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SUMMARY:"La Mode en mouvement" no Palais Galliera
DESCRIPTION:O Palais Galliera apresenta La Mode en mouvement [A Moda em Movimento]\, sua segunda exposição de coleções nas galerias do térreo do jardim. Com cerca de 200 obras\, este percurso cronológico traça\, através das coleções do museu\, uma história da moda desde o século XVIII até os dias atuais e\, ao mesmo tempo\, desenvolve uma temática transversal dedicada ao corpo em movimento. Refletindo os Jogos Olímpicos e Paralímpicos que serão realizados em Paris em 2024\, o Palais Galliera questiona o papel das roupas na prática de atividades físicas e esportivas\, sua relação com o corpo e o movimento\, bem como as consequências sociais de sua evolução. As roupas projetadas ao longo das épocas para atividades físicas e esportivas são comparadas com as roupas do dia a dia. Esse diálogo questiona as noções de especialização das roupas esportivas\, a adaptação das roupas femininas para a prática física no final do século XIX\, a masculinização das roupas femininas e a introdução do sportswear no guarda-roupa cotidiano. Por fim\, a evolução do corpo\, especialmente o corpo esportivo\, e a forma como ele é valorizado pelas roupas são destacadas para melhor compreender como a liberação do corpo através da atividade física contribuiu para a evolução das mentalidades e dos padrões de beleza. Trajes de banho\, roupas de ciclista e amazona\, casacos e acessórios de automobilismo\, conjuntos de corrida e tênis\, por exemplo\, serão apresentados ao lado de silhuetas características de três séculos de história da moda. O museu receberá empréstimos excepcionais do Museu Nacional do Esporte (Nice)\, da Biblioteca Forney (Paris)\, do Patrimônio CHANEL\, da coleção Emile Hermès\, das casas Sonia Rykiel e Yohji Yamamoto. Essas obras convidadas ajudarão a contextualizar as peças do Palais Galliera\, testemunhas de práticas físicas e esportivas\, de lazer ou de competição\, ao longo das épocas.Por razões de conservação preventiva\, esta exposição será organizada em três fases consecutivas\, cada uma exigindo um período de fechamento de cinco semanas. Assim\, as obras serão em grande parte renovadas\, oferecendo aos visitantes a oportunidade de retornar e descobrir as coleções do Palais Galliera.
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LOCATION:Palais Galliera\, 10 Av. Pierre 1er de Serbie\, Paris\, França
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SUMMARY:"The MET at The Louvre: Near Eastern Antiques in Dialogue" no Museu do Louvre
DESCRIPTION:Escultor desconhecido. “Cabeça de um líder”. Cortesia do Museu do Louvre.\n\n  \nO Departamento de Antiguidades do Oriente Próximo do Louvre está abrigando dez grandes obras do Metropolitan Museum of Art de Nova York\, cujo Departamento de Arte do Oriente Próximo Antigo está atualmente fechado para reformas. O Louvre e o Met criaram um diálogo único entre essas duas coleções\, que é exibido nas galerias permanentes do Louvre. Essas obras de arte “convidadas especiais” do Met\, datadas entre o final do 4º milênio a.C. e o século 5 d.C.\, mostram algumas conexões notáveis ​​com a coleção do Louvre. Em alguns casos\, um par de objetos foi reunido pela primeira vez\, enquanto em outros\, as peças se complementam em virtude de características históricas específicas de suas respectivas coleções. Representando a Ásia Central\, a Síria\, o Irã e a Mesopotâmia\, esse diálogo entre coleções está (re)apresentando os visitantes a essas extraordinárias e antigas obras de arte e às histórias que elas contam. \n  \n\n  \n\n  \n\n  \n\n 
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LOCATION:Museu do Louvre\, 75001 Paris\, França\, Paris\, França
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SUMMARY:"La Collection: Revoir Picasso" no Musée Picasso Paris
DESCRIPTION:Pablo Picasso\, Trois figures sous un arbre (Three figures under a tree)\, 1907-1908 © Musée Picasso Paris\n\n\n\nO Museu Nacional Picasso-Paris reencontra sua coleção espalhada por três andares a partir de 12 de março; após um ano de celebração e a magnífica exposição dedicada à artista Sophie Calle. Dez anos após a reabertura do museu\, a coleção se instala de forma permanente no magnífico Hotel Salé. \n\n\n\nFruto de uma história extraordinária\, a formação da coleção do Museu Nacional Picasso-Paris foi possibilitada pelo mecanismo de dação – hoje é a maior coleção pública de obras de Picasso\, os “Picassos de Picasso”. Originária dos ateliês do artista\, essa coleção nos permite compreender melhor as explorações estéticas deste Picasso que ora é desconcertante\, plural\, contraditório\, reflexivo\, gestual e conceitual\, esteta e engajado\, inventor e poeta. Ele é simbolista\, cubista\, clássico\, surrealista ou simplesmente figurativo e político? \n\n\n\nUm lugar aberto e vibrante\, o museu aborda questões sociais para questionar\, através da jornada de sua obra\, a recepção dela\, ou seja\, a do pintor mais renomado\, mais observado\, mas também o mais discutido. \n\n\n\nÉ também uma oportunidade para dedicar exposições ou contrapontos aos corações das coleções. O primeiro desta série presta homenagem à artista Françoise Gilot\, que faleceu recentemente. Além de seu famoso livro intitulado “Viver com Picasso”\, publicado em 1965 – a trajetória da artista é evocada desde sua proximidade com o grupo das “Realidades Novas” até as grandes composições totêmicas das “pinturas emblemáticas” dos anos 1980.
