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SUMMARY:"La Mode en mouvement" no Palais Galliera
DESCRIPTION:O Palais Galliera apresenta La Mode en mouvement [A Moda em Movimento]\, sua segunda exposição de coleções nas galerias do térreo do jardim. Com cerca de 200 obras\, este percurso cronológico traça\, através das coleções do museu\, uma história da moda desde o século XVIII até os dias atuais e\, ao mesmo tempo\, desenvolve uma temática transversal dedicada ao corpo em movimento. Refletindo os Jogos Olímpicos e Paralímpicos que serão realizados em Paris em 2024\, o Palais Galliera questiona o papel das roupas na prática de atividades físicas e esportivas\, sua relação com o corpo e o movimento\, bem como as consequências sociais de sua evolução. As roupas projetadas ao longo das épocas para atividades físicas e esportivas são comparadas com as roupas do dia a dia. Esse diálogo questiona as noções de especialização das roupas esportivas\, a adaptação das roupas femininas para a prática física no final do século XIX\, a masculinização das roupas femininas e a introdução do sportswear no guarda-roupa cotidiano. Por fim\, a evolução do corpo\, especialmente o corpo esportivo\, e a forma como ele é valorizado pelas roupas são destacadas para melhor compreender como a liberação do corpo através da atividade física contribuiu para a evolução das mentalidades e dos padrões de beleza. Trajes de banho\, roupas de ciclista e amazona\, casacos e acessórios de automobilismo\, conjuntos de corrida e tênis\, por exemplo\, serão apresentados ao lado de silhuetas características de três séculos de história da moda. O museu receberá empréstimos excepcionais do Museu Nacional do Esporte (Nice)\, da Biblioteca Forney (Paris)\, do Patrimônio CHANEL\, da coleção Emile Hermès\, das casas Sonia Rykiel e Yohji Yamamoto. Essas obras convidadas ajudarão a contextualizar as peças do Palais Galliera\, testemunhas de práticas físicas e esportivas\, de lazer ou de competição\, ao longo das épocas.Por razões de conservação preventiva\, esta exposição será organizada em três fases consecutivas\, cada uma exigindo um período de fechamento de cinco semanas. Assim\, as obras serão em grande parte renovadas\, oferecendo aos visitantes a oportunidade de retornar e descobrir as coleções do Palais Galliera.
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LOCATION:Palais Galliera\, 10 Av. Pierre 1er de Serbie\, Paris\, França
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SUMMARY:"The MET at The Louvre: Near Eastern Antiques in Dialogue" no Museu do Louvre
DESCRIPTION:Escultor desconhecido. “Cabeça de um líder”. Cortesia do Museu do Louvre.\n\n  \nO Departamento de Antiguidades do Oriente Próximo do Louvre está abrigando dez grandes obras do Metropolitan Museum of Art de Nova York\, cujo Departamento de Arte do Oriente Próximo Antigo está atualmente fechado para reformas. O Louvre e o Met criaram um diálogo único entre essas duas coleções\, que é exibido nas galerias permanentes do Louvre. Essas obras de arte “convidadas especiais” do Met\, datadas entre o final do 4º milênio a.C. e o século 5 d.C.\, mostram algumas conexões notáveis ​​com a coleção do Louvre. Em alguns casos\, um par de objetos foi reunido pela primeira vez\, enquanto em outros\, as peças se complementam em virtude de características históricas específicas de suas respectivas coleções. Representando a Ásia Central\, a Síria\, o Irã e a Mesopotâmia\, esse diálogo entre coleções está (re)apresentando os visitantes a essas extraordinárias e antigas obras de arte e às histórias que elas contam. \n  \n\n  \n\n  \n\n  \n\n 
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LOCATION:Museu do Louvre\, 75001 Paris\, França\, Paris\, França
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SUMMARY:"La Collection: Revoir Picasso" no Musée Picasso Paris
DESCRIPTION:Pablo Picasso\, Trois figures sous un arbre (Three figures under a tree)\, 1907-1908 © Musée Picasso Paris\n\n\n\nO Museu Nacional Picasso-Paris reencontra sua coleção espalhada por três andares a partir de 12 de março; após um ano de celebração e a magnífica exposição dedicada à artista Sophie Calle. Dez anos após a reabertura do museu\, a coleção se instala de forma permanente no magnífico Hotel Salé. \n\n\n\nFruto de uma história extraordinária\, a formação da coleção do Museu Nacional Picasso-Paris foi possibilitada pelo mecanismo de dação – hoje é a maior coleção pública de obras de Picasso\, os “Picassos de Picasso”. Originária dos ateliês do artista\, essa coleção nos permite compreender melhor as explorações estéticas deste Picasso que ora é desconcertante\, plural\, contraditório\, reflexivo\, gestual e conceitual\, esteta e engajado\, inventor e poeta. Ele é simbolista\, cubista\, clássico\, surrealista ou simplesmente figurativo e político? \n\n\n\nUm lugar aberto e vibrante\, o museu aborda questões sociais para questionar\, através da jornada de sua obra\, a recepção dela\, ou seja\, a do pintor mais renomado\, mais observado\, mas também o mais discutido. \n\n\n\nÉ também uma oportunidade para dedicar exposições ou contrapontos aos corações das coleções. O primeiro desta série presta homenagem à artista Françoise Gilot\, que faleceu recentemente. Além de seu famoso livro intitulado “Viver com Picasso”\, publicado em 1965 – a trajetória da artista é evocada desde sua proximidade com o grupo das “Realidades Novas” até as grandes composições totêmicas das “pinturas emblemáticas” dos anos 1980.
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LOCATION:Musée Picasso Paris\, 5 rue de Thorigny\, Paris\, França
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SUMMARY:"LA ELLE" de Renée Levi no Palais de Tokyo
DESCRIPTION:Vista da instalação. Crédito: Antoine Aphesbero\n\n\n\n\nO edifício do Palais de Tokyo está vivo com as memórias e presenças das inúmeras intervenções artísticas que ocorreram ao longo dos anos\, variando do sutil ao espetacular. O convite a Renée Levi estende a história contínua escrita por esses gestos que moldaram o centro de arte\, incluindo os de Anita Molinero\, FUTURA 2000\, Philippe Parreno\, TOILET PAPER e Kate Newby\, e lança uma nova luz sobre nossa experiência coletiva do hall de entrada do Palais. \nRespondendo ao convite para desdobrar sua pintura por La Zone – a área de entrada livremente acessível do Palais de Tokyo – Renée Levi redefine e expande simultaneamente este espaço\, geralmente de passagem. Seu trabalho consiste em uma pintura mural analógica nas paredes internas e um vasto desenho digital que cobre as janelas do edifício\, conferindo-lhes a aparência de vitral. Na fachada e nas janelas\, o branco torna-se um fundo para a cor\, enquanto nas paredes é reservado para sinais e assinaturas. Movendo-se entre opacidade e translucidez\, sinais riscados e escritas ressaltam várias características de seu ambiente anfitrião\, ao mesmo tempo em que se fundem a ele: os vários tons da pedra e do mármore\, a verticalidade e transparência das janelas e a estrutura crua do edifício. Em alguns lugares\, traços digitais se transformam em reflexões pictóricas\, enquanto em outros\, as vogais de um nome se entrelaçam em laços de prata ou fumaça\, sinais tornam-se letras\, acentos formam linhas de luz\, a linguagem se transforma em uma abstração\, e o todo constitui uma nova linguagem. \nEm LA ELLE\, sinais e laços colapsam uns nos outros\, irrompendo de latas de spray\, avançando hesitantes\, mas sem se desculpar\, por superfícies até encontrarem sua forma em um nome mítico formado pela conjunção de dois pronomes. “Eu sempre sinto que estou falando em uma língua estrangeira – não apenas na minha vida diária\, mas ocasionalmente no mundo da arte também. Meu nome é uma primeira língua tangível. Meu eu se esconde atrás deste nome\, junto com outros que se escondem ou se esconderam lá. Nomes identificam e agem como proposições de identificação. Meu nome é a base da minha identidade. Ele me legou família\, identidade cultural\, obrigações e responsabilidades\, mas também força. Este nome pode ser inscrito como um sinal. Todos deveríamos ser capazes de ler nossos nomes como sinais\, como uma espécie de grafite fugitivo.”
