Exposição de longa duração no MAC USP
2024-03-09 10:00 - 2026-01-25 21:00 (America/Sao_Paulo) | MAC USP, Av. Pedro Álvares Cabral, 1301 - Vila Mariana, São Paulo, SP, Brasil
Walter Ufer, Construtores do Deserto, 1923 (detalhe)

O Museu de Arte Contemporânea da USP apresenta a exposição Galeria de Pesquisa – Aspectos da coleção da Terra Foundation for American Art através do programa Terra Collection-in-Residence, com 36 obras selecionadas em diálogo com a pesquisa e as disciplinas de graduação e pós-graduação do MAC USP e sua atuação no Programa Interunidades em Estética e História da Arte (PGEHA USP). A parceria entre a Terra Foundation for American Art e o MAC USP envolve também a linha de pesquisa em História da Arte e da Cultura do Instituto de Filosofia e Ciências Humanas da Unicamp e o Departamento de História da Arte da Unifesp. Nos próximos dois anos as obras em exposição permitirão criar pontes de interpretação com obras do acervo do MAC USP e apoiar atividades didáticas e de pesquisa.

A Terra Collection for American Art é uma associação sem fins lucrativos, com sede em Chicago (EUA), que desde os anos 1980 coleciona obras de arte do país e fomenta a pesquisa sobre sua arte. Algumas das obras já integraram outras parcerias com o Brasil, presentes em exposições de pesquisa realizadas no MAC USP – Atelier 17 e a gravura moderna nas Américas (2019), e na Pinacoteca de São Paulo – Paisagem nas Américas (2016) e Pelas ruas: vida moderna e experiências urbanas na arte dos Estados Unidos, 1893-1976 (2022). A exposição traz obras de Thomas Hart Benton, Eugene Benson, James McNeill Whistler, Louis Lozowick, James Edward Allen, Ralston Crawford, George Bellows, Bolton Brown, Winslow Homer, C. Klackner. Clare Leighton, Arnold Ronnebeck, William Zorach, Emil Bisttram, Menton Murdoch Spruance, John Ferren, Mary Nimmo Moran, Eanger Irving Couse, George Josimovich, George de Forest Brush, Walter Ufer, Edward Hooper, John Marin, Stanley Willian Hayter, Stuart Davis, Arshile Gorky, Lyonel Feininger, Armin Landeck e Thomas Moran.

Por fim, as obras se articulam na parceria da disciplina de pós-graduação Arte dos Estados Unidos e suas conexões, com o apoio da fundação e ofertada conjuntamente com a Unicamp e a Unifesp, que vem abordando estudos comparativos entre a arte produzida nos Estados Unidos e no Brasil, trazendo temáticas como arte indígena, diáspora africana nas Américas, e imigrações italianas nas Américas. Através do Programa Collection- in-Residence, o MAC USP se insere em uma rede de doze museus universitários internacionais de arte em um olhar crítico sobre a história da arte dos Estados Unidos e suas possíveis articulações com outros países.

"Popular, Populares" no Museu Afro Brasil
2024-10-23 10:00 - 2025-12-31 17:00 | Museu Afro Brasil, Av. Pedro Álvares Cabral, s/n, Portão 10 - Parque Ibirapuera, São Paulo, SP, Brasil
Exposição “Popular, populares” 2025. Divulgação.
A exposição Popular, Populares desafia definições convencionais de arte popular, explorando a riqueza e a pluralidade das expressões de artistas negros e indígenas. Com obras que vão do antropo-zoomorfismo vibrante ao minimalismo, a mostra convida o público a repensar fronteiras históricas e culturais que moldam a noção de “popular”. Exibida no subsolo do Museu até maio de 2025, a exposição busca ampliar o entendimento dessas manifestações artísticas e sua relevância no cenário contemporâneo.

"Abstracionismos" no MAC USP
2025-03-22 10:00 - 2026-03-22 21:00 | MAC USP, Av. Pedro Álvares Cabral, 1301 - Vila Mariana, São Paulo, SP, Brasil
Antonio Bandeira, “Flora Noturna”, 1959 – Divulgação

O MAC USP inaugura no sábado, 22 de março, a partir das 11 horas, a exposição O que temos em comum? Abstracionismos no MAC USP, 1940-1960, reunindo cerca de 80 obras nacionais e internacionais do acervo do Museu. O MAC USP possui um dos mais importantes acervos de arte abstrata nacional e internacional do Brasil. Quando da sua criação, em 1963, a partir da doação do acervo do antigo Museu de Arte Moderna de São Paulo, o MAC USP recebeu um importante conjunto de obras adquirido no contexto da Bienal de São Paulo, especialmente representativo da produção artística do segundo pós-guerra, marcada pela expansão do abstracionismo em vários países. Nos anos seguintes, o MAC USP continuou a incorporar trabalhos abstratos à sua coleção, que viriam a ampliar ainda mais os conceitos e classificações anteriores.
“A variedade de obras e teorias que se alojam sob o guarda-chuva do abstracionismo sugere que o termo reúne experiências que nada têm em comum a não ser a recusa em figurar o mundo”, observa Heloisa Espada, docente do Museu e curadora da mostra, e completa: “Por outro lado, a ideia de que formas e cores são capazes de exprimir realidades invisíveis – sejam elas, especulações filosóficas, saberes espirituais, estruturas microscópicas, conceitos matemáticos ou emoções – constituiu uma das crenças mais poderosas da arte moderna”.
Desde o início, por volta de 1910, diferentes vertentes da arte abstrata se apoiaram na ideia de que sem o compromisso de representar personagens, paisagens, mitos ou cenas, os artistas estariam livres para se concentrar em desafios próprios do trabalho artístico. Uma arte não figurativa seria equivalente a uma linguagem universal, capaz de transpor contingências naturais, culturais e históricas. Essas convicções se tornaram dogmas que vem sendo desmantelados por artistas e pensadores há cerca de 60 anos.
Muitos trabalhos possuem títulos que fazem referência à natureza ou a eventos históricos, deixando claro que nem todo abstracionismo esteve pautado na dicotomia entre abstração e figuração. Outros mostram que a oposição entre geometria e gesto não foi um consenso, pois havia os interessados em criar diálogos entre esses dois polos. Em sua diversidade, as obras reunidas continuam a despertar interesse e a impactar os sentidos, e também enfatizam a necessidade de continuar questionando os processos que levam à arte abstrata a discutir os princípios de universalidade a que foram vinculadas.

"Fala Falar Falares" no Museu da Língua Portuguesa
2025-03-28 09:00 - 2025-09-20 16:30 | Museu da Língua Portuguesa, Praça da Luz, s/nº - Centro Histórico de São Paulo, São Paulo, SP, Brasil
Imagem: Wellington Almeida

Já parou para pensar que o simples ato de falar é um superpoder da espécie humana? Para pronunciar uma única palavra, acionamos todo o corpo – o cérebro, os pulmões, as cordas vocais, a boca. Quando o som que corta o ar encontra outra pessoa, esta operação se completa na forma de uma conversa, de música ou de protesto. Fala Falar Falares, a próxima exposição temporária do Museu da Língua Portuguesa, aborda a fantástica capacidade de se manipular o som a partir do corpo, sob uma perspectiva mais do que especial: a do português falado no Brasil e de sua variedade. Com curadoria da cenógrafa e cineasta Daniela Thomas e do escritor e linguista Caetano W. Galindo, a exposição Fala Falar Falares abre para o público no dia 28 de março.Localizado na Estação da Luz, o Museu da Língua Portuguesa é uma instituição da Secretaria da Cultura, Economia e Indústria Criativas do Governo de São Paulo. A mostra conta com patrocínio máster da Petrobras e do Grupo CCR, por meio do Instituto CCR; patrocínio do Instituto Cultural Vale; apoio do Grupo Ultra e do Itaú Unibanco – todos por meio da Lei Rouanet. A temporada 2025 é uma realização do Ministério da Cultura.
“Fala Falar Falares é um mosaico de vozes e sotaques que celebram a diversidade do Brasil. No Museu da Língua Portuguesa, acreditamos que a língua é um espaço de encontro e de inclusão, onde todas as formas de falar têm seu lugar e sua importância”, afirma a diretora técnica da instituição, Roberta Saraiva. A exposição tem o objetivo de fazer o público pensar no quanto é especial a capacidade de falar – e, com a fala, criar música, cultura e se expressar de maneiras tão diferentes dentro da mesma língua. Daniela Thomas explica que a ideia do percurso é provocar uma autoconsciência inédita para o público. “Se tudo der certo, o visitante deverá despertar-se para os inúmeros mecanismos e histórias envolvidas na própria ideia que faz de si mesmo, sempre mediada pela língua que usa para pensar, se comunicar e se identificar no mundo”.
A primeira parte é dedicada a mostrar como o fenômeno da fala acontece dentro do corpo a partir de coisas essenciais para a vida: o ar e a respiração. “O sistema da língua ‘rouba’ órgãos que não foram feitos para a fala, mas a gente está tão familiarizado com isso que não paramos para pensar o quanto é fascinante e maravilhoso”, diz Caetano W. Galindo.Em uma das instalações, os visitantes serão convidados a usar um microfone que foi calibrado para captar apenas sons de pessoas respirando – e que está ligado a uma projeção de luz que pulsa conforme este som.Outra experiência mostra imagens captadas por uma máquina de ressonância magnética, onde é possível observar como se movimenta o interior de um corpo humano quando fala algumas frases conhecidas de canções brasileiras. Uma curiosidade é que essas imagens foram gravadas na Alemanha: a equipe da exposição descobriu a existência de um aparelho disponível e de um engenheiro brasileiro que topou se gravar enquanto entoava as frases escolhidas.Assim, Fala Falar Falares começa a mostrara relação dos brasileiros com a língua portuguesa, expressa na exposição como uma grande celebração das diferentes formas de se falar em todos os cantos do país. O público vai encontrar os mais diversos sotaques em diálogo com experiências participativas que são uma das marcas do trabalho de Daniela Thomas em exposições. Depois disso, os visitantes poderão acionar com seus próprios movimentos a imagem de um corpo todo composto de informações a respeito da origem e da formação das palavras que dão nome aos nossos órgãos e membros.
Num outro momento, os visitantes vão se ver diante de um mapa-múndi que, com o Brasil cravado no centro da imagem, permite demonstrar os caminhos que certas palavras, escolhidas em uma mesa, tiveram que traçar até chegar ao nosso vocabulário cotidiano.“O Brasil é um caleidoscópio de diferenças”, afirma Galindo. E isso ficará bem demonstrado em um quiz em que os visitantes vão testar se conhecem mesmo os diferentes sotaques falados pelo Brasil afora. O quiz funciona a partir de vídeos gravados com dezenas de pessoas de todo o país. O desafio é ouvi-las e tentar adivinhar de onde são. Os curadores garantem: é muito mais difícil do que parece, demonstrando que os estereótipos sobre os sotaques brasileiros muitas vezes mascaram uma diversidade ainda maior.Em outro ponto da exposição, o público poderá ficar no centro de uma conversa entre doze pessoas de diferentes origens que falam de sua relação com língua, linguagem e sotaque. Em uma instalação circular, com telas de TV que retratam, cada uma, um interlocutor, os visitantes vão se surpreender com histórias de orgulho, pertencimento, estranhamento, humor e também de preconceito com determinados jeitos de falar.Outra curiosidade: os diálogos foram gravados em grupos de quatro pessoas, mas a mágica da exposição fará a conversa parecer sincronizada entre os doze participantes. A diversidade da língua portuguesa do Brasil se expressa também nos nomes dos 5.571 municípios brasileiros. Alguns deles poderão ser ouvidos nos elevadores de acesso à sala de exposições temporárias e estarão nas paredes da exposição, formando um poema com cerca de 500 nomes selecionados por Caetano W. Galindo entre os mais curiosos e encantadores.Para os curadores a exposição deve provocar no público uma sensação de maravilhamento com a diversidade brasileira expressa através do simples ato de falar. Fala Falar Falarestem sua origem em uma experiência da exposição principal do Museu da Língua Portuguesa: Falares, no terceiro andar, é uma coleção de depoimentos de pessoas de todo o Brasil, de diferentes idades, origens, religiões, etnias e profissões, que falam de sua relação com a língua portuguesa. Criada para a nova exposição principal, inaugurada em 2021, Falares é um rico retrato da diversidade brasileira que atravessa e é atravessada pela expressão oral.

"Marga Ledora: A linha da casa" na Pinacoteca Estação
2025-04-05 10:00 - 2026-03-15 18:00 | Estação Pinacoteca, 66 Largo Galeria Osório Santa Ifigênia, São Paulo, São Paulo, Brasil
Marga Lenora, da série Quadrud Negrus. Foto: Isabella Matheus

A exposição será a primeira panorâmica institucional da artista e apresenta uma reunião significativa das séries Quadrus Negrus e Casa Preta, até hoje raramente vistas em seu conjunto, além de um expressivo grupo de obras pouco conhecidas.
Nascida em 1959 em São Paulo, a artista Marga Ledora estudou Linguística na Universidade Estadual de Campinas (Unicamp), onde se formou em 1983. Uma amante de tudo o que diz respeito à arte do papel, faz do desenho seu meio expressivo e experimental. Seus trabalhos se constroem a partir das modulações e da energia linear do desenho da casa.
A exposição acontecerá no 2º andar da Pina Estação. Com curadoria de Ana Paula Lopes.

"Frans Krajcberg: reencontrar a árvore" no MASP
2025-05-16 10:00 - 2025-10-19 18:00 | MASP – Museu de Arte de São Paulo Assis Chateaubriand, Avenida Paulista, 1578 - Bela Vista, São Paulo, SP, Brasil
Frans Krajcberg, “A flor do mangue”, c. 1970. Instituto do Patrimônio Artístico e Cultural da Bahia (IPAC), Salvador, Brasil. Foto: Autoria desconhecida

O MASP – Museu de Arte de São Paulo Assis Chateaubriand apresenta, de 16 de maio a 19 de outubro, a exposição Frans Krajcberg: reencontrar a árvore. A mostra reúne mais de 50 obras — entre esculturas, relevos, gravuras e pinturas — de grandes dimensões e formatos que desafiam o convencional, refletindo tanto o apreço do artista pela natureza brasileira quanto seu engajamento crescente com a denúncia das agressões ao meio ambiente.
Com curadoria de Adriano Pedrosa, diretor artístico, MASP, e Laura Cosendey, curadora assistente, MASP, a mostra apresenta um panorama abrangente da produção de Frans Krajcberg (Kozienice, Polônia, 1921–2017, Rio de Janeiro, Brasil). Pioneiro na integração entre arte e ecologia, o artista se destacou por evidenciar questões ambientais no Brasil. Ao longo de sua trajetória, desenvolveu pesquisas artísticas ramificadas em eixos temáticos, como samambaias, florações, relevos e sombras. Essas investigações culminaram em obras criadas a partir de cipós, raízes, resquícios de troncos e madeira calcinada, além de pigmentos naturais, com os quais ele compõe o corpo de sua obra.
Krajcberg rompeu com a tradição escultórica ao empregar elementos orgânicos e estruturas naturais como matéria-prima e suporte, desafiando os limites entre representação e figuração, além de fundir os campos da pintura, escultura e gravura. A flor do mangue, circa 1970, composta por madeira residual de árvores de manguezal e pigmentada com piche, reflete essa abordagem. Com sua grande escala e forma retorcida, a obra sensibiliza o observador para a vulnerabilidade e a resistência do ecossistema dos manguezais.
“De certa forma, a escultura é a própria árvore, ainda que resultante da justaposição de diferentes elementos naturais. A arte, para Krajcberg, precisa sair dos limites da moldura e reencontrar a natureza. Ele se afasta progressivamente da ideia de representar o mundo natural para incorporá-lo como corpo da obra. O caráter de denúncia emerge como um desdobramento natural desse processo, conforme Krajcberg percebia o potencial da arte de sensibilizar e comunicar sua luta ambiental”, comenta Laura Cosendey.
Em 1978, durante uma expedição pela Amazônia, Frans Krajcberg experiencia o que chamou de “choque amazônico” diante da exuberância da floresta equatorial. Anos depois, uma nova viagem — desta vez ao Mato Grosso — expõe o artista à devastação provocada pelas queimadas, marcando uma virada em sua trajetória, em que a natureza, além de ser inspiração, se torna causa a ser defendida. A expressão “reencontrar a árvore”, presente em suas reflexões, resume esse retorno da arte à natureza como fonte de criação e consciência ecológica.
Frans Krajcberg: reencontrar a árvore integra a programação anual do MASP dedicada às Histórias da ecologia. A programação do ano também inclui mostras de Abel Rodríguez, Claude Monet, Clarissa Tossin, Hulda Guzmán, Minerva Cuevas, Mulheres Atingidas por Barragens e a grande coletiva Histórias da ecologia.