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LOCATION:Musée Picasso Paris\, 5 rue de Thorigny\, Paris\, França
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SUMMARY:"LA ELLE" de Renée Levi no Palais de Tokyo
DESCRIPTION:Vista da instalação. Crédito: Antoine Aphesbero\n\n\n\n\nO edifício do Palais de Tokyo está vivo com as memórias e presenças das inúmeras intervenções artísticas que ocorreram ao longo dos anos\, variando do sutil ao espetacular. O convite a Renée Levi estende a história contínua escrita por esses gestos que moldaram o centro de arte\, incluindo os de Anita Molinero\, FUTURA 2000\, Philippe Parreno\, TOILET PAPER e Kate Newby\, e lança uma nova luz sobre nossa experiência coletiva do hall de entrada do Palais. \nRespondendo ao convite para desdobrar sua pintura por La Zone – a área de entrada livremente acessível do Palais de Tokyo – Renée Levi redefine e expande simultaneamente este espaço\, geralmente de passagem. Seu trabalho consiste em uma pintura mural analógica nas paredes internas e um vasto desenho digital que cobre as janelas do edifício\, conferindo-lhes a aparência de vitral. Na fachada e nas janelas\, o branco torna-se um fundo para a cor\, enquanto nas paredes é reservado para sinais e assinaturas. Movendo-se entre opacidade e translucidez\, sinais riscados e escritas ressaltam várias características de seu ambiente anfitrião\, ao mesmo tempo em que se fundem a ele: os vários tons da pedra e do mármore\, a verticalidade e transparência das janelas e a estrutura crua do edifício. Em alguns lugares\, traços digitais se transformam em reflexões pictóricas\, enquanto em outros\, as vogais de um nome se entrelaçam em laços de prata ou fumaça\, sinais tornam-se letras\, acentos formam linhas de luz\, a linguagem se transforma em uma abstração\, e o todo constitui uma nova linguagem. \nEm LA ELLE\, sinais e laços colapsam uns nos outros\, irrompendo de latas de spray\, avançando hesitantes\, mas sem se desculpar\, por superfícies até encontrarem sua forma em um nome mítico formado pela conjunção de dois pronomes. “Eu sempre sinto que estou falando em uma língua estrangeira – não apenas na minha vida diária\, mas ocasionalmente no mundo da arte também. Meu nome é uma primeira língua tangível. Meu eu se esconde atrás deste nome\, junto com outros que se escondem ou se esconderam lá. Nomes identificam e agem como proposições de identificação. Meu nome é a base da minha identidade. Ele me legou família\, identidade cultural\, obrigações e responsabilidades\, mas também força. Este nome pode ser inscrito como um sinal. Todos deveríamos ser capazes de ler nossos nomes como sinais\, como uma espécie de grafite fugitivo.”
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LOCATION:Palais de Tokyo\, 13\, avenue du Président Wilson\, Paris\, França
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SUMMARY:"The Flowers of Yves Saint Laurent" no Musée Yves Saint Laurent
DESCRIPTION:Imagem: Divulgação\n\nDe 20 de setembro de 2024 a 4 de maio de 2025\, o Musée Yves Saint Laurent Paris apresenta As Flores de Yves Saint Laurent. Idealizada pelos curadores Olivier Saillard e Gaël Mamine\, a exposição segue uma exibição inaugural no Musée Yves Saint Laurent Marrakech\, em cartaz de 2 de março de 2024 a 5 de janeiro de 2025. Pela primeira vez\, os dois museus se uniram para montar uma exposição conjunta dedicada a um tema central na obra do estilista. \n“Trigo traz boa sorteLírios\, minha flor favorita/Uma Vênus de bronze\, símbolo da minha profissão e da minha paixão por bronzesÀ la recherche du temps perdu de Proust/ \nDesde os quinze anos\, nunca parei de reler essa obra incomparável.” \nYves Saint Laurent e seu parceiro Pierre Bergé viviam diariamente cercados por flores e jardins em seus apartamentos\, casas de campo e na própria maison de moda. Apaixonado por flores\, o estilista as considerava uma fonte infinita de inspiração. \nYves Saint Laurent compartilhava essa admiração pela natureza com muitos artistas e escritores\, em particular com um de seus autores favoritos\, Marcel Proust\, como revelou na revista L’Egoïste em 1987. Um universo proustiano aparecia nos interiores do estilista\, assim como em seus desfiles de moda. Enquanto o escritor descrevia mulheres como flores\, o costureiro as homenageava cobrindo-as com flores. \nMais de trinta peças de vestuário e desenhos apresentados na exposição destacam essa simbiose entre natureza\, literatura e o trabalho de Yves Saint Laurent. \nComo em um livro\, cada capítulo da exposição exibe citações de Proust ao lado de silhuetas florais criadas por Yves Saint Laurent\, enquanto acessórios e desenhos do estilista são apresentados em pedestais. Como ao longo de um caminho de jardim\, flores estão por toda parte\, revelando a personalidade e os gostos do designer: desde o lírio-do-vale\, tão querido por Christian Dior\, ao logotipo YSL com seu monograma semelhante a um lírio\, das rosas simbolizando o amor à buganvília de Marrocos\, ou ao trigo\, portador de sorte e triunfo. \nPor meio das peças icônicas vistas na exposição\, o visitante descobre a expertise que Yves Saint Laurent utilizava para dar vida às suas criações florais: desde seu bordado aplicado no vestido da coleção primavera-verão de 1962 até suas estampas inventivas da coleção primavera-verão de 2001\, uma referência inesquecível às pinturas de Pierre Bonnard. \nVemos as flores gigantes de gazar de seda usadas na passarela por Laetitia Casta como noiva de verão em 1999\, uma imagem marcante da obra de Yves Saint Laurent. \nEsse diálogo espontâneo entre as artes e diferentes épocas continua quando nos deparamos com o trabalho do artista americano Sam Falls\, cujas obras são vistas ao longo da exposição. Viajando pelo mundo\, Falls coleta amostras de plantas e preserva a memória de paisagens florais imprimindo diretamente seus pigmentos em tela. Os padrões e cores de sua recriação da natureza se harmonizam com aqueles vistos nas peças de alta-costura. Nas roupas de Yves Saint Laurent\, assim como nas pinturas de Sam Falls\, as flores transcendem o tempo e permanecem eternamente em flor.
