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SUMMARY:"La Mode en mouvement" no Palais Galliera
DESCRIPTION:O Palais Galliera apresenta La Mode en mouvement [A Moda em Movimento]\, sua segunda exposição de coleções nas galerias do térreo do jardim. Com cerca de 200 obras\, este percurso cronológico traça\, através das coleções do museu\, uma história da moda desde o século XVIII até os dias atuais e\, ao mesmo tempo\, desenvolve uma temática transversal dedicada ao corpo em movimento. Refletindo os Jogos Olímpicos e Paralímpicos que serão realizados em Paris em 2024\, o Palais Galliera questiona o papel das roupas na prática de atividades físicas e esportivas\, sua relação com o corpo e o movimento\, bem como as consequências sociais de sua evolução. As roupas projetadas ao longo das épocas para atividades físicas e esportivas são comparadas com as roupas do dia a dia. Esse diálogo questiona as noções de especialização das roupas esportivas\, a adaptação das roupas femininas para a prática física no final do século XIX\, a masculinização das roupas femininas e a introdução do sportswear no guarda-roupa cotidiano. Por fim\, a evolução do corpo\, especialmente o corpo esportivo\, e a forma como ele é valorizado pelas roupas são destacadas para melhor compreender como a liberação do corpo através da atividade física contribuiu para a evolução das mentalidades e dos padrões de beleza. Trajes de banho\, roupas de ciclista e amazona\, casacos e acessórios de automobilismo\, conjuntos de corrida e tênis\, por exemplo\, serão apresentados ao lado de silhuetas características de três séculos de história da moda. O museu receberá empréstimos excepcionais do Museu Nacional do Esporte (Nice)\, da Biblioteca Forney (Paris)\, do Patrimônio CHANEL\, da coleção Emile Hermès\, das casas Sonia Rykiel e Yohji Yamamoto. Essas obras convidadas ajudarão a contextualizar as peças do Palais Galliera\, testemunhas de práticas físicas e esportivas\, de lazer ou de competição\, ao longo das épocas.Por razões de conservação preventiva\, esta exposição será organizada em três fases consecutivas\, cada uma exigindo um período de fechamento de cinco semanas. Assim\, as obras serão em grande parte renovadas\, oferecendo aos visitantes a oportunidade de retornar e descobrir as coleções do Palais Galliera.
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SUMMARY:Temporada de exposições na Galleria Continua Paris
DESCRIPTION:A exposição Seeds from my garden flying to other countries\, de Loris Cecchini\, é construída em torno da ideia de que o espírito da natureza pode ser traduzido por meio de diferentes poéticas\, linguagens e processos técnicos. Reúne peças modulares inéditas\, estritamente ligadas ao espaço\, com elementos únicos que compõem vários motivos ligados à ideia de contaminação natural e dinâmica vetorial. O artista toma conta de todo o local usando o potencial de crescimento modular infinito de suas obras\, que lhe permitem dançar no espaço\, improvisando formas e estruturas como sementes plantadas no coração de um jardim estranho. \n\n\n\nJá a mostra Le début\, do pintor\, escultor e artista visual argentino Julio Le Parc\, reúne uma seleção de mais de 50 obras em tela ou em três dimensões. A exposição inclui guaches sobre papel de várias séries produzidas no início dos anos 1970\, representativas da linguagem artística singular do artista pioneiro da arte cinética e da Op Art\, bem como projetos preparatórios emoldurados\, colagens em papelão e um móbile de grande escala\, precursor da instalação monumental mais importante do artista\, no Tabakalera\, um centro internacional de arte em San Sebastián (Espanha). \n\n\n\nPor outro lado\, a exposição de Michelangelo Pistoletto tem suas origens no Segno Arte (Sinal de Arte)\, um elemento caracterizado pela intersecção de dois triângulos que emolduram um corpo humano com os braços erguidos e as pernas abertas\, à maneira do famoso Homem Vitruviano de Leonardo da Vinci\, e que também dá título à mostra. Este símbolo pessoal do artista\, que deliberadamente difere de símbolos religiosos\, políticos ou publicitários\, fornece a chave para entrar em um espaço íntimo e compartilhado\, um lugar propício à interação social\, através da porta da arte. \n\n\n\nEm Without Distinction\, a mostra é dedicada aos métodos usados ​​pelos arquitetos da MBL como parte dos grandes trabalhos de renovação realizados para dar nova vida aos espaços únicos da galeria na França. A exposição apresenta sete peças documentais que recriam os lugares e suas histórias\, e destacam uma forma de fazer arquitetura\, através da abordagem proposta pelos arquitetos da MBL. \n\n\n\nA Galleria Continua também apresenta The Ability to Dream\, uma exposição coletiva em três capítulos em seus espaços franceses em Paris e Les Moulins\, e no Centro Interculturel Leila Alaoui (CILA) em Fontvieille\, Provença\, marcando a exposição inaugural deste novo centro de arte. Esta nova trilogia segue-se à exposição homônima apresentada na Galleria Continua / San Gimignano em 2022. The Ability to Dream é também o título de um documentário produzido e dirigido pela Sky Arte e TIWI\, que traça a história de 30 anos da galeria\, através das vozes e memórias de alguns dos protagonistas desta incrível aventura.
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LOCATION:Galleria Continua Paris\, 87 rue du Temple\, Paris\, França
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SUMMARY:"La collection. Œuvres choisies" no Musée Picasso Paris
DESCRIPTION:Pablo Picasso\, Les Baigneuses\, 1918 (detalhe) © RMN-Grand Palais (Musée national Picasso-Paris) © Succession Picasso 2023\n\n\n\nPré-figurando a instalação permanente da coleção\, que ocupará três andares do Hôtel Salé a partir de março de 2024\, a exposição La collection. Œuvres choisies está no centro do projeto da nova governança do museu. A partir de 29 de agosto\, ela apresentará uma seleção de obras-primas\, reunindo pinturas\, esculturas\, desenhos e cerâmicas entre as mais emblemáticas da coleção. \n\n\n\nCinquenta anos atrás\, em 8 de abril de 1973\, Pablo Picasso faleceu aos 91 anos\, deixando para trás milhares de obras. \n\n\n\nApós o imenso trabalho de inventário que se seguiu à sua morte e que durou vários anos\, mais de 3.700 obras diretamente dos ateliês do artista entraram nas coleções nacionais\, constituindo o coração do Museu Nacional Picasso-Paris. \n\n\n\nDesde sua inauguração em 1985\, a coleção não cessou de se enriquecer para permitir que o público veja e compreenda a obra de um dos maiores artistas do século XX. Através de mais de setenta obras emblemáticas do Museu Nacional Picasso-Paris\, este percurso pelas coleções revela a diversidade de técnicas e estilos experimentados por Pablo Picasso ao longo de uma vida prolífica e perpetuamente inventiva. Dos primórdios do cubismo aos anos 1960\, a exposição destaca uma série de momentos decisivos e temas transversais em sua obra.
