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SUMMARY:Instalação David Hammons no Whitney Museum of American Art
DESCRIPTION:O Whitney\, em colaboração com o Hudson River Park \, desenvolveu um projeto de arte pública permanente de David Hammons (n. 1943). Intitulada Day’s End (2014–21)\, esta instalação monumental está localizada no Hudson River Park ao longo da margem sul da Península de Gansevoort\, em frente ao Museu. \n\n\n\nProposto ao Whitney por Hammons\, Day’s End se inspira em uma obra de arte de mesmo nome de Gordon Matta-Clark (1943-1978). Em 1975\, Matta-Clark cortou cinco aberturas no galpão Pier 52 que anteriormente ocupava o local. O Hammons’s Day’s End é uma estrutura aberta que segue precisamente os contornos\, dimensões e localização do galpão original – e\, como a intervenção de Matta-Clark\, oferecerá um lugar extraordinário para experimentar a orla. \n\n\n\nEm conjunto com a realização do projeto\, o Whitney apresentou Around Day’s End: Downtown New York\, 1970–1986 \, uma exposição que apresentou obras da coleção relacionadas ao projeto seminal de Matta-Clark. O Whitney também criou materiais interpretativos\, incluindo a primeira série de podcasts do Museu\, Artists Among Us \, bem como vídeos e passeios a pé pelo bairro. Essa mídia de apoio toma os Day’s End s\, conforme previsto por Hammons e Matta-Clark\, como pontos de partida para explorar a história local – da orla e do Meatpacking District\, o papel dos artistas no bairro\, sua história LGBTQ e a ecologia do estuário. Novas pesquisas\, materiais de arquivo e entrevistas de história oral serão incorporadas.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/instalacao-david-hammons-no-whitney-museum-of-american-art/
LOCATION:Whitney Museum of American Art\, 99 Gansevoort St Manhattan\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"At the Dawn of a New Age" no Whitney Museum of American Art
DESCRIPTION:Os artistas americanos saudaram o século XX com uma confiança juvenil no progresso e na inovação. Animados pelas mudanças tecnológicas que estavam revolucionando as comunicações e a engenharia\, bem como as mudanças culturais\, como o sufrágio feminino\, os artistas abraçaram o novo em detrimento do tradicional e fixo. Não mais contentes em replicar a realidade\, eles se voltaram para os estilos de vanguarda como forma de comunicar sua empolgação com uma época que o crítico Walter Lippmann caracterizou como “explosiva com novas ideias\, novos planos e novas esperanças”. \n\n\n\nAlguns dos artistas apresentados nesta exposição\, como Georgia O’Keeffe e Marsden Hartley \, são bem conhecidos hoje\, mas muitos modernistas igualmente inovadores foram amplamente esquecidos. Com mais de sessenta obras de quarenta e cinco artistas extraídas principalmente da coleção permanente do Whitney\, At the Dawn of a New Age oferece uma compreensão expandida da complexidade da arte americana produzida entre 1900 e 1930 e recupera a exuberante sensação de liberdade e experimentação subjacente isto. \n\n\n\nEsta exposição é organizada por Barbara Haskell\, curadora.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/at-the-dawn-of-a-new-age-no-whitney-museum-of-american-art/
LOCATION:Whitney Museum of American Art\, 99 Gansevoort St Manhattan\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Ink and Ivory: Indian Drawings and Photographs Selected with James Ivory" no The Met Museum
DESCRIPTION:Buffaloes in Combat (detalhe)\, Atribuído a Miskin\, Índia\, Mughal\, final do século XVI.\n\n\n\n\nEsta exposição apresenta uma seleção de desenhos superlativos das cortes e centros da Índia e do Paquistão (com algumas obras persas relacionadas)\, datados do final do século XVI ao século XX. Essas obras foram selecionadas principalmente da coleção do Met em parceria com o diretor de cinema James Ivory\, cuja recente doação ao Museu de álbuns fotográficos do século XIX também será destaque na exposição (2021.381.1-16). Os desenhos incluirão exercícios preparatórios frescos e informais para pinturas\, bem como obras lindamente acabadas por si só. As fotografias apresentarão os temas e estilos que surgiram nos contextos de patrocínio real e cerimônia; vistas de arquitetura\, cidades\, paisagens e pessoas\, entre outros. Como artista e cineasta\, James Ivory nos ajudará a apreciar esse material através de seu olhar único. Um curta-metragem — An Arrested Moment — dirigido por Dev Benegal\, acompanhará a exposição. \nA exposição é viabilizada pelo Hagop Kevorkian Fund. \nApoio adicional é fornecido pelo Lavori Sterling Foundation Endowment Fund.
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LOCATION:The Metropolitan Museum of Art\, 1000 5th Ave\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Robert Frank’s Scrapbook Footage" no MoMA
DESCRIPTION:Vista da exposição “Robert Frank’s Scrapbook Footage”. Foto: Emile Askey\n\n\n\n\nRobert Frank é mais conhecido por suas imagens de uma América do pós-guerra marcada por discórdia social e política\, e pelos filmes que fez com os poetas da Geração Beat e os Rolling Stones. Assim\, as imagens filmadas encontradas apenas após a morte de Frank em 2019 podem surpreender alguns espectadores. Armazenadas em locais de depósito\, essas latas e fitas de filme\, que abrangem os anos de 1970 a 2006\, oferecem um vislumbre da vida e do trabalho do artista. Em parceria com a June Leaf e a Robert Frank Foundation\, a editora de filmes de longa data de Frank\, Laura Israel\, e o diretor de arte Alex Bingham utilizaram esses fragmentos para criar um álbum de imagens em movimento. Com projeções em várias telas\, a instalação transmite a intimidade e a imediata percepção das observações de Frank sobre família\, amigos e colaboradores\, bem como sobre interiores domésticos e vistas de cidades e costas. \nAs filmagens nesta instalação\, costuradas por Israel e Bingham para evocar seu olhar e voz inquietos\, lançam uma nova luz sobre seu processo artístico — ao mesmo tempo cômico e melancólico. Vemos Frank viajar entre suas casas em Nova York e Nova Escócia; pelas estradas abertas dos Estados Unidos e do Canadá; e por paisagens urbanas\, incluindo as de Beirute\, Cairo\, Moscovo e sua Suíça natal. Frank torna os prazeres mais efêmeros atemporais: um banho quente e uma chaleira fumegante\, um vislumbre de sua esposa June Leaf em seu estúdio\, o jogo de luz do sol em sua mão.
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LOCATION:MoMA\, 11 W 53rd St Manhattan\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
CATEGORIES:Nova York
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SUMMARY:"Otobong Nkanga: Cadence" no MoMA
DESCRIPTION:Detalhe do tecido em progresso para Otobong Nkanga: Cadence. Cortesia de Otobong Nkanga. © Otobong Nkanga. Foto: Wim van Dongen\n\n\n\n\nOtobong Nkanga mudou a forma como entendemos a terra e nosso lugar nela. “Os humanos são apenas uma pequena parte do ecossistema\,” disse a artista. “Meus trabalhos nos conectam às nossas histórias compartilhadas\, não apenas por meio da terra e da geografia\, mas por meio de emoções moldadas por eventos e encontros. Essas são as cadências da vida.” \nOtobong Nkanga: Cadence apresenta uma nova comissão da artista: um ambiente abrangente de tapeçaria\, escultura\, som e texto que explora os ritmos turbulentos da natureza e da sociedade. Criada especificamente para o Átrio da Família Marron do MoMA\, a instalação se centra em uma monumental tapeçaria de múltiplos painéis que sugere ecossistemas e galáxias expansivas. \nSuspensa ao longo da parede mais alta do Átrio\, a tapeçaria de grande escala apresenta uma gama caleidoscópica de fibras naturais e sintéticas criadas pela artista utilizando técnicas inovadoras de tecelagem digital no TextielLab em Tilburg\, na Holanda. Esculturas compostas por cordas tingidas\, entrelaçadas com formas de vidro soprado à mão e cerâmica\, pendem do chão ao teto ao lado de tablets de cerâmica impressos com os poemas da artista. Esses elementos diversos são reunidos dentro de uma obra sonora imersiva baseada na voz e na respiração da artista. Cadence confronta tanto a beleza quanto a degradação do mundo natural — e sua agitação em meio a revoluções industriais e tecnológicas\, extração de recursos e guerras. A instalação monumental cria novas maneiras de perceber — e sentir — as enormes mudanças que estão ocorrendo em nosso tempo. \nApresentações ao vivo acontecerão na primavera de 2025. Mais detalhes serão fornecidos aqui nas próximas semanas.
