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SUMMARY:Instalação David Hammons no Whitney Museum of American Art
DESCRIPTION:O Whitney\, em colaboração com o Hudson River Park \, desenvolveu um projeto de arte pública permanente de David Hammons (n. 1943). Intitulada Day’s End (2014–21)\, esta instalação monumental está localizada no Hudson River Park ao longo da margem sul da Península de Gansevoort\, em frente ao Museu. \n\n\n\nProposto ao Whitney por Hammons\, Day’s End se inspira em uma obra de arte de mesmo nome de Gordon Matta-Clark (1943-1978). Em 1975\, Matta-Clark cortou cinco aberturas no galpão Pier 52 que anteriormente ocupava o local. O Hammons’s Day’s End é uma estrutura aberta que segue precisamente os contornos\, dimensões e localização do galpão original – e\, como a intervenção de Matta-Clark\, oferecerá um lugar extraordinário para experimentar a orla. \n\n\n\nEm conjunto com a realização do projeto\, o Whitney apresentou Around Day’s End: Downtown New York\, 1970–1986 \, uma exposição que apresentou obras da coleção relacionadas ao projeto seminal de Matta-Clark. O Whitney também criou materiais interpretativos\, incluindo a primeira série de podcasts do Museu\, Artists Among Us \, bem como vídeos e passeios a pé pelo bairro. Essa mídia de apoio toma os Day’s End s\, conforme previsto por Hammons e Matta-Clark\, como pontos de partida para explorar a história local – da orla e do Meatpacking District\, o papel dos artistas no bairro\, sua história LGBTQ e a ecologia do estuário. Novas pesquisas\, materiais de arquivo e entrevistas de história oral serão incorporadas.
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LOCATION:Whitney Museum of American Art\, 99 Gansevoort St Manhattan\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"At the Dawn of a New Age" no Whitney Museum of American Art
DESCRIPTION:Os artistas americanos saudaram o século XX com uma confiança juvenil no progresso e na inovação. Animados pelas mudanças tecnológicas que estavam revolucionando as comunicações e a engenharia\, bem como as mudanças culturais\, como o sufrágio feminino\, os artistas abraçaram o novo em detrimento do tradicional e fixo. Não mais contentes em replicar a realidade\, eles se voltaram para os estilos de vanguarda como forma de comunicar sua empolgação com uma época que o crítico Walter Lippmann caracterizou como “explosiva com novas ideias\, novos planos e novas esperanças”. \n\n\n\nAlguns dos artistas apresentados nesta exposição\, como Georgia O’Keeffe e Marsden Hartley \, são bem conhecidos hoje\, mas muitos modernistas igualmente inovadores foram amplamente esquecidos. Com mais de sessenta obras de quarenta e cinco artistas extraídas principalmente da coleção permanente do Whitney\, At the Dawn of a New Age oferece uma compreensão expandida da complexidade da arte americana produzida entre 1900 e 1930 e recupera a exuberante sensação de liberdade e experimentação subjacente isto. \n\n\n\nEsta exposição é organizada por Barbara Haskell\, curadora.
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LOCATION:Whitney Museum of American Art\, 99 Gansevoort St Manhattan\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Shifting Landscapes" no Whitney Museum
DESCRIPTION:Jane Dickson\, “Heading in—Lincoln Tunnel 3”\, 2003. Whitney Museum of American Art\, Nova York; presente de Eve Ahearn e Joseph Ahearn 2017.275. © Jane Dickson.\n\n\n\n\nEmbora o gênero paisagem tenha sido historicamente associado a vistas pitorescas\, Shifting Landscapes considera uma interpretação mais expansiva dessa categoria\, explorando como as questões políticas\, ecológicas e sociais em evolução motivam os artistas enquanto tentam representar o mundo ao seu redor. Retirada da coleção do Whitney\, a exposição apresenta obras dos anos 1960 até o presente e é organizada em seções temáticas distintas. Algumas delas se agrupam em torno de afinidades materiais e conceituais: assemblagens escultóricas formadas por objetos locais\, abordagens ecofeministas da land art e os legados da fotografia documental de paisagens. Outras estão relacionadas a geografias específicas\, como o frenético cenário urbano da Nova York moderna ou a cena experimental de cinema de Los Angeles dos anos 1970. Ainda outras mostram como os artistas inventam novos mundos fantásticos\, onde humanos\, animais e a terra se tornam um só. Seja representando os efeitos da industrialização no meio ambiente\, enfrentando o impacto das fronteiras geopolíticas ou propondo espaços imaginados como uma forma de desestabilizar o conceito de um mundo “natural”\, as obras reunidas aqui trazem ideias sobre a terra e o lugar em foco\, destacando como moldamos e somos moldados pelos espaços ao nosso redor. \nShifting Landscapes é organizada por Jennie Goldstein\, Curadora Associada da Coleção; Marcela Guerrero\, Curadora da Família DeMartini; Roxanne Smith\, Assistente Curatorial Sênior; com Angelica Arbelaez\, Rubio Butterfield Family Fellow; com agradecimentos a Araceli Bremauntz-Enriquez e J. English Cook pelo apoio à pesquisa.
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LOCATION:Whitney Museum of American Art\, 99 Gansevoort St Manhattan\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Above Ground: Art from the Martin Wong Graffiti Collection" no Museum of the City of New York
DESCRIPTION:Lee Quiñones\, “Breakfast at Baychester”\, c. 1980. Museum of the City of New York / Martin Wong Collection \nA era do grafite em Nova York começou nas ruas da cidade no início dos anos 1970. Esse novo movimento — muitas vezes conscientemente artístico\, apesar de suas origens não autorizadas — amadureceu ao longo das duas décadas seguintes. Above Ground enfoca os muitos artistas que fizeram a transição de escrever ilegalmente nos vagões do metrô para criar pinturas em tela e expô-las em galerias e museus. Suas obras marcam um momento crucial de transformação no desenvolvimento do grafite\, à medida que ele penetrava no imaginário coletivo e passava a influenciar de forma significativa a cultura global. \nDescrita pelo The New York Times como “uma exposição essencial”\, Above Ground oferece um olhar sobre uma subcultura vibrante de jovens criadores e revela preciosidades inéditas da importante coleção de arte baseada em grafite do acervo do museu. Doada pelo artista Martin Wong há 30 anos\, a coleção reúne mais de 300 pinturas e obras em papel. Entre os destaques da mostra estão trabalhos em spray\, tinta e outros suportes de figuras fundamentais do movimento de arte urbana\, como Rammellzee\, Lee Quiñones\, Lady Pink e Futura 2000. Juntas\, essas obras capturam o ímpeto e as ambições de artistas que migraram das ruas para as paredes de galerias de prestígio em Nova York e ao redor do mundo. \nA mostra Above Ground: Art from the Martin Wong Graffiti Collection conta com patrocínio principal da UNIQLO USA e apoio adicional da Keith Haring Foundation e de Elizabeth Belfer. O apoio institucional é viabilizado pelo Departamento de Assuntos Culturais da Cidade de Nova York em parceria com o Conselho Municipal.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/above-ground-art-from-the-martin-wong-graffiti-collection-no-museum-of-the-city-of-new-york/
LOCATION:Museum of the City of New York\, 1220 5th Ave\, Nova York\, United States
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SUMMARY:"Jeanne Moutoussamy-Ashe and the Last Gullah Islands" no Whitney Museum
DESCRIPTION:Jeanne Moutoussamy-Ashe\, “An Afternoon with Aunt Tootie”\, Daufuskie Island\, SC\, 1979. © Jeanne Moutoussamy-Ashe\n\n\n\n\nDesde o início dos anos 1970\, a artista\, ativista e acadêmica Jeanne Moutoussamy-Ashe (n. 1951\, Chicago\, IL; vive e trabalha em South Kent\, CT) produz fotografias que capturam a beleza e a complexidade da vida negra\, homenageando os ritmos do cotidiano e marcando importantes ritos de passagem para as pessoas retratadas. \nEm 1977\, após um estudo independente de seis meses na África Ocidental\, Moutoussamy-Ashe atravessou novamente o Oceano Atlântico até Daufuskie Island\, localizada entre Hilton Head\, na Carolina do Sul\, e Savannah\, na Geórgia. Lá\, e nas outras ilhas vizinhas conhecidas como Sea Islands\, ela começou a fotografar entre os Gullah Geechee—muitos deles descendentes de pessoas anteriormente escravizadas que adquiriram terras de antigos proprietários de plantações após o fim da Guerra Civil. Para Moutoussamy-Ashe\, esses lugares\, separados pelo Atlântico\, estavam intrinsecamente ligados\, com as Sea Islands representando um elo dentro da diáspora negra; um espaço moldado pelos séculos violentos da escravidão e por uma comunidade determinada a proteger e nutrir sua cultura e seu povo únicos. As fotografias de Daufuskie Island honram essas histórias entrelaçadas e a perspectiva pessoal da artista. Para ela\, “a fotografia deve nos forçar a questionar a nós mesmos e o ambiente em que vivemos”. \nExtraída da coleção do Whitney Museum\, esta apresentação focada inclui uma seleção de fotografias em preto e branco de Daufuskie Island\, além de publicações relacionadas da artista. Retratos de crianças e idosos\, imagens de casas\, do litoral\, de pessoas trabalhando e descansando\, bem como de cultos religiosos\, formam juntas uma impressão de uma comunidade—e um lugar—à beira de grandes transformações. \nJeanne Moutoussamy-Ashe and the Last Gullah Islands é organizada por Kelly Long\, Assistente Sênior de Curadoria.
