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SUMMARY:"Donnation Anni et Josef Albers" no Musée d'Art Modérne de Paris
DESCRIPTION:Após a grande exposição Anni et Josef Albers\, L’art et la vie\, organizada pelo Musée d’Art Moderne de Paris de setembro de 2021 a janeiro de 2022\, a Fundação Josef e Anni Albers\, localizada em Bethany\, Connecticut\, fez uma doação excepcional de cinqüenta e sete obras. A doação inclui vinte e duas obras de Josef Albers (1888-1976)\, incluindo três obras da série Homage to The Square e trinta e cinco obras de Anni Albers (1899-1994)\, entre as quais catorze amostras têxteis inspiradas em motivos criados pela artista. O conjunto está em exibição junto das coleções permanentes do MAM. Esta doação é a mais importante feita pela Fundação após a morte dos dois artistas. Ela representa um grande enriquecimento para o museu que\, até agora\, não tinha nenhuma obra de nenhum dos artistas em suas coleções. Nicholas Fox Weber\, diretor da Fundação Josef e Anni Albers\, disse: “Essa doação é o resultado da estreita colaboração entre as equipes do Musée d’Art Moderne de Paris e da Fundação Albers. Estou certo de que Anni e Josef Albers teriam admirado as ousadas escolhas artísticas do Musée d’Art Moderne”. Representando todas as etapas criativas dos dois artistas – desde seu início na Bauhaus\, passando pelo Black Mountain College\, depois em Connecticut e notavelmente (para Josef) na Universidade de Yale – essas cinqüenta e sete obras são significativas da gama de técnicas e materiais utilizados pelo Albers: pintura\, tecelagem\, desenho\, fotografia e vários processos de impressão. Nascidos na Alemanha\, Anni e Josef Albers se conheceram em 1922 na Escola Bauhaus e casaram três anos mais tarde. Em 1933 eles emigraram para os Estados Unidos\, onde foram convidados a ensinar no Black Mountain College\, uma escola experimental nas montanhas da Carolina do Norte. Nesse novo ambiente\, Josef aprofundou sua pesquisa sobre cores enquanto Anni continuava a explorar diferentes técnicas de tecelagem. A ligação íntima e cúmplice entre eles permitiu-lhes apoiar e fortalecer um ao outro ao longo de suas vidas em um diálogo permanente e respeitoso. Com particular atenção a forma\, material e cor\, eles produziram um conjunto de trabalhos que é considerado hoje como um dos fundamentos da arte moderna e teve uma influência considerável na História da Arte do século 20. Seu trabalho\, como artistas\, mas também como professores\, consiste em levantar constantemente novas questões através da observação sensível do mundo visual e tátil.
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LOCATION:Musée d’Art Moderne de Paris\, 11 Av. du Président Wilson Paris\, Paris\, Paris\, França
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SUMMARY:"Années 80" no Musée des Arts Décoratifs
DESCRIPTION:O museu francês celebra os anos 1980 com a grande exposição intitulada Années 80\, Mode\, Design et Graphisme en France. Desde a eleição de François Mitterrand (presidente francês) em 1981 até a queda do muro de Berlim em 1989\, esta década histórica\, ainda viva na mente das pessoas na França\, é considerada tanto um divisor de águas político quanto um ponto de viragem artística nos campos da moda\, do design e das artes gráficas\, onde o pós-modernismo abre todas as possibilidades artísticas. A mostra reúne mais de 700 obras de arte\, incluindo objetos\, móveis\, criações de moda\, cartazes\, fotografias\, vídeos\, capas de álbuns e fanzines\, retraçando essa década frenética que se tornou sinônimo de ecletismo. Os anos 1980 viram surgir uma nova geração de criadores\, desde Olivier Gagnère\, Elizabeth Garouste e Mattia Bonetti\, até Philippe Starck e Martin Szekely\, todos eles criados em um contexto propício à liberdade de expressão. O design de moda também se libertou dos ditames tradicionais de estilo\, com estilistas como Jean Paul Gaultier e Thierry Mugler subindo para o status de superstars. A década de 1980 foi também o ápice da publicidade\, design gráfico e produção audiovisual através das obras de Jean-Paul Goude\, Jean-Baptiste Mondino e Etienne Robial. \n\n\n\nDa nova onda ao pós-punk e hip-hop\, um novo capítulo também foi escrito na história da música e da dança nas lendárias casas noturnas de Paris. \n\n\n\nA cenografia da exposição\, um choque de formas e desenhos vibrantemente coloridos\, é o trabalho do designer Adrien Rovero. Années 80\, Mode\, Design et