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SUMMARY:"Avant l'Orage" na Bourse de Commerce
DESCRIPTION:A exposição coletiva Avant l’Orage (Antes da Tempestade) é um convite para o público fazer uma viagem pelas instalações e obras de quase vinte artistas que metamorfosearam todos os espaços do museu. Contra o pano de fundo da mudança climática\, na urgência do presente como no olho de um furacão\, escuridão e luz\, primavera e inverno\, chuva e sol\, dia e noite\, o humano e o não-humano coabitam nessa nova exposição de obras da Pinault Collection. Essas paisagens instáveis\, capturadas em um tempo dessincronizado\, representam novos ecossistemas nos quais o visitante é convidado a mergulhar. Essa estação temática é dividida em duas partes\, abrindo com uma instalação monumental de Danh Vo\, criada para a Rotunda da instituição\, antes de ser retomada no final de maio para a exposição dedicada à artista britânica Tacita Dean\, na Rotunda e também na Galeria 2 da Bourse de Commerce. Uma das frases que define a mostra vem do filósofo italiano Emanuele Coccia\, convidado pela instituição a fazer um audiocomentário da exposição: “Tudo na Terra é tempo. É sobre isso que se tratam as obras dessa exposição. (…) afinal\, você não sabe realmente se está antes ou depois da tempestade\, porque o mundo inteiro se tornou uma tempestade. E a tempestade nada mais é do que o canto da vida”. A lista de artistas é composta pelos brasileiros Lucas Arruda e Jonathas de Andrade\, além de Hicham Berrada\, Dineo Seshee Bopape\, Frank Bowling\, Judy Chicago\, Tacita Dean\, Robert Gober\, Dominique Gonzalez-Foerster\, Felix Gonzalez-Torres\, Pierre Huyghe\, Benoit Piéron\, Daniel Steegmann Mangrané\, Alina Szapocznikow\, Diana Thater Thu Van Tran\, Cy Twombly\, Danh Vo e Anicka Yi. 
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LOCATION:Bourse de Commerce\, 2 Rue de Viarmes Paris\, Paris\, Paris\, França
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SUMMARY:"Chagall\, Paris - New York" no Atelier des Lumières
DESCRIPTION:A exposição imersiva Chagall\, Paris – New York é dedicada ao pintor prolífico e inclassificável Marc Chagall (1887–1985) no Atelier des Lumières. Esta exposição digital única apresenta todo o seu trabalho\, revelando uma obra enraizada em seu tempo\, no cruzamento das novidades artísticas e culturais de seu século e em constante renovação. Paris e Nova York\, capitais emblemáticas da arte moderna\, representam duas etapas cruciais na longa carreira do artista. Paris foi a cidade escolhida e\, graças às vanguardas dos anos 1910\, forneceu ao jovem pintor russo um acervo de obras experimentais\, que ele enriqueceu com suas próprias referências culturais. Nova York foi principalmente um lugar de exílio durante a década de 1940\, mas deu um novo ímpeto à criatividade do artista. Depois da guerra\, várias exposições e grandes encomendas reforçaram os vínculos entre Paris e Nova York e trouxeram Chagall de volta aos Estados Unidos\, até a década de 1970. Durante esta exposição imersiva\, todos os temas e imagens presentes no repertório do artista são projetados nas paredes do Atelier des Lumières\, como imagens recortadas entrelaçadas. Eles são complementados por pequenos trechos de música clássica\, klezmer e jazz\, que também fizeram parte do universo cultural de Chagall. Seu fantástico bestiário\, seus maravilhosos personagens de circo\, fábulas e ópera\, assim como episódios bíblicos e referências à cultura russa\, evocam poeticamente as ricas experiências de vida do artista\, que naturalmente ressoam com as experiências coletivas de seu povo e geração. Como testemunha dos maiores eventos históricos do século XX – do mais sombrio ao mais edificante – Chagall transformou sua arte ousada e imaginativa em um instrumento de compromisso\, paz e esperança.
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LOCATION:Atelier des Lumières\, 38 Rue Saint-Maur\, Paris\, França
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SUMMARY:"1997 – Fashion Big Bang" no Palais Galliera
DESCRIPTION:O Palais Galliera organiza uma exposição dedicada ao ano de 1997\, um ano decisivo na história da moda contemporânea. Ao mesmo tempo consagração da moda dos anos 1990 e ponte para o novo milênio\, 1997 foi marcado pela frenética sequencia de coleções\, desfiles\, nomeações\, inaugurações e eventos que moldaram o cenário da moda como o conhecemos hoje. Seu impacto foi tão grande que 1997 pode ser considerado o lançamento da moda do século XXI. O ano é marcado por coleções emblemáticas como os corpos deformados da Comme des Garçons com a coleção “Body Meets Dress\, Dress Meets Body”\, as roupas conceituais de Martin Margiela com a coleção “Stockman” e os cânones da beleza masculina redefinidos por Raf Simons com a coleção “Black Palms”. A revista Vogue Paris define a temporada de alta costura primavera-verão 1997 como o “Big Bang” que Paris precisava para recuperar sua posição como capital internacional da moda\, em um momento de crise econômica e forte concorrência global. O ano de 1997 foi de fato uma safra com a entrada na alta costura de estilistas famosos dos anos 1980\, como Jean Paul Gaultier e Thierry Mugler\, assim como uma nova geração de estilistas britânicos assumiu casas francesas históricas\, como Alexander McQueen na Givenchy e John Galliano na Christian Dior. O fenômeno da globalização está se acelerando\, prenunciando os anos 2000 e 2010. Jovens diretores artísticos então pouco conhecidos surgem\, sozinhos ou à frente de grandes casas: Hedi Slimane\, Stella McCartney\, Nicolas Ghesquière e Olivier Theyskens. Nomes que ainda hoje moldam a atualidade da moda. A jornada cronológica reúne mais de 50 silhuetas das coleções do Palais Galliera\, empréstimos de museus\, colecionadores internacionais e casas de moda. É enriquecido por vídeos e documentos de arquivo inéditos. A exposição 1997 Fashion Big Bang é um convite a vivenciar ou reviver os acontecimentos mais marcantes que marcaram este ano “explosivo” da história da moda.
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LOCATION:Palais Galliera\, 10 Av. Pierre 1er de Serbie\, Paris\, França
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SUMMARY:"Homenagem a Picasso\, a coleção ganha cores" no Musée Picasso Paris
DESCRIPTION:No dia 8 de abril de 2023\, foi marcado o cinquentenário da morte de Pablo Picasso\, tornando o ano uma ocasião especial para celebrar sua obra e seu legado artístico na França\, Espanha e internacionalmente. Como parte dessa celebração\, o Museu Nacional Picasso-Paris convidou o renomado designer britânico Sir Paul Smith\, conhecido por seu trabalho com cor\, personalização e kitsch\, para assumir a direção artística de uma exposição excepcional\, destacando a coleção do museu. Essa exposição\, realizada em colaboração com Sir Paul Smith\, gira em torno das obras-primas da coleção. A abordagem singular que o designer traz para as obras convida o público a enxergá-las de uma perspectiva mais contemporânea\, ressaltando a atualidade do trabalho de Picasso. Além disso\, os universos criativos desses dois artistas se encontram em momentos especiais\, compartilhando uma paixão por objetos\, figurinos e brincadeiras\, resultando em aproximações e uma disposição inventiva e espetacular das obras! O percurso da exposição é marcado por obras de artistas contemporâneos internacionais. Assim\, Guillermo Kuitca\, Obi Okigbo\, Mickalene Thomas e Chéri Samba contribuem para essa mesma vontade de abrir novas perspectivas sobre o legado da obra de Picasso\, questionando sua imagem ou incorporando algumas de suas inovações plásticas de maneira única e impactante.
