Exposição de longa duração no MAC USP
2024-03-09 10:00 - 2026-01-25 21:00 (America/Sao_Paulo) | MAC USP, Av. Pedro Álvares Cabral, 1301 - Vila Mariana, São Paulo, SP, Brasil
Walter Ufer, Construtores do Deserto, 1923 (detalhe)

O Museu de Arte Contemporânea da USP apresenta a exposição Galeria de Pesquisa – Aspectos da coleção da Terra Foundation for American Art através do programa Terra Collection-in-Residence, com 36 obras selecionadas em diálogo com a pesquisa e as disciplinas de graduação e pós-graduação do MAC USP e sua atuação no Programa Interunidades em Estética e História da Arte (PGEHA USP). A parceria entre a Terra Foundation for American Art e o MAC USP envolve também a linha de pesquisa em História da Arte e da Cultura do Instituto de Filosofia e Ciências Humanas da Unicamp e o Departamento de História da Arte da Unifesp. Nos próximos dois anos as obras em exposição permitirão criar pontes de interpretação com obras do acervo do MAC USP e apoiar atividades didáticas e de pesquisa.

A Terra Collection for American Art é uma associação sem fins lucrativos, com sede em Chicago (EUA), que desde os anos 1980 coleciona obras de arte do país e fomenta a pesquisa sobre sua arte. Algumas das obras já integraram outras parcerias com o Brasil, presentes em exposições de pesquisa realizadas no MAC USP – Atelier 17 e a gravura moderna nas Américas (2019), e na Pinacoteca de São Paulo – Paisagem nas Américas (2016) e Pelas ruas: vida moderna e experiências urbanas na arte dos Estados Unidos, 1893-1976 (2022). A exposição traz obras de Thomas Hart Benton, Eugene Benson, James McNeill Whistler, Louis Lozowick, James Edward Allen, Ralston Crawford, George Bellows, Bolton Brown, Winslow Homer, C. Klackner. Clare Leighton, Arnold Ronnebeck, William Zorach, Emil Bisttram, Menton Murdoch Spruance, John Ferren, Mary Nimmo Moran, Eanger Irving Couse, George Josimovich, George de Forest Brush, Walter Ufer, Edward Hooper, John Marin, Stanley Willian Hayter, Stuart Davis, Arshile Gorky, Lyonel Feininger, Armin Landeck e Thomas Moran.

Por fim, as obras se articulam na parceria da disciplina de pós-graduação Arte dos Estados Unidos e suas conexões, com o apoio da fundação e ofertada conjuntamente com a Unicamp e a Unifesp, que vem abordando estudos comparativos entre a arte produzida nos Estados Unidos e no Brasil, trazendo temáticas como arte indígena, diáspora africana nas Américas, e imigrações italianas nas Américas. Através do Programa Collection- in-Residence, o MAC USP se insere em uma rede de doze museus universitários internacionais de arte em um olhar crítico sobre a história da arte dos Estados Unidos e suas possíveis articulações com outros países.

"Popular, Populares" no Museu Afro Brasil
2024-10-23 10:00 - 2025-12-31 17:00 | Museu Afro Brasil, Av. Pedro Álvares Cabral, s/n, Portão 10 - Parque Ibirapuera, São Paulo, SP, Brasil
Exposição “Popular, populares” 2025. Divulgação.
A exposição Popular, Populares desafia definições convencionais de arte popular, explorando a riqueza e a pluralidade das expressões de artistas negros e indígenas. Com obras que vão do antropo-zoomorfismo vibrante ao minimalismo, a mostra convida o público a repensar fronteiras históricas e culturais que moldam a noção de “popular”. Exibida no subsolo do Museu até maio de 2025, a exposição busca ampliar o entendimento dessas manifestações artísticas e sua relevância no cenário contemporâneo.

"Abstracionismos" no MAC USP
2025-03-22 10:00 - 2026-03-22 21:00 | MAC USP, Av. Pedro Álvares Cabral, 1301 - Vila Mariana, São Paulo, SP, Brasil
Antonio Bandeira, “Flora Noturna”, 1959 – Divulgação

O MAC USP inaugura no sábado, 22 de março, a partir das 11 horas, a exposição O que temos em comum? Abstracionismos no MAC USP, 1940-1960, reunindo cerca de 80 obras nacionais e internacionais do acervo do Museu. O MAC USP possui um dos mais importantes acervos de arte abstrata nacional e internacional do Brasil. Quando da sua criação, em 1963, a partir da doação do acervo do antigo Museu de Arte Moderna de São Paulo, o MAC USP recebeu um importante conjunto de obras adquirido no contexto da Bienal de São Paulo, especialmente representativo da produção artística do segundo pós-guerra, marcada pela expansão do abstracionismo em vários países. Nos anos seguintes, o MAC USP continuou a incorporar trabalhos abstratos à sua coleção, que viriam a ampliar ainda mais os conceitos e classificações anteriores.
“A variedade de obras e teorias que se alojam sob o guarda-chuva do abstracionismo sugere que o termo reúne experiências que nada têm em comum a não ser a recusa em figurar o mundo”, observa Heloisa Espada, docente do Museu e curadora da mostra, e completa: “Por outro lado, a ideia de que formas e cores são capazes de exprimir realidades invisíveis – sejam elas, especulações filosóficas, saberes espirituais, estruturas microscópicas, conceitos matemáticos ou emoções – constituiu uma das crenças mais poderosas da arte moderna”.
Desde o início, por volta de 1910, diferentes vertentes da arte abstrata se apoiaram na ideia de que sem o compromisso de representar personagens, paisagens, mitos ou cenas, os artistas estariam livres para se concentrar em desafios próprios do trabalho artístico. Uma arte não figurativa seria equivalente a uma linguagem universal, capaz de transpor contingências naturais, culturais e históricas. Essas convicções se tornaram dogmas que vem sendo desmantelados por artistas e pensadores há cerca de 60 anos.
Muitos trabalhos possuem títulos que fazem referência à natureza ou a eventos históricos, deixando claro que nem todo abstracionismo esteve pautado na dicotomia entre abstração e figuração. Outros mostram que a oposição entre geometria e gesto não foi um consenso, pois havia os interessados em criar diálogos entre esses dois polos. Em sua diversidade, as obras reunidas continuam a despertar interesse e a impactar os sentidos, e também enfatizam a necessidade de continuar questionando os processos que levam à arte abstrata a discutir os princípios de universalidade a que foram vinculadas.

"Marga Ledora: A linha da casa" na Pinacoteca Estação
2025-04-05 10:00 - 2026-03-15 18:00 | Estação Pinacoteca, 66 Largo Galeria Osório Santa Ifigênia, São Paulo, São Paulo, Brasil
Marga Lenora, da série Quadrud Negrus. Foto: Isabella Matheus

A exposição será a primeira panorâmica institucional da artista e apresenta uma reunião significativa das séries Quadrus Negrus e Casa Preta, até hoje raramente vistas em seu conjunto, além de um expressivo grupo de obras pouco conhecidas.
Nascida em 1959 em São Paulo, a artista Marga Ledora estudou Linguística na Universidade Estadual de Campinas (Unicamp), onde se formou em 1983. Uma amante de tudo o que diz respeito à arte do papel, faz do desenho seu meio expressivo e experimental. Seus trabalhos se constroem a partir das modulações e da energia linear do desenho da casa.
A exposição acontecerá no 2º andar da Pina Estação. Com curadoria de Ana Paula Lopes.

"Flávio Império: tens a vontade e ela é livre" na Pinacoteca Estação
2025-06-28 10:00 - 2026-02-01 18:00 | Estação Pinacoteca, 66 Largo Galeria Osório Santa Ifigênia, São Paulo, São Paulo, Brasil
Figurino do show “Pássaro da manhã”, 1977 – Foto: Divulgação

A Pinacoteca de São Paulo, museu da Secretaria da Cultura, Economia e Indústria Criativas do Estado de São Paulo, inaugura a exposição individual Flávio Império: tens a vontade e ela é livre, no 4º andar do edifício Pina Estação. A panorâmica – que reúne quase 300 obras – abrange a produção do artista entre os anos 1960 e 1985, e tem curadoria assinada por Yuri Quevedo, curador do museu e pesquisador da obra de Flávio Império (1935–1985) há 16 anos.
Flávio Império foi um artista brasileiro em que a atuação transdisciplinar marcou profundamente a cena cultural do Brasil nas décadas de 1960 e 1970. Sua importância se dá não apenas pela multiplicidade de linguagens que dominava (como pintura, arquitetura, cenografia, teatro, design gráfico e do ativismo político), mas também pela maneira como ele as articulava em uma prática artística crítica, engajada e transformadora. Império trabalhou com uma diversidade de materiais, produzindo serigrafias, pinturas, colagens, fotografia e documentários em super8.
“Flávio Império olha para cultura popular de um jeito extremamente original no meio artístico da época. Homem de teatro, buscava mais que estereótipos das personagens, mas como elas viviam, as soluções que davam para produzir a vida no cotidiano subdesenvolvido no país. Como pintor, filho de imigrantes do Bexiga, muitas vezes se entendeu mais como artesão do que como artista” diz Yuri Quevedo, curador da mostra.
Destaques
A exposição propõe ao público uma imersão em diferentes momentos e manifestações da produção do artista, ressaltando a coerência e a liberdade que orientam sua prática tão diversa. Entre os destaques estão o projeto de figurino “fogo”, desenvolvido especialmente para a cantora Maria Bethânia para a peçaRosa do Ventos (1971), além dos estudos para capa do disco Doces Bárbaros (1976), que poderão ser vistos na segunda sala da mostra. Uma maquete descreve o projeto que o artista fez para o show Pássaro da Manhã(1977) de Maria Bethânia. Em um momento em que a ditadura militar começa a enfraquecer e surgem os movimentos de abertura, Império concebe um cenário em que a cantora surge de uma noite escura no fundo e vai gradualmente se aproximando da plateia ladeada por tecidos que representam a alvorada. No show Bethânia canta lembrando os amigos que foram exilados.
Além disso, pela primeira vez em 60 anos as obras UDN… Respeitosamente o extinto era muito distinto, Generals in General e Marchadeira das famílias bem pensantes, que integraram a antológica exposição Opinião65, no MAM-RJ, poderão ser vistas juntas. O público poderá ver ainda a maquete da peça A falecida (1983), desafio enfrentado por Flávio Império de conceber um cenário para a peça de Nelson Rodrigues que não queria nada sobre o palco.
A mostra tem apoio Instituto de Estudos Brasileiros da Universidade de São Paulo (IEB-USP), que emprestou 38 desenhos originais do artista, parte da coleção de mais de 10 mil itens que conserva.
Sobre a exposição
Dividida em três núcleos, a exposição mostra a trajetória do artista que tem produção concentrada no período da ditadura militar. No percurso, o público pode notar como seu pensamento e a ideia de engajamento social e político se transforma nas diversas fases de sua trajetória. A primeira sala, A pintura nova é a cara do cotidiano, mostra um artista que busca nos tipos sociais e na cultura de massas uma tradução satírica para a ditadura militar e o imperialismo estadunidense. Aqui estão reunidos os trabalhos da década de 1960, como aqueles que foram para as exposições Opinião65 e Porpostas65.
Aparecem também obras de seus companheiros de trabalho Sérgio Ferro e Rodrigo Lefévre, assim como de alunos, entre eles Marcello Nitsche e Claudio Tozzi. Também é possível ver alguns dos trabalhos premiados no teatro, Andorra – que tinha no elenco Beatriz Segall e Renato Borghi – e Ópera dos Três Vinténs. Nessa época, o artista adaptou e dirigiu outro clássico de Brecht, “Os fuzis da mãe Carrar” se tornou “Os fuzis de dona Tereza”. Nessa montagem, Império inovou ao transferir o choro individual da mãe que perde seu filho para guerra, para um choro coletivo, entoado pelo coro da peça enquanto se exibia imagens sobre a morte do estudante Edson Luiz.
A segunda sala – Aspectos do Inconsciente Coletivo na Comunicação de Massas – estão reunidos os trabalhos mais introspectivos do artista, nos quais ele procura na subjetividade popular uma nova coletividade. São bandeiras de São João, Oguns, máscaras e outros símbolos que se fundem com a comunicação pop. É aqui que começa sua parceria com Fauzi Arap e Maria Bethânia. Nessa sala, há também o curioso cenário pensado para Pano de Boca (1976) momento em que o artista ocupa um teatro em ruínas e cria ali a representação para o inconsciente de um ator.
Por fim, a terceira sala – Mãos e mangarás – mostra suas viagens de ônibus pelo interior do Brasil e o interesse por modos de fazer diversos. Aqui vemos o artista se interessar mais intensamente pela serigrafia e a repetição de motivos que lhe são caros: as mãos e a flor de bananeira – chamada de Mangará. É possível observar Império interpretar em imagens da natureza os rendimentos da revolução sexual e de costumes levada a cabo nos anos 1970. O arco-íris aparece como uma marca de uma sociedade mais diversa, com novos atores políticos que começam a surgir na década de 1980.
O artista morre em 1985, adoecido pelo HIV. É um dos primeiros casos notórios do Brasil, tratado pela imprensa com preconceito e desconhecimento. Ano passado, durante o show de Madonna, seu retrato apareceu entre os homenageados durante a canção Live to tell.
Bethânia, amiga e musa
A tríade constituída pela cantora Maria Bethânia, o diretor de arte e figurinista Flávio Império (1935–1985) e diretor Fauzi Arap (1938-2013) começou com o espetáculo Rosa do Ventos (1971), que marcou época pela maneira original que combinava o espetáculo teatral e o show de música popular. A cenografia e os figurinos de Flávio Império envolvem a cantora, e constituem parte do significado do show. No espetáculo, havia trechos de textos de Clarice Lispector (1920-1970) e Fernando Pessoa (1888-1935), a construção do cenário foi desenvolvida em parceria com a Casa das Palmeiras, da médica e psiquiatra Nise da Silveira (1905-1999).
O artista ainda elaborou plasticamente outras seis montagens da intérprete: A Cena Muda (1974); Os Doces Bárbaros (1976), este com Gil, Caetano e Gal; Pássaro da Manhã (1977); Maria Bethânia (1979); Estranha Forma de Vida (1981) e 20 Anos de Paixão (1985). No programa do último trabalho, dirigido por Bibi Ferreira, Bethânia homenageou o amigo recém-falecido.
A exposição Flávio Império: tens a vontade e ela é livre é apresentada por Bradesco e patrocinada por Livelo, na categoria Platinum, Mattos Filho, na categoria Ouro e Nescafé Dolce Gusto, na categoria Prata.