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LOCATION:Whitney Museum of American Art\, 99 Gansevoort St Manhattan\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Pirouette: Turning Points in Design" no MoMA
DESCRIPTION:Nifemi Marcus-Bello\, “For the Community by the Community – Handwashing Station”\, 2020. The Museum of Modern Art\, Nova York. Foto: Kadara Enyeasi.\n\n\n\n\nO design é um elemento fundamental da vida\, um catalisador essencial para nossa evolução. Ele nos ajuda a lidar com mudanças e permeia nossas vidas pessoais e sociais\, refletindo tanto nossas forças quanto nossas fragilidades. Muitos designers buscam criar novos comportamentos\, concentrando-se em hábitos e circunstâncias que mais necessitam de transformação. Pirouette: Turning Points in Design reúne objetos—desde Post-Its até Spanx—que representaram experimentos inovadores com novos materiais\, tecnologias e conceitos\, ofereceram soluções não convencionais para problemas tradicionais e tiveram um impacto significativo tanto no design quanto no mundo em geral. \nCom peças majoritariamente retiradas da coleção do MoMA\, a exposição apresenta objetos amplamente reconhecidos—como o logotipo I ♥️ NY ou o novo símbolo de acessibilidade—ao lado de outros conhecidos apenas por públicos especializados. Alguns\, como a Shopping Bag da Telfar\, apelidada de Bushwick Birkin\, reconfiguram as regras de exclusividade e luxo. Outros\, como o Walkman Portable Audio Cassette Player ou o Macintosh 128K Home Computer\, redefiniram e expandiram nosso espaço privado\, permitindo-nos trazer o mundo para dentro de nossas casas ou carregá-lo conosco. Observados em conjunto\, os objetos em Pirouette destacam o papel dos designers em sua expressão mais inventiva e construtiva\, demonstrando o poder do design em traduzir a experiência humana em formas tangíveis e imaginar um futuro melhor.
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LOCATION:MoMA\, 11 W 53rd St Manhattan\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Breaking the Mold: Brooklyn Museum at 200" no Brooklyn Museum
DESCRIPTION:Winslow Homer\, Glass Windows\, Bahamas\, ca. 1885. Foto: Brooklyn Museum\n\n\n\n\nDas primeiras aquisições pioneiras às adições mais recentes e marcantes\, a coleção do Brooklyn Museum sempre destacou artistas e obras que impulsionam narrativas imaginativas e diálogos corajosos. Em comemoração ao seu 200º aniversário\, a exposição Breaking the Mold: Brooklyn Museum at 200 celebra esse legado singular. Dividida em três capítulos\, a mostra reúne tanto obras icônicas da coleção quanto novas adições\, revelando perspectivas inéditas e explorando a rica trajetória e a evolução futura do acervo. \nBrooklyn Made presta homenagem à arte e ao design criados no bairro desde o século XVII até os dias de hoje. O capítulo se inicia com um par de mocassins juvenis do povo Delaware\, reconhecendo os habitantes originários da região\, e avança no tempo para destacar artistas contemporâneos de Brooklyn\, como KAWS\, Duke Riley e Tourmaline. \nBuilding the Brooklyn Museum and Its Collection apresenta obras transformadoras e materiais de arquivo que narram o desenvolvimento da coleção e do edifício Beaux-Arts que abriga o museu. \nPor fim\, Gifts of Art in Honor of the 200th reúne doações extraordinárias feitas em celebração ao bicentenário\, incluindo pinturas\, fotografias\, vídeos\, esculturas e cerâmicas de artistas renomados\, como Julie Mehretu\, Robert Frank\, Alex Katz e Coco Fusco. Essas contribuições\, ao lado de obras de artistas influentes da atualidade\, muitos deles baseados em Brooklyn\, não apenas contam a história do museu\, mas também refletem as transformações do mundo ao seu redor.
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LOCATION:Brooklyn Museum\, 200 Eastern Pkwy Brooklyn\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Collection in Focus | Beatriz Milhazes: Rigor and Beauty" no Guggenheim
DESCRIPTION:Beatriz Milhazes\, “As Quatro Estações”\, 1997\nEsta exposição apresenta o trabalho da artista contemporânea global Beatriz Milhazes (n. 1960\, Rio de Janeiro)\, que dialoga com sua herança cultural e identidade brasileiras por meio da linguagem da abstração. Com uma trajetória que abrange quatro décadas—dos anos 1980 até o presente—sua produção inclui escultura\, colagem\, gravura\, têxteis\, arte pública e\, principalmente\, pintura. Esta mostra reúne um conjunto de quinze pinturas e obras sobre papel\, criadas entre 1995 e 2023\, selecionadas do acervo permanente do museu e complementadas por empréstimos estratégicos\, que ajudam a contextualizar a evolução artística de Milhazes. \nA obra de Milhazes está profundamente enraizada na história e nas tradições brasileiras\, inspirando-se na arte e arquitetura coloniais\, nas artes decorativas e na vibrante celebração do Carnaval—o festival que transforma as ruas do Rio de Janeiro em um espetáculo de desfiles\, música\, performances e trajes elaborados. A artista também é influenciada pela Tropicália\, movimento cultural dos anos 1960 que uniu arte\, música e literatura para afirmar a identidade brasileira enquanto desafiava o regime militar da época. Os ritmos e cores da bossa nova\, gênero musical surgido no Rio de Janeiro no final dos anos 1950\, também reverberam em seu trabalho. Além dessas referências\, Milhazes dialoga com a obra de artistas como Henri Matisse e Piet Mondrian\, ao mesmo tempo em que evoca Tarsila do Amaral\, figura essencial para o desenvolvimento do modernismo brasileiro. \nEm 1989\, Milhazes desenvolveu uma técnica inovadora que chama de monotransfer\, inspirada no processo de monotipia\, no qual uma imagem pintada é transferida de uma matriz para o papel\, criando um efeito espelhado. A artista inicia seu processo pintando motivos sobre folhas de plástico transparente com tinta acrílica. Depois que a tinta seca\, as películas pintadas são sobrepostas e aderidas à tela; em seguida\, a artista remove o plástico\, revelando as formas em reverso. O resultado são composições vibrantes e dinâmicas\, que combinam formas abstratas\, padrões orgânicos e estruturas geométricas sobre superfícies texturizadas\, carregadas da memória do gesto artístico. \nAs primeiras pinturas desta exposição\, principalmente do acervo do museu—como Santa Cruz (1995)\, In albis (1995–96) e As quatro estações (1997)—revelam a influência do esplendor das igrejas barrocas coloniais do século XVIII e dos trajes ornamentais da época. Milhazes sintetiza essas influências em motivos abstratos e figurativos\, nos quais círculos e arabescos\, rendas e crochês delicados\, flores e padrões florais\, além de pérolas e elementos de ferro trabalhado\, emergem em suas composições. A partir dos anos 2000\, a artista começou a explorar efeitos ópticos em suas pinturas\, utilizando repetições lineares para criar padrões ondulantes e ritmos visuais\, como se observa em Paisagem carioca (2000)\, O cravo e a rosa (2000) e O Caipira (2004). \nAs obras sobre papel apresentadas nesta exposição\, produzidas entre 2013 e 2021\, demonstram o contínuo interesse de Milhazes pela experimentação com colagem. A artista combina elementos industrializados—como sacolas de grife\, embalagens de chocolate e papéis estampados—com recortes de suas próprias serigrafias em cores sólidas\, criando padrões intricados e composições abstratas expressivas. \nSuas pinturas mais recentes\, como Mistura sagrada (2022)\, indicam um movimento em direção à investigação da força espiritual da natureza\, especialmente no contexto pós-pandemia da COVID-19. Embora referências ao mundo natural estejam presentes desde o início de sua carreira\, aqui a artista aprofunda a reflexão sobre os ciclos de renovação—vida e morte—por meio de formas angulares coloridas e padrões elaborados. Elementos orgânicos\, que remetem à proximidade da artista com o Jardim Botânico do Rio de Janeiro\, a Floresta da Tijuca e a Praia de Copacabana\, ecoam nas harmonias geométricas\, sistemas conceituais e universos cromáticos que atravessam sua obra. \nA exposição foi organizada por Geaninne Gutiérrez-Guimarães\, curadora do Guggenheim Museum Bilbao e da Solomon R. Guggenheim Museum and Foundation\, Nova York.