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LOCATION:Musée Picasso Paris\, 5 rue de Thorigny\, Paris\, França
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SUMMARY:Philippe Cognée no Musée de l'Orangerie
DESCRIPTION:Para o Musée de l’Orangerie\, o artista concebe um conjunto de obras inéditas que lançam um olhar agudo e sutil sobre a série Nymphéas de Monet. Desde os anos 1980\, Philippe Cognée optou pela pintura figurativa\, contribuindo para sua renovação. Gradualmente\, desenvolveu uma técnica que condiciona o surgimento das imagens. Embora geralmente partindo de fotografias\, seu meio sempre é a pintura a cera\, em que o artista derrete com um ferro de passar após isolar a camada pictórica. As formas se misturam\, os contornos se desvanecem\, criando efeitos de borrão ou fusão. A imagem\, assim mantida à distância e distorcida\, incorpora o acaso ao resultado final. A mostra traz um conjunto de pinturas inéditas\, floresta\, matagal e multidões que questionam tanto a percepção da paisagem quanto a pintura. Como alquimista\, ele condensa a matéria\, arranha\, raspa\, cobre novamente. As intervenções na tela\, impregnadas de uma violência real e de um investimento físico do artista\, contribuem para a presença da pintura\, ainda mais do que para a representação dos assuntos\, eles próprios impregnados de selvageria ou inquietação. 
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LOCATION:Musée de l’Orangerie\, Jardin Tuileries Paris Département de Paris\, Paris\, Paris\, França
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SUMMARY:"Léon Monet: Frère de l’Artiste e Collectionneur" no Musée du Luxembourg
DESCRIPTION:O Musée du Luxembourg apresenta uma nova exposição dedicada a Léon Monet (1836-1917)\, o irmão esquecido de Claude Monet (1840-1926). Ao mesmo tempo\, químico de pigmentos e colecionador\, Léon Monet desempenhou um papel importante e decisivo na carreira do irmão. Em 1872\, quando Claude voltou a Le Havre e pintou Impression\, soleil levant\, Léon fundou a Sociedade Industrial de Rouen e decidiu apoiar ativamente seu irmão e seus amigos impressionistas. Estes foram os primeiros passos na constituição de um notável acervo de arte moderna. “Foi interessante ver que Léon estava interessado no lado químico dos pigmentos e corantes\, enquanto Claude estava interessado no uso artístico da cor”\, disse Géraldine Lefebvre\, curadora da nova exposição sobre o químico\, ao The Guardian. A exposição reúne cerca de cem obras\, incluindo pinturas e desenhos de Monet\, Morisot\, Sisley\, Pissarro e Renoir\, além de livros de cores\, amostras de tecidos\, gravuras japonesas\, documentos de arquivo e muitas fotografias de família. Pela primeira vez é apresentado o retrato enérgico que Claude Monet fez de seu irmão mais velho em 1874\, uma vibrante evidência do profundo afeto que unia os dois irmãos. A exposição insere definitivamente Léon Monet na biografia de Claude e mostra o interesse comum dos dois irmãos pela cor.
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LOCATION:Musée du Luxembourg\, 19 Rue de Vaugirard\, Paris\, França
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SUMMARY:Elliott Erwitt no Musée Maillol
DESCRIPTION:Humanismo\, ironia e humor. A grande e sublime retrospectiva de Elliott Erwitt\, presta homenagem a um dos mais importantes nomes da fotografia do século XX\, membro da Magnum Photos desde 1954. A mostra apresenta seu trabalho através de um conjunto extenso de 215 fotografias em preto e branco e coloridas. Fotógrafo americano de origem europeia\, Elliott Erwitt é ao mesmo tempo um pintor do íntimo\, fotojornalista\, fotógrafo publicitário\, diretor e retratista de personalidades como Marilyn Monroe\, Jackie Kennedy\, Charles de Gaulle\, Ernesto “Che” Guevara\, Alfred Hitchcock\, Nikita Khrushchev\, entre outros. A exposição reflete a diversidade dos temas abordados e a profunda unidade da obra. Erwitt tem uma maneira de eternizar momentos da vida cotidiana por meio de um olhar único\, misturando humor e emoção. Através de uma cenografia excepcional\, você descobre a sensibilidade singular do fotógrafo\, principalmente em suas fotografias coloridas. “Na verdade\, dizer que há humanidade em minhas fotos é o maior elogio que já me fizeram.” disse Elliott Erwitt. Também é possível visitar os bastidores do trabalho do fotógrafo com o espaço Factory onde se encontram objetos que pretendem evocar seu estúdio nova-iorquino e a extensão de suas atividades relacionadas à fotografia.
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LOCATION:Musée Maillol\, 59-61 Rue de Grenelle\, Paris\, França
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SUMMARY:Manet e Degas no Musée d'Orsay
DESCRIPTION:Reunir artistas tão cruciais como Manet e Degas não pode se limitar à identificação das semelhanças em seus respectivos corpos de trabalho. Certamente entre esses dois atores essenciais da nova pintura das décadas de 1860-80\, não faltam analogias em relação aos temas que impuseram (corridas de cavalos\, cenas dos cafés\, prostituição e banhos)\, aos gêneros que reinventaram\, ao realismo que abriram a outras potencialidades formais e narrativas\, ao mercado e aos colecionadores que conseguiram conquistar\, aos lugares (cafés\, teatros) e círculos familiares (Berthe Morisot) ou amigáveis em que se cruzaram. Antes e depois do surgimento do Impressionismo\, sobre o qual a exposição lança um novo olhar\, o que os diferenciava ou os opunha era ainda mais evidente. Com formações e temperamentos diferentes\, eles não compartilham os mesmos gostos literários e musicais. Suas escolhas divergentes em termos de exposição e carreira esfriaram\, desde 1873 – 1874\, a amizade que os unia\, amizade que foi reforçada pela experiência comum da guerra de 1870 e do rescaldo da Comuna. Não se pode comparar a busca por reconhecimento do primeiro e a recusa obstinada do segundo em seguir os canais oficiais de legitimação. E se considerarmos a esfera privada\, passados ​​os anos da juventude\, tudo os separa. À sociabilidade muito aberta e brilhante de Manet\, às suas escolhas domésticas\, responde a existência secreta de Degas e seu círculo restrito. Em Degas Danse Dessin\, livro de Paul Valéry\, onde se fala muito sobre Manet\, o autor fala dessas “maravilhosas coexistências” que beiram os acordes dissonantes. Por aproximar Manet e Degas em seus contrastes\, e mostrar o quanto eles se definem por se distinguirem\, esta exposição\, rica em obras-primas nunca antes reunidas e uma parceria inédita\, nos obriga a lançar um novo olhar sobre a cumplicidade de curta duração e rivalidade duradoura de dois gigantes.