Graphisme en France gira em torno de três importantes temas que refletem a fusão de ideias e formas específicas daquela década: uma nova era política e cultural\, design em efervescência e o look dos anos 1980. Nas salas expositivas com vista para o Jardin des Tuileries\, a exposição começa com a eleição de François Mitterrand em 1981\, anunciando uma mudança decisiva na França com um cartaz com o slogan “La Force Tranquille” (A Força Tranqüila). O cartaz\, encomendado por Mitterrand e criado pela lenda publicitária\, Jacques Séguéla\, marcou o início de uma nova era no design visual global e a chegada do marketing eleitoral. Os grandes projetos do novo presidente foram acompanhados por uma nova identidade visual\, com gráficos criados por Grapus para La Villette e o Louvre\, e Jean Widmer para o Musée d’Orsay. Para promover as criações contemporâneas\, o novo presidente chamou cinco designers para renovar os apartamentos particulares do L’Élysée\, incluindo Marc Held\, Ronald Cecil Sportes\, Philippe Starck\, Annie Tribel e Jean-Michel Wilmotte. Jack Lang\, o emblemático Ministro da Cultura\, inaugurou a Fête de la Musique em Paris em 21 de junho de 1982\, encorajou o reconhecimento público da moda francesa com a criação do Institut Français de la Mode (IFM) em 1986\, e apoiou desfiles de moda realizados na Cour Carrée do Louvre\, assim como o Oscar da Moda. A mídia e a produção audiovisual também experimentaram um boom sem precedentes. Étienne Robial criou o conceito de habillage ou apresentações audiovisuais\, para estações de televisão como Canal+\, M6 e Canal 7. Na época\, a proliferação de estações levou aos anos dourados do cinema publicitário graças a diretores icônicos como Étienne Chatiliez\, Jean-Paul Goude e Jean-Baptiste Mondino. A mídia escrita também passou por uma transformação quando Claude Maggiori redesenhou as capas do diário francês ‘Libération’\, enquanto a ‘arte’ do slogan inundou todas as formas de mídia existentes. Todas essas inovações dos anos 1980 ganham palco na exposição do Mad.
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LOCATION:Musée des Arts Décoratifs\, 107 Rue de Rivoli Paris\, Paris\, Paris\, França
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SUMMARY:Fabrice Hyber na Fondation Cartier
DESCRIPTION:“La Vallée” é uma grande exposição monográfica dedicada à pintura de Fabrice Hyber. Em suas telas\, o artista francês revela uma consciência livre e autônoma. Reunindo cerca de sessenta obras\, entre as quais cerca de quinze peças produzidas especialmente para a exposição\, Hyber exibe sua apropriação de todas as possibilidades da pintura na mostra da Fondation Cartier. Os visitantes são convidados a explorar as diferentes “salas de aula” de acordo com um layout que segue os meandros do pensamento do artista. Pintor\, semeador\, empreendedor\, poeta\, Hyber é o autor de um prolífico conjunto de obras que compreende quase 20 mil peças\, incluindo 3 mil pinturas. Desrespeitando categorias\, ele leva a arte a todas as esferas da existência: matemática\, neurociência\, negócios\, história e astrofísica\, assim como o amor\, o corpo e a evolução das espécies vivas. As múltiplas dimensões da arte de Hyber encontram suas origens na floresta que ele cultiva desde os anos 1990\, no coração do campo do distrito francês da Vendée\, em torno da antiga propriedade de seus pais\, que eram criadores de ovelhas. Cerca de 300 mil sementes de árvores\, de várias centenas de espécies diferentes\, foram semeadas usando uma técnica cuidadosamente aperfeiçoada\, e gradualmente transformaram o que antes era terra agrícola em uma floresta de várias dezenas de hectares. A paisagem\, em outras palavras\, se tornou uma obra de arte. “Com o Vale eu quis primeiro restaurar uma paisagem arborizada ao redor da fazenda de meus pais para criar uma barreira natural com as terras agrícolas industriais vizinhas. Sempre que algo é colocado em prática\, eu procuro encontrar possibilidades alternativas. Isso é sistemático”. Um lugar de aprendizado\, experimentação e refúgio\, o Vale se tornou a matriz e fonte de inspiração para todo o trabalho do artista. Hyber compara voluntariamente sua prática com o crescimento orgânico dos seres vivos: “Basicamente eu faço a mesma coisa com as obras de arte\, eu semeio árvores assim como eu semeio sinais e imagens. Elas estão lá\, eu semeio sementes de pensamento que são visíveis\, elas se desenvolvem e crescem. Não estou mais no controle”.