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LOCATION:The Guggenheim Museum\, 1071 5th Ave\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Consuelo Kanaga: Catch the Spirit" no Brooklyn Museum
DESCRIPTION:Consuelo Kanaga\, “Kenneth Spencer”\, 1933. Foto: Brooklyn Museum\n\n\n\n\nAo longo de 60 anos\, Consuelo Kanaga (americana\, 1894–1978) utilizou sua câmera para enfrentar as questões sociais mais urgentes de sua época — da pobreza urbana aos direitos trabalhistas\, do terror racial à desigualdade. Consuelo Kanaga: Catch the Spirit traça a trajetória pioneira da artista e ilumina a história de vida dessa figura fundamental\, embora frequentemente negligenciada\, da fotografia moderna. Após uma turnê internacional\, a retrospectiva retorna ao Brooklyn Museum\, instituição que abriga o acervo mais abrangente da artista no mundo. A mostra reúne cerca de 200 fotografias\, documentos e filmes que revelam a evolução de sua arte ao longo do tempo e de temas diversos\, incluindo retratos de artistas e registros do sul dos Estados Unidos. \nKanaga começou sua carreira como fotojornalista — uma função extremamente rara para mulheres naquela época — e se destacou por suas naturezas-mortas modernistas e retratos expressivos. Em suas imagens\, captava a dignidade e a força de pessoas marginalizadas\, como trabalhadores negros durante o período das leis de Jim Crow. Diferente de muitos colegas\, incluindo amigas próximas como Dorothea Lange e Imogen Cunningham\, Kanaga utilizou a linguagem visual do modernismo para abordar desigualdades\, despertando reflexão e empatia. Como afirmou: “A maioria das pessoas tenta ser impactante para atrair o olhar. Eu acho que o mais importante não é capturar o olhar\, mas o espírito.” \nA retrospectiva é acompanhada por um catálogo que destaca a notável produção de Kanaga e apresenta novas pesquisas sobre a artista\, até então pouco reconhecida. Com ensaios de Drew Sawyer\, Shalon Parker\, Ellen Macfarlane e Shana Lopes\, a publicação é uma coedição do Brooklyn Museum\, Fundación MAPFRE e Thames & Hudson — sendo o primeiro grande livro sobre sua obra em 30 anos.
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SUMMARY:"On Education" no Amant
DESCRIPTION:Dominique Gonzalez-Foerster\, “Part Two (Constructing)”\, 1992. Cortesia da artista e Galerie Chantal Crousel\, Paris \nOn Education reúne obras de 35 artistas internacionais que abordam o tema da educação a partir de perspectivas não convencionais. Em vez de se apoiar em narrativas utópicas que frequentemente moldam o engajamento da arte com a pedagogia\, a exposição lança luz sobre os traumas e formas de violência — reais e simbólicas — que são intrínsecas ao processo educativo. A mostra examina os mecanismos de vigilância e controle que estruturam os espaços de aprendizagem\, investiga a produção artística como ferramenta de resistência contra-hegemônica e questiona o condicionamento social e cultural da infância e da criação de crianças. \nReconhecendo a precariedade e os desafios de se aprender em um ambiente marcado por uma atenção constantemente fragmentada — influenciada por cortes de financiamento\, guerras culturais em espiral\, dívidas insustentáveis e os impactos persistentes do racismo e do colonialismo —\, a exposição também aponta para possíveis modelos alternativos e mais produtivos para o futuro. \nDistanciando-se dos modelos participativos e baseados em discussão que predominaram nas últimas décadas nas relações entre arte e educação\, On Education retorna ao objeto artístico. Pinturas\, fotografias\, esculturas\, vídeos\, instalações\, arquivos e intervenções espaciais compõem a mostra\, defendendo o objeto como contraponto à crescente digitalização do aprendizado — fenômeno que acompanha a financeirização e privatização da educação desde os anos 1990\, intensificada com a pandemia de Covid-19. \nAs obras reunidas refletem experiências pessoais de ensinar e ser ensinado\, exploram o uso da arte em pedagogias experimentais e propõem a contemplação estética sustentada como método ainda potente de construção de sentido. \nPor meio de uma investigação multifacetada das estruturas\, contradições e possibilidades da educação\, On Education convida o público a reconsiderar as formas como o conhecimento é construído\, transmitido e disputado — tanto dentro quanto fora das salas de aula.
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SUMMARY:"Jack Whitten: The Messenger" no MoMA
DESCRIPTION:Jack Whitten\, “Atopolis: Para Édouard Glissant”\, 2014. The Museum of Modern Art\, Nova York.\n\n\n\n\nJack Whitten criou uma beleza visionária a partir de uma raiva justa. Nascido em Bessemer\, no Alabama\, em meio à violência do Sul segregado dos Estados Unidos\, integrou o movimento dos Direitos Civis antes de se mudar para Nova York em 1960. Foi lá que decidiu tornar-se artista. Por meio da experimentação com materiais e ferramentas — de novas tintas a pentes afro e impressão eletrostática —\, Whitten inventou técnicas artísticas inéditas. Ao enfrentar o racismo e as transformações tecnológicas de seu tempo\, fez com que a arte se tornasse um instrumento essencial num mundo em convulsão. Esta retrospectiva é a primeira a abarcar as seis décadas e todos os meios da prática inovadora de Whitten\, reunindo mais de 175 obras entre pinturas\, esculturas e trabalhos em papel que iluminam sua trajetória singular. \nNa década de 1970\, Whitten experimentou arrastar camadas de tinta acrílica sobre telas dispostas no chão com movimentos amplos e contínuos\, criando superfícies luminosas com um efeito quase fotográfico. Já nos anos 1990\, passou a cortar folhas endurecidas de tinta acrílica em milhares de pequenos mosaicos\, montando pinturas ricamente texturizadas que remetem a pixels ou constelações. Durante décadas\, passou os verões na Grécia\, onde construiu esculturas que fundem as artes da África e do Mediterrâneo antigo com tecnologias contemporâneas. Muitas vezes dedicava suas obras a figuras da história negra\, como se fosse um mensageiro — e sua arte\, uma forma de enviar significados ao mundo. “Sou um condutor do espírito”\, declarou. “Ele flui através de mim e se manifesta na materialidade da tinta.” \nJack Whitten: The Messenger apresenta uma história reveladora da investigação do artista sobre raça\, tecnologia\, jazz\, amor e guerra. Do tumulto dos anos 1960 até sua morte\, em 2018\, Whitten enfrentou constantes pressões para produzir arte figurativa como forma de ativismo. No entanto\, ousou inventar novas formas de abstração — e ofereceu ao mundo uma nova maneira de enxergar.
