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SUMMARY:"Avant l'Orage" na Bourse de Commerce
DESCRIPTION:A exposição coletiva Avant l’Orage (Antes da Tempestade) é um convite para o público fazer uma viagem pelas instalações e obras de quase vinte artistas que metamorfosearam todos os espaços do museu. Contra o pano de fundo da mudança climática\, na urgência do presente como no olho de um furacão\, escuridão e luz\, primavera e inverno\, chuva e sol\, dia e noite\, o humano e o não-humano coabitam nessa nova exposição de obras da Pinault Collection. Essas paisagens instáveis\, capturadas em um tempo dessincronizado\, representam novos ecossistemas nos quais o visitante é convidado a mergulhar. Essa estação temática é dividida em duas partes\, abrindo com uma instalação monumental de Danh Vo\, criada para a Rotunda da instituição\, antes de ser retomada no final de maio para a exposição dedicada à artista britânica Tacita Dean\, na Rotunda e também na Galeria 2 da Bourse de Commerce. Uma das frases que define a mostra vem do filósofo italiano Emanuele Coccia\, convidado pela instituição a fazer um audiocomentário da exposição: “Tudo na Terra é tempo. É sobre isso que se tratam as obras dessa exposição. (…) afinal\, você não sabe realmente se está antes ou depois da tempestade\, porque o mundo inteiro se tornou uma tempestade. E a tempestade nada mais é do que o canto da vida”. A lista de artistas é composta pelos brasileiros Lucas Arruda e Jonathas de Andrade\, além de Hicham Berrada\, Dineo Seshee Bopape\, Frank Bowling\, Judy Chicago\, Tacita Dean\, Robert Gober\, Dominique Gonzalez-Foerster\, Felix Gonzalez-Torres\, Pierre Huyghe\, Benoit Piéron\, Daniel Steegmann Mangrané\, Alina Szapocznikow\, Diana Thater Thu Van Tran\, Cy Twombly\, Danh Vo e Anicka Yi. 
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LOCATION:Bourse de Commerce\, 2 Rue de Viarmes Paris\, Paris\, Paris\, França
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SUMMARY:"Chagall\, Paris - New York" no Atelier des Lumières
DESCRIPTION:A exposição imersiva Chagall\, Paris – New York é dedicada ao pintor prolífico e inclassificável Marc Chagall (1887–1985) no Atelier des Lumières. Esta exposição digital única apresenta todo o seu trabalho\, revelando uma obra enraizada em seu tempo\, no cruzamento das novidades artísticas e culturais de seu século e em constante renovação. Paris e Nova York\, capitais emblemáticas da arte moderna\, representam duas etapas cruciais na longa carreira do artista. Paris foi a cidade escolhida e\, graças às vanguardas dos anos 1910\, forneceu ao jovem pintor russo um acervo de obras experimentais\, que ele enriqueceu com suas próprias referências culturais. Nova York foi principalmente um lugar de exílio durante a década de 1940\, mas deu um novo ímpeto à criatividade do artista. Depois da guerra\, várias exposições e grandes encomendas reforçaram os vínculos entre Paris e Nova York e trouxeram Chagall de volta aos Estados Unidos\, até a década de 1970. Durante esta exposição imersiva\, todos os temas e imagens presentes no repertório do artista são projetados nas paredes do Atelier des Lumières\, como imagens recortadas entrelaçadas. Eles são complementados por pequenos trechos de música clássica\, klezmer e jazz\, que também fizeram parte do universo cultural de Chagall. Seu fantástico bestiário\, seus maravilhosos personagens de circo\, fábulas e ópera\, assim como episódios bíblicos e referências à cultura russa\, evocam poeticamente as ricas experiências de vida do artista\, que naturalmente ressoam com as experiências coletivas de seu povo e geração. Como testemunha dos maiores eventos históricos do século XX – do mais sombrio ao mais edificante – Chagall transformou sua arte ousada e imaginativa em um instrumento de compromisso\, paz e esperança.
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LOCATION:Atelier des Lumières\, 38 Rue Saint-Maur\, Paris\, França
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SUMMARY:"Homenagem a Picasso\, a coleção ganha cores" no Musée Picasso Paris
DESCRIPTION:No dia 8 de abril de 2023\, foi marcado o cinquentenário da morte de Pablo Picasso\, tornando o ano uma ocasião especial para celebrar sua obra e seu legado artístico na França\, Espanha e internacionalmente. Como parte dessa celebração\, o Museu Nacional Picasso-Paris convidou o renomado designer britânico Sir Paul Smith\, conhecido por seu trabalho com cor\, personalização e kitsch\, para assumir a direção artística de uma exposição excepcional\, destacando a coleção do museu. Essa exposição\, realizada em colaboração com Sir Paul Smith\, gira em torno das obras-primas da coleção. A abordagem singular que o designer traz para as obras convida o público a enxergá-las de uma perspectiva mais contemporânea\, ressaltando a atualidade do trabalho de Picasso. Além disso\, os universos criativos desses dois artistas se encontram em momentos especiais\, compartilhando uma paixão por objetos\, figurinos e brincadeiras\, resultando em aproximações e uma disposição inventiva e espetacular das obras! O percurso da exposição é marcado por obras de artistas contemporâneos internacionais. Assim\, Guillermo Kuitca\, Obi Okigbo\, Mickalene Thomas e Chéri Samba contribuem para essa mesma vontade de abrir novas perspectivas sobre o legado da obra de Picasso\, questionando sua imagem ou incorporando algumas de suas inovações plásticas de maneira única e impactante.
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LOCATION:Musée Picasso Paris\, 5 rue de Thorigny\, Paris\, França
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SUMMARY:Philippe Cognée no Musée de l'Orangerie
DESCRIPTION:Para o Musée de l’Orangerie\, o artista concebe um conjunto de obras inéditas que lançam um olhar agudo e sutil sobre a série Nymphéas de Monet. Desde os anos 1980\, Philippe Cognée optou pela pintura figurativa\, contribuindo para sua renovação. Gradualmente\, desenvolveu uma técnica que condiciona o surgimento das imagens. Embora geralmente partindo de fotografias\, seu meio sempre é a pintura a cera\, em que o artista derrete com um ferro de passar após isolar a camada pictórica. As formas se misturam\, os contornos se desvanecem\, criando efeitos de borrão ou fusão. A imagem\, assim mantida à distância e distorcida\, incorpora o acaso ao resultado final. A mostra traz um conjunto de pinturas inéditas\, floresta\, matagal e multidões que questionam tanto a percepção da paisagem quanto a pintura. Como alquimista\, ele condensa a matéria\, arranha\, raspa\, cobre novamente. As intervenções na tela\, impregnadas de uma violência real e de um investimento físico do artista\, contribuem para a presença da pintura\, ainda mais do que para a representação dos assuntos\, eles próprios impregnados de selvageria ou inquietação. 
