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SUMMARY:Instalação David Hammons no Whitney Museum of American Art
DESCRIPTION:O Whitney\, em colaboração com o Hudson River Park \, desenvolveu um projeto de arte pública permanente de David Hammons (n. 1943). Intitulada Day’s End (2014–21)\, esta instalação monumental está localizada no Hudson River Park ao longo da margem sul da Península de Gansevoort\, em frente ao Museu. \n\n\n\nProposto ao Whitney por Hammons\, Day’s End se inspira em uma obra de arte de mesmo nome de Gordon Matta-Clark (1943-1978). Em 1975\, Matta-Clark cortou cinco aberturas no galpão Pier 52 que anteriormente ocupava o local. O Hammons’s Day’s End é uma estrutura aberta que segue precisamente os contornos\, dimensões e localização do galpão original – e\, como a intervenção de Matta-Clark\, oferecerá um lugar extraordinário para experimentar a orla. \n\n\n\nEm conjunto com a realização do projeto\, o Whitney apresentou Around Day’s End: Downtown New York\, 1970–1986 \, uma exposição que apresentou obras da coleção relacionadas ao projeto seminal de Matta-Clark. O Whitney também criou materiais interpretativos\, incluindo a primeira série de podcasts do Museu\, Artists Among Us \, bem como vídeos e passeios a pé pelo bairro. Essa mídia de apoio toma os Day’s End s\, conforme previsto por Hammons e Matta-Clark\, como pontos de partida para explorar a história local – da orla e do Meatpacking District\, o papel dos artistas no bairro\, sua história LGBTQ e a ecologia do estuário. Novas pesquisas\, materiais de arquivo e entrevistas de história oral serão incorporadas.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/instalacao-david-hammons-no-whitney-museum-of-american-art/
LOCATION:Whitney Museum of American Art\, 99 Gansevoort St Manhattan\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"At the Dawn of a New Age" no Whitney Museum of American Art
DESCRIPTION:Os artistas americanos saudaram o século XX com uma confiança juvenil no progresso e na inovação. Animados pelas mudanças tecnológicas que estavam revolucionando as comunicações e a engenharia\, bem como as mudanças culturais\, como o sufrágio feminino\, os artistas abraçaram o novo em detrimento do tradicional e fixo. Não mais contentes em replicar a realidade\, eles se voltaram para os estilos de vanguarda como forma de comunicar sua empolgação com uma época que o crítico Walter Lippmann caracterizou como “explosiva com novas ideias\, novos planos e novas esperanças”. \n\n\n\nAlguns dos artistas apresentados nesta exposição\, como Georgia O’Keeffe e Marsden Hartley \, são bem conhecidos hoje\, mas muitos modernistas igualmente inovadores foram amplamente esquecidos. Com mais de sessenta obras de quarenta e cinco artistas extraídas principalmente da coleção permanente do Whitney\, At the Dawn of a New Age oferece uma compreensão expandida da complexidade da arte americana produzida entre 1900 e 1930 e recupera a exuberante sensação de liberdade e experimentação subjacente isto. \n\n\n\nEsta exposição é organizada por Barbara Haskell\, curadora.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/at-the-dawn-of-a-new-age-no-whitney-museum-of-american-art/
LOCATION:Whitney Museum of American Art\, 99 Gansevoort St Manhattan\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Ink and Ivory: Indian Drawings and Photographs Selected with James Ivory" no The Met Museum
DESCRIPTION:Buffaloes in Combat (detalhe)\, Atribuído a Miskin\, Índia\, Mughal\, final do século XVI.\n\n\n\n\nEsta exposição apresenta uma seleção de desenhos superlativos das cortes e centros da Índia e do Paquistão (com algumas obras persas relacionadas)\, datados do final do século XVI ao século XX. Essas obras foram selecionadas principalmente da coleção do Met em parceria com o diretor de cinema James Ivory\, cuja recente doação ao Museu de álbuns fotográficos do século XIX também será destaque na exposição (2021.381.1-16). Os desenhos incluirão exercícios preparatórios frescos e informais para pinturas\, bem como obras lindamente acabadas por si só. As fotografias apresentarão os temas e estilos que surgiram nos contextos de patrocínio real e cerimônia; vistas de arquitetura\, cidades\, paisagens e pessoas\, entre outros. Como artista e cineasta\, James Ivory nos ajudará a apreciar esse material através de seu olhar único. Um curta-metragem — An Arrested Moment — dirigido por Dev Benegal\, acompanhará a exposição. \nA exposição é viabilizada pelo Hagop Kevorkian Fund. \nApoio adicional é fornecido pelo Lavori Sterling Foundation Endowment Fund.
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LOCATION:The Metropolitan Museum of Art\, 1000 5th Ave\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Robert Frank’s Scrapbook Footage" no MoMA
DESCRIPTION:Vista da exposição “Robert Frank’s Scrapbook Footage”. Foto: Emile Askey\n\n\n\n\nRobert Frank é mais conhecido por suas imagens de uma América do pós-guerra marcada por discórdia social e política\, e pelos filmes que fez com os poetas da Geração Beat e os Rolling Stones. Assim\, as imagens filmadas encontradas apenas após a morte de Frank em 2019 podem surpreender alguns espectadores. Armazenadas em locais de depósito\, essas latas e fitas de filme\, que abrangem os anos de 1970 a 2006\, oferecem um vislumbre da vida e do trabalho do artista. Em parceria com a June Leaf e a Robert Frank Foundation\, a editora de filmes de longa data de Frank\, Laura Israel\, e o diretor de arte Alex Bingham utilizaram esses fragmentos para criar um álbum de imagens em movimento. Com projeções em várias telas\, a instalação transmite a intimidade e a imediata percepção das observações de Frank sobre família\, amigos e colaboradores\, bem como sobre interiores domésticos e vistas de cidades e costas. \nAs filmagens nesta instalação\, costuradas por Israel e Bingham para evocar seu olhar e voz inquietos\, lançam uma nova luz sobre seu processo artístico — ao mesmo tempo cômico e melancólico. Vemos Frank viajar entre suas casas em Nova York e Nova Escócia; pelas estradas abertas dos Estados Unidos e do Canadá; e por paisagens urbanas\, incluindo as de Beirute\, Cairo\, Moscovo e sua Suíça natal. Frank torna os prazeres mais efêmeros atemporais: um banho quente e uma chaleira fumegante\, um vislumbre de sua esposa June Leaf em seu estúdio\, o jogo de luz do sol em sua mão.
