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SUMMARY:"La Mode en mouvement" no Palais Galliera
DESCRIPTION:O Palais Galliera apresenta La Mode en mouvement [A Moda em Movimento]\, sua segunda exposição de coleções nas galerias do térreo do jardim. Com cerca de 200 obras\, este percurso cronológico traça\, através das coleções do museu\, uma história da moda desde o século XVIII até os dias atuais e\, ao mesmo tempo\, desenvolve uma temática transversal dedicada ao corpo em movimento. Refletindo os Jogos Olímpicos e Paralímpicos que serão realizados em Paris em 2024\, o Palais Galliera questiona o papel das roupas na prática de atividades físicas e esportivas\, sua relação com o corpo e o movimento\, bem como as consequências sociais de sua evolução. As roupas projetadas ao longo das épocas para atividades físicas e esportivas são comparadas com as roupas do dia a dia. Esse diálogo questiona as noções de especialização das roupas esportivas\, a adaptação das roupas femininas para a prática física no final do século XIX\, a masculinização das roupas femininas e a introdução do sportswear no guarda-roupa cotidiano. Por fim\, a evolução do corpo\, especialmente o corpo esportivo\, e a forma como ele é valorizado pelas roupas são destacadas para melhor compreender como a liberação do corpo através da atividade física contribuiu para a evolução das mentalidades e dos padrões de beleza. Trajes de banho\, roupas de ciclista e amazona\, casacos e acessórios de automobilismo\, conjuntos de corrida e tênis\, por exemplo\, serão apresentados ao lado de silhuetas características de três séculos de história da moda. O museu receberá empréstimos excepcionais do Museu Nacional do Esporte (Nice)\, da Biblioteca Forney (Paris)\, do Patrimônio CHANEL\, da coleção Emile Hermès\, das casas Sonia Rykiel e Yohji Yamamoto. Essas obras convidadas ajudarão a contextualizar as peças do Palais Galliera\, testemunhas de práticas físicas e esportivas\, de lazer ou de competição\, ao longo das épocas.Por razões de conservação preventiva\, esta exposição será organizada em três fases consecutivas\, cada uma exigindo um período de fechamento de cinco semanas. Assim\, as obras serão em grande parte renovadas\, oferecendo aos visitantes a oportunidade de retornar e descobrir as coleções do Palais Galliera.
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LOCATION:Palais Galliera\, 10 Av. Pierre 1er de Serbie\, Paris\, França
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SUMMARY:Temporada de exposições na Galleria Continua Paris
DESCRIPTION:A exposição Seeds from my garden flying to other countries\, de Loris Cecchini\, é construída em torno da ideia de que o espírito da natureza pode ser traduzido por meio de diferentes poéticas\, linguagens e processos técnicos. Reúne peças modulares inéditas\, estritamente ligadas ao espaço\, com elementos únicos que compõem vários motivos ligados à ideia de contaminação natural e dinâmica vetorial. O artista toma conta de todo o local usando o potencial de crescimento modular infinito de suas obras\, que lhe permitem dançar no espaço\, improvisando formas e estruturas como sementes plantadas no coração de um jardim estranho. \n\n\n\nJá a mostra Le début\, do pintor\, escultor e artista visual argentino Julio Le Parc\, reúne uma seleção de mais de 50 obras em tela ou em três dimensões. A exposição inclui guaches sobre papel de várias séries produzidas no início dos anos 1970\, representativas da linguagem artística singular do artista pioneiro da arte cinética e da Op Art\, bem como projetos preparatórios emoldurados\, colagens em papelão e um móbile de grande escala\, precursor da instalação monumental mais importante do artista\, no Tabakalera\, um centro internacional de arte em San Sebastián (Espanha). \n\n\n\nPor outro lado\, a exposição de Michelangelo Pistoletto tem suas origens no Segno Arte (Sinal de Arte)\, um elemento caracterizado pela intersecção de dois triângulos que emolduram um corpo humano com os braços erguidos e as pernas abertas\, à maneira do famoso Homem Vitruviano de Leonardo da Vinci\, e que também dá título à mostra. Este símbolo pessoal do artista\, que deliberadamente difere de símbolos religiosos\, políticos ou publicitários\, fornece a chave para entrar em um espaço íntimo e compartilhado\, um lugar propício à interação social\, através da porta da arte. \n\n\n\nEm Without Distinction\, a mostra é dedicada aos métodos usados ​​pelos arquitetos da MBL como parte dos grandes trabalhos de renovação realizados para dar nova vida aos espaços únicos da galeria na França. A exposição apresenta sete peças documentais que recriam os lugares e suas histórias\, e destacam uma forma de fazer arquitetura\, através da abordagem proposta pelos arquitetos da MBL. \n\n\n\nA Galleria Continua também apresenta The Ability to Dream\, uma exposição coletiva em três capítulos em seus espaços franceses em Paris e Les Moulins\, e no Centro Interculturel Leila Alaoui (CILA) em Fontvieille\, Provença\, marcando a exposição inaugural deste novo centro de arte. Esta nova trilogia segue-se à exposição homônima apresentada na Galleria Continua / San Gimignano em 2022. The Ability to Dream é também o título de um documentário produzido e dirigido pela Sky Arte e TIWI\, que traça a história de 30 anos da galeria\, através das vozes e memórias de alguns dos protagonistas desta incrível aventura.
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LOCATION:Galleria Continua Paris\, 87 rue du Temple\, Paris\, França
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SUMMARY:"La collection. Œuvres choisies" no Musée Picasso Paris
DESCRIPTION:Pablo Picasso\, Les Baigneuses\, 1918 (detalhe) © RMN-Grand Palais (Musée national Picasso-Paris) © Succession Picasso 2023\n\n\n\nPré-figurando a instalação permanente da coleção\, que ocupará três andares do Hôtel Salé a partir de março de 2024\, a exposição La collection. Œuvres choisies está no centro do projeto da nova governança do museu. A partir de 29 de agosto\, ela apresentará uma seleção de obras-primas\, reunindo pinturas\, esculturas\, desenhos e cerâmicas entre as mais emblemáticas da coleção. \n\n\n\nCinquenta anos atrás\, em 8 de abril de 1973\, Pablo Picasso faleceu aos 91 anos\, deixando para trás milhares de obras. \n\n\n\nApós o imenso trabalho de inventário que se seguiu à sua morte e que durou vários anos\, mais de 3.700 obras diretamente dos ateliês do artista entraram nas coleções nacionais\, constituindo o coração do Museu Nacional Picasso-Paris. \n\n\n\nDesde sua inauguração em 1985\, a coleção não cessou de se enriquecer para permitir que o público veja e compreenda a obra de um dos maiores artistas do século XX. Através de mais de setenta obras emblemáticas do Museu Nacional Picasso-Paris\, este percurso pelas coleções revela a diversidade de técnicas e estilos experimentados por Pablo Picasso ao longo de uma vida prolífica e perpetuamente inventiva. Dos primórdios do cubismo aos anos 1960\, a exposição destaca uma série de momentos decisivos e temas transversais em sua obra.