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LOCATION:Musée Yves Saint Laurent Paris\, 5 Av. Marceau\, Paris\, França
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SUMMARY:"Heinz Berggruen\, a dealer and his collection" no Musée de l'Orangerie
DESCRIPTION:Paul Klee\, Paysage en Bleu (Landschaft in Blau) (detalhe)\, 1917 © bpk / Museum Berggruen\, Propriedade Privada / Jens Ziehe / MBGP\n\n\n\n\nNa mesma linha de Paul Guillaume\, o colecionador e marchand alemão Heinz Berggruen construiu uma coleção excepcional de mestres do século XX. Esta exposição explora o relacionamento desse peculiar galerista com seus artistas e sua rede no mercado de arte no pós-guerra em Paris. \nDescrever a vida de Heinz Berggruen como um destino seria incorreto. Nascido em uma família judia em Berlim\, ele buscou refúgio na Califórnia no início da Segunda Guerra Mundial. Após estudar na França\, seus primeiros contatos com o mundo da arte foram em São Francisco. Com o fim da guerra\, Berggruen preferiu retornar à Europa\, primeiro como jornalista em seu país natal e depois na sede da UNESCO em Paris. Aos poucos\, cansado\, começou a se envolver no mercado de arte: inicialmente abriu uma galeria na Place Dauphine e\, posteriormente\, mudou-se definitivamente para a Rue de l’Université\, onde se especializou em artes gráficas de artistas modernos. \nApaixonado pelo seu trabalho\, ele rapidamente fez contatos no mundo cultural de Paris\, conhecendo não apenas artistas para exibir\, mas também poetas\, marchands\, historiadores\, críticos e colecionadores da época. Berggruen consolidou sua reputação na capital e\, graças ao sucesso\, se tornou “seu melhor cliente”. Guiado por seus próprios gostos e afinidades\, ele construiu uma sólida coleção de obras do século XX de seus mestres favoritos: Picasso e Klee. \nA exposição\, organizada entre monografias e temas específicos\, destaca acima de tudo os gostos pessoais de Berggruen. Embora seja evidente que ela abordará quase exaustivamente as carreiras de Picasso e Klee\, assim como os notáveis recortes de Matisse e as esculturas esguias de Giacometti\, o foco será em Heinz Berggruen\, suas escolhas\, encontros e afinidades que orientaram a criação dessa coleção. \nDoada ao estado alemão em 2000\, alguns anos antes da morte do colecionador\, esta vasta coleção ressoa especialmente com a coleção Walter-Guillaume no Musée de l’Orangerie. Cerca de cem obras-primas de Picasso\, Klee\, Matisse e Giacometti ajudam a ressaltar a importância de um grande protagonista da arte parisiense da segunda metade do século XX.
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LOCATION:Musée de l’Orangerie\, Jardin Tuileries Paris Département de Paris\, Paris\, Paris\, França
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SUMMARY:"Hyper Nuit" de Amélie Bertrand no Musée de l'Orangerie
DESCRIPTION:Amélie Bertrand\, Luminy’s Dreams\, 2022. Cortesia Semiose\n\n\n\n\nDesde o início dos anos 2010\, o vocabulário de Amélie Bertrand tem sido composto por motivos – quase signos – que todos podem facilmente compreender: paredes de tijolos\, cercas\, correntes\, azulejos de piscina\, todos retirados de respostas dadas online na forma de palavras-chave. Ela então os combinou em “espaços críveis” que formam paisagens estranhas\, provocando no espectador uma sensação de miragem que frequentemente leva ao desconforto\, explorando as possibilidades e contradições dessas imagens artificiais. No centro desse universo\, as ninfas se tornam formas\, ou talvez o contrário\, e a forma geométrica se transforma em uma folha de nenúfar\, um símbolo de eficácia comprovada\, definitivamente consagrado e quase esgotado pela vasta série de Claude Monet e pela decoração imersiva do Musée de l’Orangerie. \nRedesenhada e normalizada\, a folha de nenúfar é o centro de uma contemplação sobre a pintura\, a composição da peça e a busca de soluções formais para criar um espaço visual. “Quando comecei a pintá-las”\, entusiasmou-se Amélie Bertrand\, “senti que era a coisa mais legal que eu tinha feito em muito tempo. Foi fácil\, e eu estava livre\, pois o nenúfar apareceu imediatamente na pintura. (…) As áreas coloridas do nenúfar apareceram e me permitiram posicionar facilmente as camadas\, a transparência e o sombreamento. Apenas um jogo formal de tinta.” \nApós um desenvolvimento detalhado no computador e depois na forma de estênceis\, a artista pintou meticulosamente os motivos em óleo segundo uma técnica de camada única\, formando cores sólidas perfeitamente lisas ou sombreamentos refinados. Ela evoca cores com uma suavidade ilimitada para efeitos de luz que são destinados a serem observados\, em vez de explicados.
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LOCATION:Musée de l’Orangerie\, Jardin Tuileries Paris Département de Paris\, Paris\, Paris\, França
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SUMMARY:"Tarsila do Amaral: Pintando o Brasil moderno" no Musée du Luxembourg
DESCRIPTION:Tarsila do Amaral\, “Cartão-postal” (detalhe)\, 1929 © Tarsila do Amaral Licenciamento e Empreendimentos S.A\n\n\n\n\nFigura central do modernismo brasileiro\, Tarsila do Amaral (1886-1973) é a criadora de uma obra original e evocativa\, que se inspira nos imaginários indígena\, popular e moderno de um país em plena transformação. \nEm Paris\, nos anos 1920\, ela submete seu universo iconográfico ao cubismo e ao primitivismo\, antes de iniciar\, em São Paulo\, o movimento “antropofágico”\, que defende a “deglutição” das culturas estrangeiras e colonizadoras pelos brasileiros\, como forma simultânea de assimilação e resistência. \nSeus paisagens de cores vibrantes dão lugar a visões insólitas e fascinantes\, até que uma dimensão mais abertamente política surge em suas telas nos anos 1930. O gigantismo onírico e a geometria quase abstrata de suas últimas composições apenas confirmam a força de uma obra enraizada em seu tempo e sempre disposta a se renovar. \nEsta retrospectiva busca suprir a falta de reconhecimento da artista na Europa e apresentar alguns aspectos inéditos de sua obra. Ela nos convida ao coração do Brasil moderno e de suas tensões entre tradição e vanguarda\, entre centros e periferias\, entre culturas eruditas e populares.