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LOCATION:Fondation Cartier\, 261 Bd Raspail Paris\, Paris\, França
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SUMMARY:Matisse no l'Orangerie
DESCRIPTION:As exposições sobre Matisse são abundantes. Das que abordaram os diferentes períodos de sua carreira\, muito poucas se concentraram especificamente na década de 1930. Matisse – Cahiers d’Art\, le tournant des années 1930 concentra-se exclusivamente nessa década. Em 1930\, Matisse deixou a França para uma viagem ao Taiti\, marcando assim voluntariamente uma pausa em sua criação e iniciando um ponto de inflexão em seu trabalho. A presente exposição faz uma retrospectiva nessa década decisiva para a produção do artista. É pelo foco da Cahiers d’Art\, uma das mais importantes revistas de vanguarda do século 20\, criada por Christian Zervos em 1926\, que a exposição aborda a obra de Matisse na década de 1930. Como porta-voz do modernismo internacional e das tendências estéticas de seu tempo\, a revista observou de perto a produção do artista durante todo o período entre as duas guerras. A exposição\, que reúne um grupo de obras desse período\, propõe identificar as principais questões em jogo na produção de então do pintor. Após se afastar da cena artística durante a década de 1920\, o trabalho do pintor voltou ao centro dos debates sobre ideias e reflexões da época através de publicações regulares na Cahiers d’Art\, lançando luz sobre sua pintura anterior a 1916 – especificamente sua obra mais radical – e fazendo um relato de sua produção atual. Artigos e reproduções das obras de Matisse ajudaram a reacender a competição com Picasso. Em sucessivas edições da revista\, Matisse aparece ao lado dos grandes nomes de seu tempo: Georges Braque\, Juan Miró\, Fernand Léger\, Wassily Kandinsky\, Mondrian\, Le Corbusier e Marcel Duchamp. Várias obras excepcionais\, muito raramente expostas na França\, foram reunidas para a mostra\, notadamente The Great Reclining Nude of Baltimore\, The Song of Houston e da La Blouse Romaine de 1938\, que são mantidas em vários museus estadunidenses. A densidade e a complexidade dessa década são sugeridas por esculturas\, objetos da coleção de Matisse\, desenhos\, gravuras e pinturas\, assim como impressões fotográficas recentes\, arquivos\, fragmentos de filmes e edições da Cahiers d’Art.
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LOCATION:l’Orangerie\, 31 Av. George V Paris\, Paris\, Paris\, França
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SUMMARY:Maurice Denis no Musée d'Orsay
DESCRIPTION:Em 1897\, Maurice Denis (1870-1943) foi abordado pelo comerciante de arte Ambroise Vollard\, que desejava publicar um álbum com as gravuras do pintor. Denis então buscou inspiração em Les Amours de Marthe\, as notas íntimas que confiou a seu diário a partir de 1891\, ao mesmo tempo em que seu caso de amor com sua futura esposa Marthe Meurier (1871-1919) estava começando. Em lugar de ilustrar\, Maurice Denis procurou sobretudo traduzir em equivalentes formais as maravilhas e emoções de seus primeiros encontros. Ele retratou sua jovem escolhida\, o tema central da série\, em cenas íntimas e familiares\, às vezes alegóricas\, refletindo seu amor por ela. Para criar esse poema composto por imagens\, Maurice Denis desenhou em vários estilos de pinturas do início da década de 1890. O longo processo criativo\, que terminou no início de 1899\, deu origem a numerosos desenhos preparatórios\, particularmente em pastel\, cujas cores pálidas podem ser encontradas em algumas das litografias. Amour representa a síntese e a culminação da pesquisa plástica do artista desde seu início na Académie Julian e de certa forma encerra o período simbolista do pintor. Apresentado na galeria do Ambroise Vollard em março-abril de 1899\, o álbum resultante desse processo\, composto por doze páginas e uma capa\, foi impresso em uma edição de cem exemplares por Auguste Clot (1858-1936)\, numerados e assinados pelo artista. Além de exibir o livro\, a exposição a exposição Maurice Denis: Les Amours de Marthe apresenta ainda dois retratos de Marthe oriundos das coleções do Musée d’Orsay\, um em óleo e outro em pastel\, fazendo eco às litografias da publicação.
