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SUMMARY:"La Mode en mouvement" no Palais Galliera
DESCRIPTION:O Palais Galliera apresenta La Mode en mouvement [A Moda em Movimento]\, sua segunda exposição de coleções nas galerias do térreo do jardim. Com cerca de 200 obras\, este percurso cronológico traça\, através das coleções do museu\, uma história da moda desde o século XVIII até os dias atuais e\, ao mesmo tempo\, desenvolve uma temática transversal dedicada ao corpo em movimento. Refletindo os Jogos Olímpicos e Paralímpicos que serão realizados em Paris em 2024\, o Palais Galliera questiona o papel das roupas na prática de atividades físicas e esportivas\, sua relação com o corpo e o movimento\, bem como as consequências sociais de sua evolução. As roupas projetadas ao longo das épocas para atividades físicas e esportivas são comparadas com as roupas do dia a dia. Esse diálogo questiona as noções de especialização das roupas esportivas\, a adaptação das roupas femininas para a prática física no final do século XIX\, a masculinização das roupas femininas e a introdução do sportswear no guarda-roupa cotidiano. Por fim\, a evolução do corpo\, especialmente o corpo esportivo\, e a forma como ele é valorizado pelas roupas são destacadas para melhor compreender como a liberação do corpo através da atividade física contribuiu para a evolução das mentalidades e dos padrões de beleza. Trajes de banho\, roupas de ciclista e amazona\, casacos e acessórios de automobilismo\, conjuntos de corrida e tênis\, por exemplo\, serão apresentados ao lado de silhuetas características de três séculos de história da moda. O museu receberá empréstimos excepcionais do Museu Nacional do Esporte (Nice)\, da Biblioteca Forney (Paris)\, do Patrimônio CHANEL\, da coleção Emile Hermès\, das casas Sonia Rykiel e Yohji Yamamoto. Essas obras convidadas ajudarão a contextualizar as peças do Palais Galliera\, testemunhas de práticas físicas e esportivas\, de lazer ou de competição\, ao longo das épocas.Por razões de conservação preventiva\, esta exposição será organizada em três fases consecutivas\, cada uma exigindo um período de fechamento de cinco semanas. Assim\, as obras serão em grande parte renovadas\, oferecendo aos visitantes a oportunidade de retornar e descobrir as coleções do Palais Galliera.
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SUMMARY:3 exposições imersivas no Atelier des Lumières
DESCRIPTION:© Culturespaces / C. de la Motte Rouge\n\n\n\nTrês exposições fascinantes convidam os espectadores a viajarem por universos distintos. A primeira\, mergulha na antiguidade egípcia\, revelando as maravilhas dos faraós e seus rituais sagrados ao longo de milênios. A segunda\, transporta para o século XIX\, onde pintores ocidentais como Delacroix\, Gérôme e Ingres exploram os mistérios paisagísticos e as cores exuberantes do Oriente\, criando visões encantadas. Por fim\, adentra-se em um mundo surreal de fractais e paisagens alienígenas\, onde matemática e arte se fundem. \n\n\n\nConfira os horários e adquira seus ingressos clicando em “Informações” abaixo.
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LOCATION:Atelier des Lumières\, 38 Rue Saint-Maur\, Paris\, França
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SUMMARY:"The MET at The Louvre: Near Eastern Antiques in Dialogue" no Museu do Louvre
DESCRIPTION:Escultor desconhecido. “Cabeça de um líder”. Cortesia do Museu do Louvre.\n\n  \nO Departamento de Antiguidades do Oriente Próximo do Louvre está abrigando dez grandes obras do Metropolitan Museum of Art de Nova York\, cujo Departamento de Arte do Oriente Próximo Antigo está atualmente fechado para reformas. O Louvre e o Met criaram um diálogo único entre essas duas coleções\, que é exibido nas galerias permanentes do Louvre. Essas obras de arte “convidadas especiais” do Met\, datadas entre o final do 4º milênio a.C. e o século 5 d.C.\, mostram algumas conexões notáveis ​​com a coleção do Louvre. Em alguns casos\, um par de objetos foi reunido pela primeira vez\, enquanto em outros\, as peças se complementam em virtude de características históricas específicas de suas respectivas coleções. Representando a Ásia Central\, a Síria\, o Irã e a Mesopotâmia\, esse diálogo entre coleções está (re)apresentando os visitantes a essas extraordinárias e antigas obras de arte e às histórias que elas contam. \n  \n\n  \n\n  \n\n  \n\n 
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LOCATION:Museu do Louvre\, 75001 Paris\, França\, Paris\, França
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SUMMARY:"La Collection: Revoir Picasso" no Musée Picasso Paris
DESCRIPTION:Pablo Picasso\, Trois figures sous un arbre (Three figures under a tree)\, 1907-1908 © Musée Picasso Paris\n\n\n\nO Museu Nacional Picasso-Paris reencontra sua coleção espalhada por três andares a partir de 12 de março; após um ano de celebração e a magnífica exposição dedicada à artista Sophie Calle. Dez anos após a reabertura do museu\, a coleção se instala de forma permanente no magnífico Hotel Salé. \n\n\n\nFruto de uma história extraordinária\, a formação da coleção do Museu Nacional Picasso-Paris foi possibilitada pelo mecanismo de dação – hoje é a maior coleção pública de obras de Picasso\, os “Picassos de Picasso”. Originária dos ateliês do artista\, essa coleção nos permite compreender melhor as explorações estéticas deste Picasso que ora é desconcertante\, plural\, contraditório\, reflexivo\, gestual e conceitual\, esteta e engajado\, inventor e poeta. Ele é simbolista\, cubista\, clássico\, surrealista ou simplesmente figurativo e político? \n\n\n\nUm lugar aberto e vibrante\, o museu aborda questões sociais para questionar\, através da jornada de sua obra\, a recepção dela\, ou seja\, a do pintor mais renomado\, mais observado\, mas também o mais discutido. \n\n\n\nÉ também uma oportunidade para dedicar exposições ou contrapontos aos corações das coleções. O primeiro desta série presta homenagem à artista Françoise Gilot\, que faleceu recentemente. Além de seu famoso livro intitulado “Viver com Picasso”\, publicado em 1965 – a trajetória da artista é evocada desde sua proximidade com o grupo das “Realidades Novas” até as grandes composições totêmicas das “pinturas emblemáticas” dos anos 1980.
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LOCATION:Musée Picasso Paris\, 5 rue de Thorigny\, Paris\, França
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SUMMARY:"Parcours Mode\, Bijoux\, Design" no Musée des Arts Décoratifs
DESCRIPTION:Desfile de alta costura\, primavera-verão 2023. Stéphane Rolland.\n\n\n\nO Museu de Artes Decorativas apresenta pela primeira vez uma seleção de peças de alta costura e prêt-à-porter\, bem como joias e bijuterias\, nas galerias permanentes dedicadas ao design do século XX até os dias atuais. Trinta silhuetas de moda e cem joias de criadores e prestigiosas casas como Cartier\, Van Cleef & Arpels\, Christian Dior\, Lanvin e Balmain dialogam com grandes nomes do design como Ettore Sottsass\, Ron Arad\, Philippe Starck e os irmãos Campana. Essa apresentação revela as novas aquisições dessas três áreas.