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LOCATION:MoMA\, 11 W 53rd St Manhattan\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Jesse Krimes: Corrections" no The Met Museum
DESCRIPTION:Jesse Krimes\, “Purgatory” (detalhe)\, 2009. The Metropolitan Museum of Art\, Nova York. Aquisição com doação do Vital Projects Fund Inc.\, por meio de Joyce e Robert Menschel\, e doações da Alfred Stieglitz Society\, 2024. © Jesse Krimes.\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\nA fotografia desempenhou um papel central na construção de sistemas de poder na sociedade\, especialmente em contextos ligados ao crime e à punição. Esta exposição apresenta instalações imersivas contemporâneas do artista Jesse Krimes (americano\, nascido em 1982)\, em diálogo com fotografias do século XIX do acervo do The Met\, realizadas pelo criminologista francês Alphonse Bertillon — responsável por desenvolver o primeiro sistema moderno de identificação criminal\, anterior à adoção das impressões digitais. \nAs instalações de Krimes\, criadas ao longo de seus seis anos de encarceramento\, revelam a engenhosidade de um artista que trabalhou sem acesso a materiais tradicionais. Utilizando sabonetes fornecidos pela prisão\, gel para cabelo\, cartas de baralho e jornais\, ele produziu obras que buscam interromper e recontextualizar a circulação de imagens na mídia. Exibidas em contraponto às fotografias de Bertillon — cuja metodologia combinava medidas antropométricas e retratos fotográficos\, dando origem à atual ficha de identificação criminal — as obras de Krimes questionam a suposta neutralidade dos sistemas de reconhecimento e as hierarquias sociais que eles ajudam a criar e perpetuar. \nArtista para quem a colaboração e o ativismo são essenciais\, Krimes fundou o Center for Art and Advocacy\, uma organização voltada à valorização do talento e do potencial criativo de pessoas que passaram pelo sistema prisional\, promovendo apoio e melhores condições para artistas anteriormente encarcerados.
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LOCATION:The Metropolitan Museum of Art\, 1000 5th Ave\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Shifting Landscapes" no Whitney Museum
DESCRIPTION:Jane Dickson\, “Heading in—Lincoln Tunnel 3”\, 2003. Whitney Museum of American Art\, Nova York; presente de Eve Ahearn e Joseph Ahearn 2017.275. © Jane Dickson.\n\n\n\n\nEmbora o gênero paisagem tenha sido historicamente associado a vistas pitorescas\, Shifting Landscapes considera uma interpretação mais expansiva dessa categoria\, explorando como as questões políticas\, ecológicas e sociais em evolução motivam os artistas enquanto tentam representar o mundo ao seu redor. Retirada da coleção do Whitney\, a exposição apresenta obras dos anos 1960 até o presente e é organizada em seções temáticas distintas. Algumas delas se agrupam em torno de afinidades materiais e conceituais: assemblagens escultóricas formadas por objetos locais\, abordagens ecofeministas da land art e os legados da fotografia documental de paisagens. Outras estão relacionadas a geografias específicas\, como o frenético cenário urbano da Nova York moderna ou a cena experimental de cinema de Los Angeles dos anos 1970. Ainda outras mostram como os artistas inventam novos mundos fantásticos\, onde humanos\, animais e a terra se tornam um só. Seja representando os efeitos da industrialização no meio ambiente\, enfrentando o impacto das fronteiras geopolíticas ou propondo espaços imaginados como uma forma de desestabilizar o conceito de um mundo “natural”\, as obras reunidas aqui trazem ideias sobre a terra e o lugar em foco\, destacando como moldamos e somos moldados pelos espaços ao nosso redor. \nShifting Landscapes é organizada por Jennie Goldstein\, Curadora Associada da Coleção; Marcela Guerrero\, Curadora da Família DeMartini; Roxanne Smith\, Assistente Curatorial Sênior; com Angelica Arbelaez\, Rubio Butterfield Family Fellow; com agradecimentos a Araceli Bremauntz-Enriquez e J. English Cook pelo apoio à pesquisa.
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LOCATION:Whitney Museum of American Art\, 99 Gansevoort St Manhattan\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Solid Gold" no Brooklyn Museum
DESCRIPTION:Foto: Reprodução Brooklyn Museum\n\n\n\n\nContemple a majestade do ouro em uma exposição cintilante dedicada ao elemento que inspirou incontáveis obras de arte\, moda\, cinema\, música e design. Como material e cor\, o ouro simbolizou beleza\, honra\, alegria\, ritual\, espiritualidade\, sucesso e riqueza ao longo da história. Ele também assumiu inúmeras formas: de representações milenares de mundos idealizados a suntuosos retábulos italianos dos séculos XIII e XIV\, passando por delicados biombos japoneses até obras contemporâneas e criações deslumbrantes da alta-costura. Com uma seleção abrangente de objetos e uma perspectiva global\, esta exposição traça as muitas jornadas do metal que influenciou culturas e legados em todo o mundo. \nSolid Gold\, que inaugura as comemorações do bicentenário do Brooklyn Museum\, reúne mais de 500 obras\, combinando peças de destaque do acervo com empréstimos internacionais impressionantes. O fascínio da moda pelo ouro será refletido em criações icônicas de Anna Sui\, Christian Dior\, Demna\, Gianfranco Ferré\, Giorgio di Sant’Angelo\, Halston\, Mary McFadden\, The Blonds\, Walter Van Beirendonck e Yves Saint Laurent. Pinturas e esculturas com fundo dourado\, moedas e outros tesouros dividirão espaço com joias assinadas por Alexander Calder\, Belperron\, Cartier\, Charles Loloma\, Jacob & Co e Verdura — além de grillz criados por Gabby Elan. \nAo mesmo tempo em que celebra o encantamento sedutor desse material luminoso\, a exposição também propõe reflexões sobre suas histórias mais sombrias\, convidando a conversas francas sobre os custos humanos e ambientais envolvidos na extração do minério de ouro. Solid Gold convida o público a mergulhar em uma das obsessões mais cintilantes da humanidade.
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LOCATION:Brooklyn Museum\, 200 Eastern Pkwy Brooklyn\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Collection in Focus | Piet Mondrian\, Ever further" no Guggenheim
DESCRIPTION:Piet Mondrian\, “Composition No. III\, with Red\, Blue\, Yellow\, and Black”\, s/d. Divulgação Guggeinheim\nEsta exposição apresenta uma seleção de pinturas e desenhos de Piet Mondrian provenientes da coleção singular do Guggenheim\, uma das mais representativas do mundo. Ao longo de sua carreira\, Mondrian fez contribuições marcantes para o desenvolvimento da arte abstrata\, buscando afastar a pintura da representação da natureza para alcançar uma essência ou espírito universal. \nA mostra reúne obras que documentam a evolução do estilo característico do pintor holandês\, desde suas primeiras experimentações na Holanda\, passando pelo período mais produtivo em Paris\, até os anos finais em Nova York. Piet Mondrian: Ever Further inaugura a série de exposições Collection in Focus\, dedicada a destacar artistas da Coleção Guggenheim. \nA curadoria é de Mariët Westermann\, Diretora e CEO do Solomon R. Guggenheim Museum and Foundation.
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LOCATION:The Guggenheim Museum\, 1071 5th Ave\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Above Ground: Art from the Martin Wong Graffiti Collection" no Museum of the City of New York
DESCRIPTION:Lee Quiñones\, “Breakfast at Baychester”\, c. 1980. Museum of the City of New York / Martin Wong Collection \nA era do grafite em Nova York começou nas ruas da cidade no início dos anos 1970. Esse novo movimento — muitas vezes conscientemente artístico\, apesar de suas origens não autorizadas — amadureceu ao longo das duas décadas seguintes. Above Ground enfoca os muitos artistas que fizeram a transição de escrever ilegalmente nos vagões do metrô para criar pinturas em tela e expô-las em galerias e museus. Suas obras marcam um momento crucial de transformação no desenvolvimento do grafite\, à medida que ele penetrava no imaginário coletivo e passava a influenciar de forma significativa a cultura global. \nDescrita pelo The New York Times como “uma exposição essencial”\, Above Ground oferece um olhar sobre uma subcultura vibrante de jovens criadores e revela preciosidades inéditas da importante coleção de arte baseada em grafite do acervo do museu. Doada pelo artista Martin Wong há 30 anos\, a coleção reúne mais de 300 pinturas e obras em papel. Entre os destaques da mostra estão trabalhos em spray\, tinta e outros suportes de figuras fundamentais do movimento de arte urbana\, como Rammellzee\, Lee Quiñones\, Lady Pink e Futura 2000. Juntas\, essas obras capturam o ímpeto e as ambições de artistas que migraram das ruas para as paredes de galerias de prestígio em Nova York e ao redor do mundo. \nA mostra Above Ground: Art from the Martin Wong Graffiti Collection conta com patrocínio principal da UNIQLO USA e apoio adicional da Keith Haring Foundation e de Elizabeth Belfer. O apoio institucional é viabilizado pelo Departamento de Assuntos Culturais da Cidade de Nova York em parceria com o Conselho Municipal.