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LOCATION:MoMA\, 11 W 53rd St Manhattan\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Otobong Nkanga: Cadence" no MoMA
DESCRIPTION:Detalhe do tecido em progresso para Otobong Nkanga: Cadence. Cortesia de Otobong Nkanga. © Otobong Nkanga. Foto: Wim van Dongen\n\n\n\n\nOtobong Nkanga mudou a forma como entendemos a terra e nosso lugar nela. “Os humanos são apenas uma pequena parte do ecossistema\,” disse a artista. “Meus trabalhos nos conectam às nossas histórias compartilhadas\, não apenas por meio da terra e da geografia\, mas por meio de emoções moldadas por eventos e encontros. Essas são as cadências da vida.” \nOtobong Nkanga: Cadence apresenta uma nova comissão da artista: um ambiente abrangente de tapeçaria\, escultura\, som e texto que explora os ritmos turbulentos da natureza e da sociedade. Criada especificamente para o Átrio da Família Marron do MoMA\, a instalação se centra em uma monumental tapeçaria de múltiplos painéis que sugere ecossistemas e galáxias expansivas. \nSuspensa ao longo da parede mais alta do Átrio\, a tapeçaria de grande escala apresenta uma gama caleidoscópica de fibras naturais e sintéticas criadas pela artista utilizando técnicas inovadoras de tecelagem digital no TextielLab em Tilburg\, na Holanda. Esculturas compostas por cordas tingidas\, entrelaçadas com formas de vidro soprado à mão e cerâmica\, pendem do chão ao teto ao lado de tablets de cerâmica impressos com os poemas da artista. Esses elementos diversos são reunidos dentro de uma obra sonora imersiva baseada na voz e na respiração da artista. Cadence confronta tanto a beleza quanto a degradação do mundo natural — e sua agitação em meio a revoluções industriais e tecnológicas\, extração de recursos e guerras. A instalação monumental cria novas maneiras de perceber — e sentir — as enormes mudanças que estão ocorrendo em nosso tempo. \nApresentações ao vivo acontecerão na primavera de 2025. Mais detalhes serão fornecidos aqui nas próximas semanas.
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LOCATION:MoMA\, 11 W 53rd St Manhattan\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Jesse Krimes: Corrections" no The Met Museum
DESCRIPTION:Jesse Krimes\, “Purgatory” (detalhe)\, 2009. The Metropolitan Museum of Art\, Nova York. Aquisição com doação do Vital Projects Fund Inc.\, por meio de Joyce e Robert Menschel\, e doações da Alfred Stieglitz Society\, 2024. © Jesse Krimes.\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\nA fotografia desempenhou um papel central na construção de sistemas de poder na sociedade\, especialmente em contextos ligados ao crime e à punição. Esta exposição apresenta instalações imersivas contemporâneas do artista Jesse Krimes (americano\, nascido em 1982)\, em diálogo com fotografias do século XIX do acervo do The Met\, realizadas pelo criminologista francês Alphonse Bertillon — responsável por desenvolver o primeiro sistema moderno de identificação criminal\, anterior à adoção das impressões digitais. \nAs instalações de Krimes\, criadas ao longo de seus seis anos de encarceramento\, revelam a engenhosidade de um artista que trabalhou sem acesso a materiais tradicionais. Utilizando sabonetes fornecidos pela prisão\, gel para cabelo\, cartas de baralho e jornais\, ele produziu obras que buscam interromper e recontextualizar a circulação de imagens na mídia. Exibidas em contraponto às fotografias de Bertillon — cuja metodologia combinava medidas antropométricas e retratos fotográficos\, dando origem à atual ficha de identificação criminal — as obras de Krimes questionam a suposta neutralidade dos sistemas de reconhecimento e as hierarquias sociais que eles ajudam a criar e perpetuar. \nArtista para quem a colaboração e o ativismo são essenciais\, Krimes fundou o Center for Art and Advocacy\, uma organização voltada à valorização do talento e do potencial criativo de pessoas que passaram pelo sistema prisional\, promovendo apoio e melhores condições para artistas anteriormente encarcerados.
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LOCATION:The Metropolitan Museum of Art\, 1000 5th Ave\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Shifting Landscapes" no Whitney Museum
DESCRIPTION:Jane Dickson\, “Heading in—Lincoln Tunnel 3”\, 2003. Whitney Museum of American Art\, Nova York; presente de Eve Ahearn e Joseph Ahearn 2017.275. © Jane Dickson.\n\n\n\n\nEmbora o gênero paisagem tenha sido historicamente associado a vistas pitorescas\, Shifting Landscapes considera uma interpretação mais expansiva dessa categoria\, explorando como as questões políticas\, ecológicas e sociais em evolução motivam os artistas enquanto tentam representar o mundo ao seu redor. Retirada da coleção do Whitney\, a exposição apresenta obras dos anos 1960 até o presente e é organizada em seções temáticas distintas. Algumas delas se agrupam em torno de afinidades materiais e conceituais: assemblagens escultóricas formadas por objetos locais\, abordagens ecofeministas da land art e os legados da fotografia documental de paisagens. Outras estão relacionadas a geografias específicas\, como o frenético cenário urbano da Nova York moderna ou a cena experimental de cinema de Los Angeles dos anos 1970. Ainda outras mostram como os artistas inventam novos mundos fantásticos\, onde humanos\, animais e a terra se tornam um só. Seja representando os efeitos da industrialização no meio ambiente\, enfrentando o impacto das fronteiras geopolíticas ou propondo espaços imaginados como uma forma de desestabilizar o conceito de um mundo “natural”\, as obras reunidas aqui trazem ideias sobre a terra e o lugar em foco\, destacando como moldamos e somos moldados pelos espaços ao nosso redor. \nShifting Landscapes é organizada por Jennie Goldstein\, Curadora Associada da Coleção; Marcela Guerrero\, Curadora da Família DeMartini; Roxanne Smith\, Assistente Curatorial Sênior; com Angelica Arbelaez\, Rubio Butterfield Family Fellow; com agradecimentos a Araceli Bremauntz-Enriquez e J. English Cook pelo apoio à pesquisa.