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LOCATION:Musée des Arts Décoratifs\, 107 Rue de Rivoli Paris\, Paris\, Paris\, França
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SUMMARY:"La Mode en mouvement #2" no Palais Galliera
DESCRIPTION:De 26 de abril de 2024 a 5 de janeiro de 2025\, o Palais Galliera revela “La Mode en mouvement #2”. Com mais de 250 novas obras apresentadas durante esta segunda exibição\, a exposição traça\, através das coleções do museu\, uma história da moda do século XVIII até os dias atuais e desenvolve a temática transversal do corpo em movimento. Um foco especial também é dedicado às roupas de banho\, revelando peças raramente mostradas ao público. \n\n\n\nEnquanto Paris acolhe os Jogos Olímpicos e Paralímpicos no verão de 2024\, “La Mode en mouvement #2” permite compreender o papel do vestuário na prática de atividades físicas e esportivas\, bem como as consequências sociais de sua evolução. \n\n\n\nO vestuário concebido para o esporte (equitacão\, tênis\, golfe\, bicicleta…) é comparado ao vestuário de cidade. Esta segunda apresentação permite ao público perceber a progressiva especialização do vestuário esportivo\, assim como a introdução do sportswear no vestuário cotidiano. \n\n\n\nA seção balneária foca nos banhos de mar e na natação\, símbolos da democratização da prática esportiva desde o final do século XIX. É uma oportunidade de descobrir a importante coleção de trajes de banho\, maiôs\, roupas e acessórios de praia conservados no Palais Galliera. Esta seção destaca a evolução da relação com o corpo através de seu desvelamento na esfera pública\, bem como as noções de pudor e decência. Também revela a transformação dos cânones de beleza\, especialmente através da questão do bronzeamento. \n\n\n\n“La Mode en mouvement #2” beneficia-se de empréstimos excepcionais do Musée National du Sport (Nice)\, da Fundação Azzedine Alaïa\, da Biblioteca Forney (Paris)\, da Biblioteca Histórica da Cidade de Paris\, do Museu Carnavalet – História de Paris\, do Patrimônio da CHANEL\, da coleção Émile Hermès e da casa Yohji Yamamoto. Essas obras permitem colocar em perspectiva as peças do Palais Galliera\, testemunhas de uma prática física e esportiva\, de lazer ou de competição\, ao longo das épocas.
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SUMMARY:"Andres Serrano. Portraits de l'Amérique" no Musée Maillol
DESCRIPTION:Andres Serrano\, Piss Discus (Immersions)\, 1988\n\n\n\nO Museu Maillol e a agência Tempora apresentam\, a partir de 27 de abril de 2024\, uma exposição de fotografias do artista Andres Serrano para uma melhor compreensão de uma América envolvida em uma batalha eleitoral crucial para seu futuro. \n\n\n\nMais do que um fotógrafo\, Andres Serrano pode ser considerado um “artista com uma câmera”\, como ele mesmo se define. Através de suas fotografias cuidadosamente encenadas\, ele revela uma realidade frequentemente perturbadora da América. Religião\, morte\, sexo\, política\, pobreza ou violência permeiam a obra do artista americano. São facetas de uma América tanto monumental em seu triunfalismo quanto frágil em suas contradições. \n\n\n\nMestre do retrato\, Serrano exalta o indivíduo contemporâneo baseando-se na cultura clássica\, especialmente na pintura antiga\, servindo-se de um sagrado agora mesclado com a cultura pop. O olhar do fotógrafo tem a eficácia de uma arma apontada para uma sociedade esquizofrênica da qual Donald Trump se tornou tanto o sintoma quanto o emblema\, ocupando um lugar obsessivo no propósito da exposição do Museu Maillol. \n\n\n\nProvocador para alguns\, observador objetivo do mundo para outros\, Andres Serrano enfatiza os tabus que uma América puritana deseja esconder. Algumas de suas fotografias\, capazes de chocar e por vezes vandalizadas em exposições anteriores\, serão apresentadas em um espaço dedicado. No total\, o visitante descobrirá 89 obras emblemáticas dos diferentes temas abordados pelo artista.
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LOCATION:Musée Maillol\, 59-61 Rue de Grenelle\, Paris\, França
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SUMMARY:"The Body in Motion" no Petit Palais
DESCRIPTION:Augustin Rouart\, Le Nageur\, 1943\n\n\n\nPor ocasião dos Jogos Olímpicos e Paralímpicos de Paris 2024\, o Petit Palais apresenta “The Body in Motion” a partir de 15 de maio de 2024. Esta exposição conecta arte e esporte dentro de suas coleções. \n\n\n\nA exposição\, com uma cenografia que reflete as cores dos Jogos Olímpicos\, apresenta cinquenta obras das coleções do Petit Palais\, que vão da antiguidade ao início do século XX\, algumas das quais foram especialmente retiradas das reservas. Essas pinturas\, esculturas e objetos de arte\, bem como desenhos e gravuras do museu\, foram escolhidos pela maneira como destacam o corpo\, a anatomia e o esporte. A exposição está dividida em oito seções. \n\n\n\nEla começa na Galerie des Antiques\, levando os visitantes de volta no tempo às origens dos Jogos Olímpicos com evocações visuais de um evento de arremesso de disco ou dardo em vasos e ânforas datados do século V a.C. A coleção de ícones próxima destaca a representação do “corpo heroico” através da figura de São Jorge matando o dragão\, personificando a noção de busca e de superação. \n\n\n\nA seção intitulada “The Drawn Body” relembra a importância dos modelos humanos na arte ocidental e apresenta estudos de nus masculinos de Dürer e Rembrandt. A exposição continua com um interlúdio de dança focado em “corpos suspensos”. Incorporando o dinamismo visível em toda a exposição\, a seção chamada “Sculpting the Body” lança luz sobre essa busca pela vitalidade por escultores que procuram capturar o movimento. Mais adiante\, na seção intitulada “Montar!”\, o tema da emancipação das mulheres através do esporte é explorado com pinturas de Jacques-Émile Blanche e Léon Comerre. “The Body at Play”\, por outro lado\, apresenta jogos infantis como peteca e bilhar em tapeçarias do século XVIII\, os respectivos ancestrais do badminton e do mikado de hoje. A seção final da exposição\, intitulada “Sport in Vogue”\, examina o início do século XX\, que marcou a chegada dos Jogos Olímpicos modernos\, transportando os visitantes para uma nova era que leva até os dias atuais. \n\n\n\nA exposição é complementada por vídeos intitulados “In the Words of Athletes”\, apresentando os esportistas apoiados pelas empresas do Groupe BPCE\, parceiro premium dos Jogos Olímpicos e Paralímpicos de Paris 2024 e principal patrocinador ou mecenas do Petit Palais. Cada atleta escolheu uma obra que ressoa particularmente com seu esporte e prática específica\, sua vida pessoal e os desafios físicos que enfrentaram\, juntamente com a arte do gesto perfeitamente executado\, e as ambições ou objetivos que estabeleceram para si mesmos. Esses vídeos emocionantes lançam luz sobre o vínculo que existe entre arte e esporte\, com os atletas participantes se tornando\, em suas próprias palavras\, “artletas”.