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LOCATION:Musée Picasso Paris\, 5 rue de Thorigny\, Paris\, França
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SUMMARY:"Corps à corps Histoire(s) de la photographie" no Centre Pompidou
DESCRIPTION:Reunindo mais de 500 fotografias e documentos de cerca de 120 fotógrafos históricos e contemporâneos\, Corps à corps oferece uma visão única das representações fotográficas da raça humana nos séculos XX e XXI. A exposição vai além das categorias tradicionais de estudo\, como “retrato”\, “autorretrato”\, “nu” e a chamada fotografia “humanista”. Ela revela as particularidades e as formas “fotográficas” de ver\, mostrando as conexões entre os artistas. Também traz à tona obsessões comuns na abordagem do sujeito e nas abordagens estilísticas. As imagens em exposição também questionam a responsabilidade do fotógrafo: como a fotografia contribui para o surgimento de identidades e sua visibilidade? Como ela relata individualidades e a relação com o Outro? A exposição é um encontro entre duas coleções excepcionais: a coleção pública do Musée National d’Art Moderne\, Centre Pompidou\, e a coleção privada do colecionador e cineasta Marin Karmitz.
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LOCATION:Centre Pompidou\, Place Georges-Pompidou\, Paris\, França
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SUMMARY:"Fashion and Sports: From one Podium to Another" no Musée des Arts Décoratifs
DESCRIPTION:Ansiosos para os Jogos Olímpicos de 2024\, o Musée des Arts décoratifs (Paris) apresenta Fashion and Sports: From one Podium to Another\, uma exposição sobre as fascinantes interconexões entre moda e esportes desde o Mundo Antigo até os dias atuais. Esta grande exposição ilumina as preocupações sociais compartilhadas e o foco no corpo dos aparentemente mundos não relacionados da moda e dos esportes. 450 itens de roupas\, acessórios\, fotografias\, esboços\, revistas\, cartazes\, pinturas\, esculturas e vídeos ilustram a evolução das roupas esportivas e sua influência nas modas contemporâneas. Jean Patou\, Jeanne Lanvin\, Gabrielle Chanel e Elsa Schiaparelli foram alguns dos pioneiros na moda do período entre guerras que encontraram inspiração no mundo dos esportes. A exposição mostra como eles tornaram as roupas esportivas elegantes em uma variedade mais ampla de contextos\, incluindo no guarda-roupa do dia a dia. A importância das roupas confortáveis é um tema recorrente\, explicando por que os agasalhos esportivos e os tênis agora são onipresentes nas ruas e nas passarelas\, de Balenciaga a Off-White.
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LOCATION:Musée des Arts Décoratifs\, 107 Rue de Rivoli Paris\, Paris\, Paris\, França
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SUMMARY:"Capital Image" no Centre Pompidou
DESCRIPTION:Como um projeto de pesquisa artística conduzido pela historiadora da fotografia Estelle Blaschke e pelo fotógrafo Armin Linke\, Capital Image examina um mecanismo inerente à fotografia: a transformação do mundo visível em um arquivo visual a ser explorado. \n\n\n\nO projeto se desenvolveu em torno da noção de fotografia como tecnologia da informação\, um tema que está mais quente hoje do que nunca. Hoje em dia\, as fotografias são tiradas por máquinas\, para serem escaneadas por outras. Os metadados de fotos ultrapassaram a própria imagem em termos de importância\, os algoritmos fabricam aparências e novas tecnologias estão assumindo o controle. Em um momento em que a exposição Corps à corps\, no 6º andar\, examina como o corpo humano é representado na fotografia\, Capital Image explora a produção de imagens de uma nova era automatizada e provavelmente “pós-humana”. \n\n\n\nA exposição Capital Image lida com questões essenciais e raramente abordadas: como o valor econômico de uma imagem pode ser concebido\, medido e discutido? Quais tecnologias e infraestruturas são necessárias para gerenciar e explorar quantidades cada vez maiores de imagens? A disposição da exposição\, na qual as diferentes propriedades das imagens e suas repercussões para os usos são analisadas\, fornece respostas provisórias a essas perguntas. A disposição está dividida em quatro capítulos: Memória\, que questiona a capacidade mimética e protetora das imagens; Acesso\, que explora a infraestrutura material e técnica necessária para acessar as informações das imagens; Mineração\, um termo que descreve a exploração das informações que cada imagem esconde\, e Moeda\, que apreende imagens de acordo com seu valor – seja social\, material ou monetário. \n\n\n\nAo longo destes capítulos\, a exposição se baseia em fontes muito variadas e apresenta um diálogo entre obras fotográficas e vídeos de Armin Linke\, documentos de arquivo (publicações\, cartazes\, spots publicitários)\, entrevistas com pesquisadores e cientistas\, e textos de Estelle Blaschke. A dupla também apresenta uma peça original para esta exposição. Elaborado com a assistência de Livio de Luca\, diretor de pesquisa do CNRS\, este novo projeto explora usos originais da imagem digital no contexto do local de reconstrução da Notre-Dame de Paris. Para a maioria de suas obras\, Blaschke e Linke colaboram com especialistas que lhes abrem as portas de laboratórios de pesquisa que geralmente estão fechados ao público em geral. Capital Image é um projeto em constante evolução que também assume a forma de publicações online e conferências (uma das quais foi realizada no Centre Pompidou em 2018)\, cujo conteúdo evolui progressivamente à medida que novas maneiras de usar imagens aparecem.
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LOCATION:Centre Pompidou\, Place Georges-Pompidou\, Paris\, França
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SUMMARY:"Van Gogh à Auvers-sur-OiseLes derniers mois" no Musée d'Orsay
DESCRIPTION:Apresentada no Museu d’Orsay no outono de 2023\, esta exposição é a primeira dedicada às obras produzidas por Vincent van Gogh (1853-1890) durante os dois últimos meses de sua vida\, em Auvers-sur-Oise\, perto de Paris. A exposição representa o resultado de anos de pesquisa sobre esta fase crucial da vida do artista e permitirá que o público finalmente a aprecie em toda a sua dimensão. \n\n\n\nChegando a Auvers-sur-Oise em 20 de maio de 1890\, Vincent van Gogh faleceu lá em 29 de julho após uma tentativa de suicídio. Embora o pintor tenha passado pouco mais de dois meses em Auvers\, este período viu um renascimento artístico com um estilo e desenvolvimento distintos\, marcados pela tensão psicológica resultante da nova situação\, bem como pela criação de algumas de suas maiores obras-primas. \n\n\n\nProfundamente afetado pelas várias crises em Arles e depois no asilo de Saint-Rémy\, Van Gogh se aproximou de Paris e de seu irmão Théo em busca de um novo impulso criativo. A escolha de Auvers se deveu à presença do Dr. Gachet\, um médico especializado no tratamento da melancolia e\, além disso\, amigo dos impressionistas\, colecionador e pintor amador. Van Gogh se estabeleceu no centro da vila\, na pousada Ravoux\, e explorou todos os aspectos do novo mundo que se abriu para ele\, enquanto lutava contra múltiplas preocupações relacionadas a suas crises\, saúde\, relacionamentos com seu irmão e seu lugar no mundo da arte. \n\n\n\nNenhuma exposição foi dedicada exclusivamente a esta fase final\, mas crucial\, de sua carreira. Em dois meses\, o pintor produziu 74 quadros e 33 desenhos\, incluindo obras icônicas como O Dr. Paul Gachet\, A Igreja de Auvers-sur-Oise e Campo de Trigo com Corvos. Com cerca de quarenta pinturas e vinte desenhos\, a exposição destacará este período com uma abordagem temática: primeiras paisagens retratando a vila\, retratos\, naturezas-mortas e paisagens da região circundante.