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LOCATION:Musée Picasso Paris\, 5 rue de Thorigny\, Paris\, França
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SUMMARY:"Corps à corps Histoire(s) de la photographie" no Centre Pompidou
DESCRIPTION:Reunindo mais de 500 fotografias e documentos de cerca de 120 fotógrafos históricos e contemporâneos\, Corps à corps oferece uma visão única das representações fotográficas da raça humana nos séculos XX e XXI. A exposição vai além das categorias tradicionais de estudo\, como “retrato”\, “autorretrato”\, “nu” e a chamada fotografia “humanista”. Ela revela as particularidades e as formas “fotográficas” de ver\, mostrando as conexões entre os artistas. Também traz à tona obsessões comuns na abordagem do sujeito e nas abordagens estilísticas. As imagens em exposição também questionam a responsabilidade do fotógrafo: como a fotografia contribui para o surgimento de identidades e sua visibilidade? Como ela relata individualidades e a relação com o Outro? A exposição é um encontro entre duas coleções excepcionais: a coleção pública do Musée National d’Art Moderne\, Centre Pompidou\, e a coleção privada do colecionador e cineasta Marin Karmitz.
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LOCATION:Centre Pompidou\, Place Georges-Pompidou\, Paris\, França
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SUMMARY:"Gertrude Stein and Pablo Picasso: The Invention of Language" no Musée du Luxembourg
DESCRIPTION:Para marcar o 50º aniversário da morte de Picasso\, o Musée du Luxembourg está organizando uma grande exposição sobre a história de uma amizade extraordinária entre dois ícones do século XX\, Pablo Picasso e Gertrude Stein. \n\n\n\nGertrude Stein (1874-1946)\, uma imigrante judia americana\, foi escritora\, poeta e esteta que mudou-se para Paris em 1903\, pouco depois da chegada de Picasso\, então um jovem artista. A amizade se cristalizou em torno de seus respectivos trabalhos\, que lançaram as bases para o Cubismo e as vanguardas pictóricas e literárias do século XX. \n\n\n\nAo examinar sua proximidade e inventividade\, a exposição no Musée du Luxembourg explorará um século de arte\, poesia\, música e teatro por meio de figuras-chave como Henri Matisse\, Juan Gris\, Marcel Duchamp\, Ed Ruscha\, Jasper Johns\, Andy Warhol\, Bruce Nauman\, Carl Andre\, Joseph Kosuth\, Roni Horn\, Hanne Darboven\, Glenn Ligon\, John Cage\, Steve Reich\, Bob Wilson\, Gary Hill e Philip Glass.
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LOCATION:Musée du Luxembourg\, 19 Rue de Vaugirard\, Paris\, França
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SUMMARY:Nicolas de Staël no Musée d'Art Moderne de Paris
DESCRIPTION:O Museu de Arte Moderna de Paris dedica uma grande retrospectiva a Nicolas de Staël (1914-1955)\, uma figura incontornável na cena artística francesa do pós-guerra. Vinte anos após a exposição organizada pelo Centre Pompidou em 2003\, a exposição oferece uma nova perspectiva sobre o trabalho do artista\, aproveitando exposições temáticas mais recentes que destacaram alguns aspectos menos conhecidos de sua carreira (Antibes em 2014\, Le Havre em 2014\, Aix-en-Provence em 2018). \n\n\n\nA retrospectiva reúne uma seleção de cerca de 200 pinturas\, desenhos\, gravuras e cadernos de várias coleções públicas e privadas na Europa e nos Estados Unidos. Além de obras emblemáticas como “Parc des Princes”\, ela apresenta um conjunto significativo de obras raramente ou nunca expostas\, incluindo cerca de cinquenta obras exibidas pela primeira vez em um museu francês. \n\n\n\nOrganizada cronologicamente\, a exposição traça as sucessivas evoluções do artista\, desde seus primeiros passos figurativos e suas telas escuras e texturizadas dos anos 1940 até suas pinturas feitas às vésperas de sua morte prematura em 1955. Apesar de a maior parte de seu trabalho estar concentrada em uma dúzia de anos\, Staël continuamente se renovou e explorou novos caminhos: seu “inevitável desejo de quebrar tudo quando a máquina parece funcionar muito bem” o levou a produzir uma obra notavelmente rica e complexa\, “sem uma estética prévia”. Insensível às tendências e controvérsias de seu tempo\, seu trabalho deliberadamente desafia a distinção entre abstração e figuração e parece ser a busca\, realizada com urgência\, de uma arte cada vez mais densa e concisa: “é tão triste viver sem quadros que eu corro o máximo que posso”\, escreveu ele. A retrospectiva permite seguir passo a passo essa busca pictórica de rara intensidade\, começando por suas viagens de juventude e seus primeiros anos em Paris\, passando por sua instalação no Vaucluse\, sua famosa viagem à Sicília em 1953 e\, finalmente\, seus últimos meses em Antibes\, em um estúdio de frente para o mar.
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LOCATION:Musée d’Art Moderne de Paris\, 11 Av. du Président Wilson Paris\, Paris\, Paris\, França
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SUMMARY:Blanche Derousse no Musée d'Orsay
DESCRIPTION:Próxima do Dr. Gachet\, de quem era aluna\, Blanche Derousse (1873-1911) foi uma artista cuja breve e discreta carreira estava ligada à prática da cópia. Por volta de 1900-1902\, ela realizou uma série de cópias das pinturas dos impressionistas e de Van Gogh que então pertenciam a Paul Gachet\, ele próprio um artista gravador. Aproveitando um ambiente artístico favorável\, ela traduziu em aquarela e em dimensões menores obras hoje famosas. Essas cópias provavelmente se destinavam a um projeto de livro de seu professor sobre Vincent Van Gogh e também testemunham a admiração da jovem pela obra desse artista.
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LOCATION:Musée d’Orsay\, 1 Rue de la Légion d'Honneur Paris\, Paris\, Paris\, França
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SUMMARY:"Amedeo Modigliani. Un peintre et son marchand" no Musée de l'Orangerie
DESCRIPTION:Quase um século após o encontro entre os dois homens em 1914\, esta exposição propõe revisitar um dos momentos emblemáticos da vida de Amedeo Modigliani\, quando Paul Guillaume se tornou seu marchand. Ela se dedicará a explorar como os vínculos entre os dois personagens podem iluminar a carreira do artista. \n\n\n\nAo chegar a Paris em 1906\, Modigliani\, um artista judeu de origem italiana\, era pintor. Seu encontro com Constantin Brancusi\, um escultor de origem romena\, em 1909\, foi uma revelação para ele: ele se iniciou na escultura e se dedicou quase que exclusivamente a ela até 1914. Sua ruptura com essa prática foi tão súbita quanto completa: de 1914 até sua morte em 1920\, ele retomou a pintura e produziu muitas telas dedicadas principalmente à figura humana. É essa prática da pintura que está no centro da relação entre o artista e o marchand. Paul Guillaume o encorajou\, alugou um estúdio em Montmartre para ele\, fez suas telas serem conhecidas nos círculos artísticos e literários de Paris. Ele comprou\, vendeu e colecionou suas obras. \n\n\n\nA exposição evoca\, por meio de uma seleção de obras emblemáticas\, as diferentes características desse conjunto\, explorando os laços entre o pintor e seu marchand no contexto artístico e literário parisiense dos anos 1910\, bem como o papel de Paul Guillaume na disseminação da obra de Modigliani no mercado de arte\, tanto na França quanto nos Estados Unidos\, na década de 1920.