"Eu sou o Brasil: artistas populares" no Sesc Santo Amaro
2025-08-09 08:00 - 2025-12-28 17:00 | Sesc Santo Amaro, Rua Amador Bueno, 505 – Santo Amaro, São Paulo, SP, Brazil
Obra de Suene Oliveira Santos. Foto: Everton Ballardin
Com abertura em 9 de agosto e visitação até 28 de dezembro, a exposição Eu sou o Brasil: artistas populares ocupará o Sesc Santo Amaro com um conjunto de 57 obras pertencentes ao Acervo Sesc de Arte, reunindo produções de artistas autodidatas de diferentes regiões do Brasil. Produzida a partir de uma seleção criteriosa do curador Renan Quevedo, a mostra, que evidencia a relevância da coleção de artes visuais do Sesc São Paulo, inclui pinturas, esculturas, xilogravuras e objetos que revelam a pluralidade e a potência simbólica da chamada arte popular, força criativa marcada pela ancestralidade, pela memória coletiva e pela resistência.
Organizada em quatro núcleos temáticos – Fauna e Flora, Cotidiano, Ofícios e Festas –, a exposição reúne obras de 30 artistas do Norte ao Sul do Brasil. São eles: Maria Lira Marques, J. Borges, J. Miguel, Manoel Graciano, Francisco Graciano, Carmézia Emiliano, Mirian, Berbela, Jasson Gonçalves, Cornélio, Louco Filho, Agostinho Batista de Freitas, Waldomiro de Deus, Zica Bergami, Mestre Saúba, Mestre Molina, José Bezerra, Aberaldo Santos, José Antônio da Silva, Ranchinho, Juracy Mello, Nilson Pimenta da Costa, Neves Torres, Neri Agenor de Andrade, Paulo Orlando da Silva, Suene Oliveira Santos, Véio, Gersion de Castro Silva, Maria de Lourdes, Nilo e Cornélio.
Marcadas pela experimentação, pela oralidade e por saberes transmitidos de geração em geração, as obras de cada um desses artistas têm em comum a produção à margem do chamado circuito de arte e refletem a dinâmica de trabalhos que simbolizam vivências e territórios diversos, suscitando críticas sociais, retratando experiências cotidianas ou celebrando festas e rituais.
“Agentes-chave de definição da identidade brasileira, os artistas da mostra começam a esculpir, pintar, entalhar, modelar, imprimir, polir e encerar, entre tantos outros verbos obstinados, movidos pela vontade de externalizar poeticamente os impulsos criativos”, defende Quevedo no texto curatorial da exposição. “Aqui, nos distanciamos do caráter ingênuo ao qual a arte popular foi associada – e ainda é – para orgulhosamente descortinarmos seus aspectos e contornos densos, ambivalentes, extraordinários e profundos. Com a transmissão de saberes entre sucessores, de geração em geração, são consolidados pilares culturais e pertencimentos sociais, contribuindo para a formação de comunidades atentas ao imaterial, à ancestralidade e às permanências”, complementa.

Quatro núcleos em detalhes
No núcleo Fauna e Flora, elementos da natureza reproduzidos em diversos suportes revelam diferentes nuances de Norte a Sul do país. Papel, madeira, metal, tintas industriais e pigmentos naturais são utilizados para tecer narrativas que retratam bichos ora reais, ora imaginários, atravessando visões, cotidiano, crenças, lendas e salvaguardas. Entre outros destaques do núcleo, como as xilogravuras do mestre J.Borges, os tons do Vale do Jequitinhonha inspiram a mineira Maria Lira Marques nas pinturas da série Meus Bichos do Sertão. Já o baiano Berbela tem a soldagem e a reciclagem de descartes plásticos e metálicos da comunidade de Paraisópolis como ponto de partida para a criação de inventivos simulacros de insetos
Nas proposições do núcleo Cotidiano, Quevedo explora dinâmicas do dia a dia, em contextos urbanos e rurais, com obras que abordam relações de trabalho, crítica social, sonhos, insatisfações e manifestações de fé. Um painel imponente com mais de uma centena de Ex-votos abre caminho para as carrancas do alagoano Jasson, um anjo esculpido pelo piauiense Cornélio e os orixás do baiano Louco Filho. O lazer é visto nas pinturas de Waldomiro de Deus, nos desenhos de Zica Bérgami e na torre com brincadeiras de criança de Mestre Saúba. Zé Bezerra e Aberaldo criam a partir do movimento da madeira e ali observam seres que se insinuam nas curvas do material, trabalhando consistentemente a relação entre olhos e mãos.
Já em Ofícios são retratadas atividades ligadas ao fazer manual e aos trabalhos do campo, como na inventiva geringonça de Mestre Molina intitulada Vida na Roça, e às práticas comunitárias, destacando a diversidade das técnicas artesanais no Brasil e suas origens em processos de mistura entre culturas indígenas, africanas e europeias. O núcleo também evoca o fluxo de migrantes que contribuíram para a consolidação da economia paulistana e influenciaram fortemente a constituição de comunidades urbanas, como a do entorno do Sesc Santo Amaro, cujas memórias ecoam nas obras de artistas como José Antônio da Silva, Neves Torres, Ranchinho, Neri Agenor de Andrade, Waldomiro de Deus, Juracy Melo e Nilson Pimenta.
Por fim, o núcleo Festas destaca as manifestações culturais coletivas. Reunindo pinturas, esculturas e xilogravuras, o conjunto de obras revela olhares sobre folias, folguedos, danças, ritos e reuniões permeadas por humor, fé, críticas sociais, desejos, formas e cores. Articuladoras de símbolos, comunidades e territórios, as festas atravessam a rotina e possibilitam a atualização de significados para os grupos. Rituais de oferta e agradecimento de alimentos são vistos na produção do pernambucano Paulo Orlando da Silva, da paranaense Suene Oliveira Santos e de Carmézia Emiliano. A última, roraimense da etnia Macuxi, cria uma representação da Parixara, tradicional celebração em agradecimento à comida, culto à caça e à colheita e fortalecimento de laços comunitários. A alegria do frevo, do circo e dos parques de diversões é, respectivamente, registrada na obra de J. Borges, Véio e Mestre Molina. Já as reuniões de caráter religioso, como a Folia de Reis, celebram o nascimento de Jesus em desfiles processionais musicalizados, sendo representadas na obra de Manoel Graciano, nascido no Cariri cearense.
Ao reverenciar o trabalho dos 32 artistas presentes nesta mostra, expoentes de práticas muitas vezes marginalizadas e subdimensionadas, a exposição Eu sou o Brasil: artistas populares contribui para uma revisão do lugar da arte popular no imaginário nacional, convidando o público a ampliar os horizontes do que se entende por arte no Brasil contemporâneo.

"Tempurã" de Juliana dos Santos na Pinacoteca Contemporânea
2025-08-23 10:00 - 2026-02-08 18:00 | Pinacoteca Luz, Av. Tiradentes, 273 – Luz, São Paulo, SP
Fotos no Atelie de Juliana so Santos no dia 05/08/2025 para Pinacoteca de São Paulo. Créditos: Levi Fanan

São Paulo, 19 de agosto – Pinacoteca de São Paulo, museu da Secretaria da Cultura, Economia e Indústria Criativas do Estado de São Paulo, tem o prazer de anunciar o lançamento de um programa anual de residência artística em parceria com a CHANEL, dedicado a fortalecer e impulsionar as trajetórias criativas de mulheres artistas.
Essa nova iniciativa estreia com a aclamada artista visual Juliana dos Santos (1987, São Paulo, Brasil), cujo trabalho inovador estabelece pontes entre arte e educação. Sua primeira exposição individual em uma instituição, intitulada Temporã, será inaugurada em 23 de agosto na Galeria Praça, localizada no edifício da Pina Contemporânea.
Anualmente, a residência selecionará uma artista mulher de destaque — atuando em qualquer disciplina ou linguagem —, oferecendo mentoria especializada por meio da rede CHANEL Art Partners e uma plataforma para o desenvolvimento de sua prática artística. O programa inclui também uma exposição individual na Pinacoteca, promovendo visibilidade e apoio fundamentais às vozes criativas femininas.
A prática artística de Juliana dos Santos é marcada pela pesquisa do pigmento azul extraído da flor Clitoria ternatea, que a artista utiliza como lente poética para explorar a cor como experiência sensorial. Sua pesquisa transita entre arte, história e educação, com foco especial nas estratégias desenvolvidas por artistas negras para transpor os limites tradicionais da representação.
Para sua exposição na Pinacoteca, dos Santos amplia sua investigação a outros pigmentos naturais, como a catuaba, a erva-mate e o pau-brasil, criando pinturas vibrantes e fluidas que convidam o público a experimentar a cor de maneira renovada.
“Juliana dos Santos explora os limites da abstração e do tempo. A partir do azul da flor, a artista ancora sua obra na impermanência: o pigmento natural oxida com o tempo, transformando-se diante dos olhos do público. Sua obra é, assim, dinâmica e performativa: ela semeia a cor sobre a superfície pictórica, que então segue seu próprio caminho imprevisível, como um rio que corre e deságua em um oceano de possibilidades”, explica a curadora Lorraine Mendes.
Este programa de residência reflete o compromisso compartilhado entre a Pinacoteca e a CHANEL em fomentar a expressão criativa e amplificar as vozes de mulheres artistas, no Brasil e além.