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LOCATION:Musée d’Orsay\, 1 Rue de la Légion d'Honneur Paris\, Paris\, Paris\, França
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SUMMARY:"Gilles Aillaud: Political Animal" no Centre Pompidou
DESCRIPTION:Depois de não passar no exame para se tornar um professor de filosofia\, Gilles Aillaud (1928-2005) se tornou um pintor\, poeta\, dramaturgo e cenógrafo. Ele criou um corpo de trabalho no qual a imagética\, com questões políticas sutilmente entrelaçadas\, ecoa a análise de Guy Debord da “sociedade do espetáculo” ou a de Michel Foucault sobre a “vigilância” e o monitoramento generalizado dos indivíduos na sociedade moderna. Esta exposição traça os anos de 1964\, quando Gilles Aillaud se tornou presidente do altamente político Salon de la Jeune Peinture\, até 1988\, quando fez uma viagem ao Quênia – a jornada de um dos artistas mais singulares da cena francesa dos anos 1960.
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LOCATION:Centre Pompidou\, Place Georges-Pompidou\, Paris\, França
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SUMMARY:"Chagall à l'œuvre Dessins\, céramiques et sculptures" no Centre Pompidou
DESCRIPTION:Esta exposição foi organizada em torno de três temas principais: os desenhos preparatórios para os figurinos e cenários do balé l’Oiseau de feu de Igor Stravinsky\, apresentado pelo Ballet Theater de Nova York em 1945; os esboços e maquetes para a decoração do teto da Ópera\, encomendados ao artista em 1962; e um conjunto de cerâmicas\, colagens e esculturas criados das décadas de 1950 até o início dos anos 1970. \n\n\n\nA música desempenha um papel fundamental na obra de Chagall: está intimamente ligada à sua vocação como artista\, como é evidenciado em sua narrativa autobiográfica Ma vie. A música é tanto fonte de inspiração quanto um tema recorrente\, mas\, sobretudo\, representa uma nova forma de pensar a imagem. Quando Chagall escreve “eu mesmo\, me torno um som” ou afirma “é preciso fazer o desenho cantar através da cor”\, ele sempre associa de forma íntima a música às artes visuais e mantém um diálogo contínuo com coreógrafos de sua época ao longo de sua vida. \n\n\n\nAo criar os cenários e figurinos para l’Oiseau de feu\, Marc Chagall experimenta tanto a pintura em grande escala quanto a mistura de materiais. Desde os primeiros desenhos\, ele incorpora o movimento dos dançarinos em sua concepção dos figurinos. Quando elabora o teto da Ópera\, ele busca uma fusão com a arquitetura do Palais Garnier\, imaginando sua composição em termos de ritmos coloridos. Altamente autobiográfica\, a iconografia que se segue é ao mesmo tempo uma homenagem aos grandes músicos que o acompanharam e à cidade de Paris\, onde ele encontrou refúgio. Esse trabalho encomendado parece ter despertado um interesse renovado de Chagall pelo jogo de materiais\, levando-o a experimentar escultura\, cerâmica e a incorporá-los em suas colagens tardias\, incluindo tecidos\, rendas e papéis de diversas naturezas. \n\n\n\nRepresentativas da atividade de Marc Chagall após a Segunda Guerra Mundial\, essas obras da maturidade testemunham seu envolvimento em diversos projetos e a diversificação de sua prática. Elas também permitem adentrar na intimidade de seu ateliê ao mostrar o desenvolvimento de um projeto\, desde o primeiro esboço rápido até o desenho trabalhado\, que é tanto uma obra em si quanto a etapa final de preparação para uma pintura.
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SUMMARY:"Dana Schutz\, Le monde visible" no Musée d'Art Moderne de Paris
DESCRIPTION:Dana Schutz é uma contadora de histórias. Sua obra constrói um universo de personagens turbulentos\, insanidades humanas\, situações calamitosas e desastres físicos. Ela pinta um retrato distópico do mundo atual\, desvinculado das noções tradicionais de beleza. Com um uso virtuoso da cor\, ao longo dos anos ela desenvolveu um senso de tensão dramática que se revela em suas composições complexas. Suas pinturas mostram cenas imaginárias inspiradas por situações hipotéticas e corpos improváveis\, entrelaçados com a vida e a linguagem contemporâneas. \n\n\n\nA exposição revela as temáticas que perpassam essa obra: assuntos intangíveis frequentemente observados com humor; a artista trabalhando em seu ateliê; transformação e construção do eu; as tensões entre o indivíduo e o grupo. \n\n\n\nNos últimos anos\, Schutz incorporou a escultura à sua prática\, estendendo seus gestos e formas na argila. Como um loop\, o tema da escultura remonta às suas primeiras telas. Recentemente\, suas pinturas traduzem cada vez mais os volumes e tornam-se mais alegóricas. Elas são habitadas por grupos de personagens coloridos que parecem flutuar na noite\, empoleirados em uma ilha de ossos da mandíbula ou lutando para permanecer no topo de uma montanha. \n\n\n\nEssas visões de um mundo pós-apocalíptico são influenciadas por seu olhar sobre a história da arte\, de Brueghel a Alice Neel. Elas evocam a obsolescência de um mundo doente\, a futilidade das mitologias contemporâneas e a incomunicabilidade entre seres. Tomado de um quadro com o mesmo nome\, o título da exposição\, Le monde visible\, é ao mesmo tempo uma proposta e uma contradição\, revelando o informe e o imaginário.
