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SUMMARY:"La Collection: Revoir Picasso" no Musée Picasso Paris
DESCRIPTION:Pablo Picasso\, Trois figures sous un arbre (Three figures under a tree)\, 1907-1908 © Musée Picasso Paris\n\n\n\nO Museu Nacional Picasso-Paris reencontra sua coleção espalhada por três andares a partir de 12 de março; após um ano de celebração e a magnífica exposição dedicada à artista Sophie Calle. Dez anos após a reabertura do museu\, a coleção se instala de forma permanente no magnífico Hotel Salé. \n\n\n\nFruto de uma história extraordinária\, a formação da coleção do Museu Nacional Picasso-Paris foi possibilitada pelo mecanismo de dação – hoje é a maior coleção pública de obras de Picasso\, os “Picassos de Picasso”. Originária dos ateliês do artista\, essa coleção nos permite compreender melhor as explorações estéticas deste Picasso que ora é desconcertante\, plural\, contraditório\, reflexivo\, gestual e conceitual\, esteta e engajado\, inventor e poeta. Ele é simbolista\, cubista\, clássico\, surrealista ou simplesmente figurativo e político? \n\n\n\nUm lugar aberto e vibrante\, o museu aborda questões sociais para questionar\, através da jornada de sua obra\, a recepção dela\, ou seja\, a do pintor mais renomado\, mais observado\, mas também o mais discutido. \n\n\n\nÉ também uma oportunidade para dedicar exposições ou contrapontos aos corações das coleções. O primeiro desta série presta homenagem à artista Françoise Gilot\, que faleceu recentemente. Além de seu famoso livro intitulado “Viver com Picasso”\, publicado em 1965 – a trajetória da artista é evocada desde sua proximidade com o grupo das “Realidades Novas” até as grandes composições totêmicas das “pinturas emblemáticas” dos anos 1980.
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SUMMARY:"Guillermo Kuitca\, Chapelle" no Musée Picasso Paris
DESCRIPTION:Guillermo Kuitca. Chapelle\, 2024. Cortesia do Musée Picasso Paris. \n  \nA convite do Museu Nacional Picasso-Paris\, o artista argentino Guillermo Kuitca (n. 1961) criou uma obra site-specific na capela do Hôtel Salé. Desde sua intervenção na Bienal de Veneza em 2007\, Kuitca desenvolveu uma nova linguagem\, ecoando a arquitetura\, que o artista chama de “pintura cubistoide”\, na qual um conjunto de linhas que se cruzam\, como tantas dobras no plano\, é implantado diretamente nas paredes\, formando um novo espaço pictórico. Kuitca descreve seu lugar no “carrossel da arte moderna”: \n“Há muitos anos\, pintei quadros mostrando uma esteira rolante de bagagens. Acredito que a história da arte era o verdadeiro tema dessas pinturas. A arte seria esse carrossel; a obra de arte\, uma bagagem\, e os artistas\, passageiros. Enquanto esperamos por nossa bagagem\, nos fazemos uma série de perguntas: ‘Minha mala chegará e serei capaz de reconhecê-la entre outras semelhantes? E se eu pegasse a mala de outra pessoa\, estaria usando as roupas dela? Minha bagagem será destruída para sempre?’ Para mim\, essas perguntas são uma meditação sobre a herança. Elas também vislumbram um possível encontro com Picasso\, como se ele fosse\, afinal\, mais um passageiro.” \nPara Kuitca\, a pintura tem memória. Por meio desses experimentos\, ele se conecta com a história da arte moderna\, invocando o cubismo como o traço de um movimento que opera como uma difração da realidade\, a construção de um espaço imaginário. Esta instalação site-specific foi generosamente apoiada pela galeria Hauser & Wirth. \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n 
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SUMMARY:"Transparency" no Grand Palais
DESCRIPTION:Exibição interativa Transparency. 2025. Cortesia de Palais de la découverte. \nThe first exhibition of the Palais des enfants \nO Palais des enfants convida à transparência para sua primeira exposição! Uma jornada lúdica e sensorial para toda a família\, onde obras artísticas e experimentos científicos brincam com a luz para despertar a curiosidade e o encantamento dos mais pequenos. \nEm um universo imaginário\, projetado para despertar a curiosidade e o divertimento\, jovens e idosos vagam livremente de um palácio de gelo cintilante a uma caverna de tesouros cristalinos\, aventurando-se ora em uma floresta misteriosa\, ora em direção a um céu radiante ou às profundezas de um oceano multicolorido. \nAs artes da escultura\, gravura ou fotografia dialogam com a ciência por meio de dispositivos interativos e sensoriais. Entre criações do século XIX e obras