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LOCATION:Palais de Tokyo\, 13\, avenue du Président Wilson\, Paris\, França
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SUMMARY:"The Flowers of Yves Saint Laurent" no Musée Yves Saint Laurent
DESCRIPTION:Imagem: Divulgação\n\nDe 20 de setembro de 2024 a 4 de maio de 2025\, o Musée Yves Saint Laurent Paris apresenta As Flores de Yves Saint Laurent. Idealizada pelos curadores Olivier Saillard e Gaël Mamine\, a exposição segue uma exibição inaugural no Musée Yves Saint Laurent Marrakech\, em cartaz de 2 de março de 2024 a 5 de janeiro de 2025. Pela primeira vez\, os dois museus se uniram para montar uma exposição conjunta dedicada a um tema central na obra do estilista. \n“Trigo traz boa sorteLírios\, minha flor favorita/Uma Vênus de bronze\, símbolo da minha profissão e da minha paixão por bronzesÀ la recherche du temps perdu de Proust/ \nDesde os quinze anos\, nunca parei de reler essa obra incomparável.” \nYves Saint Laurent e seu parceiro Pierre Bergé viviam diariamente cercados por flores e jardins em seus apartamentos\, casas de campo e na própria maison de moda. Apaixonado por flores\, o estilista as considerava uma fonte infinita de inspiração. \nYves Saint Laurent compartilhava essa admiração pela natureza com muitos artistas e escritores\, em particular com um de seus autores favoritos\, Marcel Proust\, como revelou na revista L’Egoïste em 1987. Um universo proustiano aparecia nos interiores do estilista\, assim como em seus desfiles de moda. Enquanto o escritor descrevia mulheres como flores\, o costureiro as homenageava cobrindo-as com flores. \nMais de trinta peças de vestuário e desenhos apresentados na exposição destacam essa simbiose entre natureza\, literatura e o trabalho de Yves Saint Laurent. \nComo em um livro\, cada capítulo da exposição exibe citações de Proust ao lado de silhuetas florais criadas por Yves Saint Laurent\, enquanto acessórios e desenhos do estilista são apresentados em pedestais. Como ao longo de um caminho de jardim\, flores estão por toda parte\, revelando a personalidade e os gostos do designer: desde o lírio-do-vale\, tão querido por Christian Dior\, ao logotipo YSL com seu monograma semelhante a um lírio\, das rosas simbolizando o amor à buganvília de Marrocos\, ou ao trigo\, portador de sorte e triunfo. \nPor meio das peças icônicas vistas na exposição\, o visitante descobre a expertise que Yves Saint Laurent utilizava para dar vida às suas criações florais: desde seu bordado aplicado no vestido da coleção primavera-verão de 1962 até suas estampas inventivas da coleção primavera-verão de 2001\, uma referência inesquecível às pinturas de Pierre Bonnard. \nVemos as flores gigantes de gazar de seda usadas na passarela por Laetitia Casta como noiva de verão em 1999\, uma imagem marcante da obra de Yves Saint Laurent. \nEsse diálogo espontâneo entre as artes e diferentes épocas continua quando nos deparamos com o trabalho do artista americano Sam Falls\, cujas obras são vistas ao longo da exposição. Viajando pelo mundo\, Falls coleta amostras de plantas e preserva a memória de paisagens florais imprimindo diretamente seus pigmentos em tela. Os padrões e cores de sua recriação da natureza se harmonizam com aqueles vistos nas peças de alta-costura. Nas roupas de Yves Saint Laurent\, assim como nas pinturas de Sam Falls\, as flores transcendem o tempo e permanecem eternamente em flor.
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LOCATION:Musée Yves Saint Laurent Paris\, 5 Av. Marceau\, Paris\, França
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SUMMARY:"Olga de Amaral" na Fondation Cartier
DESCRIPTION:Vista da exposição © Olga de Amaral. Cortesia Lisson Gallery\n\n\n\n\nA Fondation Cartier pour l’art contemporain está apresentando a primeira grande retrospectiva na Europa de Olga de Amaral\, uma figura central da cena artística colombiana e da Arte Fibra. A exposição reúne cerca de oitenta obras realizadas entre os anos 1960 e os dias atuais\, muitas das quais nunca foram exibidas fora da Colômbia. Além das vibrantes peças em folha de ouro pelas quais a artista é conhecida\, a mostra revela suas primeiras explorações e experimentações com o têxtil\, bem como suas obras monumentais. \nDesde a década de 1960\, Olga de Amaral vem expandindo os limites do meio têxtil\, experimentando continuamente com diferentes materiais (linho\, algodão\, crina de cavalo\, gesso\, folha de ouro\, paládio) e técnicas: ela tece\, amarra\, trança e entrelaça fios para criar peças monumentais tridimensionais. Sua obra\, inclassificável\, se inspira tanto nos princípios modernistas que descobriu na Cranbrook Academy of Art\, nos Estados Unidos\, quanto nas tradições vernaculares de seu país e na arte pré-colombiana. Após apresentar seis obras da série Brumas na exposição Southern Geometries em 2018\, a Fondation Cartier agora traça toda a trajetória de Amaral\, celebrando a figura que ajudou a provocar uma verdadeira revolução nas artes têxteis.