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LOCATION:Musée de l’Orangerie\, Jardin Tuileries Paris Département de Paris\, Paris\, Paris\, França
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SUMMARY:Elliott Erwitt no Musée Maillol
DESCRIPTION:Humanismo\, ironia e humor. A grande e sublime retrospectiva de Elliott Erwitt\, presta homenagem a um dos mais importantes nomes da fotografia do século XX\, membro da Magnum Photos desde 1954. A mostra apresenta seu trabalho através de um conjunto extenso de 215 fotografias em preto e branco e coloridas. Fotógrafo americano de origem europeia\, Elliott Erwitt é ao mesmo tempo um pintor do íntimo\, fotojornalista\, fotógrafo publicitário\, diretor e retratista de personalidades como Marilyn Monroe\, Jackie Kennedy\, Charles de Gaulle\, Ernesto “Che” Guevara\, Alfred Hitchcock\, Nikita Khrushchev\, entre outros. A exposição reflete a diversidade dos temas abordados e a profunda unidade da obra. Erwitt tem uma maneira de eternizar momentos da vida cotidiana por meio de um olhar único\, misturando humor e emoção. Através de uma cenografia excepcional\, você descobre a sensibilidade singular do fotógrafo\, principalmente em suas fotografias coloridas. “Na verdade\, dizer que há humanidade em minhas fotos é o maior elogio que já me fizeram.” disse Elliott Erwitt. Também é possível visitar os bastidores do trabalho do fotógrafo com o espaço Factory onde se encontram objetos que pretendem evocar seu estúdio nova-iorquino e a extensão de suas atividades relacionadas à fotografia.
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LOCATION:Musée Maillol\, 59-61 Rue de Grenelle\, Paris\, França
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SUMMARY:"Basquiat x Warhol. Painting four hands" na Fundação Louis Vuitton
DESCRIPTION:Entre 1984 e 1985\, Jean-Michel Basquiat (1960-1988) e Andy Warhol (1928-1987) criaram cerca de 160 pinturas juntos\, “à quatre mains”\, incluindo algumas das maiores obras produzidas durante suas respectivas carreiras. “Basquiat × Warhol. Painting four hands” é a exposição mais importante já dedicada a esse corpo extraordinário de trabalho e reúne mais de trezentas obras e documentos\, incluindo oitenta telas assinadas conjuntamente pelos dois artistas. Também são apresentadas obras individuais de cada um\, bem como um conjunto de obras de outros artistas importantes (Futura 2000\, Michael Halsband\, Keith Haring\, Jenny Holzer\, Kenny Scharf…) para evocar a energia da cena artística do centro de Nova Iorque dos anos 1980. A exposição será aberta com uma série de retratos de Basquiat por Warhol e de Warhol por Basquiat\, seguindo com outas colaborações iniciais. Essas obras\, repercutidas pelo marchand dos dois artistas\, Bruno Bischofberger\, se beneficiaram de uma colaboração com o artista italiano\, Francesco Clemente. Após completarem 15 pinturas juntos a Clemente\, Basquiat e Warhol continuaram sua colaboração quase diária\, com entusiasmo e cumplicidade. A energia e a força de suas trocas incessantes serão a força motriz da exposição\, percorrendo todas as galerias da Fundação\, apresentando destaques como a escultura monumental Ten Punching Bags (Last Supper) ou o painel de 8 metros African Mask. Basquiat admirava Warhol como uma personalidade chave do mundo da arte e o pioneiro de uma nova linguagem e de um relacionamento inovador com a cultura pop. Warhol\, por sua vez\, encontrou em Basquiat um interesse renovado pela pintura. Graças a ele\, voltou a pintar manualmente em uma escala muito grande. Os assuntos retratados por Warhol servem como base para séries inteiras de obras que pontuarão a exposição. “Basquiat × Warhol. Painting four hands”\, em cartaz até 28 de agosto\, mostrará essas idas e vindas através de um diálogo de estilos e formas que também aborda assuntos cruciais\, como a integração da comunidade afro-americana na narrativa da América do Norte.
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LOCATION:Fundação Louis Vuitton\, 8 Av. du Mahatma Gandhi\, Paris\, França
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SUMMARY:"Des cheveux et des poils" no Musée des Arts Décoratifs
DESCRIPTION:O museu francês apresenta uma exposição dedicada aos cabelos e pelos do corpo no mundo ocidental. Este projeto original\, com curadoria de Denis Bruna\, curador-chefe do departamento de moda e têxtil\, continua explorando temas relacionados a moda e a representação do corpo. Depois de “La mécanique des dessous” (2013)\, “Tenue correcte exigée !” (2017) e “Marche et démarche” (2019)\, “Des cheveux et des poils” mostra como os penteados e a disposição dos cabelos humanos estão envolvidos na construção das aparências há séculos. \n\n\n\nA exposição explora através de mais de 600 obras\, desde o século XV até à atualidade\, os temas inerentes à história dos cabeleireiros\, mas também questões relacionadas com os pelos faciais e corporais. As profissões e saberes de ontem e de hoje destacam-se com as suas figuras emblemáticas: Léonard Autier (o cabeleireiro preferido de Marie-Antoinette)\, Monsieur Antoine\, as irmãs Carita\, Alexandre de Paris e mais recentemente os cabeleireiros de estúdio. Grandes nomes da moda contemporânea como Alexander McQueen\, Martin Margiela ou Josephus Thimister marcam presença com as suas espetaculares criações feitas a partir deste material singular que é o cabelo. Dentro deste contexto\, a mostra aborda também temas sociais\, políticos\, de identidade e de gênero ao criar recortes precisos ao longo de décadas passadas e atuais\, como no movimento Black is Beautiful\, nas contraculturas dos anos 1980 e na moda contemporânea.