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LOCATION:Musée d’Orsay\, 1 Rue de la Légion d'Honneur Paris\, Paris\, Paris\, França
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SUMMARY:Georg Baselitz na Thaddaeus Ropac Pantin
DESCRIPTION:La Boussole Indique le Nord é a exposição de obras recentes do artista alemão Georg Baselitz. Por ocasião de seu 85º aniversário\, cinco séries criadas pelo artista entre 2020 e 2021 estão reunidas\, preenchendo o espaço da galeria no Pantin (bairro parisiense). Entre as obras expostas\, figuram as Tulips com suas composições limpas e cores contrastantes\, três séries de retratos de cores vivas e uma série de retratos mais melancólicos contra um fundo escuro. As obras em tela são acompanhadas por um grupo de desenhos a tinta. Caracterizada por uma integração sem precedentes de tecidos e um método de transferência que marca um importante desenvolvimento recente na prática de Baselitz\, a exposição convida os visitantes a mergulhar\, tanto conceitualmente quanto materialmente\, em um universo único onde a lógica da colagem se funde com a da pintura. Desde sua primeira pintura de Elke\, em 1969\, a esposa de Baselitz tem sido um tema constante em seu trabalho. O novo grupo de retratos na exposição mostra a parte superior do corpo de Elke\, com a cabeça apoiada na mão\, prestando homenagem a sua primeira representação por Baselitz\, que agora está na coleção do Metropolitan Museum of Art em Nova York. As obras feitas em 2021 também contêm um novo elemento no vocabulário visual de Baselitz: um par de meias de nylon desarticuladas\, presas ao retrato invertido de Elke\, como pernas frágeis\, desencarnadas. Sua materialidade\, em contraste com as figuras pintadas a óleo\, dá às telas uma terceira dimensão\, trazendo-as ao reino da colagem para evocar o trabalho da artista dadaísta Hannah Höch\, que usou imagens de pernas recortadas para construir corpos desencontrados em suas fotocolagens. Em uma entrevista de 2022 para a revista NZZ\, Baselitz disse: “Há cerca de dois anos atrás eu me lembrei de Hannah Höch e de suas fotos de meias. Eu nunca tinha ousado fazer colagens antes. Achei que era uma técnica maravilhosa. Mas a pergunta era: como eu poderia usar essa técnica em minha pintura? Então eu sonhava com essas meias”. As meias\, que evocam um pouco de malícia\, lembram os pés e as pernas que têm sido um tema recorrente desde as primeiras pinturas de Baselitz. Para o artista\, esses membros simbolizam uma conexão tátil com a terra: a mesma conexão que ele fomenta trabalhando em suas telas no chão.
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LOCATION:Thaddaeus Ropac Pantin\, 69 Av. du Général Leclerc Pantin\, Paris\, Paris\, França
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SUMMARY:Faith Ringgold no Musée Picasso Paris
DESCRIPTION:Figura importante de uma arte engajada e feminista americana\, desde as lutas pelos direitos civis até os movimentos Black Lives Matter\, autora de obras muito famosas de literatura infantil\, Faith Ringgold desenvolveu uma obra que conecta a rica herança do Renascimento do Harlem à arte contemporânea dos jovens artistas negros americanos. Através de suas releituras da história da arte moderna\, ela estabelece um verdadeiro diálogo plástico e crítico com a cena artística parisiense do início do século XX\, especialmente com Picasso e suas “Les Demoiselles d’Avignon”. Esta exposição é a primeira a reunir\, na França\, um conjunto de obras importantes de Faith Ringgold. Ela dá continuidade à retrospectiva que lhe foi dedicada pelo New Museum no início de 2022 e é organizada em colaboração com a instituição nova-iorquina.
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LOCATION:Musée Picasso Paris\, 5 rue de Thorigny\, Paris\, França
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SUMMARY:Zanele Muholi na Maison Européenne de la Photographie
DESCRIPTION:Zanele Muholi\, que se define como “ativista visual”\, usa a câmera como uma ferramenta contra as injustiças. Na década de 1990\, a África do Sul passou por mudanças sociais e políticas significativas. A democracia foi estabelecida em 1994 com a abolição do apartheid\, seguida por uma nova Constituição em 1996\, a primeira no mundo a proibir qualquer discriminação baseada na orientação sexual. Apesar desse avanço\, pessoas negras LGBTQIA+ continuam sendo alvo de violência e preconceito. Muito envolvida com a comunidade\, Muholi desenvolve um trabalho fotográfico indissociável de seu ativismo. Em seus retratos individuais e coletivos\, a artista procura dar visibilidade às pessoas queer e racializadas\, ao mesmo tempo em que questiona os estereótipos e as representações dominantes que lhes estão associadas. As fotografias de Muholi mostram a diversidade e singularidade dos membros da comunidade negra LGBTQIA+\, destacando sua coragem e dignidade diante de múltiplas discriminações. Privilegiando uma abordagem colaborativa\, a artista convida as pessoas que fotografa a serem “participantes” ativos da obra\, contribuindo para determinar o local\, as roupas e as poses adotadas para a sessão de fotos. A artista também direciona sua câmera para si mesma\, a fim de questionar a  imagem da mulher negra na história. As fotografias de Zanele Muholi encorajam o espectador a questionar ideias pré-concebidas. Elas criam um novo léxico de imagens positivas para comunidades e mal representadas\, visando promover o respeito mútuo.