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LOCATION:Fondation Cartier\, 261 Bd Raspail Paris\, Paris\, França
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SUMMARY:"At One" James Turrell na Gagosian
DESCRIPTION:Vista da instalação com James Turrell\, “All Clear”\, 2024\, da série Ganzfeld (1976-) Obra © James Turrell. Foto: Thomas Lannes \nA Gagosian apresenta uma exposição de obras de James Turrell\, com abertura em 14 de outubro na galeria de Le Bourget. A mostra apresenta duas novas instalações de grande escala: uma peça da série Ganzfeld\, All Clear\, e uma obra da série Wedgework\, Either Or (ambas de 2024). Além disso\, inclui duas novas projeções da série Cross Corner—Raethro\, Yellow e Afrum\, Lavender (ambas de 2024)—e seis novas obras da série Glassworks\, que apresentam todas as configurações dessa linha. Também estão em exibição hologramas\, maquetes\, gravuras e planos do Roden Crater (1976–)\, acompanhados por mesas de levantamento topográfico utilizadas na produção do projeto\, além de outras fotografias\, impressões e materiais de arquivo. \nDesde a década de 1960\, Turrell tem trabalhado com fenômenos perceptivos que vão da privação sensorial a efeitos ópticos. Em 1966\, ele começou a utilizar planos de luz em relação a interiores arquitetônicos\, dando início a uma manipulação contínua de ambientes construídos e naturais. Seu trabalho continua a usar a luz como material primário\, explorando os limites da percepção e empregando novas tecnologias para criar experiências formais minimalistas que\, muitas vezes\, induzem estados meditativos. \nNo espaço principal da galeria Le Bourget\, no térreo\, está All Clear\, da série Ganzfeld. Os visitantes entram em um pavilhão arredondado\, totalmente branco\, onde são imersos em luz colorida gerada por uma tela de LED e iluminação de fundo. A ausência de cantos e arestas no espaço acentua a perda de referência espacial. O título da série faz referência ao Efeito Ganzfeld\, que ocorre quando a ausência de profundidade\, formas e indicadores de distância leva o cérebro a interpretar ruído visual como informação tangível. O trabalho de Turrell evoca experiências desorientadoras\, como esquiar em meio a um nevoeiro branco\, voar através de nuvens densas ou mergulhar no oceano profundo. A paisagem sugerida se assemelha ao espaço sideral\, onde os horizontes desaparecem\, e remete à abstração da álgebra booleana. Esse efeito de dissolução do espaço ocorre de maneira temporizada na instalação All Clear\, evitando que a desorientação se torne excessiva.
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LOCATION:Gagosian Le Bourget\, 26 avenue de l’Europe\, Le Bourget\, França
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SUMMARY:"Guillermo Kuitca\, Chapelle" no Musée Picasso Paris
DESCRIPTION:Guillermo Kuitca. Chapelle\, 2024. Cortesia do Musée Picasso Paris. \n  \nA convite do Museu Nacional Picasso-Paris\, o artista argentino Guillermo Kuitca (n. 1961) criou uma obra site-specific na capela do Hôtel Salé. Desde sua intervenção na Bienal de Veneza em 2007\, Kuitca desenvolveu uma nova linguagem\, ecoando a arquitetura\, que o artista chama de “pintura cubistoide”\, na qual um conjunto de linhas que se cruzam\, como tantas dobras no plano\, é implantado diretamente nas paredes\, formando um novo espaço pictórico. Kuitca descreve seu lugar no “carrossel da arte moderna”: \n“Há muitos anos\, pintei quadros mostrando uma esteira rolante de bagagens. Acredito que a história da arte era o verdadeiro tema dessas pinturas. A arte seria esse carrossel; a obra de arte\, uma bagagem\, e os artistas\, passageiros. Enquanto esperamos por nossa bagagem\, nos fazemos uma série de perguntas: ‘Minha mala chegará e serei capaz de reconhecê-la entre outras semelhantes? E se eu pegasse a mala de outra pessoa\, estaria usando as roupas dela? Minha bagagem será destruída para sempre?’ Para mim\, essas perguntas são uma meditação sobre a herança. Elas também vislumbram um possível encontro com Picasso\, como se ele fosse\, afinal\, mais um passageiro.” \nPara Kuitca\, a pintura tem memória. Por meio desses experimentos\, ele se conecta com a história da arte moderna\, invocando o cubismo como o traço de um movimento que opera como uma difração da realidade\, a construção de um espaço imaginário. Esta instalação site-specific foi generosamente apoiada pela galeria Hauser & Wirth. \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n 
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LOCATION:Musée Picasso Paris\, 5 rue de Thorigny\, Paris\, França
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SUMMARY:"Stephen Jones\, Chapeaux d'artiste" no Palais Galliera
DESCRIPTION:Simon Procter – Crédito: Divulgação \nNascido em 1957\, perto de Liverpool\, Stephen Jones formou-se na Saint Martin’s School of Art. Abriu sua primeira boutique em Londres em 1980 e\, rapidamente\, passou a lançar duas coleções de chapéus por ano. Integrante do movimento londrino dos “Novos Românticos”\, foi por meio de encontros no universo da música\, especialmente com Boy George\, que deu seus primeiros passos no mundo da moda. Ao longo dos anos\, Jones estabeleceu colaborações com a alta-costura e construiu relações estreitas com algumas das principais casas e estilistas\, como Christian Dior\, Jean Paul Gaultier\, Claude Montana\, Thierry Mugler\, Vivienne Westwood\, John Galliano\, Comme des Garçons\, Walter Van Beirendonck e Louis Vuitton. \nEmbora seu nome ainda não seja amplamente conhecido pelo grande público\, Stephen Jones ocupa uma posição singular nos bastidores da moda. Graças às suas colaborações\, ele participou das coleções mais icônicas de diversas grandes maisons. Seus chapéus acentuam e complementam silhuetas que marcaram profundamente a história da moda desde os anos 1980. \nA exposição explora\, em particular\, a relação do artista com Paris\, a cultura francesa e a alta-costura parisiense. Sua chegada à capital e sua colaboração com as maisons parisienses transformaram sua visão da moda e de sua própria criação. Esse vínculo com Paris transparece em suas coleções autorais\, nas inspirações e temáticas escolhidas: símbolos da cidade e da história da França\, a imagem da parisiense e homenagens a grandes estilistas franceses. \nCom um acervo de quase 400 peças\, a exposição reúne mais de 170 chapéus\, além de arquivos do modista\, como esboços preparatórios\, fotografias\, trechos de desfiles\, e cerca de 40 looks completos\, combinando vestuário e acessórios. Essas composições evidenciam sua fidelidade a diversas casas de moda\, especialmente à Christian Dior\, com quem colabora há quase três décadas. \nConsiderado o mais “francês” dos modistas ingleses\, Stephen Jones tornou-se uma figura essencial da moda parisiense\, infundindo nela toda a sua criatividade e ousadia.
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SUMMARY:"Symbiosis" no Palais de Tokyo
DESCRIPTION:Crédito : Vitalii Akimov\n\n\n\n\nA partir de janeiro e ao longo de todo o ano de 2025\, o Palais de Tokyo convida a coreógrafa Sharon Eyal e o produtor Gai Behar\, dupla fundadora da S-E-D Sharon Eyal Dance Company\, para inaugurar um novo formato de longa duração dedicado à performance: Symbiosis. \nCom Symbiosis\, o Palais de Tokyo dá continuidade à sua colaboração com artistas performers e reafirma o compromisso de estabelecer relações duradouras\, seguindo uma lógica inspirada na permacultura institucional que orienta o projeto do centro de arte. \nOs artistas convidados ao longo do ano terão a oportunidade de desenvolver seus trabalhos em sintonia com os espaços do edifício e sua programação\, por meio de diferentes formas de interação com o público – desde intervenções sutis e intimistas até gestos mais espetaculares.