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LOCATION:Musée des Arts Décoratifs\, 107 Rue de Rivoli Paris\, Paris\, Paris\, França
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SUMMARY:Moï Ver no Centre Pompidou
DESCRIPTION:A obra do pintor\, artista gráfico e fotógrafo Moï Ver\, nascido na Lituânia em 1904\, é apresentada pela primeira vez em toda a sua riqueza e complexidade. Uma retrospectiva excepcional que reúne mais de 300 obras e documentos entre fotografias\, pinturas\, desenhos e impressos\, em sua maioria inéditos. Durante sua primeira estadia na França no final da década de 1930\, Moshe (Moses) Worobiejczyk (Vorobeichik) adotou os pseudônimos “Moï Ver” e depois “moï Wer”\, antes de assumir o nome de Moshe Raviv após seu exílio na Palestina Mandatária em 1934. Tendo se formado como artista na Bauhaus\, estudou em Paris sob orientação de Fernand Léger entre 1929 e 1934. Grandes exemplos do modernismo fotográfico dos anos 1930\, preservados nas coleções do Museu Nacional de Arte Moderna de Paris (1931) e do Ci-Contre (1931)\, são apresentados em sua totalidade na exposição. Com sua brilhante gramática de formas\, esses dois conjuntos são testemunho de uma visão experimental e de um impressionante domínio da montagem fotográfica.
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LOCATION:Centre Pompidou\, Place Georges-Pompidou\, Paris\, França
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SUMMARY:"Sarah Bernhardt: And the woman created the star" no Petit Palais
DESCRIPTION:Com mais de quatrocentas obras\, a exposição traça a vida e o percurso teatral deste “monstro sagrado”\, como a apelidou Jean Cocteau. Lendária intérprete dos maiores papéis de Racine\, Shakespeare\, Edmond Rostand e Alexandre Dumas\, entre outros\, Sarah Bernhardt foi de triunfo em triunfo nos cinemas de todo o mundo. A exposição evoca seus maiores papéis através dos figurinos que ela usava no palco\, fotografias\, pinturas\, cartazes e outras recordações. A sua “voz de ouro” e a sua figura alta e esbelta cativavam o público\, assim como o mundo artístico e literário\, que simplesmente a venerava. Foi amiga de pintores como Gustave Doré\, Georges Clairin\, Louise Abbéma e Alphonse Mucha\, mas também de escritores como Victor Hugo\, Victorien Sardou e Sacha Guitry\, além de músicos e compositores como Reynaldo Hahn. Ela mesma era uma artista\, e toda uma seção da exposição enfoca esse aspecto menos conhecido de sua vida. Fotografias\, pinturas e até um filme revelam o lado privado da sua arte\, mas também a publicidade que procurava para o seu trabalho enquanto artista. Uma série de objetos que lhe pertenceram também ilustram a vida pessoal de Sarah Bernhardt e seu gosto pela excentricidade: suas várias casas\, seus interiores luxuosos e ecléticos e seu guarda-roupa. Sarah Bernhardt pode ser considerada uma verdadeira estrela antes de seu tempo\, sempre atenta às novas tendências e usando sua imagem para sua própria publicidade. O frenesi de emoção popular que saudou sua morte em 1923\, aos 79 anos\, antecipou o culto de seguidores das grandes estrelas do cinema do século XX.
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SUMMARY:"Sarah Bernhardt: And the woman created the star" no Petit Palais
DESCRIPTION:Com mais de quatrocentas obras\, a exposição traça a vida e o percurso teatral deste “monstro sagrado”\, como a apelidou Jean Cocteau. Lendária intérprete dos maiores papéis de Racine\, Shakespeare\, Edmond Rostand e Alexandre Dumas\, entre outros\, Sarah Bernhardt foi de triunfo em triunfo nos cinemas de todo o mundo. A exposição evoca seus maiores papéis através dos figurinos que ela usava no palco\, fotografias\, pinturas\, cartazes e outras recordações. A sua “voz de ouro” e a sua figura alta e esbelta cativavam o público\, assim como o mundo artístico e literário\, que simplesmente a venerava. Foi amiga de pintores como Gustave Doré\, Georges Clairin\, Louise Abbéma e Alphonse Mucha\, mas também de escritores como Victor Hugo\, Victorien Sardou e Sacha Guitry\, além de músicos e compositores como Reynaldo Hahn. Ela mesma era uma artista\, e toda uma seção da exposição enfoca esse aspecto menos conhecido de sua vida. Fotografias\, pinturas e até um filme revelam o lado privado da sua arte\, mas também a publicidade que procurava para o seu trabalho enquanto artista. Uma série de objetos que lhe pertenceram também ilustram a vida pessoal de Sarah Bernhardt e seu gosto pela excentricidade: suas várias casas\, seus interiores luxuosos e ecléticos e seu guarda-roupa. Sarah Bernhardt pode ser considerada uma verdadeira estrela antes de seu tempo\, sempre atenta às novas tendências e usando sua imagem para sua própria publicidade. O frenesi de emoção popular que saudou sua morte em 1923\, aos 79 anos\, antecipou o culto de seguidores das grandes estrelas do cinema do século XX.