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LOCATION:Museum of the City of New York\, 1220 5th Ave\, Nova York\, United States
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SUMMARY:"Jeanne Moutoussamy-Ashe and the Last Gullah Islands" no Whitney Museum
DESCRIPTION:Jeanne Moutoussamy-Ashe\, “An Afternoon with Aunt Tootie”\, Daufuskie Island\, SC\, 1979. © Jeanne Moutoussamy-Ashe\n\n\n\n\nDesde o início dos anos 1970\, a artista\, ativista e acadêmica Jeanne Moutoussamy-Ashe (n. 1951\, Chicago\, IL; vive e trabalha em South Kent\, CT) produz fotografias que capturam a beleza e a complexidade da vida negra\, homenageando os ritmos do cotidiano e marcando importantes ritos de passagem para as pessoas retratadas. \nEm 1977\, após um estudo independente de seis meses na África Ocidental\, Moutoussamy-Ashe atravessou novamente o Oceano Atlântico até Daufuskie Island\, localizada entre Hilton Head\, na Carolina do Sul\, e Savannah\, na Geórgia. Lá\, e nas outras ilhas vizinhas conhecidas como Sea Islands\, ela começou a fotografar entre os Gullah Geechee—muitos deles descendentes de pessoas anteriormente escravizadas que adquiriram terras de antigos proprietários de plantações após o fim da Guerra Civil. Para Moutoussamy-Ashe\, esses lugares\, separados pelo Atlântico\, estavam intrinsecamente ligados\, com as Sea Islands representando um elo dentro da diáspora negra; um espaço moldado pelos séculos violentos da escravidão e por uma comunidade determinada a proteger e nutrir sua cultura e seu povo únicos. As fotografias de Daufuskie Island honram essas histórias entrelaçadas e a perspectiva pessoal da artista. Para ela\, “a fotografia deve nos forçar a questionar a nós mesmos e o ambiente em que vivemos”. \nExtraída da coleção do Whitney Museum\, esta apresentação focada inclui uma seleção de fotografias em preto e branco de Daufuskie Island\, além de publicações relacionadas da artista. Retratos de crianças e idosos\, imagens de casas\, do litoral\, de pessoas trabalhando e descansando\, bem como de cultos religiosos\, formam juntas uma impressão de uma comunidade—e um lugar—à beira de grandes transformações. \nJeanne Moutoussamy-Ashe and the Last Gullah Islands é organizada por Kelly Long\, Assistente Sênior de Curadoria.
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SUMMARY:"Projects: Marlon Mullen" no MoMA
DESCRIPTION:Marlon Mullen\, “Untitled”\, 2017. © 2024 Marlon Mullen\n\n\n\n\nNão há como confundir o trabalho de Marlon Mullen. Suas pinturas vibrantes\, com superfícies exuberantes e cores marcantes\, ampliam a longa tradição de criar arte sobre a própria arte. \nHá quase 40 anos\, Mullen trabalha no NIAD Art Center\, um estúdio progressivo para artistas com deficiência de desenvolvimento em sua cidade natal\, Richmond\, Califórnia. Edições doadas de publicações de arte\, como Art in America e Artforum\, servem como seu principal ponto de partida. Projects: Marlon Mullen apresenta uma seleção de pinturas do artista produzidas na última década. \nAo escolher uma capa brilhante ou uma página interna como base\, Mullen pinta com acrílico sobre tela\, posicionada plana sobre uma mesa. Ele mantém vínculos visuais com o material de origem\, ao mesmo tempo em que o transforma radicalmente. As composições resultantes reinventam as relações entre seus elementos. Códigos de barras e outros detalhes podem ganhar destaque. Letras\, números\, pontuações e os espaços entre eles podem desaparecer ou se repetir. Imagens e gráficos tornam-se formas puras\, reorganizadas e reconfiguradas. Como demonstra esta exposição\, Mullen vê revistas e livros de arte não apenas como um estímulo à criação\, mas também como um convite para interagir com o mundo da arte contemporânea nos seus próprios termos pictóricos.
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SUMMARY:"Pirouette: Turning Points in Design" no MoMA
DESCRIPTION:Nifemi Marcus-Bello\, “For the Community by the Community – Handwashing Station”\, 2020. The Museum of Modern Art\, Nova York. Foto: Kadara Enyeasi.\n\n\n\n\nO design é um elemento fundamental da vida\, um catalisador essencial para nossa evolução. Ele nos ajuda a lidar com mudanças e permeia nossas vidas pessoais e sociais\, refletindo tanto nossas forças quanto nossas fragilidades. Muitos designers buscam criar novos comportamentos\, concentrando-se em hábitos e circunstâncias que mais necessitam de transformação. Pirouette: Turning Points in Design reúne objetos—desde Post-Its até Spanx—que representaram experimentos inovadores com novos materiais\, tecnologias e conceitos\, ofereceram soluções não convencionais para problemas tradicionais e tiveram um impacto significativo tanto no design quanto no mundo em geral. \nCom peças majoritariamente retiradas da coleção do MoMA\, a exposição apresenta objetos amplamente reconhecidos—como o logotipo I ♥️ NY ou o novo símbolo de acessibilidade—ao lado de outros conhecidos apenas por públicos especializados. Alguns\, como a Shopping Bag da Telfar\, apelidada de Bushwick Birkin\, reconfiguram as regras de exclusividade e luxo. Outros\, como o Walkman Portable Audio Cassette Player ou o Macintosh 128K Home Computer\, redefiniram e expandiram nosso espaço privado\, permitindo-nos trazer o mundo para dentro de nossas casas ou carregá-lo conosco. Observados em conjunto\, os objetos em Pirouette destacam o papel dos designers em sua expressão mais inventiva e construtiva\, demonstrando o poder do design em traduzir a experiência humana em formas tangíveis e imaginar um futuro melhor.
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SUMMARY:"A Number of Things" de Camille Henrot na Hauser & Wirth
DESCRIPTION:Camille Henrot\, “1263 / 3612 (Abacus)”\, 2024 © Camille Henrot. Foto: Stefan Altenburger\n\n\n\n\nCamille Henrot estreará um novo e extraordinário conjunto de esculturas em bronze\, intitulado Abacus\, em sua primeira grande exposição na galeria em Nova York. Evocando ferramentas de desenvolvimento infantil\, calçados\, gráficos distorcidos e antigos dispositivos de contagem\, as esculturas em grande escala\, juntamente com obras menores como Tomber Pour Toujours e Misfits\, abordam o atrito entre um senso incipiente de imaginação e os sistemas de signos da sociedade. As esculturas serão apresentadas ao lado de novas e vibrantes pinturas da série Dos and Don’ts da artista.
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LOCATION:Hauser & Wirth 22nd Street\, 542 West 22nd Street\, Nova York\, Nova York
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SUMMARY:"Pastels" de George Condo na Hauser & Wirth
DESCRIPTION:George Condo\, “Abstract Male Portrait”\, 2024 © George Condo. Foto: Matt Grubb\n\n\n\n\nA exposição em duas partes de George Condo\, Pastels\, apresentada nas galerias Sprüth Magers e Hauser & Wirth em Nova York\, oferece um vislumbre do processo criativo do artista e de sua inventividade sem limites por meio do pastel. As novas obras de Condo desafiam os limites da improvisação nesse meio\, utilizando espontaneamente gesso\, campos de cor e gestos dramáticos com pastel\, sem esboços preparatórios\, para expressar diversos estados da psique humana. O artista explora a abstração dentro de uma estrutura figurativa de maneiras inovadoras\, materializando a natureza fragmentada e fugidia de pensamentos e sentimentos inefáveis.
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SUMMARY:"Catherine Goodman. Silent Music" na Hauser & Wirth
DESCRIPTION:Catherine Goodman\, “Jura”\, 2024 © Catherine Goodman. Foto: Eva Herzog\n\n\n\n\nCom abertura em janeiro\, Catherine Goodman. Silent Music apresenta uma série de novas pinturas em grande escala da artista britânica\, onde sua pincelada expressiva dá origem a superfícies vibrantes que ressoam com a energia do gesto. Para Goodman\, o ateliê é um espaço de meditação espiritual. Cada pintura é um ato de transmutação íntima—um meio de transformar memórias profundamente guardadas e vulnerabilidades pessoais em uma nova forma de equilíbrio. \nComo artista curadora da National Gallery\, em Londres\, Goodman passou horas desenhando a partir da coleção do museu\, desenvolvendo uma afinidade particular com as pinturas dos antigos mestres\, que ela descreve como seus “únicos verdadeiros professores”. Inspirada pela intensidade e pelo drama de obras renascentistas de artistas como Ticiano e Veronese\, e influenciada pela profundidade psicológica do grupo conhecido como London School\, sua pintura altamente pessoal transcende a experiência individual\, expandindo-se e convidando o espectador a adentrar seu universo.