"Design e cotidiano na coleção Azevedo Moura" no Museu do Ipiranga
2025-05-27 11:00 - 2025-09-28 17:00 | Museu do Ipiranga, 20 R. dos Patriotas Vila Monumento, São Paulo, São Paulo, Brasil
Fôrmas de louça em diferentes formatos. Créditos: © DelRe Stein/VivaFoto

Móveis, utensílios domésticos, ferramentas de trabalho, fotografias e materiais gráficos. Estes são alguns dos objetos escolhidos ao longo de seis décadas pela dupla de colecionadores Calito e Tina. Apresentados na exposição Design e cotidiano na coleção Azevedo Moura, em cartaz no Museu do Ipiranga, a partir de 27 de maio, o conjunto valoriza a produção manual e os vínculos afetivos com objetos do dia a dia.
Com curadoria da historiadora de design Adélia Borges, o projeto reúne 930 itens adquiridos ao longo de décadas, desde meados de 1960, nos estados do Rio Grande do Sul, Santa Catarina e Paraná. São objetos produzidos por imigrantes europeus no sul do Brasil entre a segunda metade do século 19 e o início do século 20. A coleção representa o imaginário social e o dia a dia de imigrantes alemães e italianos e revelam aspectos pessoais do universo doméstico de pessoas que buscavam construir uma nova vida. As obras conjugam as lembranças, as técnicas e os costumes trazidos pelos imigrantes de sua terra natal, de um lado, e as condições e materiais que encontraram na terra de adoção, de outro.
Passando por questões como habitação, religiosidade, marcenaria e culinária, os objetos apresentados denotam como uma mesma tipologia de artefato pode ter diferentes feições, carregando aspectos afetivos e emocionais. Trata-se de uma escolha dos colecionadores, que optaram por valorizar o trabalho manual contrapondo-se à lógica industrial de produção de peças idênticas em massa.
“A maioria desses objetos não tem valor pecuniário em si. Eles não são itens que se encontram em antiquários, valorizados por sua equivalência monetária. A maior parte é rudimentar e remete à nossa raiz rural. A urbanização do Brasil é recente, então essas peças suscitam relações fraternas, tradições geracionais e memórias afetivas”, afirma Borges.
No Museu do Ipiranga, a exposição ganha uma roupagem diversa e ao mesmo tempo complementar à proposta curatorial das exposições de longa duração. Enquanto as peças aqui apresentadas revelam aspectos da cultura e da identidade dos imigrantes, o conjunto também carrega os desejos de quem coleciona e, mais do que uma preocupação com dados históricos, sobressai a valorização dos significados afetivos.
“Colecionar é uma forma de escolher objetos e criar um mundo próprio, baseado nos desejos de quem coleciona. A coleção está ligada à realidade, mas não a reproduz exatamente”, afirmam os professores David Ribeiro e Vânia Carvalho, curadores institucionais.
Dividida em dez núcleos temáticos e uma sala de vídeo, a exposição enfatiza a beleza e o design de peças que não foram criadas para a elite, mas sim para pessoas comuns, que contribuíram com a formação de uma memória coletiva baseada em trocas culturais. Ao entrar em contato com a coleção, o público poderá reconhecer elementos que talvez façam parte de suas próprias histórias. Essa identificação acontece porque, por ser cotidiano, o acervo pode ganhar significados pessoais para cada visitante.
O primeiro núcleo da exposição, intitulado Pode entrar que a casa é sua, mostra como os imigrantes artesãos utilizaram a abundância de árvores locais para produzir técnicas de marcenaria diferentes das empregadas na Europa. Com madeiras propícias para a construção (como cedro, cabriúva e canjerana), eles aproveitaram os grandes lotes de terras para tratar a lenha com maestria, muitas vezes esculpindo portas com requinte de detalhes. Essa mesma diversidade aparece também em As várias formas do sentar, que apresenta cadeiras e bancos produzidos pelas duas comunidades europeias. Ora com ornamentos, ora mais rústicos, estes itens revelam o valor simbólico e funcional do mobiliário no cotidiano, incluindo o tradicional cavalinho de madeira -símbolo do sentar-se lúdico e do afeto familiar entre crianças e adultos.
Em Preparar e servir o pão de cada dia, são exibidos utensílios destinados ao preparo de alimentos ou ao esmero em servi-los. A culinária, uma das mais fortes expressões de identidade cultural de um povo, reflete os hábitos alimentares de cada nação e traduzindo- se também nos apetrechos criados para o preparo das receitas. Já em Mande notícias do mundo de lá, cartões postais trazem cenas românticas que idealizam o continente deixado para trás. Paisagens floridas, crianças e corações aparecem nessas imagens como cenas de lazer e de correspondência entre os dois universos. Nos ditados de parede da tradição alemã expostos em Lar, doce lar, outras ilustrações simples destacam a importância da união familiar e da confiança em Deus para a harmonia doméstica. São elementos gráficos como corações e flores, que acompanham frases escritas muitas vezes em letras góticas.
O núcleo O céu que nos protege apresenta como a religiosidade católica estava presente nas famílias italianas, seja por meio de reproduções de pinturas sacras ou pequenos oratórios. Ele demonstra como nos lares germânicos havia protestantes e católicos, enquanto entre os italianos o catolicismo era dominante. Grafias de época, por sua vez, exibe peças de comunicação gráfica como folhetos publicitários que divulgavam mercadorias. São peças que representam o imaginário social do período, tais como os cartões postais e as fotografias.
Noivas de preto destaca o costume de noivas que se casavam vestidas de preto. De acordo com muitos historiadores, essa tradição seria uma forma de protestar contra “jus primae noctis”, isto é, o direito do senhor feudal de ter a primeira noite. Além da memória dessas mulheres, na coleção Azevedo Moura, a lembrança da infância também se faz presente. Em Infância nas colônias, é possível observar os costumes e a criação das crianças – que seguia a cultura ocidental burguesa – por meio de brinquedos, fotografias e materiais escolares.
Por fim, em Ferramentas do fazer, é apresentado o serviço de marceneiros, ferreiros, oleiros, pedreiros, sapateiros, alfaiates e farmacêuticos. Os artefatos mostram a realidade muitas vezes precária dos trabalhadores, além de como eles acompanharam a transformação de matérias primas ao longo dos anos.
Uma parte da coleção foi apresentada na mostra Artefatos do Sul – Legados da Imigração Alemã e Italiana, realizada em 2024, em Porto Alegre, em celebração aos 200 anos da imigração alemã no Rio Grande do Sul e aos 150 anos da imigração italiana no Brasil. A exposição teve seu encerramento antecipado devido às enchentes que atingiram o estado. Agora, a coleção pode ser observada sob a ótica do colecionismo, que convida à reflexão sobre o papel da cultura material na formação de identidades.
A exposição tem entrada gratuita e está instalada no salão de exposições temporárias, um espaço moderno, acessível e climatizado, com 900m2, localizado no piso jardim, o pavimento mais recente do Museu do Ipiranga.

"Pop Brasil: vanguarda e nova figuração, 1960-70" na Pinacoteca Contemporânea
2025-05-31 10:00 - 2025-10-05 18:00 | Pinacoteca Luz, Av. Tiradentes, 273 – Luz, São Paulo, SP
Pietrina Checcacci, “Dinheiro”, das série O povo brasileiro (detalhe), 1967. Foto: Jaime Aciolo

A Pinacoteca de São Paulo, museu da Secretaria da Cultura, Economia e Indústria Criativas do Estado de São Paulo, inaugura a exposição Pop Brasil: vanguarda e nova figuração, 1960-70, na Grande Galeria do edifício Pina Contemporânea. A exposição reúne 250 obras de mais de 100 artistas, muitas delas expostas juntas pela primeira vez, proporcionando uma visão abrangente sobre a arte do período. Com curadoria de Pollyana Quintella e Yuri Quevedo, a mostra se divide em temas que remontam aos grandes acontecimentos do período, como o surgimento da indústria cultural, a ruptura democrática e transformações sociais de diversas ordens. Podem ser vistos trabalhos de Wanda Pimentel, Romanita Disconzi, Antonio Dias e muitos outros. O público poderá ainda vestir e experimentar os famosos parangolés de Hélio Oiticica.
Em um contexto de industrialização e turbulências políticas – Guerra Fria e ditadura civil-militar –, a produção artística nacional lida de maneira contestadora e irreverente com a massificação da cultura promovida pela televisão e os grandes veículos da imprensa e da publicidade. A partir da década de 1960, uma série de tendências figurativas internacionais ganham espaço no debate artístico nacional. Dentre essas tendencias está a Arte Pop, original do Reino Unido, mas que ganhou fama nos Estados Unidos por meio de figuras célebres com Andy Warhol, Roy Lichtenstein, Jasper Johns e Robert Rauschenberg. Entretanto, enquanto esses artistas trabalhavam a linguagem em um contexto de país desenvolvido, industrializado, e com uma produção massificada, artistas brasileiros lidavam com um cenário de subdesenvolvimento e desigualdade em que tinham de elaborar o trauma de uma sociedade oprimida pelo regime militar.
“A exposição lida com um momento da história do país que ainda hoje ressoa em nosso cotidiano. Olhar para essa produção é importante para entender o início da arte contemporânea entre nós, e também as questões disparadoras de muitos dos debates da atualidade. E, diante da reunião dessas obras, podemos entender a força coletiva dos artistas de uma geração que trabalhou para denunciar, protestar e sonhar com uma nova sociedade”, afirmam os curadores.
Sobre a exposiçãoO interesse dos artistas pela rua, fruto do desejo de ocupar espaços mais diversos e menos institucionalizados, marcou uma série de eventos nos últimos anos da década de 1960 e no início dos anos 1970. Entre eles, figura o “Happening das Bandeiras”, realizado em 1968 na Praça General Osório, em Ipanema, no Rio de Janeiro, que reuniu artistas como Nelson Leirner, Flávio Motta, Hélio Oiticica, Carmela Gross e Ana Maria Maiolino. Na ocasião, eles expuseram bandeiras serigrafadas em praça pública promovendo uma ocupação coletiva do espaço público, em busca de um acesso mais amplo e democrático para as artes visuais. O conjunto de bandeiras originais abre a exposição na Grande Galeria.
Na sequência, há trabalhos que tratam de uma indústria cultural em formação no Brasil, exibindo estrelas da música popular brasileira, graças aos festivais televisivos, em meio à febre da corrida espacial, que transformou astronautas em “ícones pop” e transmitiu imagens ao mundo do grande marco histórico que foi a chegada do homem à Lua. Grandes nomes do período estão reunidos, como Nelson Leirner, com seu altar para o rei Roberto Carlos, na obra Adoração (1966), Claudia Andujar, que fotografou Chico Buarque em 1968, Flávio Império, que retratou Caetano Veloso em Lua de São Jorge (1976), o artista popular Waldomiro de Deus, com seus foguetes característicos, Claudio Tozzi, com as obras Bob Dylan (1969), Guevara (1967), além de seus astronautas que marcaram a iconografia da pop à brasileira.
O desejo de rua e as rupturasAs restrições impostas pela ditadura civil-militar foram retratadas nas produções artísticas por meio de diferentes estratégias formais, poéticas e políticas. Na exposição, estão reunidas caricaturas de generais, presentes nas obras de Humberto Espíndola, Antonio Dias e Cybele Varela, desenhos dos presos políticos da coleção Alípio Freire, pertencentes ao Memorial da Resistência, registros fotográficos que Evandro Teixeira realizou na emblemática passeata dos 100 mil, além de trabalhos que procuraram intervir diretamente no contexto político, como as garrafas de coca-cola de Cildo Meireles, que compõem a obra Inserções em circuitos ideológicos (1970), e as trouxas ensanguentadas (1969) de Artur Barrio. Além disso, o tema da criminalidade também permeava as produções artísticas do período. Frente ao estado opressor, figuras de marginalidade foram evocadas como estratégia subversiva, contestando a moral e as leis. Dentre elas, destacam-se uma cena de crime pintada por Paulo Pedro Leal ainda no início dos anos 1960, o filme Natureza (1973) de Luiz Alphonsus e o clássico A bela Lindonéia (1967), de Rubens Gerchman.
O gesto pop se apropria ainda do imaginário da cidade, por meio de signos e códigos urbanos. É o caso de trabalhos como Marlboro (1976), em que Geraldo de Barros transforma restos de outdoor em pinturas, e as superfícies estruturadas com restos de acrílico e latão de Judith Lauand (Sem título, 1972). Na área central da galeria, estão reunidos trabalhos que expressam a disputa pelo espaço público. Setas, semáforos, festividades e proposições coletivas ganham centralidade nas obras. Buum (1966), de Marcelo Nitsche, Totém de interpretação (1969), de Romanita Disconzi, Lateral de ônibus (1969), de Raymundo Colares, e os emblemáticos parangolés de Hélio Oiticica, apresentados pela primeira vez há exatos 60 anos, na mostra Opinião 65, realizada no MAM-Rio, podem ser vistos pelo público. No caso de Oiticica, o visitante poderá, literalmente, experimentar os Parangolés, vestindo-os no espaço expositivo.
A década de 1960 também foi palco de uma revolução sexual fruto de eventos históricos como Maio de 68, na França, e o movimento hippie nos EUA. No núcleo sobre desejo e sexualidade, estão obras de artistas que pensaram as mudanças do estatuto da sexualidade no Brasil, atravessadas também pela cultura de massa. É o caso Wanda Pimentel, com sua série Envolvimento (1968), Teresinha Soares com A caixa de fazer amor (1967) e Antônio Dias em Teu corpo (1967), além de Maria Auxiliadora, Lygia Pape e Vilma Pasqualini.
A exposição Pop Brasil: vanguarda e nova figuração, 1960-70 é apresentada por Bradesco e patrocinada por Livelo, na categoria Platinum, Mattos Filho, na categoria Ouro e Nescafé Dolce Gusto, na categoria Prata.