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SUMMARY:"Donation Zao Wou-Ki" no Musée d'Art Moderne de Paris
DESCRIPTION:O Musée d’Art Moderne de Paris apresenta\, no percurso de sua coleção permanente\, um conjunto notável de obras de Zao Wou-Ki\, reunindo as duas prestigiosas doações feitas ao museu em 2018 e 2022 por Françoise Marquet-Zao\, esposa do artista\, bem como várias obras históricas\, incluindo Six janvier 1968\, adquirida em 1971 pelo curador-chefe Jacques Lassaigne. Em 2018\, Françoise Marquet-Zao ofereceu ao Musée d’Art Moderne uma de suas obras emblemáticas: Hommage à Matisse I (1986)\, bem como uma tinta e sete vasos de porcelana de 2006. Em 2022\, graças à generosidade renovada de Françoise Marquet-Zao\, a coleção do museu foi enriquecida de forma espetacular com a doação de nove pinturas\, como 24.09.51 de 1951\, 01.10.73 de 1973 ou Le Temple des Han de 2005. Todas essas obras de qualidade excepcional traçam todas as etapas da jornada do artista entre 1946 e 2006. No cruzamento de dois mundos\, a obra de Zao Wou-Ki é “um modelo de busca pela harmonia entre o Oriente e o Ocidente” (Claude Roy). Um equilíbrio perfeito entre a abstração ocidental e a tradição pictórica chinesa\, sua pintura é uma homenagem à luz\, ao movimento e ao silêncio. Zao Wou-Ki\, nascido em 1920 em Pequim\, chegou a Paris em 1948. Ele se adaptou às transformações estéticas de seu tempo e se tornou um dos grandes mestres da abstração lírica. A pintura\, a poesia\, a literatura e a música sempre ocuparam um lugar muito importante em seu processo criativo: ele está em diálogo permanente com seus amigos\, entre eles Henri Michaux\, Edgar Varèse\, Pierre Soulages\, François Cheng\, René Char\, Claude Roy\, Alberto Giacometti\, Bernard Noël\, Pierre Matisse\, André Malraux e o arquiteto I. M. Pei. O acervo Zao Wou-Ki do Musée d’Art Moderne de Paris é hoje um dos mais importantes das coleções públicas francesas\, com 11 pinturas\, 4 tintas\, 4 gravuras e 7 vasos. Essa exibição restitui quase todas as obras e segue a exposição Zao Wou-Ki : l’espace est silence\, apresentada no MAM Paris em 2018-2019\, que atraiu mais de 183.000 visitantes.
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LOCATION:Musée d’Art Moderne de Paris\, 11 Av. du Président Wilson Paris\, Paris\, Paris\, França
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SUMMARY:"Mondes parallèles" no Musée d'Art Moderne de Paris
DESCRIPTION:Na cosmologia\, o mundo paralelo é definido como um universo que possui suas próprias medidas de espaço e tempo. Se tais mundos existissem\, logicamente deveriam estar separados do nosso e ser regidos por leis diferentes\, invertendo assim os princípios fundamentais que pensávamos ser absolutos e imutáveis. A partir de obras em processo de aquisição ou recentemente adicionadas às coleções do museu\, esta exposição é uma série de apresentações monográficas de artistas cujas obras se destacam por sua singularidade\, constituindo assim universos autônomos. Embora cada um represente um mundo muito pessoal\, os sete artistas reunidos aqui – Marie Bourget (1952-2016)\, Helmut Federle (1944-)\, Hélène Garache (1928-2023)\, Hubert Kiecol (1950-)\, Charlotte Rampling (1946-)\, Anne-Marie Schneider (1962-) e Pierre Weiss (1950-) – compartilham uma exigência intransigente em sua relação com a realidade e sua arte\, sendo que alguns deles raramente\, ou mesmo nunca\, foram expostos. Através de suas produções\, esses artistas nos convidam a expandir nossos hábitos de percepção\, geralmente ancorados no mundo visível\, para nos transportarmos a um universo paralelo\, poético e emocional. Para isso\, eles se baseiam em abordagens diferentes: alguns brincam com a variedade de formas e significados com múltiplas inversões\, enquanto outros elaboram rituais precisos que ressoam com forças invisíveis.
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LOCATION:Musée d’Art Moderne de Paris\, 11 Av. du Président Wilson Paris\, Paris\, Paris\, França
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SUMMARY:Norman Foster no Centre Pompidou
DESCRIPTION:O Centre Pompidou apresenta a maior retrospectiva de Norman Foster\, um dos grandes nomes da arquitetura moderna. Ocupando quase dois mil e duzentos metros quadrados\, a exposição apresenta uma ampla variedade de desenhos\, cadernos de trabalho\, maquetes e protótipos em várias escalas\, oferecendo uma visão geral de cerca de cem projetos tanto na arquitetura quanto no design. Uma seleção de obras de arte moderna e contemporânea destaca o grau em que elas foram marcos de períodos estéticos decisivos para Norman Foster. Como um arquiteto de redes\, sistemas de transporte e intercâmbio e órgãos de comunicação\, Foster sempre buscou colocar a ideia de controle ambiental no centro de suas criações\, a fim de transcender a ideia de natureza como algo completamente externo e ecologia como proteção e preservação. Dessa forma\, ele desenvolveu uma compreensão global sistêmica da natureza e da tecnologia\, conciliando o progresso tecnológico e uma abordagem ecológica sustentável.
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LOCATION:Centre Pompidou\, Place Georges-Pompidou\, Paris\, França
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SUMMARY:"Accro-chat-ge" no Musée d'Orsay
DESCRIPTION:Os gatos são representados na arte desde que a arte existe. No século XIX\, eles ocupam um lugar incomparável. Após o Paradis de Montcrif publicar em 1727 Les Chats\, o crítico de arte Champfleury dedica em 1868-69 uma obra aos pequenos felinos\, Les Chats : histoire\, mœurs\, anecdotes. O livro\, ilustrado com desenhos gravados por Delacroix\, Manet\, Mérimée\, Hokusai… é um grande sucesso. No final do século\, o gato preto empresta seu nome e sua silhueta ao famoso cabaré fundado por Rodolphe Salis\, estabelecido aos pés de Montmartre em 1881. Provavelmente era uma homenagem ao conto “O gato preto” de Edgar Allan Poe\, ao seu tradutor Charles Baudelaire\, defensor dos gatos. Também era uma referência à realidade parisiense de uma cidade onde os gatos vadios e miando eram abundantes\, especialmente à noite. Como intermediário entre a natureza e a cultura\, o gato reúne opostos: selvagem e doméstico\, independente e carinhoso\, predador e gentil. Ele possui qualidades reais\, simbólicas e plásticas que captam a atenção dos desenhistas. Pela duração de seu sono\, ele oferece ao artista um modelo imóvel ao alcance da mão. Com suas curvas\, sua plasticidade e sua beleza linear\, ele inspira o gesto do desenho.