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SUMMARY:"Democratizing Prints: The JoAnn Edinburg Pinkowitz Gift" no The Met Museum
DESCRIPTION:Leopoldo Méndez\, “Posada in his workshop (homage to Posada)” (detalhe) © 2025 Artists Rights Society (ARS)\, New York / SOMAAP\, Mexico City\n\n\n\n\nO Departamento de Desenhos e Gravuras abriga mais de um milhão de desenhos\, gravuras e livros ilustrados produzidos na Europa e nas Américas desde cerca de 1400 até os dias atuais. Devido à sua quantidade e sensibilidade à luz\, essas obras podem ser exibidas apenas por períodos limitados e geralmente são armazenadas em instalações internas. Para destacar a ampla variedade de obras sobre papel\, o departamento organiza quatro rotações anuais na Robert Wood Johnson\, Jr. Gallery. Cada instalação é fruto da colaboração entre curadores e consiste em até 100 objetos agrupados por artista\, técnica\, estilo\, período ou tema. \nEm 2024\, o Museu recebeu uma doação notável de JoAnn Edinburg Pinkowitz\, composta por cerca de trezentas gravuras de artistas mexicanos e de outros países (principalmente americanos) que trabalharam no México. Essa doação amplia uma contribuição anterior de JoAnn\, que incluiu gravuras chinesas do século XX pertencentes ao movimento moderno da xilogravura. \nJoAnn cresceu em uma família apaixonada por colecionar arte. Durante os anos 1960\, ainda adolescente\, atuou como voluntária no Departamento de Gravuras e Desenhos do Museum of Fine Arts de Boston. Em 2009\, começou a colecionar gravuras depois de se inspirar na exposição Vida y Drama: Modern Mexican Prints do museu. Ela se interessou por obras com forte mensagem social e política. Muitas das gravuras exibidas foram publicadas pelo Taller de Gráfica Popular (Oficina de Arte Gráfica Popular)\, um coletivo de gravura fundado em 1937 na Cidade do México “com o objetivo de estimular a produção de artes gráficas em prol do povo mexicano”. Na década de 1950\, artistas do coletivo viajaram para a China\, onde apresentaram seus trabalhos a artistas locais. A conexão entre os temas abordados por artistas de ambos os países motivou JoAnn a doar gravuras chinesas ao Met. \nO material doado por Pinkowitz complementa perfeitamente a coleção excepcional de gravuras mexicanas do Met e inclui obras de artistas que ainda não estavam representados na instituição. As gravuras de artistas americanos no México e de artistas chineses de meados do século XX também ampliam a compreensão sobre as tradições democráticas da gravura.
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LOCATION:The Metropolitan Museum of Art\, 1000 5th Ave\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"John Zorn: Hermetic Cartography" no The Drawing Center
DESCRIPTION:John Zorn\, Sem título\, 2017. Cortesia de John Zorn. Foto: Daniel Terna\n\n\n\n\nConhecido principalmente como uma figura revolucionária nas cenas de música experimental e de vanguarda em Nova York\, John Zorn é amplamente celebrado por suas inovações radicais na música. No entanto\, seus desenhos abstratos — uma linguagem privada de símbolos e notações — permaneceram\, até hoje\, um segredo bem guardado. A exposição Hermetic Cartography oferece um raro vislumbre da mente criativa de Zorn\, revelando uma nova dimensão de sua prática artística ao apresentar obras em papel que atravessam sete décadas de seu envolvimento visionário com o desenho\, a improvisação e o esoterismo. \nA mostra reúne uma variedade de obras visuais de Zorn\, incluindo partituras gráficas\, anotações filosóficas densas\, poesia abstrata e livros de artista. Ao destacar sua abordagem radical ao traço e sua produção visual singular — que inclui o projeto Theatre of Musical Optics e outras experiências experimentais — a exposição oferece uma nova perspectiva sobre como essas expressões visuais se entrelaçam com suas composições musicais. \nA programação inclui uma série de concertos gratuitos mensais com John Zorn\, realizados dentro da própria exposição. As apresentações acontecerão no primeiro sábado dos meses de março\, abril e maio de 2025\, sempre às 19h30.
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LOCATION:The Drawing Center\, 35 Wooster St.\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Caspar David Friedrich: The Soul of Nature" no The Met Museum
DESCRIPTION:Caspar David Friedrich\, “Mönch am Meer” (detalhe) © Staatliche Museen zu Berlin\, Nationalgalerie / Foto: Kristina Mösl\, Francesca Schneider\n\n\n\n\nCaspar David Friedrich (1774–1840) redefiniu a pintura de paisagem europeia ao representar a natureza como um cenário para encontros espirituais e emocionais profundos. Atuando na vanguarda do movimento romântico alemão\, que promoveu uma nova e radical compreensão do vínculo entre a natureza e o eu interior\, Friedrich desenvolveu temas e estratégias pictóricas que enfatizam a individualidade\, a intimidade\, a abertura e a complexidade das nossas respostas ao mundo natural. A visão de paisagem que se desdobra em sua obra—meditativa\, misteriosa e repleta de admiração—permanece essencial nos dias de hoje. \nApresentada em homenagem ao 250º aniversário de nascimento de Friedrich em 2024\, Caspar David Friedrich: The Soul of Nature é a primeira grande exposição dedicada ao artista realizada nos Estados Unidos. Organizada em cooperação com a Alte Nationalgalerie dos Staatliche Museen zu Berlin\, as Staatliche Kunstsammlungen Dresden e a Hamburger Kunsthalle\, a mostra reúne empréstimos inéditos de mais de 30 instituições na Europa e na América do Norte e apresenta aproximadamente 75 obras de Friedrich. Pinturas a óleo\, desenhos finalizados e esboços de trabalho de todas as fases de sua carreira\, além de exemplos selecionados de seus contemporâneos\, revelam como Friedrich desenvolveu um vocabulário simbólico de motivos paisagísticos para expressar os significados pessoais e existenciais que encontrava na natureza. A exposição contextualiza sua obra no cenário político e cultural turbulento da sociedade alemã do século XIX e\, por extensão\, destaca o papel do romantismo alemão na formação das percepções modernas sobre o mundo natural. \nA exposição é complementada por uma mostra de obras com representações lunares na galeria 554\, localizada logo após a saída da exposição. A lua—um motivo apreciado por Friedrich e outros artistas românticos—foi celebrada em diversas mídias\, incluindo pinturas\, porcelana\, música e poesia.
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LOCATION:The Metropolitan Museum of Art\, 1000 5th Ave\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Christine Sun Kim: All Day All Night" no Whitney Museum of American Art
DESCRIPTION:Vista da exposição “Christine Sun Kim: All Day All Night”\, 2025. Whitney Museum of American Art\, Nova York. Christine Sun Kim e Thomas Mader\, ATTENTION\, 2022. Foto: Ron Amstutz\n\n\n\n\nCom obras marcadas por humor afiado e comentários incisivos\, Christine Sun Kim (nascida em 1980\, Orange County\, Califórnia) investiga o som e as complexidades da comunicação em suas múltiplas formas. Utilizando notação musical\, infográficos e linguagem — tanto na Língua Americana de Sinais (ASL)\, sua língua nativa\, quanto no inglês escrito — a artista produz desenhos\, vídeos\, esculturas e instalações que frequentemente exploram as dimensões políticas e não auditivas do som. Em muitas de suas obras\, Kim parte da dinâmica espacial da ASL\, traduzindo-a em formas gráficas. Ao destacar a imagem\, o corpo e o espaço físico\, ela subverte a suposição social de que línguas faladas são superiores às sinalizadas. \nEsta exposição apresenta um panorama completo da produção de Kim até o momento\, incluindo desde registros de performances dos anos 2010 até seu mais recente mural site-specific\, Ghost(ed) Notes (2024)\, recriado em diversas paredes do oitavo andar do museu. Inspirado em obras de nome semelhante que criou ao longo da carreira\, o título da mostra\, All Day All Night\, alude à vitalidade que Kim imprime em sua prática artística — uma energia ininterrupta\, experimental e profundamente comprometida em compartilhar vivências da experiência surda. \nA exposição é organizada pelo Whitney Museum of American Art\, em Nova York\, e pelo Walker Art Center\, em Minneapolis. Os curadores responsáveis são Jennie Goldstein\, curadora associada da coleção no Whitney; Pavel Pyś\, curador de artes visuais e estratégias de acervo no Walker; e Tom Finkelpearl\, curador independente; com assistência de Rose Pallone\, do Whitney\, e Brandon Eng\, do Walker.