"O Poder de Minhas Mãos" no Sesc Pompeia
2025-08-23 10:00 - 2026-01-18 21:00 | Sesc Pompeia, R. Clélia, 93 - Água Branca, São Paulo, SP, Brasil
Alexia Ferreira, “Anas, Simoas e Dragões”, 2025. Cortesia da artista

A partir de 23 de agosto o Sesc Pompeia abre ao público a exposição O Poder de Minhas Mãos, uma coletiva que reúne obras de 25 mulheres artistas do Brasil, da França, de países do continente africano e da diáspora africana. A exposição, que ficará aberta para visitação até 18 de janeiro de 2026, integra a programação da Temporada França-Brasil 2025, iniciativa bilateral que celebra o intercâmbio cultural, o diálogo social e a cooperação entre os dois países.
Com curadoria de Odile Burluraux, do Museu de Arte Moderna de Paris, Suzana Sousa, curadora independente angolana, e de Aline Albuquerque, artista visual e curadora com atuação em Fortaleza (CE), a exposição propõe um mergulho sensível em obras que se debruçam sobre os percursos singulares de mulheres artistas e suas práticas de autorrepresentação, resistência, memória e invenção de mundos.
A exposição foi originalmente concebida e apresentada no Musée d’Art Moderne de Paris, dentro da Temporada África 2020. Para a versão brasileira, o Sesc convidou a curadora Aline Albuquerque, que integrou artistas residentes no Brasil, na Europa e no continente africano.
“No Sesc, a exposição é atualizada com a presença de Aline Albuquerque, reforçando a curadoria e a participação de artistas brasileiras cujos trabalhos dialogam com o continente africano e sua diáspora. Assim, por meio de percursos singulares, intenta-se demonstrar proposições e experiências em comum. A exibição compreende um panorama de produções que se utilizam das visualidades para evidenciar, desde o cotidiano, narrativas sobre ser mulher na atualidade, afirmando, dessa maneira, o valor histórico e político de suas vivências, por vezes, invisibilizadas”, defende Luiz Galina, diretor do Sesc São Paulo.
Dividida em quatro eixos curatoriais – Estórias Pessoais, Histórias e Ficções, O Pessoal é Político e Performances –, a mostra apresenta ao público um panorama potente da arte contemporânea produzida por mulheres racializadas que vivem e criam a partir de diferentes territórios e contextos socioculturais, reunindo obras que abordam temas como ancestralidade, identidade, espiritualidade, corpo, afeto, relações de poder, trabalho e dinâmicas de exclusão e pertencimento.
Em meio a disputas simbólicas e à urgência de novos olhares sobre o mundo, ao apresentar práticas artísticas de mulheres do Sul global, a exposição O Poder de Minhas Mãos convida o público a imaginar futuros possíveis vivenciando o papel da arte como território de escuta e transformação.
“Ao conjugar beleza e denúncia, ancestralidade e invenção, a produção artística negra tensiona as fronteiras entre arte e vida, política e poética. É nesse gesto de ruptura – e de criação constante – que ela contribui efetivamente para a luta antirracista: abrindo espaços de reconhecimento, pertencimento e possibilidade onde antes havia apenas apagamento. Ela não ilustra a resistência – ela é, por si, resistência em forma sensível”, defende a escritora e filósofa Djamila Ribeiro, que assina um dos textos de apresentação da mostra.
O Poder de Minhas Mãos reúne trabalhos de Aléxia Ferreira, Aline Motta, Ana Pi, Ana Silva, Buhlebezwe Siwani, Castiel Vitorino Brasileiro, Dhiovana Barroso, Eliana Amorim, Fabiana Ex-Souza, Gabrielle Goliath, Gê Viana, Grace Ndiritu, Kapwani Kiwanga, Jasi Pereira, Lebohang Kganye, Lerato Shadi, Lidia Lisbôa, Lucimélia Romão, Pedra Silva, Reinata Sadimba, Senzeni Marasela, soupixo, Stacey Gillian Abe, Terroristas del Amor e Wura-Natasha Ogunji.

"Deslocamentos da Memória" no Museu do Ipiranga
2025-08-23 11:00 - 2025-12-14 17:00 | Museu do Ipiranga, 20 R. dos Patriotas Vila Monumento, São Paulo, São Paulo, Brasil
Imagem: Divulgação

A exposição “Deslocamentos da Memória” segue até o dia 14 de dezembro de 2025 no Museu da Imigracao do Estado de São Paulo, no bairro da Mooca, em São Paulo. Curada por Rejane Cintrão, a mostra reúne obras das artistas visuais Alexandra Ungern e Heloisa Lodder, que exploram a riqueza das memórias individuais e coletivas através de diversos meios artísticos. O evento – que é gratuito, tem visitação e abriu em agosto passado.Ambas as artistas utilizam métodos distintos de lembrar e desconstroem aspectos de destruição e deslocamento, especialmente na cidade de São Paulo e em experiências de imigração, sendo as duas filhas de imigrantes (alemão – Lodder, e húngaro – Ungern, respectivamente).Heloisa Lodder foca na fragmentação e degradação urbana, utilizando fotografia, vídeo arte, performance, e objetos para documentar o impacto da especulação imobiliária e o apagamento da herança arquitetônica de São Paulo. Seus trabalhos, como a série “Tridimensionalidade da Memória”, exploram o descaso com o passado arquitetônico e cultural, preservando pedaços de demolições como memória das histórias esquecidas.Alexandra Ungern, artista multimídia, explora a história de sua família e as experiências de imigração, especialmente da Hungria para o Brasil no pós-Segunda Guerra Mundial. Em alguns trabalhos, utiliza a cianotipia — técnica fotográfica de 1842 que emprega a luz para registrar imagens — imprimindo fotografias antigas em tecidos, evocando nostálgicos tempos passados. Obras como “Eu Adorava Esse Tempo” e “Carregando Memórias” lidam com a herança familiar e as histórias ancoradas em objetos cotidianos.“A exposição destaca a forma como a memória é mantida viva através da arte, documentando não apenas o que se foi, mas também dando novas narrativas aos espaços e objetos. Com um olhar crítico sobre mudanças na paisagem urbana e de recuperação de identidades e histórias, Alexandra e Heloisa incentivam uma reflexão profunda sobre preservação e apagamento das memórias urbanas e pessoais”, destaca a curadora Rejane Cintrão em seu texto crítico.

"PLAY – FITE - Bienal Têxtil de Clermont-Ferrand edição 2024-2025" no Sesc Pinheiros
2025-08-24 10:30 - 2026-01-25 21:00 | Sesc Pinheiros, R. Pais Leme, 195 - Pinheiros, São Paulo, SP, Brasil
Mestre Nato, “Cobra Notaro” © Thiago Batista

Com abertura no Sesc Pinheiros em 24 de agosto de 2025 e visitação até 25 de janeiro de 2026, a exposição PLAY – FITE – Bienal Têxtil de Clermont-Ferrand edição 2024-2025 convida o público para desvendar as tramas de um instigante conjunto de obras e criações que propõe um diálogo entre as técnicas da produção têxtil e o universo lúdico dos jogos e das brincadeiras. A exposição chega ao Brasil após estreia, em 2024, no Museu Bargoin, em Clermont-Ferrand, na França, integrando a mais recente edição da FITE – Bienal Têxtil de Clermont-Ferrand, evento realizado desde 2012 com o objetivo de celebrar o inesperado e o extraordinário na criação têxtil e sua cadeia produtiva, promovendo encontros entre tradições, saberes e inovações.
A realização da mostra no Brasil é resultado de uma parceria entre o Sesc São Paulo, a cidade de Clermont-Ferrand, na França, e a produtora HS_Projects, e integra a programação da Temporada França-Brasil 2025, iniciativa bilateral que celebra o intercâmbio cultural, o diálogo social e a cooperação entre os dois países. No estado de São Paulo, o Sesc é um dos principais parceiros locais da Embaixada da França no Brasil, do Consulado-Geral da França em São Paulo e do Institut Français, promovendo dezenas de atividades em diversas unidades.
Com ênfase no uso de elementos têxteis como suporte para a pluralidade criativa, a exposição PLAY reúne trabalhos de artistas brasileiros e estrangeiros, selecionados a partir de uma curadoria coletiva que reúne dez profissionais: Christine Athenor, Simon Njami, Thomas Leveugle e Nolwenn Pichodo, da HS_Projects; Christine Bouilloc, do Musée D’Art Roger-Quilliot; Charlotte Croissant, do Musée Bargoin; e Juliana Braga de Mattos, Carolina Barmell e Fabiana Delboni, do Sesc São Paulo.
“Tendo como mote inspirador os jogos, que permitem tempos em suspensão para o exercício da imaginação e da brincadeira, as obras se apresentam como fios entrelaçados, delineando condições para o desenvolvimento da criatividade e de novas ideias no tecido social. Orientado por sua atuação socioeducativa, o Sesc celebra o fortalecimento das parcerias institucionais, e recebe a mostra em sua ludicidade, na expectativa de possibilitar momentos de descontração e também de reflexão”, afirma Luiz Deoclecio Massaro Galina, Diretor do Sesc São Paulo.
Vindos de países como Austrália, Canadá, Estados Unidos, França, Marrocos, Holanda e Uzbequistão, o grupo internacional de artistas que integram a exposição é composto por: Awena Cozannet, Bas Kosters, Hannah Epstein, Mark Newport, Saïd Atabekov e Dilyara Kaipova. A seleção inclui, ainda, obras de Sheryth Bronson, Donna Ferguson e Beryl Bell, que compõem o coletivo Tjanpi, e entre quimonos e leques japoneses, móbiles beduínos, fantasias de mascarados nigerianos e bolas de seda chinesas, um significativo conjunto de peças e objetos da coleção do Museu Bargoin. Seis artistas internacionais também compõem o programa de residência da mostra. São eles: Arnaud Cohen, Delphine Ciavaldini, Nikita Kravstov, Roméo Mivekannin e Sabrina Calvo.
Representando o Brasil, participam: Alexandre Heberte, Alex Flemming, Anna Mariah Comodos, Elen Braga, Felipe Barbosa, Gina Dinucci, Leda Catunda, Mestre Nato, Tales Frey e Ivan Cardoso, que apresenta seu curta metragem HO (1979), um documentário experimental com e sobre Hélio Oiticica. Parte destes artistas estarão representados por obras pertencentes ao Acervo Sesc de Arte, que foram apresentadas na edição francesa da mostra, em 2024 e retornam agora a São Paulo para compor esta relação entre coleções.

"Respiração da Terra" de Denise Milan no Rosewood São Paulo
2025-08-26 08:00 - 2026-02-20 17:00 | Rosewood São Paulo, Rua Itapeva, 435 – Bela Vista, São Paulo, SP, Brazil
Denise Milan, “Caminho de Ouro Luz”. Crédito: Leonardo Finotti
Rosewood São Paulo recebe a nova exposição “Respiração da Terra”, da artista Denise Milan, honrando o conceito A Sense of Place® do Rosewood Hotels & Resorts ao valorizar talentos brasileiros. Em busca de nos reconciliar com as pulsações de uma Terra desconhecida, a artista conecta a obra de arte a culturas, crenças, sonhos e ficções, conferindo profundidade histórica e antropológica a muitas de suas reutilizações e apropriações. Com curadoria de Marc Pottier, as novas obras estarão disponíveis para visitação do público a partir de 26 de agosto.
Nessa mostra, a artista visionária e polímata — um pouco xamã, um pouco alquimista — procura mostrar como o caminho do ouro conduz ao nosso eu interior. Explorando as relações entre os infinitos pequeno e grande, Denise se inspira no invisível que nos faz viver e dirige suas criações de escrituras de bronze, pedra, fósseis e cristais para transcrevê-los em composições sem fim. “Um dos elementos escolhidos para construir essa narrativa foram os estromatólitos, os mais antigos fósseis visíveis, testemunhas dos primeiros organismos responsáveis pelo gás oxigênio que surgiu no planeta há cerca de 3,5 bilhões de anos”, explica a artista.
O percurso artístico “Respiração da Terra” é uma extensão de sua obra “Olhar Mater”, instalada no ano passado na entrada dos jardins do hotel. “Quando instalamos a escultura no ano passado, tivemos a impressão de que ela se casou perfeitamente com a energia do hotel e logo propusemos essa nova exposição”, conta Denise. “O novo trajeto propõe uma jornada existencial que enriquece a experiência do visitante no espaço através de uma evolução temática e visual, e faz um convite à reflexão sobre a eternidade, o infinito, a harmonia, a ideia de um ciclo contínuo, sem começo nem fim”, explica.
“Essa exposição da Denise Milan é uma verdadeira viagem pela história e nos leva para lugares de encontro com nós mesmos, abrindo espaço para refletirmos sobre nossa jornada rumo à origem do universo”, comenta o curador Marc Pottier. “Ano passado, instalamos o ‘Olho Mater’ na entrada dos jardins do hotel e agora receber o novo percurso artístico de Denise no Le Jardin Selva fortalece nosso compromisso de valorizar e impulsionar talentos brasileiros aqui no Rosewood”, complementa.
Os visitantes podem apreciar as novas esculturas de Denise Milan no Le Jardin Selva, galeria a céu aberto em meio a espécies nativas da Mata Atlântica, e as fotocolagens nas paredes de entrada do hotel e na Art Library, loja de artigos especiais da propriedade.