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LOCATION:Musée de l’Orangerie\, Jardin Tuileries Paris Département de Paris\, Paris\, Paris\, França
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SUMMARY:"Fashion and Sports: From one Podium to Another" no Musée des Arts Décoratifs
DESCRIPTION:Ansiosos para os Jogos Olímpicos de 2024\, o Musée des Arts décoratifs (Paris) apresenta Fashion and Sports: From one Podium to Another\, uma exposição sobre as fascinantes interconexões entre moda e esportes desde o Mundo Antigo até os dias atuais. Esta grande exposição ilumina as preocupações sociais compartilhadas e o foco no corpo dos aparentemente mundos não relacionados da moda e dos esportes. 450 itens de roupas\, acessórios\, fotografias\, esboços\, revistas\, cartazes\, pinturas\, esculturas e vídeos ilustram a evolução das roupas esportivas e sua influência nas modas contemporâneas. Jean Patou\, Jeanne Lanvin\, Gabrielle Chanel e Elsa Schiaparelli foram alguns dos pioneiros na moda do período entre guerras que encontraram inspiração no mundo dos esportes. A exposição mostra como eles tornaram as roupas esportivas elegantes em uma variedade mais ampla de contextos\, incluindo no guarda-roupa do dia a dia. A importância das roupas confortáveis é um tema recorrente\, explicando por que os agasalhos esportivos e os tênis agora são onipresentes nas ruas e nas passarelas\, de Balenciaga a Off-White.
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LOCATION:Musée des Arts Décoratifs\, 107 Rue de Rivoli Paris\, Paris\, Paris\, França
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SUMMARY:"Strike" de Lee Lozano na Bourse de Commerce
DESCRIPTION:Após ser apresentada na Pinacoteca Agnelli (Turim)\, a exposição Strike\, dedicada à artista Lee Lozano (1930-1999)\, chega ao Bourse de Commerce em Paris\, reunindo treze obras emblemáticas da Pinault Collection. Concebida por Sarah Cosulich e Lucrezia Calabrò Visconti\, em colaboração com a Pinault Collection\, a exposição mostra\, pela primeira vez em uma instituição francesa\, a obra da artista\, seguindo a temporada Mythologies américaines\, composta por uma série de exposições individuais – Mike Kelley\, Mira Schor e Ser Serpas – marcadas pelas contraculturas e pela recusa em seguir as regras do jogo. \n\n\n\nA exposição Strike reúne uma ampla seleção de obras criadas por Lee Lozano\, abrangendo toda a sua breve\, porém extremamente prolífica\, carreira\, que vai de 1960 a 1972. Formada em pintura em Chicago\, Lozano se estabeleceu em Nova York no início de sua carreira e rapidamente se destacou na cena artística dos anos 60\, apresentando uma obra multifacetada que se destacou pela sua originalidade. Lozano enfrentou um ambiente artístico dominado pela pop art\, pelo minimalismo e pela arte conceitual\, sobretudo por meio da pintura. Ela participou do contexto artístico e social da época\, mantendo uma atitude radical e se opondo a qualquer forma de classificação e poder sistêmico. \n\n\n\nO título da exposição reflete a polissemia da palavra “strike”. Como verbo\, “to strike” (golpear) representa uma ação violenta\, uma explosão de energia incontrolável que pode ser realizada por um corpo humano\, uma ferramenta ou uma arma. Como substantivo\, “strike” (greve) evoca a recusa radical em realizar um trabalho\, fazendo referência à famosa obra General Strike Piece (1969) de Lozano\, que sinaliza sua primeira tentativa de se desligar do mundo da arte. As “greves” provocativas\, lúdicas e mortais de Lozano eram direcionadas tanto à arte quanto às dimensões sociais\, emocionais e políticas de sua própria existência. \n\n\n\nCom seu extremo radicalismo\, a obra de Lee Lozano constitui uma crítica mordaz à discriminação presente no mundo da arte\, que era predominantemente dominado por homens e lógicas de mercado. Lee Lozano age de acordo com uma lógica de recusa\, que se tornou um parâmetro fundamental de sua identidade\, e explora a fronteira tênue que separa a arte e a vida.
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LOCATION:Bourse de Commerce\, 2 Rue de Viarmes Paris\, Paris\, Paris\, França
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SUMMARY:"Moon Room" de Mira Schor na Bourse de Commerce
DESCRIPTION:Artista\, escritora\, editora\, professora e crítica de arte\, Mira Schor ocupa um lugar singular na cena artística contemporânea devido aos seus múltiplos compromissos. Ela é mais conhecida por sua prática da pintura\, um meio que ela explora e defende de forma especial\, bem como por suas contribuições para a história da arte feminista. Todas as obras apresentadas na exposição Moon Room de Mira Schor fazem parte da Pinault Collection. \n\n\n\nSua obra reflete tanto suas preocupações políticas e teóricas quanto suas paixões formalistas\, materiais e linguísticas. Para ela\, a linguagem visual não é apenas um meio de ilustrar batalhas políticas\, mas sim um exemplo do que o olhar das artistas femininas pode produzir. Através das narrativas pessoais e íntimas que ela incorpora em suas obras\, Mira Schor sempre reinveste o pensamento\, a memória\, a percepção\, os afetos\, profundamente “interessada no retorno do prazer visual como intervenção feminista na pintura”. \n\n\n\nEsta exposição inédita na França reúne obras em papel de arroz criadas pela artista na segunda metade dos anos 1970\, acompanhadas de uma pintura recente de 2022. Máscaras e vestidos solitários e frágeis são cobertos por textos manuscritos muito pessoais: seus sonhos e interpretações\, bem como reflexões sobre o Holocausto\, do qual sua família foi vítima\, e escritos políticos.  \n\n\n\nEssas obras testemunham a paixão da artista pela linguagem: as palavras aparecem de forma legível em suas telas\, mas também de forma mais discreta\, transparente\, nas diferentes camadas de materiais dos vestidos e máscaras. A representação da linguagem tem sido uma constante em seu trabalho pictórico desde o início\, antes mesmo de ela começar a escrever textos críticos sobre arte e história da arte feminista.