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SUMMARY:"Christian Marclay: The Clock" no MoMA
DESCRIPTION:Christian Marclay\, “The Clock”\, 2010. Museu de Arte Moderna\, Nova York. Doação prometida pela coleção de Jill e Peter Kraus. © 2024 Christian Marclay. Cortesia da Paula Cooper Gallery e White Cube. Visita à instalação\, Christian Marclay—The Clock\, Museu de Arte Moderna\, Nova York\, 21 de dezembro de 2012 a 21 de janeiro de 2013. Foto: Thomas Griesel\n\n\n\n\nEncapsulando 100 anos da história da imagem em movimento\, The Clock (2010) de Christian Marclay é uma montagem de 24 horas composta por milhares de clipes de filmes e programas de televisão que retratam relógios e outras referências ao tempo. James Bond checa seu relógio às 12h20; Meryl Streep desliga um despertador às 6h30; um relógio de bolso faz tique-taque às 11h53 enquanto o Titanic parte. Com cada clipe sincronizado com a hora local\, The Clock colapsa o tempo fictício apresentado na tela com o tempo real de cada minuto que passa. A obra é tanto uma tour de force cinematográfica quanto um relógio funcional. \nCom base em sua formação como músico nas cenas underground de Boston e Nova York no final dos anos 1970 e 1980\, Marclay\, ao longo de cinco décadas\, combinou fragmentos visuais e sonoros para explorar as complexas relações entre imagem e som. Seus trabalhos resultantes tomaram forma em uma ampla variedade de meios: escultura\, pintura\, fotografia\, impressão\, performance e vídeo. Com a ajuda de assistentes em busca de imagens\, Marclay passou três anos editando meticulosamente The Clock—a culminação de sua abordagem inovadora de olhar o mundo de uma forma nova através de material encontrado. \nThe Clock fala sobre a rica história do cinema como um reflexo e uma fuga da realidade\, um paradoxo que se torna cada vez mais central na vida cotidiana na era de transmissão instantânea\, serviços de streaming e inteligência artificial. A montagem de Marclay\, com clipes cuidadosamente selecionados\, nos leva em uma jornada pelo passado para aumentar nossa percepção de um presente sempre elusivo e em constante desdobramento. Ao editar fragmentos do vasto arquivo do cinema para mostrar a hora atual\, Marclay reformula nossa memória coletiva dos filmes como um confronto estranho com nós mesmos.
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SUMMARY:"Ceremonies Out of the Air: Ralph Lemon" no MoMA PS1
DESCRIPTION:Ralph Lemon\, “Untitled no. 3”\, 2017. Fonte: MoMA\nEsta importante exposição do artista Ralph Lemon (nascido em 1952\, em Cincinnati) apresenta mais de sessenta obras realizadas na última década\, abrangendo diversas disciplinas e marcando a estreia de várias performances colaborativas. Como uma das figuras mais relevantes da cena do centro de Nova York\, Lemon ampliou a capacidade de contar histórias em diferentes contextos e tradições. Ceremonies Out of the Air: Ralph Lemon inclui dança\, desenhos\, fotografias\, esculturas\, pinturas e vídeo distribuídos pelas amplas galerias do terceiro andar do museu\, além de um programa sincronizado de performances ao vivo em um espaço dedicado. \nO destaque da exposição é Rant redux (2020–24)\, uma grande instalação de vídeo e som em quatro canais\, realizada com Kevin Beasley e baseada na performance ao vivo Rant (2019–presente). O programa de performances inclui a estreia nos EUA de In Proximity (2022) e a estreia em Nova York de Tell it anyway (2024)\, além de convidar uma série de convidados especiais para responderem aos desenhos de Lemon de Untitled (The greatest [Black] art history story ever told. Unfinished) (2015–presente). A obra de Lemon toma o corpo como um arquivo de emoção crua\, trabalho físico e histórias recebidas\, desafiando as formas como fomos ensinados a ver o mundo.
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SUMMARY:"The Fortune Society: Future Freedoms" no MoMA PS1
DESCRIPTION:Prison Is History. Colagem em outdoor\, 2023. Cortesia de Jenny Polak e dos artistas da The Fortune Society.\nThe Fortune Society: Future Freedoms marca a segunda exposição no MoMA PS1 pela organização sem fins lucrativos sediada em Long Island City\, que promove alternativas ao encarceramento e apoia a reintegração bem-sucedida de ex-detentos. A exposição em Homeroom apresenta novas obras criadas durante uma residência no MoMA PS1\, incluindo autorretratos\, vestimentas\, poesia\, bandeiras\, esculturas\, gravações de áudio\, um outdoor e um videoclipe. Future Freedoms é o ápice de uma colaboração de quatro anos entre as duas organizações\, juntamente com as artistas Jenny Polak e Laura Cerón Melo\, como parte da iniciativa Creatives Rebuild New York. Enfrentando os legados do encarceramento\, a exposição imagina um futuro mais justo\, construído por meio da criatividade.
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SUMMARY:"Light: Rafaël Rozendaal’s Digital Abstractions" no MoMA
DESCRIPTION:Rafaël Rozendaal\, “Implosion”\, 2023. Coleção do artista. Imagem cortesia do artista.\n\n\n\n\n“Eu sempre quis fazer trabalhos que pudessem ser vistos por qualquer pessoa\, em qualquer lugar\, a qualquer hora”\, diz Rafaël Rozendaal\, um inovador no campo da arte baseada na Internet. Desde o início dos anos 2000\, suas animações vibrantes exploram as possibilidades estéticas e conceituais do código\, tratando-o como se fosse tinta. \nComo Rozendaal escolheu a Internet como sua tela\, essas obras estão acessíveis online por todos. Cada obra começa como um storyboard esboçado no papel\, que é então traduzido para o código e ocupa apenas uma pequena quantidade de kilobytes. Sua forma final é um site autônomo alimentado por um algoritmo que gera a animação em tempo real. A prática de Rozendaal se desdobra dentro das possibilidades visuais do navegador\, aproveitando a paisagem digital plana\, mas multidimensional. \nEsta instalação apresenta uma seleção de seus sites\, cada um amostrado por dois a três minutos em uma tela de alta resolução com quase 7\,5 metros de largura. Desde o início\, essas obras foram concebidas para serem independentes de resolução e robustas o suficiente para suportar a evolução de software e telas. O objetivo de Rozendaal é que experimentemos um estado de imersão tão completo que ele se torne um com o nosso mundo físico. Como ele explica: “Eu imagino que viveremos em um mundo onde não haverá diferença entre uma tela e qualquer outra superfície.”