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SUMMARY:"Madalena Santos Reinbolt: A Head Full of Planets" no American Folk Art Museum
DESCRIPTION:Madalena Santos Reinbolt\, Sem título\, 1965–1976. Coleção Edmar Pinto Costa\, São Paulo\, Brasil \nCom 42 trabalhos têxteis e pinturas a óleo\, Madalena Santos Reinbolt: A Head Full of Planets é a primeira pesquisa abrangente sobre a obra de Santos Reinbolt já apresentada e marca a primeira exposição individual da artista em um museu fora de seu país natal\, o Brasil. Reconhecida principalmente por seus bordados de grande escala\, feitos com centenas de fios vibrantes e que ela chamava de quadros de lã\, a exposição reúne mais da metade de todas as obras conhecidas da artista e examina sua produção sob diferentes perspectivas\, incluindo gênero\, raça e dinâmicas socioeconômicas. \nA Head Full of Planets investiga o contexto em que a prática artística de Santos Reinbolt se consolidou no início dos anos 1950\, quando ela passou a trabalhar como cozinheira residente para a arquiteta Lota de Macedo Soares e sua companheira\, a poeta americana Elizabeth Bishop\, na casa do casal em Petrópolis\, um refúgio na serra frequentado pela alta sociedade brasileira. No entanto\, foi apenas em meados dos anos 1960\, enquanto trabalhava em outra residência\, que ela começou a se dedicar ao bordado e a produzir muitas das obras pelas quais é mais conhecida hoje. \nApresentada de forma não cronológica\, A Head Full of Planets divide-se em quatro seções principais. A abertura da exposição explora as múltiplas identidades de Santos Reinbolt como artista\, trabalhadora doméstica e mulher negra\, traçando seu percurso desde a infância em uma pequena fazenda no interior da Bahia até sua migração para as cidades mais ricas do Sudeste em busca de oportunidades de trabalho. Outra seção apresenta seu corpo de obras como uma condensação de tempo\, espaço e dinâmicas raciais\, abrangendo desde a vida no campo até cenas urbanas movimentadas. Seus bordados retratam festas\, refeições coletivas e paisagens ao ar livre — montanhas\, céus\, fauna e flora —\, tanto do Brasil quanto de terras distantes\, reais e imaginadas. A exposição se encerra com uma análise das afinidades entre seus bordados e as tradições têxteis de longa data praticadas por mulheres em diversas regiões do Brasil\, incluindo artistas contemporâneas. \nPara homenagear e dar voz a Santos Reinbolt\, a exposição inclui gravações de entrevistas concedidas por ela à antropóloga e crítica de arte Lélia Coelho Frota\, interpretadas pela poeta\, educadora e pesquisadora feminista negra Luana Reis\, que\, assim como a artista\, nasceu e foi criada na Bahia\, Brasil. \nEssa exposição de grande relevância foi organizada pelo Museu de Arte de São Paulo Assis Chateaubriand (MASP)\, onde estreou no outono de 2022 como parte do programa bienal Histórias Brasileiras do museu\, com curadoria de Amanda Carneiro e André Mesquita\, curadores do MASP. A versão da mostra no American Folk Art Museum (AFAM)\, curada por Valérie Rousseau\, curadora sênior de Arte do Século 20 & Contemporânea\, com a colaboração de Dylan Blau Edelstein\, doutorando em Espanhol e Português na Universidade de Princeton\, expande a apresentação original do MASP\, oferecendo uma contextualização ainda mais aprofundada da artista e de sua obra.
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SUMMARY:"Video After Video: The Critical Media of CAMP" no MoMA
DESCRIPTION:Vista da instalação de “Video After Video: The Critical Media of CAMP”\, em exibição no The Museum of Modern Art\, Nova York. Foto: Jonathan Dorado © The Museum of Modern Art\n\n\n\n\nVideo After Video: The Critical Media of CAMP é a primeira grande exposição em um museu dos Estados Unidos dedicada ao estúdio colaborativo CAMP\, sediado em Mumbai\, na Índia. Fundado em 2007 por Shaina Anand\, Ashok Sukumaran e Sanjay Bhangar\, o coletivo trabalha com vídeo\, cinema\, mídia eletrônica e intervenções públicas para examinar e reconfigurar as condições políticas e socioeconômicas que estruturam a vida contemporânea. \nEm exibição no MoMA de 21 de fevereiro a 20 de julho de 2025\, a mostra apresentará três obras pioneiras que exploram dispositivos de comunicação\, cinema participativo e sistemas de vigilância\, transformando esses aparatos midiáticos em plataformas e meios de expressão artística.
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SUMMARY:"Breaking the Mold: Brooklyn Museum at 200" no Brooklyn Museum
DESCRIPTION:Winslow Homer\, Glass Windows\, Bahamas\, ca. 1885. Foto: Brooklyn Museum\n\n\n\n\nDas primeiras aquisições pioneiras às adições mais recentes e marcantes\, a coleção do Brooklyn Museum sempre destacou artistas e obras que impulsionam narrativas imaginativas e diálogos corajosos. Em comemoração ao seu 200º aniversário\, a exposição Breaking the Mold: Brooklyn Museum at 200 celebra esse legado singular. Dividida em três capítulos\, a mostra reúne tanto obras icônicas da coleção quanto novas adições\, revelando perspectivas inéditas e explorando a rica trajetória e a evolução futura do acervo. \nBrooklyn Made presta homenagem à arte e ao design criados no bairro desde o século XVII até os dias de hoje. O capítulo se inicia com um par de mocassins juvenis do povo Delaware\, reconhecendo os habitantes originários da região\, e avança no tempo para destacar artistas contemporâneos de Brooklyn\, como KAWS\, Duke Riley e Tourmaline. \nBuilding the Brooklyn Museum and Its Collection apresenta obras transformadoras e materiais de arquivo que narram o desenvolvimento da coleção e do edifício Beaux-Arts que abriga o museu. \nPor fim\, Gifts of Art in Honor of the 200th reúne doações extraordinárias feitas em celebração ao bicentenário\, incluindo pinturas\, fotografias\, vídeos\, esculturas e cerâmicas de artistas renomados\, como Julie Mehretu\, Robert Frank\, Alex Katz e Coco Fusco. Essas contribuições\, ao lado de obras de artistas influentes da atualidade\, muitos deles baseados em Brooklyn\, não apenas contam a história do museu\, mas também refletem as transformações do mundo ao seu redor.
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SUMMARY:"Collection in Focus | Beatriz Milhazes: Rigor and Beauty" no Guggenheim
DESCRIPTION:Beatriz Milhazes\, “As Quatro Estações”\, 1997\nEsta exposição apresenta o trabalho da artista contemporânea global Beatriz Milhazes (n. 1960\, Rio de Janeiro)\, que dialoga com sua herança cultural e identidade brasileiras por meio da linguagem da abstração. Com uma trajetória que abrange quatro décadas—dos anos 1980 até o presente—sua produção inclui escultura\, colagem\, gravura\, têxteis\, arte pública e\, principalmente\, pintura. Esta mostra reúne um conjunto de quinze pinturas e obras sobre papel\, criadas entre 1995 e 2023\, selecionadas do acervo permanente do museu e complementadas por empréstimos estratégicos\, que ajudam a contextualizar a evolução artística de Milhazes. \nA obra de Milhazes está profundamente enraizada na história e nas tradições brasileiras\, inspirando-se na arte e arquitetura coloniais\, nas artes decorativas e na vibrante celebração do Carnaval—o festival que transforma as ruas do Rio de Janeiro em um espetáculo de desfiles\, música\, performances e trajes elaborados. A artista também é influenciada pela Tropicália\, movimento cultural dos anos 1960 que uniu arte\, música e literatura para afirmar a identidade brasileira enquanto desafiava o regime militar da época. Os ritmos e cores da bossa nova\, gênero musical surgido no Rio de Janeiro no final dos anos 1950\, também reverberam em seu trabalho. Além dessas referências\, Milhazes dialoga com a obra de artistas como Henri Matisse e Piet Mondrian\, ao mesmo tempo em que evoca Tarsila do Amaral\, figura essencial para o desenvolvimento do modernismo brasileiro. \nEm 1989\, Milhazes desenvolveu uma técnica inovadora que chama de monotransfer\, inspirada no processo de monotipia\, no qual uma imagem pintada é transferida de uma matriz para o papel\, criando um efeito espelhado. A artista inicia seu processo pintando motivos sobre folhas de plástico transparente com tinta acrílica. Depois que a tinta seca\, as películas pintadas são sobrepostas e aderidas à tela; em seguida\, a artista remove o plástico\, revelando as formas em reverso. O resultado são composições vibrantes e dinâmicas\, que combinam formas abstratas\, padrões orgânicos e estruturas geométricas sobre superfícies texturizadas\, carregadas da memória do gesto artístico. \nAs primeiras pinturas desta exposição\, principalmente do acervo do museu—como Santa Cruz (1995)\, In albis (1995–96) e As quatro estações (1997)—revelam a influência do esplendor das igrejas barrocas coloniais do século XVIII e dos trajes ornamentais da época. Milhazes sintetiza essas influências em motivos abstratos e figurativos\, nos quais círculos e arabescos\, rendas e crochês delicados\, flores e padrões florais\, além de pérolas e elementos de ferro trabalhado\, emergem em suas composições. A partir dos anos 2000\, a artista começou a explorar efeitos ópticos em suas pinturas\, utilizando repetições lineares para criar padrões ondulantes e ritmos visuais\, como se observa em Paisagem carioca (2000)\, O cravo e a rosa (2000) e O Caipira (2004). \nAs obras sobre papel apresentadas nesta exposição\, produzidas entre 2013 e 2021\, demonstram o contínuo interesse de Milhazes pela experimentação com colagem. A artista combina elementos industrializados—como sacolas de grife\, embalagens de chocolate e papéis estampados—com recortes de suas próprias serigrafias em cores sólidas\, criando padrões intricados e composições abstratas expressivas. \nSuas pinturas mais recentes\, como Mistura sagrada (2022)\, indicam um movimento em direção à investigação da força espiritual da natureza\, especialmente no contexto pós-pandemia da COVID-19. Embora referências ao mundo natural estejam presentes desde o início de sua carreira\, aqui a artista aprofunda a reflexão sobre os ciclos de renovação—vida e morte—por meio de formas angulares coloridas e padrões elaborados. Elementos orgânicos\, que remetem à proximidade da artista com o Jardim Botânico do Rio de Janeiro\, a Floresta da Tijuca e a Praia de Copacabana\, ecoam nas harmonias geométricas\, sistemas conceituais e universos cromáticos que atravessam sua obra. \nA exposição foi organizada por Geaninne Gutiérrez-Guimarães\, curadora do Guggenheim Museum Bilbao e da Solomon R. Guggenheim Museum and Foundation\, Nova York.
