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SUMMARY:"La Mode en mouvement" no Palais Galliera
DESCRIPTION:O Palais Galliera apresenta La Mode en mouvement [A Moda em Movimento]\, sua segunda exposição de coleções nas galerias do térreo do jardim. Com cerca de 200 obras\, este percurso cronológico traça\, através das coleções do museu\, uma história da moda desde o século XVIII até os dias atuais e\, ao mesmo tempo\, desenvolve uma temática transversal dedicada ao corpo em movimento. Refletindo os Jogos Olímpicos e Paralímpicos que serão realizados em Paris em 2024\, o Palais Galliera questiona o papel das roupas na prática de atividades físicas e esportivas\, sua relação com o corpo e o movimento\, bem como as consequências sociais de sua evolução. As roupas projetadas ao longo das épocas para atividades físicas e esportivas são comparadas com as roupas do dia a dia. Esse diálogo questiona as noções de especialização das roupas esportivas\, a adaptação das roupas femininas para a prática física no final do século XIX\, a masculinização das roupas femininas e a introdução do sportswear no guarda-roupa cotidiano. Por fim\, a evolução do corpo\, especialmente o corpo esportivo\, e a forma como ele é valorizado pelas roupas são destacadas para melhor compreender como a liberação do corpo através da atividade física contribuiu para a evolução das mentalidades e dos padrões de beleza. Trajes de banho\, roupas de ciclista e amazona\, casacos e acessórios de automobilismo\, conjuntos de corrida e tênis\, por exemplo\, serão apresentados ao lado de silhuetas características de três séculos de história da moda. O museu receberá empréstimos excepcionais do Museu Nacional do Esporte (Nice)\, da Biblioteca Forney (Paris)\, do Patrimônio CHANEL\, da coleção Emile Hermès\, das casas Sonia Rykiel e Yohji Yamamoto. Essas obras convidadas ajudarão a contextualizar as peças do Palais Galliera\, testemunhas de práticas físicas e esportivas\, de lazer ou de competição\, ao longo das épocas.Por razões de conservação preventiva\, esta exposição será organizada em três fases consecutivas\, cada uma exigindo um período de fechamento de cinco semanas. Assim\, as obras serão em grande parte renovadas\, oferecendo aos visitantes a oportunidade de retornar e descobrir as coleções do Palais Galliera.
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SUMMARY:3 exposições imersivas no Atelier des Lumières
DESCRIPTION:© Culturespaces / C. de la Motte Rouge\n\n\n\nTrês exposições fascinantes convidam os espectadores a viajarem por universos distintos. A primeira\, mergulha na antiguidade egípcia\, revelando as maravilhas dos faraós e seus rituais sagrados ao longo de milênios. A segunda\, transporta para o século XIX\, onde pintores ocidentais como Delacroix\, Gérôme e Ingres exploram os mistérios paisagísticos e as cores exuberantes do Oriente\, criando visões encantadas. Por fim\, adentra-se em um mundo surreal de fractais e paisagens alienígenas\, onde matemática e arte se fundem. \n\n\n\nConfira os horários e adquira seus ingressos clicando em “Informações” abaixo.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/3-exposicoes-imersivas-no-atelier-des-lumieres/
LOCATION:Atelier des Lumières\, 38 Rue Saint-Maur\, Paris\, França
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SUMMARY:"The MET at The Louvre: Near Eastern Antiques in Dialogue" no Museu do Louvre
DESCRIPTION:Escultor desconhecido. “Cabeça de um líder”. Cortesia do Museu do Louvre.\n\n  \nO Departamento de Antiguidades do Oriente Próximo do Louvre está abrigando dez grandes obras do Metropolitan Museum of Art de Nova York\, cujo Departamento de Arte do Oriente Próximo Antigo está atualmente fechado para reformas. O Louvre e o Met criaram um diálogo único entre essas duas coleções\, que é exibido nas galerias permanentes do Louvre. Essas obras de arte “convidadas especiais” do Met\, datadas entre o final do 4º milênio a.C. e o século 5 d.C.\, mostram algumas conexões notáveis ​​com a coleção do Louvre. Em alguns casos\, um par de objetos foi reunido pela primeira vez\, enquanto em outros\, as peças se complementam em virtude de características históricas específicas de suas respectivas coleções. Representando a Ásia Central\, a Síria\, o Irã e a Mesopotâmia\, esse diálogo entre coleções está (re)apresentando os visitantes a essas extraordinárias e antigas obras de arte e às histórias que elas contam. \n  \n\n  \n\n  \n\n  \n\n 
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LOCATION:Museu do Louvre\, 75001 Paris\, França\, Paris\, França
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SUMMARY:"La Collection: Revoir Picasso" no Musée Picasso Paris
DESCRIPTION:Pablo Picasso\, Trois figures sous un arbre (Three figures under a tree)\, 1907-1908 © Musée Picasso Paris\n\n\n\nO Museu Nacional Picasso-Paris reencontra sua coleção espalhada por três andares a partir de 12 de março; após um ano de celebração e a magnífica exposição dedicada à artista Sophie Calle. Dez anos após a reabertura do museu\, a coleção se instala de forma permanente no magnífico Hotel Salé. \n\n\n\nFruto de uma história extraordinária\, a formação da coleção do Museu Nacional Picasso-Paris foi possibilitada pelo mecanismo de dação – hoje é a maior coleção pública de obras de Picasso\, os “Picassos de Picasso”. Originária dos ateliês do artista\, essa coleção nos permite compreender melhor as explorações estéticas deste Picasso que ora é desconcertante\, plural\, contraditório\, reflexivo\, gestual e conceitual\, esteta e engajado\, inventor e poeta. Ele é simbolista\, cubista\, clássico\, surrealista ou simplesmente figurativo e político? \n\n\n\nUm lugar aberto e vibrante\, o museu aborda questões sociais para questionar\, através da jornada de sua obra\, a recepção dela\, ou seja\, a do pintor mais renomado\, mais observado\, mas também o mais discutido. \n\n\n\nÉ também uma oportunidade para dedicar exposições ou contrapontos aos corações das coleções. O primeiro desta série presta homenagem à artista Françoise Gilot\, que faleceu recentemente. Além de seu famoso livro intitulado “Viver com Picasso”\, publicado em 1965 – a trajetória da artista é evocada desde sua proximidade com o grupo das “Realidades Novas” até as grandes composições totêmicas das “pinturas emblemáticas” dos anos 1980.
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LOCATION:Musée Picasso Paris\, 5 rue de Thorigny\, Paris\, França
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SUMMARY:"La Mode en mouvement #2" no Palais Galliera
DESCRIPTION:De 26 de abril de 2024 a 5 de janeiro de 2025\, o Palais Galliera revela “La Mode en mouvement #2”. Com mais de 250 novas obras apresentadas durante esta segunda exibição\, a exposição traça\, através das coleções do museu\, uma história da moda do século XVIII até os dias atuais e desenvolve a temática transversal do corpo em movimento. Um foco especial também é dedicado às roupas de banho\, revelando peças raramente mostradas ao público. \n\n\n\nEnquanto Paris acolhe os Jogos Olímpicos e Paralímpicos no verão de 2024\, “La Mode en mouvement #2” permite compreender o papel do vestuário na prática de atividades físicas e esportivas\, bem como as consequências sociais de sua evolução. \n\n\n\nO vestuário concebido para o esporte (equitacão\, tênis\, golfe\, bicicleta…) é comparado ao vestuário de cidade. Esta segunda apresentação permite ao público perceber a progressiva especialização do vestuário esportivo\, assim como a introdução do sportswear no vestuário cotidiano. \n\n\n\nA seção balneária foca nos banhos de mar e na natação\, símbolos da democratização da prática esportiva desde o final do século XIX. É uma oportunidade de descobrir a importante coleção de trajes de banho\, maiôs\, roupas e acessórios de praia conservados no Palais Galliera. Esta seção destaca a evolução da relação com o corpo através de seu desvelamento na esfera pública\, bem como as noções de pudor e decência. Também revela a transformação dos cânones de beleza\, especialmente através da questão do bronzeamento. \n\n\n\n“La Mode en mouvement #2” beneficia-se de empréstimos excepcionais do Musée National du Sport (Nice)\, da Fundação Azzedine Alaïa\, da Biblioteca Forney (Paris)\, da Biblioteca Histórica da Cidade de Paris\, do Museu Carnavalet – História de Paris\, do Patrimônio da CHANEL\, da coleção Émile Hermès e da casa Yohji Yamamoto. Essas obras permitem colocar em perspectiva as peças do Palais Galliera\, testemunhas de uma prática física e esportiva\, de lazer ou de competição\, ao longo das épocas.
