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SUMMARY:"La Mode en mouvement" no Palais Galliera
DESCRIPTION:O Palais Galliera apresenta La Mode en mouvement [A Moda em Movimento]\, sua segunda exposição de coleções nas galerias do térreo do jardim. Com cerca de 200 obras\, este percurso cronológico traça\, através das coleções do museu\, uma história da moda desde o século XVIII até os dias atuais e\, ao mesmo tempo\, desenvolve uma temática transversal dedicada ao corpo em movimento. Refletindo os Jogos Olímpicos e Paralímpicos que serão realizados em Paris em 2024\, o Palais Galliera questiona o papel das roupas na prática de atividades físicas e esportivas\, sua relação com o corpo e o movimento\, bem como as consequências sociais de sua evolução. As roupas projetadas ao longo das épocas para atividades físicas e esportivas são comparadas com as roupas do dia a dia. Esse diálogo questiona as noções de especialização das roupas esportivas\, a adaptação das roupas femininas para a prática física no final do século XIX\, a masculinização das roupas femininas e a introdução do sportswear no guarda-roupa cotidiano. Por fim\, a evolução do corpo\, especialmente o corpo esportivo\, e a forma como ele é valorizado pelas roupas são destacadas para melhor compreender como a liberação do corpo através da atividade física contribuiu para a evolução das mentalidades e dos padrões de beleza. Trajes de banho\, roupas de ciclista e amazona\, casacos e acessórios de automobilismo\, conjuntos de corrida e tênis\, por exemplo\, serão apresentados ao lado de silhuetas características de três séculos de história da moda. O museu receberá empréstimos excepcionais do Museu Nacional do Esporte (Nice)\, da Biblioteca Forney (Paris)\, do Patrimônio CHANEL\, da coleção Emile Hermès\, das casas Sonia Rykiel e Yohji Yamamoto. Essas obras convidadas ajudarão a contextualizar as peças do Palais Galliera\, testemunhas de práticas físicas e esportivas\, de lazer ou de competição\, ao longo das épocas.Por razões de conservação preventiva\, esta exposição será organizada em três fases consecutivas\, cada uma exigindo um período de fechamento de cinco semanas. Assim\, as obras serão em grande parte renovadas\, oferecendo aos visitantes a oportunidade de retornar e descobrir as coleções do Palais Galliera.
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SUMMARY:"The MET at The Louvre: Near Eastern Antiques in Dialogue" no Museu do Louvre
DESCRIPTION:Escultor desconhecido. “Cabeça de um líder”. Cortesia do Museu do Louvre.\n\n  \nO Departamento de Antiguidades do Oriente Próximo do Louvre está abrigando dez grandes obras do Metropolitan Museum of Art de Nova York\, cujo Departamento de Arte do Oriente Próximo Antigo está atualmente fechado para reformas. O Louvre e o Met criaram um diálogo único entre essas duas coleções\, que é exibido nas galerias permanentes do Louvre. Essas obras de arte “convidadas especiais” do Met\, datadas entre o final do 4º milênio a.C. e o século 5 d.C.\, mostram algumas conexões notáveis ​​com a coleção do Louvre. Em alguns casos\, um par de objetos foi reunido pela primeira vez\, enquanto em outros\, as peças se complementam em virtude de características históricas específicas de suas respectivas coleções. Representando a Ásia Central\, a Síria\, o Irã e a Mesopotâmia\, esse diálogo entre coleções está (re)apresentando os visitantes a essas extraordinárias e antigas obras de arte e às histórias que elas contam. \n  \n\n  \n\n  \n\n  \n\n 
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LOCATION:Museu do Louvre\, 75001 Paris\, França\, Paris\, França
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SUMMARY:"La Collection: Revoir Picasso" no Musée Picasso Paris
DESCRIPTION:Pablo Picasso\, Trois figures sous un arbre (Three figures under a tree)\, 1907-1908 © Musée Picasso Paris\n\n\n\nO Museu Nacional Picasso-Paris reencontra sua coleção espalhada por três andares a partir de 12 de março; após um ano de celebração e a magnífica exposição dedicada à artista Sophie Calle. Dez anos após a reabertura do museu\, a coleção se instala de forma permanente no magnífico Hotel Salé. \n\n\n\nFruto de uma história extraordinária\, a formação da coleção do Museu Nacional Picasso-Paris foi possibilitada pelo mecanismo de dação – hoje é a maior coleção pública de obras de Picasso\, os “Picassos de Picasso”. Originária dos ateliês do artista\, essa coleção nos permite compreender melhor as explorações estéticas deste Picasso que ora é desconcertante\, plural\, contraditório\, reflexivo\, gestual e conceitual\, esteta e engajado\, inventor e poeta. Ele é simbolista\, cubista\, clássico\, surrealista ou simplesmente figurativo e político? \n\n\n\nUm lugar aberto e vibrante\, o museu aborda questões sociais para questionar\, através da jornada de sua obra\, a recepção dela\, ou seja\, a do pintor mais renomado\, mais observado\, mas também o mais discutido. \n\n\n\nÉ também uma oportunidade para dedicar exposições ou contrapontos aos corações das coleções. O primeiro desta série presta homenagem à artista Françoise Gilot\, que faleceu recentemente. Além de seu famoso livro intitulado “Viver com Picasso”\, publicado em 1965 – a trajetória da artista é evocada desde sua proximidade com o grupo das “Realidades Novas” até as grandes composições totêmicas das “pinturas emblemáticas” dos anos 1980.
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LOCATION:Musée Picasso Paris\, 5 rue de Thorigny\, Paris\, França
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SUMMARY:"At One" James Turrell na Gagosian
DESCRIPTION:Vista da instalação com James Turrell\, “All Clear”\, 2024\, da série Ganzfeld (1976-) Obra © James Turrell. Foto: Thomas Lannes \nA Gagosian apresenta uma exposição de obras de James Turrell\, com abertura em 14 de outubro na galeria de Le Bourget. A mostra apresenta duas novas instalações de grande escala: uma peça da série Ganzfeld\, All Clear\, e uma obra da série Wedgework\, Either Or (ambas de 2024). Além disso\, inclui duas novas projeções da série Cross Corner—Raethro\, Yellow e Afrum\, Lavender (ambas de 2024)—e seis novas obras da série Glassworks\, que apresentam todas as configurações dessa linha. Também estão em exibição hologramas\, maquetes\, gravuras e planos do Roden Crater (1976–)\, acompanhados por mesas de levantamento topográfico utilizadas na produção do projeto\, além de outras fotografias\, impressões e materiais de arquivo. \nDesde a década de 1960\, Turrell tem trabalhado com fenômenos perceptivos que vão da privação sensorial a efeitos ópticos. Em 1966\, ele começou a utilizar planos de luz em relação a interiores arquitetônicos\, dando início a uma manipulação contínua de ambientes construídos e naturais. Seu trabalho continua a usar a luz como material primário\, explorando os limites da percepção e empregando novas tecnologias para criar experiências formais minimalistas que\, muitas vezes\, induzem estados meditativos. \nNo espaço principal da galeria Le Bourget\, no térreo\, está All Clear\, da série Ganzfeld. Os visitantes entram em um pavilhão arredondado\, totalmente branco\, onde são imersos em luz colorida gerada por uma tela de LED e iluminação de fundo. A ausência de cantos e arestas no espaço acentua a perda de referência espacial. O título da série faz referência ao Efeito Ganzfeld\, que ocorre quando a ausência de profundidade\, formas e indicadores de distância leva o cérebro a interpretar ruído visual como informação tangível. O trabalho de Turrell evoca experiências desorientadoras\, como esquiar em meio a um nevoeiro branco\, voar através de nuvens densas ou mergulhar no oceano profundo. A paisagem sugerida se assemelha ao espaço sideral\, onde os horizontes desaparecem\, e remete à abstração da álgebra booleana. Esse efeito de dissolução do espaço ocorre de maneira temporizada na instalação All Clear\, evitando que a desorientação se torne excessiva.
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LOCATION:Gagosian Le Bourget\, 26 avenue de l’Europe\, Le Bourget\, França
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SUMMARY:"Guillermo Kuitca\, Chapelle" no Musée Picasso Paris
DESCRIPTION:Guillermo Kuitca. Chapelle\, 2024. Cortesia do Musée Picasso Paris. \n  \nA convite do Museu Nacional Picasso-Paris\, o artista argentino Guillermo Kuitca (n. 1961) criou uma obra site-specific na capela do Hôtel Salé. Desde sua intervenção na Bienal de Veneza em 2007\, Kuitca desenvolveu uma nova linguagem\, ecoando a arquitetura\, que o artista chama de “pintura cubistoide”\, na qual um conjunto de linhas que se cruzam\, como tantas dobras no plano\, é implantado diretamente nas paredes\, formando um novo espaço pictórico. Kuitca descreve seu lugar no “carrossel da arte moderna”: \n“Há muitos anos\, pintei quadros mostrando uma esteira rolante de bagagens. Acredito que a história da arte era o verdadeiro tema dessas pinturas. A arte seria esse carrossel; a obra de arte\, uma bagagem\, e os artistas\, passageiros. Enquanto esperamos por nossa bagagem\, nos fazemos uma série de perguntas: ‘Minha mala chegará e serei capaz de reconhecê-la entre outras semelhantes? E se eu pegasse a mala de outra pessoa\, estaria usando as roupas dela? Minha bagagem será destruída para sempre?’ Para mim\, essas perguntas são uma meditação sobre a herança. Elas também vislumbram um possível encontro com Picasso\, como se ele fosse\, afinal\, mais um passageiro.” \nPara Kuitca\, a pintura tem memória. Por meio desses experimentos\, ele se conecta com a história da arte moderna\, invocando o cubismo como o traço de um movimento que opera como uma difração da realidade\, a construção de um espaço imaginário. Esta instalação site-specific foi generosamente apoiada pela galeria Hauser & Wirth. \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n 
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LOCATION:Musée Picasso Paris\, 5 rue de Thorigny\, Paris\, França
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SUMMARY:"Symbiosis" no Palais de Tokyo
DESCRIPTION:Crédito : Vitalii Akimov\n\n\n\n\nA partir de janeiro e ao longo de todo o ano de 2025\, o Palais de Tokyo convida a coreógrafa Sharon Eyal e o produtor Gai Behar\, dupla fundadora da S-E-D Sharon Eyal Dance Company\, para inaugurar um novo formato de longa duração dedicado à performance: Symbiosis. \nCom Symbiosis\, o Palais de Tokyo dá continuidade à sua colaboração com artistas performers e reafirma o compromisso de estabelecer relações duradouras\, seguindo uma lógica inspirada na permacultura institucional que orienta o projeto do centro de arte. \nOs artistas convidados ao longo do ano terão a oportunidade de desenvolver seus trabalhos em sintonia com os espaços do edifício e sua programação\, por meio de diferentes formas de interação com o público – desde intervenções sutis e intimistas até gestos mais espetaculares.