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LOCATION:Musée d’Orsay\, 1 Rue de la Légion d'Honneur Paris\, Paris\, Paris\, França
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SUMMARY:Tacita Dean na Bourse de Commerce
DESCRIPTION:A Bourse de Commerce convida Tacita Dean a apresentar uma exposição composta por obras inéditas\, concebida em ressonância com a temporada “Avant l’orage”\, que está em exibição no museu desde 8 de fevereiro. Esta é sua primeira exposição de grande porte em uma instituição francesa desde aquela apresentada no Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris em 2003. Todas as obras foram especificamente criadas para a mostra Geography Biography. Tacita Dean utiliza filme\, fotografia\, desenho e colagem. Sua obra se destaca pela atenção dada ao tempo\, pelo convite lançado ao acaso\, com a incerteza como consequência. Em contraposição à desmaterialização das imagens e ao consumo frenético delas\, a artista responde com lentidão\, com a obra feita à mão\, reinvestindo\, com paciência aplicada\, a materialidade desses meios e a amplitude de seus formatos. Com giz\, pincel\, película analógica e fotografia em película\, ela convida a experimentar fisicamente a obra\, brincando com escalas entre o monumental e o ínfimo\, o eterno e o efêmero. Na Galerie 2\, o tempo geológico encontra a fugacidade de uma floração: as temporalidades contrastam para nos ajudar a compreender o inefável. Um desenho inédito\, The Wreck of Hope (2022)\, com mais de sete metros de comprimento\, reproduz um glaciar milenar com giz: a fragilidade da matéria torna\, delicada e radicalmente perceptível\, a vulnerabilidade desse gigante dos tempos remotos em declínio. Fotografias de Sakura (Taki I) (2022) e Sakura (Jindai I) (2023) mostram sakuras\, cerejeiras japonesas\, cujos galhos são apoiados para sustentar suas efêmeras florescências\, símbolo do renascimento cíclico da vida. Na órbita da Rotonde\, Tacita Dean inscreve um pavilhão circular\, desenhando um círculo dentro do círculo\, como um eclipse. Sob o amplo panorama pintado que se estende acima dos visitantes e retrata os projetos de expansão comercial e colonial da França durante a Terceira República\, a artista inscreve uma geografia mais pessoal. Geography Biography (2023)\, filme 35mm\, produzido para esta exposição\, traça uma cartografia autobiográfica: as imagens filmadas em diversas partes do mundo se sobrepõem a cartões-postais do século XX de sua coleção\, oferecendo paisagens recompostas\, revivendo temporalidades distantes e imaginadas\, fragmentos de vida e memória da artista.
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LOCATION:Bourse de Commerce\, 2 Rue de Viarmes Paris\, Paris\, Paris\, França
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SUMMARY:Maya Rochat e Rineke Dijkstra na Maison Européenne de la Photographie
DESCRIPTION:Maya Rochat cria montagens visuais com cores altamente saturadas\, combinando temas relacionados ao universo natural e a pintura abstrata. Suas fotografias de plantas\, rochas ou rios servem como base para suas experimentações\, sobrepondo e alterando imagens digitalmente ou fisicamente. Suas obras multiplataforma\, como livros de artista\, impressões e instalações imersivas\, transcendem os limites\, evocando uma reflexão poética sobre a beleza do mundo\, sua transformação e o papel humano nele. Rochat questiona a poluição visual gerada pelo fluxo contínuo de imagens digitais\, convidando o público a adentrar em um universo onírico que busca reencantar um mundo em crise. A exposição de Maya Rochat percorre doze anos de sua trajetória artística\, desde seus primeiros trabalhos na década de 2010 até seu projeto mais recente\, Poetry of the Earth (2022). Com uma obra transdisciplinar\, que valoriza a imagem fotográfica e o vídeo\, a exposição proporciona uma viagem visual e sensorial\, apresentando uma alternativa sensível às representações do mundo contemporâneo. Por outro lado\, Rineke Dijkstra é uma renomada artista conhecida por suas obras fotográficas e vídeos que exploram o gênero do retrato e abordam questões de identidade\, passagem do tempo e intimidade. Suas séries fotográficas capturam o desenvolvimento de seus sujeitos ao longo de longos períodos\, retratando a passagem do tempo\, as experiências de vida e os códigos sociais. Com uma abordagem sensível\, Dijkstra questiona o olhar\, tanto o que temos sobre nós mesmos quanto o que escapa ao nosso controle. Essas questões\, particularmente centrais na infância e na adolescência\, estão no cerne das obras apresentadas nesta exposição. A artista lança um olhar benevolente sobre jovens estudantes – artistas em formação ou visitantes da exposição – todos eles em pleno processo de construção de sua identidade. Ao longo de sua carreira de trinta anos\, Rineke Dijkstra\, nos convida a repensar nossa maneira de olhar o outro\, questionar o significado que atribuímos à sua imagem e refletir sobre nosso papel como observadores na sociedade contemporânea.
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LOCATION:Maison Européenne de la Photographie\, 5/7 Rue de Fourcy\, Paris\, França
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SUMMARY:Ron Mueck na Fondation Cartier
DESCRIPTION:A exposição da Fondation Cartier pour l’art contemporain traz o renomado artista australiano Ron Mueck para apresentar uma seleção de esculturas inéditas na França\, juntamente com peças icônicas de sua carreira. O destaque da exposição é a monumental instalação Mass (2017)\, composta por cem crânios humanos gigantes empilhados e reconfigurados para cada local de exibição. Essa obra proporciona uma experiência física e psicológica que convida os visitantes a refletirem sobre a existência humana. Além disso\, a exposição apresenta novos trabalhos criados especialmente para a ocasião\, revelando a evolução recente na prática de Mueck. A exposição marca um ponto de virada na carreira do artista\, pois ele se afasta de sua prática anterior de replicar meticulosamente detalhes da pele\, cabelo e roupa. Em vez disso\, Mueck busca transmitir a essência de sua obra\, a imediatidade e a ressonância de experimentar a presença de suas esculturas. Essa abordagem permite ao artista explorar grupos maiores com tensão e movimento mais dinâmicos. Além disso\, a exposição apresenta três obras icônicas dos anos 2000\, como Baby (2000)\, uma escultura minuciosa de um bebê que nos convida a refletir sobre os primeiros momentos de vida; Man in a Boat (2002)\, uma figura misteriosa que evoca estados internos inacessíveis; e A Girl (2006)\, um recém-nascido gigantesco que nos confronta com a fundamentalidade do nascimento. As esculturas de Ron Mueck são profundamente misteriosas e genuínas\, conferindo à realidade uma qualidade onírica. Sua exposição na Fondation Cartier oferece aos visitantes a oportunidade de explorar a complexidade da existência humana e refletir sobre sua própria relação com o corpo e a vida.