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SUMMARY:"I fear (J'ai peur)" de Ser Serpas na Bourse de Commerce
DESCRIPTION:Dois anos após a abertura da Bourse de Commerce e a apresentação de uma coleção de suas pinturas em pequenos formatos\, que exploram fragmentos da intimidade\, Ser Serpas toma conta da Galeria 3 e cria um espaço caótico de tensões\, uma cena fantasmagórica para os visitantes que se encontram imersos neste local híbrido\, dando a sensação de uma invasão em um espaço em construção\, inspirado pela ideia de um sótão. Sua exposição faz parte da temporada Mitologias Americanas com a intenção de oferecer uma obra que vai contra as culturas tradicionais. \n\n\n\nPara a Bourse de Commerce\, Ser Serpas cria uma instalação composta de pinturas e esculturas (cobertas com tecidos) profundamente inspiradas pelo filme de terror Os Outros de Alejandro Amenábar\, especificamente um momento em que vozes de fantasmas ecoam pela casa\, parecendo habitar objetos e móveis deixados para trás. \n\n\n\nEssa cena de exposição\, que evoca campos como música (comissionada especialmente ao artista de Manchester Leyland Kirby\, que revisita seu projeto icônico The Caretaker)\, cinema e moda\, é um verdadeiro reflexo de como a artista escolhe reconfigurar o espaço da galeria como um local fantasmagórico e fantasioso. Uma barra de metal atravessa todo o espaço\, sustentando novas pinturas que\, entre abstração e representação\, refletem as novas direções de Serpas em direção à dissolução dos corpos\, uma forma de perda de controle sobre a realidade e o mundo ao seu redor. \n\n\n\nAs grandes telas flutuam relaxadamente no espaço\, como se estivessem quase inacabadas\, secando\, em eco com as esculturas parcialmente cobertas de tecido. Marcada por todos os filmes de terror que viu durante sua infância\, Ser Serpas recria aqui uma atmosfera paradoxal\, em que o arrepio proporciona ao mesmo tempo uma sensação de conforto e calor estranho.
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SUMMARY:"Capital Image" no Centre Pompidou
DESCRIPTION:Como um projeto de pesquisa artística conduzido pela historiadora da fotografia Estelle Blaschke e pelo fotógrafo Armin Linke\, Capital Image examina um mecanismo inerente à fotografia: a transformação do mundo visível em um arquivo visual a ser explorado. \n\n\n\nO projeto se desenvolveu em torno da noção de fotografia como tecnologia da informação\, um tema que está mais quente hoje do que nunca. Hoje em dia\, as fotografias são tiradas por máquinas\, para serem escaneadas por outras. Os metadados de fotos ultrapassaram a própria imagem em termos de importância\, os algoritmos fabricam aparências e novas tecnologias estão assumindo o controle. Em um momento em que a exposição Corps à corps\, no 6º andar\, examina como o corpo humano é representado na fotografia\, Capital Image explora a produção de imagens de uma nova era automatizada e provavelmente “pós-humana”. \n\n\n\nA exposição Capital Image lida com questões essenciais e raramente abordadas: como o valor econômico de uma imagem pode ser concebido\, medido e discutido? Quais tecnologias e infraestruturas são necessárias para gerenciar e explorar quantidades cada vez maiores de imagens? A disposição da exposição\, na qual as diferentes propriedades das imagens e suas repercussões para os usos são analisadas\, fornece respostas provisórias a essas perguntas. A disposição está dividida em quatro capítulos: Memória\, que questiona a capacidade mimética e protetora das imagens; Acesso\, que explora a infraestrutura material e técnica necessária para acessar as informações das imagens; Mineração\, um termo que descreve a exploração das informações que cada imagem esconde\, e Moeda\, que apreende imagens de acordo com seu valor – seja social\, material ou monetário. \n\n\n\nAo longo destes capítulos\, a exposição se baseia em fontes muito variadas e apresenta um diálogo entre obras fotográficas e vídeos de Armin Linke\, documentos de arquivo (publicações\, cartazes\, spots publicitários)\, entrevistas com pesquisadores e cientistas\, e textos de Estelle Blaschke. A dupla também apresenta uma peça original para esta exposição. Elaborado com a assistência de Livio de Luca\, diretor de pesquisa do CNRS\, este novo projeto explora usos originais da imagem digital no contexto do local de reconstrução da Notre-Dame de Paris. Para a maioria de suas obras\, Blaschke e Linke colaboram com especialistas que lhes abrem as portas de laboratórios de pesquisa que geralmente estão fechados ao público em geral. Capital Image é um projeto em constante evolução que também assume a forma de publicações online e conferências (uma das quais foi realizada no Centre Pompidou em 2018)\, cujo conteúdo evolui progressivamente à medida que novas maneiras de usar imagens aparecem.
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LOCATION:Centre Pompidou\, Place Georges-Pompidou\, Paris\, França
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SUMMARY:"Van Gogh à Auvers-sur-OiseLes derniers mois" no Musée d'Orsay
DESCRIPTION:Apresentada no Museu d’Orsay no outono de 2023\, esta exposição é a primeira dedicada às obras produzidas por Vincent van Gogh (1853-1890) durante os dois últimos meses de sua vida\, em Auvers-sur-Oise\, perto de Paris. A exposição representa o resultado de anos de pesquisa sobre esta fase crucial da vida do artista e permitirá que o público finalmente a aprecie em toda a sua dimensão. \n\n\n\nChegando a Auvers-sur-Oise em 20 de maio de 1890\, Vincent van Gogh faleceu lá em 29 de julho após uma tentativa de suicídio. Embora o pintor tenha passado pouco mais de dois meses em Auvers\, este período viu um renascimento artístico com um estilo e desenvolvimento distintos\, marcados pela tensão psicológica resultante da nova situação\, bem como pela criação de algumas de suas maiores obras-primas. \n\n\n\nProfundamente afetado pelas várias crises em Arles e depois no asilo de Saint-Rémy\, Van Gogh se aproximou de Paris e de seu irmão Théo em busca de um novo impulso criativo. A escolha de Auvers se deveu à presença do Dr. Gachet\, um médico especializado no tratamento da melancolia e\, além disso\, amigo dos impressionistas\, colecionador e pintor amador. Van Gogh se estabeleceu no centro da vila\, na pousada Ravoux\, e explorou todos os aspectos do novo mundo que se abriu para ele\, enquanto lutava contra múltiplas preocupações relacionadas a suas crises\, saúde\, relacionamentos com seu irmão e seu lugar no mundo da arte. \n\n\n\nNenhuma exposição foi dedicada exclusivamente a esta fase final\, mas crucial\, de sua carreira. Em dois meses\, o pintor produziu 74 quadros e 33 desenhos\, incluindo obras icônicas como O Dr. Paul Gachet\, A Igreja de Auvers-sur-Oise e Campo de Trigo com Corvos. Com cerca de quarenta pinturas e vinte desenhos\, a exposição destacará este período com uma abordagem temática: primeiras paisagens retratando a vila\, retratos\, naturezas-mortas e paisagens da região circundante.
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LOCATION:Musée d’Orsay\, 1 Rue de la Légion d'Honneur Paris\, Paris\, Paris\, França
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SUMMARY:"Gilles Aillaud: Political Animal" no Centre Pompidou
DESCRIPTION:Depois de não passar no exame para se tornar um professor de filosofia\, Gilles Aillaud (1928-2005) se tornou um pintor\, poeta\, dramaturgo e cenógrafo. Ele criou um corpo de trabalho no qual a imagética\, com questões políticas sutilmente entrelaçadas\, ecoa a análise de Guy Debord da “sociedade do espetáculo” ou a de Michel Foucault sobre a “vigilância” e o monitoramento generalizado dos indivíduos na sociedade moderna. Esta exposição traça os anos de 1964\, quando Gilles Aillaud se tornou presidente do altamente político Salon de la Jeune Peinture\, até 1988\, quando fez uma viagem ao Quênia – a jornada de um dos artistas mais singulares da cena francesa dos anos 1960.
