LaTurbo Avedon\, Eva Papamargariti e Fabiola Larios; travessuras interspecies divertidas nas colagens de GIFs animados de Lorna Mills; uma transformação animalística surreal por Cassie McQuater; paisagens generativas hipnotizantes por Alfredo Salazar-Caro\, Harvey Moon\, Rick Silva e Nicolas Sassoon; um arquivo 3D cintilante documentando espécies de plantas aquáticas em perigo por Rodell Warner; e um ambiente imaginado de manguezais sencientes pelo artista baseado em Miami\, Leo Castañeda. \n\n\n\n“Sea Change” entrelaça temas de inteligência artificial\, tecnologia de simulação e identidade para nos ajudar a compreender nossa posição precária diante das iminentes mudanças sísmicas que afetam a sociedade\, cultura e a condição humana. A pesquisa abrange uma variedade diversificada de estilos estéticos e formatos\, incluindo arte generativa\, GIFs animados\, jogos de vídeo\, filmes experimentais em 3D e realidade virtual — um “download” abrangente que ilustra como os artistas se envolvem criticamente com a tecnologia no estúdio.
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LOCATION:Pérez Art Museum Miami\, 1103 Biscayne Blvd.\, Miami\, Flórida\, Estados Unidos
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SUMMARY:"DRIVE" de Jason Rhoades na Hauser & Wirth
DESCRIPTION:Jason Rhoades com o Caprice\, observando o Aeroporto Internacional de Los Angeles\, 1996 © The Estate of Jason Rhoades\n\n\n\nPara Jason Rhoades\, o carro representava não apenas um veículo de busca artística\, mas também uma escultura pronta e um ídolo americano. A partir de 27 de fevereiro\, a Hauser & Wirth Los Angeles dedicará uma galeria inteira em sua localização no Downtown Arts District a uma exploração ao longo de um ano da arte de Rhoades através do tema dos carros e da cultura automobilística. Conhecido pela imaginação e ambição impulsionadoras de seu trabalho\, assim como\, às vezes\, por sua provocação imprudente e materialidade avassaladora\, Rhoades (1965–2006) era um construtor de mundos para quem a criação de esculturas e de narrativas estava entrelaçada. Suas instalações em escala épica o tornaram uma força no mundo da arte internacional nos anos 1990\, enquanto ele estava baseado em Los Angeles. DRIVE se desdobrará ao longo de uma série de iterações temáticas\, uma exposição em constante mudança das esculturas\, desenhos\, vídeos e múltiplos de Rhoades—enriquecida por materiais de arquivo\, programas públicos e perspectivas contemporâneas.
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LOCATION:Hauser & Wirth Downtown Los Angeles\, 901 E 3rd St\, Los Angeles\, Califórnia\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Hervé Di Rosa: The world-crosser" no Centre Pompidou
DESCRIPTION:Hervé Di Rosa\, Deux épreuves\, 1984 (detalhe)\n\n\n\nInspirado na cultura popular\, especialmente nas tirinhas de quadrinhos\, Hervé Di Rosa fez nome no movimento da Figuração Livre no início dos anos 1980. Ele dedicou-se a um projeto único: compartilhar suas imagens com diferentes ofícios e técnicas pelo mundo (de Sofia a Lisboa\, passando por Gana\, Etiópia\, Vietnã\, México\, Flórida e Andaluzia). Paralelamente à sua arte\, Di Rosa coleciona o que chama de artes modestas\, produções estéticas realizadas fora do âmbito das belas artes. Em 2000\, ele fundou um museu dedicado a essa produção\, o Museu Internacional de Artes Modestas\, em Sète\, sua cidade natal. \n\n\n\nEm torno das obras que entram na coleção\, a exposição Hervé Di Rosa: The world-crosser reúne peças do período da Figuração Livre\, objetos de arte modesta e pinturas recentes para oferecer uma visão geral deste artista que é único em sua espécie.