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LOCATION:Musée d’Orsay\, 1 Rue de la Légion d'Honneur Paris\, Paris\, Paris\, França
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SUMMARY:"Basquiat x Warhol. Painting four hands" na Fundação Louis Vuitton
DESCRIPTION:Entre 1984 e 1985\, Jean-Michel Basquiat (1960-1988) e Andy Warhol (1928-1987) criaram cerca de 160 pinturas juntos\, “à quatre mains”\, incluindo algumas das maiores obras produzidas durante suas respectivas carreiras. “Basquiat × Warhol. Painting four hands” é a exposição mais importante já dedicada a esse corpo extraordinário de trabalho e reúne mais de trezentas obras e documentos\, incluindo oitenta telas assinadas conjuntamente pelos dois artistas. Também são apresentadas obras individuais de cada um\, bem como um conjunto de obras de outros artistas importantes (Futura 2000\, Michael Halsband\, Keith Haring\, Jenny Holzer\, Kenny Scharf…) para evocar a energia da cena artística do centro de Nova Iorque dos anos 1980. A exposição será aberta com uma série de retratos de Basquiat por Warhol e de Warhol por Basquiat\, seguindo com outas colaborações iniciais. Essas obras\, repercutidas pelo marchand dos dois artistas\, Bruno Bischofberger\, se beneficiaram de uma colaboração com o artista italiano\, Francesco Clemente. Após completarem 15 pinturas juntos a Clemente\, Basquiat e Warhol continuaram sua colaboração quase diária\, com entusiasmo e cumplicidade. A energia e a força de suas trocas incessantes serão a força motriz da exposição\, percorrendo todas as galerias da Fundação\, apresentando destaques como a escultura monumental Ten Punching Bags (Last Supper) ou o painel de 8 metros African Mask. Basquiat admirava Warhol como uma personalidade chave do mundo da arte e o pioneiro de uma nova linguagem e de um relacionamento inovador com a cultura pop. Warhol\, por sua vez\, encontrou em Basquiat um interesse renovado pela pintura. Graças a ele\, voltou a pintar manualmente em uma escala muito grande. Os assuntos retratados por Warhol servem como base para séries inteiras de obras que pontuarão a exposição. “Basquiat × Warhol. Painting four hands”\, em cartaz até 28 de agosto\, mostrará essas idas e vindas através de um diálogo de estilos e formas que também aborda assuntos cruciais\, como a integração da comunidade afro-americana na narrativa da América do Norte.
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LOCATION:Fundação Louis Vuitton\, 8 Av. du Mahatma Gandhi\, Paris\, França
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SUMMARY:"Des cheveux et des poils" no Musée des Arts Décoratifs
DESCRIPTION:O museu francês apresenta uma exposição dedicada aos cabelos e pelos do corpo no mundo ocidental. Este projeto original\, com curadoria de Denis Bruna\, curador-chefe do departamento de moda e têxtil\, continua explorando temas relacionados a moda e a representação do corpo. Depois de “La mécanique des dessous” (2013)\, “Tenue correcte exigée !” (2017) e “Marche et démarche” (2019)\, “Des cheveux et des poils” mostra como os penteados e a disposição dos cabelos humanos estão envolvidos na construção das aparências há séculos. \n\n\n\nA exposição explora através de mais de 600 obras\, desde o século XV até à atualidade\, os temas inerentes à história dos cabeleireiros\, mas também questões relacionadas com os pelos faciais e corporais. As profissões e saberes de ontem e de hoje destacam-se com as suas figuras emblemáticas: Léonard Autier (o cabeleireiro preferido de Marie-Antoinette)\, Monsieur Antoine\, as irmãs Carita\, Alexandre de Paris e mais recentemente os cabeleireiros de estúdio. Grandes nomes da moda contemporânea como Alexander McQueen\, Martin Margiela ou Josephus Thimister marcam presença com as suas espetaculares criações feitas a partir deste material singular que é o cabelo. Dentro deste contexto\, a mostra aborda também temas sociais\, políticos\, de identidade e de gênero ao criar recortes precisos ao longo de décadas passadas e atuais\, como no movimento Black is Beautiful\, nas contraculturas dos anos 1980 e na moda contemporânea.
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LOCATION:Musée des Arts Décoratifs\, 107 Rue de Rivoli Paris\, Paris\, Paris\, França
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SUMMARY:Moï Ver no Centre Pompidou
DESCRIPTION:A obra do pintor\, artista gráfico e fotógrafo Moï Ver\, nascido na Lituânia em 1904\, é apresentada pela primeira vez em toda a sua riqueza e complexidade. Uma retrospectiva excepcional que reúne mais de 300 obras e documentos entre fotografias\, pinturas\, desenhos e impressos\, em sua maioria inéditos. Durante sua primeira estadia na França no final da década de 1930\, Moshe (Moses) Worobiejczyk (Vorobeichik) adotou os pseudônimos “Moï Ver” e depois “moï Wer”\, antes de assumir o nome de Moshe Raviv após seu exílio na Palestina Mandatária em 1934. Tendo se formado como artista na Bauhaus\, estudou em Paris sob orientação de Fernand Léger entre 1929 e 1934. Grandes exemplos do modernismo fotográfico dos anos 1930\, preservados nas coleções do Museu Nacional de Arte Moderna de Paris (1931) e do Ci-Contre (1931)\, são apresentados em sua totalidade na exposição. Com sua brilhante gramática de formas\, esses dois conjuntos são testemunho de uma visão experimental e de um impressionante domínio da montagem fotográfica.
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LOCATION:Centre Pompidou\, Place Georges-Pompidou\, Paris\, França
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SUMMARY:"Sarah Bernhardt: And the woman created the star" no Petit Palais
DESCRIPTION:Com mais de quatrocentas obras\, a exposição traça a vida e o percurso teatral deste “monstro sagrado”\, como a apelidou Jean Cocteau. Lendária intérprete dos maiores papéis de Racine\, Shakespeare\, Edmond Rostand e Alexandre Dumas\, entre outros\, Sarah Bernhardt foi de triunfo em triunfo nos cinemas de todo o mundo. A exposição evoca seus maiores papéis através dos figurinos que ela usava no palco\, fotografias\, pinturas\, cartazes e outras recordações. A sua “voz de ouro” e a sua figura alta e esbelta cativavam o público\, assim como o mundo artístico e literário\, que simplesmente a venerava. Foi amiga de pintores como Gustave Doré\, Georges Clairin\, Louise Abbéma e Alphonse Mucha\, mas também de escritores como Victor Hugo\, Victorien Sardou e Sacha Guitry\, além de músicos e compositores como Reynaldo Hahn. Ela mesma era uma artista\, e toda uma seção da exposição enfoca esse aspecto menos conhecido de sua vida. Fotografias\, pinturas e até um filme revelam o lado privado da sua arte\, mas também a publicidade que procurava para o seu trabalho enquanto artista. Uma série de objetos que lhe pertenceram também ilustram a vida pessoal de Sarah Bernhardt e seu gosto pela excentricidade: suas várias casas\, seus interiores luxuosos e ecléticos e seu guarda-roupa. Sarah Bernhardt pode ser considerada uma verdadeira estrela antes de seu tempo\, sempre atenta às novas tendências e usando sua imagem para sua própria publicidade. O frenesi de emoção popular que saudou sua morte em 1923\, aos 79 anos\, antecipou o culto de seguidores das grandes estrelas do cinema do século XX.