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SUMMARY:"Chagall à l'œuvre Dessins\, céramiques et sculptures" no Centre Pompidou
DESCRIPTION:Esta exposição foi organizada em torno de três temas principais: os desenhos preparatórios para os figurinos e cenários do balé l’Oiseau de feu de Igor Stravinsky\, apresentado pelo Ballet Theater de Nova York em 1945; os esboços e maquetes para a decoração do teto da Ópera\, encomendados ao artista em 1962; e um conjunto de cerâmicas\, colagens e esculturas criados das décadas de 1950 até o início dos anos 1970. \n\n\n\nA música desempenha um papel fundamental na obra de Chagall: está intimamente ligada à sua vocação como artista\, como é evidenciado em sua narrativa autobiográfica Ma vie. A música é tanto fonte de inspiração quanto um tema recorrente\, mas\, sobretudo\, representa uma nova forma de pensar a imagem. Quando Chagall escreve “eu mesmo\, me torno um som” ou afirma “é preciso fazer o desenho cantar através da cor”\, ele sempre associa de forma íntima a música às artes visuais e mantém um diálogo contínuo com coreógrafos de sua época ao longo de sua vida. \n\n\n\nAo criar os cenários e figurinos para l’Oiseau de feu\, Marc Chagall experimenta tanto a pintura em grande escala quanto a mistura de materiais. Desde os primeiros desenhos\, ele incorpora o movimento dos dançarinos em sua concepção dos figurinos. Quando elabora o teto da Ópera\, ele busca uma fusão com a arquitetura do Palais Garnier\, imaginando sua composição em termos de ritmos coloridos. Altamente autobiográfica\, a iconografia que se segue é ao mesmo tempo uma homenagem aos grandes músicos que o acompanharam e à cidade de Paris\, onde ele encontrou refúgio. Esse trabalho encomendado parece ter despertado um interesse renovado de Chagall pelo jogo de materiais\, levando-o a experimentar escultura\, cerâmica e a incorporá-los em suas colagens tardias\, incluindo tecidos\, rendas e papéis de diversas naturezas. \n\n\n\nRepresentativas da atividade de Marc Chagall após a Segunda Guerra Mundial\, essas obras da maturidade testemunham seu envolvimento em diversos projetos e a diversificação de sua prática. Elas também permitem adentrar na intimidade de seu ateliê ao mostrar o desenvolvimento de um projeto\, desde o primeiro esboço rápido até o desenho trabalhado\, que é tanto uma obra em si quanto a etapa final de preparação para uma pintura.
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SUMMARY:"Dana Schutz\, Le monde visible" no Musée d'Art Moderne de Paris
DESCRIPTION:Dana Schutz é uma contadora de histórias. Sua obra constrói um universo de personagens turbulentos\, insanidades humanas\, situações calamitosas e desastres físicos. Ela pinta um retrato distópico do mundo atual\, desvinculado das noções tradicionais de beleza. Com um uso virtuoso da cor\, ao longo dos anos ela desenvolveu um senso de tensão dramática que se revela em suas composições complexas. Suas pinturas mostram cenas imaginárias inspiradas por situações hipotéticas e corpos improváveis\, entrelaçados com a vida e a linguagem contemporâneas. \n\n\n\nA exposição revela as temáticas que perpassam essa obra: assuntos intangíveis frequentemente observados com humor; a artista trabalhando em seu ateliê; transformação e construção do eu; as tensões entre o indivíduo e o grupo. \n\n\n\nNos últimos anos\, Schutz incorporou a escultura à sua prática\, estendendo seus gestos e formas na argila. Como um loop\, o tema da escultura remonta às suas primeiras telas. Recentemente\, suas pinturas traduzem cada vez mais os volumes e tornam-se mais alegóricas. Elas são habitadas por grupos de personagens coloridos que parecem flutuar na noite\, empoleirados em uma ilha de ossos da mandíbula ou lutando para permanecer no topo de uma montanha. \n\n\n\nEssas visões de um mundo pós-apocalíptico são influenciadas por seu olhar sobre a história da arte\, de Brueghel a Alice Neel. Elas evocam a obsolescência de um mundo doente\, a futilidade das mitologias contemporâneas e a incomunicabilidade entre seres. Tomado de um quadro com o mesmo nome\, o título da exposição\, Le monde visible\, é ao mesmo tempo uma proposta e uma contradição\, revelando o informe e o imaginário.
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LOCATION:Musée d’Art Moderne de Paris\, 11 Av. du Président Wilson Paris\, Paris\, Paris\, França
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SUMMARY:"Hermann Nitsch. Hommage" no Musée de l'Orangerie
DESCRIPTION:Considerado um artista de destaque no movimento do Acionismo Vienense\, do qual foi um dos fundadores\, Hermann Nitsch\, nascido em 1938 em Viena\, faleceu em abril de 2022 em Mistelbach\, onde vivia e trabalhava. Reconhecido internacionalmente como o mestre da performance austríaca\, o artista desenvolveu uma obra expressiva\, que se inspira na dramaturgia religiosa para criar uma forma de arte que culmina anualmente desde a década de 1950 em seu Orgien Mysterien Theater\, no qual ele convidava amigos e o público a participar de seis dias de festividades e performances ininterruptas. \n\n\n\nDurante os últimos anos de sua carreira\, Hermann Nitsch desenvolveu uma pintura de grande vitalidade\, cada vez mais colorida\, sempre intimamente relacionada às suas performances e aos locais onde ela ocorre. Fascinado pelos Nenúfares de Monet\, aos quais ele prestava homenagem no Museu de l’Orangerie em cada uma de suas visitas a Paris\, o artista vienense foi convidado a dialogar com essa obra-prima do impressionismo antes de sua morte. Ele destacou a proximidade que via entre os desafios de sua própria prática e a obra de Monet: “Nas minhas performances\, minha pintura expressiva e religiosa se tornou um drama completo\, uma dramaturgia analítica. O que resta a ser visto é uma frenesi de cores e formas que se destacam muito além do conteúdo\, como os êxtases de cores dos Nenúfares de Monet” (em 2022\, em uma entrevista com Sarah Imatte\, curadora de patrimônio do Museu de l’Orangerie). \n\n\n\nEmbora Nitsch não tenha tido a oportunidade de concretizar seu projeto para o Museu de l’Orangerie\, o museu deseja homenageá-lo\, um ano após sua morte\, com esta exposição que reúne uma coleção de pinturas e obras gráficas realizadas pouco antes de sua morte\, selecionadas diretamente do estúdio do artista. Elas estão em exibição no espaço do “pronaos” nos Nenúfares\, bem como na sala contemporânea no nível -2 do museu.