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LOCATION:Maison Européenne de la Photographie\, 5/7 Rue de Fourcy\, Paris\, França
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SUMMARY:"Pastels: De Millet à Redon" no Musée d'Orsay
DESCRIPTION:O Musée d’Orsay expõe obras em pastéis de sua coleção\, que conta com aproximadamente 500 obras. A última exposição de grande porte dedicada aos pastéis do museu\, intitulada Le Mystère et l’éclat\, ocorreu em 2009. Essa nova apresentação permitirá ao público descobrir ou redescobrir essas joias da coleção\, onde brilham obras de Millet\, Degas\, Manet\, Cassatt\, Redon\, Lévy-Dhurmer e muitos outros. O século XVIII é considerado a era de ouro do pastel. Esse meio incomparável para capturar os efeitos de textura e a suavidade da natureza muitas vezes estava restrito a retratos. Após cair em desuso durante a Revolução Francesa\, o pastel vivenciou um renascimento a partir da segunda metade do século XIX até o início do século XX. A gama de cores de pastéis expandiu-se consideravelmente\, tanto em termos de tonalidades quanto de texturas\, abrindo as portas para todo tipo de experimentação. A coleção do Museu d’Orsay testemunha esse renascimento de maneira excepcional. Nem desenho\, nem pintura\, o pastel é uma forma de arte singular que proporciona uma relação imediata com o material. Composto por pigmentos puros\, ele se adere ao grão do papel ou da tela. A vibração resultante é o que confere sua beleza\, mas também sua fragilidade. Sendo multifacetado\, ele permite todas as modulações\, desde a sutileza do esfumado até os traços mais vigorosos. O pastel funde linha e cor\, e é significativo que um artista como Degas o utilize de forma quase exclusiva a partir de 1888-90\, sendo a eleição desse meio o ápice de suas diligentes pesquisas sobre desenho e cor. A exposição será organizada em torno de oito grandes temas que destacam o renascimento do pastel a partir da segunda metade do século XIX. Desde retratos\, seguindo a continuidade do século XVIII\, até as quimeras dos artistas simbolistas\, passando por paisagens e transformações sociais\, o percurso reunirá diversos artistas e celebrará as obras de Millet\, Degas\, Lévy-Dhurmer\, Redon\, Mary Cassatt e muitos outros.
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LOCATION:Musée d’Orsay\, 1 Rue de la Légion d'Honneur Paris\, Paris\, Paris\, França
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SUMMARY:"Avant l'Orage" na Bourse de Commerce
DESCRIPTION:A exposição coletiva Avant l’Orage (Antes da Tempestade) é um convite para o público fazer uma viagem pelas instalações e obras de quase vinte artistas que metamorfosearam todos os espaços do museu. Contra o pano de fundo da mudança climática\, na urgência do presente como no olho de um furacão\, escuridão e luz\, primavera e inverno\, chuva e sol\, dia e noite\, o humano e o não-humano coabitam nessa nova exposição de obras da Pinault Collection. Essas paisagens instáveis\, capturadas em um tempo dessincronizado\, representam novos ecossistemas nos quais o visitante é convidado a mergulhar. Essa estação temática é dividida em duas partes\, abrindo com uma instalação monumental de Danh Vo\, criada para a Rotunda da instituição\, antes de ser retomada no final de maio para a exposição dedicada à artista britânica Tacita Dean\, na Rotunda e também na Galeria 2 da Bourse de Commerce. Uma das frases que define a mostra vem do filósofo italiano Emanuele Coccia\, convidado pela instituição a fazer um audiocomentário da exposição: “Tudo na Terra é tempo. É sobre isso que se tratam as obras dessa exposição. (…) afinal\, você não sabe realmente se está antes ou depois da tempestade\, porque o mundo inteiro se tornou uma tempestade. E a tempestade nada mais é do que o canto da vida”. A lista de artistas é composta pelos brasileiros Lucas Arruda e Jonathas de Andrade\, além de Hicham Berrada\, Dineo Seshee Bopape\, Frank Bowling\, Judy Chicago\, Tacita Dean\, Robert Gober\, Dominique Gonzalez-Foerster\, Felix Gonzalez-Torres\, Pierre Huyghe\, Benoit Piéron\, Daniel Steegmann Mangrané\, Alina Szapocznikow\, Diana Thater Thu Van Tran\, Cy Twombly\, Danh Vo e Anicka Yi. 
