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SUMMARY:"La Mode en mouvement" no Palais Galliera
DESCRIPTION:O Palais Galliera apresenta La Mode en mouvement [A Moda em Movimento]\, sua segunda exposição de coleções nas galerias do térreo do jardim. Com cerca de 200 obras\, este percurso cronológico traça\, através das coleções do museu\, uma história da moda desde o século XVIII até os dias atuais e\, ao mesmo tempo\, desenvolve uma temática transversal dedicada ao corpo em movimento. Refletindo os Jogos Olímpicos e Paralímpicos que serão realizados em Paris em 2024\, o Palais Galliera questiona o papel das roupas na prática de atividades físicas e esportivas\, sua relação com o corpo e o movimento\, bem como as consequências sociais de sua evolução. As roupas projetadas ao longo das épocas para atividades físicas e esportivas são comparadas com as roupas do dia a dia. Esse diálogo questiona as noções de especialização das roupas esportivas\, a adaptação das roupas femininas para a prática física no final do século XIX\, a masculinização das roupas femininas e a introdução do sportswear no guarda-roupa cotidiano. Por fim\, a evolução do corpo\, especialmente o corpo esportivo\, e a forma como ele é valorizado pelas roupas são destacadas para melhor compreender como a liberação do corpo através da atividade física contribuiu para a evolução das mentalidades e dos padrões de beleza. Trajes de banho\, roupas de ciclista e amazona\, casacos e acessórios de automobilismo\, conjuntos de corrida e tênis\, por exemplo\, serão apresentados ao lado de silhuetas características de três séculos de história da moda. O museu receberá empréstimos excepcionais do Museu Nacional do Esporte (Nice)\, da Biblioteca Forney (Paris)\, do Patrimônio CHANEL\, da coleção Emile Hermès\, das casas Sonia Rykiel e Yohji Yamamoto. Essas obras convidadas ajudarão a contextualizar as peças do Palais Galliera\, testemunhas de práticas físicas e esportivas\, de lazer ou de competição\, ao longo das épocas.Por razões de conservação preventiva\, esta exposição será organizada em três fases consecutivas\, cada uma exigindo um período de fechamento de cinco semanas. Assim\, as obras serão em grande parte renovadas\, oferecendo aos visitantes a oportunidade de retornar e descobrir as coleções do Palais Galliera.
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LOCATION:Palais Galliera\, 10 Av. Pierre 1er de Serbie\, Paris\, França
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SUMMARY:3 exposições imersivas no Atelier des Lumières
DESCRIPTION:© Culturespaces / C. de la Motte Rouge\n\n\n\nTrês exposições fascinantes convidam os espectadores a viajarem por universos distintos. A primeira\, mergulha na antiguidade egípcia\, revelando as maravilhas dos faraós e seus rituais sagrados ao longo de milênios. A segunda\, transporta para o século XIX\, onde pintores ocidentais como Delacroix\, Gérôme e Ingres exploram os mistérios paisagísticos e as cores exuberantes do Oriente\, criando visões encantadas. Por fim\, adentra-se em um mundo surreal de fractais e paisagens alienígenas\, onde matemática e arte se fundem. \n\n\n\nConfira os horários e adquira seus ingressos clicando em “Informações” abaixo.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/3-exposicoes-imersivas-no-atelier-des-lumieres/
LOCATION:Atelier des Lumières\, 38 Rue Saint-Maur\, Paris\, França
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SUMMARY:Peter Fischli & David Weiss na Bourse de Commerce
DESCRIPTION:Peter Fischli & David Weiss\, Suddendly this Overwiew (Popular Opposites: Funny and Silly I)\, 1981-2012\n\n\n\nA Bourse de Commerce está em movimento para preparar a exposição Le monde comme il va\, que será revelada gradualmente até sua abertura completa em 20 de março. Durante esse período\, você poderá descobrir algumas obras da nova temporada. \n\n\n\nA partir de 14 de fevereiro de 2024\, no primeiro andar do museu\, a dupla de artistas Peter Fischli & David Weiss expõe uma parte de sua extensa instalação Suddenly this Overview (1981-2012)\, que nunca havia sido apresentada pela Coleção Pinault. Em argila\, esta obra moldada à mão cria uma história ao mesmo tempo parcial e tendenciosa da humanidade\, revisitando-a com fragmentos humorísticos. Na entrada da instalação\, o filme The Least Resistance (1981) mostra dois personagens\, um rato e um panda\, passeando por Los Angeles e discutindo as últimas evoluções no mundo da arte. \n\n\n\nA primeira epopeia escultural da dupla suíça\, iniciada em 1981 e cuja data de conclusão coincide com o desaparecimento de David Weiss\, Suddenly this Overview (1981-2012) é composta por cenas modeladas em uma matéria argilosa\, cujos títulos aparecem como tantas piadas para descrever as situações inventariadas. A argila crua\, material geralmente reservado para artesanato amador\, é usada aqui para modelos desviados de seu significado original e\, portanto\, incompreensíveis sem a legenda associada a eles. \n\n\n\nPorta-trecos\, ração para cães\, micropaisagens\, mas também personalidades midiáticas\, culturais e intelectuais: entre materialismo e existência humana\, Fischli e Weiss tentam aqui reunir um repertório na encruzilhada da enciclopédia e da história em quadrinhos sob a forma de vinhetas tridimensionais.
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LOCATION:Bourse de Commerce\, 2 Rue de Viarmes Paris\, Paris\, Paris\, França
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SUMMARY:Descubra 8 artistas que estarão presentes em "Le monde comme il va" na Bourse de Commerce
DESCRIPTION:Vista da exposição “Le monde comme il va”\, Bourse de Commerce – Pinault Collection\, 2024 Sigmar Polke\, Zirkusfiguren (Circus Figures)\, 2005. © Sigmar Polke / ADAGP\, Paris\, 2024. Foto: Florent Michel / Pinault Collection\n\n\n\nA Bourse de Commerce está em movimento para preparar a exposição Le monde comme il va\, que será revelada progressivamente até sua abertura completa em 20 de março. Durante esse período\, você poderá descobrir algumas obras da nova temporada. \n\n\n\nA partir de 14 de fevereiro de 2024 na Galeria 2\, descubra as obras de Liu Wei\, Goshka Macuga\, Sigmar Polke\, Cindy Sherman\, Sun Yuan & Peng Yu\, Pol Taburet e Salman Toor. \n\n\n\nA comédia humana \n\n\n\nLe monde comme il va: será que é entregue aos palhaços equilibristas e animais de circo que povoam as telas de Sigmar Polke? Será que é dirigido pelas figuras políticas envelhecidas de Sun Yuan e Peng Yu? Será que é ritmado pelo baile fantasmagórico de Salman Toor ou assombrado pelos fantasmas de Pol Taburet? Diante do caos de um mundo com orientações paradoxais\, o visitante se encontra aqui em uma feira de incoerências e anomalias.
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SUMMARY:"A Needle Woman" de Kimsooja na Bourse de Commerce
DESCRIPTION:Kimsooja\, A Needle Woman\, 1999-2000\n\n\n\nA Bourse de Commerce está em movimento para preparar a exposição Le monde comme il va\, que será revelada progressivamente até sua abertura completa em 20 de março. Durante este período\, você poderá descobrir algumas obras da nova temporada. \n\n\n\nA partir de 14 de fevereiro\, a performance em vídeo A Needle Woman da artista coreana Kimsooja estará visível no estúdio\, como preâmbulo de sua carta branca To Breathe — Constellation apresentada a partir de 13 de março como parte da exposição Le monde comme il va. \n\n\n\nEnigmática\, A Needle Woman (1999-2000) é uma performance em vídeo de Kimsooja\, preservada na Coleção Pinault. A artista coreana se apresenta nos quatro cantos do mundo (Xangai\, Delhi\, Tóquio e Nova York): ela fica sozinha\, de costas\, imóvel\, como um eixo interagindo e resistindo aos tumultos da vida urbana. Com esta obra apresentada no nível inferior da Bourse de Commerce\, Kimsooja metaforicamente utiliza seu próprio corpo\, como uma presença anônima quase invisível que se inscreve\, pela sua imobilidade e verticalidade\, como uma agulha no tecido do mundo\, e humildemente costura suas falhas e rasgos. Através desta performance\, a artista oferece à multidão um espelho simbólico refletindo tanto a imagem de um mundo envolvido em uma aceleração permanente quanto sua própria identidade diante das dos outros.