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LOCATION:Fondation Cartier\, 261 Bd Raspail Paris\, Paris\, França
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SUMMARY:Takashi Murakami na Gagosian Le Bourget
DESCRIPTION:Intitulada Understanding the New Cognitive Domain\, a exposição do trabalho de Takashi Murakami na galeria em Le Bourget\, foca em suas pinturas monumentais. A mostra apresenta cinco dessas obras\, além de outras em formatos menores e várias esculturas. Understanding the New Cognitive Domain marca a estreia de uma nova pintura monumental de 5 por 23 metros de Murakami\, baseada no iwai-maku\, ou cortina de palco\, que ele produziu para o teatro Kabuki-za em Ginza\, Tóquio\, em comemoração ao ator e produtor de Kabuki japonês Ichikawa Ebizō XI ao assumir o nome Ichikawa Danjūrō XIII\, Hakuen. (Nomes de palco Kabuki\, que especificam o estilo e a linhagem de um ator\, são transmitidos através de gerações; a família Ichikawa tem uma história de aproximadamente 350 anos). Também em exibição está outra pintura em formato estendido\, Dragon in Clouds – Indigo Blue (2010)\, que Murakami produziu em resposta à obra Dragon and Clouds (1763) do excêntrico artista japonês Soga Shōhaku. Em outra pintura épica\, semelhante a um friso\, Murakami utiliza uma estética que evoca nostalgia pelo visual pixelado dos gráficos de computador dos anos 1980. A obra foi inspirada em Pay for Your Pleasure (1988)\, de Mike Kelley. A mostra também inclui várias pinturas de “gatos da sorte” que fazem referência aos projetos recentes de NFT do artista\, e outras obras que apresentam o icônico motivo das flores sorridentes de Murakami\, incluindo uma placa de néon em arco-íris de dois metros\, na qual o artista novamente utiliza uma variante retro-digital de sua influente estética Superflat. Por fim\, duas figuras revestidas com espelhos\, representando avatares de estilo anime futurista\, reinvestem os NFTs Clone X (2021) que Murakami desenvolveu em colaboração com a RTFKT Studios com presença física\, refletindo sua fascinação pelo metaverso e sua sensibilidade para a natureza híbrida da agência no mundo atual.
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LOCATION:Gagosian Le Bourget\, 26 avenue de l’Europe\, Le Bourget\, França
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SUMMARY:Laura Lamiel e outras três exposições no Palais de Tokyo
DESCRIPTION:Mais introspectiva do que retrospectiva\, Vous les entendez? apresenta\, por meio de um conjunto de peças existentes e novas produções\, as diferentes facetas do trabalho de Laura Lamiel: desde pinturas até instalações\, passando pela fotografia\, vídeo e seu prolífico trabalho de desenho. Como destaca seu título inspirado em um livro de Nathalie Sarraute\, sua obra se desdobra por meio de ecos\, vibrações e zumbidos\, mas também por silêncios e respirações. Os Mountaincutters são um duo de escultores que\, há quase dez anos\, desenvolvem instalações prolíficas de aparência transitória. As repetições de formas\, deslocamentos de objetos e variações de materiais parecem responder a uma organização que escapa à nossa compreensão. Embora esses conjuntos de esculturas funcionem com suas próprias lógicas\, eles não deixam de ser porosos aos lugares que habitam\, entrando em ressonância com as qualidades dos espaços e dos materiais circundantes. Já a obra de Marie-Claire Messouma Manlanbien é alimentada pelas diferentes culturas que compõem sua identidade. De origem guadalupense e marfinense\, a artista iniciou suas atividades manuais na infância\, junto à sua mãe e avó. Após viver na Costa do Marfim até a guerra civil em 2004\, ela retorna à França. Mais tarde\, ela trabalha inspirada pelas tradições culturais das sociedades matriarcais akan do Gana e da Costa do Marfim\, bem como por sua cultura negra. Cada uma de suas obras combina de forma sincrética elementos desses diferentes universos\, explorando os símbolos e questionando os espaços e expressões da feminilidade\, bem como a relação com as tradições artesanais em uma sociedade modernizada pela industrialização. E ainda\, a mostra La Morsure des Termites traz o graffiti não como tema ou estética\, mas como experiência\, atitude\, imaginário\, pensamento subterrâneo. Agindo por parasitismo\, por sobreposição\, por fantasia\, por fricção\, por contra-senso ou por amizade\, a mostra tenta uma reinterpretação especulativa da história da arte sob o prisma do graffiti.
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LOCATION:Palais de Tokyo\, 13\, avenue du Président Wilson\, Paris\, França
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SUMMARY:"La Mode en mouvement" no Palais Galliera
DESCRIPTION:O Palais Galliera apresenta La Mode en mouvement [A Moda em Movimento]\, sua segunda exposição de coleções nas galerias do térreo do jardim. Com cerca de 200 obras\, este percurso cronológico traça\, através das coleções do museu\, uma história da moda desde o século XVIII até os dias atuais e\, ao mesmo tempo\, desenvolve uma temática transversal dedicada ao corpo em movimento. Refletindo os Jogos Olímpicos e Paralímpicos que serão realizados em Paris em 2024\, o Palais Galliera questiona o papel das roupas na prática de atividades físicas e esportivas\, sua relação com o corpo e o movimento\, bem como as consequências sociais de sua evolução. As roupas projetadas ao longo das épocas para atividades físicas e esportivas são comparadas com as roupas do dia a dia. Esse diálogo questiona as noções de especialização das roupas esportivas\, a adaptação das roupas femininas para a prática física no final do século XIX\, a masculinização das roupas femininas e a introdução do sportswear no guarda-roupa cotidiano. Por fim\, a evolução do corpo\, especialmente o corpo esportivo\, e a forma como ele é valorizado pelas roupas são destacadas para melhor compreender como a liberação do corpo através da atividade física contribuiu para a evolução das mentalidades e dos padrões de beleza. Trajes de banho\, roupas de ciclista e amazona\, casacos e acessórios de automobilismo\, conjuntos de corrida e tênis\, por exemplo\, serão apresentados ao lado de silhuetas características de três séculos de história da moda. O museu receberá empréstimos excepcionais do Museu Nacional do Esporte (Nice)\, da Biblioteca Forney (Paris)\, do Patrimônio CHANEL\, da coleção Emile Hermès\, das casas Sonia Rykiel e Yohji Yamamoto. Essas obras convidadas ajudarão a contextualizar as peças do Palais Galliera\, testemunhas de práticas físicas e esportivas\, de lazer ou de competição\, ao longo das épocas.Por razões de conservação preventiva\, esta exposição será organizada em três fases consecutivas\, cada uma exigindo um período de fechamento de cinco semanas. Assim\, as obras serão em grande parte renovadas\, oferecendo aos visitantes a oportunidade de retornar e descobrir as coleções do Palais Galliera.