contemporâneas\, obras imersivas como as de Dan Graham e Soo Sunny Park\, ideais para descobertas em grupo\, e criações mais introspectivas como as de Patrick Neu e Agathe May\, a exposição oferece uma exploração original que renova nossa percepção de transparência e luz. \nCrianças e adultos acompanhantes experimentam as múltiplas nuances da transparência\, trocam observações da translucidez com a escuridão e se maravilham com as riquezas da natureza e do saber-fazer\, ao longo de uma jornada pontuada por espaços lúdicos e contemplação. \nA exposição continua com um livro de atividades\, um podcast sobre transparência… e\, em breve\, encontros de mediação com uma série de eventos para ir ainda mais longe! \nExposição coproduzida pelo GrandPalaisRmn e pelo Palais de la découverte (Universcience). \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n 
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SUMMARY:"In-situ Works" no Bourse de Commerce
DESCRIPTION:Ryan Gander. Ever After: A Trilogy (I… I… I…)\, 2019. Cortesia de Bourse de Commerce. \nO desejo de promover um diálogo entre as obras de arte e seu contexto arquitetônico\, natural e urbano é\, de fato\, uma das principais características associadas à identidade dos museus da Coleção Pinault. Em Veneza\, os mármores e tetos pintados do Palazzo Grassi\, e as paredes e vigas de tijolos da Punta della Dogana\, interagem com os reflexos cambiantes da água. Esses elementos não padronizados\, que se poderia suspeitar que interferissem ou mesmo comprometessem a apresentação das obras de arte\, são\, ao contrário\, uma fonte de inspiração para os artistas. O ambiente também proporciona aos visitantes uma experiência artística única e contextualizada\, no “aqui e agora”. \nArtistas participantes: \nRyan Gander \nAutor de uma obra multifacetada\, Ryan Gander (nascido em 1976 em Chester\, Reino Unido) vive e trabalha em Londres. Ele utiliza uma vasta gama de mídias para questionar os mecanismos de percepção de uma obra de arte dentro de uma complexa relação entre realidade e ficção. A maior parte de sua produção explora\, de uma forma ou de outra\, ausência\, perda\, invisibilidade\, latência. Com Ever After: A Trilogy (I… I… I…) (2019)\, Ryan Gander encena um rato animatrônico gago\, aninhado em um buraco na parede\, surpreendendo os visitantes enquanto esperam o elevador. Preso em seu “loop” animado\, esse rato improvável\, condenado a viver ciclo após ciclo da mesma experiência até a exaustão\, nos encoraja a pensar e até mesmo sorrir sobre nossa própria condição. \nMartin Kippenberger \nUm estranho poste de luz fragmentado\, intitulado “Ohne Titel”\, parte de uma série de esculturas criadas em 1989 pelo artista alemão Martin Kippenberger\, entrelaçou-se à arquitetura da Bolsa de Comércio. Reunindo todos os vícios em sua melancolia anti-heroica\, os postes de luz de Kippenberger não apenas são distorcidos pela embriaguez\, mas suas lâmpadas vermelhas conduzem ao “Rotlichtviertel”\, o distrito da luz vermelha. Esses companheiros de perambulações noturnas tornam-se os alter egos do artista. Fiéis à atitude anticonformista de Kippenberger\, como escreve o historiador da arte Dider Ottinger: “Abertos a todas as metamorfoses\, suas convoluções simulam ideais corrompidos\, (…) mimetizam projetos gaguejantes. Uma serpente herética mordendo a própria cauda\, ​​o poste de luz torna-se a imagem de ambições abortadas\, a de um idealismo incurável.” \nPhilippe Parreno \nCom suas tonalidades intermitentes\, este “farol” traduz em código o mítico e inacabado romance homônimo de René Daumal (1908-1944)\, publicado postumamente em 1951. Esta sequência de luzes ilumina o céu parisiense\, traduzindo a história da fantástica e metafísica aventura de Daumal\, que narra a descoberta e a ascensão coletiva de uma montanha que une a terra ao céu. Uma busca sem fim\, uma aventura impossível\, uma metáfora para a arte e sua utopia. Philippe Parreno projetou uma nova versão desta instalação in-situ para a Bourse de Commerce\, retrabalhando e modificando uma de suas peças seminais\, criada originalmente em 2001. Mont Analogue está instalado no topo de um elemento arquitetônico único\, presente no local desde o Renascimento\, quando o edifício serviu como palácio de Catarina de Médici. Esta coluna\, símbolo tanto do poder real quanto da eminência esotérica (segundo a lenda\, os astrólogos da rainha\, notadamente Cosimo Ruggieri e Nostradamus\, observavam as estrelas ali)\, torna-se um farol a partir do qual o artista transmite outra mensagem à cidade. É na forma de um código misterioso que o artista nos convida a descobrir os mundos invisíveis\, possíveis e intangíveis da arte. \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n 