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LOCATION:Bourse de Commerce\, 2 Rue de Viarmes Paris\, Paris\, Paris\, França
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SUMMARY:"Hervé Di Rosa: The world-crosser" no Centre Pompidou
DESCRIPTION:Hervé Di Rosa\, Deux épreuves\, 1984 (detalhe)\n\n\n\nInspirado na cultura popular\, especialmente nas tirinhas de quadrinhos\, Hervé Di Rosa fez nome no movimento da Figuração Livre no início dos anos 1980. Ele dedicou-se a um projeto único: compartilhar suas imagens com diferentes ofícios e técnicas pelo mundo (de Sofia a Lisboa\, passando por Gana\, Etiópia\, Vietnã\, México\, Flórida e Andaluzia). Paralelamente à sua arte\, Di Rosa coleciona o que chama de artes modestas\, produções estéticas realizadas fora do âmbito das belas artes. Em 2000\, ele fundou um museu dedicado a essa produção\, o Museu Internacional de Artes Modestas\, em Sète\, sua cidade natal. \n\n\n\nEm torno das obras que entram na coleção\, a exposição Hervé Di Rosa: The world-crosser reúne peças do período da Figuração Livre\, objetos de arte modesta e pinturas recentes para oferecer uma visão geral deste artista que é único em sua espécie.
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LOCATION:Centre Pompidou\, Place Georges-Pompidou\, Paris\, França
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SUMMARY:"Vera Molnár: Speak to the Eye" no Centre Pompidou
DESCRIPTION:Retrato de Vera Molnár\, 1961. (detalhe) Cortesia da Galerie Oniris\, Rennes.\n\n\n\nSuas obras\, fundamentadas em um conhecimento da psicologia das formas e das leis da visão\, projetadas em uma abordagem construtivista por volta de 1947\, tornaram-se interrogações artísticas da perspectiva. Como ciberneticista e cientista da computação\, Molnár estabeleceu o que ela chamou de uma “máquina imaginária” na década de 1960\, antes de se tornar a primeira artista na França (1968) a produzir desenhos digitais usando um computador conectado a um plotter. Até meados dos anos 90\, ela se envolveu na exploração sistemática de famílias de formas\, exibindo suas mutações enquanto geralmente priorizava a iteração e a serialidade. \n\n\n\nA exposição começa com os primeiros desenhos\, “Arbres et collines géométriques” (Árvores e colinas geométricas\, 1946)\, de Vera Molnár\, que\, mesmo antes de se mudar para Paris em 1947\, apresentava uma visão essencializada de paisagens familiares. A década de 1950 é evocada em composições que situam firmemente a artista no movimento de abstração geométrica pós-guerra (Cercles et demi-cercles\, Círculos e semicírculos\, 1953\, Museu de Grenoble; Quatre éléments distribués au hasard\, Quatro elementos distribuídos ao acaso\, 1959). Apresentando pinturas altamente radicalizadas (Icône\, Ícone\, 1964; Neuf carrés rouges\, Nove quadrados vermelhos\, 1966)\, Molnár iniciou sua série de desenhos algorítmicos intitulada À la recherche de Paul Klee (Em busca de Paul Klee)\, antecipando seu uso do computador. \n\n\n\nPara os anos 1970\, várias séries de desenhos feitos desta vez em uma mesa de traçado ilustram seu gosto pela introdução de um certo percentual de desordem em composições geométricas simples (Déambulation entre ordre et chaos\, Passeio entre ordem e caos\, 1975; 160 carrés poussés à bout\, 160 quadrados levados ao limite\, 1976; Des lignes\, pas des carrés\, Linhas\, não quadrados\, 1976; Molnaroglyphes\, Molnaroglyphs\, 1977-1978). \n\n\n\nOs anos 1980 são caracterizados principalmente pelo aparecimento nas obras de Vera Molnár de seus primeiros polípticos (Transformation\, Transformação\, 1983)\, dos quais o Centro Pompidou preserva vários exemplos marcantes (Identiques mais différents\, Iguais mas diferentes\, 2010). Testemunhando a longa associação de Vera Molnár com a obra de Albrecht Dürer\, Les Métamorphoses d’Albrecht\, As Metamorfoses de Albrecht (1994-2017) organiza em quatro imagens a transição progressiva do monograma deste para o seu próprio. \n\n\n\nNão muito longe de seu Carré dévoyé (Quadrado distorcido\, 1999\, Museu de Belas Artes de Rennes) na exposição\, os visitantes também podem descobrir pela primeira vez a Perspectiva d’un trait (Perspectiva em uma linha\, 2014-2019)\, uma escultura original de aço inoxidável e alumínio anodizado cuja percepção é transformada conforme o espectador se move ao redor. \n\n\n\nO trabalho fotográfico de Vera Molnár é evocado por meio de várias séries (Etudes sur sable\, Estudos sobre areia\, 2009; Ombres sur carrelage\, Sombras em azulejos\, 2012; Par temps couvert\, Em tempo nublado\, 2012)\, enquanto os vinte e dois volumes de seu “Diário” são apresentados na íntegra. Repletos de diagramas\, fotografias e diversos documentos colados entre suas páginas\, esses cadernos comuns constituem documentos únicos sobre o desenvolvimento da artista e a origem de muitas de suas obras. \n\n\n\nPor último\, várias instalações in situ (OTTWW\, 1981-2010\, baseado em um poema de Shelley; Trapèzes penchés à droite (180%)\, Trapézio inclinado para a direita (180%) 2009)\, incluindo uma muito recente (La Vie en M\, Vida em M 2023)\, criadas por Vera Molnár especialmente para a ocasião\, manifestam seu desejo de imergir os visitantes em seu universo.
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LOCATION:Centre Pompidou\, Place Georges-Pompidou\, Paris\, França
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SUMMARY:"The MET at The Louvre: Near Eastern Antiques in Dialogue" no Museu do Louvre
DESCRIPTION:Escultor desconhecido. “Cabeça de um líder”. Cortesia do Museu do Louvre.\n\n  \nO Departamento de Antiguidades do Oriente Próximo do Louvre está abrigando dez grandes obras do Metropolitan Museum of Art de Nova York\, cujo Departamento de Arte do Oriente Próximo Antigo está atualmente fechado para reformas. O Louvre e o Met criaram um diálogo único entre essas duas coleções\, que é exibido nas galerias permanentes do Louvre. Essas obras de arte “convidadas especiais” do Met\, datadas entre o final do 4º milênio a.C. e o século 5 d.C.\, mostram algumas conexões notáveis ​​com a coleção do Louvre. Em alguns casos\, um par de objetos foi reunido pela primeira vez\, enquanto em outros\, as peças se complementam em virtude de características históricas específicas de suas respectivas coleções. Representando a Ásia Central\, a Síria\, o Irã e a Mesopotâmia\, esse diálogo entre coleções está (re)apresentando os visitantes a essas extraordinárias e antigas obras de arte e às histórias que elas contam. \n  \n\n  \n\n  \n\n  \n\n 
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LOCATION:Museu do Louvre\, 75001 Paris\, França\, Paris\, França
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SUMMARY:"La Collection: Revoir Picasso" no Musée Picasso Paris
DESCRIPTION:Pablo Picasso\, Trois figures sous un arbre (Three figures under a tree)\, 1907-1908 © Musée Picasso Paris\n\n\n\nO Museu Nacional Picasso-Paris reencontra sua coleção espalhada por três andares a partir de 12 de março; após um ano de celebração e a magnífica exposição dedicada à artista Sophie Calle. Dez anos após a reabertura do museu\, a coleção se instala de forma permanente no magnífico Hotel Salé. \n\n\n\nFruto de uma história extraordinária\, a formação da coleção do Museu Nacional Picasso-Paris foi possibilitada pelo mecanismo de dação – hoje é a maior coleção pública de obras de Picasso\, os “Picassos de Picasso”. Originária dos ateliês do artista\, essa coleção nos permite compreender melhor as explorações estéticas deste Picasso que ora é desconcertante\, plural\, contraditório\, reflexivo\, gestual e conceitual\, esteta e engajado\, inventor e poeta. Ele é simbolista\, cubista\, clássico\, surrealista ou simplesmente figurativo e político? \n\n\n\nUm lugar aberto e vibrante\, o museu aborda questões sociais para questionar\, através da jornada de sua obra\, a recepção dela\, ou seja\, a do pintor mais renomado\, mais observado\, mas também o mais discutido. \n\n\n\nÉ também uma oportunidade para dedicar exposições ou contrapontos aos corações das coleções. O primeiro desta série presta homenagem à artista Françoise Gilot\, que faleceu recentemente. Além de seu famoso livro intitulado “Viver com Picasso”\, publicado em 1965 – a trajetória da artista é evocada desde sua proximidade com o grupo das “Realidades Novas” até as grandes composições totêmicas das “pinturas emblemáticas” dos anos 1980.