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LOCATION:Musée d’Art Moderne de Paris\, 11 Av. du Président Wilson Paris\, Paris\, Paris\, França
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SUMMARY:"Hermann Nitsch. Hommage" no Musée de l'Orangerie
DESCRIPTION:Considerado um artista de destaque no movimento do Acionismo Vienense\, do qual foi um dos fundadores\, Hermann Nitsch\, nascido em 1938 em Viena\, faleceu em abril de 2022 em Mistelbach\, onde vivia e trabalhava. Reconhecido internacionalmente como o mestre da performance austríaca\, o artista desenvolveu uma obra expressiva\, que se inspira na dramaturgia religiosa para criar uma forma de arte que culmina anualmente desde a década de 1950 em seu Orgien Mysterien Theater\, no qual ele convidava amigos e o público a participar de seis dias de festividades e performances ininterruptas. \n\n\n\nDurante os últimos anos de sua carreira\, Hermann Nitsch desenvolveu uma pintura de grande vitalidade\, cada vez mais colorida\, sempre intimamente relacionada às suas performances e aos locais onde ela ocorre. Fascinado pelos Nenúfares de Monet\, aos quais ele prestava homenagem no Museu de l’Orangerie em cada uma de suas visitas a Paris\, o artista vienense foi convidado a dialogar com essa obra-prima do impressionismo antes de sua morte. Ele destacou a proximidade que via entre os desafios de sua própria prática e a obra de Monet: “Nas minhas performances\, minha pintura expressiva e religiosa se tornou um drama completo\, uma dramaturgia analítica. O que resta a ser visto é uma frenesi de cores e formas que se destacam muito além do conteúdo\, como os êxtases de cores dos Nenúfares de Monet” (em 2022\, em uma entrevista com Sarah Imatte\, curadora de patrimônio do Museu de l’Orangerie). \n\n\n\nEmbora Nitsch não tenha tido a oportunidade de concretizar seu projeto para o Museu de l’Orangerie\, o museu deseja homenageá-lo\, um ano após sua morte\, com esta exposição que reúne uma coleção de pinturas e obras gráficas realizadas pouco antes de sua morte\, selecionadas diretamente do estúdio do artista. Elas estão em exibição no espaço do “pronaos” nos Nenúfares\, bem como na sala contemporânea no nível -2 do museu.
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LOCATION:Musée de l’Orangerie\, Jardin Tuileries Paris Département de Paris\, Paris\, Paris\, França
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SUMMARY:Wade Guyton no Musée d'Art Moderne de Paris
DESCRIPTION:Vista da exposição\, Wade Guyton\, Five Paintings\, 2013 – 2015\, Musée d’Art Moderne de Paris\, 2023. Foto: Pierre Antoine\n\n\n\nNascido em 1972 em Hammond\, no estado de Indiana\, Wade Guyton vive e trabalha em Nova York. Desde o início dos anos 2000\, ele vem realizando uma análise rigorosa das condições e dos efeitos da produção de imagens digitais\, explorando os territórios da pintura abstrata por meio de uma constante investigação do processo pictórico. Hoje\, ao lado de artistas como Christopher Wool\, Trisha Donnelly ou Seth Price\, ele é uma das figuras indispensáveis da cena contemporânea americana. \n\n\n\nSe o artista faz uso regular de suportes da pintura tradicional\, como a tela de linho\, suas composições são concebidas diretamente na tela\, e depois materializadas com o auxílio de impressoras industriais. À medida que as tecnologias digitais evoluem para uma sofisticação cada vez maior\, Guyton adapta seu processo criativo provocando interferências. Ele confronta sua impressora com comandos muito pesados em dados e multiplica as passagens da tela sob o jato de tinta. Os erros de transferência e as imperfeições que ocorrem – escorrendo ou outros defeitos de impressão – são totalmente aleatórios e contribuem para uma leitura poética das obras. \n\n\n\nEm 2022\, a pintura Sem Título (2013) entrou para as coleções do Museu de Arte Moderna graças a uma generosa doação. É a partir dessa pintura que a exposição – a primeira do artista em um museu francês – tomou forma. Criadas entre 2013 e 2015\, as cinco pinturas se enquadram em um período muito curto durante o qual Guyton estava particularmente interessado na cor preta. Quatro delas foram de fato concebidas a partir do mesmo arquivo do Photoshop composto exclusivamente de preto: a imagem impressa rivaliza com o branco\, seu espaço de reserva. Assim\, em cada tela\, estabelece-se uma relação ambígua entre figura e fundo e\, mais amplamente\, entre as obras e a parede que as acolhe. “Eu deixava as pinturas pretas ‘des-tornarem-se’ pinturas\, ou expressarem-se mais arquitetonicamente” (tradução nossa)\, afirma o artista\, confiando ao espaço circundante a tarefa de delinear os limites das obras. A porosidade das fronteiras cria uma tensão entre abstração e figuração que deve permitir a cada pintura encontrar sua forma justa. A quinta tela deste conjunto\, nunca antes exposta\, prolonga essa tensão ao justapor duas vistas de exposição nas quais são precisamente em abismo as duas pinturas monumentais apresentadas aqui. \n\n\n\nComissariado: Julia Garimorth\, assistida por Sylvie Moreau-Soteras
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LOCATION:Musée d’Art Moderne de Paris\, 11 Av. du Président Wilson Paris\, Paris\, Paris\, França
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SUMMARY:"Ghost and Spirit" de Mike Kelley na Bourse de Commerce
DESCRIPTION:Esta retrospectiva dedicada ao artista americano\, um dos mais influentes do final do século XX e início do século XXI\, oferece uma nova perspectiva sobre sua obra importante e inclassificável\, por meio de suas peças mais significativas\, algumas das quais fazem parte da Coleção Pinault. A exposição é organizada pela Tate Modern (Londres)\, em colaboração com a Pinault Collection\, K21 – Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen (Düsseldorf) e o Moderna Museet (Estocolmo). A exposição é apresentada inicialmente na Bourse de Commerce\, em Paris\, durante o outono e inverno de 2023\, antes de continuar sua itinerância. \n\n\n\nDesde seus anos de estudo em Los Angeles\, Mike Kelley (1954-2012) se apropriou do gênero da performance\, inspirando-se nas práticas feministas militantes para promover uma abordagem inovadora à criação\, desafiando os padrões. Ele participou de várias bandas de música ao longo de sua vida\, incluindo a formação proto-punk Destroy All Monsters desde 1974\, e trabalhou regularmente em colaboração com outros artistas. Suas obras mais famosas eram esculturas artesanais com um toque de humor\, seguidas de instalações feitas com brinquedos de pelúcia que destacavam as construções de gênero e as influências comerciais sobre as crianças. A memória traumática e os problemas da educação são ideias desenvolvidas ao longo de sua carreira\, culminando na exposição “Day Is Done” (2005)\, parcialmente recriada na Bourse de Commerce. \n\n\n\nGhost and Spirit apresenta uma sequência de diferentes conjuntos de obras ou ambientes imersivos do artista\, incluindo\, na Rotonda\, as espetaculares Kandors\, cidades do futuro sob cúpulas de vidro. No percurso\, também surgem as “histórias menores” – como ele as chamava – de sua própria prática: desenhos\, fotografias e escritos preparatórios que esclarecem o pensamento do visitante. \n\n\n\nA obra de Mike Kelley sempre se alimentou de referências subculturais e da tensão entre a profundidade do pensamento crítico que ele desenvolvia e a aparente superficialidade de uma estética pop\, que por vezes explorava a sedução ou uma estética trash. Ele continuamente encenou o papel do artista e como este aparece ou desaparece. \n\n\n\nVisionário\, Mike Kelley foi um grande explorador de conceitos que permanecem relevantes nos debates contemporâneos: memória coletiva e individual\, relações de gênero\, de classes sociais… O artista natural de Detroit\, Michigan\, demonstrou interesse particularmente pela forma como a subjetividade individual é moldada pelas estruturas de poder familiares e institucionais dentro da sociedade americana capitalista pós-moderna.