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LOCATION:Bourse de Commerce\, 2 Rue de Viarmes Paris\, Paris\, Paris\, França
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SUMMARY:"The empire of sleep" no Musée Marmottan Monet
DESCRIPTION:Domenico Fetti\, “Sleeping Girl” 1620-1622. Cortesia do Museum of Fine Arts\, Budapest. \nO Museu Marmottan Monet apresenta a exposição “The Empire of Sleep” de 9 de outubro de 2025 a 1º de março de 2026.Com curadoria de Laura Bossi\, neurologista e historiadora da ciência\, e Sylvie Carlier\, diretora das coleções do Museu Marmottan Monet\, esta exposição explorará as implicações simbólicas e alegóricas do sono\, sua importância no imaginário secular e sagrado\, e as maneiras pelas quais as pesquisas científicas\, filosóficas e psicanalíticas relacionadas ao sono influenciaram a arte.A exposição se concentrará nos séculos XIX e XX\, quando as ideias relacionadas ao sono passaram por grandes transformações. Um conjunto de obras de arte datadas de 1800 a 1920 será exibido juntamente com obras significativas da Antiguidade\, da Idade Média e das eras moderna e contemporânea\, a fim de destacar certos temas-chave duradouros: o sono dos inocentes\, os sonhos em histórias bíblicas\, a ambivalência da noção de sono aplicada tanto ao descanso cotidiano quanto ao descanso eterno\, o Eros da figura adormecida e os sonhos e pesadelos. A exposição também abordará o mesmerismo e os distúrbios do sono por meio de imagens médicas e mostrará como certos artistas abraçaram esses temas. Por fim\, mas não menos importante\, uma seção da exposição dedicada ao quarto destacará hábitos e costumes ligados a esse espaço altamente simbólico. \nCom curadoria de Laura Bossi\, neurologista e historiadora da ciência\, e Sylvie Carlier\, diretora das coleções do Musée Marmottan Monet com Anne-Sophie Luyton\, Assistente de Curadoria \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n 
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LOCATION:Musée Marmottan Monet\, 2 Rue Louis Boilly\, Paris\, França
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SUMMARY:"The Unexpected Dialogues: Monet / Sécheret" no Musée Marmottan Monet
DESCRIPTION:Jean-Baptiste Sécheret . “Les Échafaudages. Hommage à Léon Spilliaert” 2007-2024. Cortesia de Bertrand Huet. \nJean-Baptiste Sécheret (nascido em 1957) é o décimo artista convidado pelo Museu Marmottan Monet para projetar uma exposição em diálogo com as obras da coleção. Pintor\, ele trabalha em séries e sobre o tema\, pintando as paisagens sobre as quais seu olhar recai — monumentos\, edifícios\, fábricas\, casas — antes de prosseguir com seus trabalhos no ateliê. \nPara o Museu Marmottan Monet\, ele apresentará um conjunto de pinturas que retratam as paisagens costeiras e o céu de Trouville\, o famoso Hôtel des Roches Noires\, que era uma das vistas de seu apartamento quando morava naquela cidade. Quanto a Monet\, as paisagens da Normandia são espaços familiares para Sécheret e levarão a um encontro com duas pinturas do mestre da casa: Sur la plage de Trouville (1870) e Camille sur la plage (1870). \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n 
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LOCATION:Musée Marmottan Monet\, 2 Rue Louis Boilly\, Paris\, França
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SUMMARY:"POLARAKI - Mil polaroids de Araki Nobuyoshi" no Musée Guimet
DESCRIPTION:Nobuyoshi Araki. Sem Título\, 1997 – 2024. Museu Guimet\, Paris. \nPOLARAKI revela a exploração do grande fotógrafo japonês das infinitas possibilidades oferecidas pela Polaroid\, uma fonte central de experimentação em seu trabalho. \nFotógrafo japonês prolífico\, obsessivo e intencionalmente provocativo\, Araki Nobuyoshi tem sido\, desde a década de 1960\, uma figura-chave na história da fotografia japonesa e internacional. \nCriadas entre 1997 e 2024\, as Polaroides de Araki apresentadas na exposição foram gradualmente adquiridas de galerias\, principalmente francesas e japonesas\, ao longo dos últimos 25 anos pelo colecionador Stéphane André\, que as doou ao Museu Guimet em 5 de maio de 2025. Instaladas na rotunda do quarto andar do museu\, as Polaroides apresentam a instalação projetada pelo colecionador para seu apartamento: 43 colunas compostas por 9 quadros dispostos de ponta a ponta e do chão ao teto. Em cada quadro\, uma\, duas\, três ou quatro Polaroides\, de acordo com associações compostas em parte por Araki e em parte pelo colecionador. \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n 