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SUMMARY:"Suzanne Valadon" no Centre Pompidou
DESCRIPTION:Suzanne Valadon\, “La Chambre bleue”\, 1923 © Centre Pompidou\, MNAM-CCI\, Dist. RMN-Grand Palais / Jacqueline Hyde\n\n\n\n\n\n\n\nO Centre Pompidou está dedicando uma monografia a Suzanne Valadon (1865-1938)\, uma artista ousada e icônica\, e uma das mais importantes de sua geração. Ela estava à margem das tendências dominantes de sua época – o cubismo e a arte abstrata estavam em seus primórdios\, enquanto ela defendia ardentemente a necessidade de pintar a realidade – colocando o nu\, tanto feminino quanto masculino\, no centro de seu trabalho e retratando corpos sem artifício ou voyeurismo. \nSuzanne Valadon não era tema de uma monografia desde a dedicada a ela pelo Musée National d’Art Moderne em 1967. Apresentada no Centre Pompidou-Metz em 2023 (“Suzanne Valadon. A World of Her Own”)\, depois no Musée des Beaux-Arts de Nantes (2024) e no Museu Nacional d’Art de Catalunya (2024)\, a homenagem a esta artista ostensivamente moderna\, livre das convenções de seu tempo\, continua no Centre Pompidou em 2025\, enriquecida por novos empréstimos e novos arquivos. \nA exposição apresenta esta figura excepcional e destaca seu papel pioneiro\, mas frequentemente subestimado\, no nascimento da modernidade artística. Ela revela a grande liberdade desta artista\, que realmente não aderiu a nenhum movimento particular\, exceto talvez o seu próprio. A exposição de quase 200 obras utiliza a rica coleção nacional\, em particular a maior\, a do Centre Pompidou\, mas também do Musée d’Orsay e do Musée de l’Orangerie. \nEmpréstimos excepcionais do Metropolitan Museum of Modern Art em Nova York\, da Fondation de l’Hermitage e de grandes coleções privadas completam a exposição. Ela se concentra nos dois meios favoritos da artista\, desenho e pintura\, com ênfase particular em seu trabalho gráfico\, que é explorado em profundidade através da apresentação de um grande número de desenhos raramente exibidos. \nEla também oferece uma oportunidade de explorar um momento artístico no coração da transição entre as coleções do Musée d’Orsay e do Musée National d’Art Moderne. \nA exposição “Valadon” reconta esta jornada única\, desde os primórdios da artista como modelo favorita de todo o Montmartre até seu reconhecimento artístico inicial por seus pares e críticos. Suzanne Valadon realmente conectou um século ao próximo\, abraçando a fervorosa Paris do final do século\, seus cafés\, bal-musettes e cabarés\, e suas muitas revoluções artísticas\, intelectuais e sociais. Este insight sem precedentes sobre seu trabalho revela tanto suas amizades e conexões artísticas com pintores boêmios quanto sua inegável influência na cena artística parisiense graças ao apoio ativo de seus amigos artistas e galeristas. \nEsta exposição destaca a amplitude\, riqueza e complexidade de sua obra\, focando em cinco seções temáticas: Aprendendo pela observação\, Retratos de família\, “Eu pinto pessoas para conhecê-las”\, “A verdadeira teoria é imposta pela natureza”\, O nu: uma visão feminina. Uma seleção de arquivos inéditos e obras de seus contemporâneos com preocupações pictóricas semelhantes\, como Juliette Roche\, Georgette Agutte\, Jacqueline Marval\, Emilie Charmy e Hélène Delasalle\, complementam a exposição. \nA coleção excepcional de arquivos legados ao Centre Pompidou em 1974 pelo Dr. Robert Le Masle\, médico\, colecionador de arte e amigo próximo da artista\, contendo muitas fotografias\, manuscritos e documentos agora armazenados na Bibliothèque Kandinsky\, fornece um registro vital da personalidade rebelde de Valadon e do reconhecimento artístico inicial. \nSeguindo exposições de obras de Alice Neel\, Georgia O’Keeffe\, Dora Maar e Germaine Richier\, esta monografia faz parte dos esforços contínuos do Centre Pompidou para aprofundar nossa compreensão do trabalho de artistas mulheres e para aumentar o número de suas obras na coleção.
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LOCATION:Centre Pompidou\, Place Georges-Pompidou\, Paris\, França
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SUMMARY:"Francis Picabia. Éternel recommencement / Eternal Beginning" na Hauser & Wirth
DESCRIPTION:Vista da exposição “Francis Picabia. Éternel recommencement / Eternal Beginning” – Divulgação Hauser & Wirth\n\n\n\n\nEm colaboração com o Comité Picabia\, apresentamos uma exposição com mais de 40 obras pós-guerra de Francis Picabia. Com curadoria de Beverley Calté e Arnauld Pierre\, esta será a primeira grande exposição individual dedicada exclusivamente ao período final da produção do artista\, criado após seu retorno a Paris em 1945 até o ano anterior à sua morte\, em 1953. Frequentemente ofuscada por outras fases de sua obra\, essa última série marca o abandono dos famosos Nus da época da guerra\, além de um interesse particular pela textura da superfície e por novas fontes de inspiração. Características do talento inquieto de Picabia\, essas pinturas representam sua própria definição de arte não figurativa\, estabelecendo uma nova linguagem visual que distingue esse ousado conjunto de trabalhos de tudo o que ele havia feito anteriormente. A exposição seguirá para a Hauser & Wirth New York\, 22nd Street\, de 1º de maio a 25 de julho de 2025.
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LOCATION:Hauser & Wirth Paris\, 26 bis Rue François 1er\, Paris\, França
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SUMMARY:"Moore and Malaparte: Rhythm and Form" na Gagosian
DESCRIPTION:Vista da instalação. Obra de arte © The Henry Moore Foundation. Mobiliário © Malaparte. Foto: Thomas Lannes \nA Gagosian apresenta Moore and Malaparte: Rhythm and Form\, uma exposição que apresenta esculturas em pequena escala e desenhos de Henry Moore em diálogo com três peças de mobiliário da Casa Malaparte\, duas delas de design exclusivo. Abrindo no dia 22 de janeiro de 2025\, na 9 rue de Castiglione\, a mostra estabelece conexões inesperadas entre o escultor e o designer\, explorando a fascinação de ambos pela criação de formas orgânicas em harmonia com o mundo natural e sua imersão na interação desses objetos com seus contextos arquitetônicos. \nUma figura central na escultura moderna\, Moore sempre valorizou a relação entre arte e ambiente. Em Moore and Malaparte\, essa conexão ganha vida por meio de esculturas em bronze de escala doméstica\, abordando temas recorrentes ao longo de sua carreira. Obras como Reclining Figure (1945) e Seated Woman Holding Child (1982) são apresentadas sobre reproduções do mobiliário da Casa Malaparte\, revelando afinidades surpreendentes\, mas inegáveis\, entre as abordagens de Moore e Malaparte no design. \nOs desenhos em tinta\, lápis\, aquarela e outras técnicas\, como Women Winding Wool (1949) e estudos para esculturas tridimensionais\, como Two Sculptural Ideas (c. 1984)\, enriquecem ainda mais esse diálogo. Muitas das obras de Moore expressam seu entusiasmo por formas orgânicas e paisagens elementares\, ressaltando sua percepção da realidade concreta do mundo natural como ponto de partida para suas explorações abstratas—uma visão que ressoa com a de Malaparte.