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LOCATION:Petit Palais\, Av. Winston Churchill\, 75008\, Paris\, França
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SUMMARY:Éric Dubuc no Musée d'Art Moderne de Paris
DESCRIPTION:Éric Dubuc\, Autoportrait de profil (detalhe)\, 1986 © Museu de Arte Moderna de Paris\, doação da família do artista em 2022. Fotografia: Cécile Dubuc\n\n\n\n\nNascido em Paris em 1961\, em uma família franco-alemã\, Éric Dubuc produziu seus primeiros desenhos durante seus estudos na escola Steiner-Waldorf. Aos 18 anos\, passou um ano na École Nationale des Beaux-Arts antes de continuar sua formação por meio de viagens longínquas e solitárias pela Ásia e África. Durante uma dessas viagens à República Democrática do Congo\, ele contraiu malária e foi hospitalizado no hospital Claude Bernard\, de onde saiu muito debilitado física e psicologicamente. Em 1985\, expôs no Salon de la Jeune Peinture em Paris\, onde seu trabalho alcançou um primeiro sucesso. Sua obra\, tão precoce quanto profundamente pessimista e distante\, foi interrompida por seu suicídio\, aos 25 anos. \nO olhar de Éric Dubuc se lança sobre o mundo como um bisturi. Seja ao retratar a violência cotidiana das ruas ou o realismo miserável dos interiores\, sua arte alcança uma forma de crueldade\, até o ponto da ruptura. A frieza impiedosa da vida urbana é representada em cenas de bares desiludidos\, onde personagens solitários se aproximam sem realmente se encontrar\, ou em vagões de metrô\, onde reinam a indiferença e o anonimato. Sua obra também é composta por autorretratos angulosos\, marcados pela melancolia\, e por numerosas janelas\, sempre fechadas\, através das quais se vislumbra um mundo próximo e\, no entanto\, inalcançável. \nAlém da precisão com que representa os cenários\, suas obras frequentemente revelam uma grande atenção aos rostos\, desenhados com uma linha sinuosa capaz de traduzir a “fisionomia do psiquismo”\, resultado de suas aulas de anatomia. A mesma veia expressionista se manifesta em seu interesse pela degradação dos corpos envelhecidos\, sempre representados de maneira seca e precisa\, recusando qualquer forma de pathos. Graças a uma doação da família do artista em 2022\, dez obras de Éric Dubuc entraram para as coleções do museu. Esta apresentação é complementada por obras do Museu Carnavalet – História de Paris e do Centro Nacional de Artes Plásticas\, além de um certo número de empréstimos da família. \nComissária: Julia Garimorth\, conservadora-chefe no Museu de Arte Moderna de Paris.
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LOCATION:Musée d’Art Moderne de Paris\, 11 Av. du Président Wilson Paris\, Paris\, Paris\, França
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SUMMARY:Daniel Pommereulle no Musée d'Art Moderne de Paris
DESCRIPTION:Daniel Pommereulle\, Objet de prémonition (detalhe)\, 1974-1975. Museu de Arte Moderna de Paris\, aquisição em 2022 © ADAGP 2024. Fotografia: Rurik Dmitrienko.\n\n\n\n\nPor ocasião da entrada de obras de Daniel Pommereulle na coleção\, o Museu de Arte Moderna de Paris presta homenagem a essa figura singular da cena artística francesa. Pintor\, escultor\, cineasta\, performer e poeta\, Pommereulle atravessou a segunda metade do século XX impulsionado por compromissos radicais\, criando formas que testam nossa vulnerabilidade por meio da experiência da violência e do infinito. \nMobilizado durante a guerra da Argélia em 1957\, Pommereulle foi profundamente marcado por essa experiência traumática\, que permeia suas criações. No início de sua carreira\, ele também foi influenciado pelo onirismo de Odilon Redon\, dos surrealistas e de Henri Michaux\, com quem compartilhava o interesse por drogas alucinógenas. Em 1966\, identificado como um “objetor” pelo crítico Alain Jouffroy\, que aplicou o termo aos artistas que reivindicavam o legado de Marcel Duchamp e a revolta política\, ele expôs Pêcher en fleur no Salon de Mai\, no Museu de Arte Moderna de Paris. Em sua obra\, Pommereulle desenvolve uma estética da violência e da crueldade\, criando objetos ameaçadores e dispositivos de tortura (como Toboggan\, 1974)\, que confrontam diretamente os visitantes. \nConhecido também como ator por suas aparições nos filmes da Nouvelle Vague\, o artista apresentou\, em La Collectionneuse de Éric Rohmer (1967)\, seu primeiro Objet Hors Saisie\, que ele continuaria a desenvolver com a série Objets de prémonition (1975): potes de tinta derramados e esculturas de chumbo\, armados com lâminas de facas e objetos cortantes. Nos anos 1980\, Pommereulle passou um tempo na Coreia e no Japão\, marcando uma virada em seu trabalho. Sua prática gráfica e escultórica\, através do uso de vidro\, pedra e aço\, passou a buscar canalizar energias cósmicas. Até sua morte\, segundo Armance Léger\, “a transparência\, o ar e o vazio se tornaram os novos termos de sua exploração.” \nComissária: Fanny Schulmann\, conservadora-chefe no Museu de Arte Moderna de Paris.
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LOCATION:Musée d’Art Moderne de Paris\, 11 Av. du Président Wilson Paris\, Paris\, Paris\, França
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SUMMARY:"Comics\, 1964-2024" no Centre Pompidou
DESCRIPTION:Moebius\, Starwatcher\, 1986. © Moebius Production\n\n\n\nMarcada pelo “segundo vento do Surrealismo”\, sua produção por volta de 1955 está alinhada com a abstração gestual e textural que ocupava um lugar proeminente na época. Misturando o material com uma faca\, tecendo redes inextricáveis e permitindo que “traços gráficos” invadam a tela\, Réquichot parece levar a pintura aos seus limites absolutos. Suas Relíquias e suas telas suspensas enroladas apresentam expressões exacerbadas disso. \n\n\n\nUltrapassando o âmbito da Arte Informal\, da qual ele é um representante eminente\, Réquichot foi rápido em introduzir colagens em sua pintura. No domínio gráfico\, ele investiu o motivo espiral com uma função quase hipnótica em impressionantes tintas sobre papel sublinhadas por guache branco. Relacionados de perto à escrita ilegível\, que não está desconectada da produção literária do artista\, esses motivos se traduzem em escultura na forma de agregados de anéis de poliestireno. Réquichot era uma figura complexa e atormentada que tirou a própria vida pouco antes de sua segunda exposição individual organizada por seu galerista\, Daniel Cordier.
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LOCATION:Centre Pompidou\, Place Georges-Pompidou\, Paris\, França
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SUMMARY:"Syndicat des Olympiades" de Jonathas de Andrade na La Galerie\, centro de arte contemporânea de Noisy-le-Sec
DESCRIPTION:Vista da instalação. Cortesia do artista\, galeria Nara Roesler e Galleria Continua. Produção La Galerie\, centro de arte contemporânea de Noisy-le-Sec. Foto © Salim Santa Lucia\n\n\n\n\nNo contexto de La Métropolitaine\, encontro internacional de arte contemporânea da Metrópole do Grande Paris\, em colaboração com TRAM\, rede de arte contemporânea Paris / Île-de-France. \nA convite da La Galerie\, centro de arte contemporânea de interesse nacional de Noisy-le-Sec\, o artista brasileiro Jonathas de Andrade (nascido em 1982\, vive e trabalha em Recife) apresenta « O Sindicato das Olimpíadas »\, um projeto inclusivo e participativo realizado com associações de Noisy-le-Sec. Jonathas de Andrade utiliza fotografia\, vídeo e performance para questionar o impacto arquitetônico\, social e cultural dos Jogos Olímpicos\, considerando toda a diversidade dos paisagens e das pessoas que habitam e constituem esse território diariamente. \nDurante o período da exposição\, o edifício da La Galerie se torna a sede desse sindicato extraordinário\, acolhendo um conjunto de obras (retratos fotográficos\, filmes\, maquetes arquitetônicas\, objetos…) produzidas para a ocasião\, que tornam visíveis e valorizam os habitantes da periferia\, assim como os entusiastas do esporte de origens sociais variadas e idades diversificadas.