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SUMMARY:"Sarah Bernhardt: And the woman created the star" no Petit Palais
DESCRIPTION:Com mais de quatrocentas obras\, a exposição traça a vida e o percurso teatral deste “monstro sagrado”\, como a apelidou Jean Cocteau. Lendária intérprete dos maiores papéis de Racine\, Shakespeare\, Edmond Rostand e Alexandre Dumas\, entre outros\, Sarah Bernhardt foi de triunfo em triunfo nos cinemas de todo o mundo. A exposição evoca seus maiores papéis através dos figurinos que ela usava no palco\, fotografias\, pinturas\, cartazes e outras recordações. A sua “voz de ouro” e a sua figura alta e esbelta cativavam o público\, assim como o mundo artístico e literário\, que simplesmente a venerava. Foi amiga de pintores como Gustave Doré\, Georges Clairin\, Louise Abbéma e Alphonse Mucha\, mas também de escritores como Victor Hugo\, Victorien Sardou e Sacha Guitry\, além de músicos e compositores como Reynaldo Hahn. Ela mesma era uma artista\, e toda uma seção da exposição enfoca esse aspecto menos conhecido de sua vida. Fotografias\, pinturas e até um filme revelam o lado privado da sua arte\, mas também a publicidade que procurava para o seu trabalho enquanto artista. Uma série de objetos que lhe pertenceram também ilustram a vida pessoal de Sarah Bernhardt e seu gosto pela excentricidade: suas várias casas\, seus interiores luxuosos e ecléticos e seu guarda-roupa. Sarah Bernhardt pode ser considerada uma verdadeira estrela antes de seu tempo\, sempre atenta às novas tendências e usando sua imagem para sua própria publicidade. O frenesi de emoção popular que saudou sua morte em 1923\, aos 79 anos\, antecipou o culto de seguidores das grandes estrelas do cinema do século XX.
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SUMMARY:"Donation Zao Wou-Ki" no Musée d'Art Moderne de Paris
DESCRIPTION:O Musée d’Art Moderne de Paris apresenta\, no percurso de sua coleção permanente\, um conjunto notável de obras de Zao Wou-Ki\, reunindo as duas prestigiosas doações feitas ao museu em 2018 e 2022 por Françoise Marquet-Zao\, esposa do artista\, bem como várias obras históricas\, incluindo Six janvier 1968\, adquirida em 1971 pelo curador-chefe Jacques Lassaigne. Em 2018\, Françoise Marquet-Zao ofereceu ao Musée d’Art Moderne uma de suas obras emblemáticas: Hommage à Matisse I (1986)\, bem como uma tinta e sete vasos de porcelana de 2006. Em 2022\, graças à generosidade renovada de Françoise Marquet-Zao\, a coleção do museu foi enriquecida de forma espetacular com a doação de nove pinturas\, como 24.09.51 de 1951\, 01.10.73 de 1973 ou Le Temple des Han de 2005. Todas essas obras de qualidade excepcional traçam todas as etapas da jornada do artista entre 1946 e 2006. No cruzamento de dois mundos\, a obra de Zao Wou-Ki é “um modelo de busca pela harmonia entre o Oriente e o Ocidente” (Claude Roy). Um equilíbrio perfeito entre a abstração ocidental e a tradição pictórica chinesa\, sua pintura é uma homenagem à luz\, ao movimento e ao silêncio. Zao Wou-Ki\, nascido em 1920 em Pequim\, chegou a Paris em 1948. Ele se adaptou às transformações estéticas de seu tempo e se tornou um dos grandes mestres da abstração lírica. A pintura\, a poesia\, a literatura e a música sempre ocuparam um lugar muito importante em seu processo criativo: ele está em diálogo permanente com seus amigos\, entre eles Henri Michaux\, Edgar Varèse\, Pierre Soulages\, François Cheng\, René Char\, Claude Roy\, Alberto Giacometti\, Bernard Noël\, Pierre Matisse\, André Malraux e o arquiteto I. M. Pei. O acervo Zao Wou-Ki do Musée d’Art Moderne de Paris é hoje um dos mais importantes das coleções públicas francesas\, com 11 pinturas\, 4 tintas\, 4 gravuras e 7 vasos. Essa exibição restitui quase todas as obras e segue a exposição Zao Wou-Ki : l’espace est silence\, apresentada no MAM Paris em 2018-2019\, que atraiu mais de 183.000 visitantes.
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SUMMARY:"Mondes parallèles" no Musée d'Art Moderne de Paris
DESCRIPTION:Na cosmologia\, o mundo paralelo é definido como um universo que possui suas próprias medidas de espaço e tempo. Se tais mundos existissem\, logicamente deveriam estar separados do nosso e ser regidos por leis diferentes\, invertendo assim os princípios fundamentais que pensávamos ser absolutos e imutáveis. A partir de obras em processo de aquisição ou recentemente adicionadas às coleções do museu\, esta exposição é uma série de apresentações monográficas de artistas cujas obras se destacam por sua singularidade\, constituindo assim universos autônomos. Embora cada um represente um mundo muito pessoal\, os sete artistas reunidos aqui – Marie Bourget (1952-2016)\, Helmut Federle (1944-)\, Hélène Garache (1928-2023)\, Hubert Kiecol (1950-)\, Charlotte Rampling (1946-)\, Anne-Marie Schneider (1962-) e Pierre Weiss (1950-) – compartilham uma exigência intransigente em sua relação com a realidade e sua arte\, sendo que alguns deles raramente\, ou mesmo nunca\, foram expostos. Através de suas produções\, esses artistas nos convidam a expandir nossos hábitos de percepção\, geralmente ancorados no mundo visível\, para nos transportarmos a um universo paralelo\, poético e emocional. Para isso\, eles se baseiam em abordagens diferentes: alguns brincam com a variedade de formas e significados com múltiplas inversões\, enquanto outros elaboram rituais precisos que ressoam com forças invisíveis.