"Lições da Pedra" de Naira Pennacchi no Museu FAMA
2025-06-12 11:00 - 2025-10-12 17:00 | FAMA Museu, R. Padre Bartolomeu Tadei, 09 - Alto, Itu, São Paulo, SP, Brasil
Vista da exposição “Lições da Pedra” de Naira Pennacchi no Museu FAMA – Imagem / Divulgação

A artista mineira Naira Pennacchi, hoje residente entre Ribeirão Preto e Lisboa, realiza a primeira itinerância de sua exposição Lições da Pedra, com curadoria de Mario Gioia. Ela chega agora ao Museu Fama, em Itu, a partir de sábado, 12/7, a partir das 11h. Na mostra, mais de 30 trabalhos da artista, muitos deles inéditos, apresentam olhares de Naira sobre as realidades interioranas e a pesquisa sobre a ancestralidade em diversos suportes e trabalhos, em sua maior parte inéditos. Na quinta-feira, 17 de julho, acontece na Livraria da Vila da Fradique Coutinho, em São Paulo, o lançamento do livro homônimo organizado por Mario Gioia que reúne toda sua produção até o momento, com textos de Ana Avelar e Bianca Coutinho Dias, pela editora WMF Martins Fontes. Haverá bate-papo da artista o os críticos e a entrada é franca.
Naira é natural de Jacutinga e navega por diversas cidades do interior, como Jaú e sua cidade natal, onde possui parentes. “Sou do interior de Minas Gerais e hoje moro na cidade grande, entre Ribeirão Preto e Lisboa, mas retorno para esses lugares pois eles são faíscas que viram chamas para minha criatividade e minha produção artística”, afirma a artista.
Entre a produção em pinturas presentes na exposição, estão as características telas nas quais Naira deposita pigmentos endurecidos, próximos a sua validade, sobre chassis montados com teleiros (elemento muito presente em diversos contextos da vida rural) de modo a quase realizar um ponto-cruz de tinta sobre esses vazios, criando uma tecitura de cores e paisagens que agregam elementos pictóricos e abstratos às paisagens que compõe.
A série que dá nome à exposição, “Lições da Pedra”, é inédita e conta com vídeos, objetos, instalações escultóricas e sonoras. O limiar do ritual e da performance, os limites das moradias, todos esses conceitos vão sendo borrados e reconhecidos no trabalho de Naira. “Tudo começou com João Cabral de Melo Neto e a ‘Educação Pela Pedra’. O livro era muito incompreensível para mim, mas eu queria muito ler. E nesse momento eu li o livro em 15 dias três vezes. Muitos dos títulos dos trabalhos são trechos ou versos do livro. O Sertão, seja ele de Minas Gerais, do Piauí, ou de Portugal, esse sertão no sentido mais amplo de um interior, é um só”, pondera Pennacchi. Naira segue com a pesquisa sobre os saberes ancestrais no próximo ano e tem projetos para realizar esse levantamento também do lado de lá do oceano
O interesse pelo futuro ancestral vem desde criança. “Tinha sede em participar e rever as tradições e saberes populares que já não se encontram mais no interior de Minas Gerais, mais precisamente em minha cidade natal, Jacutinga. A cartografia desse meu interesse foi despertada pela convivência com meus pais, avós e comunidade local, rural e urbana de onde nasci e cresci”, diz. Naira é neta de bordadeira, de onde herda as artes têxteis que integram elementos de seus trabalhos, e teve contato com as obras do pintor, o desenhista, pintor, muralista e ceramista ítalo-brasileiro Fulvio Pennacchi, que foi integrante do Grupo Santa Helena, juntamente com Alfredo Volpi, Francisco Rebolo, Aldo Bonadei, ainda na infância, como o sobrenome pode atestar.
Rituais como benzimento praticado por Dona Merô, anfitriã de Naira e uma das poucas benzedeiras vivas e muito solicitada na região; ceramistas de barro que transformam matéria bruta em obras de arte enquanto contam histórias e preservam memórias; casas de farinha nas quais a mandioca vira farinha. É no trabalho repetitivo e conectado ao ancestral que a artista constata que moram também percursos que guardam estratégias de preservação ambiental – e que reverberam nos vídeos que integram a exposição, todos eles feitos no Piaui. “Foi no Piauí que tive o privilégio de encontrar tudo aquilo que procurava, prestes a desaparecer em alguns anos, uma vez que a nova geração não se interessa mais em dar continuidade a muitas destas práticas, como mulheres raizeiras do cerrado, que provocam o repensar de ideias convencionais de território, já que coletam e manejam as paisagens repletas de plantas medicinais para a cura de doenças do corpo e da alma”, afirma.
Naira participou de muitos destes trabalhos-rituais, como o de benzimento, minutos a fio recebendo orações por sua poderosa palavra através de gestos e instrumentos e os transformou em sua arte. “O corpo enquanto território das experiências cotidianas tece nas culturas das sociedades um repertório em constante construção”, aponta a artista. “Todas estas atividades são praticadas por mulheres, mestras detentoras de sabedorias ancestrais geradas em ventres, terras, águas, fogos e céus”, conclui. Das inúmeras obras produzidas, estarão presentes na exposição que passou por Botucatu e segue depois para Ribeirão Preto, os vídeos Faca Amolada, Mulher Vestida de Gaiola e Basalto.
Celebrando seus dez anos de carreira, Naira Pennacchi realiza na quinta-feira, 17 de julho, o lançamento do livro homônimo organizado por Mario Gioia que reúne toda sua produção até o momento, com textos de Ana Avelar e Bianca Coutinho Dias, pela editora WMF Martins Fontes. Na ocasião acontece um bate-papo entre Gioia, Avelar e Dias a partir das 19h.
A obra reúne sua produção até o atual momento, composta por esculturas, instalações e pinturas. Diversos suportes e diversas fases de um trabalho que segue se expandindo em novas pesquisas, agora em itinerância pelo estado de São Paulo ao longo do ano com a individual “Lições da Pedra”, que passou pela cidades de Botucatu, estará em cartaz em Itu a partir de 12/6 e em dezembro segue para Ribeirão Preto.
Nas palavras de Ana Avelar no texto que integra a edição, o trabalho de Naira une “figurações barroca, rural mineira e desejo de abstração”, numa linguagem e uso da cor que evocam as gramáticas de Matisse e Cristina Canale, só para citar duas das influências mais evidentes.
Para Bianca Coutinho Dias, que assina um texto com um olhar que passa pela psicanálise, “são paisagens internas, de um interior que pode ser de casa, da cultura caipira, ou paisagens de uma instância afetiva, psicológica e subjetiva”, delineia. “A aparição acontece não como representação, mas como enigma”, completa. Psicanalista, a crítica de arte também chama a atenção para sua “paleta carregada de pulsação própria, como se sua cor convoasse outras, numa atmosfera imersiva de sonho e delírio”.
Ainda na perspectiva da crítica em texto presente no livro, nas obras presentes em seu trabalho, seja em telas, objetos ou vídeos, “há um fricção entre a figuração barroca rural e mineira”, presente nas imagens recorrentes de sua infância em Jacutinga, cenário rural, como galos e teleiros que servem de base para os pigmentos densos que criam quase relevos nas composições, “um jogo entre interior e exterior, memória e transmissão”.

Mostras de Anna Bella Geiger e Hannah Brandt no Museu Judaico de São Paulo
2025-06-28 10:00 - 2025-09-21 19:00 | Museu Judaico de São Paulo, Rua Martinho Prado, 128 - Bela Vista, São Paulo, SP, Brasil
Anna Bella Geiger, “Pier & Ocean cor rosa”, 1986. Crédito: Cortesia Mendes Wood DM

A partir de 28 de junho, o Museu Judaico de São Paulo apresenta uma nova temporada expositiva. Duas mostras apresentam as artistas Anna Bella Geiger e Hannah Brandt, que exploram diferentes técnicas para investigar temas como identidade, memória, mudança e criação.
No segundo subsolo, a exposição Anna Bella Geiger — Limiar apresenta um conjunto de cerca de 60 obras, entre gravuras, vídeos, objetos e fotografias documentais. Trata-se da primeira individual da artista — uma das mais importantes da arte brasileira — em um museu judaico. Com curadoria de Priscyla Gomes e Mariana Leme, a mostra se organiza em cinco grandes eixos: espaços, criação-proposição, linguagem, desterritorialização-transposição e imaginação política.
Segundo as curadoras Priscyla Gomes e Mariana Leme, na exposição Limiar “a trajetória de Geiger, iniciada nos anos 1950 e ainda intensamente fértil, é explorada de maneira transversal, evidenciando recorrências temáticas, o emprego de múltiplas linguagens, a exploração de espaços compartilhados para a experimentação e o constante questionamento do estatuto da obra de arte e seu papel político”.
A mostra abarca séries emblemáticas de diferentes períodos – de 1962 a 2025 – tendo como destaque as que exploram a cartografia, o trânsito e as passagens. É a partir dessas séries que a ideia de limiar é investigada, sendo os atravessamentos e as transposições noções centrais na produção da artista. Ao cartografar e transpor, sistemas geográficos se tornaram uma outra natureza da arte, o fazer da geografia um lugar da arte. Geiger possibilita, por meio de um traçado imaginário de meridianos e paralelos, uma reflexão sobre o regional, o local e o global, o presente e o passado, o interior e o exterior, o eu e o outro. Muitos de seus trabalhos tratam diretamente da complexa noção de espaço, ora subvertendo convenções cartográficas, ora tensionando imaginários que organizam hierarquicamente o território e a sociedade.
Estão presentes Fronteiriços, Rrolos-Scrolls, Macios, Pier & Ocean e Rrose Sélavy, mesmo. Um dos destaques é a série Situações-limites (1974) na qual, reproduções fotográficas em preto e branco e inserções manuscritas, criadas no auge da ditadura civil-militar, ecoam a repressão e o autoritarismo de então, ao mesmo tempo em que insinuam um novo porvir.
Em um registro de 1974, Anna Bella Geiger refletiu sobre sua prática artística: “ a imaginação que me ajuda a colocar meus sentimentos, a sentir o ser-sozinho, a dimensionar a angústia da condição humana, a sentir o mistério do universo, do tempo, a procurar os centros, as semelhanças mais que as diferenças, as passagens mais que os contrários, a perceber tudo enfim que povoa meu momento. São estes estados de espírito que tento revelar da maneira que sinto mais eficaz”.
sentimento impresso em gravuras
Simultaneamente, no mezanino, a mostra Hannah Brandt: vejo tudo com o coração, se apresenta como uma homenagem ao centenário da artista, completados em 2023. Com curadoria de Ruth Tarasantchi, a individual propõe um mergulho na trajetória da obra de Brandt, cuja produção consistente explora as possibilidades da gravura. Estão presentes temas como paisagens brasileiras, letras do alfabeto hebraico e outros elementos recorrentes em sua obra. O conjunto de 30 obras, selecionadas diretamente de seu ateliê, inclui parte do acervo doado ao museu após sua morte, em 2020, consolidando-se como a maior coleção dedicada à artista.
Entrando nos compartimentos, no primeiro núcleo são encontradas as gravuras das letras do alfabeto hebraico, como o alef, o bet, o yali, que podem ter seus significados expandidos a partir dos estudos da Cabala. Se vistas de perto, essas obras demonstram uma riqueza de detalhes excepcional para a técnica da gravura. Já no segundo, dedicado às paisagens, sendo estas obras com as quais Hannah Brandt ficou conhecida. Com gravuras policromáticas, os trabalhos em destaque nesta seção denotam a precisão técnica da artista, ao produzir múltiplas matrizes para conferir diferentes efeitos com o uso das cores, como profundidade e volume.
A curadora Ruth Tarasantchi, ressalta que: “Entre seus temas frequentes, estão paisagens brasileiras e letras do alfabeto hebraico. Dizia sempre que transmitia seus “sentimentos para a madeira” e a intimidade com esse material é extrovertida no refinamento técnico e no entalhe acurado, exibindo diferentes veios e texturas típicas da xilogravura. Formas dinâmicas, profundidade e volume, desafios para essa técnica, são encontrados em todos os trabalhos aqui apresentados”.
No terceiro núcleo, duas gravuras se relacionam: Menino de Varsóvia (s.d.) e O Engraxate (1969). A primeira parte de uma foto de 1943, tirada durante o Levante do Gueto de Varsóvia. Brandt isola o menino rendido, destacando seu olhar assustado.
Ao lado, a obra e a matriz de O Engraxate sugerem a vulnerabilidade infantil em contextos distintos.
O último núcleo da mostra aborda a tradição judaica. Nele, a artista representa temas como o êxodo, a árvore da vida e a história de Jó.
Em trecho retirado de entrevista ao Núcleo de História Oral do Museu Judaico de São Paulo, realizada em 1998, ela expressa: “o que eu faço, faço de coração, faço o que vem de dentro da minha alma mesmo, o que eu sinto. Sofrimentos ou não, alegrias e tal, é aquilo que eu ponho no quadro, mas para construir o quadro eu preciso das formas e sobreformas, apenas para composição. Eu faço o esboço num instante, assim, do que eu quero dizer, mas daí, para fazer a composição, eu uso as cores, as formas e as sobreformas”.

"Flávio Império: tens a vontade e ela é livre" na Pinacoteca Estação
2025-06-28 10:00 - 2026-02-01 18:00 | Estação Pinacoteca, 66 Largo Galeria Osório Santa Ifigênia, São Paulo, São Paulo, Brasil
Figurino do show “Pássaro da manhã”, 1977 – Foto: Divulgação

A Pinacoteca de São Paulo, museu da Secretaria da Cultura, Economia e Indústria Criativas do Estado de São Paulo, inaugura a exposição individual Flávio Império: tens a vontade e ela é livre, no 4º andar do edifício Pina Estação. A panorâmica – que reúne quase 300 obras – abrange a produção do artista entre os anos 1960 e 1985, e tem curadoria assinada por Yuri Quevedo, curador do museu e pesquisador da obra de Flávio Império (1935–1985) há 16 anos.
Flávio Império foi um artista brasileiro em que a atuação transdisciplinar marcou profundamente a cena cultural do Brasil nas décadas de 1960 e 1970. Sua importância se dá não apenas pela multiplicidade de linguagens que dominava (como pintura, arquitetura, cenografia, teatro, design gráfico e do ativismo político), mas também pela maneira como ele as articulava em uma prática artística crítica, engajada e transformadora. Império trabalhou com uma diversidade de materiais, produzindo serigrafias, pinturas, colagens, fotografia e documentários em super8.
“Flávio Império olha para cultura popular de um jeito extremamente original no meio artístico da época. Homem de teatro, buscava mais que estereótipos das personagens, mas como elas viviam, as soluções que davam para produzir a vida no cotidiano subdesenvolvido no país. Como pintor, filho de imigrantes do Bexiga, muitas vezes se entendeu mais como artesão do que como artista” diz Yuri Quevedo, curador da mostra.
Destaques
A exposição propõe ao público uma imersão em diferentes momentos e manifestações da produção do artista, ressaltando a coerência e a liberdade que orientam sua prática tão diversa. Entre os destaques estão o projeto de figurino “fogo”, desenvolvido especialmente para a cantora Maria Bethânia para a peçaRosa do Ventos (1971), além dos estudos para capa do disco Doces Bárbaros (1976), que poderão ser vistos na segunda sala da mostra. Uma maquete descreve o projeto que o artista fez para o show Pássaro da Manhã(1977) de Maria Bethânia. Em um momento em que a ditadura militar começa a enfraquecer e surgem os movimentos de abertura, Império concebe um cenário em que a cantora surge de uma noite escura no fundo e vai gradualmente se aproximando da plateia ladeada por tecidos que representam a alvorada. No show Bethânia canta lembrando os amigos que foram exilados.
Além disso, pela primeira vez em 60 anos as obras UDN… Respeitosamente o extinto era muito distinto, Generals in General e Marchadeira das famílias bem pensantes, que integraram a antológica exposição Opinião65, no MAM-RJ, poderão ser vistas juntas. O público poderá ver ainda a maquete da peça A falecida (1983), desafio enfrentado por Flávio Império de conceber um cenário para a peça de Nelson Rodrigues que não queria nada sobre o palco.
A mostra tem apoio Instituto de Estudos Brasileiros da Universidade de São Paulo (IEB-USP), que emprestou 38 desenhos originais do artista, parte da coleção de mais de 10 mil itens que conserva.
Sobre a exposição
Dividida em três núcleos, a exposição mostra a trajetória do artista que tem produção concentrada no período da ditadura militar. No percurso, o público pode notar como seu pensamento e a ideia de engajamento social e político se transforma nas diversas fases de sua trajetória. A primeira sala, A pintura nova é a cara do cotidiano, mostra um artista que busca nos tipos sociais e na cultura de massas uma tradução satírica para a ditadura militar e o imperialismo estadunidense. Aqui estão reunidos os trabalhos da década de 1960, como aqueles que foram para as exposições Opinião65 e Porpostas65.
Aparecem também obras de seus companheiros de trabalho Sérgio Ferro e Rodrigo Lefévre, assim como de alunos, entre eles Marcello Nitsche e Claudio Tozzi. Também é possível ver alguns dos trabalhos premiados no teatro, Andorra – que tinha no elenco Beatriz Segall e Renato Borghi – e Ópera dos Três Vinténs. Nessa época, o artista adaptou e dirigiu outro clássico de Brecht, “Os fuzis da mãe Carrar” se tornou “Os fuzis de dona Tereza”. Nessa montagem, Império inovou ao transferir o choro individual da mãe que perde seu filho para guerra, para um choro coletivo, entoado pelo coro da peça enquanto se exibia imagens sobre a morte do estudante Edson Luiz.
A segunda sala – Aspectos do Inconsciente Coletivo na Comunicação de Massas – estão reunidos os trabalhos mais introspectivos do artista, nos quais ele procura na subjetividade popular uma nova coletividade. São bandeiras de São João, Oguns, máscaras e outros símbolos que se fundem com a comunicação pop. É aqui que começa sua parceria com Fauzi Arap e Maria Bethânia. Nessa sala, há também o curioso cenário pensado para Pano de Boca (1976) momento em que o artista ocupa um teatro em ruínas e cria ali a representação para o inconsciente de um ator.
Por fim, a terceira sala – Mãos e mangarás – mostra suas viagens de ônibus pelo interior do Brasil e o interesse por modos de fazer diversos. Aqui vemos o artista se interessar mais intensamente pela serigrafia e a repetição de motivos que lhe são caros: as mãos e a flor de bananeira – chamada de Mangará. É possível observar Império interpretar em imagens da natureza os rendimentos da revolução sexual e de costumes levada a cabo nos anos 1970. O arco-íris aparece como uma marca de uma sociedade mais diversa, com novos atores políticos que começam a surgir na década de 1980.
O artista morre em 1985, adoecido pelo HIV. É um dos primeiros casos notórios do Brasil, tratado pela imprensa com preconceito e desconhecimento. Ano passado, durante o show de Madonna, seu retrato apareceu entre os homenageados durante a canção Live to tell.
Bethânia, amiga e musa
A tríade constituída pela cantora Maria Bethânia, o diretor de arte e figurinista Flávio Império (1935–1985) e diretor Fauzi Arap (1938-2013) começou com o espetáculo Rosa do Ventos (1971), que marcou época pela maneira original que combinava o espetáculo teatral e o show de música popular. A cenografia e os figurinos de Flávio Império envolvem a cantora, e constituem parte do significado do show. No espetáculo, havia trechos de textos de Clarice Lispector (1920-1970) e Fernando Pessoa (1888-1935), a construção do cenário foi desenvolvida em parceria com a Casa das Palmeiras, da médica e psiquiatra Nise da Silveira (1905-1999).
O artista ainda elaborou plasticamente outras seis montagens da intérprete: A Cena Muda (1974); Os Doces Bárbaros (1976), este com Gil, Caetano e Gal; Pássaro da Manhã (1977); Maria Bethânia (1979); Estranha Forma de Vida (1981) e 20 Anos de Paixão (1985). No programa do último trabalho, dirigido por Bibi Ferreira, Bethânia homenageou o amigo recém-falecido.
A exposição Flávio Império: tens a vontade e ela é livre é apresentada por Bradesco e patrocinada por Livelo, na categoria Platinum, Mattos Filho, na categoria Ouro e Nescafé Dolce Gusto, na categoria Prata.