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LOCATION:La Galerie\, centre d’art contemporain de Noisy-le-Sec\, 1 Rue Jean Jaurès\, Paris\, França
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SUMMARY:“Chefs-d'oeuvre de la collection Torlonia” no Museu do Louvre
DESCRIPTION:A maior coleção privada de escultura romana antiga preservada até hoje – reunida pelos príncipes Torlonia ao longo de todo o século XIX em Roma – é revelada ao público pela primeira vez desde meados do século XX em uma série de exposições-eventos. \nÉ no Louvre que os mármores Torlonia se instalam para sua primeira exibição fora da Itália\, no cenário restaurado dos apartamentos de Ana da Áustria\, sede das coleções permanentes de escultura antiga desde o final do século XVIII e o nascimento do Museu do Louvre. As coleções nacionais francesas prontamente se prestam a um diálogo fecundo com os mármores Torlonia\, questionando a origem dos museus e o gosto pelo Antigo\, elemento fundador da cultura ocidental. \nEsta exposição destaca obras-primas da escultura antiga e convida à contemplação dos maiores tesouros da arte romana\, além de proporcionar uma imersão nas raízes da história dos museus\, na Europa das Luzes e do século XIX.
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LOCATION:Museu do Louvre\, 75001 Paris\, França\, Paris\, França
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SUMMARY:“Museum: Modern and Contemporary Collection” no Centre Pompidou
DESCRIPTION:Robert Delaunay\, Manège de cochons (detalhe)\, 1922. Domínio público. © Foto: Centre Pompidou\, MNAM-CCI/Bertrand Prévost/Dist. GrandPalaisRmn.\n\n\n\n\nDe baías a passarelas e de salas a corredores\, descubra os movimentos fundadores da história das artes dos séculos XX e XXI\, junto com as obras icônicas que marcaram profundamente a era moderna a partir da vasta coleção do Centre Pompidou.  \nA apresentação cronológica da coleção moderna começa em 1905 (no nível 5)\, com as pinceladas vibrantes e as cores dramáticas dos artistas Fauves. Esse movimento gerou os grandes artistas do século XX\, que lançaram as bases para o Cubismo\, Expressionismo e Abstração. Esses primeiros movimentos “vanguardistas” são representados por artistas de toda a Europa e de diversas partes do mundo. \nA coleção contemporânea (no nível 4) destaca obras que testemunham a diversidade dos contextos artísticos em nosso mundo globalizado\, além de ambientes e apresentações que constituem verdadeiros programas artísticos por si só. Dividida em sequências históricas\, essa apresentação reflete uma coleção em constante evolução\, enriquecida continuamente para mostrar o melhor da cena contemporânea. Algumas das obras emblemáticas da coleção são instalações multissensoriais\, como Le Magasin de Ben\, Plight de Joseph Beuys e Les Piques de Annette Messager.
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LOCATION:Centre Pompidou\, Place Georges-Pompidou\, Paris\, França
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SUMMARY:"Lake Margrethe" de Koak na Perrotin
DESCRIPTION:Vista da exposição Lake Margrethe de Koak na Perrotin Paris\, 2024. Foto: Claire Dorn. Cortesia do artista e da Perrotin.\n\n\n\n\nA exposição Lake Margrethe\, de Koak\, marca sua primeira grande exibição na Europa e explora a complexidade emocional e visual entre natureza e corpo. Com influências de quadrinhos e um forte uso de linhas expressivas\, Koak mistura memórias familiares e experiências pessoais\, como as retratadas em pinturas de sua avó\, mãe e dela própria. As obras transitam entre o real e o abstrato\, com temas de transição\, saúde e doença. A cor verde\, presente em muitas das peças\, remete tanto à vitalidade quanto à toxicidade\, refletindo a dualidade de momentos aparentemente belos e os perigos ocultos.
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LOCATION:Perrotin Paris\, 10 Imp. Saint-Claude\, Paris
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SUMMARY:"Amadeo Luciano Lorenzato En Conversation" na Mendes Wood DM
DESCRIPTION:Amadeo Luciano Lorenzato\, Sem título\, 1991. Cortesia Mendes Wood DM\n\n\n\n\nA exposição\, em cartaz na Mendes Wood DM\, em Paris\, reúne as obras de Amadeo Luciano Lorenzato com trabalhos de artistas contemporâneos como Lucas Arruda\, Sanam Khatibi\, Patricia Leite\, Paula Siebra\, Marcos Siqueira\, Erika Verzutti e Castiel Vitorino Brasileiro. A mostra propõe um diálogo entre a singularidade de Lorenzato e as práticas desses artistas. \nLorenzato\, que viveu grande parte de sua vida em Belo Horizonte\, capturava em suas pinturas paisagens locais e o ambiente urbano. Ele rejeitava rótulos como “modernismo”\, “primitivismo” ou “arte naif”\, desenvolvendo uma abordagem livre que unia abstração e figuração. Seus materiais eram simples\, como pigmentos locais\, e suas técnicas criativas\, como o uso de pentes para texturizar a tinta\, traziam uma originalidade marcante às suas obras. \nA exposição também destaca como artistas contemporâneos\, como Patricia Leite e Lucas Arruda\, dialogam com o trabalho de Lorenzato\, principalmente em suas representações de luz e paisagens. Erika Verzutti e Marcos Siqueira\, por outro lado\, trazem a materialidade e a textura em suas obras de maneira que remete ao tratamento sensorial das superfícies nas pinturas de Lorenzato.
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LOCATION:Mendes Wood DM Paris\, 23 Place des Vosges\, Paris\, França
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SUMMARY:“Surrealism” no Centre Pompidou
DESCRIPTION:Max Ernst\, L’ange du foyer (Le Triomphe du surréalisme)\, 1937. © Adagp\, Paris. Foto: Vincent Everarts Photographie\n\n\n\n\nCombinando pinturas\, desenhos\, filmes\, fotografias e documentos literários\, a exposição apresenta obras dos artistas icônicos do movimento (Salvador Dalí\, René Magritte\, Giorgio de Chirico\, Max Ernst\, Joan Miró)\, bem como das surrealistas mulheres (incluindo Leonora Carrington\, Ithell Colquhoun\, Dora Maar). \nA exposição é organizada tanto cronologicamente quanto tematicamente\, estruturada em 14 seções que evocam as figuras literárias que inspiraram o movimento (Lautréamont\, Lewis Carroll\, Sade\, etc.) e os princípios poéticos que estruturam sua imagética (o artista como médium\, os sonhos\, a pedra filosofal\, a floresta\, etc.). \nNo centro da exposição está um “tambor” central que abriga o manuscrito original do Manifesto\, um empréstimo excepcional da Biblioteca Nacional da França. Uma exibição multimídia acompanha a descoberta deste documento único\, fornecendo uma visão sobre sua criação e significado.