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LOCATION:Musée Picasso Paris\, 5 rue de Thorigny\, Paris\, França
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SUMMARY:"Le monde comme il va" na Bourse de Commerce
DESCRIPTION:Vista da exposição Le monde comme il va\, Bourse de Commerce – Pinault Collection\, Paris\, 2024. © Tadao Ando Architect & Associates\, Niney et Marca Architectes\, agência Pierre-Antoine Gatier. Foto: Florent Michel / 11h45 / Pinault Collection.\n\n\n\nExclusivamente composta por obras da Coleção Pinault\, destacando sua extensão\, vitalidade e diversidade\, a exposição Le monde comme il va se desdobra em todos os espaços da Bolsa de Comércio\, a partir de 20 de março de 2024. Reunindo uma ampla seleção de peças principalmente criadas entre os anos 1980 e hoje\, sendo metade delas exposta pela primeira vez pela Pinault Collection\, ela destaca a paixão e o comprometimento de François Pinault com uma arte contemporânea diretamente conectada ao nosso tempo. \n\n\n\nAo emprestar seu título de um conto filosófico de Voltaire\, esta nova exposição da Coleção Pinault revela “a aguda consciência do presente” entre os artistas\, segundo o curador Jean-Marie Gallais. De figuras estabelecidas (Maurizio Cattelan\, Damien Hirst\, Jeff Koons\, Cindy Sherman\, Sturtevant\, Rosemarie Trockel…) a uma geração mais jovem de artistas (Anne Imhof\, Mohammed Sami\, Pol Taburet\, Salman Toor…)\, as escolhas de François Pinault como colecionador sempre refletiram essa paixão por uma arte em sintonia com seu tempo\, seja ela engajada ou simplesmente observadora\, provocativa ou mais sombria. Diante dos excessos e paradoxos do mundo\, assim como dos problemas da época e de um sentimento de perda de referências\, os artistas se tornam profetas\, visionários\, filósofos\, às vezes cínicos e irônicos\, frequentemente poetas e reencantadores. \n\n\n\nAssim como o personagem principal do conto — um observador enviado para tentar compreender a humanidade —\, o visitante é confrontado com uma visão ambivalente\, oscilando entre as fraquezas e as forças de um mundo que parece caminhar para sua queda\, mas que mantém esperanças e graças. Os artistas apresentados em Le monde comme il va produzem imagens poderosas\, por vezes irônicas\, por vezes violentas\, dessa situação paradoxal\, e duas gerações de obras dialogam igualmente na jornada: aquelas criadas no contexto das décadas de 1980-1990 e aquelas criadas a partir dos anos 2000. \n\n\n\nEm conexão com a exposição\, a carta branca dada a Kimsooja na Rotunda do museu\, uma intervenção que é ao mesmo tempo monumental e sensível\, subverte toda a arquitetura da Bolsa de Comércio e\, com ela\, a ordem do mundo através de um enorme espelho circular\, colocado no chão. A invisibilidade do material\, que apenas reflete a realidade circundante\, convida a todos a tomarem consciência de que são atores nesta narrativa em curso que se estende até as vitrines e o nível inferior do museu. \n\n\n\nLe monde comme il va compõe um fluxo de imagens capturadas nos movimentos do mundo passado e presente\, que ressoa com o espírito da Coleção Pinault há mais de cinquenta anos.
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LOCATION:Bourse de Commerce\, 2 Rue de Viarmes Paris\, Paris\, Paris\, França
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SUMMARY:"To Breathe — Constellation" de Kimsooja na Bourse de Commerce
DESCRIPTION:Vista da intervenção de Kimsooja To Breathe — Constellation como parte da exposição Le monde comme il va\, Bourse de Commerce – Pinault Collection\, Paris\, 2024. © Tadao Ando Architect & Associates\, Niney et Marca Architectes\, agence Pierre-Antoine Gatier. Foto: Florent Michel / 11h45 / Pinault Collection.\n\n\n\nComo parte da exposição Le monde comme il va\, a artista sul-coreana Kimsooja apresenta a intervenção To Breathe — Constellation. Sua obra monumental e imaterial na Rotunda da Bolsa de Comércio consiste em um imenso espelho cobrindo o chão\, que inverte toda a arquitetura e\, com ela\, a ordem do mundo\, fazendo com que o céu se abra sob nossos pés no centro do edifício. Além disso\, Kimsooja ocupa as 24 vitrines do Passage e o nível inferior do museu com obras e instalações de vídeo sobre temas como identidade\, fronteira\, memória\, exílio\, deslocamento e tecelagem. \n\n\n\n“Eu quero criar obras que sejam como água e ar\, que não podem ser possuídas\, mas podem ser compartilhadas com todos”\, diz Kimsooja\, cuja obra\, desde o final dos anos 1970\, tem sido uma experiência essencial e universal na cena internacional de arte. Após estudar pintura em Seul\, ela se afasta de qualquer ensino e prática artística convencional para explorar\, através dos gestos da vida cotidiana\, questões de identidade\, compromisso\, memória individual e coletiva e o lugar do indivíduo no mundo. Em sua performance famosa em 1997\, ela atravessa a Coreia por onze dias\, montada em um caminhão cheio de bottaris coloridos\, balaios de tecidos cintilantes que acompanham e marcam a vida dos coreanos – casamento\, nascimento e morte. Como uma artista nômade\, ela usa metaforicamente seu próprio corpo\, como uma presença anônima quase invisível que\, por sua imobilidade e verticalidade\, se inscreve como uma agulha no tecido do mundo. \n\n\n\nO espelho que ela cobre o chão da Rotunda da Bolsa de Comércio desempenha um papel semelhante ao da agulha ou de seu próprio corpo.
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SUMMARY:Jean Hélion no Musée d'Art Moderne de Paris
DESCRIPTION:Jean Hélion\, Figure tombée\, 1939. Foto © Centre Pompidou\, MNAM-CCI\, Dist. RMN-Grand Palais / Georges Meguerditchian © ADAGP. Paris 2024\n\n\n\nO Museu de Arte Moderna de Paris propõe uma exposição retrospectiva da obra de Jean Hélion (1904-1987)\, pintor e intelectual cujo trabalho atravessa o século XX: Jean Hélion é um dos pioneiros da abstração\, introduzindo-a na América nos anos 1930\, antes de evoluir para uma figuração pessoal no início da Segunda Guerra Mundial. \n\n\n\nApós retornar à França após a guerra e ser aclamado nos anos 1960 pela nova geração de pintores da Figuration narrative como Gilles Aillaud ou Eduardo Arroyo\, Jean Hélion teve numerosas exposições em galerias e instituições francesas e internacionais durante sua vida\, incluindo as do MAM em 1977 e 1984-85\, sendo a última retrospectiva apresentada no Centro Pompidou em 2004. Apesar de sua importância e singularidade\, sua obra ainda é pouco conhecida pelo público hoje. \n\n\n\nOrganizada de forma cronológica\, a exposição Jean Hélion\, La prose du monde reúne mais de 150 obras (103 pinturas\, 50 desenhos\, cadernos e uma abundante documentação)\, raramente apresentadas ao público\, provenientes de grandes instituições francesas e internacionais\, bem como de numerosas coleções privadas.