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LOCATION:Centre Pompidou\, Place Georges-Pompidou\, Paris\, França
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SUMMARY:"Vera Molnár: Speak to the Eye" no Centre Pompidou
DESCRIPTION:Retrato de Vera Molnár\, 1961. (detalhe) Cortesia da Galerie Oniris\, Rennes.\n\n\n\nSuas obras\, fundamentadas em um conhecimento da psicologia das formas e das leis da visão\, projetadas em uma abordagem construtivista por volta de 1947\, tornaram-se interrogações artísticas da perspectiva. Como ciberneticista e cientista da computação\, Molnár estabeleceu o que ela chamou de uma “máquina imaginária” na década de 1960\, antes de se tornar a primeira artista na França (1968) a produzir desenhos digitais usando um computador conectado a um plotter. Até meados dos anos 90\, ela se envolveu na exploração sistemática de famílias de formas\, exibindo suas mutações enquanto geralmente priorizava a iteração e a serialidade. \n\n\n\nA exposição começa com os primeiros desenhos\, “Arbres et collines géométriques” (Árvores e colinas geométricas\, 1946)\, de Vera Molnár\, que\, mesmo antes de se mudar para Paris em 1947\, apresentava uma visão essencializada de paisagens familiares. A década de 1950 é evocada em composições que situam firmemente a artista no movimento de abstração geométrica pós-guerra (Cercles et demi-cercles\, Círculos e semicírculos\, 1953\, Museu de Grenoble; Quatre éléments distribués au hasard\, Quatro elementos distribuídos ao acaso\, 1959). Apresentando pinturas altamente radicalizadas (Icône\, Ícone\, 1964; Neuf carrés rouges\, Nove quadrados vermelhos\, 1966)\, Molnár iniciou sua série de desenhos algorítmicos intitulada À la recherche de Paul Klee (Em busca de Paul Klee)\, antecipando seu uso do computador. \n\n\n\nPara os anos 1970\, várias séries de desenhos feitos desta vez em uma mesa de traçado ilustram seu gosto pela introdução de um certo percentual de desordem em composições geométricas simples (Déambulation entre ordre et chaos\, Passeio entre ordem e caos\, 1975; 160 carrés poussés à bout\, 160 quadrados levados ao limite\, 1976; Des lignes\, pas des carrés\, Linhas\, não quadrados\, 1976; Molnaroglyphes\, Molnaroglyphs\, 1977-1978). \n\n\n\nOs anos 1980 são caracterizados principalmente pelo aparecimento nas obras de Vera Molnár de seus primeiros polípticos (Transformation\, Transformação\, 1983)\, dos quais o Centro Pompidou preserva vários exemplos marcantes (Identiques mais différents\, Iguais mas diferentes\, 2010). Testemunhando a longa associação de Vera Molnár com a obra de Albrecht Dürer\, Les Métamorphoses d’Albrecht\, As Metamorfoses de Albrecht (1994-2017) organiza em quatro imagens a transição progressiva do monograma deste para o seu próprio. \n\n\n\nNão muito longe de seu Carré dévoyé (Quadrado distorcido\, 1999\, Museu de Belas Artes de Rennes) na exposição\, os visitantes também podem descobrir pela primeira vez a Perspectiva d’un trait (Perspectiva em uma linha\, 2014-2019)\, uma escultura original de aço inoxidável e alumínio anodizado cuja percepção é transformada conforme o espectador se move ao redor. \n\n\n\nO trabalho fotográfico de Vera Molnár é evocado por meio de várias séries (Etudes sur sable\, Estudos sobre areia\, 2009; Ombres sur carrelage\, Sombras em azulejos\, 2012; Par temps couvert\, Em tempo nublado\, 2012)\, enquanto os vinte e dois volumes de seu “Diário” são apresentados na íntegra. Repletos de diagramas\, fotografias e diversos documentos colados entre suas páginas\, esses cadernos comuns constituem documentos únicos sobre o desenvolvimento da artista e a origem de muitas de suas obras. \n\n\n\nPor último\, várias instalações in situ (OTTWW\, 1981-2010\, baseado em um poema de Shelley; Trapèzes penchés à droite (180%)\, Trapézio inclinado para a direita (180%) 2009)\, incluindo uma muito recente (La Vie en M\, Vida em M 2023)\, criadas por Vera Molnár especialmente para a ocasião\, manifestam seu desejo de imergir os visitantes em seu universo.
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