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LOCATION:Centre Pompidou\, Place Georges-Pompidou\, Paris\, França
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SUMMARY:"Shio Kusaka" na David Zwirner Paris
DESCRIPTION:Vista da exposição Shio Kusaka\, David Zwirner\, Paris\, 2024\n\n\n\n\nA David Zwirner apresenta sua segunda exposição com Shio Kusaka\, que também marca a reabertura do espaço renovado da galeria em Paris. Conhecida por sua abordagem lúdica e instintiva ao meio da cerâmica\, Kusaka cria vasos que abraçam imperfeições orgânicas\, técnicas e padrões recorrentes\, além de imagens que aludem a formas históricas\, contemporâneas e futuristas. Os complexos designs da artista destacam irregularidades poéticas e qualidades ópticas. O trabalho de Kusaka é inspirado por uma ampla gama de referências: observações pessoais\, texturas\, padrões\, arquitetura\, fantasia e o espaço sideral\, entre outros.
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LOCATION:David Zwirner\, 108 Rue Vieille-du-Temple Paris\, Paris\, França
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SUMMARY:"Masterpieces from the Borghese Gallery" no Musée Jacquemart-André
DESCRIPTION:Michelangelo Merisi da Caravaggio\, Boy with a Basket of Fruit (detalhe)\, c. 1593. (Ministero dei Beni e delle Attivita Culturali e del Turismo — Galleria Borghese / J. Paul Getty Trust)\n\n\n\n\nPara sua primeira exposição após mais de um ano de reformas\, o Musée Jacquemart-André apresentará cerca de quarenta obras-primas da famosa Galeria Borghese\, em Roma. Esta parceria excepcional entre as duas instituições oferecerá ao público uma oportunidade única de admirar em Paris um conjunto de obras importantes de artistas renomados dos períodos da Renascença e do Barroco\, raramente emprestadas fora da Itália\, como Caravaggio e Rubens\, além de obras de Botticelli\, Rafael\, Ticiano\, Veronese\, Antonello da Messina e Bernini. \nA Villa Borghese Pinciana\, que hoje abriga a Galeria Borghese\, foi construída entre 1607 e 1616 pelo poderoso Cardeal Scipione Borghese (1577–1633)\, sobrinho do Papa Paulo V (1550–1621). Inspirando-se nas luxuosas vilas romanas\, Scipione desejava usar o palácio\, cercado por jardins\, para exibir suas coleções de obras antigas e pinturas e esculturas contemporâneas\, evocando uma nova era de ouro. Dotado de um grande gosto pela arte\, uma curiosidade insaciável e uma habilidade extraordinária para identificar obras-primas\, Scipione Borghese completou sua coleção por todos os meios possíveis\, legais ou não. Ele se tornou um dos maiores colecionadores e patronos de seu tempo\, transformando a Villa Borghese em um verdadeiro museu antes mesmo de os museus existirem. De acordo com seus últimos desejos\, todas as suas coleções e propriedades foram passadas de geração em geração por quase duzentos anos\, e os herdeiros Borghese continuaram a enriquecer o patrimônio da família. No início do século XIX\, várias centenas de esculturas antigas foram\, no entanto\, cedidas a Napoleão Bonaparte por seu cunhado\, o Príncipe Camille Borghese (1775–1832); elas foram gradualmente substituídas por novas aquisições. A família Borghese acabou vendendo a villa e seu museu ao Estado italiano em 1902. A Galeria Borghese permanece um símbolo da prosperidade econômica\, cultural e artística de Roma na era moderna\, sendo um destino obrigatório para os visitantes da Cidade Eterna. \nGraças à parceria entre o Musée Jacquemart-André e a Galeria Borghese—no contexto de uma campanha de reformas no museu de Roma no outono de 2024—\, esta exposição apresentará uma seleção de obras excepcionais dessa coleção de arte\, única no mundo. O público poderá (re)descobrir obras dos mestres da arte italiana dos séculos XVI e XVII (Rafael\, Antonello da Messina\, Parmesan\, Lorenzo Lotto\, Ticiano\, Veronese\, Caravaggio\, Bernini\, etc.)\, além de pintores nórdicos que permaneceram na Itália (Rubens\, Gerrit van Honthorst\, etc.). A exposição também prestará homenagem a pintores menos conhecidos pelo público geral\, como Annibale Carracci\, Guido Reni\, Cavaliere D’Arpino e Jacopo Bassano. A apresentação das obras na exposição iluminará tanto a história da coleção quanto os grandes temas explorados pelos artistas. A exposição será complementada por um catálogo\, uma obra de referência em francês sobre a coleção de pinturas “modernas” da Galeria Borghese. O Musée Jacquemart-André se esforça para destacar colecionadores que deixaram sua marca na história da arte\, como o casal Édouard André e Nélie Jacquemart. \nEles compilaram uma rica coleção de pinturas\, esculturas e móveis italianos\, desde a Idade Média até o século XVIII\, tornando o Musée Jacquemart-André uma das principais instituições francesas dedicadas à arte italiana. Assim\, as obras-primas colecionadas pela família Borghese serão particularmente bem cuidadas neste museu italiano no coração de Paris.
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LOCATION:Musée Jacquemart-André\, 158 Bd Haussmann\, Paris\, França
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SUMMARY:"Leonor Fini" na Galerie Minsky
DESCRIPTION:Leonor Fini\, Autoportrait avec Stanislao Lepri (detalhe)\, 1943-43 © Leonor Fini\n\n\n\n\nConsiderada uma das artistas mais importantes do século 20\, mas também uma das mais incompreendidas\, Leonor Fini tem sido recentemente objeto de uma reavaliação apaixonada. Suas pinturas quebram recordes em leilões à medida que são cada vez mais adquiridas por grandes museus. A partir de 5 de setembro de 2024\, a Galerie Minsky celebrará esse importante passo na valorização de sua arte com três exposições curadas por Richard Overstreet\, sucessor da artista. Simultaneamente\, participaremos da exposição “Surrealismo” no Centre Pompidou\, emprestando obras de Leonor Fini. \nA primeira das três exposições será uma mostra individual de Leonor Fini\, apresentando obras-primas desde os anos 1920 até os anos 1990. Dois raros autorretratos dos anos 1940 e 1950 serão exibidos ao público\, juntamente com peças enigmáticas (como Nebbia\, 1982) que desafiam nossa percepção da vasta obra da artista.