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SUMMARY:"Monstrous Beauty: A Feminist Revision of Chinoiserie" no The Met Museum
DESCRIPTION:“A Toilette da Princesa”\, da série de tapeçarias À moda dos índios. Vários artistas/fabricantes\, após 1690. Imagem: Cortesia do The Metropolitan Museum of Art\n\n\n\n\nMonstrous Beauty: A Feminist Revision of Chinoiserie propõe uma reinterpretação radical da história da porcelana europeia a partir de uma perspectiva feminista. Quando a porcelana chegou à Europa moderna vinda da China\, desencadeou o surgimento do chinoiserie\, estilo decorativo que condensava as fantasias europeias sobre o Oriente e suas obsessões com o exótico — junto a novas concepções sobre mulheres\, sexualidade e raça. Esta exposição investiga como esse material aparentemente delicado moldou tanto as identidades femininas europeias quanto estereótipos raciais e culturais sobre mulheres asiáticas. Ao desmontar a ideia de que o chinoiserie é apenas uma fantasia inofensiva\, Monstrous Beauty propõe um olhar crítico sobre o estilo e seus desdobramentos\, reinterpretando termos historicamente negativos sob uma ótica de empoderamento feminino. \nReunindo cerca de 200 obras históricas e contemporâneas — do século XVI europeu a instalações atuais de artistas asiáticas e asiático-americanas —\, a mostra ilumina o chinoiserie a partir de uma abordagem conceitual que coloca passado e presente em diálogo ativo. No século XVIII\, a porcelana era altamente valorizada como material-síntese das fantasias europeias sobre o Oriente\, e passou a ser associada ao gosto feminino. Frágil\, delicada e cortante quando quebrada\, tornou-se uma metáfora potente para a figura da mulher\, que emergiu como protagonista de novas narrativas sobre troca cultural\, consumo e desejo.
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SUMMARY:"The Children Have to Hear Another Story" de Alanis Obomsawin no MoMA PS1
DESCRIPTION:Alanis Obomsawin descansa sobre uma pedra às margens do Lago das Duas Montanhas\, Kanehsatake\, 1990. Foto: John Kenney\nNesta primavera\, o MoMA PS1 apresenta uma retrospectiva da artista\, ativista e musicista Alanis Obomsawin (Abenaki\, nascida em 1932)\, uma das cineastas mais renomadas do Canadá. A exposição percorre seis décadas de sua prática multidisciplinar\, reunindo uma seleção de filmes\, esculturas\, trabalhos sonoros e ephemera raramente vistos que lançam luz sobre os processos de produção de suas obras. \nThe Children Have to Hear Another Story inclui trabalhos iniciais\, como Christmas at Moose Factory (1971)\, curta-metragem animado que aborda os traumas dos internatos para crianças indígenas por meio de desenhos infantis\, além de documentários consagrados como Kanehsatake: 270 Years of Resistance (1993)\, que narra a resistência Mohawk contra a expansão de um campo de golfe sobre terras sagradas de sepultamento. Ao traçar as contribuições duradouras da artista para a transformação social\, a mostra destaca o modelo inovador de cinema indígena desenvolvido por Obomsawin.
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SUMMARY:"Adult Theater" de Julien Ceccaldi no MoMA PS1
DESCRIPTION:Julien Ceccaldi\, “A Collection of Little Memories”\, 2025. Foto: Steven Paneccasio\nA primeira exposição individual em um museu dos Estados Unidos do artista Julien Ceccaldi (franco-canadense\, nascido em 1987)\, radicado em Nova York\, apresenta uma pintura monumental comissionada especialmente para a ocasião\, transformando as galerias do térreo do MoMA PS1 em uma arquitetura pictórica imersiva. A obra projeta os visitantes em um episódio distorcido inspirado pela experiência cotidiana de subjugação digital e hiperconsumo. Ceccaldi emprega técnicas comuns tanto aos estúdios de animação quanto à Renascença italiana\, como trompe-l’œil\, sobreposição e quadro congelado. \nCom um estilo fatalista e de difícil categorização — influenciado por sua exposição precoce a animes transmitidos pela France Télévisions nos anos 1990\, pelos mangás shōjo transgressivos do grupo Year 24 e pelos quadrinhos autobiográficos de Aline Kominsky-Crumb — Ceccaldi reúne desconforto\, melodrama e romance da vida social contemporânea em desenhos\, pinturas e esculturas de observação aguda. Apesar da promessa de fluidez promovida pelas tecnologias midiáticas\, seu trabalho preserva uma qualidade artesanal que reflete os sentimentos ambíguos de seus personagens. \nJulien Ceccaldi vive e trabalha na cidade de Nova York. Realizou exposições individuais recentes na Tenko Presents\, Tóquio (2024); Gaga\, Guadalajara (2023); Modern Art\, Londres (2022); Jenny’s e LOMEX\, Nova York (2021); e Kölnischer Kunstverein\, Colônia (2018). Participou de coletivas no Institut français du Japon\, Tóquio; Le Château\, Aubenas; MAMCO\, Genebra; e Somerset House\, Londres (todas em 2024); na Fondation Vincent van Gogh\, Arles\, e Le Consortium\, Dijon (ambas em 2023); HEAD\, Genebra (2022); Oakville Galleries\, Ontário (2018); e na 9ª Bienal de Berlim (2016). Seus quadrinhos foram publicados de forma independente e em antologias como Simon’s Thumb (Neoglyphic Media\, 2024)\, Freeloaders (2021)\, Divine Judgement (Mould Map 7\, 2019)\, Solito (Kölnischer Kunstverein\, 2018)\, Human Furniture (2017) e Less Than Dust (2014).
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SUMMARY:"I was wearing this when you met me" de Whitney Claflin no MoMA PS1
DESCRIPTION:Whitney Claflin\, “Venice Beach”\, 2011–2025. Foto: Steven Paneccasio\nEm sua primeira exposição individual em um museu\, Whitney Claflin (americana\, nascida em 1983) apresenta uma seleção concentrada de obras que delineiam sua abordagem singular à pintura e seu envolvimento contínuo com temas como fascínio\, desencontro e desvio. Suas telas oscilam entre assuntos e estilos — de abstrações líricas e esboços fluidos a trechos de texto\, versões de logotipos e fragmentos de tecidos industrializados. Seguindo a lógica associativa de uma mixtape ou de um poema\, essas obras evocam estados transitórios de intensidade emocional. Símbolos culturais e referências de subculturas permeiam seus trabalhos com diferentes graus de legibilidade: objetos da estética flower power dos anos 1970\, Teenage Mutant Ninja Turtles\, bares icônicos de Nova York e a cena DIY do final dos anos 1990 em Providence\, Rhode Island — cidade onde Claflin cresceu. Além das pinturas\, a exposição inclui desenhos\, fotografias\, vídeos e intervenções escultóricas\, ressaltando a diversidade formal e o caráter experimental de sua prática. \nWhitney Claflin (1983\, Providence\, RI) vive e trabalha em Nova York. Entre suas exposições individuais e em dupla\, destacam-se mostras na Derosia\, Nova York (2024\, 2020); Drei\, Colônia (2024\, 2020); Haus Erholung\, Mönchengladbach\, Alemanha (2024); Drei (com Rochelle Feinstein\, curadoria de Fabrice Stroun\, 2022); e Real Fine Arts\, Nova York (2017\, 2014\, 2010). Participou de exposições coletivas recentes na Gallery Vacancy\, Xangai (2024); G2 Kunsthalle\, Leipzig (2023); Layr\, Viena (2023); Office Baroque\, Antuérpia (2023); Bonner Kunstverein\, Bonn (2022); Sandy Brown\, Berlim (2021); Shoot the Lobster\, Nova York (2020); Galerie Buchholz\, Nova York (2019); Croy Nielsen\, Viena (2018); e Greene Naftali\, Nova York (2018).