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LOCATION:Palais Galliera\, 10 Av. Pierre 1er de Serbie\, Paris\, França
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SUMMARY:“Museum: Modern and Contemporary Collection” no Centre Pompidou
DESCRIPTION:Robert Delaunay\, Manège de cochons (detalhe)\, 1922. Domínio público. © Foto: Centre Pompidou\, MNAM-CCI/Bertrand Prévost/Dist. GrandPalaisRmn.\n\n\n\n\nDe baías a passarelas e de salas a corredores\, descubra os movimentos fundadores da história das artes dos séculos XX e XXI\, junto com as obras icônicas que marcaram profundamente a era moderna a partir da vasta coleção do Centre Pompidou.  \nA apresentação cronológica da coleção moderna começa em 1905 (no nível 5)\, com as pinceladas vibrantes e as cores dramáticas dos artistas Fauves. Esse movimento gerou os grandes artistas do século XX\, que lançaram as bases para o Cubismo\, Expressionismo e Abstração. Esses primeiros movimentos “vanguardistas” são representados por artistas de toda a Europa e de diversas partes do mundo. \nA coleção contemporânea (no nível 4) destaca obras que testemunham a diversidade dos contextos artísticos em nosso mundo globalizado\, além de ambientes e apresentações que constituem verdadeiros programas artísticos por si só. Dividida em sequências históricas\, essa apresentação reflete uma coleção em constante evolução\, enriquecida continuamente para mostrar o melhor da cena contemporânea. Algumas das obras emblemáticas da coleção são instalações multissensoriais\, como Le Magasin de Ben\, Plight de Joseph Beuys e Les Piques de Annette Messager.
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LOCATION:Centre Pompidou\, Place Georges-Pompidou\, Paris\, França
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SUMMARY:“Surrealism” no Centre Pompidou
DESCRIPTION:Max Ernst\, L’ange du foyer (Le Triomphe du surréalisme)\, 1937. © Adagp\, Paris. Foto: Vincent Everarts Photographie\n\n\n\n\nCombinando pinturas\, desenhos\, filmes\, fotografias e documentos literários\, a exposição apresenta obras dos artistas icônicos do movimento (Salvador Dalí\, René Magritte\, Giorgio de Chirico\, Max Ernst\, Joan Miró)\, bem como das surrealistas mulheres (incluindo Leonora Carrington\, Ithell Colquhoun\, Dora Maar). \nA exposição é organizada tanto cronologicamente quanto tematicamente\, estruturada em 14 seções que evocam as figuras literárias que inspiraram o movimento (Lautréamont\, Lewis Carroll\, Sade\, etc.) e os princípios poéticos que estruturam sua imagética (o artista como médium\, os sonhos\, a pedra filosofal\, a floresta\, etc.). \nNo centro da exposição está um “tambor” central que abriga o manuscrito original do Manifesto\, um empréstimo excepcional da Biblioteca Nacional da França. Uma exibição multimídia acompanha a descoberta deste documento único\, fornecendo uma visão sobre sua criação e significado.
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LOCATION:Centre Pompidou\, Place Georges-Pompidou\, Paris\, França
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SUMMARY:"Masterpieces from the Borghese Gallery" no Musée Jacquemart-André
DESCRIPTION:Michelangelo Merisi da Caravaggio\, Boy with a Basket of Fruit (detalhe)\, c. 1593. (Ministero dei Beni e delle Attivita Culturali e del Turismo — Galleria Borghese / J. Paul Getty Trust)\n\n\n\n\nPara sua primeira exposição após mais de um ano de reformas\, o Musée Jacquemart-André apresentará cerca de quarenta obras-primas da famosa Galeria Borghese\, em Roma. Esta parceria excepcional entre as duas instituições oferecerá ao público uma oportunidade única de admirar em Paris um conjunto de obras importantes de artistas renomados dos períodos da Renascença e do Barroco\, raramente emprestadas fora da Itália\, como Caravaggio e Rubens\, além de obras de Botticelli\, Rafael\, Ticiano\, Veronese\, Antonello da Messina e Bernini. \nA Villa Borghese Pinciana\, que hoje abriga a Galeria Borghese\, foi construída entre 1607 e 1616 pelo poderoso Cardeal Scipione Borghese (1577–1633)\, sobrinho do Papa Paulo V (1550–1621). Inspirando-se nas luxuosas vilas romanas\, Scipione desejava usar o palácio\, cercado por jardins\, para exibir suas coleções de obras antigas e pinturas e esculturas contemporâneas\, evocando uma nova era de ouro. Dotado de um grande gosto pela arte\, uma curiosidade insaciável e uma habilidade extraordinária para identificar obras-primas\, Scipione Borghese completou sua coleção por todos os meios possíveis\, legais ou não. Ele se tornou um dos maiores colecionadores e patronos de seu tempo\, transformando a Villa Borghese em um verdadeiro museu antes mesmo de os museus existirem. De acordo com seus últimos desejos\, todas as suas coleções e propriedades foram passadas de geração em geração por quase duzentos anos\, e os herdeiros Borghese continuaram a enriquecer o patrimônio da família. No início do século XIX\, várias centenas de esculturas antigas foram\, no entanto\, cedidas a Napoleão Bonaparte por seu cunhado\, o Príncipe Camille Borghese (1775–1832); elas foram gradualmente substituídas por novas aquisições. A família Borghese acabou vendendo a villa e seu museu ao Estado italiano em 1902. A Galeria Borghese permanece um símbolo da prosperidade econômica\, cultural e artística de Roma na era moderna\, sendo um destino obrigatório para os visitantes da Cidade Eterna. \nGraças à parceria entre o Musée Jacquemart-André e a Galeria Borghese—no contexto de uma campanha de reformas no museu de Roma no outono de 2024—\, esta exposição apresentará uma seleção de obras excepcionais dessa coleção de arte\, única no mundo. O público poderá (re)descobrir obras dos mestres da arte italiana dos séculos XVI e XVII (Rafael\, Antonello da Messina\, Parmesan\, Lorenzo Lotto\, Ticiano\, Veronese\, Caravaggio\, Bernini\, etc.)\, além de pintores nórdicos que permaneceram na Itália (Rubens\, Gerrit van Honthorst\, etc.). A exposição também prestará homenagem a pintores menos conhecidos pelo público geral\, como Annibale Carracci\, Guido Reni\, Cavaliere D’Arpino e Jacopo Bassano. A apresentação das obras na exposição iluminará tanto a história da coleção quanto os grandes temas explorados pelos artistas. A exposição será complementada por um catálogo\, uma obra de referência em francês sobre a coleção de pinturas “modernas” da Galeria Borghese. O Musée Jacquemart-André se esforça para destacar colecionadores que deixaram sua marca na história da arte\, como o casal Édouard André e Nélie Jacquemart. \nEles compilaram uma rica coleção de pinturas\, esculturas e móveis italianos\, desde a Idade Média até o século XVIII\, tornando o Musée Jacquemart-André uma das principais instituições francesas dedicadas à arte italiana. Assim\, as obras-primas colecionadas pela família Borghese serão particularmente bem cuidadas neste museu italiano no coração de Paris.