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LOCATION:Musée du Luxembourg\, 19 Rue de Vaugirard\, Paris\, França
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SUMMARY:"Arte Povera" na Bourse de Commerce
DESCRIPTION:Giuseppe Penone\, “Essere vento (To Be Wind)”\, 2014. Cortesia Marian Goodman Gallery\n\n\n\n\nEsta exposição explica tanto o nascimento italiano quanto a difusão internacional do movimento Arte Povera\, por meio das obras dos treze principais protagonistas: Giovanni Anselmo\, Alighiero Boetti\, Pier Paolo Calzolari\, Luciano Fabro\, Jannis Kounellis\, Mario Merz\, Marisa Merz\, Giulio Paolini\, Pino Pascali\, Giuseppe Penone\, Michelangelo Pistoletto\, Emilio Prini e Gilberto Zorio. Situada na arquitetura única da Bourse de Commerce\, transformada pelo arquiteto japonês Tadao Ando\, a exposição foi concebida como uma paisagem a ser percorrida\, que se torna o terreno no qual as infinitas poéticas da Arte Povera estão enraizadas. \nIdealizada pela curadora Carolyn Christov-Bakargiev\, uma especialista internacionalmente reconhecida neste movimento artístico\, a exposição “Arte Povera” apresenta cerca de cinquenta obras históricas e emblemáticas da Coleção Pinault\, colocadas em diálogo com peças de outras importantes coleções públicas e privadas.
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LOCATION:Bourse de Commerce\, 2 Rue de Viarmes Paris\, Paris\, Paris\, França
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SUMMARY:“目 Chine” no Centre Pompidou
DESCRIPTION:Qiu Xiaofei\, “A Pillow for Eating Dreams”\, 2023. Via Instagram @beijingcommune\n\n\n\n\nEsta exposição coletiva destaca a cena emergente da arte contemporânea chinesa\, com obras de 21 artistas\, traçando um retrato subjetivo pela primeira vez na França. A abertura da China ao mundo\, as transformações ambientais e as mudanças nos estilos de vida da sociedade chinesa são temas abordados na produção criativa contemporânea desta jovem geração de artistas\, nascidos entre o final da década de 1970 e início dos anos 1990\, período marcado pelo grande boom econômico do país. \nSob o tema do caractere 目 (mù)\, que significa “olho” e faz referência tanto à visão quanto à capacidade do olho de organizar a realidade\, a rica seleção de obras escolhidas pelos curadores sino-franceses abrange uma ampla variedade de práticas — vídeo\, pintura\, escultura\, instalações\, fotografia e novos meios — com foco em criações dos últimos anos. No cenário internacional pós-Covid\, essas obras tiveram pouca visibilidade no exterior\, mas o Centre Pompidou fortaleceu seus laços com esta cena artística durante esse período\, graças à parceria com o Centre Pompidou × West Bund Museum Project em Xangai. \nEm meio a essa diversidade pulsante\, a exposição enfoca temas relevantes nas práticas dos artistas. Questões centrais exploradas nas obras incluem a interação da China com o resto do mundo\, reflexões sobre a globalização e os desafios globais\, especialmente o colapso ambiental. \nEssa geração de criadores também explora temas férteis\, como as grandes mudanças na sociedade chinesa\, especialmente as transformações incessantes nos estilos de vida em aglomerações urbanas em constante expansão e o paradigma em evolução da regulação de fluxos e atividades. O riquíssimo patrimônio cultural e estético da China estrutura o trabalho de alguns artistas\, que buscam colocá-lo em perspectiva e reinterpretá-lo em um contexto contemporâneo. \nPor fim\, a exposição dedica uma grande seção aos novos meios\, um campo particularmente dinâmico em um país que experimentou uma digitalização rápida\, massiva e intensa de sua economia e sociedade.
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LOCATION:Centre Pompidou\, Place Georges-Pompidou\, Paris\, França
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SUMMARY:"Olga de Amaral" na Fondation Cartier
DESCRIPTION:Vista da exposição © Olga de Amaral. Cortesia Lisson Gallery\n\n\n\n\nA Fondation Cartier pour l’art contemporain está apresentando a primeira grande retrospectiva na Europa de Olga de Amaral\, uma figura central da cena artística colombiana e da Arte Fibra. A exposição reúne cerca de oitenta obras realizadas entre os anos 1960 e os dias atuais\, muitas das quais nunca foram exibidas fora da Colômbia. Além das vibrantes peças em folha de ouro pelas quais a artista é conhecida\, a mostra revela suas primeiras explorações e experimentações com o têxtil\, bem como suas obras monumentais. \nDesde a década de 1960\, Olga de Amaral vem expandindo os limites do meio têxtil\, experimentando continuamente com diferentes materiais (linho\, algodão\, crina de cavalo\, gesso\, folha de ouro\, paládio) e técnicas: ela tece\, amarra\, trança e entrelaça fios para criar peças monumentais tridimensionais. Sua obra\, inclassificável\, se inspira tanto nos princípios modernistas que descobriu na Cranbrook Academy of Art\, nos Estados Unidos\, quanto nas tradições vernaculares de seu país e na arte pré-colombiana. Após apresentar seis obras da série Brumas na exposição Southern Geometries em 2018\, a Fondation Cartier agora traça toda a trajetória de Amaral\, celebrando a figura que ajudou a provocar uma verdadeira revolução nas artes têxteis.