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LOCATION:Musée d’Art Moderne de Paris\, 11 Av. du Président Wilson Paris\, Paris\, Paris\, França
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SUMMARY:"L'Euphorie de la couleur" de Carlos Cruz-Diez na Galleria Continua Paris
DESCRIPTION:Carlos Cruz-Diez – L’Euphorie de la couleur 2024. Vista da exposição GALLERIA CONTINUA\, Paris. Foto: Hafid Lhachmi. © Carlos Cruz-Diez / Bridgeman Images 2024\n\n\n\nA GALLERIA CONTINUA tem o prazer de apresentar em seu espaço parisiense a primeira exposição individual do artista franco-venezuelano Carlos Cruz-Diez. Figura importante da arte contemporânea e pioneiro da arte cinética (1923-2019)\, Cruz-Diez é um mestre indiscutível da cor. Ao longo de sua carreira\, ele experimentou e desenvolveu um grande número de propostas que permaneceram emblemáticas de sua linguagem artística. Em sintonia com as profundas mudanças sociais ao seu redor\, dedicou-se a inventar um novo corpo de trabalho\, explorando técnicas e tecnologias não convencionais que desempenhariam um papel decisivo em sua abordagem. Carlos Cruz-Diez tinha trinta e sete anos quando\, em 1960\, decidiu deixar Caracas e mudar-se para Paris com sua família. Após estudar na Académie des Beaux-Arts e um longo período como ilustrador\, escolheu a vibrante cena cultural de Paris para continuar sua investigação das dinâmicas perceptivo-sensoriais. “L’Euphorie de la couleur” [A Euforia da Cor] apresenta os destaques da carreira artística de Carlos Cruz-Diez\, explorando sua teoria da cor por meio de algumas de suas obras mais emblemáticas.
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LOCATION:Galleria Continua Paris\, 87 rue du Temple\, Paris\, França
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SUMMARY:Bernard Réquichot no Centre Pompidou
DESCRIPTION:Bernard Réquichot\, Episode de la guerre des nerfs\, 1957 © Adagp\, Paris Créditos da foto: Serviço de documentação fotográfica do MNAM – Centre Pompidou\, MNAM-CCI / Dist. RMN-GP\n\n\n\nMarcada pelo “segundo vento do Surrealismo”\, sua produção por volta de 1955 está alinhada com a abstração gestual e textural que ocupava um lugar proeminente na época. Misturando o material com uma faca\, tecendo redes inextricáveis e permitindo que “traços gráficos” invadam a tela\, Réquichot parece levar a pintura aos seus limites absolutos. Suas Relíquias e suas telas suspensas enroladas apresentam expressões exacerbadas disso. \n\n\n\nUltrapassando o âmbito da Arte Informal\, da qual ele é um representante eminente\, Réquichot foi rápido em introduzir colagens em sua pintura. No domínio gráfico\, ele investiu o motivo espiral com uma função quase hipnótica em impressionantes tintas sobre papel sublinhadas por guache branco. Relacionados de perto à escrita ilegível\, que não está desconectada da produção literária do artista\, esses motivos se traduzem em escultura na forma de agregados de anéis de poliestireno. Réquichot era uma figura complexa e atormentada que tirou a própria vida pouco antes de sua segunda exposição individual organizada por seu galerista\, Daniel Cordier.
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LOCATION:Centre Pompidou\, Place Georges-Pompidou\, Paris\, França
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SUMMARY:"Parcours Mode\, Bijoux\, Design" no Musée des Arts Décoratifs
DESCRIPTION:Desfile de alta costura\, primavera-verão 2023. Stéphane Rolland.\n\n\n\nO Museu de Artes Decorativas apresenta pela primeira vez uma seleção de peças de alta costura e prêt-à-porter\, bem como joias e bijuterias\, nas galerias permanentes dedicadas ao design do século XX até os dias atuais. Trinta silhuetas de moda e cem joias de criadores e prestigiosas casas como Cartier\, Van Cleef & Arpels\, Christian Dior\, Lanvin e Balmain dialogam com grandes nomes do design como Ettore Sottsass\, Ron Arad\, Philippe Starck e os irmãos Campana. Essa apresentação revela as novas aquisições dessas três áreas.
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LOCATION:Musée des Arts Décoratifs\, 107 Rue de Rivoli Paris\, Paris\, Paris\, França
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SUMMARY:"En Jeu! Artists and Sport (1870-1930)" no Musée Marmottan Monet
DESCRIPTION:Octave Guillonnet\, Partie de tennis\, 1925 © Museu de Belas Artes de Dijon/François Jay © ADAGP\, Paris\n\n\n\nPara coincidir com os Jogos Olímpicos e Paralímpicos de 2024\, realizados em Paris pela primeira vez em 100 anos\, o Musée Marmottan Monet apresentará a exposição intitulada En Jeu! Artists and Sport (1870-1930) de 4 de abril a 1 de setembro de 2024. A exposição revisitará a história visual do esporte entre 1870 e 1930 por meio de mais de cem obras de arte importantes de coleções públicas e privadas europeias\, americanas e japonesas (Musée National du Sport\, Nice; Musée d’Orsay; Centre Pompidou; Musée Fabre\, Montpellier; National Gallery of Art\, Washington; Yale University Art Gallery\, New Haven; Peggy Guggenheim Collection\, Veneza\, etc.). \n\n\n\nDo Impressionismo ao Cubismo\, a exposição mostrará como o esporte e os esportistas foram transformados em ícones da modernidade e da vanguarda. Ela explorará os desafios éticos e os aspectos estéticos de como os esportes foram percebidos por artistas como Monet\, Degas\, Caillebotte\, Toulouse-Lautrec\, Eakins\, Richer\, Maillol\, Rodin\, Bellows\, Lhote\, Delaunay\, Metzinger e Gromaire\, incluindo esportes elitistas como equitação\, vela e esgrima e esportes antigos como luta livre\, boxe e jogos de bola. Também examinará os significados metafóricos da figura heroica do artista como esportista\, caracterizada pela determinação\, resistência e uma forma de resistência.
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LOCATION:Musée Marmottan Monet\, 2 Rue Louis Boilly\, Paris\, França
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SUMMARY:Ari Marcopoulos no Musée d'Art Moderne de Paris
DESCRIPTION:Ari Marcopoulos\, Brown Bag\, 1994-2020. Paris Musées / Musée d’Art Moderne de Paris.\n\n\n\nO Museu de Arte Moderna de Paris dá total liberdade ao artista Ari Marcopoulos\, fotógrafo e cineasta emblemático da cena underground de Nova York e figura proeminente do mundo do skate. Pela primeira vez no museu\, sua obra Brown Bag é apresentada em uma instalação específica. Além de uma análise especializada e antropológica de seus temas\, Marcopoulos propõe uma nova interpretação de algumas obras das coleções do MAM\, sob a perspectiva das subculturas com as quais ele está tão familiarizado. \n\n\n\nPara além de ser um espaço dedicado à arte moderna e contemporânea\, o Palais de Tokyo – especialmente sua esplanada – é também um local de destaque no cenário mundial do skate. Desde os anos 1990\, o local conhecido como “Dôme” rapidamente se tornou popular entre os skatistas parisienses e internacionais\, devido às suas características arquitetônicas e revestimento. O Museu de Arte Moderna de Paris deseja destacar essa disciplina\, que está cada vez mais presente no dia a dia\, especialmente com a organização dos Jogos Olímpicos de Paris 2024. Após sua estreia como “novo esporte” nos Jogos Olímpicos de Tóquio em 2021\, o skate agora faz parte dos quatro esportes adicionais dos jogos que acontecerão em Paris neste verão. \n\n\n\nPor isso\, o Museu de Arte Moderna decide dar total liberdade ao artista Ari Marcopoulos\, conhecido por seu trabalho com a cultura jovem\, além do skate. Em 2021\, o museu adquire seu filme Brown Bag (1994/2020) – apresentado pela primeira vez – que mostra imagens de skatistas filmados pelo artista em Nova York nos anos 1990. \n\n\n\nEm torno dessa projeção\, o artista propõe uma releitura das coleções do Museu de Arte Moderna através de uma seleção de obras que ele confronta com suas próprias fotografias. Encarnações plásticas dos diferentes pontos de vista que o artista deseja confrontar com as obras do museu\, os retratos de Ari Marcopoulos dialogam com artistas como Hans Bellmer\, Brassaï\, Giorgio de Chirico\, César\, Isa Genzken\, Annette Messager\, Bruce Nauman\, Daniel Turner ou Christopher Wool. O percurso trata assim – através de cerca de quarenta obras – do movimento\, do corpo\, mas também da arquitetura\, temas queridos às culturas urbanas que Ari Marcopoulos tem estudado desde o início de sua carreira.