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LOCATION:Musée Jacquemart-André\, 158 Bd Haussmann\, Paris\, França
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SUMMARY:"LA ELLE" de Renée Levi no Palais de Tokyo
DESCRIPTION:Vista da instalação. Crédito: Antoine Aphesbero\n\n\n\n\nO edifício do Palais de Tokyo está vivo com as memórias e presenças das inúmeras intervenções artísticas que ocorreram ao longo dos anos\, variando do sutil ao espetacular. O convite a Renée Levi estende a história contínua escrita por esses gestos que moldaram o centro de arte\, incluindo os de Anita Molinero\, FUTURA 2000\, Philippe Parreno\, TOILET PAPER e Kate Newby\, e lança uma nova luz sobre nossa experiência coletiva do hall de entrada do Palais. \nRespondendo ao convite para desdobrar sua pintura por La Zone – a área de entrada livremente acessível do Palais de Tokyo – Renée Levi redefine e expande simultaneamente este espaço\, geralmente de passagem. Seu trabalho consiste em uma pintura mural analógica nas paredes internas e um vasto desenho digital que cobre as janelas do edifício\, conferindo-lhes a aparência de vitral. Na fachada e nas janelas\, o branco torna-se um fundo para a cor\, enquanto nas paredes é reservado para sinais e assinaturas. Movendo-se entre opacidade e translucidez\, sinais riscados e escritas ressaltam várias características de seu ambiente anfitrião\, ao mesmo tempo em que se fundem a ele: os vários tons da pedra e do mármore\, a verticalidade e transparência das janelas e a estrutura crua do edifício. Em alguns lugares\, traços digitais se transformam em reflexões pictóricas\, enquanto em outros\, as vogais de um nome se entrelaçam em laços de prata ou fumaça\, sinais tornam-se letras\, acentos formam linhas de luz\, a linguagem se transforma em uma abstração\, e o todo constitui uma nova linguagem. \nEm LA ELLE\, sinais e laços colapsam uns nos outros\, irrompendo de latas de spray\, avançando hesitantes\, mas sem se desculpar\, por superfícies até encontrarem sua forma em um nome mítico formado pela conjunção de dois pronomes. “Eu sempre sinto que estou falando em uma língua estrangeira – não apenas na minha vida diária\, mas ocasionalmente no mundo da arte também. Meu nome é uma primeira língua tangível. Meu eu se esconde atrás deste nome\, junto com outros que se escondem ou se esconderam lá. Nomes identificam e agem como proposições de identificação. Meu nome é a base da minha identidade. Ele me legou família\, identidade cultural\, obrigações e responsabilidades\, mas também força. Este nome pode ser inscrito como um sinal. Todos deveríamos ser capazes de ler nossos nomes como sinais\, como uma espécie de grafite fugitivo.”
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LOCATION:Palais de Tokyo\, 13\, avenue du Président Wilson\, Paris\, França
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SUMMARY:"The Flowers of Yves Saint Laurent" no Musée Yves Saint Laurent
DESCRIPTION:Imagem: Divulgação\n\nDe 20 de setembro de 2024 a 4 de maio de 2025\, o Musée Yves Saint Laurent Paris apresenta As Flores de Yves Saint Laurent. Idealizada pelos curadores Olivier Saillard e Gaël Mamine\, a exposição segue uma exibição inaugural no Musée Yves Saint Laurent Marrakech\, em cartaz de 2 de março de 2024 a 5 de janeiro de 2025. Pela primeira vez\, os dois museus se uniram para montar uma exposição conjunta dedicada a um tema central na obra do estilista. \n“Trigo traz boa sorteLírios\, minha flor favorita/Uma Vênus de bronze\, símbolo da minha profissão e da minha paixão por bronzesÀ la recherche du temps perdu de Proust/ \nDesde os quinze anos\, nunca parei de reler essa obra incomparável.” \nYves Saint Laurent e seu parceiro Pierre Bergé viviam diariamente cercados por flores e jardins em seus apartamentos\, casas de campo e na própria maison de moda. Apaixonado por flores\, o estilista as considerava uma fonte infinita de inspiração. \nYves Saint Laurent compartilhava essa admiração pela natureza com muitos artistas e escritores\, em particular com um de seus autores favoritos\, Marcel Proust\, como revelou na revista L’Egoïste em 1987. Um universo proustiano aparecia nos interiores do estilista\, assim como em seus desfiles de moda. Enquanto o escritor descrevia mulheres como flores\, o costureiro as homenageava cobrindo-as com flores. \nMais de trinta peças de vestuário e desenhos apresentados na exposição destacam essa simbiose entre natureza\, literatura e o trabalho de Yves Saint Laurent. \nComo em um livro\, cada capítulo da exposição exibe citações de Proust ao lado de silhuetas florais criadas por Yves Saint Laurent\, enquanto acessórios e desenhos do estilista são apresentados em pedestais. Como ao longo de um caminho de jardim\, flores estão por toda parte\, revelando a personalidade e os gostos do designer: desde o lírio-do-vale\, tão querido por Christian Dior\, ao logotipo YSL com seu monograma semelhante a um lírio\, das rosas simbolizando o amor à buganvília de Marrocos\, ou ao trigo\, portador de sorte e triunfo. \nPor meio das peças icônicas vistas na exposição\, o visitante descobre a expertise que Yves Saint Laurent utilizava para dar vida às suas criações florais: desde seu bordado aplicado no vestido da coleção primavera-verão de 1962 até suas estampas inventivas da coleção primavera-verão de 2001\, uma referência inesquecível às pinturas de Pierre Bonnard. \nVemos as flores gigantes de gazar de seda usadas na passarela por Laetitia Casta como noiva de verão em 1999\, uma imagem marcante da obra de Yves Saint Laurent. \nEsse diálogo espontâneo entre as artes e diferentes épocas continua quando nos deparamos com o trabalho do artista americano Sam Falls\, cujas obras são vistas ao longo da exposição. Viajando pelo mundo\, Falls coleta amostras de plantas e preserva a memória de paisagens florais imprimindo diretamente seus pigmentos em tela. Os padrões e cores de sua recriação da natureza se harmonizam com aqueles vistos nas peças de alta-costura. Nas roupas de Yves Saint Laurent\, assim como nas pinturas de Sam Falls\, as flores transcendem o tempo e permanecem eternamente em flor.
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LOCATION:Musée Yves Saint Laurent Paris\, 5 Av. Marceau\, Paris\, França
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SUMMARY:“Antoine d'Agata: Méthode” no Centre Pompidou
DESCRIPTION:Antoine D’Agata © Gilles Pandel\n\n\n\n\n\n\n\nA convite do Centre Pompidou\, o fotógrafo Antoine d’Agata (nascido em 1961 em Marselha\, França) transforma uma das salas do museu em seu ateliê durante cem dias. O público é convidado a acompanhar o processo de trabalho do artista ao longo desse período. \nO ateliê de Antoine d’Agata é o mundo. O fotógrafo leva uma vida incansável\, sempre em movimento\, entre seus projetos pessoais e encomendas para a imprensa\, que o conduzem a regiões remotas e zonas de conflito. O projeto Méthode propõe uma mudança radical em sua prática. Aqui\, ele experimenta uma abordagem híbrida\, que chama de “obra-práxis”\, alimentada por uma tentativa incessante e inacabada de alcançar uma conclusão que continuamente se reinicia. \nEssa residência artística no museu oferece a d’Agata a oportunidade de transformar a sala 21bis em seu ateliê por cem dias. Ele dedica esse tempo a trabalhar em seus vastos arquivos fotográficos\, suas coleções de objetos\, livros e filmes. Assim\, ele revisita sua trajetória e busca criar uma espécie de conclusão sob a forma de uma instalação monumental\, o Atelier-monde e seus 256 cadernos de trabalho. \nEsse espaço contrasta o isolamento do viajante com o encontro com o público\, que pode observar o artista enquanto ele finaliza sua obra e busca um método para organizar seu fluxo narrativo. A residência também inclui trocas com treze autores convidados para debater os temas centrais da obra de d’Agata — a história\, a crueldade\, a fragilidade\, a falta e a morte.