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LOCATION:Musée de l’Orangerie\, Jardin Tuileries Paris Département de Paris\, Paris\, Paris\, França
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SUMMARY:Wade Guyton no Musée d'Art Moderne de Paris
DESCRIPTION:Vista da exposição\, Wade Guyton\, Five Paintings\, 2013 – 2015\, Musée d’Art Moderne de Paris\, 2023. Foto: Pierre Antoine\n\n\n\nNascido em 1972 em Hammond\, no estado de Indiana\, Wade Guyton vive e trabalha em Nova York. Desde o início dos anos 2000\, ele vem realizando uma análise rigorosa das condições e dos efeitos da produção de imagens digitais\, explorando os territórios da pintura abstrata por meio de uma constante investigação do processo pictórico. Hoje\, ao lado de artistas como Christopher Wool\, Trisha Donnelly ou Seth Price\, ele é uma das figuras indispensáveis da cena contemporânea americana. \n\n\n\nSe o artista faz uso regular de suportes da pintura tradicional\, como a tela de linho\, suas composições são concebidas diretamente na tela\, e depois materializadas com o auxílio de impressoras industriais. À medida que as tecnologias digitais evoluem para uma sofisticação cada vez maior\, Guyton adapta seu processo criativo provocando interferências. Ele confronta sua impressora com comandos muito pesados em dados e multiplica as passagens da tela sob o jato de tinta. Os erros de transferência e as imperfeições que ocorrem – escorrendo ou outros defeitos de impressão – são totalmente aleatórios e contribuem para uma leitura poética das obras. \n\n\n\nEm 2022\, a pintura Sem Título (2013) entrou para as coleções do Museu de Arte Moderna graças a uma generosa doação. É a partir dessa pintura que a exposição – a primeira do artista em um museu francês – tomou forma. Criadas entre 2013 e 2015\, as cinco pinturas se enquadram em um período muito curto durante o qual Guyton estava particularmente interessado na cor preta. Quatro delas foram de fato concebidas a partir do mesmo arquivo do Photoshop composto exclusivamente de preto: a imagem impressa rivaliza com o branco\, seu espaço de reserva. Assim\, em cada tela\, estabelece-se uma relação ambígua entre figura e fundo e\, mais amplamente\, entre as obras e a parede que as acolhe. “Eu deixava as pinturas pretas ‘des-tornarem-se’ pinturas\, ou expressarem-se mais arquitetonicamente” (tradução nossa)\, afirma o artista\, confiando ao espaço circundante a tarefa de delinear os limites das obras. A porosidade das fronteiras cria uma tensão entre abstração e figuração que deve permitir a cada pintura encontrar sua forma justa. A quinta tela deste conjunto\, nunca antes exposta\, prolonga essa tensão ao justapor duas vistas de exposição nas quais são precisamente em abismo as duas pinturas monumentais apresentadas aqui. \n\n\n\nComissariado: Julia Garimorth\, assistida por Sylvie Moreau-Soteras
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SUMMARY:"Ghost and Spirit" de Mike Kelley na Bourse de Commerce
DESCRIPTION:Esta retrospectiva dedicada ao artista americano\, um dos mais influentes do final do século XX e início do século XXI\, oferece uma nova perspectiva sobre sua obra importante e inclassificável\, por meio de suas peças mais significativas\, algumas das quais fazem parte da Coleção Pinault. A exposição é organizada pela Tate Modern (Londres)\, em colaboração com a Pinault Collection\, K21 – Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen (Düsseldorf) e o Moderna Museet (Estocolmo). A exposição é apresentada inicialmente na Bourse de Commerce\, em Paris\, durante o outono e inverno de 2023\, antes de continuar sua itinerância. \n\n\n\nDesde seus anos de estudo em Los Angeles\, Mike Kelley (1954-2012) se apropriou do gênero da performance\, inspirando-se nas práticas feministas militantes para promover uma abordagem inovadora à criação\, desafiando os padrões. Ele participou de várias bandas de música ao longo de sua vida\, incluindo a formação proto-punk Destroy All Monsters desde 1974\, e trabalhou regularmente em colaboração com outros artistas. Suas obras mais famosas eram esculturas artesanais com um toque de humor\, seguidas de instalações feitas com brinquedos de pelúcia que destacavam as construções de gênero e as influências comerciais sobre as crianças. A memória traumática e os problemas da educação são ideias desenvolvidas ao longo de sua carreira\, culminando na exposição “Day Is Done” (2005)\, parcialmente recriada na Bourse de Commerce. \n\n\n\nGhost and Spirit apresenta uma sequência de diferentes conjuntos de obras ou ambientes imersivos do artista\, incluindo\, na Rotonda\, as espetaculares Kandors\, cidades do futuro sob cúpulas de vidro. No percurso\, também surgem as “histórias menores” – como ele as chamava – de sua própria prática: desenhos\, fotografias e escritos preparatórios que esclarecem o pensamento do visitante. \n\n\n\nA obra de Mike Kelley sempre se alimentou de referências subculturais e da tensão entre a profundidade do pensamento crítico que ele desenvolvia e a aparente superficialidade de uma estética pop\, que por vezes explorava a sedução ou uma estética trash. Ele continuamente encenou o papel do artista e como este aparece ou desaparece. \n\n\n\nVisionário\, Mike Kelley foi um grande explorador de conceitos que permanecem relevantes nos debates contemporâneos: memória coletiva e individual\, relações de gênero\, de classes sociais… O artista natural de Detroit\, Michigan\, demonstrou interesse particularmente pela forma como a subjetividade individual é moldada pelas estruturas de poder familiares e institucionais dentro da sociedade americana capitalista pós-moderna.
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SUMMARY:"Peter Doig: Reflets du siècle" no Musée d'Orsay
DESCRIPTION:Nascido em Edimburgo em 1959\, Peter Doig é considerado um dos pintores mais importantes da atualidade. O artista não teve uma exposição monográfica na França há quinze anos. Visitante e grande admirador das coleções do Museu d’Orsay\, Peter Doig aceitou o convite de Christophe Leribault e escolheu apresentar algumas de suas principais obras no cenário excepcional das salas da cúpula do museu. Simultaneamente\, em uma sala adjacente\, o artista dialogará com a coleção\, trazendo à atenção do público uma seleção de obras\, enriquecida com seus comentários.
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SUMMARY:"Chéri Samba\, the Jean Pigozzi collection" no Musée Maillol
DESCRIPTION:Chéri Samba – nascido em 1956 no Congo – é indiscutivelmente o pintor africano mais famoso de sua geração. Embaixador da “pintura popular” de Kinshasa\, ele contribuiu significativamente para tornar este movimento informal conhecido\, com suas pinturas figurativas em cores vivas que provocam\, denunciam\, caricaturam e muitas vezes trazem humor\, em um estilo que está longe de ser ingênuo. \n\n\n\nEsta exposição no Museu Maillol é a primeira retrospectiva da obra do pintor\, abrangendo 40 anos de criação. Ela apresenta mais de 50 quadros que percorrem várias temáticas “sambaianas”: o autorretrato como elemento central de sua pintura\, o Congo e a África\, geopolítica e meio ambiente\, história da arte e\, por fim\, a mulher\, um tema que estabelece um diálogo inédito com a obra de Maillol no museu. \n\n\n\nTodas as obras reunidas para a ocasião vêm da coleção de Jean Pigozzi\, a maior coleção de arte contemporânea africana do mundo\, que tem contribuído para o reconhecimento dos artistas da África subsaariana na cena internacional há mais de trinta anos.