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LOCATION:Palais de Tokyo\, 13\, avenue du Président Wilson\, Paris\, França
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SUMMARY:"Suzanne Valadon" no Centre Pompidou
DESCRIPTION:Suzanne Valadon\, “La Chambre bleue”\, 1923 © Centre Pompidou\, MNAM-CCI\, Dist. RMN-Grand Palais / Jacqueline Hyde\n\n\n\n\n\n\n\nO Centre Pompidou está dedicando uma monografia a Suzanne Valadon (1865-1938)\, uma artista ousada e icônica\, e uma das mais importantes de sua geração. Ela estava à margem das tendências dominantes de sua época – o cubismo e a arte abstrata estavam em seus primórdios\, enquanto ela defendia ardentemente a necessidade de pintar a realidade – colocando o nu\, tanto feminino quanto masculino\, no centro de seu trabalho e retratando corpos sem artifício ou voyeurismo. \nSuzanne Valadon não era tema de uma monografia desde a dedicada a ela pelo Musée National d’Art Moderne em 1967. Apresentada no Centre Pompidou-Metz em 2023 (“Suzanne Valadon. A World of Her Own”)\, depois no Musée des Beaux-Arts de Nantes (2024) e no Museu Nacional d’Art de Catalunya (2024)\, a homenagem a esta artista ostensivamente moderna\, livre das convenções de seu tempo\, continua no Centre Pompidou em 2025\, enriquecida por novos empréstimos e novos arquivos. \nA exposição apresenta esta figura excepcional e destaca seu papel pioneiro\, mas frequentemente subestimado\, no nascimento da modernidade artística. Ela revela a grande liberdade desta artista\, que realmente não aderiu a nenhum movimento particular\, exceto talvez o seu próprio. A exposição de quase 200 obras utiliza a rica coleção nacional\, em particular a maior\, a do Centre Pompidou\, mas também do Musée d’Orsay e do Musée de l’Orangerie. \nEmpréstimos excepcionais do Metropolitan Museum of Modern Art em Nova York\, da Fondation de l’Hermitage e de grandes coleções privadas completam a exposição. Ela se concentra nos dois meios favoritos da artista\, desenho e pintura\, com ênfase particular em seu trabalho gráfico\, que é explorado em profundidade através da apresentação de um grande número de desenhos raramente exibidos. \nEla também oferece uma oportunidade de explorar um momento artístico no coração da transição entre as coleções do Musée d’Orsay e do Musée National d’Art Moderne. \nA exposição “Valadon” reconta esta jornada única\, desde os primórdios da artista como modelo favorita de todo o Montmartre até seu reconhecimento artístico inicial por seus pares e críticos. Suzanne Valadon realmente conectou um século ao próximo\, abraçando a fervorosa Paris do final do século\, seus cafés\, bal-musettes e cabarés\, e suas muitas revoluções artísticas\, intelectuais e sociais. Este insight sem precedentes sobre seu trabalho revela tanto suas amizades e conexões artísticas com pintores boêmios quanto sua inegável influência na cena artística parisiense graças ao apoio ativo de seus amigos artistas e galeristas. \nEsta exposição destaca a amplitude\, riqueza e complexidade de sua obra\, focando em cinco seções temáticas: Aprendendo pela observação\, Retratos de família\, “Eu pinto pessoas para conhecê-las”\, “A verdadeira teoria é imposta pela natureza”\, O nu: uma visão feminina. Uma seleção de arquivos inéditos e obras de seus contemporâneos com preocupações pictóricas semelhantes\, como Juliette Roche\, Georgette Agutte\, Jacqueline Marval\, Emilie Charmy e Hélène Delasalle\, complementam a exposição. \nA coleção excepcional de arquivos legados ao Centre Pompidou em 1974 pelo Dr. Robert Le Masle\, médico\, colecionador de arte e amigo próximo da artista\, contendo muitas fotografias\, manuscritos e documentos agora armazenados na Bibliothèque Kandinsky\, fornece um registro vital da personalidade rebelde de Valadon e do reconhecimento artístico inicial. \nSeguindo exposições de obras de Alice Neel\, Georgia O’Keeffe\, Dora Maar e Germaine Richier\, esta monografia faz parte dos esforços contínuos do Centre Pompidou para aprofundar nossa compreensão do trabalho de artistas mulheres e para aumentar o número de suas obras na coleção.
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SUMMARY:“Art and fashion: statement pieces" no Museu do Louvre
DESCRIPTION:Vista da exposição “Art and fashion: statement pieces” . Via @beautybuzz.br\n\n\n\n\nEmbora saibamos desde os tempos de Paul Cézanne que “o Louvre é o livro do qual aprendemos a ler”\, essa fonte inesgotável de inspiração também alimentou um dos domínios mais dinâmicos da arte contemporânea: o mundo da moda. Cada vez mais\, pesquisas e monografias dedicadas aos grandes nomes da moda têm ousado traçar árvores genealógicas estéticas\, inserindo essas figuras em um contexto histórico e artístico. O padrão não se resume apenas a rupturas\, com diferentes graus de inovação radical\, ou a mudanças sazonais\, mas também a ecos e evocações. Os fios que entrelaçam o trabalho dos grandes nomes da moda e o mundo da arte são praticamente infinitos\, e a história da arte\, conforme expressa pelo Museu do Louvre\, com a profundidade de suas coleções e sua capacidade de refletir os gostos de épocas passadas\, constitui um vasto território de influências e referências. \nDiante da imensidão enciclopédica do Louvre\, esta exposição adota uma abordagem metodológica voltada para a exploração da história dos estilos decorativos\, das profissões artísticas e da ornamentação através das galerias do Departamento de Artes Decorativas\, onde os têxteis estão sempre presentes – embora geralmente em tapeçarias e outros elementos decorativos\, em vez de artigos de vestuário. \nEm um espaço de quase 9.000 metros quadrados\, 65 criações são exibidas\, junto com uma série de acessórios\, revelando de forma inédita o diálogo histórico contínuo entre o mundo da moda e as grandes obras-primas do departamento\, desde o período bizantino até o Segundo Império. Cada uma dessas peças de vestuário e acessórios foi especialmente emprestada pelas mais icônicas casas de moda\, tanto históricas quanto contemporâneas\, de Paris e do mundo inteiro. \nAs peças não serão exibidas aleatoriamente pelo Departamento de Artes Decorativas; ao contrário\, servirão para destacar paralelos já existentes: o departamento deve parte de sua coleção à generosidade de grandes figuras da moda\, de Jacques Doucet a Madame Carven. Essas incontáveis conexões compartilham bases metodológicas comuns entre a história da arte e a moda: o conhecimento de técnicas ancestrais\, a cultura visual e o sutil jogo de referências\, do catálogo raisonné do museu ao moodboard do universo da moda. Louvre Couture oferece uma nova perspectiva sobre as artes decorativas através do prisma do design de moda contemporâneo.
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SUMMARY:"Arthur Jafa" na Bourse de Commerce
DESCRIPTION:Arthur Jafa\, “Love is the Message\, the Message is Death”\, 2016 – Crédito: Divulgação \nA Bourse de Commerce está em transformação para preparar a exposição “Corps et âmes”\, que será revelada progressivamente até sua abertura completa em 5 de março. Durante esse período\, o público poderá descobrir algumas obras da nova temporada. \nA partir de 5 de fevereiro\, três filmes de Arthur Jafa\, pertencentes à Coleção Pinault\, serão exibidos pela primeira vez em Paris. Na Rotonde\, o vídeo Love is the Message\, the Message is Death transforma o espaço em uma ressonância da música e do ativismo de figuras icônicas afro-americanas como Martin Luther King Jr.\, Jimi Hendrix\, Barack Obama e Beyoncé\, conferindo-lhes uma dimensão universal. O artista também ocupa a Galerie 2 e o Studio do museu\, convidando os visitantes a se envolverem com suas obras cinematográficas. \nUtilizando diversos suportes\, a produção de Arthur Jafa\, artista e cineasta baseado em Los Angeles\, celebra e amplia a cultura negra americana\, atribuindo-lhe toda a sua grandiosidade. De Barack Obama aos cânticos gospel\, de Aretha Franklin aos protestos do Black Lives Matter\, passando por Miles Davis e Kanye West\, Jafa recorre a materiais da mídia de massa e da cultura pop para construir uma estética baseada no colagem e montagem\, reafirmando seu papel como colecionador de imagens e multiplicando referências. Ele apresenta\, com imponência\, as grandes ícones da cultura negra\, sempre em diálogo com a complexa história dos Estados Unidos.