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SUMMARY:"Solid Gold" no Brooklyn Museum
DESCRIPTION:Foto: Reprodução Brooklyn Museum\n\n\n\n\nContemple a majestade do ouro em uma exposição cintilante dedicada ao elemento que inspirou incontáveis obras de arte\, moda\, cinema\, música e design. Como material e cor\, o ouro simbolizou beleza\, honra\, alegria\, ritual\, espiritualidade\, sucesso e riqueza ao longo da história. Ele também assumiu inúmeras formas: de representações milenares de mundos idealizados a suntuosos retábulos italianos dos séculos XIII e XIV\, passando por delicados biombos japoneses até obras contemporâneas e criações deslumbrantes da alta-costura. Com uma seleção abrangente de objetos e uma perspectiva global\, esta exposição traça as muitas jornadas do metal que influenciou culturas e legados em todo o mundo. \nSolid Gold\, que inaugura as comemorações do bicentenário do Brooklyn Museum\, reúne mais de 500 obras\, combinando peças de destaque do acervo com empréstimos internacionais impressionantes. O fascínio da moda pelo ouro será refletido em criações icônicas de Anna Sui\, Christian Dior\, Demna\, Gianfranco Ferré\, Giorgio di Sant’Angelo\, Halston\, Mary McFadden\, The Blonds\, Walter Van Beirendonck e Yves Saint Laurent. Pinturas e esculturas com fundo dourado\, moedas e outros tesouros dividirão espaço com joias assinadas por Alexander Calder\, Belperron\, Cartier\, Charles Loloma\, Jacob & Co e Verdura — além de grillz criados por Gabby Elan. \nAo mesmo tempo em que celebra o encantamento sedutor desse material luminoso\, a exposição também propõe reflexões sobre suas histórias mais sombrias\, convidando a conversas francas sobre os custos humanos e ambientais envolvidos na extração do minério de ouro. Solid Gold convida o público a mergulhar em uma das obsessões mais cintilantes da humanidade.
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SUMMARY:"Lillie P. Bliss and the Birth of the Modern" no MoMA
DESCRIPTION:Paul Cézanne\, “Still Life with Apples”\, 1895–98. Museu de Arte Moderna\, Nova York. Coleção Lillie P. Bliss\n\n\n\n\nMoMA não seria o que é hoje sem Lillie Plummer Bliss. Em 1929\, após anos de defesa da arte moderna em Nova York\, Bliss\, juntamente com Abby Aldrich Rockefeller e Mary Quinn Sullivan\, fundou o Museu de Arte Moderna. Quando faleceu\, aos 66 anos\, apenas dois anos depois\, Bliss deixou grande parte de sua coleção de arte para o museu — um ato visionário que mudou fundamentalmente a trajetória do MoMA. \nLillie P. Bliss and the Birth of the Modern reúne 40 obras da coleção de Bliss\, incluindo pinturas e trabalhos sobre papel de Paul Cézanne\, Odilon Redon\, Georges-Pierre Seurat e Pablo Picasso. Bliss foi uma feroz defensora desses artistas inovadores em uma época em que a arte moderna era frequentemente recebida com suspeita ou ridicularização. “Eles têm algo a dizer que vale a pena ser dito e reivindicam para si mesmos apenas a liberdade de expressá-lo à sua maneira\,” declarou ela. Seu presente generoso\, que permitiu a venda de suas obras para financiar novas aquisições — incluindo A Noite Estrelada de Vincent van Gogh — forneceu ao jovem museu os meios para desenvolver sua coleção por muitos anos no futuro. \nA notável contribuição de Bliss para a história da arte moderna nos Estados Unidos permanece subestimada. Isso se deve em parte ao seu desejo de ficar fora dos holofotes; no final de sua vida\, Bliss solicitou que seus documentos pessoais fossem queimados. Embora grande parte de sua história permaneça por imaginar\, Lillie P. Bliss and the Birth of the Modern ilumina essa figura fundamental por meio das obras de arte que ela mais amava.
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SUMMARY:"Collection in Focus | Piet Mondrian\, Ever further" no Guggenheim
DESCRIPTION:Piet Mondrian\, “Composition No. III\, with Red\, Blue\, Yellow\, and Black”\, s/d. Divulgação Guggeinheim\nEsta exposição apresenta uma seleção de pinturas e desenhos de Piet Mondrian provenientes da coleção singular do Guggenheim\, uma das mais representativas do mundo. Ao longo de sua carreira\, Mondrian fez contribuições marcantes para o desenvolvimento da arte abstrata\, buscando afastar a pintura da representação da natureza para alcançar uma essência ou espírito universal. \nA mostra reúne obras que documentam a evolução do estilo característico do pintor holandês\, desde suas primeiras experimentações na Holanda\, passando pelo período mais produtivo em Paris\, até os anos finais em Nova York. Piet Mondrian: Ever Further inaugura a série de exposições Collection in Focus\, dedicada a destacar artistas da Coleção Guggenheim. \nA curadoria é de Mariët Westermann\, Diretora e CEO do Solomon R. Guggenheim Museum and Foundation.
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SUMMARY:"Above Ground: Art from the Martin Wong Graffiti Collection" no Museum of the City of New York
DESCRIPTION:Lee Quiñones\, “Breakfast at Baychester”\, c. 1980. Museum of the City of New York / Martin Wong Collection \nA era do grafite em Nova York começou nas ruas da cidade no início dos anos 1970. Esse novo movimento — muitas vezes conscientemente artístico\, apesar de suas origens não autorizadas — amadureceu ao longo das duas décadas seguintes. Above Ground enfoca os muitos artistas que fizeram a transição de escrever ilegalmente nos vagões do metrô para criar pinturas em tela e expô-las em galerias e museus. Suas obras marcam um momento crucial de transformação no desenvolvimento do grafite\, à medida que ele penetrava no imaginário coletivo e passava a influenciar de forma significativa a cultura global. \nDescrita pelo The New York Times como “uma exposição essencial”\, Above Ground oferece um olhar sobre uma subcultura vibrante de jovens criadores e revela preciosidades inéditas da importante coleção de arte baseada em grafite do acervo do museu. Doada pelo artista Martin Wong há 30 anos\, a coleção reúne mais de 300 pinturas e obras em papel. Entre os destaques da mostra estão trabalhos em spray\, tinta e outros suportes de figuras fundamentais do movimento de arte urbana\, como Rammellzee\, Lee Quiñones\, Lady Pink e Futura 2000. Juntas\, essas obras capturam o ímpeto e as ambições de artistas que migraram das ruas para as paredes de galerias de prestígio em Nova York e ao redor do mundo. \nA mostra Above Ground: Art from the Martin Wong Graffiti Collection conta com patrocínio principal da UNIQLO USA e apoio adicional da Keith Haring Foundation e de Elizabeth Belfer. O apoio institucional é viabilizado pelo Departamento de Assuntos Culturais da Cidade de Nova York em parceria com o Conselho Municipal.