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SUMMARY:"Amy Sherald: American Sublime" no Whitney Museum of American Art
DESCRIPTION:Amy Sherald\, “Miss Everything (Unsuppressed Deliverance)”\, 2014. Coleção particular. © Amy Sherald. Cortesia da artista e Hauser & Wirth. Foto: Joseph Hyde\n\n\n\n\nAmy Sherald é uma contadora de histórias. Suas pinturas\, meticulosamente construídas\, revelam narrativas da vida americana ao retratar pessoas comuns com uma precisão estilística que une observação e imaginação. Sherald (nascida em 1973\, Columbus\, Geórgia) baseia suas obras em indivíduos específicos\, mas vai além do retrato tradicional: ela centra suas composições em pessoas negras comuns nos Estados Unidos\, cuja individualidade é apresentada como algo ao mesmo tempo extraordinário e cotidiano. Cada figura convida o espectador a entrar em um universo cuidadosamente concebido pela artista. \nNesta exposição\, retratos de americanos comuns se unem a obras icônicas\, como o retrato da ex-primeira-dama Michelle Obama e o comovente retrato póstumo de Breonna Taylor\, formando uma ode à multiplicidade e à complexidade da identidade americana. \nSherald também pinta as imagens que deseja ver no mundo. Embora se considere herdeira da tradição realista americana de artistas como Edward Hopper — um gênero fundamental para a história do Whitney Museum —\, Sherald volta seu olhar para uma população historicamente excluída da história da arte e da representação visual: os negros americanos. Assim\, propõe uma expansão da genealogia do realismo americano\, sugerindo outra linhagem\, oriunda dos departamentos de arte e galerias das universidades e faculdades historicamente negras dos EUA (HBCUs)\, onde ela se formou como artista\, e que inclui nomes muitas vezes negligenciados como William H. Johnson\, Archibald Motley e Laura Wheeler Waring. \nEm Amy Sherald: American Sublime\, os retratados parecem voltados para sua própria interioridade — priorizando sua paz e autorrealização em vez da percepção alheia ou dos grilhões da história\, embora inevitavelmente impactados por ambos. Seu projeto ambicioso e sensível revela o que a artista descreve como o “encanto de ser uma pessoa negra americana”\, construindo\, em vibrante Technicolor\, um mundo negro pleno\, complexo e livre de amarras. \nAmy Sherald: American Sublime é organizada pelo San Francisco Museum of Modern Art (SFMOMA) e teve curadoria de Sarah Roberts\, ex-curadora Andrew W. Mellon e chefe do departamento de pintura e escultura no SFMOMA. A apresentação no Whitney Museum of American Art é organizada por Rujeko Hockley\, curadora associada Arnhold\, com David Lisbon\, assistente de curadoria.
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SUMMARY:"Mary Heilmann: Long Line" no Whitney Museum of American Art
DESCRIPTION:Vista da exposição “Mary Heilmann: Long Line”. Whitney Museum of American Art\, Nova York. Foto: Ron Amstutz\n\n\n\n\nMary Heilmann (n. 1940\, San Francisco) afirmou certa vez que “museus são lugares para passar o tempo” [tradução livre]\, e essa exposição encarna esse espírito ao convidar o público à conexão social e ao engajamento com a arquitetura do Whitney Museum\, o Rio Hudson e a paisagem urbana ao redor. O ambiente imersivo inclui uma ampliação pintada à mão de Long Line (2020)\, além de diversas cadeiras esculturais inspiradas em móveis que a artista já exibiu em galerias e espaços domésticos. A influência da contracultura dos anos 1960 e do Minimalismo geométrico permeia a trajetória de Heilmann\, que há décadas desenvolve uma abordagem da abstração marcada por cores vibrantes e formas pouco convencionais. Long Line nasceu da experiência de observar as ondas nas costas de Long Island e da Califórnia — e aqui estabelece uma rima visual com o fluxo do Rio Hudson. \nA nova instalação site-specific\, Mary Heilmann: Long Line\, celebra o décimo aniversário do edifício atual do Whitney Museum\, para o qual a artista criou anteriormente Mary Heilmann: Sunset (2015). Esse projeto inaugural da maior galeria externa do museu incluiu a reprodução em larga escala de uma pintura vibrante\, um filme e as emblemáticas cadeiras da artista\, transformando o espaço em um lugar de contemplação\, descanso e reflexão sobre a cidade em constante transformação.
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SUMMARY:"David Byrne" na Pace Gallery
DESCRIPTION:Imagem / Cortesia Pace Gallery\n\n\n\n\nA Pace apresenta uma instalação especial de desenhos do artista David Byrne em sua sede de Nova York. Realizadas diretamente nas paredes dos patamares da escadaria entre o primeiro e o sétimo andar da galeria\, as nove obras refletem a sensibilidade surreal e lúdica de Byrne. \nProduzidos ao longo de vários dias em abril de 2025\, os desenhos foram concebidos em escala real\, com o intuito de que o público os “confronte” e experimente de formas inesperadas. A instalação permanecerá em exibição por tempo indeterminado. \nAo longo de cinco décadas de carreira\, David Byrne desenvolveu uma prática nas artes visuais que inclui desenho\, fotografia\, instalação\, performance e design. O artista realizou sua primeira grande exposição com a Pace em 2003\, também em Nova York.
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SUMMARY:"Highlights of Drawings from The Frick Collection" na The Frick Collection
DESCRIPTION:Claude Lorrain\, “View from Tivoli”\, 1651. © The Frick Collection\n\n\n\n\nUma mostra de obras sobre papel da coleção permanente da Frick Collection inaugurará a nova galeria Cabinet. Por serem sensíveis à luz\, essas peças raramente são expostas. A seleção reúne doze obras\, que vão de esboços a criações acabadas e autônomas\, assinadas por artistas como Pisanello\, Rubens\, Goya e Degas — abrangendo do século XV ao XIX. A exposição complementa o acervo do museu\, que inclui pinturas\, esculturas e artes decorativas.
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LOCATION:The Frick Collection\, 945 Madison Avenue at 75th Street\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Porcelain Garden: Vladimir Kanevsky at The Frick Collection" na The Frick Collection
DESCRIPTION:Vista de galeria de Vladimir Kanevsky\, Foxgloves\, 2024–25. Porcelana bone china\, esmaltes\, cobre e terracota\, em exibição no Vestíbulo Oeste. © The Frick Collection\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\nCoincidindo com a reabertura de sua sede recém-renovada e ampliada na Quinta Avenida\, a Frick Collection apresenta uma série de obras comissionadas do escultor Vladimir Kanevsky (nascido em 1951\, Ucrânia). Conhecido por suas flores de porcelana incrivelmente realistas\, Kanevsky já teve suas esculturas exibidas em museus ao redor do mundo\, incluindo o Museu Estatal Hermitage\, em São Petersburgo\, e o Hillwood Estate\, Museum and Gardens\, em Washington\, D.C. Suas criações opulentas evocam os belos buquês de flores naturais que decoravam os espaços do museu quando ele foi aberto ao público\, em 1935.
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SUMMARY:"Rashid Johnson: A Poem for Deep Thinkers" no Guggenheim
DESCRIPTION:Imagem: Divulgação\n\nO ChatGPT disse:\n\n\n\n\n\n\n\n\nHá quase 30 anos\, o artista Rashid Johnson (n. 1977\, Chicago) desenvolve uma produção diversa que dialoga com disciplinas como história\, filosofia\, literatura e música. Esta grande exposição individual destaca seu papel como estudioso da história da arte\, mediador da cultura popular negra e força criativa na arte contemporânea. \nCerca de 90 obras — entre pinturas com sabão negro\, textos com spray\, esculturas em grande escala\, filmes e vídeos — ocupam a rotunda do museu. Entre elas está Sanguine\, uma obra monumental e site-specific instalada na rampa superior do edifício\, que incorpora um piano para apresentações musicais. Além disso\, um programa dinâmico de eventos\, desenvolvido em colaboração com parceiros comunitários de toda a cidade de Nova York\, ativa um palco escultural no piso da rotunda.
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LOCATION:The Guggenheim Museum\, 1071 5th Ave\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Woven Histories: Textiles and Modern Abstraction" no MoMA
DESCRIPTION:Ed Rossbach. Painel de Parede com Cores Construídas\, 1965. The Museum of Modern Art\, Nova York. Fundo Emery.\n\n\n\n\nTecidos tocam todos os aspectos da nossa vida e nos conectam à história. “Os fios estavam entre os primeiros transmissores de significado”\, escreveu a artista Anni Albers em 1965. Woven Histories: Textiles and Modern Abstraction (Histórias Tecidas: Têxteis e Abstração Moderna) revela as conexões entre essa forma de arte e a abstração. Incorporando cestaria\, vestuário e mais de um século de outras obras têxteis que desafiam as divisões tradicionalmente aceitas entre arte e artesanato\, a exposição amplia a narrativa da abstração\, sugerindo que não apenas as ideias\, mas também os materiais — como tecidos trançados\, amarrados e entrelaçados — são cruciais para sua compreensão e relevância. \nAbrangendo desde obras do início do século XX de Sonia Delaunay\, Hannah Höch e Sophie Taeuber-Arp — cujas práticas têxteis dialogam com suas pinturas e desenhos —\, passando por trabalhos de meados do século de Anni Albers e Ed Rossbach\, até obras contemporâneas de Rosemarie Trockel\, Andrea Zittel e Igshaan Adams\, a mostra reúne mais de 150 objetos diversos e interdisciplinares. Ao destacar questões de trabalho e identidade entrelaçadas à produção têxtil moderna\, Woven Histories defende que a tecelagem e os têxteis são o elo essencial entre a experiência vivida e a arte.