"Beatriz González: a imagem em trânsito" na Pinacoteca Luz
2025-08-30 10:00 - 2026-02-02 18:00 | Pinacoteca Luz, Av. Tiradentes, 273 – Luz, São Paulo, SP
Beatriz Gonzalez, “Decoracao de interiores”, 1981

A mostra “Beatriz González: a imagem em trânsito” revisita os mais de 60 anos de carreira de Beatriz González (1932, Bucaramanga, Colômbia), conhecida pelos trabalhos que tecem críticas à história de violência em seu país e reinterpretam obras da História da Arte ocidental. São mais de 100 trabalhos produzidos desde a década de 1960.
“A imagem em trânsito” se organiza de forma a apresentar os diferentes aspectos históricos e conceituais da “maestra” da arte colombiana, reunindo alguns de seus principais trabalhos.
Na primeira sala expositiva, dedicada as obras sobre mídia, reprodução e circulação da obra de arte, está a emblemática cortina serigrafada Decoración de interiores (1981), na qual a artista estampou a imagem do presidente à época, Julio César Turbay Ayala, cantando em uma festa.
A sala seguinte é dedicada às intervenções em mobiliários, transformados em suporte para imagens apropriadas do imaginário popular e religioso colombiano, como nas obras Naturaleza casi muerta (1970) e Saluti da San Pietro. Trisagio (1971).
A exposição também reúne obras que falam sobre seu interesse por imagens extraídas da imprensa, procedimento adotado sobretudo a partir dos anos 1970. González tematiza em suas obras as consequências do conflito armado colombiano, a violência política, a crise climática e a experiência de comunidades indígenas.
Em Los Suicidas del Sisga (1965), que teve como referência os jornais El Espectador e El Tiempo, a artista parte de uma fotografia dos jornais sobre um duplo suicídio cometido por um jovem casal, olhando para os códigos que vinculavam a imagem à crônica policial e a reprodução das imagens nos meios de comunicação de massa.
Nos anos 1980, a artista direciona seu olhar à iconografia política colombiana. Deste período, estão ali presentes obras como Señor Presidente, qué honor estar con usted en este momento histórico (1986) que comentam diretamente eventos traumáticos da história recente, como a tomada do Palácio da Justiça.
A mostra se encerra com a série Pictografias particulares (2014), na qual González utiliza placas de trânsito como símbolo coletivo para representar situações de crise social provocadas pela migração forçada devido ao deslocamento, desastres ambientais ou à violência, particularmente em territórios rurais e camponeses.

"Dominique Gonzalez-Foerster: Meteorium" no Octógono da Pinacoteca Luz
2025-08-30 10:00 - 2026-02-02 18:00 | Pinacoteca Luz, Av. Tiradentes, 273 – Luz, São Paulo, SP
Vista da exposição de Dominique Gonzalez-Foerster na Pina Luz – Divulgação / Pinacoteca de São Paulo

A Pinacoteca de São Paulo, museu da Secretaria da Cultura, Economia e Indústria Criativas do Estado de São Paulo, inaugura a instalação Dominique Gonzalez-Foerster: Meteorium, no Octógono do edifício Pina Luz. A estrutura foi concebida especialmente para o espaço central do museu, projetando um panorama tridimensional dividido em oito câmaras, com paredes e pisos pintados em referência a elementos da natureza. Com curadoria de Jochen Volz, a artista convida o público a entrar na instalação e reimaginar o entrelaçamento com o meio ambiente.
Dominique Gonzalez-Foerster dedica sua prática artística a projetos experimentais, partindo de uma investigação contínua sobre as formas como habitamos o tempo, o espaço e a memória. A artista se inspira em uma ampla gama de referências – música, literatura, cinema, arquitetura e cultura pop – criando ambientações densamente estratificadas, que transportam os espectadores para dimensões narrativas, temporais e alternativas.
“Em um momento de reflexão ecológica urgente, a pesquisa profunda de Dominique Gonzalez-Foerster em cores, meteorologia e arquitetura nos convida a reimaginar nosso entrelaçamento com o meio ambiente e a reconhecer nossa subjetividade frente a crise climática”, reflete Jochen Volz, e continua: “Desde o final dos anos 90, Dominique tem uma forte relação com o Brasil, e com Meteorium ela dialoga tanto com a longa tradição brasileira de participação ativa do público em obras de arte quanto estabelece relação sobre as discussões atuais sobre as necessidade de proteção das nossos biomas”.
Sobre a instalação
“Gonzalez-Foerster revela como os fenômenos meteorológicos e os elementos da natureza moldam não apenas nossos arredores físicos, mas também nossos universos emocionais e psicológicos – muitos deles condicionados culturalmente”, comenta o curador. O público é convidado a percorrer cada uma das oito câmaras da estrutura criada pela artista, compostas por pinturas que evocam elementos específicos da natureza: chuva, neve, lava, nuvens, lama, poeira e pétalas.
No segundo andar, Meteorium II é composto por instrumentos musicais, que incluem pau de chuva e máquina de vento, que convidam o público a emitir sons da natureza. Referências a outros campos do saber estão frequentemente presentes nas obras de Dominique Gonzalez-Foerster. No caso de Meteorium, contudo, a artista dialoga também com uma longa tradição pictórica de recriação de atmosferas e fenômenos efêmeros, que podem ser vistas no espaço expositivo.
A exposição Meteorium está inserida na Temporada França-Brasil em 2025, que tem o objetivo de dar um novo impulso à relação bilateral que celebrará, esse ano, o seu 200º aniversário. Iniciada por Emmanuel Macron e Luiz Inácio Lula da Silva, o evento busca fortalecer os laços entre os dois países, se organizando em torno de três grandes temas: Clima e transição ecológica; Diversidade das sociedades e diálogo com a África; Democracia e Estado de Direito. Além desses temas, a Temporada, que ocorrerá de abril a setembro de 2025 na França e de agosto a dezembro de 2025 no Brasil, visa dinamizar a cooperação em áreas como cultura, economia, pesquisa, educação e esporte, com atenção especial à juventude e aos intercâmbios profissionais.

"Harmony Hammond + Ivens Machado" no auroras
2025-08-31 11:00 - 2025-12-22 18:00 | Auroras, 426 Av. São Valério Morumbi, São Paulo, São Paulo, Brasil
Obra de Harmony Hammond – Divulgação

A exposição Harmony Hammond + Ivens Machado propõe um diálogo inédito entre a obra de Ivens Machado (1942–2015), figura central da arte brasileira dos anos 70, 80 e 90, e Harmony Hammond (1944), artista, escritora e curadora independente estadunidense, pioneira do movimento feminista nos Estados Unidos no início dos anos 70. A mostra articula as fronteiras entre corpo, materialidade e política.
As obras reunidas – esculturas, pinturas, relevos e fotografias produzidas entre 1973 e 2023 – desafiam categorias formais e empregam elementos como concreto, ferro, gaze, latex e cera. Essas construções evidenciam a fisicalidade da matéria por meio de procedimentos incisivos, evocando a violência como operação tanto conceitual quanto visual. Enquanto Machado explora o corpo como território de tensões biológicas e materiais, Hammond atua na fricção entre processos visuais e militância política. Ambos abordam a vulnerabilidade do corpo humano e a instabilidade material, criando obras abstratas de aspectos ambíguos, entre a ferida e o curativo, a ruína e a construção.
Ao colocar esses dois artistas em diálogo, a mostra não apenas cria pontes entre geografias distintas, mas também evidencia a arte como ferramenta de ruptura e resistência. A exposição propõe um encontro possível entre corpos que, mesmo distantes no espaço, compartilham uma sensibilidade comum frente às estruturas de opressão.
A exposição é realizada em colaboração com as galerias Fortes D’Aloia & Gabriel e Alexander Gray Associates.

"A terra, o fogo, a água e os ventos – Por um Museu da Errância com Édouard Glissant" no Instituto Tomie Ohtake
2025-09-03 11:00 - 2026-01-25 19:00 | Instituto Tomie Ohtake, Rua Coropé, 88 - Pinheiros, São Paulo, SP, Brasil
Wifredo Lam, “Arbre de plume”, do álbum Pleni Luna, 1974. Coleção Édouard Glissant