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SUMMARY:"Présences arabes" no Musée d'Art Moderne de Paris
DESCRIPTION:Hamed Abdalla\, Conscience du Sol (detalhe)\, 1956\n\n\n\nO Museu de Arte Moderna de Paris propõe redescobrir a diversidade das modernidades árabes no século XX e renovar o olhar histórico sobre cenas artísticas ainda pouco conhecidas na Europa. Através de uma seleção de mais de 200 obras\, a maioria nunca antes exposta na França\, a exposição Présences arabes – Art moderne et décolonisation – Paris 1908-1988 (Presenças árabes – Arte moderna e descolonização – Paris 1908-1988) destaca a relação dos artistas árabes com Paris ao longo do século XX. \n\n\n\nA exposição explora uma outra história da Arte moderna\, iluminada por numerosos arquivos sonoros e audiovisuais históricos presentes no percurso. Estruturada de forma cronológica\, inicia-se em 1908\, ano da chegada do poeta e artista libanês Khalil Gibran a Paris e da abertura da Escola de Belas Artes do Cairo. Conclui-se em 1988\, com a primeira exposição dedicada a artistas contemporâneos árabes no Instituto do Mundo Árabe (inaugurado alguns meses antes) em Paris e com a exposição Singuliers : bruts ou naïfs\, com\, entre outros\, a artista marroquina Chaïbia Tallal e o artista tunisiano Jaber Al-Mahjoub\, apresentada no museu infantil do Museu de Arte Moderna de Paris. \n\n\n\nSegundo Silvia Naef\, historiadora de arte e uma das autoras do catálogo da exposição Présences Arabes no MAM: “Como fazer uma arte moderna e árabe? Um verdadeiro projeto estético é estabelecido ao longo do século XX: pensado tanto em ruptura com a arte acadêmica\, ecoando as vanguardas ocidentais\, no contexto de uma identidade nacional própria\, sem voltar\, no entanto\, a uma arte islâmica.” \n\n\n\nA exposição destaca mais de 130 artistas cujas obras constituem uma contribuição essencial para as vanguardas árabes e a história da arte moderna do século XX. \n\n\n\nTambém destaca o papel essencial desempenhado por Paris. Qualificada como “capital do terceiro mundo” pelo historiador Michael Goebel\, a cidade é considerada desde os anos 1920 como um viveiro de redes anticoloniais e o centro das novas modernidades cosmopolitas. \n\n\n\nO percurso da exposição é construído em torno de diferentes trajetórias de artistas que estudaram nas escolas de belas artes de seus países antes de vir estudar e se instalar em Paris para continuar sua formação. Ao longo do século XX\, Paris é o lugar de acesso à modernidade\, da crítica ao colonialismo e o centro de numerosos encontros. O Museu de Arte Moderna teve ele próprio um papel importante no pós-guerra através de suas exposições (Salão das Realidades Novas\, Salão da Jovem Pintura\, Bienal dos Jovens Artistas de Paris…) e das aquisições iniciadas a partir dos anos 1960.
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SUMMARY:“Olympism: Modern Invention\, Ancient Legacy” no Museu do Louvre
DESCRIPTION:Relevo em Gesso: Corrida (Dromos)\, após a Ânfora Panatenaica\, Atribuído ao Pintor de Berlim. © Escola Francesa de Atenas. Cortesia do Louvre.\n\n\n\nEntre os eventos culturais planejados para acompanhar os Jogos Olímpicos e Paralímpicos de 2024 em Paris\, está uma exposição no Louvre sobre a criação dos primeiros Jogos Olímpicos modernos. Os visitantes descobrirão como os Jogos surgiram no final do século XIX: o contexto político da época\, as fontes iconográficas nas quais se basearam e como os organizadores se propuseram a recriar as competições esportivas da Grécia antiga. \n\n\n\nA exposição lança luz sobre as origens da maior e mais assistida competição esportiva do mundo. Este evento internacional foi idealizado por Pierre de Coubertin e diversos luminares franceses e gregos\, aos quais se juntou posteriormente o desenhista suíço Émile Gilliéron (1850-1924). Gilliéron formou-se na École des Beaux-Arts em Paris e era um visitante frequente do Louvre\, onde copiou várias de suas obras-primas. Tendo se estabelecido na Grécia\, ele foi nomeado o artista oficial dos Jogos Olímpicos de 1896 e das Mesoolimpíadas de 1906\, ambos realizados em Atenas\, para os quais desenhou os troféus dos vencedores\, inspirados nas descobertas feitas nos principais sítios arqueológicos da época. Utilizando as mais recentes técnicas de reprodução de seu tempo\, o artista ilustrou materiais de comunicação – em particular selos postais e cartazes – para o recém-formado estado grego. \n\n\n\nGraças a um empréstimo especial da Fundação Stavros Niarchos (SNF)\, o Louvre exibirá a primeira Taça Olímpica\, conhecida como “Taça de Bréal”\, desenhada pelo acadêmico francês Michel Bréal e criada por um ourives francês para o vencedor da primeira maratona – uma corrida inventada para os Jogos Olímpicos modernos. \n\n\n\nComo parte do programa de eventos culturais que acompanham os Jogos Olímpicos e Paralímpicos de 2024\, a exposição mostrará como as disciplinas científicas da filologia\, história\, história da arte e arqueologia se uniram para criar este evento esportivo global.
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LOCATION:Museu do Louvre\, 75001 Paris\, França\, Paris\, França
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SUMMARY:"La Mode en mouvement #2" no Palais Galliera
DESCRIPTION:De 26 de abril de 2024 a 5 de janeiro de 2025\, o Palais Galliera revela “La Mode en mouvement #2”. Com mais de 250 novas obras apresentadas durante esta segunda exibição\, a exposição traça\, através das coleções do museu\, uma história da moda do século XVIII até os dias atuais e desenvolve a temática transversal do corpo em movimento. Um foco especial também é dedicado às roupas de banho\, revelando peças raramente mostradas ao público. \n\n\n\nEnquanto Paris acolhe os Jogos Olímpicos e Paralímpicos no verão de 2024\, “La Mode en mouvement #2” permite compreender o papel do vestuário na prática de atividades físicas e esportivas\, bem como as consequências sociais de sua evolução. \n\n\n\nO vestuário concebido para o esporte (equitacão\, tênis\, golfe\, bicicleta…) é comparado ao vestuário de cidade. Esta segunda apresentação permite ao público perceber a progressiva especialização do vestuário esportivo\, assim como a introdução do sportswear no vestuário cotidiano. \n\n\n\nA seção balneária foca nos banhos de mar e na natação\, símbolos da democratização da prática esportiva desde o final do século XIX. É uma oportunidade de descobrir a importante coleção de trajes de banho\, maiôs\, roupas e acessórios de praia conservados no Palais Galliera. Esta seção destaca a evolução da relação com o corpo através de seu desvelamento na esfera pública\, bem como as noções de pudor e decência. Também revela a transformação dos cânones de beleza\, especialmente através da questão do bronzeamento. \n\n\n\n“La Mode en mouvement #2” beneficia-se de empréstimos excepcionais do Musée National du Sport (Nice)\, da Fundação Azzedine Alaïa\, da Biblioteca Forney (Paris)\, da Biblioteca Histórica da Cidade de Paris\, do Museu Carnavalet – História de Paris\, do Patrimônio da CHANEL\, da coleção Émile Hermès e da casa Yohji Yamamoto. Essas obras permitem colocar em perspectiva as peças do Palais Galliera\, testemunhas de uma prática física e esportiva\, de lazer ou de competição\, ao longo das épocas.