"Anatomia pré-fabricada: um morar no Japão" na Japan House
2025-07-01 10:00 - 2025-10-12 18:00 | Japan House, Avenida Paulista, 52 - Bela Vista, São Paulo, SP, Brasil
Crédito: Hayato Kurobe

Anatomia pré-fabricada: um morar no Japão
Pré-fabricação é um método construtivo em que parte ou todos os componentes de uma construção são produzidos em uma fábrica e, posteriormente, montados no local da obra. A construção de casa pré-fabricada japonesa, que alia o design à otimização dos materiais, possibilitou maior eficiência ao sistema de construção e contribui para uma maior qualidade de vida aos moradores e à comunidade.
A exposição apresenta o universo das inovadoras construções pré-fabricadas japonesas contemporâneas a partir de um modelo em tamanho real e maquetes. Também compõe a mostra uma linha do tempo com os principais marcos na história das construções pré-fabricadas no Japão, desde os anos 1950 até os dias atuais, desenvolvida especialmente para a JHSP por Yoshikuni Shirai, professor convidado especial da Faculdade de Meio Ambiente e Estudos da Informação da Universidade de Keio e Editor-chefe da revista Sustainable Japan Magazine by The Japan Times.

Tecnologia japonesa + pré-fabricação de habitações
No espaço expositivo, a curadoria de Natasha Barzaghi Geenen, diretora cultural da JHSP, apresenta parte de uma casa, em escala real, criada pela VUILD. O modelo apresentado faz parte da série NESTING, na qual o próprio cliente consegue projetar sua casa a partir de modelos preestabelecidos que estão disponíveis em um aplicativo e, a partir da madeira processada por meio da fabricação digital, consegue montá-la em colaboração com sua família e amigos. Junto da casa, a exposição apresenta também peças, elementos construtivos, separadamente, como se destrinchasse essa construção, evidenciando sua anatomia.
Além disso, a exposição traz também a maquete da Marebito no ie, outra iniciativa da VUILD que busca revitalizar regiões montanhosas com população em declínio, propondo a construção de alojamentos de propriedade compartilhada, visando a circulação contínua de pessoas nessas áreas, em um modelo de vida que vai além do turismo, mas que não chega a ser uma residência definitiva. O projeto, que utiliza tecnologia de fabricação digital, visa otimizar o uso de recursos florestais locais, utilizando a madeira dessas regiões para a construção da casa e de seus móveis, priorizando o uso da madeira lamelada cruzada (também chamada de madeira CLT), como alternativa ao concreto.
Como exemplo de inovações das casas pré-fabricadas com o foco na segurança, proteção e prevenção de desastres e conforto, a exposição também apresenta um modelo tátil que demonstra um tipo de sistema de isolamento térmico, que reduz a influência da temperatura externa, evita a condensação dentro das paredes e diminui os custos relativos aos sistemas de aquecimento e resfriamento, demonstrando a avançada tecnologia japonesa.

Nas palavras da curadora Natasha Barzaghi Geenen:
“O objetivo é permitir que o público se familiarize com dimensões de alguns modelos de moradias contemporâneas do Japão, ao mesmo tempo em que pode refletir sobre como essas soluções podem ser adaptadas ao contexto brasileiro. Nossa proposta é fomentar o debate sobre novas formas de construir, incentivando parcerias entre Brasil e Japão para desenvolver modelos cada vez mais sustentáveis de habitação inteligente”.
“Mais do que uma preocupação com recursos e design, nossa ideia é conectar os visitantes a esse senso de responsabilidade forte que os japoneses têm, de que são parte de um todo e que suas ações devem contribuir para uma melhor condição da sociedade. Esses modelos de habitação mostram a preocupação com o todo, com a comunidade e o meio em que vivem, indo muito além da estética e da mera empatia”

As diferentes maneiras de configurar o mesmo espaço
Já no espaço externo da JHSP, o público é convidado a experimentar alguns elementos inspirados nas habitações tradicionais japonesas, como os cômodos com características flexíveis e personalizáveis, delimitados por portas de correr chamadas de ‘fusuma’ e pisos cobertos por tatames. Crianças e adultos podem brincar de reconfigurar os espaços com estruturas móveis como uma forma de aprender na prática sobre esses conceitos e vivenciar essa espacialidade.

"Mapas Mentais" de Ana Amorim no MAC USP
2025-07-05 10:00 - 2025-10-05 21:00 | MAC USP, Av. Pedro Álvares Cabral, 1301 - Vila Mariana, São Paulo, SP, Brasil
Ana Amorim, “Second Embroidery”. Foto: Ana Pigosso

O MAC USP inaugura no sábado, 5 de julho, a exposição Ana Amorim | Mapas Mentais, reunindo cerca de 70 trabalhos da artista em quase quarenta anos de carreira. A mostra é a maior já realizada pela artista e apresenta, pela primeira vez, diversas de suas “Grandes telas”, obras compostas de registros diários ao longo de um ano inteiro, assim como obras inéditas e históricas ao longo de sua carreira. Durante os anos 1980, Ana Amorim estudou matemática e artes, em São Paulo, e se mudou para os Estados Unidos para fazer seu mestrado em artes. Após um período dedicado principalmente à gravura, passou a se interessar por uma prática de tipo conceitual, que define sua produção a partir desse momento. “O aspecto da obra torna-se secundário em relação às preocupações éticas e ao rigor, ao empenho e à coerência que definem sua prática”, avalia Jacopo Crivelli Visconti, curador da mostra.
A prática artística de Ana Amorim alinha-se a sua postura ética e política fazendo com que, ao longo dessas décadas, ela tenha optado pelos caminhos que lhe pareciam corretos, mas que contribuíram para uma pouca visibilidade de sua produção, mesmo entre os profissionais da área. Até poucos anos atrás, por acreditar que uma obra de arte não pertence a ninguém e que não pode ser apropriada, ela se recusava a expor em lugares comerciais, a vender suas obras e a participar de exposições patrocinadas por empresas privadas.
A produção de Ana Amorim foi acolhida pelo MAC USP em diversos momentos. O Museu abrigou a primeira exposição individual da artista no Brasil e foi o primeiro a incorporar obras suas ao acervo. Em 2014, a artista fez a doação de duas obras exibidas em 1990 no próprio Museu e em 2021 apresentou a performance Contar Segundos no espaço térreo do Museu durante uma semana. Segundo Ana Magalhães, curadora do MAC USP, “Ana Amorim tem uma produção atualíssima para um debate artístico dentro de um museu universitário, espaço de reflexão crítica.”
Nos últimos 40 anos, Ana Amorim registra sua vida através de mapas mentais e contando segundos. “Na concepção e no universo da artista, ela e a sua produção são indissociáveis. Sua vida é arte. Sua arte não é uma representação da vida, é a própria vida. Se está viva, Ana Amorim está produzindo algo. Esse algo ela chama de arte, mas é também, ou principalmente, um rastro da sua passagem pelo mundo, e da passagem do tempo sobre ela. O tempo que passa sobre a artista é o mesmo tempo que passa sobre cada um de nós. Sua obra é intimamente pessoal: retrata em mapas singelos os movimentos dela ao longo de um dia, de todos os dias da sua vida”, diz o curador, e completa: “são os mesmos movimentos que nós fazemos, os mesmos segundos que nós vivemos. Não há diferença, não existem hierarquias, o tempo da artista não é nem mais nem menos importante do que o tempo de cada um de nós.”

"Tudo que Nasce Vermelho" de Luara Macari no MAC USP
2025-07-26 10:00 - 2025-10-26 21:00 | MAC USP, Av. Pedro Álvares Cabral, 1301 - Vila Mariana, São Paulo, SP, Brasil
Luara Macari, “Ri Ró: rompante de rio”, 2023 – Imagem: Divulgação

Uma das ações realizadas pelo MAC USP para incentivar a produção artística contemporânea é a realização de editais de exposições temporárias para artistas emergentes, que ainda não tenham realizado mostras individuais em museus ou galerias. A terceira edição do Edital recebeu 180 inscrições e selecionou três projetos a serem apresentados em 2025/2026. O primeiro deles é a exposição Tudo que Nasce Vermelho, individual da artista Luara Macari (Ribeirão Preto, SP, 1999), apresentando 21 trabalhos em que articula os gestos pictóricos entre a argila, a tinta à óleo, o carvão e o grafite sobre tela.
Artista, escritora e curadora em formação (PUC SP, 2023), Luara Macari constrói um espaço onde “a pintura é exercício de escuta, presença e memória”, diz Fernanda Pitta, curadora responsável do MAC USP. A partir das fabulações, dos saberes e das tradições ioruba a artista propõe uma série de trabalhos que apresentam uma representação pictórica do mundo, em que imagem e rito se implicam mutuamente. ”Cada pintura é também uma oferenda: tempo suspenso, escuta ritual e desejo de rememoração” completa a curadora.
O vermelho que guia os caminhos da artista, cor impetuosa e vibrante, é também substância vital e ancestral, força plástica e simbólica, que atravessa as obras da artista e transforma o imaterial em matéria, superfície, impressão e campo sensível. “O vermelho condensa o sangue, o barro, o fogo, a terra e o corpo — elementos que sustentam tanto a criação e a existência na cosmovisão ioruba”, comenta Fernanda.
Nesta exposição, Luara Macari constrói um espaço onde a pintura é exercício de escuta, presença e memória, e “cria um território onde se experimenta a força da arte como gesto de cuidado, reinvenção e reparação. Em sua prática, a arte transforma o imaginário, partindo do gesto íntimo de saber de onde se vem para relembrar os caminhos para onde se quer ir” define a curadora.