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SUMMARY:"At One" James Turrell na Gagosian
DESCRIPTION:Vista da instalação com James Turrell\, “All Clear”\, 2024\, da série Ganzfeld (1976-) Obra © James Turrell. Foto: Thomas Lannes \nA Gagosian apresenta uma exposição de obras de James Turrell\, com abertura em 14 de outubro na galeria de Le Bourget. A mostra apresenta duas novas instalações de grande escala: uma peça da série Ganzfeld\, All Clear\, e uma obra da série Wedgework\, Either Or (ambas de 2024). Além disso\, inclui duas novas projeções da série Cross Corner—Raethro\, Yellow e Afrum\, Lavender (ambas de 2024)—e seis novas obras da série Glassworks\, que apresentam todas as configurações dessa linha. Também estão em exibição hologramas\, maquetes\, gravuras e planos do Roden Crater (1976–)\, acompanhados por mesas de levantamento topográfico utilizadas na produção do projeto\, além de outras fotografias\, impressões e materiais de arquivo. \nDesde a década de 1960\, Turrell tem trabalhado com fenômenos perceptivos que vão da privação sensorial a efeitos ópticos. Em 1966\, ele começou a utilizar planos de luz em relação a interiores arquitetônicos\, dando início a uma manipulação contínua de ambientes construídos e naturais. Seu trabalho continua a usar a luz como material primário\, explorando os limites da percepção e empregando novas tecnologias para criar experiências formais minimalistas que\, muitas vezes\, induzem estados meditativos. \nNo espaço principal da galeria Le Bourget\, no térreo\, está All Clear\, da série Ganzfeld. Os visitantes entram em um pavilhão arredondado\, totalmente branco\, onde são imersos em luz colorida gerada por uma tela de LED e iluminação de fundo. A ausência de cantos e arestas no espaço acentua a perda de referência espacial. O título da série faz referência ao Efeito Ganzfeld\, que ocorre quando a ausência de profundidade\, formas e indicadores de distância leva o cérebro a interpretar ruído visual como informação tangível. O trabalho de Turrell evoca experiências desorientadoras\, como esquiar em meio a um nevoeiro branco\, voar através de nuvens densas ou mergulhar no oceano profundo. A paisagem sugerida se assemelha ao espaço sideral\, onde os horizontes desaparecem\, e remete à abstração da álgebra booleana. Esse efeito de dissolução do espaço ocorre de maneira temporizada na instalação All Clear\, evitando que a desorientação se torne excessiva.
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SUMMARY:"Guillermo Kuitca\, Chapelle" no Musée Picasso Paris
DESCRIPTION:Guillermo Kuitca. Chapelle\, 2024. Cortesia do Musée Picasso Paris. \n  \nA convite do Museu Nacional Picasso-Paris\, o artista argentino Guillermo Kuitca (n. 1961) criou uma obra site-specific na capela do Hôtel Salé. Desde sua intervenção na Bienal de Veneza em 2007\, Kuitca desenvolveu uma nova linguagem\, ecoando a arquitetura\, que o artista chama de “pintura cubistoide”\, na qual um conjunto de linhas que se cruzam\, como tantas dobras no plano\, é implantado diretamente nas paredes\, formando um novo espaço pictórico. Kuitca descreve seu lugar no “carrossel da arte moderna”: \n“Há muitos anos\, pintei quadros mostrando uma esteira rolante de bagagens. Acredito que a história da arte era o verdadeiro tema dessas pinturas. A arte seria esse carrossel; a obra de arte\, uma bagagem\, e os artistas\, passageiros. Enquanto esperamos por nossa bagagem\, nos fazemos uma série de perguntas: ‘Minha mala chegará e serei capaz de reconhecê-la entre outras semelhantes? E se eu pegasse a mala de outra pessoa\, estaria usando as roupas dela? Minha bagagem será destruída para sempre?’ Para mim\, essas perguntas são uma meditação sobre a herança. Elas também vislumbram um possível encontro com Picasso\, como se ele fosse\, afinal\, mais um passageiro.” \nPara Kuitca\, a pintura tem memória. Por meio desses experimentos\, ele se conecta com a história da arte moderna\, invocando o cubismo como o traço de um movimento que opera como uma difração da realidade\, a construção de um espaço imaginário. Esta instalação site-specific foi generosamente apoiada pela galeria Hauser & Wirth. \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n 
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SUMMARY:"Jackson Pollock: The Early Years (1934-1947)" no Musée Picasso Paris
DESCRIPTION:Jackson Pollock\, “The Moon Woman” (detalhe)\, 1942 © Pollock-Krasner Foundation / ADAGP\, Paris 2024\n\n\n\n\nDe 15 de outubro de 2024 a 19 de janeiro de 2025\, o Musée national Picasso-Paris apresenta uma nova exposição temporária dedicada ao artista americano Jackson Pollock. Primeira exposição na França desde 2008\, ela se concentrará em suas obras iniciais\, de 1934 a 1947. A exposição “Jackson Pollock: The Early Years (1934-1947)” revisita a carreira inicial de Jackson Pollock (1912-1956)\, marcada pela influência do regionalismo e dos muralistas mexicanos\, até suas primeiras drippings em 1947. \nEsse conjunto de obras\, raramente exibido isoladamente\, testemunha as diversas fontes que alimentaram a pesquisa do jovem artista\, cruzando a influência das artes nativas americanas com as vanguardas europeias\, entre as quais Pablo Picasso figura proeminentemente. Comparado ao pintor espanhol e aos grandes nomes da pintura europeia pelos críticos\, Pollock rapidamente se estabeleceu como um verdadeiro monumento da pintura americana\, isolando-se das redes mais complexas de intercâmbio de influências que nutriram seu trabalho durante seus anos em Nova York. A exposição visa apresentar detalhadamente esses anos\, que foram o laboratório de sua obra\, restaurando o contexto artístico e intelectual do qual ambas foram alimentadas. \nA exposição foca em vários momentos-chave no desenvolvimento artístico e intelectual do jovem Pollock durante esses anos de experimentação. Ao convocar figuras-chave em sua carreira artística (Charles Pollock\, William Baziotes\, Lee Krasner\, André Masson\, Pablo Picasso\, Janet Sobel…)\, a exposição destaca a intensidade e singularidade de seu trabalho em suas várias dimensões (pintura e trabalho com materiais\, gravura\, escultura).