O Ministério da Cultura, por meio da Lei Federal de Incentivo à Cultura (Lei Rouanet), e o Instituto Tomie Ohtake apresentam a exposição A terra, o fogo, a água e os ventos – Por um Museu da Errância com Édouard Glissant, que conta com o patrocínio do Nubank, Mantenedor Institucional do Instituto Tomie Ohtake, da SKY, na cota Bronze, e da Fundação Norma y Leo Werthein, na cota Apoio. Concebida como um museu em movimento e dedicada à obra e ao pensamento do poeta, filósofo e ensaísta martinicano Édouard Glissant (1928–2011), a exposição integra a Temporada França-Brasil 2025 como um de seus principais destaques. A iniciativa de intercâmbio cultural é promovida pelo Instituto Francês e pelo Instituto Guimarães Rosa (Itamaraty), com o apoio de um comitê formado por 15 empresas: Engie, LVMH, ADEO, JCDecaux, Sanofi, Airbus, CMA CGM, CNP Seguradora, L’Oréal, TotalEnergies, Vinci, BNP Paribas, Carrefour, VICAT e SCOR. Com curadoria de Ana Roman e Paulo Miyada, a mostra é uma realização do Instituto Tomie Ohtake, correalização do Mémorial ACTe, do Édouard Glissant Art Fund e do Institut Tout-Monde, além de parceria com o CARA — Center for Art, Research and Alliances e apoio institucional do Institut Français.
Parte da pesquisa de longo prazo do Instituto Tomie Ohtake em torno da produção de memória, a exposição dá sequência a iniciativas recentes como a mostra Ensaios para o Museu das Origens (2023) e o seminário “Ensaios para o Museu das Origens – Políticas da memória” (2024), que reuniu representantes de museus, arquivos e comunidades em um intenso debate sobre preservação e cidadania.
Com seu título inspirado na antologia poética La Terre, le feu, l’eau et les vents (2010), organizada pelo escritor martinicano, a mostra ensaia o que seria um “Museu da Errância”. Errância é uma vivência da Relação: recusa filiações únicas e propõe o museu como arquipélago – espaço de rupturas, apagamentos e reinvenções sem síntese forçada. Contra genealogias rígidas, propõe-se uma memória em trânsito, feita de alianças provisórias, traduções e tremores – um processo institucional movido pelo encontro entre tempos, territórios e linguagens. Ainda que Glissant tenha deixado fragmentos de sua visão para um museu do século 21, não chegou a concretizá-lo. A curadoria imagina como poderia ser esse Museu da Errância em uma mostra de múltiplas camadas e conexões inesperadas entre obras, documentos e paisagens. As duas ideias-chave da organização da montagem da exposição são a palavra da paisagem e a paisagem da palavra, concebidas a partir da concepção de Glissant de “parole du paysage”. Como apontam em texto, “No primeiro caso, o território infiltra-se na fala; no segundo, a linguagem se projeta no espaço, convertendo signos, letras e códigos em relevo, clima ou correnteza”. Para o poeta, a paisagem não é apenas cenário externo, mas força ativa que molda memórias, gestos e linguagens.
Além disso, estão presentes em frases, manuscritos e entrevistas do autor outras ideias como Todo-mundo, crioulização, arquipélago, tremor, opacidade, palavra da paisagem e aqui-lá. Para a curadoria, que trabalhou em contínuo diálogo com Sylvie Séma Glissant, trata-se de um arco de assuntos interligados com profunda relevância no mundo contemporâneo, que mais uma vez se vê permeado por discursos e medidas de intolerância perante o diverso e incapaz de criar canais de escuta dos Elementos naturais e das paisagens ameaçados de destruição.
É nesse horizonte que se apresenta, pela primeira vez no Brasil, parte da coleção pessoal reunida por Glissant e atualmente preservada no Mémorial ACTe, em Guadalupe. O conjunto inclui pinturas, esculturas e gravuras de artistas com quem o pensador conviveu e sobre os quais escreveu, como Wifredo Lam, Roberto Matta, Agustín Cárdenas, Antonio Seguí, Enrique Zañartu, José Gamarra, Victor Brauner e Victor Anicet, entre outros. São artistas de crescente reconhecimento internacional, que viveram trajetórias de diáspora e imigração, e produziram em trânsito entre línguas, linguagens, paisagens e histórias múltiplas. Trata-se de um valioso recorte da produção artística da segunda metade do século 20, que lida com o imaginário, a figuração, a linguagem e as grafias como recursos carregados de traços de memória, identidade e invenção.
À coleção de obras somam-se documentos, cadernos, vídeos e fragmentos de textos e entrevistas de Glissant, igualmente inéditos. Entre eles, destaca-se o Caderno de uma viagem pelo Nilo (1988) – com notas e desenhos em fac-símile – que vai além do registro de viagem para se tornar um exercício poético-filosófico, no qual o autor questiona a ideia de uma origem única e propõe a noção de origens múltiplas. A mostra apresenta também trechos da extensa entrevista concedida em 2008 a Patrick Chamoiseau, escritor martinicano e parceiro intelectual de Glissant, da qual resultou o monumental Abécédaire. O público poderá conferir dezessete verbetes selecionados pela curadoria, exibidos em seis monitores distribuídos pela exposição. Esses materiais revelam como o poeta elaborava suas ideias no cruzamento entre escrita, oralidade e imagem.
Este extenso e rico acervo é apresentado em diálogo com trabalhos de mais de 30 artistas contemporâneos das Américas, Caribe, África, Europa e Ásia — nomes como Chico Tabibuia, Emanoel Araújo, Federica Matta, Frank Walter, Julien Creuzet, Manthia Diawara, Melvin Edwards, Sheila Hicks, Rebeca Carapiá, Pol Taburet, Tiago Sant’Ana, entre outros — que convocam o público a experimentar, de forma sensorial, o entrelaçamento entre paisagem, linguagem e memória. Nas palavras dos curadores: “Entre as peças selecionadas há partituras visuais que serpenteiam pelas paredes como cordilheiras, vídeos em que frases viram espuma marítima e instalações sonoras que transformam poemas em ar e vibração”. Parte dessa proposta inclui ainda obras especialmente comissionadas para a exposição, realizadas por Aislan Pankararu, Pedro França e Rayana Rayo, do Brasil, e por Arébénor Basséne, Hamedine Kane, Nolan Oswald Dennis, Pol Taburet, Kelly Sinnapah Mary e Tarik Kiswanson, de diferentes contextos internacionais, ampliando as vozes e perspectivas que atravessam a mostra.
Para setembro, está programado o lançamento de um catálogo, em português e em inglês – cuja edição em inglês está sendo coeditada pelo CARA – que reúne textos das instituições parceiras, ensaio curatorial de Ana Roman e Paulo Miyada, verbetes sobre os artistas participantes, além da transcrição de trechos do Abécédaire. O volume inclui também o manuscrito Caderno de uma viagem pelo Nilo, de Glissant, assim como legendas técnicas e ficha detalhada da exposição. Em novembro, no Instituto Tomie Ohtake, a programação se completa com um seminário com a participação de alguns dos artistas da exposição e com importantes intelectuais que dialogam com a obra de Glissant.
O projeto contempla, ainda, uma residência artística na Martinica, realizada em agosto de 2025, com a participação de Rayana Rayo e Zé di Cabeça (José Eduardo Ferreira Santos). Os frutos dessa vivência, que conta com o apoio da Coleção Ivani e Jorge Yunes e do Instituto Guimarães Rosa, darão origem a intervenções em diálogo com a coleção de arte africana do MON – Museu Oscar Niemeyer, em Curitiba. O evento também integra a Temporada França Brasil. No primeiro semestre de 2026, a exposição tem itinerância prevista para Nova York, no CARA — Center for Art, Research and Alliances.
Lista completa de artistas participantes:
Agustín Cárdenas, Aislan Pankararu, Amoedas Wani e Patrice Alexandre, Antonio Seguí, Arébénor Basséne, Cesare Peverelli, Chang Yuchen, Chico Tabibuia, Eduardo Zamora, Emanoel Araújo, Enrique Zañartu, Ernest Breleur, Etienne de France, Federica Matta, Flavio-Shiró, Florencia Rodriguez Giles, Frank Walter, Gabriela Morawetz, Geneviève Gallego, Gerardo Chávez, Hamedine Kane, Irving Petlin, Jean-Claude Garoute (Tiga), José Gamarra, Julien Creuzet, Kelly Sinnapah Mary, M. Emile, Manthia Diawara, Mélinda Fourn, Melvin Edwards, Minia Biabiany, Nolan Oswald Dennis, Öyvind Fahlström, Pancho Quilici, Paul Mayer, Pedro França, Pol Taburet, Raphaël Barontini, Rayana Rayo, Rebeca Carapiá, Roberto Matta, Serge Hélénon, Sheila Hicks, Sylvie Séma Glissant, Tarik Kiswanson, Tiago Sant’Ana, Victor Anicet, Victor Brauner, Wifredo Lam, Zé di Cabeça (José Eduardo Ferreira Santos).

“Histórias da ecologia” no MASP
2025-09-04 10:00 - 2026-02-01 18:00 | MASP – Museu de Arte de São Paulo Assis Chateaubriand, Avenida Paulista, 1578 - Bela Vista, São Paulo, SP, Brasil
Aycoobo Wilson Rodríguez, “Calendário”, 2024. Acervo MASP

O MASP – Museu de Arte de São Paulo Assis Chateaubriand apresenta Histórias da ecologia, de 4 de setembro a 1 de fevereiro de 2026. A coletiva internacional ocupa todos os espaços expositivos do Edifício Pietro Maria Bardi e reúne mais de 200 obras de artistas, ativistas e movimentos sociais de 28 países, como Colômbia, Islândia, Japão, Nova Zelândia, Peru e Turquia. A exposição investiga a ecologia como uma rede de relações entre seres vivos e o mundo que habitam, colocando em diálogo trabalhos de comunidades, territórios e ecossistemas de diferentes locais ou períodos.
A escolha curatorial se afasta da concepção de uma natureza apartada da sociedade ou que compreende o ser humano como hierarquicamente superior. “É comum que meio ambiente e ecologia sejam tratados como sinônimos. No entanto, escolhemos ecologia para abranger um sistema de relações entre humanos e mais que humanos — animais, plantas, rios, florestas, montanhas, fungos e minerais. Não conseguimos pensar a natureza separada do humano”, diz André Mesquita, curador, MASP.
A curadoria de André Mesquita e Isabella Rjeille, curadores, MASP, revela perspectivas artísticas em comum a respeito da ecologia ou de enfrentamentos aos efeitos da crise climática global, propondo uma reflexão política sobre o tema ao evidenciar o fator humano e as implicações de marcadores sociais da diferença, como gênero, raça e classe. A exposição é dividida em cinco núcleos temáticos que seguem uma ordem linear: Teia da vida; Geografias do tempo; Vir-a-ser; Territórios, migrações e fronteiras; e Habitar o clima.
Teia da vida aborda diferentes percepções dessa rede de inter-relações — das cosmovisões indígenas às disputas por poder, influência e território. A obra The Political Life of Plants (2021) retrata complexos entrecruzamentos entre as plantas e outros seres. O vídeo acompanha o artista Zheng Bo (China, 1974) em uma caminhada por uma floresta de faias em Bradenburgo, na Alemanha. Durante o percurso, Bo conversa com os cientistas Matthias Rillig, especialista em biodiversidade e ecologia do solo, e Roosa Laitinen, que investiga a plasticidade genética das plantas. Os temas de suas pesquisas se entrelaçam às reflexões do artista e aos sons e imagens da floresta.
Geografias do tempo reúne olhares indígenas, afrodiaspóricos, rurais e urbanos sobre a terra e o cosmos, a vida e a morte, a regeneração e o cuidado. A obra Calendário (2024), de Aycoobo (Wilson Rodríguez) (La Chorrera, Colômbia, 1967), artista nonuya-muinane, traz uma perspectiva indígena amazônica sobre a temporalidade cíclica da natureza. O desenho revela um sistema de marcação temporal que transcende a lógica linear ocidental, associando a passagem do tempo às transformações vividas pelas árvores, plantas, animais e rios da floresta amazônica. Já Ana Amorim (São Paulo, 1956) tem uma abordagem íntima e processual da temporalidade urbana. Em Passage of Time Study (2018), durante todas as noites, por um período de um mês, a artista brasileira registra o mapa do seu dia e um número localizador. O resultado é um conjunto de 31 desenhos feitos com caneta esferográfica sobre papel.
Vir-a-ser investiga as relações entre seres humanos e mais-que-humanos, além de modos simbólicos, espirituais e materiais que estruturam esses vínculos. A série de desenhos Tentativas de criar asas (década de 2000), de Rosana Paulino (São Paulo, 1967), evoca seres híbridos em constante transformação – trata-se de figuras femininas que tecem teias, rompem casulos ou ganham asas, libertando-se de estruturas que já não lhes servem mais, à semelhança de alguns insetos. A série fotográfica Corpoflor (2016-presente) propõe um hibridismo radical entre o corpo humano e o de outros seres da natureza. Em retratos e autorretratos, Castiel Vitorino Brasileiro (Vitória, ES, 1996) revela corporalidades imprevistas que transcendem as normas de gênero e sexualidade, criando formas de existir que resistem às categorizações binárias impostas pela sociedade.
Territórios, migrações e fronteiras se debruça sobre os deslocamentos forçados, fluxos migratórios e fronteiras físicas e sociais. A escultura Refugee Astronaut XI (2024), de Yinka Shonibare (Londres, 1962), representa migrantes, estrangeiros e refugiados contemporâneos. Desde 2015, o artista produz figuras em tamanho real de astronautas nômades, equipados com capacetes e vestidos com uma roupa espacial cujos tecidos se inspiram nos padrões africanos. Esses personagens parecem vagar sem rumo, à deriva, entre mundos devastados. Os astronautas de Shonibare carregam os traumas da crise climática e dos ecocídios que expulsam milhões de seus territórios de origem.
Habitar o clima sintetiza e, ao mesmo tempo, amplia questões centrais presentes nos demais núcleos de Histórias da ecologia. Nele estão reunidos trabalhos de artistas, coletivos e movimentos que investigam táticas de ocupar, experienciar e imaginar radicalmente a cidade e o campo. A instalação inédita Descida da terra/trabalho das águas (2025), de Cristina T. Ribas (São Borja, RS, 1980), reflete sobre os efeitos das enchentes que devastaram o Rio Grande do Sul em 2023 e 2024. O trabalho comissionado pelo MASP consiste em um tecido translúcido suspenso diagonalmente no espaço expositivo, impresso com imagens que revelam como as águas redesenharam a geografia de rios, lagos e bacias hidrográficas, impactando mais de 650 mil pessoas.
“Histórias da ecologia transita entre diferentes saberes: o geológico, o biográfico, o ancestral, o espiritual, o comunitário, o local, o planetário. Essas intersecções ampliam a visão sobre o que está em jogo na atual crise climática — não como um evento isolado, mas enraizado em estruturas coloniais e patriarcais que condicionam os modos de habitar o planeta”, afirma Isabella Rjeille.
Histórias da ecologia é o tema do ciclo curatorial de 2025. A programação do ano também inclui as mostras de Claude Monet, Frans Krajcberg, Abel Rodríguez, Clarissa Tossin, Hulda Guzmán, Minerva Cuevas e Mulheres Atingidas por Barragens.
A mostra faz parte de uma série de projetos em torno da noção plural de “Histórias”, palavra que engloba ficção e não ficção, relatos pessoais e políticos, narrativas privadas e públicas, possuindo um caráter especulativo, plural e polifônico. Essas histórias têm uma qualidade processual aberta, em oposição ao caráter mais monolítico e definitivo das narrativas históricas tradicionais. Nesse sentido, entre os programas anuais e as exposições anteriores, o MASP organizou Histórias da Sexualidade (2017), Histórias Afro-Atlânticas (2018), Histórias das Mulheres, Histórias Feministas (2019), Histórias da Dança (2020), Histórias Brasileiras (2021-22), Histórias Indígenas (2023) e Histórias LGBTQIA+ (2024).

"Constelação em trânsito" no Galpão da Lapa
2025-09-06 - 2027-03-01 | Galpão da Lapa, Rua Campos Vergueiro, 140, Galpão 2, Vila Anastácio, São Paulo, SP
Vista de “Constelação em Trânsito” no Galpão da Lapa.