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SUMMARY:Temporada de exposições na Galleria Continua
DESCRIPTION:Carlos Garaicoa – Vista da exposição “La Sección áurea”\, Galleria Continua\, Paris Marais. Foto: Allison Borgo \nA Galleria Continua apresenta três novas exposições em sua sede no Marais. Intitulada La Sección Áurea\, a individual de Carlos Garaicoa revisita sua produção recente\, trazendo uma nova série de pinturas e instalações escultóricas. A mostra destaca o interesse contínuo do artista pela arquitetura\, matemática e geometria\, além de exibir seus desenhos preparatórios. Esta mostra marca um retorno à cor como estratégia central em muitas de suas obras\, permitindo que Garaicoa revisite suas origens como pintor enquanto reexamina os temas e obsessões que moldaram sua carreira. Essas influências incluem a vanguarda europeia\, o construtivismo russo\, a Bauhaus\, a abstração e o concretismo cubano e latino-americano\, bem como a imaginação literária de Jorge Luis Borges. \nJá Blursday é a exposição individual da dupla de artistas Ornaghi & Prestinari\, cujo título faz referência ao neologismo em inglês Blursday\, criado para descrever a desorientação temporal e emocional vivida durante os confinamentos impostos pela pandemia de COVID-19\, quando os dias da semana pareciam se fundir em uma única sequência indistinta. Para Ornaghi & Prestinari\, o termo se torna uma metáfora para uma condição abstrata na qual o tempo perde sua linearidade e as fronteiras entre ontem\, hoje e amanhã se dissolvem\, dando origem a um estado emocional difuso e indefinido. Aqui\, descontextualizado\, o termo delineia a atmosfera suspensa e a sensação de deslocamento que permeiam a exposição. \nE Silent Threads\, Resounding Kosova\, com curadoria do artista kosovar Sislej Xhafa\, reúne quinze artistas que estão moldando a cena contemporânea do Kosovo. A GALLERIA CONTINUA\, apoiadora de longa data dos projetos de Xhafa ao redor do mundo\, orgulha-se de colaborar com ele nesta iniciativa curatorial\, lançando luz sobre a produção artística de seu país\, que ganhou ainda mais relevância após o sucesso da Manifesta 14 em Pristina\, em 2022.
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LOCATION:Galleria Continua Paris\, 87 rue du Temple\, Paris\, França
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SUMMARY:“Art and fashion: statement pieces" no Museu do Louvre
DESCRIPTION:Vista da exposição “Art and fashion: statement pieces” . Via @beautybuzz.br\n\n\n\n\nEmbora saibamos desde os tempos de Paul Cézanne que “o Louvre é o livro do qual aprendemos a ler”\, essa fonte inesgotável de inspiração também alimentou um dos domínios mais dinâmicos da arte contemporânea: o mundo da moda. Cada vez mais\, pesquisas e monografias dedicadas aos grandes nomes da moda têm ousado traçar árvores genealógicas estéticas\, inserindo essas figuras em um contexto histórico e artístico. O padrão não se resume apenas a rupturas\, com diferentes graus de inovação radical\, ou a mudanças sazonais\, mas também a ecos e evocações. Os fios que entrelaçam o trabalho dos grandes nomes da moda e o mundo da arte são praticamente infinitos\, e a história da arte\, conforme expressa pelo Museu do Louvre\, com a profundidade de suas coleções e sua capacidade de refletir os gostos de épocas passadas\, constitui um vasto território de influências e referências. \nDiante da imensidão enciclopédica do Louvre\, esta exposição adota uma abordagem metodológica voltada para a exploração da história dos estilos decorativos\, das profissões artísticas e da ornamentação através das galerias do Departamento de Artes Decorativas\, onde os têxteis estão sempre presentes – embora geralmente em tapeçarias e outros elementos decorativos\, em vez de artigos de vestuário. \nEm um espaço de quase 9.000 metros quadrados\, 65 criações são exibidas\, junto com uma série de acessórios\, revelando de forma inédita o diálogo histórico contínuo entre o mundo da moda e as grandes obras-primas do departamento\, desde o período bizantino até o Segundo Império. Cada uma dessas peças de vestuário e acessórios foi especialmente emprestada pelas mais icônicas casas de moda\, tanto históricas quanto contemporâneas\, de Paris e do mundo inteiro. \nAs peças não serão exibidas aleatoriamente pelo Departamento de Artes Decorativas; ao contrário\, servirão para destacar paralelos já existentes: o departamento deve parte de sua coleção à generosidade de grandes figuras da moda\, de Jacques Doucet a Madame Carven. Essas incontáveis conexões compartilham bases metodológicas comuns entre a história da arte e a moda: o conhecimento de técnicas ancestrais\, a cultura visual e o sutil jogo de referências\, do catálogo raisonné do museu ao moodboard do universo da moda. Louvre Couture oferece uma nova perspectiva sobre as artes decorativas através do prisma do design de moda contemporâneo.
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SUMMARY:"Arthur Jafa" na Bourse de Commerce
DESCRIPTION:Arthur Jafa\, “Love is the Message\, the Message is Death”\, 2016 – Crédito: Divulgação \nA Bourse de Commerce está em transformação para preparar a exposição “Corps et âmes”\, que será revelada progressivamente até sua abertura completa em 5 de março. Durante esse período\, o público poderá descobrir algumas obras da nova temporada. \nA partir de 5 de fevereiro\, três filmes de Arthur Jafa\, pertencentes à Coleção Pinault\, serão exibidos pela primeira vez em Paris. Na Rotonde\, o vídeo Love is the Message\, the Message is Death transforma o espaço em uma ressonância da música e do ativismo de figuras icônicas afro-americanas como Martin Luther King Jr.\, Jimi Hendrix\, Barack Obama e Beyoncé\, conferindo-lhes uma dimensão universal. O artista também ocupa a Galerie 2 e o Studio do museu\, convidando os visitantes a se envolverem com suas obras cinematográficas. \nUtilizando diversos suportes\, a produção de Arthur Jafa\, artista e cineasta baseado em Los Angeles\, celebra e amplia a cultura negra americana\, atribuindo-lhe toda a sua grandiosidade. De Barack Obama aos cânticos gospel\, de Aretha Franklin aos protestos do Black Lives Matter\, passando por Miles Davis e Kanye West\, Jafa recorre a materiais da mídia de massa e da cultura pop para construir uma estética baseada no colagem e montagem\, reafirmando seu papel como colecionador de imagens e multiplicando referências. Ele apresenta\, com imponência\, as grandes ícones da cultura negra\, sempre em diálogo com a complexa história dos Estados Unidos.