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SUMMARY:“Chaosmose” no Centre Pompidou
DESCRIPTION:Françoise Janicot\, “Encoconnage”\, 1975. © Adagp\, Paris. Créditos da foto: Fonds de dotation Jean-Jacques Lebel. Raphaële Kriegel. Via centrepompidou.fr\n\n\n\n\n\n\n\n\n \n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\nEsta exposição estabelece um diálogo entre o fundo de dotação Jean-Jacques Lebel e a coleção do Centre Pompidou. Com mais de 120 obras de origens diversas\, a mostra conduz o público por uma travessia caótica através das paixões\, lutas e revoltas do século 20 até os dias de hoje. A exposição atribui igual importância a objetos anônimos e obras de grande destaque\, buscando novas perspectivas e narrativas sobre a arte. \nCom sua “collecte”\, como preferia chamar\, Jean-Jacques Lebel propõe um panorama vibrante que visa promover não apenas artistas renomados\, mas também aqueles injustamente apagados da história da arte\, apesar de terem trabalhado com igual intensidade. Isso inclui pintores\, escultores\, pensadores\, poetas\, agentes propulsores de todas as formas de arte-ação\, agitadores culturais e virtuosos em assemblage e colagem. \nChaosmosis dá continuidade ao legado de André Breton\, grande amigo de Jean-Jacques Lebel\, em seu ateliê: atribuir igual importância a objetos anônimos e obras-primas para desvendar novas perspectivas e histórias sobre a arte.
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SUMMARY:"Pop Forever\, Tom Wesselmann &…" na Fondation Louis Vuitton
DESCRIPTION:Yayoi Kusama\, “Self Obliteration”\, 1966-1974 © 2024 Yayoi Kusama. Foto: Cortesia M+\, Hong Kong\n\n\n\n\nDe 17 de outubro de 2024 a 24 de fevereiro de 2025\, a Fondation Louis Vuitton apresenta “Pop Forever\, Tom Wesselmann &…”\, uma exposição dedicada à Pop Art\, um dos principais movimentos artísticos da década de 1960\, cuja influência continua a ser sentida em todos os continentes e entre todas as gerações. \nA exposição é centrada em Tom Wesselmann (1931-2004) — um dos principais nomes do movimento — e apresenta uma seleção de 150 pinturas e obras em diversos materiais. A mostra também inclui 70 obras de 35 artistas de diferentes gerações e nacionalidades\, que compartilham uma sensibilidade comum pela “Pop Art” — desde suas raízes dadaístas até suas manifestações contemporâneas\, abrangendo desde a década de 1920 até os dias de hoje. \nAlém das obras de Tom Wesselmann\, a exposição conta com trabalhos de Derrick Adams\, Ai Weiwei\, Njideka Akunyili Crosby\, Evelyne Axell\, Thomas Bayrle\, Frank Bowling\, Rosalyn Drexler\, Marcel Duchamp\, Sylvie Fleury\, Lauren Halsey\, Richard Hamilton\, David Hammons\, Jann Haworth\, Barkley L. Hendricks\, Hannah Höch\, Jasper Johns\, KAWS\, Kiki Kogelnik\, Jeff Koons\, Yayoi Kusama\, Roy Lichtenstein\, Marisol\, Tomokazu Matsuyama\, Claes Oldenburg\, Meret Oppenheim\, Eduardo Paolozzi\, Robert Rauschenberg\, Martial Raysse\, James Rosenquist\, Kurt Schwitters\, Marjorie Strider\, Do Ho Suh\, Mickalene Thomas\, Andy Warhol\, Tadanori Yokoo e outros. \nEntre os ícones históricos da Pop Art apresentados nesta exposição está a famosa serigrafia de Andy Warhol\, Shot Sage Blue Marilyn (1964)\, que imortaliza Marilyn Monroe em uma explosão de cores vivas e contrastantes. \nDe acordo com os curadores convidados\, Dieter Buchhart e Anna Karina Hofbauer\, mais do que uma retrospectiva\, “Pop Forever\, Tom Wesselmann &…” contextualiza a obra de Tom Wesselmann na história da arte e oferece perspectivas fascinantes sobre a Pop Art\, passado\, presente e até futuro. \nNo final da década de 1950\, a Pop Art emergiu em ambos os lados do Atlântico\, na América do Norte e na Europa. Tiras de quadrinhos\, publicidade\, cinema\, celebridades\, processadores de alimentos e tablóides tornaram-se temas da pintura. Pop Art celebra\, com certo grau de ambiguidade\, o casamento entre a arte e a cultura popular\, entre museus\, galerias e a indústria cultural. Sem manifesto ou fronteiras definidas\, a Pop Art define uma estética que vai muito além do domínio artístico e continua a prevalecer até hoje. \nA exposição “Pop Forever” se apresenta em duas vertentes: ao mesmo tempo retrospectiva e temática\, a mostra mergulha Tom Wesselmann no clima intelectual e estético da era “Pop” de onde seu trabalho emergiu e que continua a moldá-lo até hoje. \nCom obras que vão desde os primeiros colagens de Wesselmann em 1959 até seus grandes naturezas-mortas em relevo\, passando por paisagens que beiram a abstração e seus Sunset Nudes de 2004\, a exposição ocupa todos os quatro andares do edifício da Fondation. \nA exposição\, que é cronologicamente ligada às obras e temas de Wesselmann\, usa o trabalho do artista como ponto de partida para desenvolver uma apresentação mais ampla da Pop Art. Seus Great American Nudes dialogam com os ícones americanos de seus contemporâneos (como Evelyne Axell\, Jasper Johns\, Roy Lichtenstein\, Marisol\, Marjorie Strider\, Andy Warhol). As raízes dadaístas da Pop Art (Marcel Duchamp\, Kurt Schwitters) precedem seus grandes colagens. Quanto às suas representações de bens de consumo\, elas prefiguram as representações de mercadorias na era da globalização de Jeff Koons ou Ai Weiwei. Finalmente\, seus nus e cenas domésticas íntimas se espelham em novas obras de uma nova geração\, algumas das quais (Derrick Adams\, Tomokazu Matsuyama\, Mickalene Thomas) foram criadas especificamente para a exposição.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/pop-forever-tom-wesselmann-na-fondation-louis-vuitton/