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LOCATION:Galerie Minsky\, 37 Rue Vaneau\, Paris\, França
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SUMMARY:"Serge Poliakoff: Image Divine" na Almine Rech
DESCRIPTION:Poliakoff concebia a arte como um mundo de Deus. Ele se mudou para a França há 100 anos\, em 1923\, e passou a maior parte de sua vida lá. O artista refletiu certa vez: “Se eu não tivesse vindo para Paris\, talvez eu não fosse pintor.” Kandinsky\, também da Rússia\, reconheceu o talento de Poliakoff e recomendou seu trabalho a galeristas. Em 1962\, Poliakoff representou a França na Bienal de Veneza. \nEle era um artista contemplativo. Três influências principais deixaram um impacto duradouro sobre ele: a arte bizantina\, a pintura italiana da época de Giotto e os ícones russos. “Quando criança\, fiquei impressionado com a beleza dos ícones nas igrejas russas\, e essa impressão ficou comigo. Guardei traços disso na minha arte”\, lembrou o pintor. \nPara Poliakoff\, criar uma pintura era um processo de busca por harmonia\, combinando formas e técnicas. Ele queria “seguir os Velhos Mestres” e muitas vezes ia ao Louvre\, onde levava seu filho Alexis. Quais pinturas eles observavam? Alexis se lembra de A Coroação da Virgem\, de Fra Angelico\, e A Batalha de San Romano\, de Paolo Uccello. Ao estudar São Francisco de Assis\, de Giotto\, Poliakoff se interessava pelas vestes do papa adormecido. Todas essas obras tratavam de problemas relacionados à fronteira entre a imagem e o fundo e à textura da superfície pintada. \n— Dr. Dimitri Ozerkov
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LOCATION:Almine Rech Paris\, 18 avenue Matignon\, Paris\, França
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SUMMARY:Mostras individuais de Alex Katz\, Tony Cragg e Tom Sachs na Thaddaeus Ropac Paris
DESCRIPTION:Detalhe da obra de Tony Cragg. Cortesia Thaddaeus Ropac\n\n\n\n\nIntitulada 60 Years of Printmaking\, a mostra reúne gravuras que abrangem 60 anos da carreira de Alex Katz. Ela dá continuidade à exposição de destaque realizada na galeria Pantin no início deste ano\, a primeira dedicada à prática de gravura do artista americano. Abrangendo os evocativos paisagens de Katz\, seus retratos cinematográficos de corte fechado\, assim como um grupo de portfólios iniciais que testemunham o experimento técnico em suas gravuras\, a exposição oferece aos visitantes uma visão retrospectiva sem precedentes sobre a prática de impressão do artista. 60 Years of Printmaking coincide com uma exposição das pinturas recentes de Katz na Fondazione Giorgio Cini\, em Veneza\, bem como com uma apresentação individual de quatro de suas pinturas monumentais no Museu de Arte Moderna de Nova York. \nJá New Sculptures\, de Tony Cragg\, apresenta seus trabalhos mais recentes e revela a amplitude dos desenvolvimentos formais do artista britânico\, marcados por sua constante investigação das possibilidades oferecidas por uma ampla gama de materiais\, explorando tanto o mundo natural quanto o criado pelo homem. “Seu trabalho tem o efeito acumulado de sutilmente desestabilizar as certezas de tais categorias\, ao mesmo tempo em que nos permite pensar – por meio da escultura – sobre as complexas conexões materiais entre […] cultura e natureza\,” escreve o historiador de arte Jon Wood. As esculturas abstratas de Cragg manifestam formas completamente inéditas\, que\, no entanto\, despertam uma sensação de reconhecimento ao fazerem alusão ao mundo ao nosso redor. \nEm “Painting” (Volume II)\, Tom Sachs reimagina pinturas de Pablo Picasso utilizando sua própria linguagem pictórica distinta. Nesta exposição\, ele se concentrou particularmente nos retratos de Picasso\, cujas reinterpretações constituem uma investigação sobre o consumo e o desejo na retratística\, além de uma reflexão irônica sobre o propósito da pintura em si.
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LOCATION:Thaddaeus Ropac Marais\, 7 Rua Debelleyme\, Paris\, França
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SUMMARY:"Inside the White Cube" de Salvatore Emblema na White Cube
DESCRIPTION:Vista da exposição Inside the White Cube de Salvatore Emblema na White Cube Paris. Cortesia White Cube\n\n\n\n\nA White Cube Paris apresenta uma exposição individual com obras do falecido artista italiano Salvatore Emblema (1929–2006)\, abrangendo desde o início dos anos 1960 até meados dos anos 1980. Inspirado por seu entorno rural no sul da Itália\, Emblema trabalhava com materiais naturais e matéria orgânica\, como juta bruta\, folhas\, terra vulcânica\, lava petrificada e metais oxidados. Atuando de forma independente da vanguarda pós-guerra do país\, que se concentrava nas cidades do norte\, Emblema dedicou sua vida artística a preocupações que tornaram seu trabalho resistente a classificações estilísticas\, mas ainda assim conectado aos movimentos de sua época.
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LOCATION:White Cube Paris\, 10 Avenue Matignon\, Paris\, França
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SUMMARY:Barbara Chase-Riboud no Musée d'Orsay
DESCRIPTION:Retrato de Barbara Chase-Riboud © Cortesia da Pulitzer Arts Foundation / Virginia Harold\n\n\n\n\nOito museus parisienses celebram Barbara Chase-Riboud. Nascida em 1939\, esta artista viva trabalha há sete décadas\, viajando pelo mundo e desenvolvendo um domínio incomparável das formas. A exposição\, distribuída por oito locais\, apresenta um conjunto de esculturas monumentais que demonstram o poder do bronze e da seda\, elementos centrais na obra da escultora\, tecendo conexões entre culturas\, histórias e materiais. No museu d’Orsay\, cinco peças da artista estão expostas no salão do relógio\, no 5º andar. \nNo famoso salão do relógio do museu d’Orsay\, um lugar emblemático da modernidade\, cinco esculturas de alumínio e seda são apresentadas. Em diálogo com um dos dois grandes relógios da fachada do museu\, elas questionam a relação com o tempo. \nBarbara Chase-Riboud abre novos caminhos na escultura\, associando o bronze à seda e à lã\, criando obras onde a solidez e a fluidez não estão em contradição\, mas inventam uma forma\, ao mesmo tempo humana e abstrata\, móvel. \nNomeada em homenagem ao livro de poesia de Barbara Chase-Riboud\, publicado em 2014\, a exposição “Quando um nó é desfeito\, um deus é libertado” se desdobra em oito locais. Ela oferece aos visitantes uma constelação de encontros com a obra da artista\, por meio de esculturas\, desenhos e poemas criados entre 1958 e os dias de hoje.
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LOCATION:Musée d’Orsay\, 1 Rue de la Légion d'Honneur Paris\, Paris\, Paris\, França
CATEGORIES:Paris
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SUMMARY:"LA ELLE" de Renée Levi no Palais de Tokyo
DESCRIPTION:Vista da instalação. Crédito: Antoine Aphesbero\n\n\n\n\nO edifício do Palais de Tokyo está vivo com as memórias e presenças das inúmeras intervenções artísticas que ocorreram ao longo dos anos\, variando do sutil ao espetacular. O convite a Renée Levi estende a história contínua escrita por esses gestos que moldaram o centro de arte\, incluindo os de Anita Molinero\, FUTURA 2000\, Philippe Parreno\, TOILET PAPER e Kate Newby\, e lança uma nova luz sobre nossa experiência coletiva do hall de entrada do Palais. \nRespondendo ao convite para desdobrar sua pintura por La Zone – a área de entrada livremente acessível do Palais de Tokyo – Renée Levi redefine e expande simultaneamente este espaço\, geralmente de passagem. Seu trabalho consiste em uma pintura mural analógica nas paredes internas e um vasto desenho digital que cobre as janelas do edifício\, conferindo-lhes a aparência de vitral. Na fachada e nas janelas\, o branco torna-se um fundo para a cor\, enquanto nas paredes é reservado para sinais e assinaturas. Movendo-se entre opacidade e translucidez\, sinais riscados e escritas ressaltam várias características de seu ambiente anfitrião\, ao mesmo tempo em que se fundem a ele: os vários tons da pedra e do mármore\, a verticalidade e transparência das janelas e a estrutura crua do edifício. Em alguns lugares\, traços digitais se transformam em reflexões pictóricas\, enquanto em outros\, as vogais de um nome se entrelaçam em laços de prata ou fumaça\, sinais tornam-se letras\, acentos formam linhas de luz\, a linguagem se transforma em uma abstração\, e o todo constitui uma nova linguagem. \nEm LA ELLE\, sinais e laços colapsam uns nos outros\, irrompendo de latas de spray\, avançando hesitantes\, mas sem se desculpar\, por superfícies até encontrarem sua forma em um nome mítico formado pela conjunção de dois pronomes. “Eu sempre sinto que estou falando em uma língua estrangeira – não apenas na minha vida diária\, mas ocasionalmente no mundo da arte também. Meu nome é uma primeira língua tangível. Meu eu se esconde atrás deste nome\, junto com outros que se escondem ou se esconderam lá. Nomes identificam e agem como proposições de identificação. Meu nome é a base da minha identidade. Ele me legou família\, identidade cultural\, obrigações e responsabilidades\, mas também força. Este nome pode ser inscrito como um sinal. Todos deveríamos ser capazes de ler nossos nomes como sinais\, como uma espécie de grafite fugitivo.”