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LOCATION:Bourse de Commerce\, 2 Rue de Viarmes Paris\, Paris\, Paris\, França
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SUMMARY:"Chéri Samba\, the Jean Pigozzi collection" no Musée Maillol
DESCRIPTION:Chéri Samba – nascido em 1956 no Congo – é indiscutivelmente o pintor africano mais famoso de sua geração. Embaixador da “pintura popular” de Kinshasa\, ele contribuiu significativamente para tornar este movimento informal conhecido\, com suas pinturas figurativas em cores vivas que provocam\, denunciam\, caricaturam e muitas vezes trazem humor\, em um estilo que está longe de ser ingênuo. \n\n\n\nEsta exposição no Museu Maillol é a primeira retrospectiva da obra do pintor\, abrangendo 40 anos de criação. Ela apresenta mais de 50 quadros que percorrem várias temáticas “sambaianas”: o autorretrato como elemento central de sua pintura\, o Congo e a África\, geopolítica e meio ambiente\, história da arte e\, por fim\, a mulher\, um tema que estabelece um diálogo inédito com a obra de Maillol no museu. \n\n\n\nTodas as obras reunidas para a ocasião vêm da coleção de Jean Pigozzi\, a maior coleção de arte contemporânea africana do mundo\, que tem contribuído para o reconhecimento dos artistas da África subsaariana na cena internacional há mais de trinta anos.
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LOCATION:Musée Maillol\, 59-61 Rue de Grenelle\, Paris\, França
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SUMMARY:"Berthe Morisot et l’art du XVIIIe siècle" no Musée Marmottan Monet
DESCRIPTION:Berthe Morisot\, Au Bal\, 1875 (detalhe) © Musée Marmottan Monet\, Paris\n\n\n\nDe 18 de outubro de 2023 a 3 de março de 2024\, o Museu Marmottan Monet apresenta uma exposição inédita: Berthe Morisot et l’art du XVIIIe siècle. A curadoria é realizada pelas historiadoras de arte Marianne Mathieu e Dominique d’Arnoult\, com a participação de Claire Gooden\, conservadora adjunta do museu. \n\n\n\nSessenta e cinco obras provenientes de museus franceses e internacionais\, assim como de coleções particulares\, são reunidas pela primeira vez para evidenciar as conexões entre a obra da primeira mulher impressionista\, Berthe Morisot (1841-1895)\, e a arte de artistas como Antoine Watteau (1684-1721)\, François Boucher (1703-1770)\, Jean-Honoré Fragonard (1732-1806) e Jean-Baptiste Perronneau (1715-1783). \n\n\n\nCom base em uma análise de fontes principalmente inéditas (correspondências\, cadernos de notas de Berthe Morisot\, de seu marido Eugène Manet e de seu entorno\, recortes de imprensa) e em um estudo genealógico aprofundado\, a exposição e seu catálogo oferecem uma nova perspectiva sobre um tema frequentemente mencionado pelos historiadores\, mas sem nunca ter sido objeto de uma pesquisa dedicada. \n\n\n\nEmbora seja demonstrado que Berthe Morisot não era bisneta de Fragonard e não tinha nenhum parentesco com ele\, a exposição destaca os verdadeiros fundamentos dessas afinidades artísticas\, traçando a cronologia de seus desenvolvimentos e suas principais características.
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LOCATION:Musée Marmottan Monet\, 2 Rue Louis Boilly\, Paris\, França
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SUMMARY:Mark Rothko na Fondation Louis Vuitton
DESCRIPTION:A Fondation Louis Vuitton apresenta a primeira retrospectiva na França dedicada a Mark Rothko (1903-1970) desde a exposição realizada no Musée d’Art moderne de la Ville de Paris em 1999. A retrospectiva reúne cerca de 115 obras das maiores coleções institucionais internacionais\, incluindo a National Gallery of Art em Washington D.C.\, a Tate em Londres e a Phillips Collection em Washington D.C.\, além de coleções privadas internacionais\, incluindo a coleção da família do artista. \n\n\n\nExibida cronologicamente em todos os espaços da Fondation\, a exposição traça toda a carreira do artista: desde suas primeiras pinturas figurativas até as obras abstratas pelas quais ele é mais conhecido hoje. \n\n\n\nA exposição começa com cenas íntimas e paisagens urbanas – como visões do metrô de Nova York – que dominam a produção de Rothko na década de 1930\, antes de sua transição para um repertório inspirado por mitos antigos e surrealismo\, que Rothko usa para expressar a dimensão trágica da condição humana durante a Guerra. \n\n\n\nA partir de 1946\, Rothko faz uma importante transição para o expressionismo abstrato. A primeira fase dessa mudança é a das “Multi-forms”\, onde massas cromáticas estão suspensas em um tipo de equilíbrio na tela. Gradualmente\, essas diminuem em número\, e a organização espacial de sua pintura evolui rapidamente em direção às “obras clássicas” de Rothko da década de 1950\, onde formas retangulares se sobrepõem de acordo com um ritmo binário ou ternário\, caracterizado por tons de amarelo\, vermelho\, ocre\, laranja\, mas também azul\, branco… \n\n\n\nEm 1958\, Rothko é comissionado para produzir uma série de murais para o restaurante Four Seasons projetado por Philip Johnson para o Seagram Building em Nova York – cuja construção é supervisionada por Ludwig Mies van der Rohe. Rothko decide posteriormente não entregar as pinturas e mantém a série inteira. Onze anos depois\, em 1969\, o artista doa nove dessas pinturas – que diferem das anteriores devido aos seus tons de vermelho profundo – à Tate Gallery\, que dedica uma sala exclusivamente a Rothko em suas coleções. Esta série é apresentada de forma excepcional na exposição da Fondation. \n\n\n\nEm 1960\, a Phillips Collection dedica uma sala permanente – a primeira “Sala Rothko” – ao artista. A sala é projetada em estreita colaboração com ele e também é destaque na exposição. Em 1961\, o Museu de Arte Moderna de Nova York organiza a primeira grande retrospectiva\, uma exposição que posteriormente viaja para várias cidades europeias (Londres\, Basileia\, Amsterdã\, Bruxelas\, Roma e Paris). Na década de 1960\, Rothko aceita outras novas comissões\, a mais notável delas sendo a capela John e Dominique de Menil em Houston\, inaugurada em 1971 e chamada de Rothko Chapel. \n\n\n\nEmbora Rothko prefira tons mais escuros e contrastes suaves desde o final dos anos 1950\, o artista nunca abandona completamente sua paleta de cores vibrantes\, como evidenciado por várias pinturas de 1967 e pela última pintura vermelha deixada inacabada em seu estúdio. Mesmo no caso da série de 1969-1970 “Preto e Cinza”\, é melhor evitar uma interpretação simplista do trabalho\, associando o cinza e o preto à depressão e ao suicídio. \n\n\n\nEssas obras são exibidas na sala mais alta do edifício Frank Gehry\, ao lado das grandes esculturas de Alberto Giacometti\, criando um ambiente que se aproxima do que Rothko tinha em mente para uma comissão da UNESCO que nunca foi realizada.