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SUMMARY:"Ali Cherri" na Bourse de Commerce
DESCRIPTION:Ali Cherri\, “L’Homme aux larmes”\, 2024 – Crédito: Divulgação \nA Bourse de Commerce está em transformação para a preparação da exposição “Corps et âmes”\, que será gradualmente revelada até sua abertura completa em 5 de março. Durante esse período\, o público poderá descobrir algumas das obras que compõem a nova temporada. \nA partir de 5 de fevereiro\, as vinte e quatro vitrines do Passage da Bourse de Commerce abrigam as obras do cineasta e escultor Ali Cherri. Profundamente marcado pela guerra civil no Líbano e pelos conflitos persistentes na região\, o artista ressignifica artefatos—objetos e fragmentos de diferentes culturas e épocas—ou cria personagens que\, mesmo involuntariamente\, se tornam testemunhas dessas violências. \nAo ocupar as vitrines—um dispositivo típico dos museus—e dialogar com a circularidade da Bourse de Commerce\, sua obra faz referência ao cinema e às suas vinte e quatro imagens por segundo: flashes espectrais entre o real e a ficção\, o passado e o presente. \nMisturando descobertas arqueológicas com suas próprias criações\, o artista dá vida a quimeras em um estado de semiconsciência\, convidando-nos a refletir sobre a manipulação de artefatos (espoliações\, tráficos\, apropriações) e suas consequências\, como a perda de significado. “Os enxertos que realizo em minha série de esculturas são uma forma de solidariedade entre corpos quebrados\, fragmentados\, violentados\, que\, ao se unirem\, criam uma comunidade”\, explica Ali Cherri. \nAlém disso\, o artista se inspira no filme surrealista “Le Sang d’un poète” (O Sangue de um Poeta\, 1930) de Jean Cocteau\, incorporando frases caligrafadas do roteiro ao fundo das vitrines. Dessa forma\, os textos se tornam símbolos da passagem entre mundos\, ecoando a transitoriedade e os deslocamentos narrativos que perpassam sua obra.
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SUMMARY:"Festim da alma" de Antonio Obá na Mendes Wood DM
DESCRIPTION:Detalhe da obra de Antonio Obá – Crédito: Divulgação Mendes Wood DM \nA Mendes Wood DM tem o prazer de apresentar a primeira exposição individual do artista Antonio Obá em Paris. \nFestim da alma apresenta uma leitura sobre os ciclos da vida\, pontuada por celebrações e ritos. As pinturas e desenhos em exibição demarcam os ápices de uma jornada que encontrará lugar nos corpos e figuras de crianças\, mulheres e homens\, em existências reais e imaginárias. \nNo cerne desta busca\, as crianças são retratadas como contemplativas\, alegres\, medrosas e curiosas. O que se manifesta\, para o artista\, está profundamente enraizado no simbolismo e nos arquétipos que a imagem de uma criança apresenta aos espectadores – a potencialidade daquilo que está por vir. Um estágio sinônimo do surgimento de novos sentimentos. São essas novas sensações\, muitas vezes carregadas de apreensão e esperança\, que Obá deseja explorar. Navegar pela autoconsciência sem medo – ao mesmo tempo em que abraça a ideia de existências perenes – exige um senso único de criatividade. \nCriança de coral (2024)\, a obra central dessa exposição\, é apresentada como uma instalação de 14 pequenas pinturas dispostas em um semicírculo sobre púlpitos de madeira. Cada obra apresenta o retrato de uma criança\, boquiaberta e expressiva\, como integrante desse conjunto musical. Ao observar de perto\, percebe-se que a imagem da criança cantando é ao mesmo tempo melancólica e quase macabra. O olhar fixo e a apreensão estática desses frágeis cantores são uma forte indicação de uma melodia dolorosa. Por meio de pinceladas precisas que mesclam referências fotográficas\, Obá distorce uma cena supostamente alegre para criar uma manifestação comovente. Essa análise meticulosa envolve uma situação antitética da imagem da criança como um símbolo original\, aquilo que está nascendo\, e o elemento contraditório do choro\, algo que está no fim ou termina tragicamente. Longe de ser um lamento mórbido\, elas cantam a própria essência da vida. \nA musicalidade retorna como elemento figurativo em outra pintura marcante da exposição\, Alegoria para uma nascida(2024)\, na qual uma menina é retratada enfrentando o perigo com austeridade. A imagem tem uma referência inegável à iconografia sacra em estilo e representação. A criança está parada\, com uma complexidade plácida\, pisando sem esforço em uma serpente\, tão frequentemente um símbolo do mal nas tradições ocidentais. Em outro lugar\, reconhece-se um cenário quase rural\, com elementos do mundo natural\, como ovos e feno\, sugerindo uma narrativa de inocência. Essas fábulas familiares são um terreno fértil para a linguagem poética do artista. Da mesma forma\, outras pinturas da exposição são compostas na companhia de animais ou plantas\, tomando emprestada sua simbologia como marcadores de tempo filosóficos. Obá descreve decisivamente os personagens em duas cenas diferentes como adâmicos\, em referência direta à mitologia da criação das escrituras abraâmicas. Mesmo para o primeiro homem na Terra\, a vida era inegavelmente um mistério. \nA passagem do tempo também é marcada nessa exposição pela reapropriação característica de Obá da história\, e particularmente de episódios marcados pela discriminação racial. Memento Mori: Baile de debutantes (2024) faz referência a um evento histórico em Belo Horizonte\, onde um clube de sociedade tradicional organizou o primeiro baile de formatura para negros. Até então\, as meninas e os meninos negros que atingiam a maioridade na cidade não tinham a oportunidade de participar desse rito de passagem\, e somente em 1963 esse evento seria realizado pela primeira vez. A pintura é paralela a todo o espectro de pesquisa que Obá realiza continuamente sobre a memória do racismo e suas várias ramificações socioculturais. Devido ao tema central da exposição\, o símbolo da debutante ecoa o início de uma nova fase com todas as suas esperanças e incertezas. Dançando discretamente em meio ao baile estão dezenas de mariposas que voam ao redor da luz\, testemunhando silenciosamente o fato. \nOs personagens de Contenda – 2: A Dança (2024) também bailam ao som de uma melodia desconhecida. Aparentemente em perfeita união e amparados por um cenário criado em harmonia. Tudo nessa cena foi meticulosamente elaborado para emanar elementos de simetria\, como o jardim impecável sob seus sapatos polidos ou a cerca vermelha brilhante. No entanto\, como sugere o título da obra\, esse dueto íntimo também poderia embalar uma disputa oculta\, velada pela aparência. Talvez seja por meio da cumplicidade que se aprenda a dominar o perigo. \nPor fim\, um autorretrato do artista Autorretrato enquanto máscara (2024) apresenta mais um arquétipo ou talvez uma esfinge. Escondido atrás de uma máscara\, esse personagem assume uma das várias possibilidades; a efígie de um maestro que rege a partitura de uma composição infinita.