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LOCATION:Palais de Tokyo\, 13\, avenue du Président Wilson\, Paris\, França
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SUMMARY:"The Flowers of Yves Saint Laurent" no Musée Yves Saint Laurent
DESCRIPTION:Imagem: Divulgação\n\nDe 20 de setembro de 2024 a 4 de maio de 2025\, o Musée Yves Saint Laurent Paris apresenta As Flores de Yves Saint Laurent. Idealizada pelos curadores Olivier Saillard e Gaël Mamine\, a exposição segue uma exibição inaugural no Musée Yves Saint Laurent Marrakech\, em cartaz de 2 de março de 2024 a 5 de janeiro de 2025. Pela primeira vez\, os dois museus se uniram para montar uma exposição conjunta dedicada a um tema central na obra do estilista. \n“Trigo traz boa sorteLírios\, minha flor favorita/Uma Vênus de bronze\, símbolo da minha profissão e da minha paixão por bronzesÀ la recherche du temps perdu de Proust/ \nDesde os quinze anos\, nunca parei de reler essa obra incomparável.” \nYves Saint Laurent e seu parceiro Pierre Bergé viviam diariamente cercados por flores e jardins em seus apartamentos\, casas de campo e na própria maison de moda. Apaixonado por flores\, o estilista as considerava uma fonte infinita de inspiração. \nYves Saint Laurent compartilhava essa admiração pela natureza com muitos artistas e escritores\, em particular com um de seus autores favoritos\, Marcel Proust\, como revelou na revista L’Egoïste em 1987. Um universo proustiano aparecia nos interiores do estilista\, assim como em seus desfiles de moda. Enquanto o escritor descrevia mulheres como flores\, o costureiro as homenageava cobrindo-as com flores. \nMais de trinta peças de vestuário e desenhos apresentados na exposição destacam essa simbiose entre natureza\, literatura e o trabalho de Yves Saint Laurent. \nComo em um livro\, cada capítulo da exposição exibe citações de Proust ao lado de silhuetas florais criadas por Yves Saint Laurent\, enquanto acessórios e desenhos do estilista são apresentados em pedestais. Como ao longo de um caminho de jardim\, flores estão por toda parte\, revelando a personalidade e os gostos do designer: desde o lírio-do-vale\, tão querido por Christian Dior\, ao logotipo YSL com seu monograma semelhante a um lírio\, das rosas simbolizando o amor à buganvília de Marrocos\, ou ao trigo\, portador de sorte e triunfo. \nPor meio das peças icônicas vistas na exposição\, o visitante descobre a expertise que Yves Saint Laurent utilizava para dar vida às suas criações florais: desde seu bordado aplicado no vestido da coleção primavera-verão de 1962 até suas estampas inventivas da coleção primavera-verão de 2001\, uma referência inesquecível às pinturas de Pierre Bonnard. \nVemos as flores gigantes de gazar de seda usadas na passarela por Laetitia Casta como noiva de verão em 1999\, uma imagem marcante da obra de Yves Saint Laurent. \nEsse diálogo espontâneo entre as artes e diferentes épocas continua quando nos deparamos com o trabalho do artista americano Sam Falls\, cujas obras são vistas ao longo da exposição. Viajando pelo mundo\, Falls coleta amostras de plantas e preserva a memória de paisagens florais imprimindo diretamente seus pigmentos em tela. Os padrões e cores de sua recriação da natureza se harmonizam com aqueles vistos nas peças de alta-costura. Nas roupas de Yves Saint Laurent\, assim como nas pinturas de Sam Falls\, as flores transcendem o tempo e permanecem eternamente em flor.
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LOCATION:Musée Yves Saint Laurent Paris\, 5 Av. Marceau\, Paris\, França
CATEGORIES:Paris
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SUMMARY:“Antoine d'Agata: Méthode” no Centre Pompidou
DESCRIPTION:Antoine D’Agata © Gilles Pandel\n\n\n\n\n\n\n\nA convite do Centre Pompidou\, o fotógrafo Antoine d’Agata (nascido em 1961 em Marselha\, França) transforma uma das salas do museu em seu ateliê durante cem dias. O público é convidado a acompanhar o processo de trabalho do artista ao longo desse período. \nO ateliê de Antoine d’Agata é o mundo. O fotógrafo leva uma vida incansável\, sempre em movimento\, entre seus projetos pessoais e encomendas para a imprensa\, que o conduzem a regiões remotas e zonas de conflito. O projeto Méthode propõe uma mudança radical em sua prática. Aqui\, ele experimenta uma abordagem híbrida\, que chama de “obra-práxis”\, alimentada por uma tentativa incessante e inacabada de alcançar uma conclusão que continuamente se reinicia. \nEssa residência artística no museu oferece a d’Agata a oportunidade de transformar a sala 21bis em seu ateliê por cem dias. Ele dedica esse tempo a trabalhar em seus vastos arquivos fotográficos\, suas coleções de objetos\, livros e filmes. Assim\, ele revisita sua trajetória e busca criar uma espécie de conclusão sob a forma de uma instalação monumental\, o Atelier-monde e seus 256 cadernos de trabalho. \nEsse espaço contrasta o isolamento do viajante com o encontro com o público\, que pode observar o artista enquanto ele finaliza sua obra e busca um método para organizar seu fluxo narrativo. A residência também inclui trocas com treze autores convidados para debater os temas centrais da obra de d’Agata — a história\, a crueldade\, a fragilidade\, a falta e a morte.
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LOCATION:Centre Pompidou\, Place Georges-Pompidou\, Paris\, França
CATEGORIES:Paris
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SUMMARY:"Céline Laguarde (1873-1961) Photographe" no Musée d'Orsay
DESCRIPTION:Céline Laguarde\, Portrait d’homme et paysage du pays basque\, entre 1901 e 1914 © Musée d’Orsay\, dist. GrandPalaisRmn / Allison Bellido\n\n\n\n\nNo início do século XX\, Céline Laguarde se destacou como uma figura internacional do primeiro movimento artístico da história da fotografia\, o pictorialismo. Sua obra\, após um século de esquecimento\, está sendo redescoberta. A exposição convida a uma dupla redescoberta: a de uma mulher fotógrafa que alcançou um nível de reconhecimento até então único e sem precedentes na França desde a invenção do meio\, mas também\, e sobretudo\, a de uma artista já considerada\, em vida\, uma das fotógrafas mais importantes de seu tempo. \nA exposição foi possível graças à progressiva revelação do acervo pessoal da artista\, que foi recomposto nas coleções do Museu d’Orsay entre 2017 e 2024. Seu objetivo principal é revelar uma obra de qualidade\, variedade e longevidade surpreendentes. Retratos\, estudos de figuras e paisagens permitem avaliar a reputação de virtuosa adquirida pela fotógrafa no campo dos processos pigmentares\, ainda hoje considerados entre as técnicas de impressão mais complexas e sofisticadas. \nPor meio de mais de cento e trinta provas originais da artista\, colocadas ocasionalmente em diálogo com fotografias de contemporâneos masculinos e femininos\, a exposição permite observar as evoluções e permanências\, as influências e diálogos\, bem como a originalidade e especificidades que caracterizam a obra de Laguarde. \nFruto de pesquisas totalmente inéditas\, a exposição e o catálogo que a acompanha — o primeiro dedicado à artista — são construídos com base em uma reconstituição do corpus\, da biografia\, da carreira e da fortuna crítica de Céline Laguarde. Esta trajetória individual também é contextualizada em três âmbitos: o de uma rede singularmente eclética de sociabilidades artísticas\, literárias\, musicais e científicas; o da fotografia artística regional\, nacional e internacional; e o\, até então pouco explorado\, da fotografia feminina na França no final do século XIX e início do século XX. \nOferecendo um novo olhar sobre o pictorialismo\, esta retrospectiva\, a primeira dedicada a Céline Laguarde\, é também a primeira dedicada a uma fotógrafa francesa que foi ativa antes da Primeira Guerra Mundial.