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LOCATION:Bourse de Commerce\, 2 Rue de Viarmes Paris\, Paris\, Paris\, França
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SUMMARY:"Ali Cherri" na Bourse de Commerce
DESCRIPTION:Ali Cherri\, “L’Homme aux larmes”\, 2024 – Crédito: Divulgação \nA Bourse de Commerce está em transformação para a preparação da exposição “Corps et âmes”\, que será gradualmente revelada até sua abertura completa em 5 de março. Durante esse período\, o público poderá descobrir algumas das obras que compõem a nova temporada. \nA partir de 5 de fevereiro\, as vinte e quatro vitrines do Passage da Bourse de Commerce abrigam as obras do cineasta e escultor Ali Cherri. Profundamente marcado pela guerra civil no Líbano e pelos conflitos persistentes na região\, o artista ressignifica artefatos—objetos e fragmentos de diferentes culturas e épocas—ou cria personagens que\, mesmo involuntariamente\, se tornam testemunhas dessas violências. \nAo ocupar as vitrines—um dispositivo típico dos museus—e dialogar com a circularidade da Bourse de Commerce\, sua obra faz referência ao cinema e às suas vinte e quatro imagens por segundo: flashes espectrais entre o real e a ficção\, o passado e o presente. \nMisturando descobertas arqueológicas com suas próprias criações\, o artista dá vida a quimeras em um estado de semiconsciência\, convidando-nos a refletir sobre a manipulação de artefatos (espoliações\, tráficos\, apropriações) e suas consequências\, como a perda de significado. “Os enxertos que realizo em minha série de esculturas são uma forma de solidariedade entre corpos quebrados\, fragmentados\, violentados\, que\, ao se unirem\, criam uma comunidade”\, explica Ali Cherri. \nAlém disso\, o artista se inspira no filme surrealista “Le Sang d’un poète” (O Sangue de um Poeta\, 1930) de Jean Cocteau\, incorporando frases caligrafadas do roteiro ao fundo das vitrines. Dessa forma\, os textos se tornam símbolos da passagem entre mundos\, ecoando a transitoriedade e os deslocamentos narrativos que perpassam sua obra.
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SUMMARY:"Hans Hollein. transFORMS" no Centre Pompidou
DESCRIPTION:Hans Hollein\, “Zeichnung mit Akten auf Foto” (Desenho com nu sobre fotografia)\, 1972. © Arquivo Particular Hollein. Crédito fotográfico: Centre Pompidou\, MNAM-CCI / Philippe Migeat / Dist. GrandPalaisRmn\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\nA exposição “Hans Hollein. transFORMS” propõe uma nova leitura da coerência entre a prática criativa e crítica do arquiteto austríaco Hans Hollein (1934–2014)\, destacando suas obras mais emblemáticas\, que marcam uma trajetória de pesquisa desenvolvida ao longo de mais de meio século. \nEmbora comumente associado a um “estilo” pós-moderno\, seu trabalho merece ser revisto à luz de seu envolvimento com os diversos movimentos que moldaram as pós-vanguardas entre os anos 1960 e 1980 — do art informel à arte conceitual e à arquitetura radical. \nEm 1987\, o Centre Pompidou lhe dedicou uma grande exposição no Forum. Após sua morte\, o Centre Pompidou – Musée national d’art moderne adquiriu\, em 2016\, um conjunto significativo de obras\, incluindo instalações\, maquetes\, desenhos e acervos documentais que abrangem todas as fases e aspectos de sua atividade. \nSuas primeiras investigações sobre o espaço (1958–1962) e sobre a arquitetura como escultura\, realizadas entre Áustria e Estados Unidos\, foram seguidas da exposição “Architektur” com Walter Pichler (Galerie nächst St. Stephan\, 1963) e de seus famosos colagens de escala urbana (hoje conservados no MoMA). Essa fase inicial de sua produção estabelece vínculos profundos com a arte conceitual\, refletidos também em sua participação em catálogos e exposições ligadas a essa corrente. \nA partir de 1965\, Hollein passou a colaborar ativamente com a revista BAU na Áustria\, ao mesmo tempo em que concebeu exposições importantes\, como a “Austriennale” (Trienal de Milão\, 1968)\, “MANtransFORMS” (Cooper Hewitt Museum\, Nova York\, 1976)\, além de instalações como Die Turnstunde (Städtisches Museum Abteiberg\, Mönchengladbach\, 1984). Sua célebre fachada com colunata para a exposição fundadora do pós-modernismo\, “La Strada Novissima”\, na Bienal de Veneza de 1980\, consolidou sua fama internacional e associação ao movimento. \nApós projetos como as boutiques Retti (1966) e Schullin I e II (1974–1976)\, Hollein multiplicou suas realizações arquitetônicas na Áustria — como a Haas Haus (1990)\, localizada em frente à catedral de Santo Estêvão\, no centro de Viena — e no exterior\, com marcos como o Museu Abteiberg em Mönchengladbach (1982)\, o Museu de Arte Moderna de Frankfurt (1991) e Vulcania (2002)\, na região de Auvergne\, França.
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SUMMARY:"Corps et âmes" na Bourse de Commerce
DESCRIPTION:Gideon Appah\, “The Woman Bathing”\, 2021. Crédito: Pinault Collection \nDe Auguste Rodin a Duane Hanson\, de Georg Baselitz a Ana Mendieta\, de David Hammons a Marlene Dumas\, de Arthur Jafa a Ali Cherri\, cerca de quarenta artistas investigam\, por meio da pintura\, escultura\, fotografia\, vídeo e desenho\, as relações entre o corpo e o espírito. \n“Nas curvas matriciais da Bourse de Commerce\, em eco à dança dos corpos que habitam o vasto panorama pintado que circunda a cúpula de vidro do edifício\, a exposição Corps et âmes (Corpos e Almas) investiga\, por meio das obras de cerca de quarenta artistas da Coleção Pinault\, a presença marcante do corpo no pensamento contemporâneo. \nLibertado de qualquer amarra mimética\, o corpo — seja ele fotografado\, desenhado\, esculpido\, filmado ou pintado — não cessa de se reinventar\, conferindo à arte uma organicidade essencial que lhe permite\, como um cordão umbilical\, captar o pulso do corpo e da alma humana. \nA arte apreende as energias e os fluxos vitais do pensamento e da vida interior para propor uma experiência engajada e humanista da alteridade. As formas se metamorfoseiam\, retomam a figuração ou dela se desvinculam\, para capturar\, reter e fazer emergir a alma e a consciência. Não se trata mais de encarnar formas\, mas de captar forças e tornar visível aquilo que está oculto\, invisível\, iluminando as sombras. Na Rotunda\, a obra de Arthur Jafa Love is the Message\, the Message is Death transforma o espaço em uma caixa de ressonância da música e do engajamento de ícones afro-americanos — Martin Luther King Jr.\, Jimi Hendrix\, Barack Obama\, Beyoncé — conferindo-lhes um alcance universal. \nEm ressonância com a exposição\, uma rica programação musical faz de Corps et âmes um evento polifônico.”— Emma Lavigne\, diretora geral da Coleção\, curadora geral \nCom:Georges Adéagbo / Terry Adkins / Gideon Appah / Diane & Allan Arbus / Michael Armitage / Richard Avedon / Georg Baselitz / Cecilia Bengolea / Constantin Brancusi / Miriam Cahn / Claude Cahun / Ali Cherri / Peter Doig / Marlene Dumas / Robert Frank / LaToya Ruby Frazier / Philip Guston / Anna Halprin & Seth Hill / David Hammons / Duane Hanson / Kudzanai-Violet Hwami / Anne Imhof / Arthur Jafa / William Kentridge / Deana Lawson / Sherrie Levine / Kerry James Marshall / Ana Mendieta / Zanele Muholi / Senga Nengudi / Antonio Obá / Irving Penn / Man Ray / Robin Rhode / Auguste Rodin / Niki de Saint Phalle / Mira Schor / Lorna Simpson / Wolfgang Tillmans / Kara Walker / Lynette Yiadom-Boakye \nCuradoria geral: Emma Lavigne\, diretora geral da Coleção\, curadora geral.