LOCATION:Fondation Louis Vuitton\, 8\, Avenue du Mahatma Gandhi Bois de Boulogne\, Paris\, França
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SUMMARY:"Stephen Jones\, Chapeaux d'artiste" no Palais Galliera
DESCRIPTION:Simon Procter – Crédito: Divulgação \nNascido em 1957\, perto de Liverpool\, Stephen Jones formou-se na Saint Martin’s School of Art. Abriu sua primeira boutique em Londres em 1980 e\, rapidamente\, passou a lançar duas coleções de chapéus por ano. Integrante do movimento londrino dos “Novos Românticos”\, foi por meio de encontros no universo da música\, especialmente com Boy George\, que deu seus primeiros passos no mundo da moda. Ao longo dos anos\, Jones estabeleceu colaborações com a alta-costura e construiu relações estreitas com algumas das principais casas e estilistas\, como Christian Dior\, Jean Paul Gaultier\, Claude Montana\, Thierry Mugler\, Vivienne Westwood\, John Galliano\, Comme des Garçons\, Walter Van Beirendonck e Louis Vuitton. \nEmbora seu nome ainda não seja amplamente conhecido pelo grande público\, Stephen Jones ocupa uma posição singular nos bastidores da moda. Graças às suas colaborações\, ele participou das coleções mais icônicas de diversas grandes maisons. Seus chapéus acentuam e complementam silhuetas que marcaram profundamente a história da moda desde os anos 1980. \nA exposição explora\, em particular\, a relação do artista com Paris\, a cultura francesa e a alta-costura parisiense. Sua chegada à capital e sua colaboração com as maisons parisienses transformaram sua visão da moda e de sua própria criação. Esse vínculo com Paris transparece em suas coleções autorais\, nas inspirações e temáticas escolhidas: símbolos da cidade e da história da França\, a imagem da parisiense e homenagens a grandes estilistas franceses. \nCom um acervo de quase 400 peças\, a exposição reúne mais de 170 chapéus\, além de arquivos do modista\, como esboços preparatórios\, fotografias\, trechos de desfiles\, e cerca de 40 looks completos\, combinando vestuário e acessórios. Essas composições evidenciam sua fidelidade a diversas casas de moda\, especialmente à Christian Dior\, com quem colabora há quase três décadas. \nConsiderado o mais “francês” dos modistas ingleses\, Stephen Jones tornou-se uma figura essencial da moda parisiense\, infundindo nela toda a sua criatividade e ousadia.
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LOCATION:Palais Galliera\, 10 Av. Pierre 1er de Serbie\, Paris\, França
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SUMMARY:"Symbiosis" no Palais de Tokyo
DESCRIPTION:Crédito : Vitalii Akimov\n\n\n\n\nA partir de janeiro e ao longo de todo o ano de 2025\, o Palais de Tokyo convida a coreógrafa Sharon Eyal e o produtor Gai Behar\, dupla fundadora da S-E-D Sharon Eyal Dance Company\, para inaugurar um novo formato de longa duração dedicado à performance: Symbiosis. \nCom Symbiosis\, o Palais de Tokyo dá continuidade à sua colaboração com artistas performers e reafirma o compromisso de estabelecer relações duradouras\, seguindo uma lógica inspirada na permacultura institucional que orienta o projeto do centro de arte. \nOs artistas convidados ao longo do ano terão a oportunidade de desenvolver seus trabalhos em sintonia com os espaços do edifício e sua programação\, por meio de diferentes formas de interação com o público – desde intervenções sutis e intimistas até gestos mais espetaculares.
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LOCATION:Palais de Tokyo\, 13\, avenue du Président Wilson\, Paris\, França
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SUMMARY:"Le La Serpent" de Ernesto Neto no Le Bon Marché Rive Gauche
DESCRIPTION:Vista da exposição “Le La Serpent” de Ernesto Neto no Le Bon Marché de Paris. © RFI/Marcia Bechara \nPara sua décima exposição artística de janeiro\, o Le Bon Marché Rive Gauche convida o artista brasileiro Ernesto Neto a ocupar seus espaços. Sua única restrição? Trabalhar com a cor branca\, em referência ao “mês do Branco” iniciado por Aristide e Marguerite Boucicaut\, fundadores do Le Bon Marché Rive Gauche no século XIX. \nA exposição “Le La Serpent” apresenta diversas obras monumentais\, realizadas em crochê e criadas no ateliê do artista no Rio de Janeiro. Sob as grandes claraboias centrais\, atravessando o escalador\, no segundo andar e nas vitrines das ruas de Sèvres\, Bac e Babylone\, Ernesto Neto oferece sua interpretação alegre e espiritual do mito fundador da humanidade na cultura ocidental\, revisitando as figuras de Eva\, Adão e a Serpente. \nA exposição inédita poderá ser visitada entre os dias 11 de janeiro e 23 de fevereiro de 2025\, no Le Bon Marché Rive Gauche\, antecipando a temporada França-Brasil que se inicia em abril.