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LOCATION:Musée d’Orsay\, 1 Rue de la Légion d'Honneur Paris\, Paris\, Paris\, França
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SUMMARY:"Harriet Backer (1845-1932) La musique des couleurs" no Musée d'Orsay
DESCRIPTION:Harriet Backer\, Intérieur bleu\, 1883 © Oslo\, Nasjonalmuseet for kunst\, arkitektur og design\, NG.M.02216 / Foto: National Museum / Børre Høstland\n\n\n\n\nPouco conhecida fora das fronteiras de seu país\, a pintora norueguesa Harriet Backer foi\, no entanto\, a mulher pintora mais renomada em seu país no final do século XIX. Famosa por seu uso de cores ricas e luminosas\, ela desenvolveu uma síntese muito pessoal entre as cenas de interiores e a prática ao ar livre. Ela se inspirava tanto no movimento realista quanto nas inovações do impressionismo\, com uma pincelada livre e um grande interesse nas variações da luz. Também é reconhecida por seus retratos sensíveis da vida rural e seu interesse pelos interiores de igrejas. \nEm uma época em que as mulheres na Noruega não eram consideradas cidadãs plenas\, Harriet Backer se destacou graças ao seu talento com o pincel\, tornando-se uma figura importante da cena artística de seu tempo. Membro do conselho de administração e do comitê de aquisição da Galeria Nacional da Noruega por vinte anos\, ela abriu\, no início da década de 1890\, uma escola de pintura onde formou artistas importantes da geração seguinte\, como Nikolai Astrup\, Halfdan Egedius e Helga Ring Reusch. Ela foi apoiada pelo colecionador Rasmus Meyer\, também grande patrono de Edvard Munch. \nEmbora a pintura de Backer tenha evoluído significativamente ao longo de sua longa carreira\, ela permaneceu fiel a um conjunto restrito de temas\, sempre enriquecidos pelo estudo a partir da observação direta. A exposição aborda a formação da artista nas grandes capitais culturais da época\, como Munique e Paris\, e também apresenta o círculo de mulheres artistas escandinavas próximas a Backer\, que\, assim como ela\, foram formadas pela Europa e compartilhavam de seus compromissos feministas. A exposição aborda\, em seguida\, os principais temas de predileção da artista: interiores rústicos\, pinturas de igrejas tradicionais norueguesas\, paisagens e seu sentido único para naturezas-mortas. A mostra também dará grande destaque às representações de cenas musicais\, uma componente importante na vida de Backer\, cuja irmã Agathe Backer Grondahl foi uma musicista renomada na Noruega\, e um tema central em sua obra\, onde as vibrações da pincelada tornam perceptíveis as notas de música. \nEsta exposição\, a primeira retrospectiva dedicada à artista na França\, se alinha a um dos principais eixos da programação do Museu d’Orsay\, que propõe\, paralelamente à apresentação de figuras mais emblemáticas\, a descoberta de artistas menos conhecidos\, mas essenciais para a compreensão das grandes transformações na arte da segunda metade do século XIX. A Noruega recebe uma atenção especial devido ao dinamismo de sua cena artística e aos laços privilegiados que seus artistas mantinham com as vanguardas parisienses.
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LOCATION:Musée d’Orsay\, 1 Rue de la Légion d'Honneur Paris\, Paris\, Paris\, França
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SUMMARY:“Apophénies\, interruptions: Artistes et intelligences artificielles au travail” no Centre Pompidou
DESCRIPTION:Holly Herndon & Mat Dryhurst\, “I’m Here\, 17.12.2022\, 5:44”\, 2023 © D.R.\n\n\n\n\n\n\n\n\n \n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\nNovas comissões\, obras recentes… seis instalações (Éric Baudelaire\, Mat Dryhurst e Holly Herndon\, Auriea Harvey\, Ho Rui An\, Interspecifics\, Agnieszka Kurant) exploram as férteis conexões entre criação artística e inteligência artificial. \nA exposição investiga as implicações da inteligência artificial\, com ênfase no papel da inteligência humana e da intervenção nos processos criativos\, chegando ao ponto de modificar os próprios sistemas de produção de IA. Reflexões sobre memória coletiva catalogada em arquivos nacionais\, uma investigação experimental sobre o fim dos grandes relatos\, previsões de futuras obras de arte ainda por serem realizadas\, experiências íntimas e os ecos da história colonial… esses são alguns dos temas que emergem nas obras apresentadas\, todas marcadas por uma curiosidade lúcida e que servem como experimentos com essa nova tecnologia que está transformando nosso mundo. \nEmbora a IA generativa abra caminhos para transformar a pesquisa artística e ofereça novas ferramentas criativas\, ela também tem um impacto profundo na maneira como somos levados a observar obras de arte. O termo “apofenia”\, cunhado em 1958 para descrever a esquizofrenia\, refere-se a um distúrbio cognitivo que envolve perceber conexões significativas entre coisas díspares e aparentemente não relacionadas. Esse fenômeno pode ser comparado às conexões errôneas nos processos de detecção de objetos que estão no cerne das inteligências artificiais generativas. Tais processos\, que oscilam entre a eficiência algorítmica e erros que comprometem a coerência\, são aqui considerados como pontos de partida férteis para a pesquisa artística. \nCom a IA generativa\, redes neurais transcendem a análise de informações e tornam-se criadoras\, gerando novas imagens e textos sintetizados a partir de vastos conjuntos de dados coletados na internet. No entanto\, como na apofenia\, distorções e vieses aparecem frequentemente\, produzindo conteúdos incorretos chamados “alucinações”. \nMesmo que essas imprecisões sejam atenuadas pela intervenção humana nos processos de treinamento\, filtragem e rotulagem\, elas ainda são preocupantes. Ainda assim\, esses modelos já são usados diariamente por milhões de pessoas. É justamente essa característica de acesso massivo à IA que torna este um momento revolucionário e\, consequentemente\, convoca explorações críticas artísticas. Não se trata apenas de considerar as potenciais consequências dessa nova tecnologia\, mas também de compreender como ela já começa a modificar e moldar nosso mundo social.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/apophenies-interruptions-artistes-et-intelligences-artificielles-au-travail-no-centre-pompidou/
LOCATION:Centre Pompidou\, Place Georges-Pompidou\, Paris\, França
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