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LOCATION:Fondation Louis Vuitton\, 8\, Avenue du Mahatma Gandhi Bois de Boulogne\, Paris\, França
CATEGORIES:Paris
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SUMMARY:"Modern Paris (1905-1925)" no Petit Palais
DESCRIPTION:Robert Delaunay\, Hommage à Blériot\, 1914 (detalhe). Musée de Grenoble. Foto: © Ville de Grenoble/Musée de Grenoble/J.L. Lacroix\n\n\n\nA exposição Modern Paris (1905-1925) reúne quase 400 obras de artistas renomados como Picasso\, Modigliani e os Delaunay\, além de figuras influentes da moda como Paul Poiret e a joalheria Cartier. Com foco na Champs Élysées\, especialmente o Grand Palais\, a exposição retrata o epicentro da inovação artística da época. \n\n\n\nA Exposição Internacional de Artes Decorativas e Industriais Modernas de 1925 apresentou uma mistura de estilos tradicionais e vanguardistas. O panorama social era marcado pelas extravagantes festas de Paul Poiret e pela emergência de locais como a Galerie Au Sans Pareil e o Théâtre des Champs-Élysées\, onde Josephine Baker causava impacto com suas performances. \n\n\n\nA mostra também aborda as controvérsias e escândalos que marcaram a era\, desde movimentos artísticos vanguardistas como o Cubismo até performances de balé ousadas como a de Nijinsky em The Rite of Spring. Avanços tecnológicos\, incluindo automóveis e aviões\, são destacados\, ilustrando seu impacto na expressão artística. \n\n\n\nO papel das mulheres em moldar a Paris moderna é enfatizado\, com artistas como Sonia Delaunay e Tamara de Lempicka ocupando posições significativas na cena vanguardista. A exposição captura o multiculturalismo da Paris da época\, onde artistas de diversas origens convergiram para criar uma comunidade artística dinâmica e inclusiva. \n\n\n\nAtravés de uma cenografia imersiva e exibições de filmes\, os visitantes são transportados de volta a essa era cativante\, vivenciando a energia e a inovação que definiram Paris Moderna.
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LOCATION:Petit Palais\, Av. Winston Churchill\, 75008\, Paris\, França
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SUMMARY:"Iris van Herpen. Sculpting the Senses" no Musée des Arts Décoratifs
DESCRIPTION:Realizada no Musée des Arts décoratifs a exposição Iris van Herpen. Sculpting the Senses presta homenagem a uma das estilistas mais inovadoras. Uma pioneira no uso de novas tecnologias em sua área\, Iris van Herpen desafia as normas convencionais da moda\, ao mesmo tempo em que valoriza tanto a artesanato da alta costura tradicional quanto técnicas ousadas. \n\n\n\nVariando do micro ao macro\, a exposição questiona o lugar do corpo no espaço\, sua relação com as roupas e o ambiente\, e seu futuro em um mundo em constante mudança. Uma seleção de mais de cem peças de alta costura criadas por Iris van Herpen dialoga com obras de arte contemporânea\, de artistas como Philip Beesley\, o Collectif Mé\, Wim Delvoye\, Kate MccGwire\, Damien Jalet\, Kohei Nawa\, Casey Curran\, Rogan Borwn\, Jacques Rougerie e peças de design de Neri Oxman\, Ren Ri\, Ferruccio Laviani e Tomáš Libertíny\, além de itens das ciências naturais\, como esqueletos e fósseis\, criando assim uma ressonância única com peças históricas. A exposição será apresentada nas Galerias Christine & Stephen A. Schwarzman\, com curadoria de Cloé Pitiot e curador assistente Louise Curtis\, e a cenografia será realizada pelo Studio Nathalie Crinière.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/iris-van-herpen-sculpting-the-senses-no-musee-des-arts-decoratifs/
LOCATION:Musée des Arts Décoratifs\, 107 Rue de Rivoli Paris\, Paris\, Paris\, França
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SUMMARY:"Breath of an Architect" na Fondation Cartier
DESCRIPTION:Vista da exposição Bijoy Jain / Studio Mumbai Breath of an Architect\, Fondation Cartier. Foto © Thibaut Voisin\n\n\n\nDe 9 de dezembro de 2023 a 21 de abril de 2024\, a Fondation Cartier apresenta Breath of an Architect\, uma exposição especialmente criada para a instituição pelo arquiteto Bijoy Jain\, fundador do Studio Mumbai na Índia. O trabalho de Bijoy Jain reflete uma profunda preocupação com a relação entre o homem e a natureza\, na qual o tempo e o gesto são fatores essenciais. Explorando os vínculos entre arte\, arquitetura e material\, Bijoy Jain oferece na Fondation Cartier um espaço de devaneio e contemplação em diálogo com o icônico prédio de Jean Nouvel.
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LOCATION:Fondation Cartier\, 261 Bd Raspail Paris\, Paris\, França
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SUMMARY:"Dear Paris" de Stanley Whitney na Gagosian
DESCRIPTION:Vista da exposição “Dear Paris”\, Gagosian\, Paris. Obras © Stanley Whitney. Foto: Thomas Lannes\n\n\n\nA Gagosian apresenta a exposição da pintura Dear Paris (2023) de Stanley Whitney na rua de Castiglione\, 9\, Paris\, de 10 de janeiro a 28 de fevereiro de 2024. \n\n\n\nInspirada pela estadia prolongada do artista na capital francesa\, Dear Paris é a mais recente das abstrações líricas de Whitney. Equilibrando estrutura sistemática e espontaneidade expressiva\, ele compôs a pintura em sua maneira característica\, um bloco aproximadamente retangular de cada vez\, começando no canto superior esquerdo e progredindo em fileiras através e abaixo da tela. Whitney forma cada forma com pinceladas enérgicas\, escolhendo suas cores vivas e moldando seus limites em relação aos seus predecessores. A geometria livre sutilmente mutável da pintura é ainda demarcada por faixas lineares entre suas fileiras que dividem e unificam a composição. \n\n\n\nDesde a década de 1970\, seguindo a abstração\, Whitney estabeleceu seu estilo maduro na década de 1990 enquanto vivia e trabalhava em Roma. O quadro composicional que ele emprega lhe permite a liberdade de improvisar\, facilitando a emergência de harmonias cromáticas surpreendentes e ritmos visuais dinâmicos. As influências variadas do artista incluem o chamado e resposta polifônico do jazz\, o efeito transformador da luz lançada sobre edifícios históricos\, as tradições da confecção de colchas americana e artistas que vão de Henri Matisse e Piet Mondrian a Giorgio Morandi.