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LOCATION:Musée Maillol\, 59-61 Rue de Grenelle\, Paris\, França
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SUMMARY:"Berthe Morisot et l’art du XVIIIe siècle" no Musée Marmottan Monet
DESCRIPTION:Berthe Morisot\, Au Bal\, 1875 (detalhe) © Musée Marmottan Monet\, Paris\n\n\n\nDe 18 de outubro de 2023 a 3 de março de 2024\, o Museu Marmottan Monet apresenta uma exposição inédita: Berthe Morisot et l’art du XVIIIe siècle. A curadoria é realizada pelas historiadoras de arte Marianne Mathieu e Dominique d’Arnoult\, com a participação de Claire Gooden\, conservadora adjunta do museu. \n\n\n\nSessenta e cinco obras provenientes de museus franceses e internacionais\, assim como de coleções particulares\, são reunidas pela primeira vez para evidenciar as conexões entre a obra da primeira mulher impressionista\, Berthe Morisot (1841-1895)\, e a arte de artistas como Antoine Watteau (1684-1721)\, François Boucher (1703-1770)\, Jean-Honoré Fragonard (1732-1806) e Jean-Baptiste Perronneau (1715-1783). \n\n\n\nCom base em uma análise de fontes principalmente inéditas (correspondências\, cadernos de notas de Berthe Morisot\, de seu marido Eugène Manet e de seu entorno\, recortes de imprensa) e em um estudo genealógico aprofundado\, a exposição e seu catálogo oferecem uma nova perspectiva sobre um tema frequentemente mencionado pelos historiadores\, mas sem nunca ter sido objeto de uma pesquisa dedicada. \n\n\n\nEmbora seja demonstrado que Berthe Morisot não era bisneta de Fragonard e não tinha nenhum parentesco com ele\, a exposição destaca os verdadeiros fundamentos dessas afinidades artísticas\, traçando a cronologia de seus desenvolvimentos e suas principais características.
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LOCATION:Musée Marmottan Monet\, 2 Rue Louis Boilly\, Paris\, França
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SUMMARY:"Picasso. Dessiner à l’infini" no Centre Pompidou
DESCRIPTION:Por ocasião da celebração dos cinquenta anos da morte de Pablo Picasso\, a exposição Picasso. Dessiner à l’infini\, organizada pelo Centre Pompidou em colaboração com o Museu Nacional Picasso – Paris\, destaca a parte mais prolífica de sua criação por meio da apresentação de quase mil obras (cadernos\, desenhos e gravuras). \n\n\n\nDesde seus estudos de juventude até suas obras finais\, o desenho é o local onde Picasso encontra uma invenção constantemente renovada. Essa jornada pela obra gráfica\, uma espécie de diário mantido compulsivamente\, com os cadernos sendo os exemplos mais preciosos\, oferece uma imersão no coração do trabalho do desenhista. O percurso proposto\, não linear e que desafia a estrita cronologia\, permite criar conexões entre diferentes períodos e confrontar obras-primas reconhecidas com desenhos apresentados pela primeira vez. Sendo a maior retrospectiva da obra desenhada e gravada já organizada\, “Picasso. Desenhar ao Infinito” mergulha o visitante no turbilhão da criação picassiana.
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LOCATION:Centre Pompidou\, Place Georges-Pompidou\, Paris\, França
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SUMMARY:Mark Rothko na Fondation Louis Vuitton
DESCRIPTION:A Fondation Louis Vuitton apresenta a primeira retrospectiva na França dedicada a Mark Rothko (1903-1970) desde a exposição realizada no Musée d’Art moderne de la Ville de Paris em 1999. A retrospectiva reúne cerca de 115 obras das maiores coleções institucionais internacionais\, incluindo a National Gallery of Art em Washington D.C.\, a Tate em Londres e a Phillips Collection em Washington D.C.\, além de coleções privadas internacionais\, incluindo a coleção da família do artista. \n\n\n\nExibida cronologicamente em todos os espaços da Fondation\, a exposição traça toda a carreira do artista: desde suas primeiras pinturas figurativas até as obras abstratas pelas quais ele é mais conhecido hoje. \n\n\n\nA exposição começa com cenas íntimas e paisagens urbanas – como visões do metrô de Nova York – que dominam a produção de Rothko na década de 1930\, antes de sua transição para um repertório inspirado por mitos antigos e surrealismo\, que Rothko usa para expressar a dimensão trágica da condição humana durante a Guerra. \n\n\n\nA partir de 1946\, Rothko faz uma importante transição para o expressionismo abstrato. A primeira fase dessa mudança é a das “Multi-forms”\, onde massas cromáticas estão suspensas em um tipo de equilíbrio na tela. Gradualmente\, essas diminuem em número\, e a organização espacial de sua pintura evolui rapidamente em direção às “obras clássicas” de Rothko da década de 1950\, onde formas retangulares se sobrepõem de acordo com um ritmo binário ou ternário\, caracterizado por tons de amarelo\, vermelho\, ocre\, laranja\, mas também azul\, branco… \n\n\n\nEm 1958\, Rothko é comissionado para produzir uma série de murais para o restaurante Four Seasons projetado por Philip Johnson para o Seagram Building em Nova York – cuja construção é supervisionada por Ludwig Mies van der Rohe. Rothko decide posteriormente não entregar as pinturas e mantém a série inteira. Onze anos depois\, em 1969\, o artista doa nove dessas pinturas – que diferem das anteriores devido aos seus tons de vermelho profundo – à Tate Gallery\, que dedica uma sala exclusivamente a Rothko em suas coleções. Esta série é apresentada de forma excepcional na exposição da Fondation. \n\n\n\nEm 1960\, a Phillips Collection dedica uma sala permanente – a primeira “Sala Rothko” – ao artista. A sala é projetada em estreita colaboração com ele e também é destaque na exposição. Em 1961\, o Museu de Arte Moderna de Nova York organiza a primeira grande retrospectiva\, uma exposição que posteriormente viaja para várias cidades europeias (Londres\, Basileia\, Amsterdã\, Bruxelas\, Roma e Paris). Na década de 1960\, Rothko aceita outras novas comissões\, a mais notável delas sendo a capela John e Dominique de Menil em Houston\, inaugurada em 1971 e chamada de Rothko Chapel. \n\n\n\nEmbora Rothko prefira tons mais escuros e contrastes suaves desde o final dos anos 1950\, o artista nunca abandona completamente sua paleta de cores vibrantes\, como evidenciado por várias pinturas de 1967 e pela última pintura vermelha deixada inacabada em seu estúdio. Mesmo no caso da série de 1969-1970 “Preto e Cinza”\, é melhor evitar uma interpretação simplista do trabalho\, associando o cinza e o preto à depressão e ao suicídio. \n\n\n\nEssas obras são exibidas na sala mais alta do edifício Frank Gehry\, ao lado das grandes esculturas de Alberto Giacometti\, criando um ambiente que se aproxima do que Rothko tinha em mente para uma comissão da UNESCO que nunca foi realizada.