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SUMMARY:"Coração na mão" na Galerie Salon H
DESCRIPTION:A expressão “Coracão na Mão” é muito comum no Brasil e nos países de língua portuguesa. “O coração” e “a mão”\, partes constitutivas do corpo\, possuem uma carga simbólica com conotações diferentes. Ter o coração nas mãos pode refletir um estado de ansiedade e apreensão ou\, ao contrário\, significar esperança\, até mesmo doar seus sentimentos à pessoa amada. Mas o mais importante é que\, independentemente do seu significado\, essa expressão revela as aspirações ou os estados de espírito da pessoa que a utiliza. Essa exposição tem como objetivo apresentar uma breve visão do que estrutura a cena artística brasileira contemporânea\, por meio da seleção de artistas que individualmente testemunham as questões que a atravessam. O trabalho manual continua a influenciar essa cena\, mesmo entre correntes mais radicais que buscam negar sua importância. Por isso\, selecionamos esculturas\, bordados\, pinturas\, fotografias e objetos que testemunham os conhecimentos\, habilidades e a perpetuação dessa habilidade manual\, que culturalmente atravessa gerações. “Coração na Mão” é um pequeno pedaço do Brasil\, com suas tristezas e alegrias\, com sua vitalidade e capacidade de acreditar no futuro e no que a arte pode produzir. Embora cada artista utilize um meio específico\, todas essas obras testemunham um interesse comum pelo contexto social de sua produção\, as heranças culturais e históricas das quais ecoam\, e as relações de poder que constituem a singularidade deste país. Para entender o Brasil em um contexto globalizado\, é importante considerar as restrições econômicas\, geográficas e sociais que o processo de colonização impôs às formas de vida e ao povo brasileiro. Muitas dessas restrições persistem até hoje e atravessam as obras selecionadas: revoltas e levantes populares\, lutas feministas\, reflexões sobre a materialidade da arte\, relações de poder entre o mercado e os artistas\, manifestações de religiosidade. Tudo aqui se oferece sem filtro\, cada artista trazendo “O Coração na Mão” algo que apenas a arte pode oferecer: superar a dureza da vida por meio da sensibilidade e da beleza.
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LOCATION:Salon H\, 6/8 Rue de Savoie\, Paris\, França
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SUMMARY:Norman Foster no Centre Pompidou
DESCRIPTION:O Centre Pompidou apresenta a maior retrospectiva de Norman Foster\, um dos grandes nomes da arquitetura moderna. Ocupando quase dois mil e duzentos metros quadrados\, a exposição apresenta uma ampla variedade de desenhos\, cadernos de trabalho\, maquetes e protótipos em várias escalas\, oferecendo uma visão geral de cerca de cem projetos tanto na arquitetura quanto no design. Uma seleção de obras de arte moderna e contemporânea destaca o grau em que elas foram marcos de períodos estéticos decisivos para Norman Foster. Como um arquiteto de redes\, sistemas de transporte e intercâmbio e órgãos de comunicação\, Foster sempre buscou colocar a ideia de controle ambiental no centro de suas criações\, a fim de transcender a ideia de natureza como algo completamente externo e ecologia como proteção e preservação. Dessa forma\, ele desenvolveu uma compreensão global sistêmica da natureza e da tecnologia\, conciliando o progresso tecnológico e uma abordagem ecológica sustentável.
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LOCATION:Centre Pompidou\, Place Georges-Pompidou\, Paris\, França
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SUMMARY:"Accro-chat-ge" no Musée d'Orsay
DESCRIPTION:Os gatos são representados na arte desde que a arte existe. No século XIX\, eles ocupam um lugar incomparável. Após o Paradis de Montcrif publicar em 1727 Les Chats\, o crítico de arte Champfleury dedica em 1868-69 uma obra aos pequenos felinos\, Les Chats : histoire\, mœurs\, anecdotes. O livro\, ilustrado com desenhos gravados por Delacroix\, Manet\, Mérimée\, Hokusai… é um grande sucesso. No final do século\, o gato preto empresta seu nome e sua silhueta ao famoso cabaré fundado por Rodolphe Salis\, estabelecido aos pés de Montmartre em 1881. Provavelmente era uma homenagem ao conto “O gato preto” de Edgar Allan Poe\, ao seu tradutor Charles Baudelaire\, defensor dos gatos. Também era uma referência à realidade parisiense de uma cidade onde os gatos vadios e miando eram abundantes\, especialmente à noite. Como intermediário entre a natureza e a cultura\, o gato reúne opostos: selvagem e doméstico\, independente e carinhoso\, predador e gentil. Ele possui qualidades reais\, simbólicas e plásticas que captam a atenção dos desenhistas. Pela duração de seu sono\, ele oferece ao artista um modelo imóvel ao alcance da mão. Com suas curvas\, sua plasticidade e sua beleza linear\, ele inspira o gesto do desenho.
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LOCATION:Musée d’Orsay\, 1 Rue de la Légion d'Honneur Paris\, Paris\, Paris\, França
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SUMMARY:Tacita Dean na Bourse de Commerce
DESCRIPTION:A Bourse de Commerce convida Tacita Dean a apresentar uma exposição composta por obras inéditas\, concebida em ressonância com a temporada “Avant l’orage”\, que está em exibição no museu desde 8 de fevereiro. Esta é sua primeira exposição de grande porte em uma instituição francesa desde aquela apresentada no Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris em 2003. Todas as obras foram especificamente criadas para a mostra Geography Biography. Tacita Dean utiliza filme\, fotografia\, desenho e colagem. Sua obra se destaca pela atenção dada ao tempo\, pelo convite lançado ao acaso\, com a incerteza como consequência. Em contraposição à desmaterialização das imagens e ao consumo frenético delas\, a artista responde com lentidão\, com a obra feita à mão\, reinvestindo\, com paciência aplicada\, a materialidade desses meios e a amplitude de seus formatos. Com giz\, pincel\, película analógica e fotografia em película\, ela convida a experimentar fisicamente a obra\, brincando com escalas entre o monumental e o ínfimo\, o eterno e o efêmero. Na Galerie 2\, o tempo geológico encontra a fugacidade de uma floração: as temporalidades contrastam para nos ajudar a compreender o inefável. Um desenho inédito\, The Wreck of Hope (2022)\, com mais de sete metros de comprimento\, reproduz um glaciar milenar com giz: a fragilidade da matéria torna\, delicada e radicalmente perceptível\, a vulnerabilidade desse gigante dos tempos remotos em declínio. Fotografias de Sakura (Taki I) (2022) e Sakura (Jindai I) (2023) mostram sakuras\, cerejeiras japonesas\, cujos galhos são apoiados para sustentar suas efêmeras florescências\, símbolo do renascimento cíclico da vida. Na órbita da Rotonde\, Tacita Dean inscreve um pavilhão circular\, desenhando um círculo dentro do círculo\, como um eclipse. Sob o amplo panorama pintado que se estende acima dos visitantes e retrata os projetos de expansão comercial e colonial da França durante a Terceira República\, a artista inscreve uma geografia mais pessoal. Geography Biography (2023)\, filme 35mm\, produzido para esta exposição\, traça uma cartografia autobiográfica: as imagens filmadas em diversas partes do mundo se sobrepõem a cartões-postais do século XX de sua coleção\, oferecendo paisagens recompostas\, revivendo temporalidades distantes e imaginadas\, fragmentos de vida e memória da artista.