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SUMMARY:"Céline Laguarde (1873-1961) Photographe" no Musée d'Orsay
DESCRIPTION:Céline Laguarde\, Portrait d’homme et paysage du pays basque\, entre 1901 e 1914 © Musée d’Orsay\, dist. GrandPalaisRmn / Allison Bellido\n\n\n\n\nNo início do século XX\, Céline Laguarde se destacou como uma figura internacional do primeiro movimento artístico da história da fotografia\, o pictorialismo. Sua obra\, após um século de esquecimento\, está sendo redescoberta. A exposição convida a uma dupla redescoberta: a de uma mulher fotógrafa que alcançou um nível de reconhecimento até então único e sem precedentes na França desde a invenção do meio\, mas também\, e sobretudo\, a de uma artista já considerada\, em vida\, uma das fotógrafas mais importantes de seu tempo. \nA exposição foi possível graças à progressiva revelação do acervo pessoal da artista\, que foi recomposto nas coleções do Museu d’Orsay entre 2017 e 2024. Seu objetivo principal é revelar uma obra de qualidade\, variedade e longevidade surpreendentes. Retratos\, estudos de figuras e paisagens permitem avaliar a reputação de virtuosa adquirida pela fotógrafa no campo dos processos pigmentares\, ainda hoje considerados entre as técnicas de impressão mais complexas e sofisticadas. \nPor meio de mais de cento e trinta provas originais da artista\, colocadas ocasionalmente em diálogo com fotografias de contemporâneos masculinos e femininos\, a exposição permite observar as evoluções e permanências\, as influências e diálogos\, bem como a originalidade e especificidades que caracterizam a obra de Laguarde. \nFruto de pesquisas totalmente inéditas\, a exposição e o catálogo que a acompanha — o primeiro dedicado à artista — são construídos com base em uma reconstituição do corpus\, da biografia\, da carreira e da fortuna crítica de Céline Laguarde. Esta trajetória individual também é contextualizada em três âmbitos: o de uma rede singularmente eclética de sociabilidades artísticas\, literárias\, musicais e científicas; o da fotografia artística regional\, nacional e internacional; e o\, até então pouco explorado\, da fotografia feminina na França no final do século XIX e início do século XX. \nOferecendo um novo olhar sobre o pictorialismo\, esta retrospectiva\, a primeira dedicada a Céline Laguarde\, é também a primeira dedicada a uma fotógrafa francesa que foi ativa antes da Primeira Guerra Mundial.
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LOCATION:Musée d’Orsay\, 1 Rue de la Légion d'Honneur Paris\, Paris\, Paris\, França
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SUMMARY:"Harriet Backer (1845-1932) La musique des couleurs" no Musée d'Orsay
DESCRIPTION:Harriet Backer\, Intérieur bleu\, 1883 © Oslo\, Nasjonalmuseet for kunst\, arkitektur og design\, NG.M.02216 / Foto: National Museum / Børre Høstland\n\n\n\n\nPouco conhecida fora das fronteiras de seu país\, a pintora norueguesa Harriet Backer foi\, no entanto\, a mulher pintora mais renomada em seu país no final do século XIX. Famosa por seu uso de cores ricas e luminosas\, ela desenvolveu uma síntese muito pessoal entre as cenas de interiores e a prática ao ar livre. Ela se inspirava tanto no movimento realista quanto nas inovações do impressionismo\, com uma pincelada livre e um grande interesse nas variações da luz. Também é reconhecida por seus retratos sensíveis da vida rural e seu interesse pelos interiores de igrejas. \nEm uma época em que as mulheres na Noruega não eram consideradas cidadãs plenas\, Harriet Backer se destacou graças ao seu talento com o pincel\, tornando-se uma figura importante da cena artística de seu tempo. Membro do conselho de administração e do comitê de aquisição da Galeria Nacional da Noruega por vinte anos\, ela abriu\, no início da década de 1890\, uma escola de pintura onde formou artistas importantes da geração seguinte\, como Nikolai Astrup\, Halfdan Egedius e Helga Ring Reusch. Ela foi apoiada pelo colecionador Rasmus Meyer\, também grande patrono de Edvard Munch. \nEmbora a pintura de Backer tenha evoluído significativamente ao longo de sua longa carreira\, ela permaneceu fiel a um conjunto restrito de temas\, sempre enriquecidos pelo estudo a partir da observação direta. A exposição aborda a formação da artista nas grandes capitais culturais da época\, como Munique e Paris\, e também apresenta o círculo de mulheres artistas escandinavas próximas a Backer\, que\, assim como ela\, foram formadas pela Europa e compartilhavam de seus compromissos feministas. A exposição aborda\, em seguida\, os principais temas de predileção da artista: interiores rústicos\, pinturas de igrejas tradicionais norueguesas\, paisagens e seu sentido único para naturezas-mortas. A mostra também dará grande destaque às representações de cenas musicais\, uma componente importante na vida de Backer\, cuja irmã Agathe Backer Grondahl foi uma musicista renomada na Noruega\, e um tema central em sua obra\, onde as vibrações da pincelada tornam perceptíveis as notas de música. \nEsta exposição\, a primeira retrospectiva dedicada à artista na França\, se alinha a um dos principais eixos da programação do Museu d’Orsay\, que propõe\, paralelamente à apresentação de figuras mais emblemáticas\, a descoberta de artistas menos conhecidos\, mas essenciais para a compreensão das grandes transformações na arte da segunda metade do século XIX. A Noruega recebe uma atenção especial devido ao dinamismo de sua cena artística e aos laços privilegiados que seus artistas mantinham com as vanguardas parisienses.
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SUMMARY:“Apophénies\, interruptions: Artistes et intelligences artificielles au travail” no Centre Pompidou
DESCRIPTION:Holly Herndon & Mat Dryhurst\, “I’m Here\, 17.12.2022\, 5:44”\, 2023 © D.R.\n\n\n\n\n\n\n\n\n \n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\nNovas comissões\, obras recentes… seis instalações (Éric Baudelaire\, Mat Dryhurst e Holly Herndon\, Auriea Harvey\, Ho Rui An\, Interspecifics\, Agnieszka Kurant) exploram as férteis conexões entre criação artística e inteligência artificial. \nA exposição investiga as implicações da inteligência artificial\, com ênfase no papel da inteligência humana e da intervenção nos processos criativos\, chegando ao ponto de modificar os próprios sistemas de produção de IA. Reflexões sobre memória coletiva catalogada em arquivos nacionais\, uma investigação experimental sobre o fim dos grandes relatos\, previsões de futuras obras de arte ainda por serem realizadas\, experiências íntimas e os ecos da história colonial… esses são alguns dos temas que emergem nas obras apresentadas\, todas marcadas por uma curiosidade lúcida e que servem como experimentos com essa nova tecnologia que está transformando nosso mundo. \nEmbora a IA generativa abra caminhos para transformar a pesquisa artística e ofereça novas ferramentas criativas\, ela também tem um impacto profundo na maneira como somos levados a observar obras de arte. O termo “apofenia”\, cunhado em 1958 para descrever a esquizofrenia\, refere-se a um distúrbio cognitivo que envolve perceber conexões significativas entre coisas díspares e aparentemente não relacionadas. Esse fenômeno pode ser comparado às conexões errôneas nos processos de detecção de objetos que estão no cerne das inteligências artificiais generativas. Tais processos\, que oscilam entre a eficiência algorítmica e erros que comprometem a coerência\, são aqui considerados como pontos de partida férteis para a pesquisa artística. \nCom a IA generativa\, redes neurais transcendem a análise de informações e tornam-se criadoras\, gerando novas imagens e textos sintetizados a partir de vastos conjuntos de dados coletados na internet. No entanto\, como na apofenia\, distorções e vieses aparecem frequentemente\, produzindo conteúdos incorretos chamados “alucinações”. \nMesmo que essas imprecisões sejam atenuadas pela intervenção humana nos processos de treinamento\, filtragem e rotulagem\, elas ainda são preocupantes. Ainda assim\, esses modelos já são usados diariamente por milhões de pessoas. É justamente essa característica de acesso massivo à IA que torna este um momento revolucionário e\, consequentemente\, convoca explorações críticas artísticas. Não se trata apenas de considerar as potenciais consequências dessa nova tecnologia\, mas também de compreender como ela já começa a modificar e moldar nosso mundo social.