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SUMMARY:"Joie Collective - Une iconographie" no Palais de Tokyo
DESCRIPTION:Annette Hauschild\, Loveparade\, [Planet-Wagen\, com\, entre outros\, Wotan Wilke Möhring]\, Kurfürstendamm\, Berlim\, 1991. Ⓒ Annette Hauschild/OSTKREUZ.\n\n\n\n\nDe 20 de fevereiro a 11 de maio de 2025\, o Palais de Tokyo apresenta uma temporada de exposições sob o signo da Alegria Coletiva. Para essa ocasião\, um arquivo iconográfico com cerca de 350 imagens impressas em formato A3 e coladas nas paredes\, fora das salas expositivas\, propõe um conjunto de referências díspares e propositalmente dessincronizadas\, onde as relações entre as imagens são tão importantes quanto sua presença individual. \nDos cultos tradicionais às raves\, das manifestações políticas ao transe\, das danças religiosas aos trajes de carnaval\, a instalação convida o público a mergulhar\, por meio das imagens\, nas múltiplas camadas do tema\, desdobrando suas questões e traçando conexões entre as diferentes exposições da temporada. \nEsse arquivo iconográfico se organiza em vários capítulos: Estações\, Corteges\, Políticas\, Sociabilidades\, Esportes\, Animalidades\, Infâncias\, Círculos\, Morte\, Bruxas e Xamãs\, Escritas Coletivas\, Danças e Transe.
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SUMMARY:"Quelque part dans la nuit\, le peuple danse" de Raphaël Barontini no Palais de Tokyo
DESCRIPTION:Raphaël Barontini\, “Cécile Fatiman\, la princesse du royaume du nord” (detalhe)\, 2025. Cortesia do artista e da galeria Mariane Ibrahim © ADAGP\, Paris\, 2025\n\n\n\n\nO artista Raphaël Barontini propõe uma releitura da História\, especialmente africana e caribenha\, por meio de narrativas dinâmicas e em constante transformação\, que combinam técnicas contemporâneas e arquivos do passado. Sua obra questiona a representação figurativa e a tradição da pintura clássica\, apresentando uma seleção de trabalhos recentes ou criados especialmente para sua exposição no Palais de Tokyo. \nA mostra reúne pinturas\, trajes e têxteis dispostos em uma cenografia inspirada na arquitetura do Palais Sans Souci\, no Haiti\, acompanhada por uma obra sonora do poeta e produtor musical Mike Ladd. O conjunto constrói um relato amplo e generoso\, que mescla realidade e ficção\, articulando os diferentes eixos da pesquisa do artista em um exercício de renovação dos imaginários. \nO título da exposição\, “Quelque part dans la nuit\, le peuple danse”\, é inspirado em um trecho da peça A Tragédia do Rei Christophe\, de Aimé Césaire. Publicada em 1963\, a obra examina os desafios enfrentados pelo povo haitiano na construção de uma nova nação após a luta contra a escravidão e a colonização francesa no final do século XVIII. A peça destaca a complexa figura de Henri Christophe\, general da revolução haitiana e rei autoproclamado\, responsável pela construção do Palais Sans Souci. O título da exposição também evoca a força do coletivo e a alegria que sua potência pode gerar em diferentes culturas. \nRaphaël Barontini apresentará a performance inédita Bal Pays no dia 12 de abril de 2025.
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SUMMARY:"Hans Hollein. transFORMS" no Centre Pompidou
DESCRIPTION:Hans Hollein\, “Zeichnung mit Akten auf Foto” (Desenho com nu sobre fotografia)\, 1972. © Arquivo Particular Hollein. Crédito fotográfico: Centre Pompidou\, MNAM-CCI / Philippe Migeat / Dist. GrandPalaisRmn\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\nA exposição “Hans Hollein. transFORMS” propõe uma nova leitura da coerência entre a prática criativa e crítica do arquiteto austríaco Hans Hollein (1934–2014)\, destacando suas obras mais emblemáticas\, que marcam uma trajetória de pesquisa desenvolvida ao longo de mais de meio século. \nEmbora comumente associado a um “estilo” pós-moderno\, seu trabalho merece ser revisto à luz de seu envolvimento com os diversos movimentos que moldaram as pós-vanguardas entre os anos 1960 e 1980 — do art informel à arte conceitual e à arquitetura radical. \nEm 1987\, o Centre Pompidou lhe dedicou uma grande exposição no Forum. Após sua morte\, o Centre Pompidou – Musée national d’art moderne adquiriu\, em 2016\, um conjunto significativo de obras\, incluindo instalações\, maquetes\, desenhos e acervos documentais que abrangem todas as fases e aspectos de sua atividade. \nSuas primeiras investigações sobre o espaço (1958–1962) e sobre a arquitetura como escultura\, realizadas entre Áustria e Estados Unidos\, foram seguidas da exposição “Architektur” com Walter Pichler (Galerie nächst St. Stephan\, 1963) e de seus famosos colagens de escala urbana (hoje conservados no MoMA). Essa fase inicial de sua produção estabelece vínculos profundos com a arte conceitual\, refletidos também em sua participação em catálogos e exposições ligadas a essa corrente. \nA partir de 1965\, Hollein passou a colaborar ativamente com a revista BAU na Áustria\, ao mesmo tempo em que concebeu exposições importantes\, como a “Austriennale” (Trienal de Milão\, 1968)\, “MANtransFORMS” (Cooper Hewitt Museum\, Nova York\, 1976)\, além de instalações como Die Turnstunde (Städtisches Museum Abteiberg\, Mönchengladbach\, 1984). Sua célebre fachada com colunata para a exposição fundadora do pós-modernismo\, “La Strada Novissima”\, na Bienal de Veneza de 1980\, consolidou sua fama internacional e associação ao movimento. \nApós projetos como as boutiques Retti (1966) e Schullin I e II (1974–1976)\, Hollein multiplicou suas realizações arquitetônicas na Áustria — como a Haas Haus (1990)\, localizada em frente à catedral de Santo Estêvão\, no centro de Viena — e no exterior\, com marcos como o Museu Abteiberg em Mönchengladbach (1982)\, o Museu de Arte Moderna de Frankfurt (1991) e Vulcania (2002)\, na região de Auvergne\, França.