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LOCATION:Bourse de Commerce\, 2 Rue de Viarmes Paris\, Paris\, Paris\, França
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SUMMARY:"Sur le feu" na Beaux Arts Paris
DESCRIPTION:Dando continuidade ao “Teatro das Exposições”\, a quarta programação do curso “Artistas e Profissionais de Exposições” apresenta a exposição-programa Sur le feu. Concebida a partir de obras da coleção e de peças criadas por estudantes e artistas contemporâneos\, Sur le feu visa valorizar todos os recursos da Escola\, compartilhando com o público as múltiplas formas de vida e criação que estão fervilhando na Beaux Arts Paris. Como animar uma exposição? Torná-la viva? O que seria habitar nela? O projeto se desdobra em três princípios de ações temáticas. O primeiro revela o que é a Beaux Arts Paris\, tornando visíveis seus bastidores. O segundo é um convite ao convívio e à coexistência dentro da própria exposição. O terceiro irradia essa emulação coletiva para o exterior. Essa revelação progressiva\, indo até o transbordamento\, aposta em uma exposição viva e em constante evolução\, onde eventos\, projeções\, workshops e mesas-redondas participam do discurso tanto quanto as obras apresentadas. Cada pessoa também poderá se tornar curadora de exposições a serem elaboradas no local\, a partir do banco de dados das coleções\, graças a um dispositivo interativo e imersivo proposto por EBB e Neïl Beloufa. A exposição vai além da simples visita e transporta os visitantes para a experiência da interação e ativação. As obras patrimoniais oferecem perspectivas diferentes sobre a história da Beaux Arts Paris. Os artistas convidados\, sejam eles artistas estabelecidos ou estudantes\, apresentarão obras que serão carregadas\, produzidas no local ou degustadas\, multiplicando-se ao longo da exposição. As Belas Artes de Paris se tornam assim um museu vivo no qual visitantes e artistas são convidados a co-criar.
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LOCATION:Beaux Arts Paris\, 46 Rue de la Ferté Gaucher\, Paris\, França
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SUMMARY:Sean Scully na Thaddaeus Ropac Paris
DESCRIPTION:O pintor irlandês-americano Sean Scully está realizando sua primeira exposição no espaço Pantin da Thaddaeus Ropac\, apresentando novas obras de suas séries Landline e Wall of Light\, além de novas tipologias de trabalho intituladas Weave e Net\, que remetem às suas primeiras obras. As pinturas de Scully combinam a tradição colorística da pintura europeia com a escala e a expressividade da abstração americana\, evitando a rigidez do minimalismo em favor de uma aplicação apaixonada de cor que confere vitalidade à sua obra. Suas pinturas estão enraizadas no mundo real\, referenciando elementos do trabalho manual e paisagens que encontrou em suas diversas viagens. A exposição incluirá obras que exploram arranjos de linhas e blocos verticais e horizontais\, bem como pinturas de grande escala da série Landline\, que ilustram sua nova abordagem em relação à cor. As pinturas revelam a influência de artistas como Édouard Vuillard\, enquanto Scully enfatiza a materialidade do meio. A exposição também destaca a conexão emocional de Scully com o tempo e o local de sua criação\, com obras inspiradas em Aix-en-Provence e no norte do estado de Nova York. Para o artista\, fazer uma pintura é uma forma de lidar com suas emoções.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/sean-scully-na-thaddaeus-ropac-paris/
LOCATION:Thaddaeus Ropac Pantin\, 69\, Avenue du Général Leclerc\, Paris\, França
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SUMMARY:Kiripi Katembo na MAGNIN-A Gallery
DESCRIPTION:A galeria MAGNIN-A abre suas portas para o mundo onírico do fotógrafo e cineasta congolês Kiripi Katembo (1979-2015). Kiripi Katembo\, que morreu repentinamente aos 36 anos\, deixa para trás um poderoso corpo de trabalho e uma visão sublimada de Kinshasa através de uma estética fotográfica única. Esta exposição\, concebida em parceria com a Fundação Kiripi Katembo Siku\, apresentará pela primeira vez cerca de vinte impressões e um vídeo de “Un regard”\, a emblemática série do fotógrafo produzida entre 2008 e 2013. A exposição também mostrará “Voiture en carton”\, um curta-metragem revelado no Centro Pompidou em 2008 durante a 4ª edição do Festival Pocket Films\, uma jornada ao chão em um bairro operário de Kinshasa. Seu trabalho\, profundamente enraizado na realidade social de sua cidade\, revela os desafios enfrentados pelo povo de Kinshasa. Usando a arte como meio de conscientização e mobilização\, Kiripi Katembo denuncia a inatividade dos líderes políticos diante da insalubridade e da poluição. Através dos reflexos de poças estagnadas\, ele busca ilustrar uma realidade diferente daquela excessivamente documentada de desorganização e caos\, que estão onipresentes. Kiripi Katembo também era cineasta\, seus filmes documentários testemunham as condições sociais e políticas na República Democrática do Congo. Com uma abordagem narrativa envolvente\, ele usava o cinema para dar voz ao povo e provocar reflexões sobre as questões ambientais que enfrentam.
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LOCATION:MAGNIN-A Gallery\, 118 Bd Richard-Lenoir\, Paris\, França
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SUMMARY:Alex Katz e Robert Rauschenberg na Thaddaeus Ropac Paris
DESCRIPTION:A exposição Purple Splits apresenta a série contínua de retratos fragmentados do aclamado artista americano Alex Katz\, exibindo suas novas pinturas produzidas no último ano. Realizada na Thaddaeus Ropac Paris Marais após a retrospectiva da carreira de Katz no Museu Solomon R. Guggenheim em Nova York\, a exposição demonstra sua habilidade inovadora duradoura e sua curiosidade em expandir os limites de sua prática\, mesmo sete décadas após o início de sua carreira. As pinturas capturam uma sensação de movimento\, com retratos repetidos e divididos em composições tripartidas\, remetendo ao cinema e à montagem cinematográfica. Essa abordagem combina a repetição e a fragmentação\, estabelecendo uma conexão inédita entre Katz\, o cubismo e o cinema. A exposição também apresenta os esboços que revelam o processo tradicional utilizado pelo artista\, enquanto destilam a essência única e irreproduzível de seus retratados. Essa abordagem distingue Katz como um “pintor da vida moderna”\, evocando a beleza misteriosa encontrada na multiplicidade da experiência humana. Simultaneamente a galeria  também exibe uma coleção de obras raramente vistas em cerâmica de Robert Rauschenberg dos anos 1980\, em colaboração com a Fundação Robert Rauschenberg. A exposição apresenta as famosas Japanese Clayworks do artista\, produzidas em colaboração com a Otsuka Ohmi Ceramics Company no Japão. Essas obras combinam técnicas tradicionais de cerâmica japonesa com inovações modernas\, como a estampagem de fotografias nas peças. As Japanese Clayworks são compostas por imagens estampadas em cerâmica\, capturadas por Rauschenberg durante suas viagens pelas Américas e pela Ásia\, e abordam temas como transporte\, paisagens e elementos decorativos. Além disso\, a exposição apresenta um grupo adicional de cerâmicas feitas em 1989\, que mostram o uso de técnicas de transferência de solvente e pinceladas acrílicas\, demonstrando a habilidade única de Rauschenberg em mesclar imagens reproduzidas mecanicamente com elementos pictóricos. A colaboração com a OOCC e a inspiração japonesa são elementos-chave na prática de Rauschenberg\, que buscava responder aos desafios globais e promover a compreensão intercultural através da arte.