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LOCATION:Palais Galliera\, 10 Av. Pierre 1er de Serbie\, Paris\, França
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SUMMARY:"Andres Serrano. Portraits de l'Amérique" no Musée Maillol
DESCRIPTION:Andres Serrano\, Piss Discus (Immersions)\, 1988\n\n\n\nO Museu Maillol e a agência Tempora apresentam\, a partir de 27 de abril de 2024\, uma exposição de fotografias do artista Andres Serrano para uma melhor compreensão de uma América envolvida em uma batalha eleitoral crucial para seu futuro. \n\n\n\nMais do que um fotógrafo\, Andres Serrano pode ser considerado um “artista com uma câmera”\, como ele mesmo se define. Através de suas fotografias cuidadosamente encenadas\, ele revela uma realidade frequentemente perturbadora da América. Religião\, morte\, sexo\, política\, pobreza ou violência permeiam a obra do artista americano. São facetas de uma América tanto monumental em seu triunfalismo quanto frágil em suas contradições. \n\n\n\nMestre do retrato\, Serrano exalta o indivíduo contemporâneo baseando-se na cultura clássica\, especialmente na pintura antiga\, servindo-se de um sagrado agora mesclado com a cultura pop. O olhar do fotógrafo tem a eficácia de uma arma apontada para uma sociedade esquizofrênica da qual Donald Trump se tornou tanto o sintoma quanto o emblema\, ocupando um lugar obsessivo no propósito da exposição do Museu Maillol. \n\n\n\nProvocador para alguns\, observador objetivo do mundo para outros\, Andres Serrano enfatiza os tabus que uma América puritana deseja esconder. Algumas de suas fotografias\, capazes de chocar e por vezes vandalizadas em exposições anteriores\, serão apresentadas em um espaço dedicado. No total\, o visitante descobrirá 89 obras emblemáticas dos diferentes temas abordados pelo artista.
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LOCATION:Musée Maillol\, 59-61 Rue de Grenelle\, Paris\, França
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SUMMARY:"Matisse: The Red Studio" na Fondation Louis Vuitton
DESCRIPTION:Matisse\, The Red Studio (detalhe)\, 1911\n\n\n\nA Fondation Louis Vuitton\, em colaboração com o Museum of Modern Art (MoMA)\, de Nova York\, e o SMK – Statens Museum for Kunst\, de Copenhague (Galeria Nacional da Dinamarca) – está sediando a exposição Matisse: The Red Studio\, focando na gênese e na história desta famosa obra-prima de 1911\, um dos trabalhos icônicos do MoMA desde sua aquisição em 1949. A grande tela retrata o estúdio do artista repleto de suas pinturas e esculturas\, móveis e objetos decorativos. Esta exposição reúne as obras mostradas no The Red Studio pela primeira vez desde que deixaram o estúdio de Matisse em Issy-les-Moulineaux. A apresentação também inclui material de arquivo e pinturas e desenhos relacionados. \n\n\n\nO cerne da exposição apresenta The Red Studio juntamente com as seis pinturas sobreviventes\, três esculturas e uma cerâmica nele retratadas. Criados entre 1898 e 1911\, esses objetos vão desde pinturas familiares\, como o Young Sailor (II) (1906) – que será exibido na França pela primeira vez em 31 anos – até obras menos conhecidas\, como Corsica\, The Old Mill (1898)\, e objetos cujas localizações foram descobertas recentemente. \n\n\n\nTrês dessas pinturas – Bathers (1907)\, Le Luxe (II) (1907-08) e Nude with a White Scarf (1909) – pertencem ao SMK como parte de uma coleção significativa de obras de Matisse\, enquanto o prato de cerâmica do artista em 1907\, retratado no primeiro plano\, vem da coleção do MoMA. \n\n\n\nA exposição também inclui uma série de pinturas e desenhos intimamente relacionados ao The Red Studio\, como The Blue Window do MoMA (1913) e o Large Red Interior do MNAM/Centro Pompidou (1948)\, que nos ajudam a narrar o complexo percurso da pintura do estúdio de Matisse até sua eventual aquisição pelo MoMA. Uma rica seleção de materiais de arquivo\, como cartas e fotografias – muitos publicados ou exibidos pela primeira vez em conexão com este projeto – revelam novas informações sobre o tema\, evolução e recepção da pintura. A exposição também inclui um vídeo dedicado à ciência da conservação\, que apresenta descobertas recentes sobre o processo de criação da pintura.
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LOCATION:Fondation Louis Vuitton\, 8\, Avenue du Mahatma Gandhi Bois de Boulogne\, Paris\, França
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SUMMARY:"The Body in Motion" no Petit Palais
DESCRIPTION:Augustin Rouart\, Le Nageur\, 1943\n\n\n\nPor ocasião dos Jogos Olímpicos e Paralímpicos de Paris 2024\, o Petit Palais apresenta “The Body in Motion” a partir de 15 de maio de 2024. Esta exposição conecta arte e esporte dentro de suas coleções. \n\n\n\nA exposição\, com uma cenografia que reflete as cores dos Jogos Olímpicos\, apresenta cinquenta obras das coleções do Petit Palais\, que vão da antiguidade ao início do século XX\, algumas das quais foram especialmente retiradas das reservas. Essas pinturas\, esculturas e objetos de arte\, bem como desenhos e gravuras do museu\, foram escolhidos pela maneira como destacam o corpo\, a anatomia e o esporte. A exposição está dividida em oito seções. \n\n\n\nEla começa na Galerie des Antiques\, levando os visitantes de volta no tempo às origens dos Jogos Olímpicos com evocações visuais de um evento de arremesso de disco ou dardo em vasos e ânforas datados do século V a.C. A coleção de ícones próxima destaca a representação do “corpo heroico” através da figura de São Jorge matando o dragão\, personificando a noção de busca e de superação. \n\n\n\nA seção intitulada “The Drawn Body” relembra a importância dos modelos humanos na arte ocidental e apresenta estudos de nus masculinos de Dürer e Rembrandt. A exposição continua com um interlúdio de dança focado em “corpos suspensos”. Incorporando o dinamismo visível em toda a exposição\, a seção chamada “Sculpting the Body” lança luz sobre essa busca pela vitalidade por escultores que procuram capturar o movimento. Mais adiante\, na seção intitulada “Montar!”\, o tema da emancipação das mulheres através do esporte é explorado com pinturas de Jacques-Émile Blanche e Léon Comerre. “The Body at Play”\, por outro lado\, apresenta jogos infantis como peteca e bilhar em tapeçarias do século XVIII\, os respectivos ancestrais do badminton e do mikado de hoje. A seção final da exposição\, intitulada “Sport in Vogue”\, examina o início do século XX\, que marcou a chegada dos Jogos Olímpicos modernos\, transportando os visitantes para uma nova era que leva até os dias atuais. \n\n\n\nA exposição é complementada por vídeos intitulados “In the Words of Athletes”\, apresentando os esportistas apoiados pelas empresas do Groupe BPCE\, parceiro premium dos Jogos Olímpicos e Paralímpicos de Paris 2024 e principal patrocinador ou mecenas do Petit Palais. Cada atleta escolheu uma obra que ressoa particularmente com seu esporte e prática específica\, sua vida pessoal e os desafios físicos que enfrentaram\, juntamente com a arte do gesto perfeitamente executado\, e as ambições ou objetivos que estabeleceram para si mesmos. Esses vídeos emocionantes lançam luz sobre o vínculo que existe entre arte e esporte\, com os atletas participantes se tornando\, em suas próprias palavras\, “artletas”.