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SUMMARY:"David Claerbout. spring\, slowly" no Musée de l'Orangerie
DESCRIPTION:David Claerbout\, “Backwards Growing Tree (Colour Sheet for Autumn)”\, 2023 © Cortesia Studio David Claerbout © Adagp\, Paris 2025\n\n\n\n\nDavid Claerbout (nascido em 1969) foi inicialmente formado em pintura no Nationaal Hoger Instituut voor Schone Kunsten\, em Antuérpia\, e depois em Amsterdã e Berlim. Profundamente imerso na arte da pintura\, seu trabalho faz uso da fotografia\, do vídeo e das artes digitais. Utilizando técnicas contemporâneas de manipulação de imagem\, ele cria formas híbridas\, situadas entre o cinema e a fotografia\, que desafiam a percepção do espectador e apagam a linha que separa realidade e ficção\, espontaneidade e construção cuidadosamente planejada. \nDesde os anos 1990\, Claerbout desenvolve um corpo de trabalho centrado na passagem do tempo\, composto principalmente por vídeos e também por desenhos relacionados\, estudos\, storyboards e dissertações sobre diversos projetos. Ele convida o público a explorar a pluralidade da experiência da duração por meio da percepção de mudanças muitas vezes minúsculas. Seu filme Boom (1996)\, por exemplo\, é uma observação lenta e atenta de uma magnífica árvore no campo. Somente o movimento do ar entre as folhas revela que a imagem está em movimento\, o que nos leva a vê-la com um olhar exigente e contemplativo. A imagem\, simples e bela\, exerce uma fascinação incomum ao retratar a evidência da existência da árvore no mundo. \n“Para voltar à questão do tempo como construção do espaço”\, afirma o artista\, “espero muito que a duração — e lamento que algumas pessoas critiquem meus filmes por seu ritmo lento — ajude a corroer a posição autoritária assumida pelo narrador que quer ‘dirigir’ o olhar. Preciso abrir os olhos\, e o tempo é minha ferramenta para isso\, pois afeta o espaço em que o espectador está localizado naquele momento específico.” \nEm uma busca comparável à de Monet\, quando ele descreveu seu objetivo em poucas palavras — “Quero pintar o ar que envolve a ponte\, a casa\, o barco. A beleza do ar onde esses objetos estão situados\, e isso é quase impossível.” —\, David Claerbout acrescenta que o que deseja fazer com seu trabalho é criar uma experiência espaço-temporal atípica. Ele afirma: “Uso o cinema como um modo obsoleto de narração\, esvaziando-o de sua função narrativa e das promessas que carrega\, para preservar os elementos que o constituem enquanto linguagem. Eu os redistribuo. Colaboro um pouco com essa linguagem\, não a desconstruo formalmente\, introduzo nela disjunções para inventar temporalidades.” \nO artista atualmente vive em Antuérpia e leciona em Amsterdã\, na Rijksakademie van Beeldende Kunsten\, onde foi aluno. Seu trabalho tem sido apresentado em diversas exposições\, incluindo várias mostras monográficas na França: em 2007 no Centre Pompidou\, em 2015 no FRAC Auvergne\, em Clermont-Ferrand\, e em 2018 no Museu Les Abattoirs – FRAC Occitanie\, em Toulouse. \nSuas obras foram adquiridas por diversas instituições ao redor do mundo\, incluindo o Centre Pompidou\, em Paris; o Museum of Modern Art (MoMA)\, em Nova York; o SFMOMA\, em São Francisco; o De Pont Museum\, em Tilburg; o Walker Art Center\, em Minneapolis; o Hamburger Bahnhof – Museum für Gegenwart\, em Berlim; o Museu de Arte Moderna de Paris; o MMK – Museum für Moderne Kunst e o Städel Museum\, em Frankfurt; a Emmanuel Hoffmann Foundation\, em Basileia; a Pinakothek der Moderne\, em Munique; o Hirshhorn Museum and Sculpture Garden\, em Washington; e o Solomon R. Guggenheim Museum\, em Nova York.
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LOCATION:Musée de l’Orangerie\, Jardin Tuileries Paris Département de Paris\, Paris\, Paris\, França
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SUMMARY:"Art in Prague at the Court of Rudolf II" no Museu do Louvre
DESCRIPTION:© Louvre Museum\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\nO Sacro Imperador Romano Rodolfo II (1552–1612)\, grande patrono das artes e das ciências\, foi um dos governantes europeus mais profundamente interessados no estudo da natureza. Ele reuniu cientistas e artistas de toda a Europa em sua corte\, onde passaram a trabalhar em estreita proximidade dentro dos muros do castelo\, transformando Praga em um verdadeiro laboratório\, um espaço de experimentação\, sob um clima favorável de tolerância intelectual e religiosa. \nA primeira parte da exposição apresenta essa convergência entre os olhares científicos e artísticos sobre a natureza\, particularmente intensa na corte de Praga. Ela se caracteriza\, antes de tudo\, por uma nova abordagem\, ao mesmo tempo direta e observacional. Os artistas participaram ativamente dos primeiros impulsos do empirismo\, não apenas ao produzir instrumentos científicos tão esteticamente refinados quanto inovadores\, mas também ao registrar o mundo vegetal e animal por meio de seus desenhos — uma contribuição fundamental para o inventário das espécies vivas então empreendido pelas ciências naturais. Assim como os cientistas\, os artistas também se interessavam pelas forças ocultas da natureza\, expressando-as por meio da alegoria. Todos compartilhavam uma mesma cultura humanista\, geralmente adquirida por meio dos livros e herdada da Antiguidade. No entanto\, o sistema coeso descrito por essas obras mais antigas não resistiu à observação atenta de um mundo natural instável e caprichoso. \nA segunda parte da exposição mostra como essa curiosidade pelas formas da natureza\, comum a cientistas e artistas\, contribuiu para a renovação da criação artística em Praga. Práticas novas\, como o desenho ao ar livre (en plein air)\, tornaram-se populares\, e essa experiência direta da natureza incentivou os artistas a experimentar novos materiais e temas\, incluindo muitos que antes eram considerados indignos de representação. Desenvolveu-se um gosto por técnicas artísticas capazes de imitar a singularidade das formas naturais e evocar a instabilidade inerente aos processos de crescimento dos seres vivos.
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LOCATION:Museu do Louvre\, 75001 Paris\, França\, Paris\, França
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SUMMARY:"Tous Léger !" no Musée du Luxembourg
DESCRIPTION:Fernand Léger\, “Mona Lisa with the keys”\, 1930. Musée National Fernand Leger\, Biot\, França. © Fernand Léger\n\n\n\n\nGraças a uma parceria inédita entre duas coleções importantes da região da Côte d’Azur\, as obras de Niki de Saint Phalle\, Arman\, Yves Klein\, Raymond Hains\, Martial Raysse e César entram em diálogo com as inovações plásticas de Fernand Léger\, um dos pioneiros da vanguarda artística do século XX. \nAo lado desses nomes centrais do Novo Realismo\, a exposição também apresenta obras de artistas como Roy Lichtenstein e\, mais tarde\, Keith Haring\, ilustrando os intercâmbios artísticos que\, desde cedo\, marcaram a relação entre a criação europeia e a cena americana. \nO percurso da exposição\, composto por cerca de 100 obras\, propõe\, de maneira lúdica e criativa\, diferentes núcleos temáticos: o desvio do objeto\, a representação do corpo e dos lazeres\, e o lugar da arte no espaço público. \nPor meio de gestos artísticos contundentes\, esses artistas elevam ao estatuto de obra de arte elementos extraídos da realidade mais banal. Fundem arte e vida\, revelando ao espectador a poética beleza do cotidiano.
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LOCATION:Musée du Luxembourg\, 19 Rue de Vaugirard\, Paris\, França
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SUMMARY:"Paris noir" no Centre Pompidou
DESCRIPTION:Bob Thompson\, The Struggle\, 1963. © Michael Rosenfeld Gallery LLC\, Nova York. Foto: Cortesia da Michael Rosenfeld Gallery LLC\, Nova York\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n“Paris noir” é uma imersão vibrante em um Paris cosmopolita\, lugar de resistência e criação\, que deu origem a uma ampla variedade de práticas — da tomada de consciência identitária à busca por linguagens plásticas transculturais. Das abstrações internacionais às afro-atlânticas\, passando pelo surrealismo e pela figuração livre\, esse percurso histórico revela a importância dos artistas afrodescendentes na redefinição das modernidades e pós-modernidades. \nQuatro instalações produzidas especialmente para a exposição por Valérie John\, Nathalie Leroy Fiévee\, Jay Ramier e Shuck One pontuam o percurso com olhares contemporâneos sobre essa memória. No centro da mostra\, uma matriz circular retoma o motivo do Atlântico Negro — oceano transformado em disco\, metonímia do Caribe e do “Todo-Mundo”\, segundo a expressão do poeta martinicano Édouard Glissant — como metáfora do espaço parisiense. \nAtenta aos fluxos\, redes e laços de amizade\, a exposição assume a forma de uma cartografia viva — e muitas vezes inédita — de Paris.