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LOCATION:Thaddaeus Ropac Marais\, 7 Rue Debelleyme\, Paris\, França
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SUMMARY:Rosa Joly na Maison Européenne de la Photographie
DESCRIPTION:O Studio da MEP\, um espaço dedicado à criação emergente\, apresenta Auf dem Zahnfleisch [Sobre a carne dos dentes]\, da artista Rosa Joly\, um filme em 16 mm realizado em Nova York\, produzido especialmente para a exposição e apresentado como uma instalação. O filme e a exposição marcam a conclusão de um projeto que combina pesquisa acadêmica e experimentação artística relacionados à obra da artista americana Jay DeFeo\, iniciado há mais de 10 anos. Este curta-metragem convoca cenas artísticas e referências visuais que acompanham Rosa Joly em sua intimidade e em seu trabalho. Auf dem Zahnfleisch reúne personalidades da cena artística californiana do pós-guerra (Jay DeFeo\, Bruce Conner)\, da história do cinema (Carl Theodor Dreyer) e artistas próximos a Rosa Joly. Essa mistura de referências revela uma comunidade liberta das limitações geográficas e temporais. O filme pode ser lido como uma sucessão de quadros que tensionam a relação complexa e\, às vezes\, ambígua entre o objeto e o corpo vivo. Rosa Joly\, que se inspira nas naturezas-mortas de DeFeo\, lembra que elas podem ser lidas como autorretratos onde a vida aflui mesmo na ausência dos corpos.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/rosa-joly-na-maison-europeenne-de-la-photographie/
LOCATION:Maison Européenne de la Photographie\, 5/7 Rue de Fourcy\, Paris\, França
CATEGORIES:Paris
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SUMMARY:Maya Rochat e Rineke Dijkstra na Maison Européenne de la Photographie
DESCRIPTION:Maya Rochat cria montagens visuais com cores altamente saturadas\, combinando temas relacionados ao universo natural e a pintura abstrata. Suas fotografias de plantas\, rochas ou rios servem como base para suas experimentações\, sobrepondo e alterando imagens digitalmente ou fisicamente. Suas obras multiplataforma\, como livros de artista\, impressões e instalações imersivas\, transcendem os limites\, evocando uma reflexão poética sobre a beleza do mundo\, sua transformação e o papel humano nele. Rochat questiona a poluição visual gerada pelo fluxo contínuo de imagens digitais\, convidando o público a adentrar em um universo onírico que busca reencantar um mundo em crise. A exposição de Maya Rochat percorre doze anos de sua trajetória artística\, desde seus primeiros trabalhos na década de 2010 até seu projeto mais recente\, Poetry of the Earth (2022). Com uma obra transdisciplinar\, que valoriza a imagem fotográfica e o vídeo\, a exposição proporciona uma viagem visual e sensorial\, apresentando uma alternativa sensível às representações do mundo contemporâneo. Por outro lado\, Rineke Dijkstra é uma renomada artista conhecida por suas obras fotográficas e vídeos que exploram o gênero do retrato e abordam questões de identidade\, passagem do tempo e intimidade. Suas séries fotográficas capturam o desenvolvimento de seus sujeitos ao longo de longos períodos\, retratando a passagem do tempo\, as experiências de vida e os códigos sociais. Com uma abordagem sensível\, Dijkstra questiona o olhar\, tanto o que temos sobre nós mesmos quanto o que escapa ao nosso controle. Essas questões\, particularmente centrais na infância e na adolescência\, estão no cerne das obras apresentadas nesta exposição. A artista lança um olhar benevolente sobre jovens estudantes – artistas em formação ou visitantes da exposição – todos eles em pleno processo de construção de sua identidade. Ao longo de sua carreira de trinta anos\, Rineke Dijkstra\, nos convida a repensar nossa maneira de olhar o outro\, questionar o significado que atribuímos à sua imagem e refletir sobre nosso papel como observadores na sociedade contemporânea.
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LOCATION:Maison Européenne de la Photographie\, 5/7 Rue de Fourcy\, Paris\, França
CATEGORIES:Paris
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SUMMARY:Nathaniel Quinn na Gagosian
DESCRIPTION:Nesta que é sua primeira exposição individual em Paris\, Nathaniel Quinn explora a construção da memória e da percepção\, fazendo referência à sua história pessoal e familiar\, bem como a influências da história da arte\, incluindo Giovanni Battista Moroni\, Rembrandt e Francis Bacon. Ele também se baseia na elaboração da teoria da Gestalt da psicoterapeuta Suzanne Imes e na abordagem única do filósofo Gaston Bachelard em relação à ressonância psíquica do espaço físico. Trabalhando sem esboços preliminares\, Quinn produz retratos compostos em óleo\, giz de cera\, óleo pastel\, carvão\, guache e pastel macio\, que simulam a aparência de colagens de papel rasgado. Esses rostos e figuras híbridas são neo-dadaístas em sua aparência fragmentada\, mas realistas em seus detalhes cuidadosamente pintados e efeito psicológico geral. Ao focar na natureza multifacetada da mente subconsciente\, Quinn relaciona episódios-chave e indivíduos de seu passado a preocupações psicossociais mais amplas. Fazendo uso da concepção de Gestalt de Imes como uma ferramenta para compreender o eu como inerentemente multipartido e volúvel\, e para navegar na lacuna entre as contradições da autoimagem internalizada e o imperativo de apresentar uma imagem externamente coerente\, Quinn reúne memórias reais e episódios imaginados em novas obras\, incluindo Estudo para Invader (2023). Este retrato do indivíduo que invadiu o apartamento de sua mãe em um conjunto habitacional público no lado sul de Chicago marca o início de um conjunto de obras dedicadas a explorar narrativas familiares absorvidas por Quinn na forma de testemunhos não confiáveis. Nesta exposição\, Quinn mais uma vez confronta os espectadores com imagens impressionantes que consideram os constituintes muitas vezes discordantes da identidade individual por meio das lentes concomitantes da experiência subjetiva e da história cultural compartilhada.
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LOCATION:Gagosian\, 4 Rue de Ponthieu Paris\, Paris\, Paris\, França
CATEGORIES:Paris
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SUMMARY:Ron Mueck na Fondation Cartier
DESCRIPTION:A exposição da Fondation Cartier pour l’art contemporain traz o renomado artista australiano Ron Mueck para apresentar uma seleção de esculturas inéditas na França\, juntamente com peças icônicas de sua carreira. O destaque da exposição é a monumental instalação Mass (2017)\, composta por cem crânios humanos gigantes empilhados e reconfigurados para cada local de exibição. Essa obra proporciona uma experiência física e psicológica que convida os visitantes a refletirem sobre a existência humana. Além disso\, a exposição apresenta novos trabalhos criados especialmente para a ocasião\, revelando a evolução recente na prática de Mueck. A exposição marca um ponto de virada na carreira do artista\, pois ele se afasta de sua prática anterior de replicar meticulosamente detalhes da pele\, cabelo e roupa. Em vez disso\, Mueck busca transmitir a essência de sua obra\, a imediatidade e a ressonância de experimentar a presença de suas esculturas. Essa abordagem permite ao artista explorar grupos maiores com tensão e movimento mais dinâmicos. Além disso\, a exposição apresenta três obras icônicas dos anos 2000\, como Baby (2000)\, uma escultura minuciosa de um bebê que nos convida a refletir sobre os primeiros momentos de vida; Man in a Boat (2002)\, uma figura misteriosa que evoca estados internos inacessíveis; e A Girl (2006)\, um recém-nascido gigantesco que nos confronta com a fundamentalidade do nascimento. As esculturas de Ron Mueck são profundamente misteriosas e genuínas\, conferindo à realidade uma qualidade onírica. Sua exposição na Fondation Cartier oferece aos visitantes a oportunidade de explorar a complexidade da existência humana e refletir sobre sua própria relação com o corpo e a vida.