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SUMMARY:"Candida Alvarez: Circle\, Point\, Hoop" no El Museo del Barrio
DESCRIPTION:Candida Alvarez\, “Estoy Bien”\, 2017. Acervo de El Museo del Barrio\, Nova York. Foto: Martin Seck / Cortesia de El Museo del Barrio\, Nova York\n\n\n\n\nEl Museo del Barrio apresenta Candida Alvarez: Circle\, Point\, Hoop\, a primeira grande retrospectiva em museu dedicada à artista Candida Alvarez (nascida em 1955\, Brooklyn\, Nova York). A mostra examina a prática artística de Alvarez\, reunindo obras raramente exibidas ao longo de cinco décadas de carreira. \nSua abordagem à pintura\, ao desenho e à colagem constrói uma relação não hierárquica entre abstração e figuração\, entrelaçando de forma sensível a exploração formal\, a narrativa pessoal e estratégias conceituais. Alvarez surgiu na cena artística nova-iorquina do final dos anos 1970 com obras figurativas que refletiam diretamente sua experiência como artista Diasporican — uma mulher da diáspora porto-riquenha — em um mundo da arte dominado por homens brancos. A partir dos anos 1990\, ela incorpora estratégias conceituais que envolvem jogos\, linguagem e outros sistemas de representação\, ao mesmo tempo em que investiga novos materiais e formas. \nAs seções da exposição mostram como seus principais recursos formais e conceituais emergem de núcleos específicos de trabalho e de momentos particulares de sua trajetória. O título da exposição\, retirado de uma obra de 1996\, evoca o tema recorrente do círculo em sua obra\, assim como os jogos simbólicos e literários que estruturam sua prática multidisciplinar. \nCandida Alvarez: Circle\, Point\, Hoop será acompanhada por um catálogo ricamente ilustrado\, com ensaios inéditos de Shiben Banerji\, Terry R. Myers\, Susanna V. Temkin e Adriana Zavala\, que iluminam o percurso artístico da artista. A publicação também incluirá materiais de arquivo — fotografias\, cartazes e ilustrações da própria Alvarez — oferecendo uma visão abrangente de sua vida e obra. \nA exposição é curada por Rodrigo Moura\, ex-curador-chefe\, e Zuna Maza\, curadora assistente\, com Alexia Arrizurieta\, assistente de curadoria.
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LOCATION:El Museo del Barrio\, 1230 5th Avenue at 104th Street\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Este quarto parece uma República!" de Sandra Poulson no MoMA PS1
DESCRIPTION:Retrato de Sandra Poulson\, 2025. Foto: Dami Vaughan\nEste quarto parece uma República! marca a primeira exposição individual em museu da artista interdisciplinar Sandra Poulson (angolana\, nascida em 1995). Composta por uma instalação de novos trabalhos em assemblage\, a mostra reúne esculturas feitas a partir de móveis e peças de vestuário\, refletindo sobre a abstração dos processos de construção nacional no interior do espaço doméstico. A prática de Poulson adota uma abordagem quase arqueológica em relação a símbolos\, códigos e objetos culturais angolanos\, buscando desentranhar histórias\, tradições orais e questões geopolíticas. Reunidas\, suas obras lançam uma nova luz sobre a circulação transnacional de imagens e da cultura material no contexto pós-Guerra Civil de Angola. \nSandra Poulson vive e trabalha entre Luanda\, Londres e Amsterdã\, onde atualmente é residente na Rijksakademie. Já realizou comissões de grande escala para instituições como a 60ª Exposição Internacional de Arte – La Biennale di Venezia (2024)\, selecionada como parte do Biennale College Art (2024); a Trienal de Arquitetura de Sharjah (2023); Bold Tendencies\, Londres (2023); e o Pavilhão Britânico na 18ª Exposição Internacional de Arquitetura – La Biennale di Venezia (2023). É mestre em Moda pelo Royal College of Art e bacharel em Fashion Print pela Central Saint Martins\, ambos em Londres.
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SUMMARY:"Sargent and Paris" no The Met Museum
DESCRIPTION:John Singer Sargent\, “Madame X (Virginie Amélie Avegno Gautreau)” (detalhe)\, 1883–84 – Crédito: Divulgação The Met Museum\n\n\n\n\nSargent and Paris explora os anos iniciais da carreira do pintor americano John Singer Sargent (1856–1925)\, desde sua chegada a Paris em 1874\, como um estudante de arte precoce de 18 anos\, até meados da década de 1880\, quando seu infame retrato Madame X causou escândalo e consagrou seu nome no Salão de Paris. Ao longo de uma década extraordinária\, Sargent conquistou reconhecimento ao criar retratos e pinturas de figura humana ousadamente ambiciosos\, que desafiaram os limites das convenções artísticas da época. \nImerso em um círculo cosmopolita de artistas\, escritores e mecenas\, Sargent soube trilhar um caminho de sucesso dentro do sistema de exposições francês\, acumulando elogios e prêmios. Fora do ateliê de retratos\, viajou em busca de inspiração artística — encontrando temas na Itália\, nos Países Baixos\, na Espanha e no Norte da África. Esta exposição reúne obras diversas desse período formativo para revelar a trajetória de Sargent rumo à maturidade artística\, profundamente moldada por suas vivências na capital francesa. Os trabalhos visualmente deslumbrantes oferecem um olhar envolvente sobre o mundo da arte parisiense no final do século XIX. \nO icônico Madame X\, uma das obras mais emblemáticas da coleção do The Met\, é o ponto culminante desses primeiros anos em Paris. A exposição apresenta uma análise aprofundada desse retrato fascinante\, com destaque para os numerosos estudos preparatórios\, exibidos ao lado de retratos de parisiences realizados por contemporâneos de Sargent.