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LOCATION:The Guggenheim Museum\, 1071 5th Ave\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Fabio Miguez: Icnografias" na Nara Roesler
DESCRIPTION:Fabio Miguez\, Sem título\, 2022. Cortesia Nara Roesler\n\n\n\n\nA Nara Roesler New York tem o prazer de apresentar Fabio Miguez: Icnografias\, primeira individual de Miguez (n. 1962\, São Paulo\, Brasil) na sede nova-iorquina da galeria. A mostra tem curadoria de Luis Pérez Oramas e apresenta um panorama abrangente da produção do artista com uma seleção de obras recentes pontuadas por pinturas desenvolvidas pelo artista há cerca de dez anos. Segundo o curador\, o título da mostra evoca uma observação do arquiteto e poeta francês do século XVII\, Charles Perrault\, para quem a vista chamada de “ichnografica” de um edifício — seu plano projetivo e inicial – inevitavelmente coincide com o seu rastro final como ruína\, com a marca da sua existência na terra\, de forma que conceito e vida se articulam em um só devir inexorável. \nUm dos fundadores do ateliê Casa 7 – junto a Carlito Carvalhosa\, Nuno Ramos\, Paulo Monteiro e Rodrigo Andrade –\, grupo que na década de 1980\, marcou uma renovação da pintura brasileira\, baseada nas práticas matéricas e monocromáticas\, com influência das figurações neo expressionistas da época\, como Basquiat\, Anselm Kiefer e Philip Guston\, Fabio Miguez tem sua pesquisa pictórica voltada para a espacialidade e materialidade da pintura. Durante os anos 1990\, o artista começou a produzir\, simultaneamente a seu trabalho pictórico\, a série de fotos Derivas\, que foram publicadas no livro Paisagem zero (2013). A partir daí\, sua pesquisa passa a se debruçar sobre a luminosidade\, em composições abstratas\, em que a gestualidade expressiva vai dando espaço à geometria e às cores claras e transparentes. O mais interessado na arquitetura da pintura dos membros da Casa 7\, Miguez desenvolve sua pesquisa articulando a potência arquitetônica de representação\, até produzir uma pintura literalmente tridimensional. \nNos anos 2000\, sua prática se manifesta em  instalações e objetos que permitem uma maior interação do espectador. Neste período\, a linguagem da pintura e sua natureza planar aparece tensionada pela presença de saliências geométricas no quadro\, em uma referência à  tradição brasileira do objeto ativo o dos sarrafos. Se define assim o campo mais emblemático da obra de Miguez até hoje: a ativação do espaço de representação através da representação do espaço.  Em alguns trabalhos\, Miguez contrapõe linhas de perspectiva com superfícies planares\, incluindo palavras e letreiros\, que servem como indicativos auto reflexivos\, chaves de interpretação para a própria pintura\, como pode ser visto nas obras Um segundo quase nunca (2014) e Pó (2012). \nA relação entre espacialidade\, geometria e cor tem sido  explorada através de formatos menores\, o que originou a série Atalhos. Mais do que o nome de uma série\, Atalhos é um conceito norteador da prática de Miguez. “Atalhos permite a junção de trabalhos formando sentenças. Dependendo da vizinhança\, eles ganham\, inclusive\, outro sentido. Essa é a ideia do atalho\, a passagem de um campo referencial a outro que se dá na criação desses conjuntos propondo possivelmente novos sentidos”\, revela o artista. \nA partir dessa série\, o artista tem desenvolvido alguns desdobramentos: parte delas consistem em releituras de obras de mestres pré-renascentistas\, como Giotto\, Fra Angelico\, Sasetta e Piero della Francesca\, pioneiros no domínio da espacialidade pictórica ocidental\, da perspectiva e do ilusionismo no campo da representação a partir do Século XIII. Ao revisitar os antigos mestres\, Miguez remove os episódios narrativos\, focando nas geometrias e espacialidades presentes nas composições originais: o interesse nos ‘primitivos’ da pintura ocidental serve para revelar a estrutura “primal” da pintura como espaço de representação. Parte deste corpo de trabalho\, revelador da poética do artista\, tem sido o interesse de Miguez por estender\, aos Atalhos baseados em primitivos italianos\, as releituras\, em escalas diferentes\, à princípio monumentais\, de trechos de composições do artista ítalo-brasileiro Alfredo Volpi\, conhecido como o “primitivo”\, o “outsider’’ vernáculo.  \nMais recentemente\, em 2024\, o artista realizou uma viagem para as cidades históricas de São Luís e Alcântara\, ambas no Maranhão\, no Norte do Brasil\, que acabou por culminar na série Maranhão\, formada por composições nas quais representa fachadas e interiores das construções vernaculares presentes nas ruas da cidade: “o que me chamou atenção nessas construções foi o fato de boa parte delas estarem abandonadas\, algumas em ruínas. Isso fazia com que os componentes arquitetônicos\, como platibandas\, fachadas e interiores\, ganhassem ainda mais destaque”. Se em trabalhos anteriores Miguez usa como ponto de partida a releitura de pinturas históricas\, aqui a base é uma arquitetura real\, observada diretamente da cidade.  \nO interesse de Miguez pela dimensão arquitetônica da pintura –pela sua capacidade para representar(se) estruturalmente – se traduz em obras maiores como  Planta #2 (2019) e nos trabalhos Sem título realizados em 2023 e Sem título (Casa Ohtake)\, de 2024. Esta última\, inspirada na sala de estar da residência da artista nipo-brasileira Tomie Ohtake (1913–2015)\, projeto emblemático do brutalismo paulistano assinado por Ruy Ohtake. Assim a obra serve novamente como chave auto reflexiva da poética de Miguez enquanto a pintura encarna a dimensão projetiva de uma arquitetura real.  \nOutra ramificação do trabalho de Miguez presente também na exposição consiste em experimentos que o artista executou a partir da planificação de caixas de papel:  por meio dos esquemas por elas obtidos\, Miguez passou a observar a estrutura combinatória ali presente\, as regras que compunham o conjunto e as exceções sugeridas por essas regras\, por meio das quais o trabalho foi se desdobrando em uma série de possíveis composições e novos arranjos formais e cromáticos. Embora inicialmente esse conjunto fosse desenvolvido em pequenos formatos\, nos desdobramentos mais recentes da série\, Miguez vem experimentando dimensões maiores\, criando assim obras que serão apresentadas de maneira inédita na mostra\, capazes de evocar a tradição moderna de abstrações baseadas em padrões têxteis e vestimentais\, de Matisse a Franz Erhard Walther. Por conta do emprego da cera de abelha\, realizado em boa parte desses trabalhos\, as pinturas de Miguez acabam adquirindo uma “fisicalidade” muito específica\, ganhando uma consistência similar a de um afresco ou pintura mural\, o que resulta com que a faktura das composições faça ressonância\, quase de forma tautológica\, com a questão arquitetônica que as informa poeticamente.