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SUMMARY:"Jeanne Moutoussamy-Ashe and the Last Gullah Islands" no Whitney Museum
DESCRIPTION:Jeanne Moutoussamy-Ashe\, “An Afternoon with Aunt Tootie”\, Daufuskie Island\, SC\, 1979. © Jeanne Moutoussamy-Ashe\n\n\n\n\nDesde o início dos anos 1970\, a artista\, ativista e acadêmica Jeanne Moutoussamy-Ashe (n. 1951\, Chicago\, IL; vive e trabalha em South Kent\, CT) produz fotografias que capturam a beleza e a complexidade da vida negra\, homenageando os ritmos do cotidiano e marcando importantes ritos de passagem para as pessoas retratadas. \nEm 1977\, após um estudo independente de seis meses na África Ocidental\, Moutoussamy-Ashe atravessou novamente o Oceano Atlântico até Daufuskie Island\, localizada entre Hilton Head\, na Carolina do Sul\, e Savannah\, na Geórgia. Lá\, e nas outras ilhas vizinhas conhecidas como Sea Islands\, ela começou a fotografar entre os Gullah Geechee—muitos deles descendentes de pessoas anteriormente escravizadas que adquiriram terras de antigos proprietários de plantações após o fim da Guerra Civil. Para Moutoussamy-Ashe\, esses lugares\, separados pelo Atlântico\, estavam intrinsecamente ligados\, com as Sea Islands representando um elo dentro da diáspora negra; um espaço moldado pelos séculos violentos da escravidão e por uma comunidade determinada a proteger e nutrir sua cultura e seu povo únicos. As fotografias de Daufuskie Island honram essas histórias entrelaçadas e a perspectiva pessoal da artista. Para ela\, “a fotografia deve nos forçar a questionar a nós mesmos e o ambiente em que vivemos”. \nExtraída da coleção do Whitney Museum\, esta apresentação focada inclui uma seleção de fotografias em preto e branco de Daufuskie Island\, além de publicações relacionadas da artista. Retratos de crianças e idosos\, imagens de casas\, do litoral\, de pessoas trabalhando e descansando\, bem como de cultos religiosos\, formam juntas uma impressão de uma comunidade—e um lugar—à beira de grandes transformações. \nJeanne Moutoussamy-Ashe and the Last Gullah Islands é organizada por Kelly Long\, Assistente Sênior de Curadoria.
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SUMMARY:"Projects: Marlon Mullen" no MoMA
DESCRIPTION:Marlon Mullen\, “Untitled”\, 2017. © 2024 Marlon Mullen\n\n\n\n\nNão há como confundir o trabalho de Marlon Mullen. Suas pinturas vibrantes\, com superfícies exuberantes e cores marcantes\, ampliam a longa tradição de criar arte sobre a própria arte. \nHá quase 40 anos\, Mullen trabalha no NIAD Art Center\, um estúdio progressivo para artistas com deficiência de desenvolvimento em sua cidade natal\, Richmond\, Califórnia. Edições doadas de publicações de arte\, como Art in America e Artforum\, servem como seu principal ponto de partida. Projects: Marlon Mullen apresenta uma seleção de pinturas do artista produzidas na última década. \nAo escolher uma capa brilhante ou uma página interna como base\, Mullen pinta com acrílico sobre tela\, posicionada plana sobre uma mesa. Ele mantém vínculos visuais com o material de origem\, ao mesmo tempo em que o transforma radicalmente. As composições resultantes reinventam as relações entre seus elementos. Códigos de barras e outros detalhes podem ganhar destaque. Letras\, números\, pontuações e os espaços entre eles podem desaparecer ou se repetir. Imagens e gráficos tornam-se formas puras\, reorganizadas e reconfiguradas. Como demonstra esta exposição\, Mullen vê revistas e livros de arte não apenas como um estímulo à criação\, mas também como um convite para interagir com o mundo da arte contemporânea nos seus próprios termos pictóricos.
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SUMMARY:"Discrimi-NATION" do coletivo Guerrilla Girls na Hannah Traore Gallery
DESCRIPTION:Coletivo Guerrilla Girls – Imagem: Divulgação Hannah Traore Gallery \nA Hannah Traore Gallery tem o prazer de apresentar Discrimi-NATION: Guerrilla Girls on Bias\, Money\, and Art\, uma exposição do coletivo Guerrilla Girls. Este coletivo anônimo de artistas feministas-ativistas exibirá uma variedade de trabalhos em formato de pôsteres. Esta é a primeira vez que essas obras são apresentadas em uma galeria comercial e a primeira exposição do grupo no Lower East Side em 10 anos. \nAs Guerrilla Girls abordam consistentemente sua missão com um estilo visual distinto\, combinando a estética da arte de rua\, pesquisa acadêmica e uma irreverência característica. Fundado em 1985\, o coletivo utiliza sua prática artística para expor desigualdades sistêmicas persistentes relacionadas a raça\, classe\, gênero e outros temas\, incitando diálogos significativos sobre valor cultural e a necessidade urgente de mudanças estruturais. Sua identidade anônima\, mantida por quase quatro décadas\, reforça sua mensagem: o foco não está na artista individual\, mas na desconstrução das estruturas que marginalizam muitos. Em uma seleção abrangente e robusta de obras\, Discrimi-NATION fornece simultaneamente um contexto histórico e uma relevância atual\, enfatizando como questões de acesso\, equidade e representação continuam urgentes hoje. \n“Discrimi-NATION é\, em sua essência\, uma exposição sobre Nova York e sobre responsabilizar a indústria da arte—uma extensão do trabalho que temos feito desde nossos primeiros pôsteres\,” disse uma integrante das Guerrilla Girls. “A Hannah Traore Gallery é a primeira galeria comercial a nos procurar e ter a coragem de produzir esta exposição. É um privilégio e uma honra expor com ela na ocasião do nosso 40º aniversário.” \nTendo pioneirizado seu estilo de intervenção crítica ao mundo da arte nas ruas de Nova York em 1985\, as Guerrilla Girls retornam ao epicentro cultural\, revisitando o cenário de suas primeiras