"Paiter Suruí, Gente de Verdade: um projeto do Coletivo Lakapoy" no IMS Paulista
2025-07-26 10:00 - 2025-11-02 20:00 | IMS Paulista, Avenida Paulista, 2424, São Paulo, SP, Brasil
Gamina Suruí e Djikimatara Suruí, Aldeia Nabekodabalakiba, c. 1981. Foto de Borbora Suruí. Acervo Kabena Cinta Larga
Neste sábado (26 de julho), o IMS Paulista abre a mostra Paiter Suruí, Gente de Verdade: um projeto do Coletivo Lakapoy. A exposição apresenta um acervo inédito de fotografias familiares tiradas majoritariamente pelo povo indigena Paiter Suruí, reunidas e digitalizadas pelo Coletivo Lakapoy. Esse acervo inclui cenas e retratos tirados desde a década de 1970, quando as câmeras chegaram ao território pelas mãos de missionários, mas passaram a ser utilizadas pela população local para registrar seu dia a dia. Além do acervo histórico, a exposição apresenta fotos e vídeos atuais, reforçando o papel da fotografia como importante ferramenta de afirmação dos direitos indígenas.
As imagens do acervo histórico estavam armazenadas nas casas das famílias, guardadas em álbuns, caixas e estantes das diferentes aldeias do território indígena, localizado entre os estados de Rondônia e Mato Grosso. Para preservá-las, o Coletivo Lakapoy – grupo formado por comunicadores indígenas, com o apoio de não indígenas, com o objetivo de fortalecer a cultura Paiter Suruí – reuniu, catalogou e digitalizou as fotografias. Em 2021, o projeto foi publicado na revista ZUM e, em 2023, selecionado pela Bolsa ZUM/IMS, de fomento à produção artística. O resultado dessa pesquisa agora se desdobra nesta exposição, que ocupa o 6º andar do IMS Paulista, com entrada gratuita. (Saiba mais sobre o Coletivo Lakapoy no serviço.)
A mostra tem curadoria da líder e ativista Txai Suruí, que integra o Coletivo Lakapoy, da arquiteta, pesquisadora e curadora Lahayda Mamani Poma e de Thyago Nogueira, coordenador da área de Arte Contemporânea do IMS, além de supervisão do cacique-geral Almir Narayamoga Suruí, nome fundamental da história da luta indígena no Brasil. No sábado (26/7), às 11h, os curadores participam de uma conversa com Almir Suruí e Ubiratan Suruí, do Coletivo Lakapoy, no cinema do IMS Paulista. No domingo (27/7), às 15h, um grupo de anciãos do povo Paiter Suruí conduz uma atividade sobre os cantos tradicionais da sua cultura. Os eventos são gratuitos e abertos ao público.
Na exposição, o público encontra reproduções de cerca de 800 fotografias analógicas, da década de 1970 até 2000, que documentam o dia a dia do território, registrando aniversários, casamentos, batizados e competições esportivas, mas também os desafios decorrentes dos contatos com os não indígenas. Este acervo histórico ocupa todas as paredes da exposição, transformando-as em um grande álbum de família, composto de registros informais e pessoais.A mostra apresenta ainda cerca de 20 retratos recentes do povo Paiter Suruí tirados em maioria por Ubiratan Suruí, primeiro fotógrafo profissional do povo e integrante do Coletivo Lakapoy, além de depoimentos e vídeos dos influencers Oyorekoe Luciano Suruí e Samily Paiter. A exposição também apresenta redes, cestos e colares produzidos pelas artesãs do território, valorizando o conhecimento ancestral e artístico das mulheres Paiter Suruí.
Contatados oficialmente pela Funai em 1969, os Paiter Suruí resistiram a invasões, doenças e à omissão governamental até obterem, em 1983, a homologação da Terra Indígena Sete de Setembro, localizada entre os estados de Rondônia e Mato Grosso. Hoje, são aproximadamente 2.000 pessoas, distribuídas em mais de 30 aldeias. Com um modo de vida integrado à floresta amazônica, mas também profundamente transformado desde o contato com a sociedade não indígena, os Paiter Suruí seguem lutando para garantir sua soberania e a integridade de seu território, ameaçado pelo garimpo, pela pecuária e pelo extrativismo predatório. A fotografia e as redes sociais, entre outras ferramentas tecnológicas, foram apropriadas pela juventude como formas de difundir sua cultura, denunciar invasões e fortalecer a resistência.
Txai Suruí comenta a exposição e a importância de preservar essa memória: “A vontade de guardar, registrar e contar a história do povo Paiter Suruí é um sonho que agora se realiza, antes de os últimos anciãos nos deixarem, antes de essa história se ocultar de vez em algum canto esquecido do tempo, na memória dos que viveram essa saga. […] Com as câmeras nas mãos, vemos um olhar diferente daqueles que vieram de fora, podemos notar a espontaneidade e naturalidade de quem tira fotos para um álbum de família. São imagens cheias de amor, carinho e afetividade, mas também de conhecimento, de amor à humanidade e à natureza, de orgulho de pertencer ao povo Paiter Suruí.”
A maioria das pessoas retratadas nas imagens foram identificadas e contatadas, autorizando a reprodução das fotos, num movimento de propor novas lógicas de construir, guardar e expor acervos indígenas, como pontua a curadora Lahayda Mamani Poma: “De modo geral, o contato entre instituições de arte e culturas originárias abre não apenas para conhecimento de novas produções e linguagens artísticas, mas para a reflexão sobre modos de fazer museologia”.
O curador Thyago Nogueira também ressalta que o acervo é um “documento inédito da história Paiter Suruí, muito diferente das imagens oficiais e etnográficas produzidas sobre os povos indígenas brasileiros”. Segundo o curador do IMS, “montar um acervo visual de um povo é uma forma de refazer laços e dinamizar a própria cultura, criando pontes entre as novas e velhas gerações. É também uma forma de mostrar que as fotografias atuam como ferramenta de resistência e afirmação − uma estratégia que pode interessar a outros povos indígenas e grupos minorizados ou excluídos de sua própria história”.
Essa lógica aparece nas legendas da exposição, elaboradas coletivamente pelos Paiter Suruí, com coordenação de Ubiratan Suruí (ver exemplo abaixo). Essa opção reforça o trabalho coletivo, em contraponto à ideia de autoria individual, já que é frequentemente difícil determinar quem bateu cada foto, pois a câmera circulava entre várias mãos. Outro aspecto importante é a presença de intervenções manuais nas fotografias. Rasuras, desenhos e anotações mostram que estas fotografias são fragmentos de memória vivos, e não apenas documentos do passado.
Ubiratan Suruí, integrante do Coletivo Lakapoy, comenta o processo de construção deste acervo: “Essas fotos foram coletadas nas casas de vários Paiter. Quando muitas delas foram feitas, eu era apenas uma criança. Assim, para entender melhor o que estava vendo e o porquê de cada registro, passamos a ir atrás dos personagens ou seus familiares. Às vezes, a fotografia era brincadeira de criança ou até um disparo acidental de alguém que não estava tão acostumado com a câmera. Mas, como a máquina era analógica, com a limitação dos filmes, a maioria dos cliques era de momentos realmente importantes.” Segundo o fotógrafo, o “acervo catalogado já passou das centenas de registros, e cada um deles traz outra centena de narrativas. Quando um álbum novo é encontrado na aldeia, vários parentes se sentam em volta dele para trocar relatos e lembrar do passado.”
Ubiratan é o autor de parte das fotos contemporâneas exibidas na mostra, tiradas a partir de 2024. As imagens mostram o cotidiano atual das aldeias do território Paiter Suruí, marcadas tanto por costumes tradicionais quanto por novas sociabilidades e pelo uso das tecnologias. A exposição traz também vídeos de entrevistas com lideranças e integrantes da comunidade, como Almir Narayamoga Suruí. Nos depoimentos, as pessoas falam da importância do acervo e comentam temas como política, espiritualidade e alimentação.
Outro destaque, feito especialmente para a exposição, é uma projeção audiovisual que documenta o contato de anciãos do território com as imagens históricas do fotógrafo Jesco von Puttkamer. Jesco participou do contato da Funai com os Paiter Suruí na virada dos anos 1960 para os 1970, e, ao longo da vida, reuniu um dos acervos audiovisuais indígenas mais importantes do país, depositado no IGPA da PUC Goiás. A maioria dos Paiter Suruí, no entanto, nunca havia visto as imagens, que retornaram ao território pela primeira vez depois de uma colaboração entre o Coletivo Lakapoy e o IGPA da PUC Goiás.
Em cartaz até 2 de novembro, a exposição apresenta ao público um conjunto inédito de imagens de grande importância histórica e política. Trata-se de um acervo em expansão, que, em 2026, também será exposto no próprio Território Sete de Setembro.

"Chão é outra palavra para voo" de Deco Adjiman na Luis Maluf Galeria
2025-08-02 10:00 - 2025-09-24 19:00 | Luis Maluf Galeria (Barra Funda), Rua Brigadeiro Galvão, 996 - Barra Funda, São Paulo, SP, Brasil
Deco Adjiman, “No meio do caminho_pendurados”, 2025. Foto: Estúdio em Obra

De 2 de agosto a 24 de setembro de 2025, a Galeria Luis Maluf, em São Paulo, apresenta a exposição individual Chão é outra palavra para voo, do artista Deco Adjiman, com curadoria de Ana Carolina Ralston. A mostra reúne obras inéditas que transitam entre escultura, instalação e escrita, propondo uma poética do caminhar e do habitar o mundo com os pés no chão e a imaginação em voo.
Conhecido por transformar materiais naturais como pedras, folhas, galhos e terra em arte, Adjiman explora nesta exposição o deslocamento como linguagem, seja no corpo, na paisagem ou na palavra. A instalação Dose de doze, por exemplo, dá início ao percurso expositivo com garrafas que guardam trechos literários escolhidos por amigos do artista, transformando livros e memórias em gestos plásticos e afetivos.
Outro destaque da mostra é Ascensão, escultura desenvolvida durante residência no Parque Nacional do Itatiaia, na Serra da Mantiqueira. A obra traz cordas tingidas com diferentes terras coletadas em montanhas da região e troncos de madeira que, juntos, formam uma cartografia afetiva da paisagem, como um abraço lançado entre o corpo e a geografia.
Chão é outra palavra para voo marca a estreia de Deco Adjiman em exposição individual na Galeria Luis Maluf, que vem se consolidando como espaço de destaque para artistas contemporâneos em diálogo com a natureza, a literatura e os atravessamentos sensíveis do tempo presente.

"A Arte deve viver ao Sol" de Gastone Novelli no MAC USP
2025-08-02 10:00 - 2025-10-12 21:00 | MAC USP, Av. Pedro Álvares Cabral, 1301 - Vila Mariana, São Paulo, SP, Brasil
Gastone Novelli, “Composição 6”, 1953 – Divulgação

O Museu de Arte Contemporânea da USP apresenta, a partir de 2 de agosto, a exposição A ARTE DEVE VIVER AO SOL – GASTONE NOVELLI NO BRASIL, com 30 trabalhos do artista italiano que viveu no Brasil entre 1948 e 1954 e aqui amadureceu sua vocação artística. Com curadoria de Ana Magalhães e Marco Rinaldi, a exposição tem a parceria entre o MAC USP e o Instituto Italiano de Cultura de São Paulo, com apoio do Archivio Gastone Novelli, Roma.
Gastone Novelli (1925-1968) chegou ao Brasil com 23 anos. Havia estudado ciências sociais e políticas em Florença e recebido uma formação acadêmica em artes visuais em Roma. No Brasil encontrou um momento de efervescência em que dois grandes museus de arte abriam suas portas e eram palco do debate sobre o abstracionismo: o Museu de Arte Moderna de São Paulo (MAM), com sua exposição inaugural Do figurativismo ao abstracionismo em 1949, e o Museu de Arte de São Paulo (MASP), que abrigou exposições individuais de Alexander Calder e Max Bill no período. Foi logo acolhido pelo diretor do MASP, Pietro Maria Bardi, que criou o Instituto de Arte Contemporânea (IAC) do museu e convidou Novelli para lecionar composição e desenho.
A exposição reflete esse contexto, em que Novelli desenvolveu a pintura abstrata pela primeira vez, ao mesmo tempo em que explorava a produção cerâmica e mural. Além disso, Novelli assumiu posição de destaque no engajamento com o ambiente artístico, criando projetos expositivos, lecionando no IAC, participando ativamente da Oficina de Arte (ODA) ou sendo convidado para as Bienais de São Paulo de 1951 e 1953. Para o curador Marco Rinaldi, “uma ocasião para o desenvolvimento teórico dos primeiros germes de uma reflexão sobre a linguagem da arte”. De um traço inicial expressionista, Novelli experimentou as diversas manifestações das vanguardas artísticas surgidas no início até meados do século 20.
O título da exposição foi extraído do manifesto publicado em 1952 pela Oficina de Arte, assinado por Novelli: “A arte deve viver ao sol, nas praças, em meio ao povo!”. Uma afirmação que expressava o compromisso dele e de seus companheiros em unir a arte ao desenho industrial e à pintura mural, visando democratizar a pesquisa artística: “um valor fundamental para os artistas modernos em um mundo em reconstrução”, observa a curadora Ana Magalhães.

"II Ciclo Expositivo" na Casa de Cultura do Parque
2025-08-02 11:00 - 2025-10-26 18:00 | Casa de Cultura do Parque, Av. Professor Fonseca Rodrigues, 1300 Alto de Pinheiros, São Paulo, São Paulo, Brasil
Imagem: Divulgação
A Casa de Cultura do Parque inaugura, em 2 de agosto, seu II Ciclo Expositivo, que segue até 26 de outubro. A programação gratuita inclui as exposições “Palavra e gesto”, coletiva na Galeria do Parque, “Carolina Colichio: Substrato”, no Gabinete, e “Antonio Pulquério: É de SANTO, é de BARRO”, no Projeto 280X1020. A abertura contará ainda com performances de Antonio Pulquério e da artista indígena colombiana Julieth Morales.
A coletiva “Palavra e gesto”, com texto crítico de Camila Bechelany, reúne trabalhos de Fabio Miguez, Maíra Dietrich, Marcelo Cipis, Marilá Dardot, Monica Barki e Rafael Alonso. As obras exploram a intersecção entre pintura e escrita, tensionando imagem e texto em poéticas verbo-visuais singulares, que remetem à visualidade vernacular e cotidiana.
No Gabinete, a mostra “Substrato” apresenta a pesquisa de Carolina Colichio (Ribeirão Preto, 1977). A artista utiliza fragmentos e imagens de paisagens em cerâmica e pintura, buscando dar visibilidade a existências e propor uma mediação da matéria. Suas peças, que remetem a fósseis e minerais, convidam à percepção do potencial ilimitado das coisas, fomentando uma natureza comum e interconectada.
O Projeto 280X1020 recebe “É de SANTO, é de BARRO”, de Antônio Pulquério (Campos Sales, CE, 1967). A intervenção, que tem performance de abertura do artista em 2 de agosto, subverte a lógica modular minimalista ao usar módulos artesanais de barro queimado. As peças, que remetem a Espadas de São Jorge ou Santa Bárbara, entrelaçam o terreno e o divino, refletindo o sincretismo cultural brasileiro onde santos católicos e divindades africanas se confundem. O texto de apresentação da mostra é de autoria de Tadeu Chiarelli.
Completa a programação de abertura, às 17h, a performance “ANINPI (Agua y sangre)”, da artista indígena Julieth Morales (Colômbia, 1992). A ação ritual, conduzida com sua mãe, explora a identidade cultural feminina e a ancestralidade. As duas recriam o ritual das Mojigangas, usando telas fúcsia e azul – da bandeira Misak – que simbolizam a luta, fertilidade, água e origem de seu povo. A performance harmoniza memória e presente, conectando mundos espiritual, físico e territorial ao som da música tradicional Misak.
As mostras contam com direção artística de Claudio Cretti e são uma idealização do Instituto de Cultura Contemporânea (ICCo). A CASA DE CULTURA DO PARQUE
A Casa de Cultura do Parque, localizada em frente ao Parque Villa-Lobos, no Alto de Pinheiros, em São Paulo, é um espaço plural que busca estimular reflexões sobre a agenda contemporânea, promovendo uma gama de atividades culturais e educativas que incluem exposições de arte, shows, palestras, cursos e oficinas. A Casa de Cultura do Parque tem como parceiro institucional o Instituto de Cultura Contemporânea – ICCo, uma OSCIP sem fins lucrativos. As duas iniciativas, de natureza socioeducativa, compartilham a mesma missão de ampliar a compreensão e a apreciação da arte e do conhecimento.

"Eu sou o Brasil: artistas populares" no Sesc Santo Amaro
2025-08-09 08:00 - 2025-12-28 17:00 | Sesc Santo Amaro, Rua Amador Bueno, 505 – Santo Amaro, São Paulo, SP, Brazil
Obra de Suene Oliveira Santos. Foto: Everton Ballardin
Com abertura em 9 de agosto e visitação até 28 de dezembro, a exposição Eu sou o Brasil: artistas populares ocupará o Sesc Santo Amaro com um conjunto de 57 obras pertencentes ao Acervo Sesc de Arte, reunindo produções de artistas autodidatas de diferentes regiões do Brasil. Produzida a partir de uma seleção criteriosa do curador Renan Quevedo, a mostra, que evidencia a relevância da coleção de artes visuais do Sesc São Paulo, inclui pinturas, esculturas, xilogravuras e objetos que revelam a pluralidade e a potência simbólica da chamada arte popular, força criativa marcada pela ancestralidade, pela memória coletiva e pela resistência.
Organizada em quatro núcleos temáticos – Fauna e Flora, Cotidiano, Ofícios e Festas –, a exposição reúne obras de 30 artistas do Norte ao Sul do Brasil. São eles: Maria Lira Marques, J. Borges, J. Miguel, Manoel Graciano, Francisco Graciano, Carmézia Emiliano, Mirian, Berbela, Jasson Gonçalves, Cornélio, Louco Filho, Agostinho Batista de Freitas, Waldomiro de Deus, Zica Bergami, Mestre Saúba, Mestre Molina, José Bezerra, Aberaldo Santos, José Antônio da Silva, Ranchinho, Juracy Mello, Nilson Pimenta da Costa, Neves Torres, Neri Agenor de Andrade, Paulo Orlando da Silva, Suene Oliveira Santos, Véio, Gersion de Castro Silva, Maria de Lourdes, Nilo e Cornélio.
Marcadas pela experimentação, pela oralidade e por saberes transmitidos de geração em geração, as obras de cada um desses artistas têm em comum a produção à margem do chamado circuito de arte e refletem a dinâmica de trabalhos que simbolizam vivências e territórios diversos, suscitando críticas sociais, retratando experiências cotidianas ou celebrando festas e rituais.
“Agentes-chave de definição da identidade brasileira, os artistas da mostra começam a esculpir, pintar, entalhar, modelar, imprimir, polir e encerar, entre tantos outros verbos obstinados, movidos pela vontade de externalizar poeticamente os impulsos criativos”, defende Quevedo no texto curatorial da exposição. “Aqui, nos distanciamos do caráter ingênuo ao qual a arte popular foi associada – e ainda é – para orgulhosamente descortinarmos seus aspectos e contornos densos, ambivalentes, extraordinários e profundos. Com a transmissão de saberes entre sucessores, de geração em geração, são consolidados pilares culturais e pertencimentos sociais, contribuindo para a formação de comunidades atentas ao imaterial, à ancestralidade e às permanências”, complementa.