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LOCATION:The Metropolitan Museum of Art\, 1000 5th Ave\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
CATEGORIES:Nova York
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SUMMARY:"Leiko Ikemura: Talk to the sky\, seeking light" na Lisson Gallery
DESCRIPTION:Obra de Leiko Ikemura – Divulgação Lisson Gallery\n\n\n\n\nA Lisson apresenta a primeira exposição de Leiko Ikemura na galeria\, reunindo muitos dos temas presentes em sua obra ao longo dos últimos 30 anos. A mostra apresenta uma ampla variedade de mídias\, desde pinturas em têmpera até esculturas em bronze e formas em vidro. A instalação se organiza em torno de uma figura central com três metros e meio de altura\, meio mulher\, meio coelho\, intitulada Usagi Janus (2025). Essa escultura modelada e patinada à mão encarna um espírito protetor — parte coelhinha\, parte bodhisattva da compaixão — que oferece refúgio do mundo exterior em seu corpo em forma de cone. Pequenas perfurações em sua saia maternal projetam um universo interno de estrelas. Com dois rostos — um voltado para frente\, outro para trás — a gigante faz referência aos múltiplos alter egos e avatares que percorrem a obra de Ikemura\, alguns dos quais podem ser vistos nas pequenas peças em bronze e nas cabeças de cristal. A figura de duas faces representa menos uma dicotomia e mais um estado de entremundos — uma condição que a artista investiga por meio de suas criaturas e objetos antropomórficos\, ou nos espaços que não habitam nem a luz nem a escuridão\, nem o bem nem o mal\, mas sim um crepúsculo de incerteza. \nO Usagi é um motivo recorrente que Ikemura associa a um jogo de infância: encontrar\, na superfície da lua\, os contornos sombreados de um coelho. A figura surgiu em sua prática após o terremoto de Tōhoku e o desastre nuclear de Fukushima\, em 2011. Ao testemunhar à distância a devastação sofrida pela população japonesa e pelos habitats naturais — incluindo casos de malformações em animais —\, a artista concebeu esse ser mítico como um mensageiro dos kami (deuses) e como recipiente para o sofrimento\, a resiliência e a renovação universais. Um precursor dessa figura pode ser visto em Hasen-Frau (Mulher-Lebre)\, escultura em bronze de 1990\, que revela como essas criaturas de Ikemura vêm atravessando e sobrevivendo às décadas. O título em alemão também indica sua decisão\, relativamente precoce na carreira\, de viver e produzir na Europa. \nEmoldurando a forma quase sagrada de Usagi Janus\, há um trio de paisagens fantásticas que evocam um cenário bucólico e florestal — talvez uma imagem das próprias origens da vida na Terra. Entre montanhas e pastos arborizados\, surgem figuras deitadas ou rostos ocultos\, ora fundidos com a terra\, ora à espreita em aparições esqueléticas ou com feições de caveira. Em um de seus poemas\, intitulado Transfiguração\, Ikemura escreve: “Eu vi / tudo muda / pessoas viram pedras / montanhas / oceanos.” Uma figura em repouso também aparece de maneira vívida em Sleeping Figure in Red (1997/2012)\, onde uma jovem está de bruços\, com a cabeça apoiada nas mãos — talvez em sofrimento\, ou\, como o título sugere\, em descanso. \nO elenco recorrente de meninas jovens na obra de Ikemura aparece aqui em diferentes posturas: deitadas\, altivas\, flutuando\, chorando\, rindo. Um duo de Brave Girls (2022) — uma em rosa com um gato\, outra em laranja com véu de noiva — acompanha uma terceira\, Pièta in Cherry Red (2024)\, que também carrega um gato ou bebê nos braços\, com um par de olhos hipnotizantes que encaram diretamente o espectador. Simultaneamente poderosas e confrontadoras\, mas também vulneráveis e ingênuas\, essas adolescentes ferozes expressam uma tensão sutil entre extremos. Os pigmentos\, impregnados na juta crua\, irradiam uma presença intensa e incandescente. Sejam como retratos psicológicos de estados de espírito ou como seres híbridos e alternativos\, essas obras singulares de Ikemura compõem um impressionante exercício de construção de mundo e permanência.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/leiko-ikemura-talk-to-the-sky-seeking-light-na-lisson-gallery/
LOCATION:Lisson Gallery\, 504-508 West 24th Street\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Carmen Herrera: The Paris Years\, 1948–1953" na Lisson Gallery
DESCRIPTION:Vista da exposição “Carmen Herrera: The Paris Years\, 1948–1953” na Lisson Gallery – Divulgação Lisson Gallery\n\n\n\n\nDe 1948 a 1953\, Carmen Herrera viveu em Paris\, imersa na efervescente comunidade artística do pós-guerra\, ao mesmo tempo em que viajava com frequência para Nova York e Havana. Esse período marcou uma virada decisiva em sua prática: foi quando ela passou de composições biomórficas e gestuais para a abstração geométrica rigorosa que definiria sua trajetória pelos setenta anos seguintes. A nova exposição Carmen Herrera: The Paris Years\, 1948–1953\, na Lisson New York — a apresentação mais abrangente de sua produção nesse recorte até hoje — revela uma artista jovem em pleno processo de experimentação\, absorvendo as influências sísmicas de diversos movimentos artísticos do pós-guerra para desenvolver uma linguagem pictórica singular. \nOs anos de Herrera em Paris foram marcados por liberdade criativa e intercâmbio intelectual\, especialmente por meio de sua participação em exposições como o Salon des Réalités Nouvelles\, ao lado de nomes como Theo van Doesburg\, Max Bill e Piet Mondrian\, além de jovens ligados aos Los Disidentes (Venezuela)\, ao Concretismo brasileiro e ao Grupo Madí (Argentina). A cidade a expôs aos principais movimentos modernistas\, como a Bauhaus e o Suprematismo russo\, que influenciaram profundamente a transição de sua obra para uma linguagem minimalista própria. Durante esse período\, Herrera passou a utilizar telas com formatos não convencionais e tornou-se pioneira no uso de acrílicos à base de solvente — um material ainda novo na Europa do pós-guerra. Um marco desse período é Iberic (1949)\, atualmente a obra mais antiga da coleção permanente do Metropolitan Museum of Art feita com esse tipo de tinta\, descoberta revelada por análise científica do museu em 2021. \nEntre os destaques da mostra está Way (1950)\, um dos primeiros exemplos da abstração dicromática e de contornos precisos que se tornaria sua marca registrada. A composição\, com quatro triângulos ocres simétricos sobre fundo preto\, antecipa obras-primas como Black and White (1952)\, parte do acervo do MoMA. Outro trabalho importante\, Thrust (1950)\, revela a precisão e tensão espacial de Herrera\, com um “dardo” branco cortando um campo azul cobalto. A paleta e o desenho ousado antecipam a direção futura de sua obra\, reforçando sua abordagem da pintura como objeto — ideia acentuada pela moldura feita pela própria artista\, que impedia que o comprador a substituísse. Essa concepção evolui em obras posteriores\, nas quais as composições se expandem pelas bordas\, assumindo caráter tridimensional. \nA Série Habana marca um momento-chave no desenvolvimento da artista\, refletindo sua experimentação com a abstração gestual e o Informalismo durante uma breve estadia em Nova York em 1950\, como argumenta Roxane Ilias no ensaio Carmen Herrera and the Paris School. Criadas em resposta às tendências internacionais do Expressionismo Abstrato\, essas obras contrastam com a estruturação geométrica dos trabalhos parisienses. Como em Conquete de l’air (1950)\, a série apresenta pinceladas espontâneas\, linhas soltas\, formas amorfas e cores vibrantes aplicadas sem esboços preparatórios — característica atípica para Herrera. Com escalas modestas\, as pinturas enfatizam superfícies táteis e gráficas\, com camadas espessas de tinta. Nomeada a partir de sua primeira individual\, realizada no Lyceum and Lawn Tennis Club de Havana (dezembro de 1950 – janeiro de 1951)\, a série combina gestualidade à maneira de Hans Hartung com elementos da pintura de Jackson Pollock. \nA exposição inclui ainda Early Dynasty (1953)\, a maior pintura desse período\, que evidencia a ambição e o amadurecimento de Herrera. Com sobreposição de formas geométricas e cores\, a obra remete a elementos de pinturas anteriores\, criando uma composição em constante movimento. A forma azul-escura\, semelhante a um cogumelo\, no canto superior esquerdo\, ecoa motivos de trabalhos como Logique Coloree No. 5 (1949) e The King in Jail (1948)\, também em exibição. Esse hábito de retornar e refinar formas geométricas tornaria-se um traço característico de sua obra\, refletindo sua busca obstinada por clareza visual e equilíbrio. \nO retorno de Herrera a Nova York em setembro de 1953 foi desafiador: o machismo e o racismo do mundo da arte retardaram seu reconhecimento. No entanto\, os avanços radicais de sua fase parisiense estabeleceram as bases para os trabalhos minimalistas e precisos que consolidariam sua carreira. Esta exposição dialoga com o crescente reconhecimento institucional de sua produção nesse período\, como sua presença na mostra Women in Abstraction (Centre Pompidou\, 2021–22) e em Americans in Paris (Grey Art Museum\, 2024). Antecede ainda a grande exposição itinerante Both Sides of the Line: Carmen Herrera and Leon Polk Smith\, com curadoria de Dana Miller — que também assinou Carmen Herrera: Lines of Sight\, no Whitney Museum em 2016.