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LOCATION:Nara Roesler Nova York\, 511 W 21st St Manhattan\, Nova York\, Nova York
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SUMMARY:"Mestre Didi: Spiritual Form" no El Museo del Barrio
DESCRIPTION:Mestre Didi\, “Igi Nilé Ati Ejo Ori Meji [Tree of Earth with two-headed serpent)”\, 1990s. Cortesia de Inaicyra Falcão / Foto: Sergio Guerini.\n\n\n\n\nOrganizada pelo El Museo del Barrio\, Mestre Didi: Forma Espiritual é uma exposição monográfica de referência que apresenta a obra do escultor\, escritor\, ativista cultural e líder espiritual afro-brasileiro Mestre Didi (Salvador\, 1917-2013). Sendo a primeira grande mostra dedicada ao artista nos Estados Unidos nos últimos 25 anos\, a exposição reúne mais de 30 esculturas\, oferecendo uma rara oportunidade de apreciar o extenso legado artístico e espiritual deixado por ele. \nAo longo de sua carreira\, das décadas de 1960 até 2010\, Mestre Didi atuou como um visionário emissário do Candomblé. Foi talvez o primeiro artista a reinterpretar objetos rituais do Candomblé como obras de arte autônomas. \nA exposição do El Museo destaca as esculturas espiritualmente evocativas e formalmente imaginativas de Mestre Didi\, além de propor novas interpretações sobre seu repertório simbólico. Suas obras distintas combinam materiais\, formas e símbolos tradicionais dos orixás\, as divindades do Candomblé\, criando uma linguagem escultórica moderna. \nMestre Didi: Forma Espiritual também contextualiza a prática artística de Didi ao incluir obras fundamentais de seus contemporâneos e de artistas contemporâneos. Além de Mestre Didi\, a exposição conta com obras de Emanoel Araújo\, Jorge dos Anjos\, Agnaldo Manoel dos Santos\, Aurelino dos Santos\, Ayrson Heráclito\, Goya Lopes\, Antonio Oloxedê\, Abdias Nascimento\, Arlete Soares\, Nádia Taquary e Rubem Valentim. O interesse compartilhado por esses artistas nas linguagens visuais africanas transita dos modernismos do século XX até as contínuas inovações das estéticas da diáspora negra contemporânea. \nA mostra é acompanhada por um catálogo ricamente ilustrado\, com textos curatoriais e novos ensaios encomendados especialmente para a publicação\, assinados pelos historiadores da arte Roberto Conduru e Abigail Lapin Dardashti\, e pela biógrafa Joselia Aguiar. O catálogo incluirá ainda uma seleção de textos do próprio Mestre Didi traduzidos pela primeira vez para o inglês. Mestre Didi: Forma Espiritual tem curadoria de Rodrigo Moura\, curador-chefe\, em colaboração com o curador convidado Ayrson Heráclito.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/mestre-didi-spiritual-form-no-el-museo-del-barrio/
LOCATION:El Museo del Barrio\, 1230 5th Avenue at 104th Street\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Holes" de Luiz Roque na Mendes Wood DM
DESCRIPTION:Luiz Roque\, “Paradise”\, 2025. Cortesia Mendes Wood DM\n\n\n\n\n\n\n\n\nOs vídeos de Luiz Roque são transmissões de um planeta alienígena. Ou\, se preferir\, são sinais televisivos vindos de linhas temporais alternativas\, outros mundos possíveis ou dos devaneios dos submundos. Com a tecnologia certa\, podemos captar vislumbres dessas visões. As estruturas escultóricas que por vezes abrigam as obras de Roque se assemelham a monólitos projetados para sintonizar essas frequências; parecem artefatos deixados por outra civilização – uma muito parecida com a nossa\, mas estranhamente distinta. Aqui\, as instalações em vídeo de Roque funcionam como uma série de portais – para diferentes universos\, para zonas de estranheza temporal e encontro\, para mapas perceptivos do mundo transformados. \n“Holes” costura temas que reaparecem ao longo da carreira de Roque. A exposição parte de seu interesse pelas representações cinematográficas do mundo natural – seja quando abstraído em pura forma\, seja quando antropomorfizado\, como em um documentário de vida selvagem. Ela dissolve fronteiras estáveis entre corporeidade e subjetividade\, trazendo à tona temporalidades desordenadas que acompanham o desejo. Ao mesmo tempo\, celebra o próprio meio da videoarte\, evocando a importância histórica específica desse formato artístico em Nova York. Afinal\, foi aqui que artistas como Shigeko Kubota\, Vito Acconci\, Nam June Paik e Joan Jonas aperfeiçoaram sua prática. \nComo alguns desses pioneiros\, Roque também busca fugir do confinamento da caixa preta museológica; ele enfatiza a mobilidade\, o movimento e o fluxo. Para ele\, o buraco parece simbolizar uma rota de fuga para a videoarte – um portal que conduz para fora da grade espacial subjugadora do teatro. Esse pode ser um modo de interpretar a presença recorrente de orbes\, esferas e círculos ao longo da exposição – formas que rimam com o buraco. Essas formas remetem a obras como República (2020)\, que\, exibida em formato circular\, talvez seja seu desafio mais explícito à apresentação convencional do vídeo. E se o buraco evoca a abertura da câmera\, também alude aos pontos de receptividade no corpo – os muitos pontos\, talvez\, onde o meio multissensorial da videoarte pode nos despertar para prazeres inesperados. \nQuem passa pela Walker Street verá uma tela enorme onde um plano de vidro se estilhaça em câmera lenta. Esta é a convocação de Roque à exposição e uma alusão à linguagem visual da própria Nova York. A princípio\, a obra Projection (2012–2025) parece entrelaçada ao campo visual hiperestimulante da cidade – vitrines\, anúncios da Times Square e\, mais recentemente\, telas de vídeo no metrô disputam nossa atenção por todos os lados. Curiosamente\, embora um orbe perfure o plano de vidro do vídeo\, nada parece mudar na paisagem ao pôr do sol que se vê ao fundo enquanto essa camada se desfaz. Ou muda? Roque sugere que nossa percepção ordinária já vem filtrada desde o início\, mesmo que tais mediações sejam invisíveis a olho nu. Ele brinca com o formato do vídeo em si\, oferecendo telas dentro de telas\, superfícies planas que se disfarçam e se desmontam. O vídeo\, para Roque\, renova nosso modo de olhar. \nRoque realiza essas reconfigurações perceptivas apropriando-se dos clichês\, tecnologias e retórica visual da ficção científica. Como gênero\, a ficção científica tende a girar em torno de um conceito central capaz de gerar todo um sistema de mundo. Esses conceitos são as sementes a partir das quais as obras de Roque florescem: Heaven (2016) imagina uma situação em que um vírus se espalha por hormônios usados pela comunidade trans\, enquanto Zero (2019) apresenta um mundo repleto de arranha-céus reluzentes e jatos\, mas desprovido de vida humana. Nas palavras do filósofo americano Fredric Jameson\, recém-falecido\, a ficção científica é paradoxalmente literal apesar de suas fabulações: ela emprega a visualidade “não para representar o mundo\, mas para representar nossos pensamentos sobre o mundo”. Ou seja\, a ficção científica dá forma às abstrações. \nNessa perspectiva\, as esculturas de Roque rimam com seus filmes: ambas as práticas moldam ideias ou conceitos em proposições visuais; ambas nos convidam a considerar as formas múltiplas e deliciosamente estranhas que a subjetividade pode assumir. Nomeadas a partir de objetos e entidades familiares\, mas marcianas em sua geometria\, essas obras parafraseiam a vida orgânica; pense nelas como abreviações das energias humanas. Toilet (2024) se assemelha ao objeto que lhe dá nome – e talvez evoque Duchamp enquanto descarta a referência no mesmo gesto – mas seus múltiplos buracos semelhantes a ralos poderiam igualmente ser um conjunto de olhos. Em outras obras\, o esmalte cerâmico pode começar a lembrar maquiagem sobre um rosto contornado. \nSe compreendermos Roque como um artista que minera a ficção científica por sua capacidade de imaginar a teoria\, podemos apreciar plenamente Clube Amarelo (2024) e Paradise (2025)\, uma nova obra feita para esta exposição. Destilando a gramática visual de Roque – com seus loops\, repetições e imagens marcantes – em sua forma mais condensada\, Paradise consiste em dois monitores quadrados conectados\, empilhados um sobre o outro no chão\, cada um exibindo um vídeo distinto. Um deles mostra um elemento icônico do horizonte do bairro: o arranha-céu residencial na 56 Leonard Street\, projetado pelo escritório suíço Herzog & de Meuron e apelidado de “prédio Jenga” devido à aparência empilhada de suas unidades. Sempre atento à vida póstuma do modernismo em escala global\, Roque concentra-se nesses espaços de planta livre em balanço\, que flutuam no ar sem ligação com a terra. A imagem do prédio gira\, evocando tanto as repetições hipnóticas de um protetor de tela quanto a abertura de um vórtice ou portal. Atravessando esse espiral\, somos transportados para a cena inesperada exibida no monitor abaixo: um delicado vídeo de cervos pastando. \nVeado significa “deer” em português\, e no Brasil funciona tanto como um insulto direcionado a homens queer quanto como termo de afeto dentro da própria comunidade. Funcionando como uma espécie de senha\, o vídeo parece inicialmente nos oferecer a imagem de um idílio queer\, em contraste com o urbanismo vertiginoso da 56 Leonard. No entanto\, como sugere a ambivalência linguística do termo veado\, há algo inquietante na relação entre os dois vídeos. O mundo natural é ameaçado pelas formas de extração necessárias à construção dos arranha-céus – monumentos à virtuosidade humana que também registram os processos cíclicos da acumulação capitalista. Ainda assim\, o ambiente urbano tem sido palco do florescimento de formas sociais queer que rompem com a norma\, oferecendo seu próprio tipo de “paraíso” aos marginalizados. Com cabos de monitor que lembram caudas\, Paradise embaralha as fronteiras entre o natural e o tecnológico\, desestabilizando qualquer binarismo simplista. \nNos fundos da galeria\, Clube Amarelo (2024) apresenta alienígenas humanoides – figuras que permitem a Roque explorar configurações queer de corpos e prazeres. Vemos imagens externas de um prédio geometricamente austero\, em um tempo que confunde dia e noite. Logo a câmera é puxada pela porta do clube como se atraída pela gravidade