batalhas\, reafirmando seu legado e inspirando uma nova geração a desconstruir o status quo. Pouco após sua fundação\, começaram a colar pôsteres no Lower East Side\, cobrindo fachadas de edifícios com provocações sobre a sub-representação de mulheres e grupos minoritários nas instituições de arte da cidade. Suas obras\, inseridas no cotidiano da vida pública\, incitaram conversas duradouras muito além dos espaços sanitizados dos museus. Continuaram a colar adesivos\, distribuir panfletos e realizar aparições guerrilheiras ao longo dos anos 1980 e 1990\, em um bairro então repleto de coletivos de artistas e organizações comunitárias que se mostraram um terreno fértil para seu ativismo. \nAo combinar dados concretos com gráficos ousados e humor sardônico\, as Guerrilla Girls revelam como a aparente neutralidade da arte frequentemente mascara preconceitos profundamente enraizados. Obras como Only 4 Commercial Galleries in NY Show Black Women (1986) e Guerrilla Girls’ Code of Ethics for Art Museums (1990\, atualizado em 2018) destacam desequilíbrios persistentes que continuam a moldar o campo. Trabalhos mais recentes\, como Pop Quiz Update (2016)\, engajam-se com conversas culturais em evolução\, abordando a complexidade dos cenários políticos e sociais contemporâneos. Juntas\, essas obras incentivam os visitantes a refletir sobre os muitos fatores—riqueza\, tradição institucional\, preconceitos implícitos—que influenciam as narrativas contadas e os criativos celebrados no espaço público. Por meio de suas intervenções carregadas de evidências\, as Guerrilla Girls apresentam insights diretos e verdades inconvenientes. \nEssa exposição destaca o compromisso da Hannah Traore Gallery em expandir os limites do que pertence a um espaço expositivo\, promovendo artistas anteriormente sub-representados\, que desafiam narrativas estabelecidas e aplicam novas e ambiciosas abordagens artísticas. A galeria se considera parte de um grupo de espaços emergentes no centro da cidade que são devedores das campanhas históricas das Guerrilla Girls\, fomentando novas ondas de arte experimental e inclusiva que abordam questões sociais e trazem a irreverência e ousadia do coletivo para uma nova era. Ao destacar a crítica de longa data das Guerrilla Girls às normas institucionais\, a galeria convida os visitantes a refletir sobre as desigualdades persistentes\, considerar possíveis reformas e imaginar um futuro cultural mais inclusivo.
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LOCATION:Hannah Traore Gallery\, 150 Orchard Street\, Nova York\, United States
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SUMMARY:"Cy Twombly" na Gagosian
DESCRIPTION:Vista da da instalação com Cy Twombly\, “Untitled”\, 1971 © Cy Twombly Foundation. Foto: Maris Hutchinson\n\n\n\n\nA Gagosian apresenta uma exposição de pinturas\, uma escultura e obras em papel de Cy Twombly. A apresentação será inaugurada em 23 de janeiro de 2025\, ocupando dois andares das galerias na 980 Madison Avenue. Organizada em colaboração com a Cy Twombly Foundation\, a exposição inclui importantes séries de trabalhos realizados entre 1968 e 1990\, incluindo peças nunca antes exibidas e empréstimos da família Twombly. \nA instalação no sexto andar apresenta uma série de pinturas que Twombly produziu entre 1968 e 1971\, representando uma abordagem mais austera em comparação com as telas da década anterior. Criadas durante a era do Minimalismo e da arte conceitual\, essas telas frequentemente são interpretadas como “quadros-negros” — sua fluidez gestual rompe as distinções entre pintura\, desenho e escrita. \nUma obra de 1968 apresenta loops aninhados que se espalham pela tela em cascata. Inscrições e números conferem à obra uma qualidade diagramática\, enquanto sua composição dinâmica remete aos desenhos do Dilúvio de Leonardo da Vinci (c. 1517–18). Uma pintura sem título de nove painéis\, datada de 1971\, forma uma sequência conectada por diagonais e curvas acumuladas.
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SUMMARY:"Pirouette: Turning Points in Design" no MoMA
DESCRIPTION:Nifemi Marcus-Bello\, “For the Community by the Community – Handwashing Station”\, 2020. The Museum of Modern Art\, Nova York. Foto: Kadara Enyeasi.\n\n\n\n\nO design é um elemento fundamental da vida\, um catalisador essencial para nossa evolução. Ele nos ajuda a lidar com mudanças e permeia nossas vidas pessoais e sociais\, refletindo tanto nossas forças quanto nossas fragilidades. Muitos designers buscam criar novos comportamentos\, concentrando-se em hábitos e circunstâncias que mais necessitam de transformação. Pirouette: Turning Points in Design reúne objetos—desde Post-Its até Spanx—que representaram experimentos inovadores com novos materiais\, tecnologias e conceitos\, ofereceram soluções não convencionais para problemas tradicionais e tiveram um impacto significativo tanto no design quanto no mundo em geral. \nCom peças majoritariamente retiradas da coleção do MoMA\, a exposição apresenta objetos amplamente reconhecidos—como o logotipo I ♥️ NY ou o novo símbolo de acessibilidade—ao lado de outros conhecidos apenas por públicos especializados. Alguns\, como a Shopping Bag da Telfar\, apelidada de Bushwick Birkin\, reconfiguram as regras de exclusividade e luxo. Outros\, como o Walkman Portable Audio Cassette Player ou o Macintosh 128K Home Computer\, redefiniram e expandiram nosso espaço privado\, permitindo-nos trazer o mundo para dentro de nossas casas ou carregá-lo conosco. Observados em conjunto\, os objetos em Pirouette destacam o papel dos designers em sua expressão mais inventiva e construtiva\, demonstrando o poder do design em traduzir a experiência humana em formas tangíveis e imaginar um futuro melhor.