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LOCATION:Centre Pompidou\, Place Georges-Pompidou\, Paris\, França
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SUMMARY:"Heinz Berggruen\, a dealer and his collection" no Musée de l'Orangerie
DESCRIPTION:Paul Klee\, Paysage en Bleu (Landschaft in Blau) (detalhe)\, 1917 © bpk / Museum Berggruen\, Propriedade Privada / Jens Ziehe / MBGP\n\n\n\n\nNa mesma linha de Paul Guillaume\, o colecionador e marchand alemão Heinz Berggruen construiu uma coleção excepcional de mestres do século XX. Esta exposição explora o relacionamento desse peculiar galerista com seus artistas e sua rede no mercado de arte no pós-guerra em Paris. \nDescrever a vida de Heinz Berggruen como um destino seria incorreto. Nascido em uma família judia em Berlim\, ele buscou refúgio na Califórnia no início da Segunda Guerra Mundial. Após estudar na França\, seus primeiros contatos com o mundo da arte foram em São Francisco. Com o fim da guerra\, Berggruen preferiu retornar à Europa\, primeiro como jornalista em seu país natal e depois na sede da UNESCO em Paris. Aos poucos\, cansado\, começou a se envolver no mercado de arte: inicialmente abriu uma galeria na Place Dauphine e\, posteriormente\, mudou-se definitivamente para a Rue de l’Université\, onde se especializou em artes gráficas de artistas modernos. \nApaixonado pelo seu trabalho\, ele rapidamente fez contatos no mundo cultural de Paris\, conhecendo não apenas artistas para exibir\, mas também poetas\, marchands\, historiadores\, críticos e colecionadores da época. Berggruen consolidou sua reputação na capital e\, graças ao sucesso\, se tornou “seu melhor cliente”. Guiado por seus próprios gostos e afinidades\, ele construiu uma sólida coleção de obras do século XX de seus mestres favoritos: Picasso e Klee. \nA exposição\, organizada entre monografias e temas específicos\, destaca acima de tudo os gostos pessoais de Berggruen. Embora seja evidente que ela abordará quase exaustivamente as carreiras de Picasso e Klee\, assim como os notáveis recortes de Matisse e as esculturas esguias de Giacometti\, o foco será em Heinz Berggruen\, suas escolhas\, encontros e afinidades que orientaram a criação dessa coleção. \nDoada ao estado alemão em 2000\, alguns anos antes da morte do colecionador\, esta vasta coleção ressoa especialmente com a coleção Walter-Guillaume no Musée de l’Orangerie. Cerca de cem obras-primas de Picasso\, Klee\, Matisse e Giacometti ajudam a ressaltar a importância de um grande protagonista da arte parisiense da segunda metade do século XX.
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LOCATION:Musée de l’Orangerie\, Jardin Tuileries Paris Département de Paris\, Paris\, Paris\, França
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SUMMARY:"Hyper Nuit" de Amélie Bertrand no Musée de l'Orangerie
DESCRIPTION:Amélie Bertrand\, Luminy’s Dreams\, 2022. Cortesia Semiose\n\n\n\n\nDesde o início dos anos 2010\, o vocabulário de Amélie Bertrand tem sido composto por motivos – quase signos – que todos podem facilmente compreender: paredes de tijolos\, cercas\, correntes\, azulejos de piscina\, todos retirados de respostas dadas online na forma de palavras-chave. Ela então os combinou em “espaços críveis” que formam paisagens estranhas\, provocando no espectador uma sensação de miragem que frequentemente leva ao desconforto\, explorando as possibilidades e contradições dessas imagens artificiais. No centro desse universo\, as ninfas se tornam formas\, ou talvez o contrário\, e a forma geométrica se transforma em uma folha de nenúfar\, um símbolo de eficácia comprovada\, definitivamente consagrado e quase esgotado pela vasta série de Claude Monet e pela decoração imersiva do Musée de l’Orangerie. \nRedesenhada e normalizada\, a folha de nenúfar é o centro de uma contemplação sobre a pintura\, a composição da peça e a busca de soluções formais para criar um espaço visual. “Quando comecei a pintá-las”\, entusiasmou-se Amélie Bertrand\, “senti que era a coisa mais legal que eu tinha feito em muito tempo. Foi fácil\, e eu estava livre\, pois o nenúfar apareceu imediatamente na pintura. (…) As áreas coloridas do nenúfar apareceram e me permitiram posicionar facilmente as camadas\, a transparência e o sombreamento. Apenas um jogo formal de tinta.” \nApós um desenvolvimento detalhado no computador e depois na forma de estênceis\, a artista pintou meticulosamente os motivos em óleo segundo uma técnica de camada única\, formando cores sólidas perfeitamente lisas ou sombreamentos refinados. Ela evoca cores com uma suavidade ilimitada para efeitos de luz que são destinados a serem observados\, em vez de explicados.
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SUMMARY:“Particules de nuit / Night Particles” no Centre Pompidou
DESCRIPTION:Apichatpong Weerasethakul\, “On Blue” © Kick the Machine Fims\, 2022\n\n\n\n\n\n\n\n\n \n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\nA obra de Apichatpong Weerasethakul situa-se na interseção entre o cinema de ficção\, o filme experimental e uma exploração artística que integra espaço\, imagens e sons em situações inéditas. \nA exposição Particules de nuit foi concebida especificamente para um local particular: o pavilhão que outrora abrigava uma reprodução do ateliê do escultor Constantin Brancusi e que\, atualmente\, está vazio em preparação para as obras de renovação do Centre Pompidou. De um espaço projetado para receber a luz do sol\, Weerasethakul transforma-o em um lugar de deambulação noturna\, pontuado apenas pela luz das imagens projetadas. \n“Ver / não é ver” — estas palavras escritas à mão reaparecem como um refrão em Seeing Circles (2022)\, em que o artista descreve um tremor da visão. Remetendo ao obturador de uma câmera\, o olho explora intermitentemente as múltiplas escalas do mundo visível a partir de seu próprio lar. Em For Bruce (2022)\, filmado na natureza peruana\, o mesmo olhar examina as ondulações e reflexos do sol na superfície da água\, revelando tanto a simplicidade instantânea quanto a complexidade de olhar / ver e\, talvez\, de meditar. As obras recentes reunidas para esta exposição\, assim como os estudos de Brancusi sobre luz e formas naturais\, apresentam um fluxo variado\, desde o brilho do sol amazônico até os meandros da noite. Como o palimpsesto de um sonho\, as imagens formam-se e dissipam-se\, despedem-se sem realmente desaparecer: transformam-se para depositar-se em outro lugar. As realidades do presente permanecem inseparáveis das memórias e dos mitos vernaculares. Ao mover-se entre essas iluminações\, o público percebe as fronteiras temporais se dissolvendo. \nEm Solarium (2023)\, uma instalação criada recentemente para a Bienal da Tailândia em Chiang Rai\, a investigação hipnagógica de Apichatpong Weerasethakul alcança um realismo alucinatório\, imaginando uma visão órfã e errante que volta para si mesma sua própria busca. O sol da memória nasce e se põe no horizonte. Resta apenas à pupila inventar outra luz.