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LOCATION:Petit Palais\, Av. Winston Churchill\, 75008\, Paris\, França
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SUMMARY:Éric Dubuc no Musée d'Art Moderne de Paris
DESCRIPTION:Éric Dubuc\, Autoportrait de profil (detalhe)\, 1986 © Museu de Arte Moderna de Paris\, doação da família do artista em 2022. Fotografia: Cécile Dubuc\n\n\n\n\nNascido em Paris em 1961\, em uma família franco-alemã\, Éric Dubuc produziu seus primeiros desenhos durante seus estudos na escola Steiner-Waldorf. Aos 18 anos\, passou um ano na École Nationale des Beaux-Arts antes de continuar sua formação por meio de viagens longínquas e solitárias pela Ásia e África. Durante uma dessas viagens à República Democrática do Congo\, ele contraiu malária e foi hospitalizado no hospital Claude Bernard\, de onde saiu muito debilitado física e psicologicamente. Em 1985\, expôs no Salon de la Jeune Peinture em Paris\, onde seu trabalho alcançou um primeiro sucesso. Sua obra\, tão precoce quanto profundamente pessimista e distante\, foi interrompida por seu suicídio\, aos 25 anos. \nO olhar de Éric Dubuc se lança sobre o mundo como um bisturi. Seja ao retratar a violência cotidiana das ruas ou o realismo miserável dos interiores\, sua arte alcança uma forma de crueldade\, até o ponto da ruptura. A frieza impiedosa da vida urbana é representada em cenas de bares desiludidos\, onde personagens solitários se aproximam sem realmente se encontrar\, ou em vagões de metrô\, onde reinam a indiferença e o anonimato. Sua obra também é composta por autorretratos angulosos\, marcados pela melancolia\, e por numerosas janelas\, sempre fechadas\, através das quais se vislumbra um mundo próximo e\, no entanto\, inalcançável. \nAlém da precisão com que representa os cenários\, suas obras frequentemente revelam uma grande atenção aos rostos\, desenhados com uma linha sinuosa capaz de traduzir a “fisionomia do psiquismo”\, resultado de suas aulas de anatomia. A mesma veia expressionista se manifesta em seu interesse pela degradação dos corpos envelhecidos\, sempre representados de maneira seca e precisa\, recusando qualquer forma de pathos. Graças a uma doação da família do artista em 2022\, dez obras de Éric Dubuc entraram para as coleções do museu. Esta apresentação é complementada por obras do Museu Carnavalet – História de Paris e do Centro Nacional de Artes Plásticas\, além de um certo número de empréstimos da família. \nComissária: Julia Garimorth\, conservadora-chefe no Museu de Arte Moderna de Paris.
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LOCATION:Musée d’Art Moderne de Paris\, 11 Av. du Président Wilson Paris\, Paris\, Paris\, França
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SUMMARY:Daniel Pommereulle no Musée d'Art Moderne de Paris
DESCRIPTION:Daniel Pommereulle\, Objet de prémonition (detalhe)\, 1974-1975. Museu de Arte Moderna de Paris\, aquisição em 2022 © ADAGP 2024. Fotografia: Rurik Dmitrienko.\n\n\n\n\nPor ocasião da entrada de obras de Daniel Pommereulle na coleção\, o Museu de Arte Moderna de Paris presta homenagem a essa figura singular da cena artística francesa. Pintor\, escultor\, cineasta\, performer e poeta\, Pommereulle atravessou a segunda metade do século XX impulsionado por compromissos radicais\, criando formas que testam nossa vulnerabilidade por meio da experiência da violência e do infinito. \nMobilizado durante a guerra da Argélia em 1957\, Pommereulle foi profundamente marcado por essa experiência traumática\, que permeia suas criações. No início de sua carreira\, ele também foi influenciado pelo onirismo de Odilon Redon\, dos surrealistas e de Henri Michaux\, com quem compartilhava o interesse por drogas alucinógenas. Em 1966\, identificado como um “objetor” pelo crítico Alain Jouffroy\, que aplicou o termo aos artistas que reivindicavam o legado de Marcel Duchamp e a revolta política\, ele expôs Pêcher en fleur no Salon de Mai\, no Museu de Arte Moderna de Paris. Em sua obra\, Pommereulle desenvolve uma estética da violência e da crueldade\, criando objetos ameaçadores e dispositivos de tortura (como Toboggan\, 1974)\, que confrontam diretamente os visitantes. \nConhecido também como ator por suas aparições nos filmes da Nouvelle Vague\, o artista apresentou\, em La Collectionneuse de Éric Rohmer (1967)\, seu primeiro Objet Hors Saisie\, que ele continuaria a desenvolver com a série Objets de prémonition (1975): potes de tinta derramados e esculturas de chumbo\, armados com lâminas de facas e objetos cortantes. Nos anos 1980\, Pommereulle passou um tempo na Coreia e no Japão\, marcando uma virada em seu trabalho. Sua prática gráfica e escultórica\, através do uso de vidro\, pedra e aço\, passou a buscar canalizar energias cósmicas. Até sua morte\, segundo Armance Léger\, “a transparência\, o ar e o vazio se tornaram os novos termos de sua exploração.” \nComissária: Fanny Schulmann\, conservadora-chefe no Museu de Arte Moderna de Paris.
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LOCATION:Musée d’Art Moderne de Paris\, 11 Av. du Président Wilson Paris\, Paris\, Paris\, França
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SUMMARY:"Comics\, 1964-2024" no Centre Pompidou
DESCRIPTION:Moebius\, Starwatcher\, 1986. © Moebius Production\n\n\n\nMarcada pelo “segundo vento do Surrealismo”\, sua produção por volta de 1955 está alinhada com a abstração gestual e textural que ocupava um lugar proeminente na época. Misturando o material com uma faca\, tecendo redes inextricáveis e permitindo que “traços gráficos” invadam a tela\, Réquichot parece levar a pintura aos seus limites absolutos. Suas Relíquias e suas telas suspensas enroladas apresentam expressões exacerbadas disso. \n\n\n\nUltrapassando o âmbito da Arte Informal\, da qual ele é um representante eminente\, Réquichot foi rápido em introduzir colagens em sua pintura. No domínio gráfico\, ele investiu o motivo espiral com uma função quase hipnótica em impressionantes tintas sobre papel sublinhadas por guache branco. Relacionados de perto à escrita ilegível\, que não está desconectada da produção literária do artista\, esses motivos se traduzem em escultura na forma de agregados de anéis de poliestireno. Réquichot era uma figura complexa e atormentada que tirou a própria vida pouco antes de sua segunda exposição individual organizada por seu galerista\, Daniel Cordier.
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LOCATION:Centre Pompidou\, Place Georges-Pompidou\, Paris\, França
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SUMMARY:"Ectopia" de Ilana Savdie na White Cube
DESCRIPTION:Ilana Savdie\, Muecas\, 2024\n\n\n\nMarcando a primeira exposição individual da artista na França\, “Ectopia” apresenta novas pinturas e trabalhos em papel que desenvolvem a exploração da performance e teatralidade pela artista como respostas às estruturas de poder. Nesta exposição\, a artista foca no conceito de espetáculo e na figura do herói que emerge dele. Através de suas obras em acrílico\, óleo e cera de abelha\, Savdie busca interseções entre o mundo biológico e o folclórico para abordar modos de adaptação e sobrevivência\, enquanto desafia binários codificados como predador/presa\, prazer/disgusto e verdade/artefato.
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LOCATION:White Cube Paris\, 10 Avenue Matignon\, Paris\, França
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SUMMARY:"Syndicat des Olympiades" de Jonathas de Andrade na La Galerie\, centro de arte contemporânea de Noisy-le-Sec
DESCRIPTION:Vista da instalação. Cortesia do artista\, galeria Nara Roesler e Galleria Continua. Produção La Galerie\, centro de arte contemporânea de Noisy-le-Sec. Foto © Salim Santa Lucia\n\n\n\n\nNo contexto de La Métropolitaine\, encontro internacional de arte contemporânea da Metrópole do Grande Paris\, em colaboração com TRAM\, rede de arte contemporânea Paris / Île-de-France. \nA convite da La Galerie\, centro de arte contemporânea de interesse nacional de Noisy-le-Sec\, o artista brasileiro Jonathas de Andrade (nascido em 1982\, vive e trabalha em Recife) apresenta « O Sindicato das Olimpíadas »\, um projeto inclusivo e participativo realizado com associações de Noisy-le-Sec. Jonathas de Andrade utiliza fotografia\, vídeo e performance para questionar o impacto arquitetônico\, social e cultural dos Jogos Olímpicos\, considerando toda a diversidade dos paisagens e das pessoas que habitam e constituem esse território diariamente. \nDurante o período da exposição\, o edifício da La Galerie se torna a sede desse sindicato extraordinário\, acolhendo um conjunto de obras (retratos fotográficos\, filmes\, maquetes arquitetônicas\, objetos…) produzidas para a ocasião\, que tornam visíveis e valorizam os habitantes da periferia\, assim como os entusiastas do esporte de origens sociais variadas e idades diversificadas.