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LOCATION:Lisson Gallery\, 504-508 West 24th Street\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"A Natural History of the Studio" de William Kentridge na Hauser & Wirth NY
DESCRIPTION:William Kentridge\, “Universal Archive (Twelve Coffee Pots)”\, 2012 – Divulgação Hauser & Wirth\n\n\n\n\nA Natural History of the Studio se estende até o espaço da Hauser & Wirth na 18th Street com uma seleção de cerca de trinta gravuras realizadas por William Kentridge nas últimas duas décadas. O artista começou a trabalhar com gravura ainda estudante na Universidade de Witwatersrand\, em Joanesburgo\, e desde então o meio tornou-se parte essencial de sua prática. Kentridge experimentou uma ampla gama de técnicas\, como água-forte\, litografia\, aquatinta\, ponta-seca\, fotogravura e xilogravura\, afirmando: “A gravura… tornou-se um meio no qual eu podia pensar\, não apenas um meio para fazer uma imagem… não foi um apêndice às minhas outras atividades\, mas\, de muitas formas\, tem sido um fio condutor do trabalho que desenvolvi no ateliê ao longo dos últimos 40 anos.” \nMuitas das obras expostas na 18th Street revisitam iconografias pessoais recorrentes ou fazem referência direta a projetos marcantes\, incluindo os filmes exibidos na 22nd Street. A imagem de uma máquina de escrever\, por exemplo\, domina quatro variações gráficas em exibição e é usada como metáfora para comunicação\, registro histórico e autoridade burocrática. Produzidas em colaboração com o mestre gravador Mark Attwood em 2012\, essas obras em papel — com títulos como The Full Stop Swallows the Sentence e Undo Unsay — estão diretamente conectadas ao filme The Refusal of Time (2012)\, uma meditação de trinta minutos sobre tempo e espaço\, os legados complexos do colonialismo e da industrialização\, além da própria vida intelectual do artista. \nUma série de litografias intitulada Portraits for Shostakovich (2022) foi inspirada em um filme de 52 minutos criado para acompanhar a performance ao vivo da Sinfonia nº 10\, de Dmitri Shostakovich. Intitulado Oh To Believe in Another World (2022)\, esse projeto também é tema do episódio 8 da série Self-Portrait of a Coffee Pot. As gravuras coloridas apresentam retratos fragmentados de intelectuais soviéticos\, membros da vanguarda cultural como o poeta e dramaturgo Maiakóvski\, e figuras políticas como Lênin\, Trotsky e Stalin. \nA mostra na 18th Street também inclui quatro autorretratos produzidos em colaboração com Jillian Ross Print em 2023. Nessas obras\, Kentridge utiliza técnicas como fotogravura\, ponta-seca e pintura manual\, incorporando elementos colados de fotografias\, desenhos e trechos de textos — uma abordagem cuja insistente sobreposição de camadas evoca a construção da identidade como um processo contínuo\, moldado e entrelaçado às forças sociopolíticas do tempo.
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LOCATION:Hauser & Wirth Nova York 18th Street\, 443 West 18th Street\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Eternal Beginning" de Francis Picabia na Hauser & Wirth NY
DESCRIPTION:Vista da exposição “Eternal Beginning” de Francis Picabia na Hauser & Wirth – Divulgação Hauser & Wirth\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\nViajando de Paris a Nova York\, a apresentação na Hauser & Wirth reúne mais de 20 pinturas criadas por Francis Picabia entre 1945 — ano em que retornou à capital francesa vindo do sul do país — e 1952\, penúltimo ano de sua vida. Representativas do espírito inquieto que atravessa toda a sua produção\, as obras em exibição destacam a abordagem singular de Picabia à abstração\, sua tendência iconoclasta de repintar trabalhos anteriores e sua atenção contínua à textura da superfície e a fontes de inspiração pouco convencionais. \nNos primeiros 30 anos de sua carreira\, Picabia percorreu rapidamente diferentes estilos e técnicas\, experimentando com uma sucessão de movimentos artísticos que incluiu o impressionismo\, o fauvismo\, o dadaísmo e o cubismo. Em 1925\, afastou-se de Paris e se estabeleceu em Mougins\, na Côte d’Azur\, onde produziu a série Transparências — composições enigmáticas que sobrepõem motivos da arte antiga e de pinturas renascentistas —\, além de obras mais realistas\, como paisagens. Nesse período\, também criou seus controversos nus naturalistas: retratos lascivos de figuras femininas inspirados em erotismo de massa. \nEm 1945\, diante de dificuldades financeiras e em busca de um novo rumo\, Picabia retorna a Paris. Em entrevista\, afirmou estar procurando um “terceiro caminho” entre o surrealismo e a abstração — as duas forças dominantes da arte europeia do pós-guerra. Ainda que rejeitasse a ênfase surrealista na figuração elaborada\, almejava seguir\, por meio da abstração\, um diálogo com o inconsciente e com as sensibilidades mais íntimas do artista. Apesar de sempre resistir a ser rotulado por movimentos específicos\, Picabia associou-se voluntariamente à crescente corrente do art informel\, abrindo seu ateliê “quase todo domingo” para artistas mais jovens como Henri Goetz\, Christine Boumeester\, Raoul Ubac\, Jean-Michel Atlan e Georges Mathieu. \nAo fundir referências distintas e tradições visuais diversas\, Picabia criou linguagens visuais e simbólicas absolutamente novas. Historiadores da arte identificam diretamente a origem de motivos presentes em obras como Le U (1950)\, Villejuif [I] (1951) e La terre est ronde (A Terra é Redonda) (1951) no catálogo de arte românica da Catalunha publicado pelo museu municipal de Barcelona em 1926\, que o artista consultava com frequência. A composição de La terre est ronde\, por exemplo\, adapta formas centrais de uma ilustração de um manuscrito iluminado do século X que retrata um anjo do apocalipse bíblico\, reproduzido no catálogo catalão. Na versão de Picabia\, círculos multicoloridos flutuam no ar e se espalham pelo solo ao redor da figura central\, aproximando essa obra mais representacional das suas chamadas pinturas de “pontos”. \nPicabia também recorria com frequência à literatura para nomear suas obras\, inspirando-se especialmente em Nietzsche. Dois exemplos dessa prática estão presentes na exposição: Cherchez d’abord votre Orphée ! (Primeiro\, procure seu Orfeu!) (1948) e Bonheur de l’aveuglement (A alegria da cegueira) (c. 1946–1947)\, ambos títulos extraídos de passagens do livro A Gaia Ciência (1882).
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LOCATION:Hauser & Wirth 22nd Street\, 542 West 22nd Street\, Nova York\, Nova York
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SUMMARY:"Sonia Gomes: Ó Abre Alas!" no Storm King Art Center
DESCRIPTION:Sonia Gomes\, “Quando o sol nascer azul” (série Pano)\, 2021. Cortesia da artista e Mendes Wood DM. Foto: EstudioEmObra \nReconhecida por suas obras escultóricas de intensa materialidade\, a aclamada artista afro-brasileira Sonia Gomes (nascida em 1948\, Minas Gerais) combina objetos encontrados\, tecidos e materiais naturais para criar formas evocativas que narram histórias de resiliência\, transformação e beleza cotidiana. Inspirando-se nas tradições afro-brasileiras e em sua própria trajetória\, suas esculturas exploram as complexidades da memória\, da identidade e da herança cultural. \nNas galerias internas\, uma seleção de obras de diferentes fases de sua carreira evidencia a abordagem transformadora que Gomes imprime à escultura. Ao costurar\, amarrar e entrelaçar materiais doados ou descartados\, ela lhes confere novos sentidos\, tanto pessoais quanto coletivos. Suas esculturas têxteis\, ricas em texturas\, e os assemblages de madeira\, fio e tecido guardam uma carga de intimidade e conexão — como se o gesto da artista permanecesse em cada dobra\, nó e ponto — convidando o público a considerar as histórias contidas nos próprios materiais. \nNo Museum Hill\, Ó Abre Alas! marca a primeira instalação ao ar livre de Gomes nos Estados Unidos. Composta por esculturas vibrantes e ritmadas\, feitas com materiais resistentes como cordas náuticas\, redes de pesca e paracord\, a obra se suspende entre os galhos de uma árvore\, em diálogo direto com a paisagem. Trata-se de um desdobramento ousado de sua prática\, expandindo seus gestos manuais e íntimos em uma escala monumental e colaborativa com o meio natural. Para a artista\, essa interação é essencial: “Meu trabalho tem muito a ver com a natureza\, com as árvores\, com o movimento dos troncos\, dos galhos… Gosto que ele tenha essa conversa com a natureza.” \nAs cores vibrantes da instalação remetem ao espírito carnavalesco do abre-alas — o carro alegórico que abre os desfiles no Brasil — evocando celebração e abertura. O título também homenageia a composição homônima de 1899\, escrita por Chiquinha Gonzaga\, musicista afro-brasileira pioneira que transgrediu fronteiras entre o erudito e o popular. Ó Abre Alas! encarna a investigação poética de Gomes sobre memória cultural\, música e alegria coletiva. \nCom essa obra\, a artista convoca o espírito comunitário e a potência de transformação que definem o Carnaval. Ao reimaginar a arte têxtil como um meio de narrativas e experiências compartilhadas\, Sonia Gomes transforma materiais em testemunhas da vivência humana — tecendo\, entre o artesanal e o monumental\, um corpo poético que atravessa culturas\, territórios e tempos.
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LOCATION:Storm King Art Center\, 1 Museum Rd\, New Windsor\, Nova York\, United States
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