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LOCATION:Centre Pompidou\, Place Georges-Pompidou\, Paris\, França
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SUMMARY:"Tarsila do Amaral: Pintando o Brasil moderno" no Musée du Luxembourg
DESCRIPTION:Tarsila do Amaral\, “Cartão-postal” (detalhe)\, 1929 © Tarsila do Amaral Licenciamento e Empreendimentos S.A\n\n\n\n\nFigura central do modernismo brasileiro\, Tarsila do Amaral (1886-1973) é a criadora de uma obra original e evocativa\, que se inspira nos imaginários indígena\, popular e moderno de um país em plena transformação. \nEm Paris\, nos anos 1920\, ela submete seu universo iconográfico ao cubismo e ao primitivismo\, antes de iniciar\, em São Paulo\, o movimento “antropofágico”\, que defende a “deglutição” das culturas estrangeiras e colonizadoras pelos brasileiros\, como forma simultânea de assimilação e resistência. \nSeus paisagens de cores vibrantes dão lugar a visões insólitas e fascinantes\, até que uma dimensão mais abertamente política surge em suas telas nos anos 1930. O gigantismo onírico e a geometria quase abstrata de suas últimas composições apenas confirmam a força de uma obra enraizada em seu tempo e sempre disposta a se renovar. \nEsta retrospectiva busca suprir a falta de reconhecimento da artista na Europa e apresentar alguns aspectos inéditos de sua obra. Ela nos convida ao coração do Brasil moderno e de suas tensões entre tradição e vanguarda\, entre centros e periferias\, entre culturas eruditas e populares.
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LOCATION:Musée du Luxembourg\, 19 Rue de Vaugirard\, Paris\, França
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SUMMARY:"Arte Povera" na Bourse de Commerce
DESCRIPTION:Giuseppe Penone\, “Essere vento (To Be Wind)”\, 2014. Cortesia Marian Goodman Gallery\n\n\n\n\nEsta exposição explica tanto o nascimento italiano quanto a difusão internacional do movimento Arte Povera\, por meio das obras dos treze principais protagonistas: Giovanni Anselmo\, Alighiero Boetti\, Pier Paolo Calzolari\, Luciano Fabro\, Jannis Kounellis\, Mario Merz\, Marisa Merz\, Giulio Paolini\, Pino Pascali\, Giuseppe Penone\, Michelangelo Pistoletto\, Emilio Prini e Gilberto Zorio. Situada na arquitetura única da Bourse de Commerce\, transformada pelo arquiteto japonês Tadao Ando\, a exposição foi concebida como uma paisagem a ser percorrida\, que se torna o terreno no qual as infinitas poéticas da Arte Povera estão enraizadas. \nIdealizada pela curadora Carolyn Christov-Bakargiev\, uma especialista internacionalmente reconhecida neste movimento artístico\, a exposição “Arte Povera” apresenta cerca de cinquenta obras históricas e emblemáticas da Coleção Pinault\, colocadas em diálogo com peças de outras importantes coleções públicas e privadas.
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LOCATION:Bourse de Commerce\, 2 Rue de Viarmes Paris\, Paris\, Paris\, França
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SUMMARY:“目 Chine” no Centre Pompidou
DESCRIPTION:Qiu Xiaofei\, “A Pillow for Eating Dreams”\, 2023. Via Instagram @beijingcommune\n\n\n\n\nEsta exposição coletiva destaca a cena emergente da arte contemporânea chinesa\, com obras de 21 artistas\, traçando um retrato subjetivo pela primeira vez na França. A abertura da China ao mundo\, as transformações ambientais e as mudanças nos estilos de vida da sociedade chinesa são temas abordados na produção criativa contemporânea desta jovem geração de artistas\, nascidos entre o final da década de 1970 e início dos anos 1990\, período marcado pelo grande boom econômico do país. \nSob o tema do caractere 目 (mù)\, que significa “olho” e faz referência tanto à visão quanto à capacidade do olho de organizar a realidade\, a rica seleção de obras escolhidas pelos curadores sino-franceses abrange uma ampla variedade de práticas — vídeo\, pintura\, escultura\, instalações\, fotografia e novos meios — com foco em criações dos últimos anos. No cenário internacional pós-Covid\, essas obras tiveram pouca visibilidade no exterior\, mas o Centre Pompidou fortaleceu seus laços com esta cena artística durante esse período\, graças à parceria com o Centre Pompidou × West Bund Museum Project em Xangai. \nEm meio a essa diversidade pulsante\, a exposição enfoca temas relevantes nas práticas dos artistas. Questões centrais exploradas nas obras incluem a interação da China com o resto do mundo\, reflexões sobre a globalização e os desafios globais\, especialmente o colapso ambiental. \nEssa geração de criadores também explora temas férteis\, como as grandes mudanças na sociedade chinesa\, especialmente as transformações incessantes nos estilos de vida em aglomerações urbanas em constante expansão e o paradigma em evolução da regulação de fluxos e atividades. O riquíssimo patrimônio cultural e estético da China estrutura o trabalho de alguns artistas\, que buscam colocá-lo em perspectiva e reinterpretá-lo em um contexto contemporâneo. \nPor fim\, a exposição dedica uma grande seção aos novos meios\, um campo particularmente dinâmico em um país que experimentou uma digitalização rápida\, massiva e intensa de sua economia e sociedade.
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SUMMARY:"Olga de Amaral" na Fondation Cartier
DESCRIPTION:Vista da exposição © Olga de Amaral. Cortesia Lisson Gallery\n\n\n\n\nA Fondation Cartier pour l’art contemporain está apresentando a primeira grande retrospectiva na Europa de Olga de Amaral\, uma figura central da cena artística colombiana e da Arte Fibra. A exposição reúne cerca de oitenta obras realizadas entre os anos 1960 e os dias atuais\, muitas das quais nunca foram exibidas fora da Colômbia. Além das vibrantes peças em folha de ouro pelas quais a artista é conhecida\, a mostra revela suas primeiras explorações e experimentações com o têxtil\, bem como suas obras monumentais. \nDesde a década de 1960\, Olga de Amaral vem expandindo os limites do meio têxtil\, experimentando continuamente com diferentes materiais (linho\, algodão\, crina de cavalo\, gesso\, folha de ouro\, paládio) e técnicas: ela tece\, amarra\, trança e entrelaça fios para criar peças monumentais tridimensionais. Sua obra\, inclassificável\, se inspira tanto nos princípios modernistas que descobriu na Cranbrook Academy of Art\, nos Estados Unidos\, quanto nas tradições vernaculares de seu país e na arte pré-colombiana. Após apresentar seis obras da série Brumas na exposição Southern Geometries em 2018\, a Fondation Cartier agora traça toda a trajetória de Amaral\, celebrando a figura que ajudou a provocar uma verdadeira revolução nas artes têxteis.