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SUMMARY:"A Number of Things" de Camille Henrot na Hauser & Wirth
DESCRIPTION:Camille Henrot\, “1263 / 3612 (Abacus)”\, 2024 © Camille Henrot. Foto: Stefan Altenburger\n\n\n\n\nCamille Henrot estreará um novo e extraordinário conjunto de esculturas em bronze\, intitulado Abacus\, em sua primeira grande exposição na galeria em Nova York. Evocando ferramentas de desenvolvimento infantil\, calçados\, gráficos distorcidos e antigos dispositivos de contagem\, as esculturas em grande escala\, juntamente com obras menores como Tomber Pour Toujours e Misfits\, abordam o atrito entre um senso incipiente de imaginação e os sistemas de signos da sociedade. As esculturas serão apresentadas ao lado de novas e vibrantes pinturas da série Dos and Don’ts da artista.
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SUMMARY:"Pastels" de George Condo na Hauser & Wirth
DESCRIPTION:George Condo\, “Abstract Male Portrait”\, 2024 © George Condo. Foto: Matt Grubb\n\n\n\n\nA exposição em duas partes de George Condo\, Pastels\, apresentada nas galerias Sprüth Magers e Hauser & Wirth em Nova York\, oferece um vislumbre do processo criativo do artista e de sua inventividade sem limites por meio do pastel. As novas obras de Condo desafiam os limites da improvisação nesse meio\, utilizando espontaneamente gesso\, campos de cor e gestos dramáticos com pastel\, sem esboços preparatórios\, para expressar diversos estados da psique humana. O artista explora a abstração dentro de uma estrutura figurativa de maneiras inovadoras\, materializando a natureza fragmentada e fugidia de pensamentos e sentimentos inefáveis.
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SUMMARY:"Catherine Goodman. Silent Music" na Hauser & Wirth
DESCRIPTION:Catherine Goodman\, “Jura”\, 2024 © Catherine Goodman. Foto: Eva Herzog\n\n\n\n\nCom abertura em janeiro\, Catherine Goodman. Silent Music apresenta uma série de novas pinturas em grande escala da artista britânica\, onde sua pincelada expressiva dá origem a superfícies vibrantes que ressoam com a energia do gesto. Para Goodman\, o ateliê é um espaço de meditação espiritual. Cada pintura é um ato de transmutação íntima—um meio de transformar memórias profundamente guardadas e vulnerabilidades pessoais em uma nova forma de equilíbrio. \nComo artista curadora da National Gallery\, em Londres\, Goodman passou horas desenhando a partir da coleção do museu\, desenvolvendo uma afinidade particular com as pinturas dos antigos mestres\, que ela descreve como seus “únicos verdadeiros professores”. Inspirada pela intensidade e pelo drama de obras renascentistas de artistas como Ticiano e Veronese\, e influenciada pela profundidade psicológica do grupo conhecido como London School\, sua pintura altamente pessoal transcende a experiência individual\, expandindo-se e convidando o espectador a adentrar seu universo.
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SUMMARY:"The End Time!" de Sin Wai Kin no Canal Projects
DESCRIPTION:Sin Wai Kin\, “Dreaming the End”. Cortesia de artiste e Fondazione Memmo\n\n\n\n\nThe End Time! de Sin Wai Kin marca a estreia nos Estados Unidos de sua recém-comissionada sitcom de ficção científica\, The Time of Our Lives (2024). Misturando ficção especulativa com a estética da TV diurna\, o filme explora teorias sobre espaço-tempo\, entrelaçamento quântico e realidades subjetivas. A exposição também inclui o projeto Essence (2024)\, no qual o personagem Wai King se torna embaixador de uma colônia masculina apresentada em The Time of Our Lives. Apresentados juntos pela primeira vez\, The Time of Our Lives e Essence funcionam como investigações interligadas do elaborado universo ficcional de Sin\, trazendo personagens enigmáticos que aparecem regularmente em suas obras. Combinando imagem em movimento e instalação\, The End Time! se baseia no interesse do artista por ficção científica\, drag\, ópera cantonesa e cultura popular para desafiar os binarismos que moldam nossas identidades e experiências. \nNa instalação de dois canais The Time of Our Lives\, uma sitcom é projetada em uma tela enquanto um público “ao vivo” aparece em outra\, com os espectadores posicionados entre elas\, simultaneamente como observadores e habitantes do universo de Sin. Um dia na vida de um casal americano idealizado—V Sin e Wai King—se desenrola na tela\, mas rapidamente se desintegra em um tempo indefinível com uma cronologia circular. Momentos de sua vida se sobrepõem entre passado\, presente e futuro\, oscilando entre casamento\, formatura\, gravidez e morte. Os personagens saltam para frente e para trás no tempo não linear\, alternando entre uma idealização bucólica do passado e um futuro pós-apocalíptico desolador\, enquanto um relógio do juízo final anuncia o fim iminente do mundo. Ocasionalmente\, sua TV liga sozinha e The Storyteller interrompe a narrativa para lembrar ao público como somos condicionados a experimentar o tempo. V Sin e Wai King questionam suas próprias percepções de tempo e memória em meio a um mundo em colapso\, onde causa e efeito se tornam indistintos. O filme é acompanhado por objetos e adereços de The Time of Our Lives: as perucas icônicas de V Sin e Wai King\, um vaso quebrado e um salto descartado trazem o universo de Sin para um diálogo com o nosso. \nApresentada como um intervalo comercial dentro de The Time of Our Lives\, a série Essence é exibida ao lado do frasco de colônia sobre um pedestal. Wai King\, representando uma visão de masculinidade irrestrita\, assume o papel de embaixador da marca Essence. Ele é retratado em contemplação profunda\, montado a cavalo em uma paisagem arcadiana rural. Evocando uma jornada de autodescoberta\, o slogan do perfume—“Sua verdadeira essência espera por você”—sugere que Essence contém a chave para o que é intrínseco à nossa natureza. Ao exibir o frasco como um adereço em um pedestal\, Sin aponta para as estruturas comerciais de identificação e desejo\, revelando como a fantasia promovida por produtos de consumo como Essence molda nossa percepção do que somos. \nOs mundos vibrantes e extravagantemente estilizados de Sin exemplificam seu compromisso com a narrativa e com o poder da linguagem não apenas para transmitir realidades\, mas também para construí-las. Percorrendo diferentes temporalidades\, personagens e universos\, The End Time! direciona nosso olhar para os muitos binarismos que sustentam nossa existência—vida e morte\, pessoal e universal\, ator e público\, sonho e vigília—ao mesmo tempo em que nos oferece a possibilidade de definir nossa própria realidade além deles. \n 
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LOCATION:Canal Projects\, 351 Canal St\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
CATEGORIES:Nova York
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SUMMARY:"iiZiiT [3]: RIEGE Jewelry + Supply Eric-Paul Riege" no Canal Projects
DESCRIPTION:Imagem: Divulgação\n\n\n\n\n\n\n\n\nO artista têxtil e tecelão Eric-Paul Riege (n. 1994) apresentará uma seleção de novas obras em sua primeira exposição individual institucional em Nova York\, intitulada iiZiiT [3]: RIEGE Jewelry + Supply. Riege utiliza uma ampla variedade de materiais naturais e sintéticos\, incluindo lã e pele sintética\, para criar grandes instalações têxteis e tapeçarias que homenageiam a tradição hózhó dos Diné (Navajo)—uma visão de mundo que valoriza a beleza\, o equilíbrio e a bondade em todas as coisas\, tanto no plano físico quanto no espiritual. \nSua instalação questiona o papel da autenticidade nos objetos de arte indígena norte-americana\, fazendo referência às tradicionais lojas de postos comerciais nos Estados Unidos e à economia de mercadorias falsificadas que circula na região da Canal Street. Para Riege\, suas obras são animadas e móveis\, frequentemente ativadas por meio de som e performances. Dessa forma\, seu trabalho atua como uma ponte entre os reinos espiritual e físico\, prestando homenagem e estabelecendo um vínculo com gerações de tecelões de sua família\, que o auxiliam na criação de espaços de refúgio e contemplação.