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LOCATION:Centre Pompidou\, Place Georges-Pompidou\, Paris\, França
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SUMMARY:"Énormément bizarre" no Centre Pompidou
DESCRIPTION:Lucile Littot\, “Sur un air de Wagner – Le Favorite – Jumelle blonde No1”\, 2018. © direitos reservados. Créditos da foto: Centre Pompidou\, MNAM-CCI / Philippe Migeat / Dist. GrandPalaisRmn\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\nPor ocasião da doação da coleção Jean Chatelus ao Centre Pompidou pela Fondation Antoine de Galbert\, o Musée national d’art moderne apresenta este conjunto excepcional de obras reunidas ao longo de toda uma vida com paixão e curiosidade. Composta por cerca de quatrocentas peças — esculturas\, instalações\, pinturas\, fotografias\, desenhos\, objetos votivos e vernaculares — que refletem estéticas e vozes diversas\, a exposição enfatiza temas como a poética da ruína\, a decomposição orgânica\, o interdito e o espectro apocalíptico\, revelando as obsessões do colecionador. \nA apresentação de parte da coleção no Musée d’Art Moderne de Paris durante a exposição Passions Privées e\, posteriormente\, na mostra L’intime\, le collectionneur derrière la porte\, que inaugurou a Maison Rouge em 2004\, já havia oferecido um vislumbre da amplitude desse acervo\, então exposto em seus apartamentos de forma densa\, heterogênea e anti-retórica. \nComo forma de homenagear essa visão incomum e revelar a singularidade desse gabinete de curiosidades do século XX\, a exposição Énormément bizarre propõe apresentar quase a totalidade da doação por meio de uma abordagem anacrônica\, privilegiando associações livres. Alguns espaços de sua residência são reconstruídos fielmente para permitir ao público mergulhar em seu universo\, enquanto outros são recriados em chave mais museológica\, ainda que respeitando sua visão particular. A doação\, notável por sua dimensão\, valor histórico e estranheza\, empresta seu título à expressão usada por Wim Delvoye — um dos artistas mais presentes na coleção — ao comentar sua passagem pela casa do colecionador. \nFalecido em 6 de julho de 2021\, aos 82 anos\, Jean Chatelus — de origem lionesa\, agrégé em História e professor da Sorbonne — reuniu ao longo da vida uma coleção única\, livre de convenções e avessa ao gosto dominante. Dizia-se mais “acumulador” do que colecionador. Em seu lar\, obras de Cindy Sherman\, Mike Kelley\, Christian Boltanski\, Yayoi Kusama\, Michel Journiac\, Daniel Spoerri\, Robert Filliou\, Nam June Paik\, Joana Vasconcelos e Andres Serrano passaram a conviver com peças de arte extra-ocidental e objetos oriundos de tradições populares. As obras surrealistas que marcaram o início da coleção deixaram-lhe o gosto pelo objeto desviado\, logo substituídas por criações da arte corporal\, um dos movimentos mais representados no acervo. Além do corpo\, os temas da morte e da efemeridade da vida impregnam muitas das obras reunidas. Seu olhar aguçado e extrema liberdade o levaram a se cercar de trabalhos de artistas outsider e de “crianças terríveis”. Paralelamente\, cultivou profundo interesse por objetos etnográficos de diversas culturas\, especialmente da África subsaariana e do Golfo da Guiné\, demonstrando viva curiosidade por artefatos ligados a múltiplas crenças. \nA exposição\, concebida pela Fondation Antoine de Galbert\, Annalisa Rimmaudo e Xavier Rey\, é acompanhada de um documentário dirigido por Alyssa Verbizh e de um catálogo coeditado pela Empire e pela fundação.
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SUMMARY:"Matisse et Marguerite" no Musée d'Art Moderne de Paris
DESCRIPTION:Henri Matisse\, “Marguerite au chat noir”\, 1910. Paris\, Centre Pompidou / Musée national d’art moderne / Centre de création industrielle\n\n\n\n\nO Musée d’Art Moderne de Paris apresenta uma exposição inédita dedicada a Henri Matisse (1869–1954)\, um dos maiores artistas do século XX. Reunindo mais de 110 obras — entre pinturas\, desenhos\, gravuras\, esculturas e cerâmicas —\, a mostra propõe lançar luz sobre o olhar de artista e de pai que Matisse dirigiu à sua filha mais velha\, Marguerite Duthuit-Matisse (1894–1982)\, figura essencial\, porém discreta\, de seu círculo familiar. \nA exposição apresenta diversos desenhos raramente\, ou nunca antes\, mostrados ao público\, além de importantes pinturas provenientes de coleções americanas\, suíças e japonesas\, expostas na França pela primeira vez. Fotografias\, documentos de arquivo e obras pintadas pela própria Marguerite completam o retrato dessa personalidade ainda pouco conhecida do grande público. \nDas primeiras imagens da infância até o fim da Segunda Guerra Mundial\, Marguerite foi o modelo mais constante da obra de Matisse — a única pessoa a habitar sua produção artística ao longo de várias décadas. Dotados de uma franqueza e intensidade notáveis\, seus retratos revelam uma emoção rara\, proporcional ao afeto profundo que o artista nutria pela filha. Matisse parecia vê-la como uma espécie de espelho de si mesmo\, como se\, ao pintá-la\, finalmente alcançasse a “identificação quase completa entre o pintor e seu modelo” à qual sempre aspirou. \nOrganizada de forma cronológica\, a exposição evidencia a força do vínculo entre pai e filha\, revelando a profunda confiança e o respeito mútuo que compartilhavam. Também é uma oportunidade de descobrir o destino fascinante de uma mulher extraordinária\, que desempenhou um papel central na carreira de seu pai. \nPrimogênita dos três filhos de Matisse\, Marguerite nasceu em 1894\, fruto da breve relação que o jovem estudante de pintura manteve com sua modelo\, Caroline Joblaud. Reconhecida por Matisse\, ela cresceu ao lado de Jean (1899–1976) e Pierre (1900–1989)\, filhos do artista com sua esposa Amélie. “Somos como os cinco dedos da mão”\, escreveria mais tarde Marguerite\, referindo-se a esse núcleo familiar profundamente unido.
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LOCATION:Musée d’Art Moderne de Paris\, 11 Av. du Président Wilson Paris\, Paris\, Paris\, França
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SUMMARY:"Gabriele Münter: Peindre sans détours" no Musée d'Art Moderne de Paris
DESCRIPTION:Gabriele Münter\, “Portrait de Marianne von Werefkin”\, 1909. Städtische Galerie im Lenbachhaus und Kunstbau München\, Munich\n\n\n\n\nO Musée d’Art Moderne de Paris apresenta a primeira retrospectiva na França dedicada à artista alemã Gabriele Münter (1877–1962). Cofundadora do círculo de Munique conhecido como Der Blaue Reiter (O Cavaleiro Azul)\, Gabriele Münter está entre as artistas mais importantes do expressionismo alemão. Em um meio artístico dominado por homens\, ela construiu uma obra profundamente pessoal e diversa\, que se estende por seis décadas. \nEmbora seu nome ainda seja frequentemente associado ao de Wassily Kandinsky\, com quem teve um relacionamento durante seus anos em Munique (1903–1914)\, Münter nunca deixou de se reinventar com surpreendente modernidade\, dominando diversas técnicas e deixando um conjunto de obras abundante. \nApós as retrospectivas de destaque dedicadas a Sonia Delaunay (2014–2015)\, Paula Modersohn-Becker (2016) e Anna-Eva Bergman (2023)\, o MAM dá continuidade à sua política de valorização de figuras femininas fundamentais da arte moderna cujos percursos estão intimamente ligados à capital francesa. O museu convida o público a redescobrir essa pioneira da arte moderna\, que iniciou sua carreira em Paris\, onde expôs pela primeira vez em 1907 no Salon des Indépendants. \nCom uma seleção de aproximadamente 170 obras em diversas técnicas — pintura\, gravura\, fotografia\, bordado\, entre outras —\, esta exposição inédita na França tem como objetivo apresentar um percurso cronológico detalhado da produção de Gabriele Münter\, cobrindo mais de 60 anos de criação e destacando sua importância para a história da arte do século XX. \nO catálogo reúne sete ensaios de especialistas franceses e alemães — entre eles Kathrin Heinz\, Dominique Jarassé\, Angela Lampe e Katharina Sykora — alinhados às diferentes seções da exposição. Os textos detalham a riqueza técnica da obra de Münter\, com especial atenção à fotografia e à evolução de sua linguagem artística a partir da metade dos anos 1920. Trata-se do primeiro catálogo de exposição em francês dedicado à artista\, uma referência essencial para o conhecimento e a difusão de sua obra.
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LOCATION:Musée d’Art Moderne de Paris\, 11 Av. du Président Wilson Paris\, Paris\, Paris\, França
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SUMMARY:"Philippe Perrot" no Musée d'Art Moderne de Paris
DESCRIPTION:Philippe Perrot\, Sem título\, 2005. Crédito: Aurélie Dupuis/Azentis Technology\n\n\n\n\nNascido em 1967\, Philippe Perrot cresceu na periferia de Paris. Aos quinze anos\, descobriu a literatura francesa do pós-guerra e mergulhou nos escritos de Antonin Artaud. Apaixonou-se por Pier Paolo Pasolini e pela Nova Vaga italiana\, ingressando em uma escola de cinema. Por meio de vídeos curtos\, o artista começou a explorar o universo familiar e as feridas de sua infância. A partir dos anos 1990\, abandonou o cinema para se dedicar\, como autodidata\, à pintura — sem\, no entanto\, abrir mão dos temas centrais que atravessam toda a sua obra. Perrot faleceu em 2015\, aos 48 anos\, em decorrência de uma longa doença. \nA pintura de Philippe Perrot dá corpo ao sonho e ao inconsciente. Em suas telas\, personagens flutuantes e debilitados encenam dramas íntimos orbitando figuras tutelares como o pai ou a mãe. Seus quadros são representações de estados de alma\, visões complexas oriundas de alucinações cotidianas e segredos de família reprimidos. Esses traumas\, porém\, são suavizados pela constante intrusão de elementos burlescos inspirados no universo dos desenhos animados\, que\, segundo o próprio artista\, aproximam a figuração de “uma piada de mau gosto”. Embora os títulos ofereçam algumas pistas para a compreensão das imagens\, as narrativas permanecem\, em geral\, desconcertantes e enigmáticas. \nPintadas a óleo sobre telas preparadas com pigmento amarelo ocre\, suas obras se caracterizam pela justaposição de vários micro-relatos em uma mesma composição. \nÀ semelhança de planos-sequência no cinema\, as imagens se encadeiam em narrativas que o espectador pode livremente interpretar. A iconografia violenta é acentuada por cores berrantes\, muitas vezes misturadas com desinfetantes farmacêuticos como betadina e eosina. A perturbação da perspectiva\, assim como a superposição de cenas e elementos díspares\, intensificam as tensões expressas nas obras e dificultam sua leitura linear. \nArtista discreto\, na contramão do mercado da arte contemporânea\, Philippe Perrot produziu pouco — cerca de três a quatro pinturas por ano. Seu corpo de trabalho se limita a 130 telas e aproximadamente o mesmo número de desenhos em toda a sua carreira. Graças a uma generosa doação\, seis obras do artista passaram a integrar\, em 2019\, as coleções do museu. Esta apresentação é complementada por diversos empréstimos provenientes de coleções particulares.