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LOCATION:Fondation Cartier\, 261 Bd Raspail Paris\, Paris\, França
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SUMMARY:"At One" James Turrell na Gagosian
DESCRIPTION:Vista da instalação com James Turrell\, “All Clear”\, 2024\, da série Ganzfeld (1976-) Obra © James Turrell. Foto: Thomas Lannes \nA Gagosian apresenta uma exposição de obras de James Turrell\, com abertura em 14 de outubro na galeria de Le Bourget. A mostra apresenta duas novas instalações de grande escala: uma peça da série Ganzfeld\, All Clear\, e uma obra da série Wedgework\, Either Or (ambas de 2024). Além disso\, inclui duas novas projeções da série Cross Corner—Raethro\, Yellow e Afrum\, Lavender (ambas de 2024)—e seis novas obras da série Glassworks\, que apresentam todas as configurações dessa linha. Também estão em exibição hologramas\, maquetes\, gravuras e planos do Roden Crater (1976–)\, acompanhados por mesas de levantamento topográfico utilizadas na produção do projeto\, além de outras fotografias\, impressões e materiais de arquivo. \nDesde a década de 1960\, Turrell tem trabalhado com fenômenos perceptivos que vão da privação sensorial a efeitos ópticos. Em 1966\, ele começou a utilizar planos de luz em relação a interiores arquitetônicos\, dando início a uma manipulação contínua de ambientes construídos e naturais. Seu trabalho continua a usar a luz como material primário\, explorando os limites da percepção e empregando novas tecnologias para criar experiências formais minimalistas que\, muitas vezes\, induzem estados meditativos. \nNo espaço principal da galeria Le Bourget\, no térreo\, está All Clear\, da série Ganzfeld. Os visitantes entram em um pavilhão arredondado\, totalmente branco\, onde são imersos em luz colorida gerada por uma tela de LED e iluminação de fundo. A ausência de cantos e arestas no espaço acentua a perda de referência espacial. O título da série faz referência ao Efeito Ganzfeld\, que ocorre quando a ausência de profundidade\, formas e indicadores de distância leva o cérebro a interpretar ruído visual como informação tangível. O trabalho de Turrell evoca experiências desorientadoras\, como esquiar em meio a um nevoeiro branco\, voar através de nuvens densas ou mergulhar no oceano profundo. A paisagem sugerida se assemelha ao espaço sideral\, onde os horizontes desaparecem\, e remete à abstração da álgebra booleana. Esse efeito de dissolução do espaço ocorre de maneira temporizada na instalação All Clear\, evitando que a desorientação se torne excessiva.
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LOCATION:Gagosian Le Bourget\, 26 avenue de l’Europe\, Le Bourget\, França
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SUMMARY:"Guillermo Kuitca\, Chapelle" no Musée Picasso Paris
DESCRIPTION:Guillermo Kuitca. Chapelle\, 2024. Cortesia do Musée Picasso Paris. \n  \nA convite do Museu Nacional Picasso-Paris\, o artista argentino Guillermo Kuitca (n. 1961) criou uma obra site-specific na capela do Hôtel Salé. Desde sua intervenção na Bienal de Veneza em 2007\, Kuitca desenvolveu uma nova linguagem\, ecoando a arquitetura\, que o artista chama de “pintura cubistoide”\, na qual um conjunto de linhas que se cruzam\, como tantas dobras no plano\, é implantado diretamente nas paredes\, formando um novo espaço pictórico. Kuitca descreve seu lugar no “carrossel da arte moderna”: \n“Há muitos anos\, pintei quadros mostrando uma esteira rolante de bagagens. Acredito que a história da arte era o verdadeiro tema dessas pinturas. A arte seria esse carrossel; a obra de arte\, uma bagagem\, e os artistas\, passageiros. Enquanto esperamos por nossa bagagem\, nos fazemos uma série de perguntas: ‘Minha mala chegará e serei capaz de reconhecê-la entre outras semelhantes? E se eu pegasse a mala de outra pessoa\, estaria usando as roupas dela? Minha bagagem será destruída para sempre?’ Para mim\, essas perguntas são uma meditação sobre a herança. Elas também vislumbram um possível encontro com Picasso\, como se ele fosse\, afinal\, mais um passageiro.” \nPara Kuitca\, a pintura tem memória. Por meio desses experimentos\, ele se conecta com a história da arte moderna\, invocando o cubismo como o traço de um movimento que opera como uma difração da realidade\, a construção de um espaço imaginário. Esta instalação site-specific foi generosamente apoiada pela galeria Hauser & Wirth. \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n 
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SUMMARY:"Jackson Pollock: The Early Years (1934-1947)" no Musée Picasso Paris
DESCRIPTION:Jackson Pollock\, “The Moon Woman” (detalhe)\, 1942 © Pollock-Krasner Foundation / ADAGP\, Paris 2024\n\n\n\n\nDe 15 de outubro de 2024 a 19 de janeiro de 2025\, o Musée national Picasso-Paris apresenta uma nova exposição temporária dedicada ao artista americano Jackson Pollock. Primeira exposição na França desde 2008\, ela se concentrará em suas obras iniciais\, de 1934 a 1947. A exposição “Jackson Pollock: The Early Years (1934-1947)” revisita a carreira inicial de Jackson Pollock (1912-1956)\, marcada pela influência do regionalismo e dos muralistas mexicanos\, até suas primeiras drippings em 1947. \nEsse conjunto de obras\, raramente exibido isoladamente\, testemunha as diversas fontes que alimentaram a pesquisa do jovem artista\, cruzando a influência das artes nativas americanas com as vanguardas europeias\, entre as quais Pablo Picasso figura proeminentemente. Comparado ao pintor espanhol e aos grandes nomes da pintura europeia pelos críticos\, Pollock rapidamente se estabeleceu como um verdadeiro monumento da pintura americana\, isolando-se das redes mais complexas de intercâmbio de influências que nutriram seu trabalho durante seus anos em Nova York. A exposição visa apresentar detalhadamente esses anos\, que foram o laboratório de sua obra\, restaurando o contexto artístico e intelectual do qual ambas foram alimentadas. \nA exposição foca em vários momentos-chave no desenvolvimento artístico e intelectual do jovem Pollock durante esses anos de experimentação. Ao convocar figuras-chave em sua carreira artística (Charles Pollock\, William Baziotes\, Lee Krasner\, André Masson\, Pablo Picasso\, Janet Sobel…)\, a exposição destaca a intensidade e singularidade de seu trabalho em suas várias dimensões (pintura e trabalho com materiais\, gravura\, escultura).
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SUMMARY:“Chaosmose” no Centre Pompidou
DESCRIPTION:Françoise Janicot\, “Encoconnage”\, 1975. © Adagp\, Paris. Créditos da foto: Fonds de dotation Jean-Jacques Lebel. Raphaële Kriegel. Via centrepompidou.fr\n\n\n\n\n\n\n\n\n \n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\nEsta exposição estabelece um diálogo entre o fundo de dotação Jean-Jacques Lebel e a coleção do Centre Pompidou. Com mais de 120 obras de origens diversas\, a mostra conduz o público por uma travessia caótica através das paixões\, lutas e revoltas do século 20 até os dias de hoje. A exposição atribui igual importância a objetos anônimos e obras de grande destaque\, buscando novas perspectivas e narrativas sobre a arte. \nCom sua “collecte”\, como preferia chamar\, Jean-Jacques Lebel propõe um panorama vibrante que visa promover não apenas artistas renomados\, mas também aqueles injustamente apagados da história da arte\, apesar de terem trabalhado com igual intensidade. Isso inclui pintores\, escultores\, pensadores\, poetas\, agentes propulsores de todas as formas de arte-ação\, agitadores culturais e virtuosos em assemblage e colagem. \nChaosmosis dá continuidade ao legado de André Breton\, grande amigo de Jean-Jacques Lebel\, em seu ateliê: atribuir igual importância a objetos anônimos e obras-primas para desvendar novas perspectivas e histórias sobre a arte.