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LOCATION:Gagosian\, 9 Rue de Castiglione\, Paris\, França
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SUMMARY:Richard Deacon na Thaddaeus Ropac Paris
DESCRIPTION:Vista da exposição\, obras de Richard Deacon\, Thaddaeus Ropac\, Paris. Foto: Divulgação.\n\n\n\nEm sua próxima exposição em Paris\, Richard Deacon apresentará esculturas e desenhos de três grupos de obras\, cada um caracterizado pelo uso distinto de um material diferente\, abrangendo cerâmica esmaltada\, aço inoxidável e lápis em pergaminho sintético. O trabalho do artista é invariavelmente marcado por suas experiências com diversos materiais e seu profundo interesse em suas consistências e qualidades específicas. Ele permanece fiel aos princípios da arte manual que têm impulsionado sua prática desde o início de sua carreira e constituem parte integral de sua estética.
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LOCATION:Thaddaeus Ropac Marais\, 7 Rua Debelleyme\, Paris\, França
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SUMMARY:"How to explain the Sculptures to an Influencer?" de Johan Creten na Perrotin
DESCRIPTION:Vista da exposição How to explain the Sculptures to an Influencer? na Perrotin Matignon\, Paris\, 2024. Foto: Tanguy Beurdeley ©Johan Creten/ADAGP\, Paris\, 2024. Cortesia do artista e da Perrotin\n\n\n\nA galeria Perrotin apresenta How to explain the Sculptures to an Influencer? de Johan Creten na Perrotin\, a nona exposição individual de Johan Creten na galeria – a quinta em Paris. Para essa ocasião\, o artista apresenta um novo conjunto de baixos-relevos\, esculturas e esculturas-móveis em bronze e argila. \n\n\n\nJohan Creten\, nascido em 1963 em Sint-Truiden\, Bélgica\, e atualmente residindo e trabalhando em Paris\, explora em sua arte as condições pelas quais uma obra se manifesta na realidade. Ele investiga o papel da arte em diversos contextos – seja no espaço público\, doméstico ou nas galerias de arte contemporânea – como um palco para o teatro social dos tempos atuais. As obras de Creten\, agrupadas sob um título que faz referência tanto à história da arte (especificamente a uma ação de Joseph Beuys em 1965\, que envolveu ensinar arte a um coelho morto na galeria Schmela em Düsseldorf) quanto aos dilemas do mundo moderno\, criam um conjunto que é ao mesmo tempo narrativo\, visual e político.
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LOCATION:Perrotin Paris\, 10 Imp. Saint-Claude\, Paris
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SUMMARY:"Monster Soup" de Hélène Delprat na Hauser & Wirth Paris
DESCRIPTION:Hélène Delprat\, Peinture – catastrophe\, 2023. © Hélène Delprat Foto: Nicolas Brasseur\n\n\n\nA primeira exposição de Hélène Delprat com a Hauser & Wirth\, após o anúncio de representação conjunta com a Galerie Cristophe Gaillard\, está agora aberta em Paris. Organizada com Olivier Renaud-Clément\, a exposição exibe uma seleção de novas pinturas\, esculturas\, vídeos e obras de instalação em ambos os andares da galeria. Ao longo das últimas quatro décadas\, a prática multifacetada de Delprat tem como foco a condição humana\, explorando a vida e a morte em uma obra que abrange diversos meios. Depois de encontrar sucesso por seu estilo distintamente primitivo de pintura figurativa entre 1985 e 1995\, após sua residência na prestigiosa Villa Medici em Roma\, Delprat voltou seu foco para o vídeo\, teatro\, entrevistas\, instalações e projetos para rádio\, enquanto continuava a pintar.
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LOCATION:Hauser & Wirth Paris\, 26 bis Rue François 1er\, Paris\, França
CATEGORIES:Paris
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SUMMARY:"Iconic Avedon: A Centennial Celebration of Richard Avedon" na Gagosian Paris
DESCRIPTION:Richard Avedon\, Dovima with elephants\, vestido de noite pela Dior\, Cirque d’Hiver\, Paris\, Agosto\, 1955 \n\n\n\nA Gagosian apresenta Iconic Avedon: A Centennial Celebration of Richard Avedon\, na galeria da rue de Ponthieu\, em Paris\, de 22 de janeiro a 2 de março de 2024. A exposição marca o centenário do nascimento de Avedon em maio de 1923. Muitas vezes atribuída às suas fotografias\, a palavra icônico se aplica igualmente ao seu autor\, e é usada aqui para iluminar sua excepcional influência na cultura hoje em dia. \n\n\n\nPouco depois de estabelecer seu estúdio em Nova York no meio dos anos 1940\, Avedon desenvolveu um estilo inventivo\, sofisticado e instantaneamente reconhecível. Como fotógrafo da equipe da Harper’s Bazaar (1944–65) e posteriormente da Vogue (1966–88)\, ele produziu muitas das imagens quintessenciais das publicações. À medida que a reputação de Avedon crescia\, as figuras definidoras do século XX – artistas\, escritores\, intelectuais e outros notáveis – eram atraídas para se verem através de sua lente. Avedon produziu imagens que se tornaram sinônimo das lendas de seus retratados. Apresentando suas fotografias de sujeitos tanto renomados quanto obscuros\, a exposição destaca o papel inovador que Avedon desempenhou como criador de ícones. \n\n\n\nOs retratos mais incisivos de Avedon manifestam sua habilidade incomparável de elicitar a vitalidade singular de seus retratados\, inscrevendo suas essências carregadas – mesmo daqueles que já eram famosos – em quadros decisivos extraídos do arco maior da história viva. Suas representações de Marian Anderson (1955)\, Marilyn Monroe (1957)\, Bob Dylan (1965) e os Beatles (1967) são tão indeléveis quanto atemporais. “Não é como eu pareço”\, Harold Brodkey comentou sobre seu retrato por Avedon\, “mas como eu sou”. Com um olhar infalível\, timing impecável e uma sensibilidade previdente\, Avedon elevou as modelos Dovima (1955)\, China Machado (1958) e Penelope Tree (1967) ao pico de sua profissão. Ele também registrou imagens incomparáveis de Charlie Chaplin (1952)\, Jacqueline Kennedy (1961)\, Andy Warhol (1969) e Tina Turner (1971) em momentos cruciais de suas vidas lendárias.
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LOCATION:Gagosian\, 4 Rue de Ponthieu Paris\, Paris\, Paris\, França
CATEGORIES:Paris
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SUMMARY:Anselm Kiefer na White Cube
DESCRIPTION:Anselm Kiefer\, Marmorklippen\, 2015\n\n\n\nEssa exposição aborda a aquarela\, muitas vezes subestimada em comparação ao óleo\, destacando sua riqueza e complexidade como meio artístico. O seu apogeu ocorreu no século XVIII\, quando se tornou popular entre as mulheres letradas como uma forma de expressão delicada e livre. A mostra examina como Kiefer\, um artista contemporâneo\, reinterpreta a aquarela em contextos emocionais e políticos\, destacando sua intimidade e potencial expressivo. A mostra também compara as representações femininas na arte\, desde a passividade até uma perspectiva mais assertiva e erótica\, destacando as múltiplas interpretações da sexualidade feminina.