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LOCATION:La Galerie\, centre d’art contemporain de Noisy-le-Sec\, 1 Rue Jean Jaurès\, Paris\, França
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SUMMARY:"with\, and\, of\, on Sculpture" de Nicole Eisenman na Hauser & Wirth Paris
DESCRIPTION:Nicole Eisenman\, The Artist at Work\, 2023 © Nicole Eisenman. Foto: Sarah Muehlbauer\n\n\n\n\nEm exibição na galeria de Paris\, a mostra with\, and\, of\, on Sculpture de Nicole Eisenman explora a abordagem multifacetada da artista em relação ao meio escultórico. Embora Eisenman mantenha estúdios distintos para pintura e escultura\, as duas práticas estão profundamente conectadas para ela. (A distinção entre esses espaços pode ser descrita como “bagunçado” e “menos bagunçado.”) Essa inter-relação é mais evidente através dos desenhos da artista\, sobre os quais ela afirmou: “Uma linha é escultural\, do jeito que flutua no espaço sobre uma página em branco. Você está olhando para a representação de uma dimensão\, e ela pode ser percebida como bidimensional ou tridimensional.” \nEntre algumas obras da exposição\, o vínculo é explícito: no andar térreo\, estão instaladas duas figuras da monumental instalação escultórica de Eisenman\, Procession (2019)\, que estreou na Bienal de Whitney de 2019\, enquanto no primeiro andar há um grande desenho preparatório para essa instalação. As obras\, no entanto\, se separam de sua relação direta. No andar de baixo\, a escultura heurística no estilo “Junk Lady” na parte de trás de Perpetual Motion Machine (2019) é o resultado direto tanto do ambiente do estúdio quanto das preocupações técnicas da peça. No andar de cima\, o “G*d-cat” em Drawing for Procession (2024) desvia-se da função prática da obra e a define como algo completo e separado. \nEm outras obras\, a conexão é estabelecida pelo processo. As obras da série Shape Driven Heads são criadas por meio do ato físico da pintura\, onde as relações formais se constroem mutuamente\, com a ação determinando a reação. O trabalho escultórico de Eisenman frequentemente segue essa abordagem também. Em Head with Slab and Foot (2024)\, por exemplo\, a figura é composta tanto de material encontrado no estúdio quanto de elementos esculpidos em resposta a eles. Essa peça leva a exploração da troca dimensional um passo adiante ao incorporar uma laje de gesso com uma placa de intaglio impressa\, fundindo corporalmente uma imagem bidimensional\, criada em resposta a uma estrutura tridimensional\, com um cartucho volumétrico. \nNo centro da exposição está Archangel (The Visitors) (2024)\, uma grande pintura em camadas que retrata a abertura imaginária de uma exposição de esculturas. Nessa obra\, Eisenman pinta esculturas fictícias e\, como o século 20 apreciaria ver\, corpos em relação física com formas no espaço. Uma escultura\, não imaginada\, faz referência a Prussian Archangel (1920) de John Heartfield e Rudolf Schlichter\, uma figura militar com cabeça de porco exibida pela primeira vez na Primeira Feira Internacional Dada em Berlim em 1920. Eisenman “instala” a peça no topo da pintura\, pairando ameaçadoramente sobre a cena. The Visitors no título da obra faz referência ao single homônimo de 1981 do ABBA sobre a perseguição de dissidentes políticos. Também pode se referir às figuras circulando pela galeria\, às três figuras ameaçadoras ao fundo da sala ou ao Arcanjo\, que evoca a narrativa histórica da arte sobre visitas sobrenaturais. \nA ampla variedade de mídias nesta exposição talvez demonstre com mais clareza e coletividade a notável habilidade de Eisenman para a síntese. Ao transitar entre materiais e formas\, as conversas iniciadas em uma mídia continuam e se transformam em outra. Fiel ao seu processo artístico\, as distinções entre formas são mais externas do que internas\, derivadas da praticidade da linguagem. Situada entre “pintora” e “escultora”\, Eisenman talvez seja melhor descrita simplesmente como “artista.”
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LOCATION:Hauser & Wirth Paris\, 26 bis Rue François 1er\, Paris\, França
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SUMMARY:"...vivem no compasso do sol" de Sonia Gomes na Mendes Wood DM
DESCRIPTION:Imagem: Divulgação Mendes Wood DM\n\n\n\nUm novo mundo se abre quando se entra na obra de Sonia Gomes\, uma obra que contém todos os avatares possíveis da matéria têxtil: dos fios às cordas sólidas\, às vezes substituídas por cabos\, até os restos de bordados\, de sedas estampadas ou mesmo de batiks e outros tecidos\, entrelaçados uns aos outros para formar superfícies\, estruturas\, massas de fibras frisadas\, ou pequenos monstros com antenas que não deixam nada a dever ao antropomorfismo (Trouxa). A atmosfera é orgânica pelas texturas e pelo volume\, pois os envelopes de tecidos são acolchoados e costurados\, remendados ou rapaillés\, como escrevia o poeta do Quebec Gaston Miron\, em 1970\, para fazer soar a linguagem popular que buscava um termo para dizer: “reunir objetos espalhados”. Sonia Gomes remenda os tecidos que lhe dão; ela os agencia e lhes dá nova vida e sentido através da espessura e da textura revalorizada ou do elemento gráfico revisitado. Eles formam\, algumas vezes\, magmas fibrosos que evocam o musgo espanhol que pende das árvores das regiões tropicais americanas (Pendente). Mas é sob um ângulo metafórico\, pois aqui o material afirma o trabalho humano com orgulho\, o trabalho da arte. A torção das massas\, o estiramento dos tecidos ou a costura em relevo\, produzidos pelas mãos da artista\, imprime à obra uma profundidade; uma profundidade rugosa e significante. \n\n\n\nA mão onipresente de Sonia Gomes é poderosa nessas configurações de fibras coloridas até a orgia. A intenção nunca é excluída da forma. A experiência estética vem da tensão exercida sobre o enchimento\, contido tanto por amarrações como por velaturas de tecidos ornamentados. Esses meandros de linhas sofisticadas –  originais e em maior número do que aqueles pintados ou desenhados pela artista – são de certo modo citados na obra de Sonia Gomes\, que se apropria do bordado\, da renda\, das estampas\, como símbolos das mãos que costuram\, das pequenas confecções convocadas e homenageadas por uma artista que se associa ao mundo\, um mundo de mulheres que fazem. \n\n\n\nNa obra de Sonia Gomes\, a citação não é apenas o gesto artístico pós-moderno – ao qual ele se afilia claramente mas de forma indireta -\, trata-se\, sobretudo\, do gesto artístico negro por excelência\, o da reparação do mundo pela recuperação e pela remodelagem. O foco da atenção é dirigido ao que é – a primeira vida do tecido – e ao que é possível ser\, pela ressignificação utópica de um pedaço de pano\, de um guardanapo\, de uma sobra de cortina ou ainda de um tecido de juta. A fibra tem muitas vidas potenciais que a artista gosta de amassar\, encher\, entrelaçar criando inúmeras proposições para transformar e compartilhar o que já está\, ao invés de constranger excessivamente a terra e a arte. Material e manual\, feminina e negra\, a arte de Sonia Gomes se afasta da tradicional colcha africana-americana\, que já remendava\, para se abrir ao modelo do mundo vivo\, das formas de vida\, no que eu acredito ser: a emulação da atividade do bicho da seda. \n\n\n\nPois é esse horizonte animal e ao mesmo tempo vegetal\, que emerge da obra de Sonia Gomes quando ela se obstina em criar esses festins contidos\, que se revelam em seu desejo de se transformarem em borboletas (os desenhos das asas já estāo presentes\, potencialmente\, nas estampas ou no bordado) mas as ligaduras da compressão não permitem o voo e o desabrochar do inseto. O casulo de fibras é amarrado e essa potencialidade\, de formas redondas\, curvas mas entrevadas\, é uma maneira refinada e ao mesmo tempo violenta\, de dar forma à intensidade de uma vida que permaneceu em estado fetal\, em estado possível. Deste modo\, como enuncia Sonia Gomes\, seu amarelo é realmente o seu ouro (Meu amarelo é ouro)\, ela que prefere a modéstia do fragmento ao brilho do tecido desdobrado em sua totalidade. Com a artista\, esses fragmentos se tornam obras de arte\, que nos remetem ao seu mundo intenso\, inextricável\, da densidade e do jugo. \n\n\n\n—    Anne Lafont 
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