de um buraco negro\, e parece que deixamos este mundo para trás ao atravessar o vazio escuro. A sugestão é que estamos prestes a embarcar em uma jornada interior\, onde a matéria do inconsciente invade a vida desperta. Imagens em série de uma orgia proliferam pela tela – membros embaralhados e infinitos. Corte para a próxima cena: talvez tudo isso tenha sido o devaneio da figura de pele verde repousando em uma espreguiçadeira. Ela deseja se juntar à multidão? Ou\, como a louva-a-deus que imagina\, nutre agressividade por seus possíveis parceiros? \nTalvez mais parecido com uma boate do que com um spa\, Clube Amarelo é onde o êxtase encontra o terror. Testemunhamos uma criatura de pele púrpura encontrar seu duplo que\, em pouco tempo\, revela sua diferença alienígena: um tentáculo longo e espesso\, de pele levemente translúcida como a de uma larva – uma homenagem aos efeitos especiais tradicionais da ficção científica. Lentamente\, mas com insistência\, o tentáculo avança em direção ao protagonista até estrangulá-lo. Seus suspiros\, no entanto\, são indistinguíveis de gemidos de prazer\, e o filme corta para tomadas e poses repetidas\, como se esse momento de jouissance rompesse qualquer noção de tempo linear. O filme pode ser lido como uma alegoria de nossa atração desestabilizadora pelo desconhecido\, pelo estranhamento de si que acompanha a transformação. Vamos gostar do que nos tornamos\, vamos aproveitar o que nos acontece quando buscamos prazer ou embarcamos em transformações corporais? Será que nossa atração pelo outro é\, na verdade\, uma fantasia sublimada da reformulação da própria identidade? \nPerguntas como essas se multiplicam na obra de Roque\, onde não se encontram fronteiras nítidas. Ele não permite – e tampouco deseja – que o espectador se dissolva no espaço anonimizante e subjugador da caixa preta. Você deseja entrar no Clube Amarelo? Contorne essa cortina de borracha e encare a tela. Cortinas normalmente separam o palco da plateia ou a sala escura do cubo branco do museu. Esta\, no entanto\, chama atenção para sua própria materialidade\, sua presença enquanto algo que permite o olhar ao mesmo tempo que o delimita. Roque quer propor cenas alternativas de recepção artística – modos que possam alterar os arranjos dos corpos no espaço e os circuitos de afetividade e sensação. Se a ficção científica materializa essas transformações\, o mesmo fazem as culturas queer que Roque frequentemente cita em sua obra. Elas são\, para ele\, zonas de encontro capazes de desestabilizar nossos modos habituais de ver\, sentir e conhecer. Elas perfuram buracos no campo de força do aqui e agora. \n— Connor Spencer
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LOCATION:Mendes Wood DM NY\, 47 Walker Street\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"A Man\, a Calf\, and Another Man" de Nika Kutateladze na Mendes Wood DM
DESCRIPTION:Nika Kutateladze\, “First night”\, 2025. Cortesia Mendes Wood DM\n\n\n\n\n\n\n\n\nA Mendes Wood DM apresenta A Man\, a Calf\, and Another Man\, primeira exposição individual de Nika Kutateladze em Nova York e também sua primeira com a galeria. A mostra\, que entrelaça visões dos instintos e rituais humanos e animais\, apresenta uma nova série de pinturas a óleo sobre tábuas de madeira\, além de uma obra de grande formato em tela sem chassi. \nO novo corpo de trabalho de Kutateladze dá continuidade à sua investigação sobre a vida cotidiana em pequenas comunidades da república da Geórgia. Ao retratar ambientes rurais abstratizados e os homens que os habitam\, o artista disseca as tensões e laços de camaradagem entre essas figuras\, revelando rostos marcados e estoicos\, em atmosferas que oscilam entre a independência feroz e o comportamento de matilha\, em cenários amplamente despovoados. A natureza\, que paira sobre as paisagens em constante dissolução de Kutateladze\, aparece em vislumbres — por meio de rios\, lobos e montanhas. Ao mesmo tempo oníricos e ecológicos\, esses símbolos funcionam como ferramentas para investigar os efeitos profundos do Antropoceno sobre o imaginário humano. \nPintadas majoritariamente sobre tábuas de madeira\, as obras de Kutateladze preservam as tradições materiais da pintura ortodoxa georgiana\, ao mesmo tempo em que adotam tons dessaturados e apagados. Os olhos das figuras idiossincráticas\, em particular\, muitas vezes se confundem com o fundo ou aparecem eclipsados\, embaçados\, evocando narrativas de independência\, força e fragilidade. \nAo mesmo tempo\, as pinceladas e técnicas de fusão do artista conferem às obras uma textura fluida\, quase esfumaçada\, como se vê em Man is cutting his own hair. Reflection in the mirror (2025) e First night (2025)\, que evocam uma sensação onírica de dissociação entre corpo e imaginação. \nA prática de Kutateladze transita entre a pintura e a instalação. No entanto\, para esta exposição\, o artista volta seu foco exclusivamente para a pintura e\, pela primeira vez\, apresenta uma obra em grande escala em tela sem chassis. Ao expandir o campo pictórico e pregar diretamente a tela na parede\, Kutateladze acena para uma estética de protesto e manifesto. Em um momento em que leis draconianas impostas pelas autoridades georgianas ameaçam a cultura da imagem e a liberdade de expressão\, o artista convida o público a se engajar com expressões sobrepostas de existência coletiva e apagamento como forma de resistência.
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LOCATION:Mendes Wood DM NY\, 47 Walker Street\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Consuelo Kanaga: Catch the Spirit" no Brooklyn Museum
DESCRIPTION:Consuelo Kanaga\, “Kenneth Spencer”\, 1933. Foto: Brooklyn Museum\n\n\n\n\nAo longo de 60 anos\, Consuelo Kanaga (americana\, 1894–1978) utilizou sua câmera para enfrentar as questões sociais mais urgentes de sua época — da pobreza urbana aos direitos trabalhistas\, do terror racial à desigualdade. Consuelo Kanaga: Catch the Spirit traça a trajetória pioneira da artista e ilumina a história de vida dessa figura fundamental\, embora frequentemente negligenciada\, da fotografia moderna. Após uma turnê internacional\, a retrospectiva retorna ao Brooklyn Museum\, instituição que abriga o acervo mais abrangente da artista no mundo. A mostra reúne cerca de 200 fotografias\, documentos e filmes que revelam a evolução de sua arte ao longo do tempo e de temas diversos\, incluindo retratos de artistas e registros do sul dos Estados Unidos. \nKanaga começou sua carreira como fotojornalista — uma função extremamente rara para mulheres naquela época — e se destacou por suas naturezas-mortas modernistas e retratos expressivos. Em suas imagens\, captava a dignidade e a força de pessoas marginalizadas\, como trabalhadores negros durante o período das leis de Jim Crow. Diferente de muitos colegas\, incluindo amigas próximas como Dorothea Lange e Imogen Cunningham\, Kanaga utilizou a linguagem visual do modernismo para abordar desigualdades\, despertando reflexão e empatia. Como afirmou: “A maioria das pessoas tenta ser impactante para atrair o olhar. Eu acho que o mais importante não é capturar o olhar\, mas o espírito.” \nA retrospectiva é acompanhada por um catálogo que destaca a notável produção de Kanaga e apresenta novas pesquisas sobre a artista\, até então pouco reconhecida. Com ensaios de Drew Sawyer\, Shalon Parker\, Ellen Macfarlane e Shana Lopes\, a publicação é uma coedição do Brooklyn Museum\, Fundación MAPFRE e Thames & Hudson — sendo o primeiro grande livro sobre sua obra em 30 anos.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/consuelo-kanaga-catch-the-spirit-no-brooklyn-museum/
LOCATION:Brooklyn Museum\, 200 Eastern Pkwy Brooklyn\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
CATEGORIES:Nova York
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SUMMARY:"Nancy Elizabeth Prophet: I Will Not Bend an Inch" no Brooklyn Museum
DESCRIPTION:Nancy Elizabeth Prophet\, Sem título (desenho\, s.d.). Coleção Nancy Elizabeth Prophet\, MSS-0028\, Coleções Especiais\, Biblioteca James P. Adams\, Rhode Island College\n\n\n\n\nComo artista afro-indígena\, Nancy Elizabeth Prophet (americana\, 1890–1960) desenvolveu sua prática em meio a um contexto marcado por racismo e sexismo profundamente enraizados. Sua escultura é incomparável em sutileza emocional e virtuosismo técnico\, e sua trajetória representa um exemplo de determinação inabalável. I Will Not Bend an Inch — primeira exposição museológica dedicada a essa escultora ainda pouco reconhecida — homenageia sua obra e legado por meio de novas pesquisas urgentes e reveladoras. Vinte obras raras\, acompanhadas de documentação histórica\, mostram como Prophet enfrentou um mundo da arte que lhe era hostil. \nNascida em Rhode Island\, filha de pai indígena Narragansett e mãe negra\, Prophet tornou-se a primeira mulher não branca conhecida a se formar na prestigiada Rhode Island School of Design. Viveu um período em Nova York antes de se mudar para Paris\, onde atingiu o auge de sua carreira\, recebendo aclamação crítica. Ainda assim\, enfrentou extrema pobreza\, isolamento e chegou a passar fome em diversos momentos. Mesmo assim\, manteve-se fiel à sua prática artística. Nove cabeças esculpidas em madeira dura — uma pertencente ao Brooklyn Museum — demonstram com força a habilidade técnica de Prophet\, sendo algumas das poucas obras suas que sobreviveram. Elas estão reunidas na mostra ao lado de peças ainda mais raras\, como esculturas em mármore\, relevos e desenhos. \nSua correspondência com W. E. B. Du Bois\, um dos principais apoiadores de sua obra\, ajuda a preencher lacunas em sua biografia\, assim como fotografias de arquivo e um instigante diário mantido durante sua estadia em Paris. O título da exposição é extraído de uma entrada escrita por Prophet em 1929\, e traduz seu espírito combativo e sua dedicação incansável à escultura\, mesmo diante de enormes adversidades. \nA mostra é acompanhada por um catálogo ricamente ilustrado\, publicado pelo RISD Museum em parceria com a Yale University Press\, de New Haven e Londres.
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