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LOCATION:Palais Galliera\, 10 Av. Pierre 1er de Serbie\, Paris\, França
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SUMMARY:Pol Taburet na Lafayette Anticipations
DESCRIPTION:OPERA III: ZOO The Day of Heaven and Hell [O Dia do Céu e do Inferno] é a primeira exposição individual em uma instituição de Pol Taburet. O artista apresenta pinturas e explora novos meios\, como a escultura ou a instalação. Muitas dessas obras são inéditas e criam um percurso que se desdobra\, de cena em cena\, em toda a Fundação Lafayette Anticipations. A Lafayette Anticipations se transforma em um interior doméstico habitado por visões que nos mergulham em uma realidade próxima da alucinação. As obras de Pol Taburet\, inspiradas no imaginário infantil e em sua capacidade de criar mundos\, bebem de uma mitologia tanto pessoal quanto coletiva\, contos\, desenhos animados e história da arte. A arquitetura se enche de presenças\, o inanimado ganha vida\, o monstruoso se esconde nas sombras e as emoções ganham corpo. As figuras surgem das pinturas e esculturas como espectros\, corpos imersos nas luzes artificiais de uma sala\, de um teatro\, de um clube de strip-tease. Nascidos na intimidade – seja do espaço doméstico\, da lembrança\, do sonho ou mesmo da fantasia -\, esses “personagens-espíritos” escapam para animar todos os espaços da Fundação. Ao longo da exposição\, o estranho se mescla ao familiar e as obras inventam um bestiário humano. Quais são as pulsões\, visões e desejos que animam nossas mentes e corpos na intimidade? O trabalho de Pol Taburet se propõe a mergulhar nas profundezas do ser\, em seus territórios invisíveis\, inconfessáveis ou indomáveis.
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LOCATION:Lafayette Anticipations\, 9\, rue du Plâtre\, Paris\, França
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SUMMARY:Temporada de exposições na Galleria Continua Paris
DESCRIPTION:A exposição Seeds from my garden flying to other countries\, de Loris Cecchini\, é construída em torno da ideia de que o espírito da natureza pode ser traduzido por meio de diferentes poéticas\, linguagens e processos técnicos. Reúne peças modulares inéditas\, estritamente ligadas ao espaço\, com elementos únicos que compõem vários motivos ligados à ideia de contaminação natural e dinâmica vetorial. O artista toma conta de todo o local usando o potencial de crescimento modular infinito de suas obras\, que lhe permitem dançar no espaço\, improvisando formas e estruturas como sementes plantadas no coração de um jardim estranho. \n\n\n\nJá a mostra Le début\, do pintor\, escultor e artista visual argentino Julio Le Parc\, reúne uma seleção de mais de 50 obras em tela ou em três dimensões. A exposição inclui guaches sobre papel de várias séries produzidas no início dos anos 1970\, representativas da linguagem artística singular do artista pioneiro da arte cinética e da Op Art\, bem como projetos preparatórios emoldurados\, colagens em papelão e um móbile de grande escala\, precursor da instalação monumental mais importante do artista\, no Tabakalera\, um centro internacional de arte em San Sebastián (Espanha). \n\n\n\nPor outro lado\, a exposição de Michelangelo Pistoletto tem suas origens no Segno Arte (Sinal de Arte)\, um elemento caracterizado pela intersecção de dois triângulos que emolduram um corpo humano com os braços erguidos e as pernas abertas\, à maneira do famoso Homem Vitruviano de Leonardo da Vinci\, e que também dá título à mostra. Este símbolo pessoal do artista\, que deliberadamente difere de símbolos religiosos\, políticos ou publicitários\, fornece a chave para entrar em um espaço íntimo e compartilhado\, um lugar propício à interação social\, através da porta da arte. \n\n\n\nEm Without Distinction\, a mostra é dedicada aos métodos usados ​​pelos arquitetos da MBL como parte dos grandes trabalhos de renovação realizados para dar nova vida aos espaços únicos da galeria na França. A exposição apresenta sete peças documentais que recriam os lugares e suas histórias\, e destacam uma forma de fazer arquitetura\, através da abordagem proposta pelos arquitetos da MBL. \n\n\n\nA Galleria Continua também apresenta The Ability to Dream\, uma exposição coletiva em três capítulos em seus espaços franceses em Paris e Les Moulins\, e no Centro Interculturel Leila Alaoui (CILA) em Fontvieille\, Provença\, marcando a exposição inaugural deste novo centro de arte. Esta nova trilogia segue-se à exposição homônima apresentada na Galleria Continua / San Gimignano em 2022. The Ability to Dream é também o título de um documentário produzido e dirigido pela Sky Arte e TIWI\, que traça a história de 30 anos da galeria\, através das vozes e memórias de alguns dos protagonistas desta incrível aventura.
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LOCATION:Galleria Continua Paris\, 87 rue du Temple\, Paris\, França
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SUMMARY:"Over the Rainbow" no Centre Pompidou
DESCRIPTION:Reunindo mais de quinhentas obras e documentos\, principalmente da coleção do Centre Pompidou\, a exposição tem como objetivo mostrar como\, desde o início do século XX\, os artistas contribuíram para transformar a representação das sexualidades ditas “minoritárias” e participaram das lutas conduzidas pelas comunidades LGBTQIA+ em busca do reconhecimento de seus direitos. Isso acompanhou um movimento de emancipação que viu a formação de subculturas transgressoras\, em parte clandestinas\, abrindo caminho\, no final dos anos 1960\, para a afirmação de uma ação militante plenamente exercida no espaço público. Longe de oferecer um relato unidimensional\, Over the Rainbow apresenta uma constelação de obras diversas que têm em comum afirmar\, cada uma à sua maneira\, o que é denegrido pela representação homofóbica. Enraizadas em uma dimensão eminentemente social\, as obras apresentadas se desdobram principalmente nas disciplinas da reprodução mecânica\, as únicas capazes de oferecer uma ampla difusão\, como o cinema ou o impresso. As coleções da Biblioteca Kandinsky são amplamente solicitadas: graças ao apoio institucional da Gilead Sciences\, elas recentemente se enriqueceram com centenas de itens – livros ilustrados\, fotografias\, revistas ou “queer zines” – formando um vasto arquivo da cultura visual LGBTQIA+ dos séculos XX e XXI. Esse olhar diferente sobre a coleção do Centre Pompidou destaca a contribuição artística nas lutas conduzidas pelas comunidades LGBTQIA+ desde o início do século XX.