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LOCATION:Centre Pompidou\, Place Georges-Pompidou\, Paris\, França
CATEGORIES:Paris
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SUMMARY:"Corps et âmes" na Bourse de Commerce
DESCRIPTION:Gideon Appah\, “The Woman Bathing”\, 2021. Crédito: Pinault Collection \nDe Auguste Rodin a Duane Hanson\, de Georg Baselitz a Ana Mendieta\, de David Hammons a Marlene Dumas\, de Arthur Jafa a Ali Cherri\, cerca de quarenta artistas investigam\, por meio da pintura\, escultura\, fotografia\, vídeo e desenho\, as relações entre o corpo e o espírito. \n“Nas curvas matriciais da Bourse de Commerce\, em eco à dança dos corpos que habitam o vasto panorama pintado que circunda a cúpula de vidro do edifício\, a exposição Corps et âmes (Corpos e Almas) investiga\, por meio das obras de cerca de quarenta artistas da Coleção Pinault\, a presença marcante do corpo no pensamento contemporâneo. \nLibertado de qualquer amarra mimética\, o corpo — seja ele fotografado\, desenhado\, esculpido\, filmado ou pintado — não cessa de se reinventar\, conferindo à arte uma organicidade essencial que lhe permite\, como um cordão umbilical\, captar o pulso do corpo e da alma humana. \nA arte apreende as energias e os fluxos vitais do pensamento e da vida interior para propor uma experiência engajada e humanista da alteridade. As formas se metamorfoseiam\, retomam a figuração ou dela se desvinculam\, para capturar\, reter e fazer emergir a alma e a consciência. Não se trata mais de encarnar formas\, mas de captar forças e tornar visível aquilo que está oculto\, invisível\, iluminando as sombras. Na Rotunda\, a obra de Arthur Jafa Love is the Message\, the Message is Death transforma o espaço em uma caixa de ressonância da música e do engajamento de ícones afro-americanos — Martin Luther King Jr.\, Jimi Hendrix\, Barack Obama\, Beyoncé — conferindo-lhes um alcance universal. \nEm ressonância com a exposição\, uma rica programação musical faz de Corps et âmes um evento polifônico.”— Emma Lavigne\, diretora geral da Coleção\, curadora geral \nCom:Georges Adéagbo / Terry Adkins / Gideon Appah / Diane & Allan Arbus / Michael Armitage / Richard Avedon / Georg Baselitz / Cecilia Bengolea / Constantin Brancusi / Miriam Cahn / Claude Cahun / Ali Cherri / Peter Doig / Marlene Dumas / Robert Frank / LaToya Ruby Frazier / Philip Guston / Anna Halprin & Seth Hill / David Hammons / Duane Hanson / Kudzanai-Violet Hwami / Anne Imhof / Arthur Jafa / William Kentridge / Deana Lawson / Sherrie Levine / Kerry James Marshall / Ana Mendieta / Zanele Muholi / Senga Nengudi / Antonio Obá / Irving Penn / Man Ray / Robin Rhode / Auguste Rodin / Niki de Saint Phalle / Mira Schor / Lorna Simpson / Wolfgang Tillmans / Kara Walker / Lynette Yiadom-Boakye \nCuradoria geral: Emma Lavigne\, diretora geral da Coleção\, curadora geral.
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LOCATION:Bourse de Commerce\, 2 Rue de Viarmes Paris\, Paris\, Paris\, França
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SUMMARY:"David Claerbout. spring\, slowly" no Musée de l'Orangerie
DESCRIPTION:David Claerbout\, “Backwards Growing Tree (Colour Sheet for Autumn)”\, 2023 © Cortesia Studio David Claerbout © Adagp\, Paris 2025\n\n\n\n\nDavid Claerbout (nascido em 1969) foi inicialmente formado em pintura no Nationaal Hoger Instituut voor Schone Kunsten\, em Antuérpia\, e depois em Amsterdã e Berlim. Profundamente imerso na arte da pintura\, seu trabalho faz uso da fotografia\, do vídeo e das artes digitais. Utilizando técnicas contemporâneas de manipulação de imagem\, ele cria formas híbridas\, situadas entre o cinema e a fotografia\, que desafiam a percepção do espectador e apagam a linha que separa realidade e ficção\, espontaneidade e construção cuidadosamente planejada. \nDesde os anos 1990\, Claerbout desenvolve um corpo de trabalho centrado na passagem do tempo\, composto principalmente por vídeos e também por desenhos relacionados\, estudos\, storyboards e dissertações sobre diversos projetos. Ele convida o público a explorar a pluralidade da experiência da duração por meio da percepção de mudanças muitas vezes minúsculas. Seu filme Boom (1996)\, por exemplo\, é uma observação lenta e atenta de uma magnífica árvore no campo. Somente o movimento do ar entre as folhas revela que a imagem está em movimento\, o que nos leva a vê-la com um olhar exigente e contemplativo. A imagem\, simples e bela\, exerce uma fascinação incomum ao retratar a evidência da existência da árvore no mundo. \n“Para voltar à questão do tempo como construção do espaço”\, afirma o artista\, “espero muito que a duração — e lamento que algumas pessoas critiquem meus filmes por seu ritmo lento — ajude a corroer a posição autoritária assumida pelo narrador que quer ‘dirigir’ o olhar. Preciso abrir os olhos\, e o tempo é minha ferramenta para isso\, pois afeta o espaço em que o espectador está localizado naquele momento específico.” \nEm uma busca comparável à de Monet\, quando ele descreveu seu objetivo em poucas palavras — “Quero pintar o ar que envolve a ponte\, a casa\, o barco. A beleza do ar onde esses objetos estão situados\, e isso é quase impossível.” —\, David Claerbout acrescenta que o que deseja fazer com seu trabalho é criar uma experiência espaço-temporal atípica. Ele afirma: “Uso o cinema como um modo obsoleto de narração\, esvaziando-o de sua função narrativa e das promessas que carrega\, para preservar os elementos que o constituem enquanto linguagem. Eu os redistribuo. Colaboro um pouco com essa linguagem\, não a desconstruo formalmente\, introduzo nela disjunções para inventar temporalidades.” \nO artista atualmente vive em Antuérpia e leciona em Amsterdã\, na Rijksakademie van Beeldende Kunsten\, onde foi aluno. Seu trabalho tem sido apresentado em diversas exposições\, incluindo várias mostras monográficas na França: em 2007 no Centre Pompidou\, em 2015 no FRAC Auvergne\, em Clermont-Ferrand\, e em 2018 no Museu Les Abattoirs – FRAC Occitanie\, em Toulouse. \nSuas obras foram adquiridas por diversas instituições ao redor do mundo\, incluindo o Centre Pompidou\, em Paris; o Museum of Modern Art (MoMA)\, em Nova York; o SFMOMA\, em São Francisco; o De Pont Museum\, em Tilburg; o Walker Art Center\, em Minneapolis; o Hamburger Bahnhof – Museum für Gegenwart\, em Berlim; o Museu de Arte Moderna de Paris; o MMK – Museum für Moderne Kunst e o Städel Museum\, em Frankfurt; a Emmanuel Hoffmann Foundation\, em Basileia; a Pinakothek der Moderne\, em Munique; o Hirshhorn Museum and Sculpture Garden\, em Washington; e o Solomon R. Guggenheim Museum\, em Nova York.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/david-claerbout-spring-slowly-no-musee-de-lorangerie/
LOCATION:Musée de l’Orangerie\, Jardin Tuileries Paris Département de Paris\, Paris\, Paris\, França
CATEGORIES:Paris
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