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LOCATION:Fondation Cartier\, 261 Bd Raspail Paris\, Paris\, França
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SUMMARY:Christina Kimeze na White Cube
DESCRIPTION:A White Cube Paris apresenta Something other than the world might know\, a primeira exposição de Christina Kimeze na França. Incluindo pinturas e obras em papel\, Kimeze dá forma à tranquilidade de nossas vidas internas\, em trabalhos que capturam sentimentos e sensações nascidos da memória e encontrados através da reflexão. As pinturas de Kimeze alcançam uma completude que transcende qualquer narrativa singular. Suas protagonistas femininas\, frequentemente retratadas dentro de um quadro de folhagens ricamente coloridas\, são caracterizadas por uma quietude que a artista descreve como “um estado ativo e cheio de possibilidades”. Essa ideia de abertura\, não apenas para interpretação\, mas também para potencial\, está enraizada nos escritos de Kevin Quashie\, especificamente em The Sovereignty of Quiet: Beyond Resistance in Black Culture\, publicado em 2012\, do qual muitas das obras na exposição recebem seus títulos. Emergindo ou recuando\, as figuras femininas nas obras de Kimeze habitam um espaço de limiares – cortinas\, divisórias\, toldos ou escadas – temas favoritos que servem como dispositivos tanto para ocultar quanto revelar a presença do sujeito. Parcialmente veladas pelo ambiente ao seu redor e possuindo uma qualidade etérea\, suas protagonistas são emblemáticas e relacionais\, compostas por muitas identidades tiradas da família e amigos ou modeladas a partir de sua própria forma\, mas são igualmente resultados dos recônditos de sua memória. Recorrendo a um amplo arsenal literário\, incluindo escritoras e poetas contemporâneas como Elizabeth Alexander\, Victoria Adukwei Bulley e Saidiya Hartman\, Kimeze também faz referência a uma rica linhagem de escritoras negras e feministas do século XX\, em particular os escritos de Toni Morrison\, Marita Bonner e a poeta Gwendolyn Brooks. A prática da artista está fundamentada na ideia de pertencimento e de “lar” como uma condição\, e não como um lugar específico\, enraizada em sua herança africana e memórias familiares coletivas.
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LOCATION:White Cube Paris\, 10 Avenue Matignon\, Paris\, França
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SUMMARY:Lisa Yuskavage na David Zwirner Paris
DESCRIPTION:Rendez-vous é a oitava mostra individual de Lisa Yuskavage na galeria\, sendo a primeira em sua sede em Paris. Como uma das artistas mais originais e influentes das últimas três décadas\, Yuskavage cria obras que afirmam a singularidade da pintura como meio de expressão\, ao mesmo tempo em que desafia entendimentos convencionais de gêneros e espectadores. Seus personagens ricos e diversos são exibicionistas e introspectivos\, e suas características são camadas dentro de composições que misturam elementos representacionais e abstratos\, em que a cor é o veículo primário de significado. Para esta exposição\, Yuskavage apresenta novas pinturas em grande escala\, cada uma ambientada em um estúdio de artista imaginário. Saturadas em pigmentos profundos e semelhantes a jóias\, essas obras fazem parte de sua contínua investigação dos processos e complexidades da criação artística. Os estúdios se tornam palcos onde os personagens de sua obra estão entrelaçados e onde o tempo se move para trás e para frente. O “rendez-vous” mencionado no título da exposição alude à maneira única pela qual a pintura permite que diferentes momentos no tempo coexistam em um único espaço simultaneamente. As obras estabelecem um diálogo entre a iconografia pessoal e uma tradição de representações de estúdio por artistas tão diversos como Gustave Courbet\, Henri Matisse\, Georges Braque\, e figuras mais contemporâneas como Philip Guston e Bruce Nauman. Os temas frequentemente ignóbeis e distintamente americanos de Yuskavage contrastam com sua abordagem original de cor e luz\, convidando conexões com tradições pictóricas anteriores\, como a pintura de campo de cor\, o impressionismo e o pós-impressionismo.
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LOCATION:David Zwirner\, 108 Rue Vieille-du-Temple Paris\, Paris\, França
CATEGORIES:Paris
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SUMMARY:Takashi Murakami na Gagosian Le Bourget
DESCRIPTION:Intitulada Understanding the New Cognitive Domain\, a exposição do trabalho de Takashi Murakami na galeria em Le Bourget\, foca em suas pinturas monumentais. A mostra apresenta cinco dessas obras\, além de outras em formatos menores e várias esculturas. Understanding the New Cognitive Domain marca a estreia de uma nova pintura monumental de 5 por 23 metros de Murakami\, baseada no iwai-maku\, ou cortina de palco\, que ele produziu para o teatro Kabuki-za em Ginza\, Tóquio\, em comemoração ao ator e produtor de Kabuki japonês Ichikawa Ebizō XI ao assumir o nome Ichikawa Danjūrō XIII\, Hakuen. (Nomes de palco Kabuki\, que especificam o estilo e a linhagem de um ator\, são transmitidos através de gerações; a família Ichikawa tem uma história de aproximadamente 350 anos). Também em exibição está outra pintura em formato estendido\, Dragon in Clouds – Indigo Blue (2010)\, que Murakami produziu em resposta à obra Dragon and Clouds (1763) do excêntrico artista japonês Soga Shōhaku. Em outra pintura épica\, semelhante a um friso\, Murakami utiliza uma estética que evoca nostalgia pelo visual pixelado dos gráficos de computador dos anos 1980. A obra foi inspirada em Pay for Your Pleasure (1988)\, de Mike Kelley. A mostra também inclui várias pinturas de “gatos da sorte” que fazem referência aos projetos recentes de NFT do artista\, e outras obras que apresentam o icônico motivo das flores sorridentes de Murakami\, incluindo uma placa de néon em arco-íris de dois metros\, na qual o artista novamente utiliza uma variante retro-digital de sua influente estética Superflat. Por fim\, duas figuras revestidas com espelhos\, representando avatares de estilo anime futurista\, reinvestem os NFTs Clone X (2021) que Murakami desenvolveu em colaboração com a RTFKT Studios com presença física\, refletindo sua fascinação pelo metaverso e sua sensibilidade para a natureza híbrida da agência no mundo atual.
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LOCATION:Gagosian Le Bourget\, 26 avenue de l’Europe\, Le Bourget\, França
CATEGORIES:Paris
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