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LOCATION:Bourse de Commerce\, 2 Rue de Viarmes Paris\, Paris\, Paris\, França
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SUMMARY:"Chagall\, Paris - New York" no Atelier des Lumières
DESCRIPTION:A exposição imersiva Chagall\, Paris – New York é dedicada ao pintor prolífico e inclassificável Marc Chagall (1887–1985) no Atelier des Lumières. Esta exposição digital única apresenta todo o seu trabalho\, revelando uma obra enraizada em seu tempo\, no cruzamento das novidades artísticas e culturais de seu século e em constante renovação. Paris e Nova York\, capitais emblemáticas da arte moderna\, representam duas etapas cruciais na longa carreira do artista. Paris foi a cidade escolhida e\, graças às vanguardas dos anos 1910\, forneceu ao jovem pintor russo um acervo de obras experimentais\, que ele enriqueceu com suas próprias referências culturais. Nova York foi principalmente um lugar de exílio durante a década de 1940\, mas deu um novo ímpeto à criatividade do artista. Depois da guerra\, várias exposições e grandes encomendas reforçaram os vínculos entre Paris e Nova York e trouxeram Chagall de volta aos Estados Unidos\, até a década de 1970. Durante esta exposição imersiva\, todos os temas e imagens presentes no repertório do artista são projetados nas paredes do Atelier des Lumières\, como imagens recortadas entrelaçadas. Eles são complementados por pequenos trechos de música clássica\, klezmer e jazz\, que também fizeram parte do universo cultural de Chagall. Seu fantástico bestiário\, seus maravilhosos personagens de circo\, fábulas e ópera\, assim como episódios bíblicos e referências à cultura russa\, evocam poeticamente as ricas experiências de vida do artista\, que naturalmente ressoam com as experiências coletivas de seu povo e geração. Como testemunha dos maiores eventos históricos do século XX – do mais sombrio ao mais edificante – Chagall transformou sua arte ousada e imaginativa em um instrumento de compromisso\, paz e esperança.
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LOCATION:Atelier des Lumières\, 38 Rue Saint-Maur\, Paris\, França
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SUMMARY:Miriam Cahn e "Expose-és" no Palais de Tokyo
DESCRIPTION:Em Ma Pensée Sérielle\, Miriam Cahn suspende o fluxo de imagens voláteis da geopolítica contemporânea e as retoma para testemunhá-las\, resistir e corporificá-las através de uma intensa obra pictórica que engloba desenho\, fotografia\, filme e escrita. A exposição no Palais de Tokyo é a primeira grande retrospectiva dedicada ao trabalho de Miriam Cahn em uma instituição francesa\, reunindo mais de duzentas obras da artista desde 1980 até os dias atuais. Retratos\, paisagens e pinturas históricas\, assim como o privado e o coletivo\, misturam-se para formar um todo orgânico. Novas dissonâncias e concordâncias cromáticas e espaciais aparecem\, enfatizando que o desafio da obra não reside numa busca por equilíbrio\, mas sim em encontrar encarnações plásticas e espaciais da intensidade e do caos do mundo. Imagens se combinam com palavras em uma narrativa cíclica e infinita que se desenrola constantemente nas páginas dos cadernos\, na superfície das telas e nas variações digitais que proliferam por meio de projeções em rolagem. \n\n\n\nJá Expose-és\, exposição coletiva inspirada no livro Ce que le sida m’a fait. Art et activisme à la fin du XXième siècle [O que a sida me fez: Arte e ativismo no fim do século XX] de Elisabeth Lebovici\, procura recompor fragmentos subjetivos da epidemia mais mortal do século passado: os fatos\, obras\, ideias e emoções que ligaram o material ao imaterial. Questiona como as pulsações do desejo\, da perda\, da raiva\, da dor\, da memória e do arquivo juntos fizeram história. Como anteciparam questões de gênero\, classe e raça\, a dinâmica inconsciente do capacitismo e a construção de normas em torno de um suposto estado de “boa saúde”. A AIDS não é aqui um assunto\, mas uma grade interpretativa através da qual se pode repensar uma ampla gama de práticas artísticas que foram expostas à epidemia. A beleza surge aqui como uma possível resposta diante das consequências políticas e sociais de pandemias que se cruzam.