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LOCATION:Musée Guimet\, 6 Pl. d'Iéna\, 75116\, Paris\, France
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SUMMARY:George Condo no Musee d'Art Moderne de Paris
DESCRIPTION:George Condo\, The Portable Artist\, 1995. Cortesia do Musée d’Art Morderne de Paris. \n  \nA exposição começa com as conexões férteis que o artista construiu com a história da arte ocidental. Em uma galeria que explora os códigos clássicos de um importante museu de Belas Artes\, algumas das obras mais ousadas do artista estão em exposição. Elas demonstram como Condo se apropriou de mestres do passado\, de Rembrandt a Picasso\, de Goya a Rodin\, incorporando-os à sua imaginação exuberante\, repleta de figuras ultrajantes e perturbadoras. \nA sequência continua com um conjunto de obras relacionadas ao Realismo Artificial\, um conceito inventado por Condo para descrever obras que desafiam qualquer cronologia. Criadas em um estilo e utilizando técnicas do passado\, essas obras também tomam emprestado elementos da cultura do grafite (a série Names Paintings\, 1984) ou de imagens de quadrinhos (Big Red\, 1997)\, produzindo um efeito de ambiguidade temporal. \nEsta seção da exposição termina com a exibição conjunta de dois conjuntos de obras em que Condo adota uma abordagem original para reformular a história da arte\, seja por meio da acumulação (a série de Colagens\, de 1986)\, seja por contraste (a série de Pinturas Combinadas\, de 1990 a 1993). \nEm seguida\, uma pausa na apresentação oferece a oportunidade de mergulhar mais profundamente na mente do artista. Um corredor expõe a relação frutífera que Condo cultivou com a literatura\, especialmente suas colaborações com escritores da Geração Beat (William Burroughs\, Allen Ginsberg\, Brion Gysin etc.). Este espaço leva a uma galeria de artes gráficas\, que reúne obras em papel densamente dispostas\, abrangendo toda a produção de Condo\, desde seus primeiros desenhos de infância até seus trabalhos mais recentes em nanquim e pastel. \nA representação da figura humana é um dos temas principais da obra de Condo. O artista se esforça para retratar a complexidade da psique humana por meio de retratos de seres imaginários\, descritos como “humanoides”. Uma seção é dedicada a eles\, primeiro em uma série de retratos individuais do início dos anos 2000 que revisitam os códigos neoclássicos\, e depois\, uma galeria de retratos de grupo (a série Drawing Paintings\, 2009-2012). Esta seção conclui com uma galeria dedicada à série Double Portraits (2014-2015). Ela aborda a dualidade da mente humana e a noção de “cubismo psicológico”\, termo cunhado pelo artista para descrever sua maneira de retratar diversas emoções distintas em um mesmo retrato. \nA última seção principal da exposição explora a relação de Condo com a abstração. Desde o início\, o artista criou obras que beiram a abstração\, como a série Expanding Canvases (1985-1986)\, na qual rabiscos frenéticos espalhados por toda a obra borram a composição. A seção continua com uma exibição de várias séries monocromáticas — brancos (2001)\, azuis (2021 e pretos (1990-2019). Foco especial é dado à série de Pinturas Negras em uma sala imersiva que convida à introspecção. A exposição conclui com obras recentes da série Diagonal (2023-2024)\, revelando a capacidade insaciável do artista de redefinir sua própria linguagem pictórica. \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n 
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LOCATION:Musée d’Art Moderne de Paris\, 11 Av. du Président Wilson Paris\, Paris\, Paris\, França
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SUMMARY:"I dreamt of you in colours" de Otobong Nkanga no Musée d'Art Moderne de Paris