Constelação em trânsito: uma escuta cartográfica, em cartaz no Galpão da Lapa até 1° de março de 2027, toma como ponto de partida a inversão metodológica da curadoria convencional. Em vez de um enunciado prévio que orienta a seleção de obras, foi adotada uma postura de escuta diante do acervo, deixando que os próprios trabalhos indicassem agrupamentos, ressonâncias e percursos. A referência é a noção de cartografia formulada pela psicanalista Suely Rolnik: um traçado que se faz em movimento, sintonizado com as variações da paisagem. O resultado são três constelações: Arquiteturas do Inconsciente, Geometrias do Sul e Topologias do Orgânico, tratadas não como categorias fechadas, mas como campos porosos que se atravessam e se dissolvem mutuamente.
A exposição reúne trabalhos de 65 artistas, entre eles Adriana Varejão, Alex Cerveny, Amelia Toledo, Ayrson Heráclito, Brígida Baltar, Cao Guimarães, Carlito Carvalhosa, Carmela Gross, Claudia Andujar, Erika Verzutti, Ione Saldanha, Jaider Esbell, Jac Leirner, Leonilson, Mira Schendel, Nuno Ramos, Rivane Neuenschwander, Sandra Cinto, Solange Pessoa, Tunga, Waltercio Caldas e o coletivo MAHKU. No mezanino do espaço, o núcleo audiovisual Confluências apresenta quatro obras em vídeo que dialogam transversalmente com as três constelações.
O Galpão da Lapa, espaço cultural instalado em um armazém histórico do complexo Ceagesp, na Vila Anastácio, zona oeste de São Paulo, que abriga o acervo dos colecionadores Andrea Pereira e José Olympio.
Entrada gratuita, mediante agendamento prévio.
Visitas mediadas gratuitas, com grupos de até 20 pessoas.

36ª Bienal de São Paulo no Pavilhão Ciccillo Matarazzo
2025-09-06 10:00 - 2026-01-11 18:00 | Fundação Bienal de São Paulo | Pavilhão Ciccillo Matarazzo, Av. Pedro Álvares Cabral, s/n - Ibirapuera, São Paulo, SP, Brazil
Vista da instalação da 36 Bienal de São Paulo. Divulgacão: Fundação Bienal de São Paulo
Intitulada Nem todo viandante anda estradas – Da humanidade como prática, a edição será conduzida pelo curador geral Prof. Dr. Bonaventure Soh Bejeng Ndikung com sua equipe de cocuradores composta por Alya Sebti, Anna Roberta Goetz e Thiago de Paula Souza, além da cocuradora at large Keyna Eleison e da consultora de comunicação e estratégia Henriette Gallus. A mostra se inspira no poema enigmático da poeta afro-brasileira Conceição Evaristo, “Da calma e do silêncio”.
A proposta central dessa Bienal é repensar a humanidade como verbo, uma prática viva, em um mundo que exige reimaginar as relações, as assimetrias e a escuta como bases de convivência a partir de três fragmentos/eixos curatoriais. A metáfora do estuário – local onde diferentes correntes de água se encontram e criam um espaço de coexistência – guia o projeto curatorial, inspirado nas filosofias, paisagens e mitologias brasileiras. Tal conceito reflete a multiplicidade de encontros que marcaram a história do Brasil e propõe que a humanidade se una e se transforme por meio de uma escuta atenta e da negociação entre seres e mundos distintos.
Esta edição da Bienal de São Paulo está estruturada como um projeto de pesquisa que irá se manifestar em três fragmentos/eixos. O primeiro fragmento/eixo curatorial defende reivindicar o espaço e o tempo, busca desacelerar e prestar atenção aos detalhes e outros seres que constituem nosso ambiente. Situando-se dentro do poema “Da calma e do silêncio”, de Conceição Evaristo, esse eixo evoca a importância de explorar os mundos submersos que apenas o silêncio da poesia e a escuta poética podem acessar, acolhendo as diferenças e sugerindo uma reconexão com a natureza e suas sutilezas.
No segundo fragmento/eixo, a Bienal convida o público a se ver no reflexo do outro. A proposta é questionar o que vemos quando olhamos para nós mesmos e para os outros, confrontando as barreiras e fronteiras de nossas sociedades. Esse fragmento se baseia no poema “Une conscience en fleur pour autrui”, do poeta haitiano René Depestre, e explora a interconectividade das experiências, propondo uma coexistência mais atenta às necessidades coletivas.
Por fim, o terceiro fragmento/eixo se debruça sobre os espaços de encontros – como os estuários são espaços de múltiplas convergências, não apenas da água doce com a salgada, mas também o encontro do chamado Novo Mundo com as pessoas escravizadas sequestradas da África. Esse fragmento reflete sobre a colonialidade, suas estruturas de poder e suas ramificações em nossas sociedades atuais. Essa reflexão é baseada no movimento manguebit e em seu manifesto “Caranguejos com cérebro”, entendido como uma representação do cérebro social coletivo. A história do Brasil, marcada pela fusão de povos indígenas, europeus e africanos escravizados, é um microcosmo das assimetrias de poder que ainda persistem. Nesse sentido, a exposição explora como as culturas e as sociedades lidam com essas diferenças e criam novos caminhos de coexistência e beleza, como manifestado em “A beleza intratável do mundo”, de Patrick Chamoiseau e Édouard Glissant.

"Portais, Passadiços e Pomanders: Gilbertto Prado e Poéticas digitais" no MAC USP
2025-09-13 10:00 - 2026-01-25 21:00 | MAC USP, Av. Pedro Álvares Cabral, 1301 - Vila Mariana, São Paulo, SP, Brasil
“Desluz”, 2009. Gilbertto Prado e Poéticas Digitais. Galeria Expandida – (08.04.2010) – Luciana Brito Galeria

O Museu de Arte Contemporânea da USP apresenta, a partir de 13 de setembro, a exposição Portais, Passadiços e Pomanders: Gilbertto Prado e Poéticas digitais, com 11 trabalhos em que se entrelaçam o visível e o invisível, o orgânico e o maquínico, o sensorial e o digital em experiências que tensionam fronteiras e ativam formas de coexistência. As curadoras Ana Magalhães e Priscila Arantes observam que “há espaços que não se limitam à sua territorialidade: são passagens, zonas de transição, portais entre mundos e estados de presença. Heterotopias.” A exposição propõe uma travessia por esses “entre espaços”.
Gilbertto Prado é um artista pioneiro no Brasil em arte telemática e arte em rede que desenvolve, desde os anos 1980, obras que exploram meios diversos como fax, arte postal, realidade virtual e redes digitais. Sua trajetória é inseparável da própria história da artemídia no país. Os trabalhos apresentados na exposição foram criados em colaboração com o grupo de pesquisa Poéticas Digitais que Gilbertto fundou e coordena há mais de uma década,
Aqui, os portais abrem-se como convites à transição entre o dentro e o fora do espaço expositivo, entre o físico e o digital, entre o museu e seus territórios. Os passadiços são linhas tênues, pontes, travessias por onde se cruzam temporalidades, culturas e técnicas. O pomander, artefato criado na Europa medieval para filtrar os odores do mundo e proteger o corpo por meio do aroma, ressurge como tecnologia sensível; presença olfativa que ativa memórias e conecta corpos, ambientes e dispositivos em uma rede de afetos.
“Cada obra da exposição ativa uma tecnologia diversa – ancestral, vegetal, eletrônica, algorítmica – para nos colocar em contato com dimensões sensíveis da experiência que escapam à nossa percepção imediata”, comentam as curadoras. Entrelaçando arte e natureza, muitas das obras evocam formas de inteligência vegetal e forças invisíveis que regem o mundo natural. Essas criações operam em diálogo com a natureza traduzindo seus ritmos, sutilezas e transformações em experiências sensoriais e tecnológicas que “nos convidam a repensar nossos modos de habitar o mundo: a abrir espaço para novas formas de coexistência com a terra, os ciclos da natureza e tudo aquilo que pulsa além da centralidade humana”, completam as curadoras.

"20 anos da Residência Artística FAAP - São Paulo: contribuições para uma coleção de arte contemporânea" no MAB FAAP
2025-09-19 09:00 - 2026-02-15 20:00 | MAB FAAP, R. Alagoas, 903 - Higienópolis, São Paulo, SP, Brasil
Érica Magalhães, Sem título, 2022. Acervo do Museu de Arte Brasileira – MAB FAAP. Foto: Rafayane Carvalho

A exposição celebra duas décadas da Residência Artística FAAP – São Paulo, um dos programas mais consistentes do país, que já recebeu artistas de diferentes partes do mundo. Reunindo cerca de 135 obras de 91 participantes, a mostra apresenta um recorte da produção que hoje integra a coleção do Museu de Arte Brasileira da FAAP.
Segundo Marcos Moraes, diretor do MAB, “a mostra evidencia a potência desse espaço de experimentação e convivência que, desde sua criação, tem fomentado a produção contemporânea e ampliado os diálogos entre linguagens, práticas e contextos culturais”.
Entre os destaques estão Ali Cherri, vencedor do Leão de Prata na Bienal de Veneza de 2022; Guerreiro do Divino Amor, artista suíço radicado no Rio de Janeiro; a peruana Aileen Gavonel; o francês Charbel-Joseph H. Boutros; a peruana Rita Ponce de León; e a fotógrafa venezuelana Suwon Lee, entre outros.
Artistas participantes (lista completa):Agustina Jarpa, Aileen Gavonel, Ali Cherri, Ana Clara Tito, Ana de la Cueva, Ana Hortides, André Hauck, Andrea Rey, Biel Carpenter, Bruno Cidra, Camila Bardehle, Camila Otto, Carlos Monaretta, Charbel-Joseph H. Boutros, Coletivo Etcétera, Cornelia Enderlein, Daniel Albuquerque, Daniela Todorova, David Cevallos Díaz, Diana Barquero Pérez, DOMK* – Dominique Kippelen, Diogo Gonçalves, Elke Auer, Érica Magalhães, Esther Kempf, Esther Straganz, Etienne de France, Federico Ortegón, Felipe de Ávila Franco, Fernanda Andrade, Fernanda Luz, Flávia Coelho, Florencia Alvarez Guardo, Francilins, Francisco Jamón, Gabriel Leger, Gabz 404, Genietta Varsi, Giorgia Mesquita, Guerreiro do Divino Amor, Helena Trindade, Hermano Luz, Holly Pitre, Ítalo Almeida, J. Pavel Herrera, Jean-Marie Fahy, João Massano, João Paulo Racy, Joélson Buggilla, Johanna Invrea, Jorge Pedro Núñez, Julia Arbex, Juliana Matsumura, Julie Oppermann, Lara Morais, Les Joynes, Letícia Lampert, Lorenzo Beust, Lucia Prancha, Lucila Gradin, Mariana Paraizo, Marina Cespe, Martina Krapp, Mattia Denisse, Mayara Velozo, Nathan Braga, Nelson Crespo, Nuno Barroso, Pascal Häusermann, Paulina Videla, Rafa Munárriz, Raúl Díaz Reyes, Reis Valdrez, Rita Ponce de León, Roberval Borges, Rosângela de Andrade Boss, Rosario Zorraquín, Sam Gora, Santo Miguelito Pérez (Miguel Pérez Ramos), Sayoko Hirano, Silvan Kälin, Silvia Mariotti, Sol Archer, Suwon Lee, Thiago Costa, Tolis Tatolas, Urs August Steiner, Vanessa da Silva, Vânia Sommermeyer, Víctor Florido, Zoè Gruni.