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LOCATION:Palais de Tokyo\, 13\, avenue du Président Wilson\, Paris\, França
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SUMMARY:"1997 – Fashion Big Bang" no Palais Galliera
DESCRIPTION:O Palais Galliera organiza uma exposição dedicada ao ano de 1997\, um ano decisivo na história da moda contemporânea. Ao mesmo tempo consagração da moda dos anos 1990 e ponte para o novo milênio\, 1997 foi marcado pela frenética sequencia de coleções\, desfiles\, nomeações\, inaugurações e eventos que moldaram o cenário da moda como o conhecemos hoje. Seu impacto foi tão grande que 1997 pode ser considerado o lançamento da moda do século XXI. O ano é marcado por coleções emblemáticas como os corpos deformados da Comme des Garçons com a coleção “Body Meets Dress\, Dress Meets Body”\, as roupas conceituais de Martin Margiela com a coleção “Stockman” e os cânones da beleza masculina redefinidos por Raf Simons com a coleção “Black Palms”. A revista Vogue Paris define a temporada de alta costura primavera-verão 1997 como o “Big Bang” que Paris precisava para recuperar sua posição como capital internacional da moda\, em um momento de crise econômica e forte concorrência global. O ano de 1997 foi de fato uma safra com a entrada na alta costura de estilistas famosos dos anos 1980\, como Jean Paul Gaultier e Thierry Mugler\, assim como uma nova geração de estilistas britânicos assumiu casas francesas históricas\, como Alexander McQueen na Givenchy e John Galliano na Christian Dior. O fenômeno da globalização está se acelerando\, prenunciando os anos 2000 e 2010. Jovens diretores artísticos então pouco conhecidos surgem\, sozinhos ou à frente de grandes casas: Hedi Slimane\, Stella McCartney\, Nicolas Ghesquière e Olivier Theyskens. Nomes que ainda hoje moldam a atualidade da moda. A jornada cronológica reúne mais de 50 silhuetas das coleções do Palais Galliera\, empréstimos de museus\, colecionadores internacionais e casas de moda. É enriquecido por vídeos e documentos de arquivo inéditos. A exposição 1997 Fashion Big Bang é um convite a vivenciar ou reviver os acontecimentos mais marcantes que marcaram este ano “explosivo” da história da moda.
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LOCATION:Palais Galliera\, 10 Av. Pierre 1er de Serbie\, Paris\, França
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SUMMARY:"Homenagem a Picasso\, a coleção ganha cores" no Musée Picasso Paris
DESCRIPTION:No dia 8 de abril de 2023\, foi marcado o cinquentenário da morte de Pablo Picasso\, tornando o ano uma ocasião especial para celebrar sua obra e seu legado artístico na França\, Espanha e internacionalmente. Como parte dessa celebração\, o Museu Nacional Picasso-Paris convidou o renomado designer britânico Sir Paul Smith\, conhecido por seu trabalho com cor\, personalização e kitsch\, para assumir a direção artística de uma exposição excepcional\, destacando a coleção do museu. Essa exposição\, realizada em colaboração com Sir Paul Smith\, gira em torno das obras-primas da coleção. A abordagem singular que o designer traz para as obras convida o público a enxergá-las de uma perspectiva mais contemporânea\, ressaltando a atualidade do trabalho de Picasso. Além disso\, os universos criativos desses dois artistas se encontram em momentos especiais\, compartilhando uma paixão por objetos\, figurinos e brincadeiras\, resultando em aproximações e uma disposição inventiva e espetacular das obras! O percurso da exposição é marcado por obras de artistas contemporâneos internacionais. Assim\, Guillermo Kuitca\, Obi Okigbo\, Mickalene Thomas e Chéri Samba contribuem para essa mesma vontade de abrir novas perspectivas sobre o legado da obra de Picasso\, questionando sua imagem ou incorporando algumas de suas inovações plásticas de maneira única e impactante.
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LOCATION:Musée Picasso Paris\, 5 rue de Thorigny\, Paris\, França
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SUMMARY:"Néo-Romantiques\, Un moment oublié de l’art moderne 1926-1972" no Musée Marmottan Monet
DESCRIPTION:O Museu Marmottan Monet apresenta exposição com mais de uma centena de obras de coleções públicas e privadas que foram reunidas para (re)descobrir um dos primeiros movimentos pós-modernos baseados no questionamento da abstração e no retorno à figura. Com curadoria de Patrick Mauriès\, a exposição homenageia artistas que participaram desse movimento\, como o francês Christian Bérard (1902-1949)\, os russos Pavel Tchelitchew (1898-1957)\, Eugène (1899-1972) e Léonide Berman (1898-1976) e o holandês Kristians Tonny (1907-1977). Reunidos pela primeira vez em Paris na década de 1920\, eles participaram da cena artística americana\, inglesa e italiana. Em fevereiro de 1926\, uma exposição na Galerie Druet em Paris foi o evento artístico e social da temporada. Apresentava um grupo de jovens pintores que se davam conta do esgotamento da abstração modernista e propunham o retorno a uma nova forma de figuração. Podemos ver a partir deste grupo de artistas\, o primeiro movimento pós-moderno de certa forma na história. O crítico Waldemar George\, que logo percebeu o significado desta exposição\, batizou os pintores assim reunidos de “neorromânticos” ou “neo-humanistas”. Marginal apenas na aparência\, este capítulo pouco conhecido da história da arte moderna\, cria pontes entre Picasso\, o surrealismo\, a arte figurativa do século XX e as artes cênicas\, principalmente a ópera e o balé\, interesses pelos quais criaram espetáculos memoráveis.