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LOCATION:White Cube Paris\, 10 Avenue Matignon\, Paris\, França
CATEGORIES:Paris
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SUMMARY:"Traversing appearances" no Centre Pompidou
DESCRIPTION:Kévin Germanier\, Alien brodé\, 2023\n\n\n\nSeguindo o evento Yves Saint Laurent aux Musées em 2022\, o Centro Pompidou convidou Laurence Benaïm para dar continuidade ao diálogo entre arte e moda\, imaginando uma colorida conversa conceitual entre os criadores e obras no Museu Nacional de Arte Moderna. \n\n\n\nAo longo do nível 5 do museu\, a apresentação destaca 17 conjuntos de correspondência entre uma peça de um criador e uma obra de arte ou tendência na arte moderna e contemporânea. Desde Christian Dior até Iris van Herpen\, Azzedine Alaïa até Thebe Magugu e Jean Paul Gaultier até Issey Miyake\, incluindo Chanel e Charles de Vilmorin\, esta apresentação celebra os fortes laços que uniram moda e criação artística\, estilistas e artistas\, desde o início do século XX.
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LOCATION:Centre Pompidou\, Place Georges-Pompidou\, Paris\, França
CATEGORIES:Paris
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SUMMARY:"Des lignes de désir" na Beaux Arts Paris
DESCRIPTION:Béryl Coulomblé\, LL\, 2023. © Sacha Boccara\n\n\n\nDes lignes de désir apresenta os vinte e oito artistas que receberam seu diploma nacional de Belas Artes da École des Beaux-Arts de Paris com Felicitações do Júri em 2023. \n\n\n\nA exposição\, organizada pela curadora Emilie Villez\, reflete a diversidade das propostas artísticas provenientes da Escola. Pinturas\, esculturas\, instalações e vídeos convivem com práticas de performance e edição\, apresentadas por meio de uma programação semanal. \n\n\n\nCaminhos traçados em uma paisagem pela erosão da marcha de humanos ou animais\, as linhas de desejo\, também chamadas de caminhos do livre arbítrio\, são suaves desafios ao sistema. A crítica aos excessos da modernidade constitui um subtexto entre os artistas apresentados. \n\n\n\nSair dos caminhos convencionais\, ao mesmo tempo em que se encontra um lugar no ecossistema da arte: o objetivo da exposição é\, antes de tudo\, apresentar ao público um panorama das práticas artísticas contemporâneas\, abrindo pistas de ressonância e reflexão sobre a arte e o mundo de hoje.
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LOCATION:Beaux Arts Paris\, 46 Rue de la Ferté Gaucher\, Paris\, França
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SUMMARY:"Dans l’appartement de Léonce Rosenberg. De Chirico\, Ernst\, Léger\, Picabia…" no Musée Picasso Paris
DESCRIPTION:Francis Picabia\, Pavonia\, 1929 (detalhe). Coleção particular © Adagp\, Paris\, 2024\n\n\n\nO Museu Nacional Picasso-Paris apresenta sua nova exposição temporária\, “No apartamento de Léonce Rosenberg. De Chirico\, Ernst\, Léger\, Picabia…”. Sob a forma de evocação de um cenário desaparecido\, a exposição destacará um conjunto pictórico inédito e pouco conhecido\, concebido por importantes artistas do período entre guerras. \n\n\n\nA exposição apresenta a história do cenário mítico do apartamento parisiense do negociante e galerista Léonce Rosenberg. Ele buscava associar seu nome ao cubismo tardio misturado com figurativismo\, uma direção aberta por Picasso\, artista que ele admirava e acompanhava durante a guerra e os anos 1920.
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LOCATION:Musée Picasso Paris\, 5 rue de Thorigny\, Paris\, França
CATEGORIES:Paris
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SUMMARY:"Plums\, Under Cover" de Kasper Bosmans na Mendes Wood DM
DESCRIPTION:Vista da exopsição “Plums\, Under Cover” de Kasper Bosmans\, Mendes Wood\, Paris\n\n\n\nPara marcar a ocasião\, o artista sediado em Bruxelas embarcou em uma incursão repleta de fantasia\, tendo como ponto de partida a descoberta de um belvedere do século XVI\, localizado no Jardim Real do Castelo de Praga\, e que mais tarde se tornou o local de autoisolamento do Sacro Imperador Romano Rudolf II. Segundo a lenda\, a sexualidade queer do governante boêmio levou à sua deposição do poder e a uma vida reclusa dedicada ao estudo da astronomia. Tais histórias não-canônicas frequentemente inspiram Bosmans a criar novas narrativas que lançam luz sobre o passado e ajudam a projetar novas possibilidades para o futuro. Bosmans é atraído por histórias que aludem à queerness\, um termo guarda-chuva com o qual o artista se sente mais confortável para construir uma prática baseada em poesia visual. \n\n\n\nEm Plums\, Under Cover\, Bosmans imagina histórias que atravessam o tempo: Amantes passeando pelos pomares de cerejeiras de cidades medievais\, pica-paus que funcionam como viajantes do tempo e pássaros cuco cantando sobre despertares sexuais. A fantasia deliberada das obras expostas fala ao desejo do artista de apresentar histórias que talvez sejam mais divertidas do que historicamente precisas. Os personagens que habitam essa mostra muitas vezes são construídos nas margens do que era considerado importante pela tradição\, no entanto\, é seu status periférico que os torna contribuições vitais. Os motivos animais recorrentes\, como morcegos\, carpas ou baleias\, contribuem de maneira ideal para uma das principais narrativas da exposição. As dinâmicas de poder duradouras e as numerosas expectativas que os humanos colocam nos animais encontram representação alegórica ideal nas obras de Bosmans. Da mesma forma\, o artista brinca com ideias de tempo e realidade\, oferecendo encontros surpreendentes que quebram a quarta parede dentro da exposição.
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LOCATION:Mendes Wood DM Paris\, 23 Place des Vosges\, Paris\, França
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SUMMARY:"Para um Corpo Voar" de Clara Moreira na Galerie Salon H
DESCRIPTION:Obra de Clara Moreira\n\n\n\nFruto de uma residência no Studio Delambre\, a convite da galeria\, esta primeira exposição na França da artista brasileira Clara Moreira permitirá mergulhar em um diálogo silencioso entre a artista e seu duplo. Além de seu classicismo superficial\, os desenhos de Clara são impregnados de rituais vernaculares próprios do sincretismo de Recife.
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LOCATION:Salon H\, 6/8 Rue de Savoie\, Paris\, França
CATEGORIES:Paris
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