DESCRIPTION:Otobong Nkanga\, Social Consequences V: The Harvest 2022. Musée d’Art Moderne de Paris. \n  \nReunindo instalações emblemáticas\, séries de fotografias\, obras recentes e um grande número de desenhos\, alguns dos quais datam dos primeiros anos de sua carreira e nunca antes expostos\, a exposição oferece um recorte da obra multifacetada de Otobong Nkanga\, abrangendo sua trajetória desde o início até o presente. Ela segue uma genealogia de temas recorrentes (como a extração mineral ou os diversos usos e valores culturais vinculados aos recursos naturais) em um conjunto de obras visuais em constante evolução. Para a ocasião\, a artista reativou algumas obras emblemáticas\, adicionando-lhes novos elementos em uma poética de entrelaçamento site-specific\, criando conexões entre formas\, materiais ou ideias. \nAs obras apresentadas provêm de coleções públicas francesas e internacionais (Castello di Rivoli em Rivoli\, Museu Stedelijk em Amsterdã\, Fundação Beyeler em Basileia\, Henie Onstad Kunstsenter em Sandvika\, M HKA à Anvers\, Centro Pompidou em Paris) e de coleções particulares\, bem como do ateliê da artista. A obra principal From Where I Stand (2015)\, adquirida no banquete de gala dos Amigos do Musée d’Art Moderne em 2022\, também estará em exibição na exposição. \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n 
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LOCATION:Musée d’Art Moderne de Paris\, 11 Av. du Président Wilson Paris\, Paris\, Paris\, França
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SUMMARY:"Gabrielle Hébert: Crazy love at Villa Medici" no Musée d'Orsay
DESCRIPTION:Anônimo. Brindisi : foule sur le port\, 1893 Cortesia da collection Musée Hébert – Musée d’Orsay \nProjetada em parceria com o Musée Départemental Ernest Hébert em La Tronche (Isère)\, onde será realizada na primavera de 2026\, a exposição também será apresentada na Academia Francesa em Roma – Villa Medici no outono de 2026\, onde a curadora da exposição\, Marie Robert\, passou um ano no contexto de uma residência cruzada entre Villa Medici e Musée d’Orsay. \nA exposição Quem Tem Medo de Fotógrafas? (1839-1945)\, apresentada no Museu de Orsay e no Museu de l’Orangerie em 2015\, foi um marco para o reconhecimento de artistas mulheres na França. Uma das muitas fotógrafas apresentadas foi Gabrielle Hébert (1853\, Dresden\, Alemanha – 1934\, La Tronche\, França). Nascida Gabrielle von Uckermann\, ela era pintora amadora antes de se casar com Ernest Hébert em 1880\, um artista acadêmico duas vezes nomeado Diretor da Academia Francesa em Roma. Ela passou a desenvolver uma prática fotográfica intensiva e extremamente prolífica\, iniciada na Villa Medici em 1888 e encerrada vinte anos depois em La Tronche (perto de Grenoble)\, após a morte do homem que ela idolatrava\, quase quarenta anos mais velho que ela\, e cujo lugar na história ela garantiu em grande parte ao apoiar a criação de dois museus monográficos. \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n 
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LOCATION:Musée d’Orsay\, 1 Rue de la Légion d'Honneur Paris\, Paris\, Paris\, França
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SUMMARY:"Léon Spilliaert" na David Zwirner Paris
DESCRIPTION:Leon_Spilliaert “Faun bij maneschijn” (1900). \n  \nMais conhecido pelos seus trabalhos em papel\, Spilliaert desenvolveu\, ao longo de quase cinquenta anos\, uma visão singular caracterizada pela sua intensidade psicológica e aura de mistério. \nEsta apresentação sucede uma grande exposição na França\, no Musée d’Orsay\, em 2020-2021\, bem como uma aclamada exposição na David Zwirner Nova Iorque em 2025. A exposição\, tal como em Nova Iorque\, tem a curadoria da Dra. Noémie Goldman\, especialista em arte belga do século XIX e diretora da Agnews\, em Bruxelas. As composições distintas e altamente enigmáticas de Spilliaert revelam inúmeras inspirações — desde a literatura simbolista à cidade litorânea de Ostende\, na Bélgica. Raramente trabalhando em um estúdio dedicado e sofrendo de insônia\, Spilliaert misturava habilmente aquarela\, guache\, pastel\, tinta\, aguarela\, lápis de cor e outros materiais em suportes portáteis de papel\, utilizando diversas técnicas para produzir superfícies singularmente resplandecentes. Em uma variedade de temas\, incluindo autorretratos\, paisagens costeiras noturnas e figuras solitárias em espaços oníricos\, as composições de Spilliaert transmitem uma sensação de melancolia e quietude influenciada por sua vida em Ostende. Ele exerceu grande influência sobre as gerações subsequentes de artistas — principalmente Luc Tuymans (n. 1958) — que observaram as qualidades universais nas representações da condição humana feitas por Spilliaert. \n 
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/leon-spilliaert-na-david-zwirner-paris/
LOCATION:David Zwirner\, 537 W 20th St Manhattan\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
CATEGORIES:Paris
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