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LOCATION:Musée Marmottan Monet\, 2 Rue Louis Boilly\, Paris\, França
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SUMMARY:François Azambourg no Musée des Arts Décoratifs
DESCRIPTION:A exposição intitulada Légèretés manifestes é dedicada ao designer François Azambourg. Hoje reconhecido como uma das grandes figuras do design francês e por sua combinação entre ciência\, tecnologia e artes aplicadas\, François Azambourg\, inventor tanto quanto poeta\, é muito comprometido com as questões ecológicas de nosso tempo. Em constante busca por leveza\, economia de meios e sobriedade\, sua abordagem criativa é aberta e sem restrições. Em um mundo cada vez mais ávido por objetos e produtos\, é o longo tempo de experimentação que alimenta suas obras. \n\n\n\nCerca de 200 peças – móveis\, vasos\, luminárias – provenientes do estúdio do designer\, coleções de museus\, bem como do Centre Pompidou\, do Cnap\, de editoras e coleções privadas\, convidam o visitante a entrar no universo criativo desconhecido de François Azambourg. Ele ocupa os espaços do segundo andar do museu\, voltado para os Jardins das Tulherias\, com uma cenografia ecologicamente responsável\, reaproveitando materiais do próprio local.
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LOCATION:Musée des Arts Décoratifs\, 107 Rue de Rivoli Paris\, Paris\, Paris\, França
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SUMMARY:Philippe Cognée no Musée de l'Orangerie
DESCRIPTION:Para o Musée de l’Orangerie\, o artista concebe um conjunto de obras inéditas que lançam um olhar agudo e sutil sobre a série Nymphéas de Monet. Desde os anos 1980\, Philippe Cognée optou pela pintura figurativa\, contribuindo para sua renovação. Gradualmente\, desenvolveu uma técnica que condiciona o surgimento das imagens. Embora geralmente partindo de fotografias\, seu meio sempre é a pintura a cera\, em que o artista derrete com um ferro de passar após isolar a camada pictórica. As formas se misturam\, os contornos se desvanecem\, criando efeitos de borrão ou fusão. A imagem\, assim mantida à distância e distorcida\, incorpora o acaso ao resultado final. A mostra traz um conjunto de pinturas inéditas\, floresta\, matagal e multidões que questionam tanto a percepção da paisagem quanto a pintura. Como alquimista\, ele condensa a matéria\, arranha\, raspa\, cobre novamente. As intervenções na tela\, impregnadas de uma violência real e de um investimento físico do artista\, contribuem para a presença da pintura\, ainda mais do que para a representação dos assuntos\, eles próprios impregnados de selvageria ou inquietação. 
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LOCATION:Musée de l’Orangerie\, Jardin Tuileries Paris Département de Paris\, Paris\, Paris\, França
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SUMMARY:"Léon Monet: Frère de l’Artiste e Collectionneur" no Musée du Luxembourg
DESCRIPTION:O Musée du Luxembourg apresenta uma nova exposição dedicada a Léon Monet (1836-1917)\, o irmão esquecido de Claude Monet (1840-1926). Ao mesmo tempo\, químico de pigmentos e colecionador\, Léon Monet desempenhou um papel importante e decisivo na carreira do irmão. Em 1872\, quando Claude voltou a Le Havre e pintou Impression\, soleil levant\, Léon fundou a Sociedade Industrial de Rouen e decidiu apoiar ativamente seu irmão e seus amigos impressionistas. Estes foram os primeiros passos na constituição de um notável acervo de arte moderna. “Foi interessante ver que Léon estava interessado no lado químico dos pigmentos e corantes\, enquanto Claude estava interessado no uso artístico da cor”\, disse Géraldine Lefebvre\, curadora da nova exposição sobre o químico\, ao The Guardian. A exposição reúne cerca de cem obras\, incluindo pinturas e desenhos de Monet\, Morisot\, Sisley\, Pissarro e Renoir\, além de livros de cores\, amostras de tecidos\, gravuras japonesas\, documentos de arquivo e muitas fotografias de família. Pela primeira vez é apresentado o retrato enérgico que Claude Monet fez de seu irmão mais velho em 1874\, uma vibrante evidência do profundo afeto que unia os dois irmãos. A exposição insere definitivamente Léon Monet na biografia de Claude e mostra o interesse comum dos dois irmãos pela cor.
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LOCATION:Musée du Luxembourg\, 19 Rue de Vaugirard\, Paris\, França
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