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LOCATION:Musée d’Art Moderne de Paris\, 11 Av. du Président Wilson Paris\, Paris\, Paris\, França
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SUMMARY:"Eugène Boudin\, the father of Impressionism: a private collection" no Musée Marmottan Monet
DESCRIPTION:Eugène Boudin\, “La Plage à Trouville”\, 1863. Coleção Yann Guyonvarc’h © Studio Christian Baraja SLB\n\n\n\n\nDe 9 de abril a 31 de agosto de 2025\, o Musée Marmottan Monet apresenta a exposição Eugène Boudin\, o pai do impressionismo: uma coleção particular. \nO colecionador Yann Guyonwarc’h reuniu um acervo de obras de Eugène Boudin (1824–1898) sem equivalente em nenhum museu do mundo. A mostra contempla todas as fases da carreira do artista\, desde suas primeiras pinturas em Le Havre até sua última viagem a Veneza; de esboços íntimos a obras destinadas ao Salão (incluindo uma das duas maiores cenas de praia já pintadas por Boudin). \nAs obras dessa coleção excepcional dialogam com o acervo do Musée Marmottan Monet\, destacando a relação entre Boudin e seu principal discípulo\, Claude Monet. Com o apoio dos arquivos Durand-Ruel\, a exposição também investiga a relação entre os dois artistas e o marchand que os representava. \nCuradoria de Laurent Manoeuvre\, historiador da arte e engenheiro de pesquisa do Departamento de Museus da França.
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LOCATION:Musée Marmottan Monet\, 2 Rue Louis Boilly\, Paris\, França
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SUMMARY:"Morisot / Pétrovitch" no Musée Marmottan Monet
DESCRIPTION:Foto © Hervé Plumet\, Adagp 2025\n\n\n\n\nDesde 2019\, o museu convida uma artista contemporânea para dialogar com seu acervo. Para a nona edição destes “Diálogos Inesperados”\, o museu escolheu Françoise Pétrovitch\, uma artista de destaque no cenário artístico francês e internacional. Neste “Diálogo Inesperado”\, apresentado de 9 de abril a 14 de setembro de 2025\, ela escolheu outra artista\, Berthe Morisot\, com quem compartilha os temas do retrato\, da infância\, da adolescência e da intimidade. Aqui\, o paralelo entre as “Rosas Trémières” de Morisot e os “Soleils” de Pétrovitch destaca outra ponte entre as duas pintoras: a relação interior e muito corporificada com a natureza.
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SUMMARY:"David Hockney 25" na Fondation Louis Vuitton
DESCRIPTION:David Hockney\, “Portrait of an Artist (Pool with Two Figures)”\, 1972 © David Hockney – Imagem ilustrativa\n\n\n\n\nA mostra David Hockney 25 evidencia como\, nos últimos anos\, o artista manteve um processo de renovação contínua\, tanto em seus temas quanto nos modos de expressão. Sua capacidade de se reinventar por meio de novos meios é\, de fato\, notável. Inicialmente desenhista e exímio conhecedor das técnicas acadêmicas\, Hockney tornou-se hoje um dos principais expoentes das novas tecnologias na arte. \nLogo na entrada\, são reunidas no térreo obras emblemáticas produzidas entre os anos 1950 e 1970 — desde seus primeiros trabalhos em Bradford (Portrait of My Father\, 1955)\, passando por sua estadia em Londres\, até chegar à Califórnia. O tema da piscina\, ícone de sua obra\, surge com A Bigger Splash (1967) e Portrait of an Artist (Pool with Two Figures) (1972). Sua série de duplos retratos está representada por duas pinturas fundamentais: Mr. and Mrs. Clark and Percy (1970–1971) e Christopher Isherwood and Don Bachardy (1968). \nA natureza passa a ocupar um lugar cada vez mais central na produção de Hockney a partir das décadas de 1980 e 1990 — como evidencia A Bigger Grand Canyon (1998) —\, até que o artista retorna à Europa para aprofundar sua exploração de paisagens familiares. \nO núcleo principal da exposição é dedicado aos últimos 25 anos\, período em que Hockney viveu principalmente no Yorkshire\, onde reencontrou as paisagens de sua infância\, e também na Normandia e em Londres. A mostra celebra essa fase com obras como May Blossom on the Roman Road (2009)\, em que transforma um simples arbusto de espinheiro em uma explosão espetacular da primavera. Sua observação do ritmo das estações culmina em Bigger Trees near Warter or/ou Peinture sur le Motif pour le Nouvel Âge Post-Photographique (2007)\, uma paisagem monumental de inverno pintada ao ar livre\, emprestada excepcionalmente pela Tate de Londres. \nAo mesmo tempo\, David Hockney continua a retratar seus amigos e pessoas próximas\, seja com tinta acrílica ou no iPad — série pontuada por diversos autorretratos. A exposição reúne cerca de sessenta retratos na galeria 4\, acompanhados de “retratos de flores” feitos no iPad\, mas apresentados em molduras tradicionais\, criando um jogo de percepções que se intensifica no dispositivo que os agrupa na parede em 25th June 2022\, Looking at the Flowers (Framed)\, 2022. \nTodo o primeiro andar — galerias 5 a 7 — é dedicado à Normandia e suas paisagens. A série 220 for 2020\, realizada exclusivamente no iPad\, é apresentada em uma instalação inédita na galeria 5. Nela\, Hockney registra\, dia após dia e estação após estação\, as variações da luz. Na galeria 6\, que dá continuidade a esse conjunto\, destaca-se uma série de pinturas acrílicas com um tratamento muito particular do céu\, animado por pinceladas vibrantes — uma evocação distante de Van Gogh. Já a galeria 7 apresenta um panorama composto por vinte e quatro desenhos a tinta (La Grande Cour\, 2019)\, que remete à Tapeçaria de Bayeux. \nO último andar se abre com uma série de reproduções que remontam ao Quattrocento\, referências fundamentais para Hockney (The Great Wall\, 2000). Sua pintura\, alimentada pela história universal da arte desde a Antiguidade\, tem como foco aqui a tradição europeia — da Primeira Renascença e dos mestres flamengos até a arte moderna. A primeira parte da galeria 9 testemunha esse diálogo com Fra Angelico\, Claude Lorrain\, Cézanne\, Van Gogh\, Picasso… Em seguida\, o público é convidado a atravessar esse espaço transformado em uma espécie de sala de ensaio\, como o próprio Hockney costuma fazer em sua casa\, onde recebe músicos e dançarinos. \nApaixonado por ópera\, o artista desejou reinterpretar suas criações para o palco desde os anos 1970 em uma nova composição polifônica\, musical e visual\, realizada em colaboração com o 59 Studio\, que envolve o visitante na galeria 10\, a mais monumental da Fundação. \nA exposição se encerra em um espaço mais intimista — galeria 11 — dedicado às obras mais recentes pintadas em Londres\, onde Hockney reside desde julho de 2023. Essas pinturas\, especialmente enigmáticas\, são inspiradas em Edvard Munch e William Blake: After Munch: Less is Known than People Think (2023) e After Blake: Less is Known than People Think (2024)\, onde astronomia\, história e geografia se entrelaçam com uma forma de espiritualidade\, segundo o próprio artista. Nesta última sala\, ele decidiu incluir seu autorretrato mais recente.
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LOCATION:Fondation Louis Vuitton\, 8\, Avenue du Mahatma Gandhi Bois de Boulogne\, Paris\, França
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SUMMARY:"Georges Mathieu: Geste\, vitesse\, mouvement" na Monnaie de Paris
DESCRIPTION:Georges Mathieu pintando “L’hommage au Connétable de Bourbon\, auteur du sac de Rome” no palco do Fleischmarkt Theater\, Viena\, 2 de abril de 1959. © Hulton Archive via Getty Images / Adagp\, Paris\, 2025. \nNenhum outro artista\, em nenhuma época\, marcou tanto o imaginário visual de seus contemporâneos quanto Georges Mathieu (27 de janeiro de 1921 – 10 de junho de 2012). Suas imagens abstratas\, que se tornaram uma assinatura estética\, se materializaram não apenas em pinturas\, mas também nos mais diversos suportes da modernidade — de cartazes a vinhetas de televisão\, passando por medalhas e moedas. Enquanto sua personalidade pública\, fora dos padrões\, gerava polêmica\, Mathieu consolidava seu lugar na cultura popular. \nEsta retrospectiva de Georges Mathieu é apresentada mais de 50 anos após a realizada no Hôtel de la Monnaie em 1971. Fruto de uma colaboração entre o Centre Pompidou e a Monnaie de Paris\, a mostra coloca em diálogo sua produção pictórica e suas inúmeras criações para a instituição monetária\, sendo a moeda de 10 francos sua realização mais emblemática nesse campo. \nCom um percurso cronológico e temático\, a exposição traça a trajetória de Georges Mathieu desde os anos 1940 — período em que participou da consolidação de um expressionismo abstrato de alcance internacional — até os anos 1990\, com especial destaque para o acervo Mathieu do Musée national d’art moderne.