"A Nova Complexidade do Mundo" de Thomas Schönauer na DAN Galeria Contemporânea
2025-09-27 10:00 - 2025-12-19 19:00 | DAN Galeria Contemporânea, 73 R. Amauri Jardim Europa, São Paulo, São Paulo, Brasil
Thomas Schönauer by Robert Comploj, “Glass Cultivator#11”, 2024. Crédito: João Cazza

A DAN Contemporânea apresenta, a partir de 27 de setembro, a primeira exposição individual do artista alemão Thomas Schönauer em seus espaços. Reconhecido internacionalmente por investigar os limites entre arte e tecnologia, Schönauer traz à galeria um conjunto de 15 obras — esculturas em aço inoxidável e vidro, além de pinturas de grande formato — em que contrastes como força e leveza, equilíbrio e tensão, luz e movimento se convertem em experiências visuais e sensoriais.
Peça central da mostra, A Nova Complexidade do Mundo condensa a pesquisa do artista em uma escultura vertical de dois metros de altura, construída em aço inoxidável e marcada por tensões internas que evocam instabilidade e conflito. “Trata-se de uma obra que concentra em si uma energia orgânica, quase celular, distinta das composições mais horizontais e expansivas do artista”, observa o curador Fábio Magalhães. “A incidência variável da luz sobre a superfície metálica torna-se parte constitutiva e poética da escultura, criando uma vibração contínua entre peso e leveza”, completa.
Nascido em Düsseldorf, Schönauer estudou Estudos Românicos e Filosofia na Heinrich-Heine-Universität e foi assistente de Friedrich Werthmann, um dos grandes nomes da escultura alemã do pós-guerra. Frequentou ainda o Manitoba Institute of Design, no Canadá, onde se aproximou de linguagens experimentais. Desde 1978, mantém vínculos com o Brasil, quando instalou um ateliê em Macacos (MG), experiência que aproximou sua pesquisa escultórica da geologia e da natureza densa da região. Hoje, divide sua trajetória entre Alemanha, Arábia Saudita — onde colabora com o arquiteto paisagista Andreas Kipar no parque Al Urubah, em Riad — e Brasil.
Ao longo dos anos, Schönauer desenvolveu superfícies angulosas e abobadadas capazes de modular diferentes intensidades de luz. Enquanto o aço polido cria reflexos e espelhamentos, o aço corten, com sua pátina avermelhada, absorve luminosidade e gera volumes compactos e dramáticos. Nessa lógica, suas esculturas operam como arquiteturas sensíveis, em que a técnica da indústria pesada é transfigurada em linguagem estética.
Mais recentemente, o artista dedicou-se à experimentação com o vidro, inspirado por peças da Antiguidade romana que conheceu no Museu Römisch-Germanisches, em Colônia. Para aprofundar essa pesquisa, estabeleceu parceria com o mestre soprador Robert Comploj, em Viena, com quem criou volumes soprados em moldes de madeira e internamente espelhados por processos químicos. A introdução do vidro confere à escultura uma dimensão inédita: um material ancestral, ao mesmo tempo frágil e vibrante, que abre novas possibilidades cromáticas.
Embora seja amplamente reconhecido por sua produção escultórica, Schönauer mantém ativa sua pesquisa em pintura. Em grandes discos metálicos em rotação, aplica camadas de tinta industrial, criando composições em que gesto e movimento centrífugo se equilibram entre acaso e controle. “A pintura de Thomas Schönauer se apresenta como contraponto à sua expressão escultórica, ou melhor, como pulsão antagônica”, explica Magalhães. “Enquanto suas esculturas buscam harmonia e equilíbrio por meio de sutis variações de luz e movimento, suas pinturas revelam forças incontidas, rupturas formais e contrastes cromáticos que constituem o cerne de sua linguagem.”
Com A Nova Complexidade do Mundo, Schönauer consolida sua parceria com a DAN Contemporânea, que o representa desde 2018. O artista já participou de coletivas da galeria, como As mais altas torres começam no solo (2022) e Linha, Cor e Movimento (2021), além de integrar projetos da DAN em feiras nacionais e internacionais de destaque, como SP-Arte, ArtRio e Art Basel Miami Beach.

"Gordon Parks - A América sou eu" no IMS Paulista
2025-10-04 10:00 - 2026-03-01 20:00 | IMS Paulista, Avenida Paulista, 2424, São Paulo, SP, Brasil
Mulher e cachorro na janela, Harlem, Nova Iorque, 1943. Foto de Gordon Parks / Cortesia © Fundação Gordon Parks
Nome central da história mundial da fotografia, Gordon Parks (1912-2006) é autor de uma vasta produção autoral, na qual documentou a vida cotidiana de pessoas negras em estados segregados nos EUA, a luta organizada do movimento negro pelos direitos civis e as manifestações culturais e religiosas da população afro-americana, entre outros temas. Sua obra, trajetória e legado são reverenciados na retrospectiva Gordon Parks: a América sou eu, em cartaz a partir de sábado (4 de outubro) no IMS Paulista (Av. Paulista, 2424).
Sob curadoria de Janaina Damaceno, com Iliriana Fontoura Rodrigues como curadora assistente e Maria Luiza Meneses como assistente de curadoria, a exposição é a primeira retrospectiva de Parks no Brasil e a maior na América Latina. No sábado (4 de outubro), às 11h, a equipe de curadoria conversa com o público no cineteatro do IMS. A exposição é realizada em parceria com a Fundação Gordon Parks, instituição que detém o acervo do fotógrafo e que foi a principal fonte de pesquisa para a concepção do projeto.
Ocupando dois andares do centro cultural, a mostra reúne cerca de 200 fotografias, tiradas sobretudo entre as décadas de 1940 e 1970, além de filmes, periódicos, depoimentos e publicações, ressaltando o caráter multifacetado de Parks, que atuou também como músico, cineasta e poeta. Entre as obras exibidas, estão retratos de nomes centrais do movimento negro americano, como Malcolm X, Martin Luther King e Muhammad Ali, e séries consagradas, como De volta a Fort Scott (1950) e Histórias da segregação no sul (1956). (Saiba mais sobre as obras abaixo).
Gordon Parks nasceu em 1912 na cidade de Fort Scott, no Kansas, durante o regime de segregação racial. Em 1928, sua mãe faleceu e ele se mudou da sua cidade natal, passando por diversos destinos, enfrentando a pobreza e o racismo. Nesse período, trabalhou em diversos empregos em busca da sobrevivência, atuando inclusive como pianista em clubes e hotéis. Em 1937, adquiriu sua primeira câmera fotográfica e, em 1938, publicou suas imagens pela primeira vez no St. Paul Recorder, importante jornal da imprensa negra do estado de Minnesota. Posteriormente, mudou-se para Washington, onde trabalhou para a Farm Security Administration, por onde também passaram fotógrafos como Dorothea Lange, Walker Evans, Russell Lee, Marion Post Wolcott, John Vachon e Carl Mydans. Em 1948, começou a trabalhar na revista Life, uma das mais importantes do mundo, tornando-se o primeiro fotógrafo negro contratado pela publicação.
Após o ingresso na Life, sua carreira como fotógrafo consolidou-se cada vez mais, com a publicação de livros e a participação em exposições, com foco no registro da vida da população negra norte-americana e na denúncia ao racismo e à desigualdade, numa união entre arte e ativismo que caracterizou toda sua trajetória. Também atuou como cineasta, tendo lançado, entre outros longas, o filme Shaft (1971), considerado um dos mais relevantes do movimento conhecido na época como blaxploitation. Por sua obra, tanto na fotografia quanto no cinema, recebeu diversas premiações e homenagens. Até hoje o trabalho de Parks influencia artistas das mais diversas áreas, como o rapper Kendrick Lamar, os fotógrafos Zanele Muholi e Devin Allen, e a cineasta Ava DuVernay.

“Antípodas: Tão Distantes, Tão Próximos” no Sesc Vila Mariana
2025-10-09 10:00 - 2026-01-25 20:00 | Sesc Vila Mariana, Rua Pelotas, 141 - Vila Mariana, São Paulo, SP, Brasil
Yoichi Ochiai. s.t. Divulgação.
A exposição reúne jovens artistas japoneses que exploram os cruzamentos entre arte, tecnologia e ciência. Com curadoria de Tomoe Moriyama, a mostra parte das experiências de Cherish, your imagination e MOT Annual 2023 – Synergies, or between creation and generation, apresentando obras quânticas, robóticas e colaborativas, além de criações desenvolvidas com inteligência artificial que imaginam futuros compartilhados.
Realizada pelo Sesc São Paulo com o apoio da Fundação Japão, a exposição celebra os 130 anos de intercâmbios culturais entre Japão e Brasil, conectando São Paulo e Tóquio — cidades situadas em pontos quase opostos do globo, mas unidas pelo diálogo criativo.
O conceito japonês “Ochikochi”, que inspira a curadoria, vai além da ideia de “aqui” e “ali”, abrangendo simultaneamente o longe e o perto, o passado e o futuro, e tornando-se o fio condutor da mostra. Em meio a um mundo marcado por crises e transformações, a exposição propõe manter viva a imaginação e a criatividade cotidiana, comuns à arte e à ciência.
As obras apresentadas expandem a percepção do tempo, do espaço e do corpo humano por meio da tecnologia. Robôs de limpeza travessos, heróis efêmeros, rituais do chá em mundos virtuais e cidades reinventadas como ilusões urbanas compõem um mosaico poético de possibilidades.
Entre os destaques, estão instalações que conectam batimentos cardíacos entre pessoas de Tóquio e São Paulo, transformam palavras sussurradas em imagens flutuantes e dão forma digital à caligrafia de escritores japoneses que visitaram o Brasil. Desenvolvidas por artistas de diferentes gerações, incluindo adolescentes, essas criações refletem sobre a presença, a distância e a colaboração no espaço digital.
Em um momento em que se celebram 100 anos da pesquisa quântica mundial e o centenário da era Showa no Japão, Antípodas: tão distantes, tão próximos propõe um jogo simbólico entre “casa e fora”: um convite para que cada visitante encontre, em outro tempo e lugar, um reflexo de si mesmo — e descubra novas formas de conexão entre culturas aparentemente opostas.

“Exposição Letras & Filetes: Memória Afetiva e Latinidades” no Sesc Ipiranga
2025-10-10 09:00 - 2026-04-05 21:30 | Sesc Ipiranga, 822 R. Bom Pastor Ipiranga, São Paulo, São Paulo, Brasil
Thiago Nevs. (Divulgação)

Letras & Filetes: Memória Afetiva e Latinidades celebra o universo vibrante e multicolorido das letras pintadas à mão dos cartazes de mercado, das carrocerias de caminhões e das embarcações ornamentadas. Idealizada pelo artista Filipe Grimaldi em parceria com o artista e pesquisador Thiago Nevs e a produtora Carolina Herszenhut, a mostra, que reúne trabalhos de cerca de 60 artistas, propõe um mergulho na cultura visual popular do Brasil e de países como Argentina, Chile, Colômbia, México e Peru, valorizando saberes que atravessam gerações.
Exaltando personagens que atuam no anonimato, a exposição destaca como o gesto manual e a inventividade popular transformaram letras, palavras e ornamentos em expressões identitárias a partir do trabalho de cartazistas, abridores de letras, letristas profissionais e mestres filetadores cujas criações ultrapassam a função comercial para revelar narrativas de pertencimento, resistência e memória coletiva.
Organizada em núcleos temáticos, a mostra retrata sobretudo, a diversidade de estilos da letra popular brasileira e latino-americana. Do improviso popular à precisão de profissionais que transformaram fachadas e muros em espaços de fruição artística, a exposição apresenta ao visitante expressões que vão desde a letra decorativa amazônica, presente nos barcos ribeirinhos, até os cartazes de mercado, com seu humor, urgência e cores vibrantes, além dos filetes em caminhões, tradição que percorre estradas brasileiras e dialoga com o fileteado portenho argentino em conexões gráficas também evidenciadas no projeto curatorial.