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LOCATION:Fondation Louis Vuitton\, 8\, Avenue du Mahatma Gandhi Bois de Boulogne\, Paris\, França
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SUMMARY:"Modern Paris (1905-1925)" no Petit Palais
DESCRIPTION:Robert Delaunay\, Hommage à Blériot\, 1914 (detalhe). Musée de Grenoble. Foto: © Ville de Grenoble/Musée de Grenoble/J.L. Lacroix\n\n\n\nA exposição Modern Paris (1905-1925) reúne quase 400 obras de artistas renomados como Picasso\, Modigliani e os Delaunay\, além de figuras influentes da moda como Paul Poiret e a joalheria Cartier. Com foco na Champs Élysées\, especialmente o Grand Palais\, a exposição retrata o epicentro da inovação artística da época. \n\n\n\nA Exposição Internacional de Artes Decorativas e Industriais Modernas de 1925 apresentou uma mistura de estilos tradicionais e vanguardistas. O panorama social era marcado pelas extravagantes festas de Paul Poiret e pela emergência de locais como a Galerie Au Sans Pareil e o Théâtre des Champs-Élysées\, onde Josephine Baker causava impacto com suas performances. \n\n\n\nA mostra também aborda as controvérsias e escândalos que marcaram a era\, desde movimentos artísticos vanguardistas como o Cubismo até performances de balé ousadas como a de Nijinsky em The Rite of Spring. Avanços tecnológicos\, incluindo automóveis e aviões\, são destacados\, ilustrando seu impacto na expressão artística. \n\n\n\nO papel das mulheres em moldar a Paris moderna é enfatizado\, com artistas como Sonia Delaunay e Tamara de Lempicka ocupando posições significativas na cena vanguardista. A exposição captura o multiculturalismo da Paris da época\, onde artistas de diversas origens convergiram para criar uma comunidade artística dinâmica e inclusiva. \n\n\n\nAtravés de uma cenografia imersiva e exibições de filmes\, os visitantes são transportados de volta a essa era cativante\, vivenciando a energia e a inovação que definiram Paris Moderna.
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LOCATION:Petit Palais\, Av. Winston Churchill\, 75008\, Paris\, França
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SUMMARY:"Iris van Herpen. Sculpting the Senses" no Musée des Arts Décoratifs
DESCRIPTION:Realizada no Musée des Arts décoratifs a exposição Iris van Herpen. Sculpting the Senses presta homenagem a uma das estilistas mais inovadoras. Uma pioneira no uso de novas tecnologias em sua área\, Iris van Herpen desafia as normas convencionais da moda\, ao mesmo tempo em que valoriza tanto a artesanato da alta costura tradicional quanto técnicas ousadas. \n\n\n\nVariando do micro ao macro\, a exposição questiona o lugar do corpo no espaço\, sua relação com as roupas e o ambiente\, e seu futuro em um mundo em constante mudança. Uma seleção de mais de cem peças de alta costura criadas por Iris van Herpen dialoga com obras de arte contemporânea\, de artistas como Philip Beesley\, o Collectif Mé\, Wim Delvoye\, Kate MccGwire\, Damien Jalet\, Kohei Nawa\, Casey Curran\, Rogan Borwn\, Jacques Rougerie e peças de design de Neri Oxman\, Ren Ri\, Ferruccio Laviani e Tomáš Libertíny\, além de itens das ciências naturais\, como esqueletos e fósseis\, criando assim uma ressonância única com peças históricas. A exposição será apresentada nas Galerias Christine & Stephen A. Schwarzman\, com curadoria de Cloé Pitiot e curador assistente Louise Curtis\, e a cenografia será realizada pelo Studio Nathalie Crinière.
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LOCATION:Musée des Arts Décoratifs\, 107 Rue de Rivoli Paris\, Paris\, Paris\, França
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SUMMARY:"Breath of an Architect" na Fondation Cartier
DESCRIPTION:Vista da exposição Bijoy Jain / Studio Mumbai Breath of an Architect\, Fondation Cartier. Foto © Thibaut Voisin\n\n\n\nDe 9 de dezembro de 2023 a 21 de abril de 2024\, a Fondation Cartier apresenta Breath of an Architect\, uma exposição especialmente criada para a instituição pelo arquiteto Bijoy Jain\, fundador do Studio Mumbai na Índia. O trabalho de Bijoy Jain reflete uma profunda preocupação com a relação entre o homem e a natureza\, na qual o tempo e o gesto são fatores essenciais. Explorando os vínculos entre arte\, arquitetura e material\, Bijoy Jain oferece na Fondation Cartier um espaço de devaneio e contemplação em diálogo com o icônico prédio de Jean Nouvel.
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LOCATION:Fondation Cartier\, 261 Bd Raspail Paris\, Paris\, França
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SUMMARY:Sara Flores na White Cube
DESCRIPTION:“Kené” é um termo Shipibo que pode significar ‘design’ e tem ligações etimológicas com o verbo “kéenti”\, que significa amar ou cuidar. \n\n\n\nA White Cube Paris tem o prazer de apresentar uma exposição de trabalhos têxteis Kené por Sara Flores. Com base na cidade amazônica de Pucallpa\, no Peru rural\, Flores (nascida em 1950) pertence ao povo Shipibo-Conibo\, um povo indígena que vive ao longo do rio Ucayali. Flores é reconhecida local e internacionalmente por seu habilidoso Kené\, um meio antigo que é central para a expressão artística e o patrimônio cultural dos Shipibo-Conibo.
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LOCATION:White Cube Paris\, 10 Avenue Matignon\, Paris\, França
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SUMMARY:"Dear Paris" de Stanley Whitney na Gagosian
DESCRIPTION:Vista da exposição “Dear Paris”\, Gagosian\, Paris. Obras © Stanley Whitney. Foto: Thomas Lannes\n\n\n\nA Gagosian apresenta a exposição da pintura Dear Paris (2023) de Stanley Whitney na rua de Castiglione\, 9\, Paris\, de 10 de janeiro a 28 de fevereiro de 2024. \n\n\n\nInspirada pela estadia prolongada do artista na capital francesa\, Dear Paris é a mais recente das abstrações líricas de Whitney. Equilibrando estrutura sistemática e espontaneidade expressiva\, ele compôs a pintura em sua maneira característica\, um bloco aproximadamente retangular de cada vez\, começando no canto superior esquerdo e progredindo em fileiras através e abaixo da tela. Whitney forma cada forma com pinceladas enérgicas\, escolhendo suas cores vivas e moldando seus limites em relação aos seus predecessores. A geometria livre sutilmente mutável da pintura é ainda demarcada por faixas lineares entre suas fileiras que dividem e unificam a composição. \n\n\n\nDesde a década de 1970\, seguindo a abstração\, Whitney estabeleceu seu estilo maduro na década de 1990 enquanto vivia e trabalhava em Roma. O quadro composicional que ele emprega lhe permite a liberdade de improvisar\, facilitando a emergência de harmonias cromáticas surpreendentes e ritmos visuais dinâmicos. As influências variadas do artista incluem o chamado e resposta polifônico do jazz\, o efeito transformador da luz lançada sobre edifícios históricos\, as tradições da confecção de colchas americana e artistas que vão de Henri Matisse e Piet Mondrian a Giorgio Morandi.
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LOCATION:Gagosian\, 9 Rue de Castiglione\, Paris\, França
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