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LOCATION:Monnaie de Paris\, 11 quai de Conti\, Paris\, France
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SUMMARY:"Robert Doisneau: Instants Donnés" no Musée Maillol
DESCRIPTION:© Robert Doisneau\, Instants donnés\, no Musée Maillol\n\n\n\n\nPor meio de uma jornada notável composta por mais de 350 fotografias\, descubra a obra do renomado fotógrafo Robert Doisneau. \nA exposição Robert Doisneau. Instants Donnés marca o retorno das fotografias de Doisneau à cidade de Paris após anos de ausência. \nCerca de 400 imagens foram cuidadosamente selecionadas a partir das 450 mil que compõem o acervo. Ícones conhecidos se misturam a séries totalmente renovadas\, revelando a habilidade do fotógrafo em capturar a experiência humana em uma ampla variedade de contextos: a infância\, os artistas\, os escritores\, os cafés\, os anos na Vogue\, assim como a dureza e a gravidade da vida nos subúrbios… \nUMA CRIAÇÃO NOVA\, RARA E PESSOAL\nPartindo da realidade mais ordinária\, Robert Doisneau nos conduz a sua visão única do mundo ao seu redor. \nSeu olhar divertido sobre a infância. Seus subúrbios parisienses que passam do preto e branco à cor. As visitas íntimas aos ateliês de pintores e escultores; a exploração da moda e do luxo no pós-guerra durante os anos na Vogue. São tantos temas que\, com uma atenção sempre minuciosa\, oferecem um comentário social sobre um mundo áspero e implacável\, com o qual o fotógrafo mantinha profunda solidariedade. \nAo longo de um percurso excepcionalmente rico\, o público poderá descobrir objetos pessoais e documentos pertencentes ao artista\, além de conteúdos interativos e audiovisuais. Também será apresentada sua produção publicitária — muitas vezes bem-humorada e amplamente desconhecida. \nLonge de um Doisneau nostálgico\, suas fotografias estavam enraizadas no presente e voltadas para o futuro. \nUM MUNDO REAL VISTO PELOS OLHOS DE UM SONHADOR\nA exposição Robert Doisneau. Instants Donnés oferece um verdadeiro encontro com o fotógrafo e seu universo criativo abundante. Seu olhar é marcado por um realismo poético\, que vê o mundo como ele é\, mas realça o maravilhoso. A mostra transmite um espírito que flutua entre a leveza e a gravidade\, entre o sonho e a realidade. \nSeja como reflexo de uma realidade melancólica ou como testemunho de uma alegria de viver irreprimível\, o impacto dessas imagens depende da história de cada um. Talvez essas fotografias — algumas das quais se tornaram universais — nos conduzam a um encontro mais profundo conosco mesmos… \nUma exposição concebida por uma curadoria coletiva envolvendo a Tempora e o Atelier Doisneau\, liderado por Annette Doisneau e Francine Deroudille\, filhas do fotógrafo\, em colaboração com o Musée Maillol.
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LOCATION:Musée Maillol\, 59-61 Rue de Grenelle\, Paris\, França
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SUMMARY:"Out of focus\, another vision of art from 1945 to the present day" no Musée de l'Orangerie
DESCRIPTION:Hans Hartung\, “T1982-H31”\, 1982. Antibes\, Fondation Hartung-Bergman © Coleção: Fondation Hartung-Bergman © Hans Hartung / Adagp\, Paris 2025\n\n\n\n\nAs Ninfeias de Monet há muito são vistas por artistas e estudadas por historiadores como o exemplo máximo da pintura abstrata\, uma precursora sensível das grandes instalações imersivas que viriam depois. No entanto\, o efeito desfocado que caracteriza as vastas extensões de água nas imponentes telas de Monet foi pouco explorado. Seus contemporâneos não deixaram de notá-lo\, mas o atribuíram à deterioração da visão do artista\, causada por uma doença ocular. Hoje\, parece mais pertinente e revelador considerar esse aspecto da fase final de sua obra como uma escolha estética deliberada\, deixada à posteridade para ser desvendada. \nEsta exposição assume conscientemente o desfoque como uma chave de leitura\, abrindo uma nova interpretação para um campo inteiro da criação visual moderna e contemporânea. Inicialmente definido como uma “perda de nitidez”\, o desfoque revelou-se o meio de expressão privilegiado em um mundo onde reina a instabilidade e a visibilidade se encontra turva. \nFoi sobre os escombros deixados pela Segunda Guerra Mundial que essa estética do fora de foco lançou raízes e passou a revelar sua dimensão política inevitável. O princípio cartesiano da clareza e distinção\, que por tanto tempo prevaleceu na arte\, já não se mostrava mais eficaz. Com a erosão das certezas visíveis e diante da multiplicidade de caminhos possíveis\, os artistas propuseram novas abordagens\, moldando suas obras a partir do transitório\, da desordem\, do movimento\, da incompletude e da dúvida. Reconhecendo uma mudança fundamental na ordem do mundo\, eles optaram pelo indeterminado\, pelo indistinto e pela sugestão. Esse distanciamento da clareza naturalista veio acompanhado de uma busca por polissemia\, expressa na permeabilidade entre mídias e na importância crescente atribuída à interpretação do espectador. Instrumento de sublimação\, mas também manifestação de uma verdade latente\, o desfoque tornou-se tanto sintoma quanto remédio para um mundo em busca de sentido. \nEssencialmente escorregadia\, a estética do fora de foco se constrói pelo afastamento — não em oposição direta à objetividade clínica de um mundo sob vigilância constante\, mas como um equilíbrio nas fissuras da realidade. Um distanciamento que não nasce da rejeição ou negação da banalidade do mundo\, mas da investigação de suas novas modalidades. Às margens do visível\, o desfoque\, embora revele instabilidade\, também cria as condições para o reencontro com o encantamento. \nO percurso da exposição é organizado tematicamente\, e não cronologicamente. Uma sala introdutória é dedicada às raízes estéticas do desfoque no século XIX e na virada para o século XX\, a partir das transformações intelectuais\, científicas\, sociais e artísticas com as quais o impressionismo cresceu. A mostra se desdobra em três seções que combinam pinturas\, vídeos e fotografias. Após a exploração dos limites da percepção em “nas fronteiras do visível”\, a seção “a erosão das certezas” aborda o desfoque sob uma perspectiva histórica e política\, examinando questões de memória e o status das imagens diante de episódios trágicos da história contemporânea. No entanto\, o esmaecimento das imagens vai além do aspecto coletivo: há algo de poético\, até mesmo onírico\, quando esse recurso toca a questão da identidade e “elogia o indistinto”. Um epílogo amplia a discussão ao refletir sobre a possibilidade de reencontro com o encantamento do mundo\, em resposta à afirmação trêmula do artista Mircea Cantor: “futuro imprevisível”. \nArtistas participantesAntoine d’Agata · Dove Allouche · Maarten Baas · Francis Bacon · Léa Belooussovitch · Christian Boltanski · Miriam Cahn · Julia Margaret Cameron · Mircea Cantor · Eugène Carrière · Claire Chesnier · Philippe Cognée · Nicolas Delprat · Vincent Dulom · Bracha L. Ettinger · Wojciech Fangor · Alberto Giacometti · Nan Goldin · Hervé Guibert · Hans Haacke · Joana Hadjithomas · Hans Hartung · Frères Henry · Alfredo Jaar · Khalil Joreige · Y.Z. Kami · Kikuji Kawada · Yves Klein · Bertrand Lavier · Thomas Lélu · Sébastien Lifschitz Collection · Albert Londe · Clémence Mauger · Claude Monet · Tania Mouraud · Edvard Munch · Óscar Muñoz · Zoran Mušič · Mame-Diarra Niang · Eva Nielsen · Albert Oehlen · Claudio Parmiggiani · Estefanía Peñafiel Loaiza · Otto Piene · Sigmar Polke · Krzysztof Pruszkowski · Odilon Redon · Gerhard Richter · Pipilotti Rist · Auguste Rodin · Ugo Rondinone · Medardo Rosso · Mark Rothko · Thomas Ruff · Georges Seurat · Edward Steichen · Christer Strömholm · Hiroshi Sugimoto · Laure Tiberghien · Daniel Turner · Joseph Mallord William Turner · Luc Tuymans · Bill Viola \nCuradoriaClaire Bernardi\, diretora do Musée de l’OrangerieEmilia Philippot\, curadora-chefe\, diretora-adjunta de estudos do Institut National du Patrimoine (INP)Em colaboração com Juliette Degennes\, curadora do Musée de l’Orangerie
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SUMMARY:"Mamluks: 1250-1517" no Museu do Louvre
DESCRIPTION:© Louvre Museum\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\nO Museu do Louvre realiza\, pela primeira vez na Europa\, uma grande exposição dedicada ao sultanato Mameluco (1250–1517)\, com o objetivo de abordar esse período de ouro do Oriente Próximo islâmico em toda a sua amplitude e riqueza\, a partir de uma perspectiva transregional. \nFormados por soldados-escravizados libertos\, principalmente de origem turca (e posteriormente caucasiana)\, os mamelucos construíram sua reputação com base na destreza militar. De 1250 a 1517\, o sultanato mameluco conquistou os últimos redutos cruzados\, enfrentou e conteve a ameaça mongol\, sobreviveu às invasões de Tamerlão e manteve sob controle seus vizinhos turcomanos e otomanos até sucumbir ao expansionismo destes últimos. Seu território abrangia uma vasta região que incluía o Egito\, o Bilad al-Sham (Síria\, Líbano\, Israel/Palestina\, Jordânia)\, parte do leste da Anatólia e o Hijaz\, na Arábia\, onde se encontram Meca e Medina. \nMas a história do sultanato mameluco vai muito além de suas conquistas e feitos militares. Sua cultura\, tão complexa e multifacetada quanto sua sociedade\, pertence a uma era medieval ainda pouco conhecida e marcada por uma fluidez notável. Um mundo em que sultões conviviam com emires e elites civis abastadas\, todos atuantes no mecenato artístico. Uma sociedade plural\, na qual havia espaço para mulheres e para minorias cristãs e judaicas. Um “reino intermediário” onde Europa\, África e Ásia se encontravam\, e onde circulavam pessoas\, ideias\, mercadorias e repertórios artísticos. \nOrganizada em cinco núcleos — os mamelucos\, sua sociedade\, suas culturas\, suas conexões com o mundo e sua arte —\, a exposição reúne cerca de 260 obras\, sendo um terço provenientes do acervo do Louvre e do Musée des Arts Décoratifs\, ao lado de empréstimos de prestígio de instituições nacionais e internacionais. Têxteis\, objetos de arte\, manuscritos\, pinturas\, marfins\, decorações arquitetônicas em pedra e madeira revelam um universo artístico\, literário\, religioso e científico extremamente vibrante. Na época\, o sultanato mameluco era o centro cultural do mundo árabe e herdeiro de grandes tradições. Sua produção visual deixou marcas duradouras na história da arte e da arquitetura. \nA exposição convida o público\, por meio de uma cenografia espetacular\, espaços imersivos e diferentes ritmos de percurso\, a vivenciar o mundo dos mamelucos. Figuras históricas representativas da sociedade mameluca também são apresentadas\, compartilhando suas histórias singulares dentro do contexto maior da época. \nEsta é uma oportunidade inédita de descobrir esse império glorioso e ainda pouco conhecido\, por meio de obras-primas vindas de todo o mundo\, oferecendo um novo olhar sobre o Egito e o Oriente Próximo medievais — em um momento em que ocupavam uma encruzilhada cultural entre a Ásia\, a África e a Europa.