"Abel Rodríguez – Mogaje Guihu: A árvore da vida e da abundância" no MASP
2025-10-10 10:00 - 2026-04-05 18:00 | MASP – Museu de Arte de São Paulo Assis Chateaubriand, Avenida Paulista, 1578 - Bela Vista, São Paulo, SP, Brasil
Abel Rodríguez, “A árvore da vida e da abundância”, 2022. Acervo MASP. Foto: Eduardo Ortega

O MASP – Museu de Arte de São Paulo Assis Chateaubriand apresenta, a partir de 10 de outubro, a exposição Abel Rodríguez (Mogaje Guihu): A árvore da vida e da abundância, primeira mostra individual do artista colombiano após seu falecimento. A exposição oferece um panorama da obra de Abel Rodríguez (Cahuinarí, Colômbia, 1941–2025), reconhecida pela contribuição única à representação e organização dos saberes ancestrais sobre a flora e a fauna da Amazônia colombiana.
O título da mostra reúne os dois nomes do artista: Mogaje Guihu, como é chamado entre os povos Muinane e Nonuya, e Abel Rodríguez, nome em espanhol que adotou quando foi forçado a sair da floresta. Na infância, Rodríguez recebeu de sua família muinane a formação para ser um sabedor, aprendendo a identificar e compreender os usos prático e simbólico das plantas e suas relações com outros seres. Sua vivência na Amazônia colombiana resultou em registros sobre as plantas, seus ciclos e estações da floresta em intrincados desenhos desenvolvidos a partir dos anos 1990, quando, a partir dos estímulos dos pesquisadores da fundação Tropenbos, começou a desenhar. Ao longo do tempo, seu trabalho começou a ser reconhecido pela cena de arte colombiana e internacional. Por sua contribuição ao debate sobre arte e natureza, o artista conquistou o Prêmio Prince Claus, o que ampliou a visibilidade de sua obra e o levou a participar de importantes bienais pelo mundo, como as de São Paulo, Veneza, Toronto, Gwangju, Sydney, além da documenta de Kassel.
Com curadoria de Adriano Pedrosa, diretor artístico, MASP, e Leandro Muniz, curador assistente, MASP, a mostra propõe um olhar analítico sobre a obra do artista, que rompe com o desenho botânico tradicional ao registrar a fauna e a flora da região a partir da perspectiva de seus conhecimentos ancestrais que partem de uma visão integrada da natureza. Enquanto a botânica tradicional disseca e descontextualiza as plantas, Rodríguez apresenta uma visão inter-relacional do ecossistema. “Meu conhecimento não é biológico. Ele é materialmente, espiritualmente e sentimentalmente conectado à floresta, à energia dela”, disse Abel Rodríguez, em 2024. Esse princípio orienta a estrutura da exposição em quatro núcleos: Árvores mitológicas, Desenhos botânicos, Ciclos, e Natureza integrada.
O núcleo Árvores mitológicas reúne desenhos de Rodríguez baseados nas narrativas Nonuya-Muinane sobre a criação do mundo. As árvores da vida e da abundância remetem à primeira árvore que origina a Amazônia e a momentos em que animais e humanos testam e disputam seus frutos até alcançar a harmonia social, desfeita pela ganância dos humanos, que derrubam a árvore a machadadas.
Aquarelas de pequenas dimensões estabelecem um paralelo entre o desenho botânico ocidental, difundido pelas expansões coloniais a partir do século 18, e os sistemas classificatórios indígenas. Trabalhos como Plantas cultivadas de la gente del centro [Plantas cultivadas da gente do centro] (2013) revelam a integração entre plantas, animais e suas funções sociais, ao mesmo tempo que registram ecossistemas, territórios e culturas, reunidos no núcleo Desenhos botânicos.
O núcleo Ciclos apresenta sequências visuais que mapeiam as transformações sazonais da floresta. As obras registram ciclos como o da floresta inundável que se transforma de acordo com o movimento de cheia e vazante dos rios, organizando a rotação de plantios na agricultura familiar da região e os períodos para a construção das malocas, habitações coletivas que estruturam a vida social indígena.
Os últimos trabalhos de Abel Rodríguez, incluindo obras de 2024 e 2025, apresentam uma visão do território na qual todos os elementos se conectam. Desenhos densamente povoados revelam comunidades indígenas, plantas e animais, seus hábitos e a convivência mútua, que formam o núcleo final da exposição, Natureza integrada.
Abel Rodríguez (Mogaje Guihu): A árvore da vida e da abundância integra a programação anual do MASP dedicada às Histórias da ecologia. A programação do ano também inclui mostras de Mulheres Atingidas por Barragens, Claude Monet, Frans Krajcberg, Clarissa Tossin, Hulda Guzmán, Minerva Cuevas e a grande coletiva Histórias da ecologia.

"Clarissa Tossin: ponto sem retorno" no MASP
2025-10-10 10:00 - 2026-02-01 18:00 | MASP – Museu de Arte de São Paulo Assis Chateaubriand, Avenida Paulista, 1578 - Bela Vista, São Paulo, SP, Brasil
Clarissa Tossin, “Future Geography: The Five Galaxies of Stephan’s Quintet”, 2022. Foto: Brica Wilcox

O MASP – Museu de Arte de São Paulo Assis Chateaubriand apresenta Clarissa Tossin: ponto sem retorno, exposição que reúne mais de 40 obras das últimas duas décadas de produção da artista brasileira. Mais do que retratar a crise climática, Clarissa Tossin (Porto Alegre, 1973) incorpora em seus trabalhos resíduos, objetos e materiais que se tornam testemunhos do colapso ambiental. Em cartaz de 10 de outubro a 1 de fevereiro de 2026, a mostra é a primeira individual da artista em um museu brasileiro.
Com curadoria de Adriano Pedrosa, diretor artístico, MASP, e Guilherme Giufrida, curador assistente, MASP, a exposição foi concebida como uma grande instalação imersiva. “A sensação é a de que o museu alagou e montamos a mostra com aquilo que sobrou para expor. É como se o público estivesse visitando um museu pós-apocalíptico. Clarissa é uma artista contemporânea, conceitual. Tem muitas obras na escala real, um para um, resultando em uma mostra com uma dimensão bastante imersiva”, afirma Guilherme Giufrida.
A mostra reúne reflexões sobre catástrofes ambientais que atingiram Porto Alegre, local de nascimento da artista, e Los Angeles, nos Estados Unidos, cidade onde ela mora atualmente. Comissionada pelo MASP, a obra Volume Morto (2025) foi feita com tinta produzida com terra de três localidades que sofreram com as enchentes no Rio Grande do Sul: Cidade Baixa, Sarandi e Eldorado do Sul. A intervenção, pensada para as paredes da galeria expositiva, recria as marcas horizontais de lama que ficaram estampadas nas construções após as inundações. Além de relembrar o alagamento de enormes proporções que tomou conta do estado gaúcho em maio de 2024 — mesmo período em que foi iniciada a pesquisa para esta exposição —, a instalação também remete aos rastros deixados em Mariana, em 2015, e Brumadinho, em 2019.
Já a obra de Clarissa Tossin intitulada You Gotta Make Your Own Worlds [É preciso criar seus próprios mundos] (2019) foi destruída pelos incêndios que devastaram a Califórnia em janeiro deste ano. A obra pertencia a um casal que morava há 33 anos na mesma residência e acabou perdendo todos os bens nas chamas. O nome do trabalho de Tossin é retirado de um trecho do livro A parábola do semeador, de Octavia E. Butler, publicado em 1993. Na trama distópica que se passa em 2024, os Estados Unidos são governados por um presidente autoritário, e queimadas atingem a Califórnia, levando refugiados climáticos a migrarem. No lugar da obra, a exposição apresenta uma marca na parede do tamanho original da peça e uma legenda explicativa, como um texto de um obituário daquele objeto.
Tossin também discute as causas e os efeitos do aquecimento global, traçando conexões entre sinais de sofrimento dos corpos humanos e não humanos. Essa preocupação é vista na obra monumental Death by Heat Wave (Acer pseudoplatanus, Mulhouse Forest) [Morte por onda de calor (Acer pseudoplatanus, Floresta de Mulhouse)] (2021), em que galhos e troncos de uma árvore que morreu por conta de uma onda de calor na Floresta de Mulhouse, na França, se espalham no chão da mostra em meio a outras obras de arte.
“São obras fantasmagóricas, mortas-vivas, resquícios de paisagens pós-humanas. Os trabalhos em exibição criam mapas, protótipos, rastros de uma aparição humana momentânea e efêmera e do que foi possível reter dessa existência. A artista está produzindo a partir desse mundo em que a materialidade, o lixo, os resquícios humanos vão deixar alguns rastros daquilo que aconteceu com o mundo. É quase como se ela estivesse olhando para aquilo que no futuro arqueólogos vão observar: fósseis do futuro”, diz Giufrida.
Outra vertente da pesquisa de Tossin reflete sobre como a cartografia foi fundamental para a colonização das Américas, e como as imagens de satélite tornaram possível a busca por água e minerais em outros planetas. São paralelos entre os processos históricos de exploração territorial e as atuais ambições de colonização espacial. Sobrepostos a mapas coloniais ou entrelaçados a imagens de telescópio, caixas e envelopes da gigante do e-commerce Amazon também agregam uma camada de reflexão sobre o consumo de massa.

"Exposição Internacional de Arte Têxtil Contemporânea" na CAIXA Cultural
2025-10-14 08:00 - 2026-01-18 19:00 | CAIXA Cultural São Paulo, Praça da Sé, 111 – Centro, São Paulo, SP
Obra de Luiz Monken. Crédito: Divulgação
A 16ª edição da exposição CONTEMPORÂNEO foi inaugurada hoje na CAIXA Cultural São Paulo, trazendo uma proposta ousada e necessária: apresentar obras que têm o feminino como eixo central, abordando questões urgentes como o feminicídio, a exploração da força de trabalho das mulheres nas dinâmicas globais e reflexões que atravessam corpo, cotidiano e identidade feminina.
A mostra, que fica em cartaz até 18 de janeiro de 2026, reúne 25 obras que promovem diálogos sobre arte, cultura e pluralidade, assinadas por nomes consagrados da cena contemporânea internacional.
A CONTEMPORÂNEO valoriza a diversidade ao reunir artistas de diferentes etnias, gêneros e nacionalidades. Além dos artistas brasileiros Monica Barki, Cristina Pape, Pedro Paulo Domingues, Otavio Avancini, Eva Soban e Luiz Monken, participam também criadores vindos da Índia, Quênia, Canadá, Hungria, Inglaterra, Estados Unidos, Costa Rica e Uruguai.
A mostra chega propondo uma reflexão provocadora: dois curadores homens, Zeca Medeiros e Otavio Avancini, mergulham no universo do feminino como fio condutor da mostra.
“Mais do que uma escolha estética, essa abordagem revela um esforço consciente de explorar narrativas, símbolos e experiências tradicionalmente associadas ao feminino por meio de obras que celebram a força das mulheres, questionam estereótipos e resgatam vozes esquecidas”, afirma Avancini.
Zeca Medeiros complementa:
“Esta exposição foi pensada como um espaço de visibilidade para questões ligadas ao feminino. Mais do que representar, ela busca tensionar, provocar e ampliar o debate sobre os corpos, os afetos, os silêncios e as insurgências que atravessam a experiência de ser mulher. Cada obra é um fragmento de mundo, uma narrativa que se entrelaça à outra, formando um tecido único e simbólico que reivindica presença, escuta e transformação.”
Mais do que uma exposição, a CONTEMPORÂNEO convida o público a uma experiência sensorial e crítica, na qual o têxtil se afirma como linguagem, corpo e território — uma celebração da arte como espaço de reflexão, transformação e conexão.

“Uma Contra-História do Brasil” de Camille Kachani na Zipper Galeria
2025-10-17 10:00 - 2025-12-20 19:00 | Zipper Galeria, R. Estados Unidos, 1494 - Jardim América, São Paulo, SP, Brasil
Camille Kachani, detalhe de “Contra-Historia do Brasil”, 2024

No conjunto inédito de 12 obras, Kachani revisita criticamente a construção histórica do país, propondo outra leitura a partir de povos originários, africanos escravizados e imigrantes europeus, cujas experiências foram em grande parte silenciadas no discurso oficial. Com curadoria de Ícaro Ferraz Vidal Junior, a mostra tem abertura no dia 16 de outubro, às 18h. Inspirado no procedimento de Michel Onfray ao formular uma “contra-história” da filosofia, Kachani desloca o foco do cânone para protagonistas invisibilizados. “Nestes trabalhos, tento recontar, por meio de alusões e símbolos, a história do País pelos olhos dos povos que, embora tenham formado ou construído o Brasil, não participaram da elaboração da HistóriaBrasileira”, afirma o artista. Em seu vocabulário visual, materiais naturais e artefatos culturais se entrelaçam, reabrindodisputas sobre quem nomeia, mapeia e narra o território.

“Rastro e Pulsão” de Julia Pereira na Zipper Galeria
2025-10-17 10:00 - 2025-12-20 19:00 | Zipper Galeria, R. Estados Unidos, 1494 - Jardim América, São Paulo, SP, Brasil
Julia Pereira, detalhe de “Dancing Ghosts”, 2025. Divulgação.

Na mostra, a artista exibe pinturas que exploram as forças que movem o fazer artístico — como o amor, o desejo, o luto e os vazios — e os vestígios que permanecem após essas experiências atravessarem o corpo. Enquanto pulsão representa o impulso inicial, a necessidade sem nome que move o gesto, rastro é a marca deixada no mundo, quando a tinta registra, como um sismógrafo, intensidades entre o que pode e o que não pode ser dito. A exposição se ancora no período recente em que Julia passou na residência artística em Lisboa (Luz_Air, 2025), quando cor, luz e grafismos de azulejos históricos, somados a relações pessoais e aprendizados daquele período, reorientaram a paleta, o ritmo e a lógica compositiva de sua pesquisa. O retorno trouxe memórias que, aos poucos, deixaram de ser saturadas para rarear em superfícies porosas, onde a vibração se dá por interrupções, repetições e áreas de respiro.