Quatro núcleos em detalhes
No núcleo Fauna e Flora, elementos da natureza reproduzidos em diversos suportes revelam diferentes nuances de Norte a Sul do país. Papel, madeira, metal, tintas industriais e pigmentos naturais são utilizados para tecer narrativas que retratam bichos ora reais, ora imaginários, atravessando visões, cotidiano, crenças, lendas e salvaguardas. Entre outros destaques do núcleo, como as xilogravuras do mestre J.Borges, os tons do Vale do Jequitinhonha inspiram a mineira Maria Lira Marques nas pinturas da série Meus Bichos do Sertão. Já o baiano Berbela tem a soldagem e a reciclagem de descartes plásticos e metálicos da comunidade de Paraisópolis como ponto de partida para a criação de inventivos simulacros de insetos
Nas proposições do núcleo Cotidiano, Quevedo explora dinâmicas do dia a dia, em contextos urbanos e rurais, com obras que abordam relações de trabalho, crítica social, sonhos, insatisfações e manifestações de fé. Um painel imponente com mais de uma centena de Ex-votos abre caminho para as carrancas do alagoano Jasson, um anjo esculpido pelo piauiense Cornélio e os orixás do baiano Louco Filho. O lazer é visto nas pinturas de Waldomiro de Deus, nos desenhos de Zica Bérgami e na torre com brincadeiras de criança de Mestre Saúba. Zé Bezerra e Aberaldo criam a partir do movimento da madeira e ali observam seres que se insinuam nas curvas do material, trabalhando consistentemente a relação entre olhos e mãos.
Já em Ofícios são retratadas atividades ligadas ao fazer manual e aos trabalhos do campo, como na inventiva geringonça de Mestre Molina intitulada Vida na Roça, e às práticas comunitárias, destacando a diversidade das técnicas artesanais no Brasil e suas origens em processos de mistura entre culturas indígenas, africanas e europeias. O núcleo também evoca o fluxo de migrantes que contribuíram para a consolidação da economia paulistana e influenciaram fortemente a constituição de comunidades urbanas, como a do entorno do Sesc Santo Amaro, cujas memórias ecoam nas obras de artistas como José Antônio da Silva, Neves Torres, Ranchinho, Neri Agenor de Andrade, Waldomiro de Deus, Juracy Melo e Nilson Pimenta.
Por fim, o núcleo Festas destaca as manifestações culturais coletivas. Reunindo pinturas, esculturas e xilogravuras, o conjunto de obras revela olhares sobre folias, folguedos, danças, ritos e reuniões permeadas por humor, fé, críticas sociais, desejos, formas e cores. Articuladoras de símbolos, comunidades e territórios, as festas atravessam a rotina e possibilitam a atualização de significados para os grupos. Rituais de oferta e agradecimento de alimentos são vistos na produção do pernambucano Paulo Orlando da Silva, da paranaense Suene Oliveira Santos e de Carmézia Emiliano. A última, roraimense da etnia Macuxi, cria uma representação da Parixara, tradicional celebração em agradecimento à comida, culto à caça e à colheita e fortalecimento de laços comunitários. A alegria do frevo, do circo e dos parques de diversões é, respectivamente, registrada na obra de J. Borges, Véio e Mestre Molina. Já as reuniões de caráter religioso, como a Folia de Reis, celebram o nascimento de Jesus em desfiles processionais musicalizados, sendo representadas na obra de Manoel Graciano, nascido no Cariri cearense.
Ao reverenciar o trabalho dos 32 artistas presentes nesta mostra, expoentes de práticas muitas vezes marginalizadas e subdimensionadas, a exposição Eu sou o Brasil: artistas populares contribui para uma revisão do lugar da arte popular no imaginário nacional, convidando o público a ampliar os horizontes do que se entende por arte no Brasil contemporâneo.

"Raymundo Colares: Pista livre" na Almeida & Dale
2025-08-09 10:00 - 2025-10-04 19:00 | Almeida & Dale, Rua Fradique Coutinho, 1430 – Pinheiros, São Paulo, SP, Brazil
Raymundo Colares, Sem título, 1966 – Imagen / Divulgação
A Almeida & Dale inaugura no dia 9 de agosto, sábado, a exposição Raymundo Colares: Pista livre, panorâmica dedicada à obra do artista mineiro Raymundo Colares (1944–1986), sob curadoria de Ligia Canongia. Reunindo mais de 40 obras, entre pinturas, guaches e os emblemáticos Gibis, livros-objetos que convidam o público a se envolver com os trabalhos tridimensionais a partir do manuseio de suas folhas coloridas que se desdobram, a mostra marca o retorno do artista à capital paulista após um hiato de 15 anos sem exposições individuais na cidade.
Figura singular da arte brasileira dos anos 1970, Colares criou uma linguagem própria, marcada pela fusão entre referências construtivistas e elementos da cultura urbana e popular. O ônibus, ícone recorrente em sua produção, sintetiza esse cruzamento. Nas telas, a carroceria se desdobra em formas geométricas e cortes abruptos que evocam velocidade, fragmentação e fluxo, temas centrais em seus trabalhos. Suas telas apresentam fragmentos de espaço que parecem se colidir, pedaços de carrocerias captados ao acaso e em movimento. A ideia da multiplicação e da deformação das coisas em movimento traz à luz uma das questões-chave de sua produção, que é a ideia de tempo e velocidade.
“Raymundo Colares compreendeu que a questão do movimento, em última instância, a questão do tempo, havia arremetido a experiência da pintura para além da estabilidade que conhecera no passado histórico, respondendo aos avanços da ciência e ao viver moderno. Pressentiu que essa atualização se prolongaria na era contemporânea, e que os efeitos da máquina seriam intensos e irreversíveis, mesmo não tendo vivenciado o mundo digital de nossos dias”, explica a curadora.
Duas réplicas dos originais Gibis, livros de artista compostos por folhas de papel colorido recortado que se transformam a cada virada de página e revelam novas configurações visuais, são disponibilizadas na exposição para interação do público. A mostra inclui ainda um vídeo do artista carioca Marcos Chaves, que realiza uma homenagem a Colares e edifica, por meio de imagens em movimento, o universo visual dos ônibus que tanto o inspiraram. Concomitantemente à exposição, será lançado o primeiro livro integral sobre a obra de Raymundo Colares, em uma publicação bilíngue que conta com textos de Ligia Canongia e de Felipe Scovino, além de artigos históricos, cronologia ilustrada e documentos inéditos, como cartas e poemas visuais do próprio artista.

"Águas Abertas" no Parque Linear Bruno Covas
2025-08-09 10:00 - 2025-11-09 17:00 | Parque Linear Bruno Covas, Margem oeste do Rio Pinheiros, entre Ponte Cidade Jardim e Ponte João Dias Principal acesso pela Usina São Paulo, São Paulo, SP, Brazil
Lenora de Barros + Madeeeeira, “Resetar” (maquete). Foto: Mayra Azzi

Se as margens dos rios são ambientes propícios à ocupação humana desde tempos ancestrais – tanto pelas possibilidades de deslocamento e comunicação que os cursos d’água oferecem quanto pelo fornecimento do recurso mais fundamental para a vida na Terra –, as águas são um ponto de partida para compreender as dinâmicas sociais e políticas do espaço urbano moderno e contemporâneo. As metamorfoses das grandes cidades nos últimos séculos podem ser estudadas à luz da complexa relação entre natureza e interesses políticos.
Em São Paulo, o Rio Pinheiros passou por transformações entre os anos 1930 e 1970, com a retificação de seu curso d’água, a construção de represas e usinas e de vias marginais. Hoje, o rio passa por outro ciclo de transfiguração, com grandes empreendimentos imobiliários sendo implementados em suas franjas.
O que esse rio nos diz sobre as relações entre as cidades e as águas? Pode um rio sobreviver às grandes cidades? Perguntas como essas são lançadas pelo projeto Águas Abertas, reunindo instalações artísticas que problematizam e instigam o debate sobre a vida dos rios na cidade de São Paulo, no Brasil e no mundo. A abertura acontece no sábado 9 de agosto, das 12h às 17h, no Parque Linear Bruno Covas, às margens do Rio Pinheiros.
Com curadoria de Gabriela de Matos e Paula Alzugaray e curadoria adjunta de João Paulo Quintella e Raphael Bento, a iniciativa articula intersecções entre arte, meio ambiente e cidade, ocupando os 8 quilômetros do Parque Bruno Covas, na margem oeste do rio Pinheiros, entre a Ponte Cidade Jardim e o projeto Pomar Urbano em São Paulo. É uma oportunidade de atrair novos públicos ao Parque e marcar as conquistas graduais do programa de despoluição do rio, que vem sendo executado desde 2019 pela Sabesp, patrocinadora do projeto. A identidade visual é de Namibia Chroma.
Nas palavras das curadoras, Águas Abertas tem o intuito de investigar e experimentar as possibilidades da arte de abrir novas perspectivas relacionais entre a cidade e suas dimensões hídricas.
“Contrapor-se à tensão dialética entre natureza e cultura, que estruturou o pensamento antropocêntrico ocidental, e deixou como legado a crise climática extrema, é um movimento necessário em um presente de urgências. […] O projeto busca criar uma rede de ideias navegáveis, considerar como um rio e uma cidade podem sair modificados de um projeto que se propõe um laboratório de pensamento e imaginação, tendo a arte como agente; imaginar a terceira margem do Rio Pinheiros.”
A colaboração entre Cinthia Marcelle e o escritório de arquitetura vão é um exemplo de como as relações entre natureza, cidade e suas populações podem ser abordadas a partir de uma instalação de forma orgânica e relacional. O grupo fez incursões ao Jardim Panorama, comunidade lindeira do Rio Pinheiros, que é separada de um condomínio de luxo por um grande muro.
Partindo dessa situação e referindo-se ao cerceamento entre populações de poderes aquisitivos diversos, Cinthia Marcelle e vão criaram uma barricada de blocos cerâmicos na faixa verde do Parque Bruno Covas em que a vegetação é escassa e possibilita visualizar o Jardim Panorama ao fundo. Esse muro-instalação é feito sem argamassa, permitindo que os moradores da comunidade retirem os blocos cerâmicos empilhados mediante agendamento com a produção, para construírem paredes de moradias e comércios em vez de muros de contenção.
Também Keila-Sankofa partiu da relação com populações ribeirinhas, dessa vez com pessoas da etnia Pankararu que moram nas imediações do Rio Pinheiros, para criar sua obra, composta de performance, intervenção, fotografia e vídeo mostrando um ritual afroindígena em relação com as águas.
A exposição apresenta ainda instalações assinadas por Coletivo Coletores, Day Rodrigues, Lenora de Barros e Lúcio Ventania (informações completas abaixo).
Encabeçada por duas curadoras, a seleção privilegiou artistas mulheres, subvertendo a tradição de construção de monumentos públicos simbólicos do patriarcado, fosse por seus realizadores ou pela representação de feitos associados a figuras masculinas.
As/os artistas são de cidades como Belo Horizonte (Cinthia Marcelle), Santos (Day Rodrigues), Manaus (Keila-Sankofa), Ravena/Sabará (Lúcio Ventania), ou de regiões periféricas de São Paulo (Coletivo Coletores).
Águas Abertas tem patrocínio da Sabesp por meio da Lei de Incentivo à Cultura – Lei Rouanet, com realização do Ministério da Cultura e do Governo Federal.
Local: Parque Linear Bruno CovasMargem oeste do Rio Pinheiros, entre Ponte Cidade Jardim e Ponte João Dias
Principal acesso pela Usina São Paulo (ver abaixo)
Segunda a domingo, das 10h às 17h – Grátis
Acessos:
Usina São Paulo – acesso à direita pela via expressa da Marginal Pinheiros na altura do Shopping Cidade Jardim (estacionamento para veículos); Passarela flutuante Usina São Paulo – interligação com a Ciclovia Franco Montoro (ciclistas), horário de funcionamento da Passarela das 5h30 às 19h; Ponte Cidade Jardim (pedestres e ciclistas); Projeto Pomar Urbano – Av. Guido Caloi n° 551 – JD. São Luiz (pedestres e ciclistas); Ponte João Dias (pedestres e ciclistas); Ponte Laguna (pedestres e ciclistas); Passarela Global – acesso pela via local da Marginal Pinheiros, defronte ao empreendimento Parque Global (pedestres, ciclistas e estacionamento para veículos), horário de funcionamento do Estacionamento das 6h às 19h; Passarela flutuante Parque Global – interligação com a Ciclovia Franco Montoro (ciclistas), horário de funcionamento da Passarela das 5h30 às 22h (no momento a passarela encontra-se inoperante por conta de obras do Metrô em Santo Amaro na margem leste da Ciclovia Rio Pinheiros)

"A céu aberto" de Santídio Pereira na Galeria Estação
2025-08-14 11:00 - 2025-10-02 19:00 | Galeria Estação, 625 R. Ferreira de Araújo Pinheiros, São Paulo, São Paulo, Brasil
Santídio Pereira, Sem título, 2025. Foto: Filipe Berndt

Céus e estrelas descrevem o cenário onde nasceu Santídio Pereira, no estado de Piauí, em que a escassez de luz artificial revelou universos reais e imaginários para a obra do artista. A céu aberto, nova exposição que ocupa a galeria Estação, a partir de 14 de agosto, traz dois conjuntos de obras que se diferenciam entre si, mas se conectam pelos modos de pensar fazer a arte. De um lado, xilogravuras alusivas a céus – que incluem noites estreladas, constelações, galáxias e o cosmos – apontam para a visão do infinito, enquanto, de outro, as criações em guaches e xilos se solidificam na esfera terrena, com figurações de bromélias assentadas no ambiente concreto.
A mostra, com curadoria de José Augusto Ribeiro, reúne trabalhos realizados no mesmo período, de janeiro a junho de 2025.
O retorno à terra natal impôs a Santídio Pereira um encantamento pela sua própria história, principalmente durante a observação do céu por horas e por dias consecutivos. Essa paixão pela sua cidade de origem o faz se apropriar vigorosamente dos elementos que compõem sua trajetória artística e de vida.
“A paixão dele pelo Piauí, estado onde nasceu, manifesta-se, em seus trabalhos recentes, por meio de céus e estrelas. Ultimamente, ele tem passado longas temporadas por lá, encantado com o céu da sua pequena cidade, Isaías Coelho, onde a quase ausência de luzes urbanas propicia aquela explosão estelar de que somos privados nos grandes centros urbanos”,destaca Vilma Eid, ao apresentar a mostra A céu aberto. “Santídio sabe tudo sobre as estrelas: nomes, movimentos, composição, classificações (…) Agora, passou para as xilogravuras suas experiências estelares. São poemas colocados no papel!”.
De acordo com o artista, conforme relata o curador, a ideia para a realização das gravuras de céu surgiu na observação de pontos imprevistos, marcas produzidas por buracos abertos por cupim, pela impressão de matrizes com contornos cavados de folhas e florações de bromélias.
São imagens observadas que instigam a criatividade e norteiam as criações de Santídio Pereira desde 2021, seja por uma ou outra técnica.
Esta é a primeira vez que as xilogravuras remissivas a céus são exibidas e refletem uma trajetória de continuidade, ainda que com variações e desvios, mas em um percurso fluido por quase 10 anos.
A produção das gravuras celestes é guiada tanto pelas criações livres como pelas referenciadas em mapas astronômicos, fotografias e anotações feitas por meio de ferramentas tecnológicas guardadas no celular, que refletem a imagem observada do céu naquele determinado momento. São cenas que reproduzem regiões específicas da esfera celeste ou estudadas pelo artista, com adensamento de acontecimentos visuais, variedade de cores e tons escolhidos para a série temática, para observação próxima da obra. E cada xilogravura é autônoma e única, mas se evidencia quando o trabalho é exibido em conjunto.
Já as produções inspiradas no ambiente terreno – gravuras e guaches – com figurações de bromélias, mostram elementos individuais, no centro da tela, com no máximo duas cores, como a flutuar sobre a superfície da obra. São peças para observação à distância em que se evidenciam os contornos na superfície, linha e cor e formas e volumes.