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LOCATION:Museu do Louvre\, 75001 Paris\, França\, Paris\, França
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SUMMARY:"Le Brésil illustré" na Maison de l’Amérique latine
DESCRIPTION:Denilson Baniwa\, “Arqueiro digital”\, 2017 © Denilson Baniwa \nNeste ano\, a Maison de l’Amérique Latine dá destaque às relações bilaterais França-Brasil por meio de uma temporada cultural dedicada ao tema. A partir de 30 de abril de 2025\, a instituição apresenta\, sob curadoria de Jacques Leenhardt e Gabriela Longman\, uma importante exposição dedicada ao trabalho de crítica e ressimbolização das imagens do pintor Jean-Baptiste Debret (1768–1848) por uma geração efervescente de artistas contemporâneos brasileiros. Intitulada “Le Brésil illustré. L’héritage postcolonial de Jean-Baptiste Debret” [“O Brasil ilustrado. O legado pós-colonial de Jean-Baptiste Debret”]\, a mostra se baseia nas pesquisas recentes de Jacques Leenhardt (Rever Debret\, Editora 34\, São Paulo\, 2023)\, também reunidas em uma publicação homônima a ser lançada pela Actes Sud em abril de 2025. \nJean-Baptiste Debret (1768–1848)\, pintor do círculo de Jacques-Louis David durante a Revolução Francesa e o Império\, emigrou em 1815 para o Rio de Janeiro\, onde foi recebido como pintor oficial da corte portuguesa\, transferida para sua colônia. Durante 15 anos\, foi testemunha da transformação dessa colônia em Império do Brasil. De volta a Paris em 1831\, publicou um livro amplamente ilustrado\, Viagem pitoresca e histórica ao Brasil\, revelando as aquarelas até então mantidas em segredo\, realizadas ao longo de sua estada — uma verdadeira sociologia em imagens da vida cotidiana no Rio de Janeiro em plena transição. Um século depois\, após ter sido censurado pela biblioteca imperial e posteriormente esquecido por retratar de forma demasiado crua a sociedade escravocrata\, Viagem pitoresca e histórica ao Brasil foi redescoberto\, traduzido e publicado no Brasil em 1940\, com tanto sucesso que se tornou uma iconografia de referência sobre o período. A obra foi publicada pela Imprimerie Nationale em 2014. \nEm 2022\, por ocasião das celebrações do Bicentenário da Independência do Brasil\, diversos artistas das novas gerações indígenas e afrodescendentes passaram a confrontar essas imagens de seus ancestrais e comunidades. Por não se reconhecerem nessa arquivística colonial\, apropriam-se dessas imagens para desviá-las\, carnavalizá-las e ressimbolizá-las. \nAs obras produzidas constituem um diálogo e\, ao mesmo tempo\, uma resposta às imagens de Debret. Por meio de sua inventividade e força crítica\, essas criações colocam em pauta a atualíssima questão da confrontação com o passado colonial. Ao ilustrar a riqueza desse ateliê contemporâneo — onde se inventam novas formas de saber e de representação —\, a exposição O Brasil ilustrado. O legado pós-colonial de Jean-Baptiste Debret mostra como a arte inventa estratégias para reconectar a história dessas comunidades ao relato nacional do qual foram apagadas. \nCom obras de: \nDenilson Baniwa\, Anna Bella Geiger\, Isabel Löfgren & Patricia Goùvea\, Tiago Gualberto\, Claudia Hersz\, Jaime Lauriano\, Lívia Melzi\, Valerio Ricci Montani\, Eustáquio Neves\, Dalton Paula\, Tiago Sant’Ana\, Heberth Sobral\, Gê Viana.
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LOCATION:Maison de l’Amérique latine\, 217 Bd Saint-Germain\, Paris\, France
CATEGORIES:Paris
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SUMMARY:"Architectural Journey: Frank Gehry" no Foundation Louis Vuitton
DESCRIPTION:Projeto de Frank Gehry. “Architectural journey”\, desenhado em 1989. Cortesia da Fundation Louis Vuitton. \nBanhada pela luz natural proveniente de uma claraboia\, a exposição começa no Estúdio\, que exibe uma maquete original em escala\, ao redor da qual os visitantes podem caminhar antes de descobrir dois vídeos widescreen gravados com drones. \nPreparada em colaboração com as equipes de Frank Gehry em Los Angeles\, esta exposição permanente propõe um itinerário aberto aos visitantes. Assim como o próprio edifício\, que oferece múltiplos itinerários possíveis\, os visitantes são convidados a uma jornada arquitetônica que descreve e explica o processo que culminou em um edifício já reconhecido como um novo e importante monumento para Paris. \nEssa combinação cria uma experiência visual única\, oferecendo uma visão da beleza impressionante do edifício\, bem como de sua complexidade tecnológica. Os patamares com vista para o “cânion” apresentam elementos-chave essenciais para a compreensão do edifício: construção\, materiais\, design\, contexto em Paris. \nOs patamares podem ser acessados ​​pela única escada onde as paredes estruturais de aço foram deixadas expostas\, evocando o casco de um navio. Os visitantes também descobrem os esboços iniciais do projeto\, expressando a inspiração criativa do arquiteto\, que recebeu o prestigioso Prêmio Pritzker em 1989. \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n 
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SUMMARY:ABERTO4 na Maison La Roche
DESCRIPTION:Lais Amaral\, “Sem título I (série Lindo ninho)”\, 2025 \nApós três edições bem recebidas em São Paulo\, a ABERTO inicia um novo capítulo com sua primeira exposição internacional. Realizada em Paris\, na icônica Maison La Roche\, projetada por Le Corbusier\, a mostra reúne cerca de 40 obras de arte e design\, assinadas por artistas brasileiros consagrados e contemporâneos. Participam da exposição nomes fundamentais como Amílcar de Castro\, Lygia Clark\, Hélio Oiticica\, Mira Schendel\, Tunga e Anna Maria Maiolino\, ao lado de artistas atuais como Beatriz Milhazes\, Luiz Zerbini\, Sonia Gomes\, Erika Verzutti\, Antonio Tarsis\, Sidival Fila e Luísa Matsushita\, entre outros. \nArtistas participantes: \nAluísio Carvão\, Amílcar de Castro\, Anna Maria Maiolino\, Antônio Tarsis\, Beatriz Milhazes\, Cicero Dias\, Cláudia Moreira Salles\, Erika Verzutti\, Hélio Oiticica\, Juan Araujo\, Lais Amaral\, Le Corbusier\, Liuba Wolf\, Luísa Matsushita\, Luiz Zerbini\, Lygia Clark\, Lygia Pape\, Marcius Galan\, Maria Klabin\, Maria Martins\, Marina Simão\, Mauro Restiffe\, Mira Schendel\, Milton Dacosta\, Oscar Niemeyer\, Roberto Burle-Marx\, Sandra Cinto\, Sergio Camargo\, Sidival Fila\, Sonia Gomes\, Sophia Loeb\, Tunga. \nIngressos: https://www.fondationlecorbusier.fr/billetterie/
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