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SUMMARY:“Tituba\, qui pour nous protéger?” no Palais de Tokyo
DESCRIPTION:Naudline Pierre\, “Elemental Forces”\, 2022 © Cortesia da artista e James Cohan\, Nova York\n\n\n\n\n“Tituba\, qui pour nous protéger?” é uma exposição coletiva que reúne onze artistas da França\, Grã-Bretanha e América do Norte\, com trajetórias na diáspora caribenha e africana\, para uma reflexão sobre as relações entre luto\, memória\, migração e ancestralidade. A exposição reflete de forma mais específica sobre o papel cotidiano desempenhado por nossos entes queridos que perdemos\, nossas memórias\, mitos\, sonhos e o invisível como protetores espirituais e amigos imaginários. \nReunindo práticas diversas\, incluindo escultura\, filme\, fotografia\, pintura e instalação\, “Tituba\, qui pour nous protéger ?” apresenta narrativas que se desenrolam em uma escala íntima e coletiva\, transgeracional e histórica\, mas também simbólica e material. O romance Moi\, Tituba\, sorcière noire de Salem (1986) de Maryse Condé serve como ponto de partida para a exposição. Em um gesto poético e sororal\, a personagem homônima Tituba é invocada como figura de proteção\, e a exposição tece\, assim\, uma interconexão entre a criação artística e literária. \nArtistas: Naudline Pierre\, Abigail Lucien\, Rhea Dillon\, Miryam Charles\, Monika Emmanuelle Kazi\, Naomi Lulendo\, Inès Di Folco Jemni\, Liz Johnson Artur\, Tanoa Sasraku\, Claire Zaniolo\, Massabielle Brun \nCuradora: Amandine Nana
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SUMMARY:“Praesentia” de Myriam Mihindou no Palais de Tokyo
DESCRIPTION:Myrlam Mihindou\, “Fleurs de peau series”\, 1999-atual. Vista da exposição\, “Affinités électives”\, galerie Mala Muller (Paris)\, 2020. Cortesia da artista & galerie Maia Muller (Paris) © ADAGP\, Paris\, 2024\n\n\n\n\n“Praesentia” (um título polissêmico que evoca presença\, poder e proteção) oferece um desdobramento generoso do trabalho de Myriam Mihindou ao longo dos últimos vinte anos\, incluindo novas produções. A exposição se interessa particularmente pela forma como a artista assume as funções espiritual e terapêutica\, bem como as funções sociais e políticas da arte\, por meio de gestos\, formas e materiais. \nAlgumas narrativas dominantes são\, assim\, relidas a partir de suas margens\, tornando visíveis corpos\, vozes\, práticas e imaginários que há muito foram negligenciados ou minoritizados. Esta exposição é co-concebida e co-produzida com o Crac Occitanie em Sète\, para garantir que as obras sejam visíveis por um período mais longo e que sejam acessíveis a uma ampla variedade de públicos.
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LOCATION:Palais de Tokyo\, 13\, avenue du Président Wilson\, Paris\, França
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SUMMARY:“Figure” de Malala Andrialavidrazana no Palais de Tokyo
DESCRIPTION:Malala Andrialavidrazana\, “Figures 1883\, Reference Map for Business Men”\, 2019 © Malala Andrialavidrazana\n\n\n\n\nO Palais de Tokyo confiou à artista Malala Andrialavidrazana a galeria “grande verrière”\, iluminada por luz natural\, com suas paredes curvas de 60 metros de comprimento\, que ela usará para redimensionar os fotomontagens digitais que vem apresentando ao longo do mundo desde 2015 em uma nova proposta. Seu projeto no Palais constitui\, portanto\, uma exposição solo\, a primeira em uma instituição pública em Paris\, e uma retrospectiva que integra novas obras. \nAs Figuras de Malala Andrialavidrazana assemelham-se a mapas geográficos\, nos quais representações extraídas de selos\, notas de banco\, impressões\, anúncios e outras fontes iconográficas selecionadas pela artista são sobrepostas. Se o colagem é uma arte de conflito\, onde múltiplas realidades contraditórias são reunidas\, o mapa é um produto de mecanismos de conhecimento e poder situados tanto na história quanto na geografia. “Quem está falando?” e “De onde estão falando?” são questões que inevitavelmente surgem ao contemplarmos essas ferramentas. \nPara esta exposição\, o Palais de Tokyo está colaborando com o Fonds Yavarhoussen e a artista para criar uma ferramenta de mediação interativa que permitirá ao público descobrir as fontes iconográficas de cada obra\, além de publicar uma monografia do trabalho recente de Malala Andrialavidrazana com a Editions Dialecta.
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SUMMARY:“Les Frontières sont des animaux nocturnes / Sienos yra naktiniai gyvūnai” no Palais de Tokyo
DESCRIPTION:Anastasia Sosunova\, D I Y\, 2023 Instalação em vídeo. Vista da instalação na Editorial\, Vilnius. Foto por Editorial. Cortesia da artista e do MO Museum\, Vilnius\n\n\n\n\n“Les Frontières sont des animaux nocturnes / Sienos yra naktiniai gyvūnai” apresenta uma dúzia de artistas intergeracionais: na sua maioria lituanos\, mas também com base na região mais ampla e na França. Utilizando formas\, imaginação e poesia como ferramentas políticas\, esta exposição oferece um fio frágil para ler através de complexas histórias coloniais\, realidades e visões do futuro. O projeto surge da atual turbulência geopolítica causada pela guerra russa na Ucrânia e segue a multiplicidade de rupturas e ondas que ela gera através do espaço e do tempo. Dois anos após o início da invasão\, que normalidade é possível nas proximidades do conflito\, enquanto testemunhamos a repetição da história? A exposição aponta para histórias não contadas da região que\, até muito recentemente\, foram ofuscadas por discursos de poder. Uma vez contadas\, podem elas reformular narrativas estabelecidas do passado e do presente? A exposição reúne artistas que refletem sobre sistemas de crenças e linguagens que carregam resiliência. \nO título é uma referência ao ensaio de Luba Jurgenson\, Quand nous nous sommes réveillés. Nuit du 24 février 2022 : invasion de l’Ukraine [Quando acordamos. Noite de 24 de fevereiro de 2022: invasão da Ucrânia] (Verdier\, 2023): “Les frontières sont des animaux nocturnes\, elles bougent pendant que nous dormons. Il faudrait toujours veiller” [As fronteiras são animais noturnos\, elas se movem enquanto dormimos. Devemos sempre estar vigilantes]. \n“Les Frontières sont des animaux nocturnes / Sienos yra naktiniai gyvūnai” é um projeto co-organizado pelo Palais de Tokyo em Paris\, KADIST Paris e o Centro de Arte Contemporânea em Vilnius\, por ocasião da Temporada da Lituânia na França. A exposição será apresentada simultaneamente no Palais de Tokyo e no KADIST em Paris no outono de 2024 e será curada por Neringa Bumblienė e Emilie Villez. Uma apresentação no Centro de Arte Contemporânea em Vilnius seguirá em 2025.
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SUMMARY:"Stone Speakers" de Julian Charrière no Palais de Tokyo
DESCRIPTION:Julian Charrière e Felix Deufel\, captura de som no vulcão Litli-Hrútur (Islândia)\, 2023. Cortesia do artista © VG Bild-Kunst (Bonn)\n\n\n\n\n“Stone Speakers” é uma experiência imersiva. Ela convida o público a entrar em uma paisagem vulcânica de esculturas minerais\, onde podem ser ouvidas as conversas primordiais da terra. Utilizando gravações de vulcões feitas na Colômbia\, Etiópia\, Islândia\, Indonésia e Itália\, Julian Charrière nos conecta com as entranhas do planeta\, visto não como um reino inerte\, mas\, ao contrário\, como um lugar vivo e vibrante. Câmaras de magma\, marés e placas tectônicas em movimento se reúnem. O espaço expositivo\, transformado em uma cratera simbólica\, amplifica seus diálogos ruidosos e penetrantes. Ele cria uma câmara de eco arquitetônica que explora nossa relação com outras formas de vida\, utilizando um feed ao vivo de dados de estações de monitoramento sísmico globais que capturam os sons das rochas e das placas tectônicas.
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