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LOCATION:Centre Pompidou\, Place Georges-Pompidou\, Paris\, França
CATEGORIES:Paris
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SUMMARY:"Graver la lumière" no Musée Marmottan Monet
DESCRIPTION:O Museu Marmottan Monet apresenta uma excepcional coleção de gravuras da Fundação Suíça William Cuendet & Atelier de Saint-Prex. Através de mais de uma centena de obras-primas\, o visitante pode ver um conjunto do século XV ao século XXI: Dürer\, Rembrandt\, Piranesi\, Goya\, Corot\, Manet\, Degas\, Bonnard\, Vuillard. As obras dos maiores mestres serão colocadas lado a lado com criações de artistas contemporâneos. Ao receber esta exposição dedicada à história da gravura e às suas técnicas\, o Museu Marmottan Monet abre as suas portas a um dos meios de comunicação que foi\, desde o século XV\, um dos mais populares\, até ao dia em que a indústria jornalística e a fotografia vieram substituí-lo. Mas a arte do gravador é também uma das artes mais ricas em invenções sutis e surpresas. Poder interpretar os encantos da luz\, exprimir todos os seus segredos\, foi o esforço sempre realizado pelos gravadores para conseguir traduzir as suas nuances com apenas o par preto-e-branco. No final do século XIX\, as suas reflexões sobre a reprodução da luz ecoam as abordagens de alguns pintores impressionistas para significar a sua passagem rápida e vibrante em sua pintura. Na verdade\, artistas como Redon\, Degas ou Monet\, não foram insensíveis aos novos processos de restituição pelos cobres ou pedras dos efeitos luminosos. Uma seção especial da exposição é dedicada à heliografia\, este processo de impressão que ofereceu aos fotógrafos do final do século XIX a possibilidade de gravar a luz\, no momento em que o impressionismo se dedica a pintá-la.
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LOCATION:Musée Marmottan Monet\, 2 Rue Louis Boilly\, Paris\, França
CATEGORIES:Paris
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SUMMARY:"Soyer\, uma linhagem de esmaltadores parisienses" no Musée d'Orsay
DESCRIPTION:A família Soyer\, especializada na arte dos esmaltes pintados\, destacou-se durante meio século em estilos variados\, do Renascimento ao Art Nouveau. O acervo de desenhos preparatórios do Museu d’Orsay oferece uma visão geral do processo criativo e da obra dessa linhagem de esmaltadores parisienses. A pintura em esmalte é um dos saberes antigos que os artistas redescobriram na segunda metade do século XIX. Na sequência de Claudius Popelin\, que publicou L’émail des peintres em 1866\, Paul Soyer\, um ourives de formação\, especializou-se na técnica da pintura em esmalte “à la façon de Limoges”. Ele rapidamente criou uma empresa que se destacou em salões e exposições e recebeu uma medalha de ouro na Exposição Universal de 1878. Após a Exposição Universal de 1889\, seu filho Théophile\, formado na École des Beaux-Arts\, assumiu o negócio da família com sua esposa Lucie Dejoux\, que também era uma pintora em esmalte. Sua filha\, Jeanne\, formada muito jovem pelos pais\, tornou-se muito rapidamente “a melhor operária da casa”. A exposição apresenta uma seleção de desenhos preparatórios\, que são testemunhos da inventividade dos Soyer e de sua capacidade de se adaptar aos gostos da época. Até 1914\, eles permanecem fiéis ao historicismo\, ao mesmo tempo em que desenvolvem uma produção Art Nouveau\, inspirada na natureza e em figuras femininas. Esses desenhos também permitem observar o processo de fabricação dos objetos\, da escolha dos metais para a realização das formas à escolha das cores para a pintura em esmalte.
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LOCATION:Musée d’Orsay\, 1 Rue de la Légion d'Honneur Paris\, Paris\, Paris\, França
CATEGORIES:Paris
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SUMMARY:Rachel Fleminger Hudson na Maison Européenne de la Photographie
DESCRIPTION:O Estúdio da MEP recebe a fotógrafa e videomaker britânica Rachel Fleminger Hudson\, vencedora do Prêmio Dior de Fotografia e Artes Visuais para Jovens Talentos em 2022. Sua prática artística transdisciplinar também inclui trabalhos com figurino\, cenografia e pesquisa acadêmica em estudos culturais. Essa primeira exposição individual reúne um conjunto de fotografias de várias séries explorando o imaginário dos anos 1970. Algumas dessas imagens simulam fotografias de época capturadas no momento\, como aquelas representando jovens fãs de futebol. Outras assumem uma encenação teatral com modelos em pleno desempenho. Essas fotografias\, embora impregnadas de um espírito brincalhão\, são rigorosamente construídas\, resultando de uma pesquisa teórica e visual aprofundada. Ao estudar a moda e sua capacidade de retratar a condição sociocultural e expressar a individualidade\, o artista examina as identidades\, a sociedade e sua história através do prisma da cultura do vestuário. Rachel Fleminger Hudson tem um carinho especial pelos anos 1970 por seu caráter de transição. Esse período é marcado pela mudança de valores e estilos de vida: a sociedade moderna e seu culto à autenticidade dão lugar à pós-modernidade\, baseada na reprodução e no simulacro. Ao fazer da nostalgia seu objeto de estudo\, o artista questiona nossa relação com o passado através de suas metarrepresentações\, que colocam em tensão o autêntico e o fictício.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/rachel-fleminger-hudson-na-maison-europeenne-de-la-photographie/
LOCATION:Maison Européenne de la Photographie\, 5/7 Rue de Fourcy\, Paris\, França
CATEGORIES:Paris
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