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SUMMARY:"Suzanne Valadon" no Centre Pompidou
DESCRIPTION:Suzanne Valadon\, “La Chambre bleue”\, 1923 © Centre Pompidou\, MNAM-CCI\, Dist. RMN-Grand Palais / Jacqueline Hyde\n\n\n\n\n\n\n\nO Centre Pompidou está dedicando uma monografia a Suzanne Valadon (1865-1938)\, uma artista ousada e icônica\, e uma das mais importantes de sua geração. Ela estava à margem das tendências dominantes de sua época – o cubismo e a arte abstrata estavam em seus primórdios\, enquanto ela defendia ardentemente a necessidade de pintar a realidade – colocando o nu\, tanto feminino quanto masculino\, no centro de seu trabalho e retratando corpos sem artifício ou voyeurismo. \nSuzanne Valadon não era tema de uma monografia desde a dedicada a ela pelo Musée National d’Art Moderne em 1967. Apresentada no Centre Pompidou-Metz em 2023 (“Suzanne Valadon. A World of Her Own”)\, depois no Musée des Beaux-Arts de Nantes (2024) e no Museu Nacional d’Art de Catalunya (2024)\, a homenagem a esta artista ostensivamente moderna\, livre das convenções de seu tempo\, continua no Centre Pompidou em 2025\, enriquecida por novos empréstimos e novos arquivos. \nA exposição apresenta esta figura excepcional e destaca seu papel pioneiro\, mas frequentemente subestimado\, no nascimento da modernidade artística. Ela revela a grande liberdade desta artista\, que realmente não aderiu a nenhum movimento particular\, exceto talvez o seu próprio. A exposição de quase 200 obras utiliza a rica coleção nacional\, em particular a maior\, a do Centre Pompidou\, mas também do Musée d’Orsay e do Musée de l’Orangerie. \nEmpréstimos excepcionais do Metropolitan Museum of Modern Art em Nova York\, da Fondation de l’Hermitage e de grandes coleções privadas completam a exposição. Ela se concentra nos dois meios favoritos da artista\, desenho e pintura\, com ênfase particular em seu trabalho gráfico\, que é explorado em profundidade através da apresentação de um grande número de desenhos raramente exibidos. \nEla também oferece uma oportunidade de explorar um momento artístico no coração da transição entre as coleções do Musée d’Orsay e do Musée National d’Art Moderne. \nA exposição “Valadon” reconta esta jornada única\, desde os primórdios da artista como modelo favorita de todo o Montmartre até seu reconhecimento artístico inicial por seus pares e críticos. Suzanne Valadon realmente conectou um século ao próximo\, abraçando a fervorosa Paris do final do século\, seus cafés\, bal-musettes e cabarés\, e suas muitas revoluções artísticas\, intelectuais e sociais. Este insight sem precedentes sobre seu trabalho revela tanto suas amizades e conexões artísticas com pintores boêmios quanto sua inegável influência na cena artística parisiense graças ao apoio ativo de seus amigos artistas e galeristas. \nEsta exposição destaca a amplitude\, riqueza e complexidade de sua obra\, focando em cinco seções temáticas: Aprendendo pela observação\, Retratos de família\, “Eu pinto pessoas para conhecê-las”\, “A verdadeira teoria é imposta pela natureza”\, O nu: uma visão feminina. Uma seleção de arquivos inéditos e obras de seus contemporâneos com preocupações pictóricas semelhantes\, como Juliette Roche\, Georgette Agutte\, Jacqueline Marval\, Emilie Charmy e Hélène Delasalle\, complementam a exposição. \nA coleção excepcional de arquivos legados ao Centre Pompidou em 1974 pelo Dr. Robert Le Masle\, médico\, colecionador de arte e amigo próximo da artista\, contendo muitas fotografias\, manuscritos e documentos agora armazenados na Bibliothèque Kandinsky\, fornece um registro vital da personalidade rebelde de Valadon e do reconhecimento artístico inicial. \nSeguindo exposições de obras de Alice Neel\, Georgia O’Keeffe\, Dora Maar e Germaine Richier\, esta monografia faz parte dos esforços contínuos do Centre Pompidou para aprofundar nossa compreensão do trabalho de artistas mulheres e para aumentar o número de suas obras na coleção.
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SUMMARY:"Francis Picabia. Éternel recommencement / Eternal Beginning" na Hauser & Wirth
DESCRIPTION:Vista da exposição “Francis Picabia. Éternel recommencement / Eternal Beginning” – Divulgação Hauser & Wirth\n\n\n\n\nEm colaboração com o Comité Picabia\, apresentamos uma exposição com mais de 40 obras pós-guerra de Francis Picabia. Com curadoria de Beverley Calté e Arnauld Pierre\, esta será a primeira grande exposição individual dedicada exclusivamente ao período final da produção do artista\, criado após seu retorno a Paris em 1945 até o ano anterior à sua morte\, em 1953. Frequentemente ofuscada por outras fases de sua obra\, essa última série marca o abandono dos famosos Nus da época da guerra\, além de um interesse particular pela textura da superfície e por novas fontes de inspiração. Características do talento inquieto de Picabia\, essas pinturas representam sua própria definição de arte não figurativa\, estabelecendo uma nova linguagem visual que distingue esse ousado conjunto de trabalhos de tudo o que ele havia feito anteriormente. A exposição seguirá para a Hauser & Wirth New York\, 22nd Street\, de 1º de maio a 25 de julho de 2025.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/francis-picabia-na-hauser-wirth/
LOCATION:Hauser & Wirth Paris\, 26 bis Rue François 1er\, Paris\, França
CATEGORIES:Paris
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