"Os Espelhos" de Waltercio Caldas na Galeria Raquel Arnaud
2025-08-14 11:00 - 2025-10-11 19:00 | Galeria Raquel Arnaud, 125 R. Fidalga Vila Madalena, São Paulo, São Paulo, Brasil
Waltercio Caldas, “maquete VII – estação de trânsito”, 1967. Foto: Jaime Acioli
Os Espelhos
Giulia Baitz
Waltercio Caldas subverte a essência de um objeto tão onipresente como o espelho. Longe de enxergá-lo como uma superfície meramente reflexiva, o artista o concebe como um objeto satírico, bem-humorado, que opera numa dimensão singular, revelando mais sobre a nossa percepção e expectativa do que sobre a realidade em si. Para o artista, a função mimética do espelho pode ser isolada e manipulada, criando ambientes espelhados que prescindem da necessidade dos vidros polidos.
A exploração de Waltercio com espelhos inicia-se no final da década de 1960, com uma vasta produção em 1975, período no qual ele direciona sua atenção sobre as possibilidades desse objeto — prática que se estende até hoje. Atraído pelo desejo de construí-lo, e não pelo objeto como o conhecemos, o artista produz um artefato que questiona função e funcionamento. O paradoxo se instala: o espelho mostra o que não se vê e, mais intrigante ainda, não mostra o que se espera ver — a imagem do espectador. A relação do espectador com a obra torna-se, então, parte essencial da poética do artista, na sua tentativa de atribuir outras funções aos espelhos e suas imagens.
Waltercio estabelece um instigante jogo entre a obra e o observador. Em Circunferência com espelho a 30° (1976), por exemplo, o espectador espera ver, ao se aproximar, seu próprio reflexo, mas é confrontado por um vazio e pela descoberta de um espelho que revela outra dimensão. Essa ausência inesperada quebra sua expectativa, é uma negação da mimese. A obra se revela um “objeto mimético com defeito”, subvertendo sua função tradicional e instigando uma nova forma de percepção.
Seus espelhos deslocam o mundo e nos fazem duvidar da ideia de lugar, são um convite que nos leva a reavaliar nosso entendimento sobre esses objetos e instiga nossa curiosidade. Seria a reflexividade, de fato, o caráter mais importante de um espelho? Materializar a ideia de espelhamento sem a necessidade de refletir nenhum objeto, esse é o desafio do artista. De uma superfície passiva, o espelho é transformado em um dispositivo ativo, em um provocador que desestabiliza nossa percepção, questiona nossa compreensão. Nesta exposição, as obras criticam e colocam em xeque a ideia de mimese e de objetos de arte. São convites à introspecção e à dúvida, desafiando o observador a ir além dos reflexos superficiais.

"Brasil de susto e sonho: um panorama da obra de Rivane Neuenschwander" no Itaú Cultural
2025-08-14 11:00 - 2025-11-02 20:00 | Itaú Cultural, Av. Paulista, 149 - Bela Vista, São Paulo, SP, Brasil
Rivane Neuenschwander, “A.E. (Nunca mais Brasil)”, 2023
Com abertura no Itaú Cultural (IC) na noite de 13 de agosto – e visitação do público no dia seguinte, 14, até 2 de novembro –, a mostra tem curadoria da pesquisadora (Universidade Federal de Pernambuco/UFPE) e jornalista Fabiana Moraes e realização da equipe do IC. A exposição se estende pelos três pisos do espaço expositivo da instituição dedicados às mostras temporárias.
No conjunto, Brasil de susto e sonho: um panorama da obra de Rivane Neuenschwander apresenta o olhar atento da artista sobre assuntos que vêm movendo os brasileiros na história contemporânea do país – dos anos de 1970 aos atuais. Os suportes artísticos são variados: vídeos, esculturas, pinturas, instalações e desenhos. A inspiração trafega entre registros de manifestações diversas captadas por ela em solo firme, no espaço das redes sociais, em sonhos de crianças, em festas folclóricas e em observações subjetivas capturadas em suas andanças pelo país.
PISO 1
Este andar acolhe duas de suas obras inéditas: Dream.lab/São Paulo, ainda não vista pelo público brasileiro, e a estreia de Mestre Zenóbio e o Cordão da Bicharada. A primeira navega pelos sonhos de crianças, cuja colaboração, como uma espécie de coautores de produção espontânea, marca outros trabalhos da artista. Apresentada no museu de arte moderna KinderKunstLabor, na Áustria, com curadoria de Mona Jas e Andreas Hoffer, esta é a primeira montagem da obra no Brasil após um processo de pesquisa denso e específico para a exposição. Resultado de oficinas conduzidas pela equipe de mediação cultural do Itaú Cultural, ao lado da artista, com alunos da Escola Municipal de Ensino Fundamental (Emef) Abrão de Moraes e da Emef Desembargador Amorim Lima, as atividades partiram de uma leitura do livro Sonhozzz (editora Salamandra, 2021), de Silvana Tavano e Daniel Kondo, que também assina as ilustrações. As crianças fizeram exercícios para a produção de desenhos nos quais manifestaram seus sonhos, desembocando em uma delicada investigação sobre a infância, o inconsciente coletivo e os sonhos desses brasileiros em crescimento.
A segunda obra, Mestre Zenóbio e o Cordão da Bicharada, é um vídeo de cerca de 20 minutos dirigido por Cao Guimarães e Rivane, que retomam uma parceria já vista na obra Quarta-feira de Cinzas/Epílogo (2006), também presente na exposição. O trabalho versa sobre o cordão que lhe dá nome, fundado por Mestre Zenóbio na Vila de Juaba, em Cametá, interior do Pará, na primeira metade dos anos de 1970. Em um tempo em que a Copa do Mundo e a Transamazônica dominavam as telas e os discursos do regime ditatorial, Zenóbio enchia uma pequena embarcação com representações de animais de países e climas distintos para chamar a atenção para a preservação da natureza, em um cortejo que se repete todos os anos no Carnaval das Águas (tradição centenária da cultura paraense). Rivane e Cao registraram o mais recente, resultando neste filme que mescla sonho e susto, beleza e plástico jogado fora, ontem e agora. A trilha é da dupla performer brasileira O Grivo, que também aparece em trabalhos como Erotisme.
Ainda fazem parte deste piso Atrás da porta e L.L. (O vendedor de furos). A primeira é de 2007, uma serigrafia sobre madeira composta de 140 peças de dimensões variadas com desenhos e rabiscos, que a artista foi capturando ao longo dos anos nas portas de banheiros públicos. De 2023, a segunda reúne pequenas esculturas, que se espalham pelos três andares da exposição. A obra é baseada em uma memória de infância de L.L., amiga de Rivane, na qual ela imaginava um comerciante que ganhava dinheiro vendendo buracos, e faz uma conexão precisa sobre o mundo em que vivemos na atualidade.
PISO -1
Aqui, o público encontra mais dois trabalhos inéditos: As Insubmissas e Perversos, marcianos, canibais e alienados. Uma ema antifascista, um tubarão verde com lenço amarelo pronto para atacar, arapongas e tigrinhos, entre outros, representam personagens que falam da história mais recente do país. Somando os dois conjuntos, são 23 figuras, entre bichos, frutas, plantas na composição desses bonecos, feitos de tecido, papel machê, garrafas de vidro, bordados e outros materiais.
As Insubmissas reúne os personagens A Ativista; O Brasil; O Comunista; O Socialista; A Anti-fascista e O Ministro. Em Perversos, marcianos, canibais e alienados estão A Agência de Vigilância; A Alta Patente; A Emenda Parlamentar; A Força Aérea Expedicionária; A Funcionária Fantasma; A Inflação; A Patriota; O Algoritmo; O Autocrata; O Deputado Federal; O Empresário; O Jogo de Apostas; O Magnata da Fé; O Oligarca; O Tarifaço e O Tecnocrata.
Estes trabalhos derivam da obra O alienista (2019), atualmente exposta no Instituto Inhotim e baseada no livro de Machado de Assis. Nela, estão personagens como O Orador de Sobremesas, O Juiz de Fora, O Terraplanista, O Barbeiro, A Viúva e João de Deus (personagem de O alienista, de Machado de Assis), entre outros.
Também está neste piso o vídeo digital Enredo, produzido por Rivane em 2016 com o neurocientista Sérgio Neuenschwander. O audiovisual se inspira na coletânea de contos populares do Oriente Médio As Mil e Uma Noites (edição em português) para acompanhar uma aranha tecendo a sua teia com o seu fio entremeado por confetes feitos de pequenos trechos do livro, entre palavras que atravessam o seu caminho e ao som de um tamburello (versão italiana da pandeireta) tocado pelo cantor e compositor Domenico Lancellotti.
Neste andar, ainda, o público encontra mais um vídeo de Rivane e Cao Guimarães: Quarta-feira de Cinzas/Epílogo, realizado em 2006. O filme de 10 minutos articula a folia em fim de festa. A obra Repente, de 2016, apresenta etiquetas de tecido bordadas, painel de feltro, caixas de madeira, alfinetes de cabeça e de segurança, em um trabalho que a artista vem atualizando ao longo dos anos com novas palavras de ordem em um remix de protestos, mobilizações e lutas dos brasileiros.
No trabalho Noites árabes (2008), ela evoca a claridade volátil da Lua mobilizando um número palíndromo, assim como na obra Enredo, as Mil e Uma Noites de Sherazade. Aqui, o rolo de filme de 16 milímetros se desdobra em 1.001 pequenos furos atravessados pela luz, entre 1.001 noites, histórias e recomeços.
À espreita, acrílica sobre papel preto acid free, reúne 24 pinturas que investigam tanto o lado psicanalítico quanto político do medo. Rivane vem investigando há anos a infância como um lugar também político. Neste trabalho ela exibe formas sombrias desenhadas pelas próprias crianças, a partir de oficinas realizadas na pesquisa O nome do medo. As formas remetem a monstros, fantasmas e espíritos que além de viverem nas casas, habitaram porões e delegacias no período ditatorial brasileiro.
PISO -2
Apocaplástico, obra exibida com destaque neste andar, também é inédita. Trata-se de uma escultura composta de madeira, massa e tinta acrílica, corda, plástico e papel, com dimensões variadas. Tem origem na viagem que a artista fez ao lado de Cao Guimarães, na região do rio Tocantins, para a produção de Mestre Zenóbio e o Cordão da Bicharada. Lá, Rivane observou uma grande quantidade de plásticos e outros materiais jogados após o Carnaval, cujas imagens aparecem no vídeo e nestas obras.
A artista também anotou pontos de reflexão sobre o projeto de colonização dos interiores do norte do país, que segue firme e cada vez mais forte por meio da religião, e as depositou em Apocaplástico. A localidade é a que abriga mais templos religiosos no país – 459 deles a cada 100 mil habitantes; mais do que hospitais e escolas.
Também neste andar, Notícias de jornal (…), de 2025, expõe o noticiário cotidiano – em especial os tantos casos de feminicídio – em uma série de cinco novas pinturas baseadas em ex-votos – sem santos, mas com sangue. São elas: Notícias de Jornal (Simone), Notícias de Jornal (Natália), Notícias de Jornal (Érica), Notícias de Jornal (Jaciara) e Notícias de Jornal (Suely), todas realizadas neste ano.
Em A conversação (2010-2025), Rivane se inspirou no filme homônimo dirigido por Francis Ford Coppola em 1974. Nesta instalação composta de papel de parede, carpete, forro para carpete, cola, gravadores de áudio, aparelho de som e alto-falantes, também de dimensões variadas, o mote é a paranoia da espionagem, que transforma todos em suspeitos e alvos – dos celulares e drones, da entrega e monetização dos dados de cada pessoa, notícias sobre grupos e pessoas espionados pela gestão federal encerrada em 2022. Neste trabalho, há escutas escondidas no assoalho e nas paredes e microfones camuflados.
M.C. (Sete Exu da Lira/Chacrinha), de 2025, é um bordado de miçangas e lantejoulas sobre sarja de algodão. O trabalho vai buscar o Brasil de 1971 – quando, em pleno governo militar, os brasileiros assistiam ao programa do Chacrinha aos domingos. Ele tem foco especialmente no último domingo de agosto daquele ano, no qual a umbandista Mãe Cacilda de Assis recebia a entidade Seu Sete Rei da Lira e promovia um transe coletivo no programa da TV Globo (e, depois, no famoso show de Flávio Cavalcanti, na TV Tupi). Andrógina, negra e à frente de uma prática não cristã, Mãe Cacilda se tornou alvo do discurso moralista e racista das mais poderosas representantes do catolicismo conservador do país.
No vídeo Erotisme, produzido por Rivane em 2014, a trilha sonora é de O Grivo. Nele, uma mão interpreta o alfabeto desobedecendo a sua sombra. Entre umas imagens e outras, vão aparecendo palavras em francês, usuais ou inventadas, riscadas a canivete na madeira: masturber, nidifier, occulter (masturbar, aninhar, ocultar), entre outras. A obra faz referência direta ao verbete “erotismo”, atribuído a Georges Bataille, na obra surrealista Le memento universel Da Costa, e passeia por dualidades do sexo, visto como prazer ou arma; gozo ou ferida, remetendo à violação.
M.F. (Road trip), de 2015, poderia ser resumido como um buraco de 1 x 2 cm feito na parede, para exalar o cheiro de gasolina. Mas é muito mais do que isso. Trata-se de uma referência ao Brasil militar-desenvolvimentista e suas grandes estradas que cortaram aldeias e florestas, já a partir da década de 1970.
Em A.E. (Nunca mais Brasil), de 2023, uma tapeçaria de 1,70m x 1,70m, Rivane apresenta uma costura de retalhos de medos e lembranças, infância e geografia, arquivos e pavores: monstros e nomes de locais que serviram como espaços de tortura e desova de corpos, em uma referência ao livro Brasil: Nunca Mais (1985; editora Vozes) – organizado por Dom Paulo Evaristo Arns, Hélio Bicudo e Jaime Wright, reúne documentos de episódios de tortura durante a ditadura militar no Brasil. Aqui, a artista mescla a pesquisa O nome do medo (iniciada em 2015) a outro tema que demarca suas investigações: o regime autoritário que por duas décadas enterrou pessoas em locais como a Ponta da Praia (RJ).
R.R. (90 milhões em ação), de 2025, também remete aos anos de 1970, quando o Brasil conquistou o tetra na Copa de Futebol, com jogadores como Pelé, Rivelino, Tostão, Gerson e Jairzinho em campo. A vitória foi capitalizada pelo governo Médici (1969-1974) e embalada pela marchinha de Miguel Gustavo transformada em uma espécie de hino: “Noventa milhões em ação / Pra frente, Brasil, do meu coração”. Nas telas brilhava o Canal 100, fundado em 1957 pelo produtor Carlos Niemeyer, que exibia zooms de rostos em sua maioria desconhecidos acompanhando partidas de futebol enquanto, longe das câmeras, gestões autoritárias sequestravam, torturavam e matavam.

"Marina Perez Simão - Diapasão" no Instituto Tomie Ohtake
2025-08-15 11:00 - 2025-10-19 19:00 | Instituto Tomie Ohtake, Rua Coropé, 88 - Pinheiros, São Paulo, SP, Brasil
Marina Perez Simão, Sem título, 2024. Foto: Guilherme Gomes

O Ministério da Cultura, via Lei Federal de Incentivo à Cultura (Lei Rouanet), o Nubank, na cota de Mantenedor Institucional, e o Instituto Tomie Ohtake têm o prazer de anunciar Marina Perez Simão – Diapasão, a primeira grande exposição institucional da artista no Brasil. Em cartaz de 15 de agosto a 19 de outubro de 2025, a mostra tem curadoria de Paulo Miyada e conta com o patrocínio do NEON na cota prata e apoio da Mendes Wood DM.
Diapasão, título da exposição, remete ao instrumento que serve de referência para afinação. No contexto da mostra, ele aponta para a experiência visual como um sentido que pode afinar nossa percepção do espaço, da cor e da matéria. Com cerca de 80 trabalhos entre pinturas, aquarelas e cadernos de estudos, a mostra reafirma o compromisso da instituição em ampliar o acesso à produção artística contemporânea e integra uma trajetória de exposições que destacam a força inventiva de artistas mulheres – Anna Maria Maiolino, Vânia Mignone, Iole de Freitas, Maria Lira Marques, Mira Schendel e Patrícia Leite são os exemplos mais recentes.
Considerada uma das maiores coloristas de sua geração, a artista explora luz, cor, textura e movimento, criando composições de forte impacto visual e emocional. Seu trabalho se destaca pela capacidade de envolver os sentidos, resultado de um enfoque sinestésico presente em toda a sua produção. A exposição propõe uma experiência de profunda interação com o público, convidando-o a um mergulho cromático e perceptivo em sua obra.
Não por acaso, a mostra ocupa a maior sala do Instituto Tomie Ohtake, cuja arquitetura foi modificada especialmente para a ocasião, expandindo a curva característica do espaço, alterando a percepção do visitante. A montagem induz esse percurso para expor os últimos quinze anos de produção da artista, especialmente o movimento de transição do desenho e das aquarelas de estudo para as grandes pinturas a óleo criadas entre 2024 e 2025 que, segundo a curadoria, envolverão o público numa ondulação cromática contínua.
Embora guiadas por pinceladas fluidas, essas grandes pinturas resultam de dinâmicas cuidadosas, que envolvem planejamento, experimentação e combinação de elementos formais. O processo criativo passa pela produção de dezenas de estudos em aquarela, nos quais a artista explora possíveis composições, cores e atmosferas. Esses estudos não são diretamente traduzidos para as telas, mas funcionam como ensaios visuais que alimentam a produção simultânea das pinturas multicoloridas. A artista utiliza gestos amplos e cores previamente definidas para criar campos que se justapõem ou se sobrepõem, formando superfícies vibrantes e ressonantes.
Como afirma Paulo Miyada no texto curatorial, “Cada cor, escolhida e preparada antes de encostar na tela, define um campo, uma onda, um órgão da pintura, o qual se justapõe ou sobrepõe a outros campos, ressoando em uníssono, sem se diluir ou se confundir… O efeito mesmerizante de cada pintura passa pelas relações de proporção entre as áreas de cor, assim como de proximidades e distâncias tonais dentro das suas relações de complementariedade… Assim, forma-se uma obra que, antes mesmo de ser uma imagem, é uma presença material que rebate a luz intensamente, de modo estimulante aos sentidos”, conclui.

"Construção no Vento" na Claraboia + Flexa
2025-08-16 08:00 - 2025-10-04 17:00 | Claraboia, Al. Gabriel Monteiro da Silva, 2906 – Jardim América, São Paulo, SP, Brazil
Ione Saldanha, Sem título, da série Cidades, 1962. Foto: Edouard Fraipont

A Flexa, em parceria com a Claraboia, abre sua primeira exposição em São Paulo, Construção no Vento, no dia 16 de agosto. Com curadoria de Luisa Duarte, expografia de Daniela Thomas e texto de Julia de Souza, a mostra acontecerá na Claraboia.
Em ensaio ao redor de Mira Schendel, Nuno Ramos associa a obra da artista ao que nomeia “construção no vento”. A coletiva toma o paradoxo do título enquanto imagem propulsora, fazendo-a ressoar em três eixos: Gestos mínimos, Ativar o vazio e Paisagens rarefeitas.
Se características da produção de Schendel surgem aqui como bússola central, o modo como Leonilson abordava os vazios comparece como um vetor importante. Em um gesto que caminha na via oposta da assepsia vinculada ao monocromo branco na história da arte, o artista inseriu a dimensão do desejo através das suas inscrições plenas de poesia.
Ao conferir ênfase ao vazio, àquilo que se dá no limiar da visibilidade e ao campo de desejo, busca-se instaurar um contrapeso em meio à tamanha captura que conforma a atenção, a experiência do tempo e da subjetividade hoje.
Construção no vento permanece em cartaz até 4 de outubro.

"Bicho solto" de Luciana Maas na Sardenberg
2025-08-16 10:00 - 2025-09-20 19:00 | Sardenberg, Tv. Dona Paula, 134 – Higienópolis, São Paulo, São Paulo
Obra de Luciana Maas. Crédito: Raphaela Campano
A artista Luciana Maas apresenta sua nova individual a partir de 16 de agosto na galeria Sardenberg, na Travessa Dona Paula, em São Paulo. Intitulada Bicho solto, a exposição reúne pinturas inéditas que aprofundam sua pesquisa em torno da construção e dissolução da imagem. Resultado de quase dois anos de trabalho, a mostra propõe um embate direto com a pintura como linguagem e como matéria em telas que exibem um processo contínuo de apagar, raspar, refazer, deixar aparecer. A curadoria é de Ricardo Sardenberg.
Em sua trajetória, Maas investiga a tensão entre gesto, corpo e superfície. Se antes, essa tensão era experimentada a partir de tênis e balanços, em Bicho solto ela ganha novos desdobramentos: bichos, vultos, cabos de guarda-chuva e silhuetas de figuras humanas, que emergem como sobreviventes de uma batalha pictórica. A imagem nunca se afirma completamente, mas resiste —como rastro ou fantasmagoria. Meio como encontrar figuras em nuvens, como diz a artista.
“Os bichos apareciam e eu apagava. Agora, deixei eles ficarem.” Esses seres imprecisos, —dragões, peixes-boi, beija-flores, burricos— não foram planejados, mas surgiram do processo de pintura. Elementos recorrentes do trabalho de Maas —como fios, guarda-chuvas, mãos, balanços — também se metamorfoseiam: “o guarda-chuva virou asa de dragão, virou mão, virou casco”. Nas mãos de Maas, as imagens se desfazem enquanto se formam.
Para além da figuração, o que pulsa ali é a experiência do próprio ato de pintar; um processo errático, lento, tátil. Suas obras nascem da convivência prolongada com a tela, da construção paciente de camadas, de interrupções e hesitações. “Se depender de mim, a pintura nunca está pronta”, diz.
A paleta, agora mais sóbria, marca mais um deslocamento em relação aos trabalhos anteriores. Saem sprays e tons fluorescentes, entram os azuis e rosas construídos manualmente, as transparências, as raspagens. A tinta serve tanto como cobertura quanto como revelação, em uma espécia de arqueologia do gesto.
“Na contramão da nitidez e da eficiência que regem o regime visual contemporâneo, a pintura de Luciana Maas insiste no opaco, no precário, no irresoluto”, escreve o curador Ricardo Sardenberg. A imagem, aqui, não ilustra: age. “Cada superfície é campo de tensão, onde a imagem não se afirma —sobrevive. Em vez de representar o mundo, a pintura de Maas o enfrenta: como quem tenta formar algo no escuro, entre camadas de tempo, corpo e matéria.”

"Urihi mãripraɨ – Sonhar a terra-floresta" de Joseca Yanomami na Almeida & Dale
2025-08-16 10:00 - 2025-10-11 19:00 | Almeida & Dale, Rua Fradique Coutinho, 1360 – Pinheiros, São Paulo, SP
Obra de Joseca Yanomami. Foto: Filipe Berndt
Por meio de sua obra, Joseca Yanomami cria traduções de cenas do universo onírico e do xamanismo yanomami em imagens. Em Urihi mãripraɨ – Sonhar a terra-floresta, sua primeira individual na Almeida & Dale, o artista apresenta obras que dão a ver realidades que se revelam em sonhos habitados pelos espíritos e seres que sustentam o céu e a terra-floresta.
O conjunto é formado por obras inéditas, incluindo pinturas sobre tela, suporte novo na prática de Joseca, assim como por uma seleção de desenhos do início de sua carreira. A curadoria é de Bruce Albert, antropólogo que trabalha com os Yanomami desde 1975 e é coautor, com Davi Kopenawa, de A Queda do Céu: Palavras de um xamã Yanomami (2015).

"Xingu: Reflexos Indígenas no Design Contemporâneo" no Museu A CASA do Objeto Brasileiro
2025-08-16 10:00 - 2025-10-26 18:00 | Museu A CASA do Objeto Brasileiro, Av. Pedroso de Morais, 1216 – Pinheiros, São Paulo, SP, Brazil
Projeto Xingu – Yankatu. Foto: Lucas Rosin
O Museu A CASA do Objeto Brasileiro recebe, a partir de 16 de agosto, sábado, às 14h, a exposição Xingu: Reflexos Indígenas no Design Contemporâneo, resultado de um processo colaborativo entre a designer Maria Fernanda Paes de Barros, do escritório de design Yankatu, e os artesãos do povo Mehinaku, do Alto Xingu (MT), em uma potente confluência entre o design e os saberes indígenas. Realizada pela Yankatu e pelo Ministério da Cultura, por meio da Lei de Incentivo à Cultura, a ação conta com patrocínio da Sherwin-Williams do Brasil. A entrada é gratuita.
Além da exposição, o público terá acesso a um mini documentário inédito, que narra a trajetória do projeto e apresenta seus principais agentes e processos criativos. Também será disponibilizado gratuitamente um catálogo virtual, que contextualiza as ações do projeto e a parceria entre a Yankatu e os Mehinaku, com imagens, depoimentos e reflexões sobre o fazer artesanal e suas transformações.
A exposição propõe uma imersão do visitante pelo território artístico dos Mehinaku, reunindo objetos tradicionais – como bancos zoomorfos, cestarias e esteiras – e peças inéditas desenvolvidas em conjunto com a designer. Nas novas obras, Maria Fernanda evidencia o buriti, palmeira nativa que é a principal matéria-prima do trabalho das mulheres da etnia, e também os fios de algodão que ganham tingimentos naturais a partir de cascas de árvores nativas do entorno da aldeia. As obras refletem uma convivência imersiva e uma escuta sensível ao tempo e às necessidades da comunidade. Segundo a designer, a exposição apresenta como as criações ganham corpo, e o repertório da arte e do design brasileiros se expande, quando as interações são construídas de maneira ética, cuidadosa e horizontal.
“A ideia do projeto nasceu há cerca de cinco anos, a partir de uma imersão que realizei sozinha na aldeia Kaupüna para desenvolver uma coleção de peças em parceria com a comunidade. Durante esse processo, tive a ideia de fazer o tingimento natural de fios de algodão utilizados na produção de algumas peças — o que despertou neles um interesse genuíno pela técnica. A partir dali, ficou evidente o potencial de um diálogo que respeitasse profundamente os modos de fazer tradicionais, sem modificá-los, mas ampliando suas possibilidades de aplicação em novas criações”, explica Maria Fernanda, idealizadora do projeto.
A expografia da mostra será feita com tonalidades do catálogo da Sherwin-Williams, líder mundial em tintas e revestimentos, cuidadosamente escolhidas para valorizar as obras e aumentar o destaque das peças. “Acreditamos no poder da cor como ferramenta de expressão e conexão, e é uma alegria as nossas estarem presentes na exposição Xingu, ajudando a contar essa história tão rica de saberes, trocas e criatividade. Projetos como esse reforçam a importância do diálogo entre passado e presente, tradição e inovação, e nos mostram como a cultura pode inspirar novas formas de ver e viver o design.”, afirma Patrícia Fecci, gerente de Color Marketing e especialista em cores da Sherwin-Williams.
Durante o processo de criação, o projeto promoveu oficinas de tingimento natural com mulheres da aldeia Mehinaku, reforçando seu caráter formativo e colaborativo. Para conduzir as atividades, foi convidada a pesquisadora Maibe Maroccolo, da Matriccaria, uma especialista em tingimento que tem mapeado o potencial tintorial de diferentes biomas brasileiros. A oficina propôs um intercâmbio de conhecimentos entre as técnicas ancestrais de tingimento já utilizadas pelos artesãos e práticas contemporâneas, despertando interesse e protagonismo das artesãs. O resultado gerou uma paleta de 12 cores que aparecem entrelaçadas em diferentes obras da mostra.
Durante o período da mostra, que fica em cartaz até o dia 26 de outubro, objetos desenvolvidos entre a Yankatu e os artesãos Mehinaku, estarão disponíveis para venda na loja do museu. Será uma oportunidade para o público adquirir uma peça única carregada de história, tradição e inovação.
A mostra foi pensada para garantir plena acessibilidade ao público. O minidocumentário contará com tradução em LIBRAS (Língua Brasileira de Sinais), os textos da exposição estarão disponíveis em Braile, e o espaço expositivo do Museu A CASA dispõe de rampas e banheiros adaptados para pessoas com mobilidade reduzida. Além disso, os monitores foram capacitados para atender visitantes com deficiências cognitivas, promovendo uma experiência acolhedora, inclusiva e sensível às diferentes formas de percepção.

"APORIA" de Laerte Ramos na Desapê
2025-08-16 12:00 - 2025-10-25 18:00 | Desapê, Travessa Dona Paula, 7 – Higienópolis, São Paulo, SP, Brazil
Laerte Ramos, “Antiderrapante 02”, 2024
O artista visual Laerte Ramos inaugura sua nova exposição individual, intitulada APORIA, no projeto Desapê, em São Paulo, a partir de 16 de agosto, com abertura ao público das 12h às 18h. A mostra apresenta obras inéditas e outras de diferentes momentos de sua trajetória, reafirmando a potência de uma pesquisa plástica multifacetada que transita entre a gravura, a cerâmica, o têxtil e a escultura.
APORIA, termo de origem grega, remete a um estado de impasse, dúvida ou paradoxo —um lugar onde o pensamento encontra seu limite diante da contradição ou da complexidade. É nesse território ambíguo, entre forma e função, cotidiano e simbólico, matéria e conceito, que Ramos posiciona suas obras. A exposição propõe ao público um percurso por essas zonas limiares, onde o sentido não é entregue, mas construído a partir do confronto entre elementos díspares e sua ressignificação no espaço expositivo.
Com curadoria do próprio artista, APORIA ocupa duas salas do Desapê, projeto itinerante que atua como galeria, espaço de “descoleção: de obras e livros de artista, além de participar de feiras gráficas e mostras independentes.
Na Sala 01, o público encontrará a emblemática série Caixa d’água, composta por cem pequenas xilogravuras de 1999, e desdobramentos dessa pesquisa em três vertentes da série Forma de Reúso: esculturas cerâmicas esmaltadas em branco, versões cruas com aspecto de filtros e moringas, e joias em prata —esculturas vestíveis que tensionam os limites entre arte e design, tradição e inovação.
Na Sala 02, o destaque são as tapeçarias de grande escala da série Nós do Caos, produzidas em telagarça, com 2,40m de largura. Abordando temas urgentes como a presença das drogas no cotidiano urbano como escape e as tensões geopolíticas nucleares, as obras tecem relações entre os “nós” como entrelaçamentos formais e como metáforas dos sujeitos agentes em tempos de crise. Completa a sala a série Columbiformes, com uma dupla de esculturas de pombos em bronze, além de seus tênis de cerâmica, agora em versão amassada, apresentadas como objetos de parede.
Com uma carreira consolidada já com 28 anos de atuação no meio, Laerte Ramos contabiliza 11 residências artísticas, 32 prêmios, 57 exposições individuais e 178 mostras coletivas. Entre seus reconhecimentos, destaca-se o Prêmio Bienal de São Paulo – Artistas no Exterior, sua participação representando o Pavilhão Brasileiro na Expo Milano, e a exposição Casamata, realizada no Octógono da Pinacoteca de São Paulo. Vale a pena ainda ressaltar suas residências na Beyler Foundation/Riehen – Basel, Suíça e TPW Residency Program – Jingdezhen/Hong Kong/Shangai/Beijing, China financiada pelo Rumos Itaú Cultural.
APORIA reafirma o compromisso do artista com a materialidade, a experimentação e o diálogo entre técnica e discurso, convidando o público a percorrer mais de duas décadas de produção atravessada por memória urbana, crítica social e reinvenção formal.