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LOCATION:Canal Projects\, 351 Canal St\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
CATEGORIES:Nova York
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SUMMARY:"Democratizing Prints: The JoAnn Edinburg Pinkowitz Gift" no The Met Museum
DESCRIPTION:Leopoldo Méndez\, “Posada in his workshop (homage to Posada)” (detalhe) © 2025 Artists Rights Society (ARS)\, New York / SOMAAP\, Mexico City\n\n\n\n\nO Departamento de Desenhos e Gravuras abriga mais de um milhão de desenhos\, gravuras e livros ilustrados produzidos na Europa e nas Américas desde cerca de 1400 até os dias atuais. Devido à sua quantidade e sensibilidade à luz\, essas obras podem ser exibidas apenas por períodos limitados e geralmente são armazenadas em instalações internas. Para destacar a ampla variedade de obras sobre papel\, o departamento organiza quatro rotações anuais na Robert Wood Johnson\, Jr. Gallery. Cada instalação é fruto da colaboração entre curadores e consiste em até 100 objetos agrupados por artista\, técnica\, estilo\, período ou tema. \nEm 2024\, o Museu recebeu uma doação notável de JoAnn Edinburg Pinkowitz\, composta por cerca de trezentas gravuras de artistas mexicanos e de outros países (principalmente americanos) que trabalharam no México. Essa doação amplia uma contribuição anterior de JoAnn\, que incluiu gravuras chinesas do século XX pertencentes ao movimento moderno da xilogravura. \nJoAnn cresceu em uma família apaixonada por colecionar arte. Durante os anos 1960\, ainda adolescente\, atuou como voluntária no Departamento de Gravuras e Desenhos do Museum of Fine Arts de Boston. Em 2009\, começou a colecionar gravuras depois de se inspirar na exposição Vida y Drama: Modern Mexican Prints do museu. Ela se interessou por obras com forte mensagem social e política. Muitas das gravuras exibidas foram publicadas pelo Taller de Gráfica Popular (Oficina de Arte Gráfica Popular)\, um coletivo de gravura fundado em 1937 na Cidade do México “com o objetivo de estimular a produção de artes gráficas em prol do povo mexicano”. Na década de 1950\, artistas do coletivo viajaram para a China\, onde apresentaram seus trabalhos a artistas locais. A conexão entre os temas abordados por artistas de ambos os países motivou JoAnn a doar gravuras chinesas ao Met. \nO material doado por Pinkowitz complementa perfeitamente a coleção excepcional de gravuras mexicanas do Met e inclui obras de artistas que ainda não estavam representados na instituição. As gravuras de artistas americanos no México e de artistas chineses de meados do século XX também ampliam a compreensão sobre as tradições democráticas da gravura.
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LOCATION:The Metropolitan Museum of Art\, 1000 5th Ave\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"John Zorn: Hermetic Cartography" no The Drawing Center
DESCRIPTION:John Zorn\, Sem título\, 2017. Cortesia de John Zorn. Foto: Daniel Terna\n\n\n\n\nConhecido principalmente como uma figura revolucionária nas cenas de música experimental e de vanguarda em Nova York\, John Zorn é amplamente celebrado por suas inovações radicais na música. No entanto\, seus desenhos abstratos — uma linguagem privada de símbolos e notações — permaneceram\, até hoje\, um segredo bem guardado. A exposição Hermetic Cartography oferece um raro vislumbre da mente criativa de Zorn\, revelando uma nova dimensão de sua prática artística ao apresentar obras em papel que atravessam sete décadas de seu envolvimento visionário com o desenho\, a improvisação e o esoterismo. \nA mostra reúne uma variedade de obras visuais de Zorn\, incluindo partituras gráficas\, anotações filosóficas densas\, poesia abstrata e livros de artista. Ao destacar sua abordagem radical ao traço e sua produção visual singular — que inclui o projeto Theatre of Musical Optics e outras experiências experimentais — a exposição oferece uma nova perspectiva sobre como essas expressões visuais se entrelaçam com suas composições musicais. \nA programação inclui uma série de concertos gratuitos mensais com John Zorn\, realizados dentro da própria exposição. As apresentações acontecerão no primeiro sábado dos meses de março\, abril e maio de 2025\, sempre às 19h30.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/john-zorn-hermetic-cartography-no-the-drawing-center/
LOCATION:The Drawing Center\, 35 Wooster St.\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
CATEGORIES:Nova York
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SUMMARY:"Caspar David Friedrich: The Soul of Nature" no The Met Museum
DESCRIPTION:Caspar David Friedrich\, “Mönch am Meer” (detalhe) © Staatliche Museen zu Berlin\, Nationalgalerie / Foto: Kristina Mösl\, Francesca Schneider\n\n\n\n\nCaspar David Friedrich (1774–1840) redefiniu a pintura de paisagem europeia ao representar a natureza como um cenário para encontros espirituais e emocionais profundos. Atuando na vanguarda do movimento romântico alemão\, que promoveu uma nova e radical compreensão do vínculo entre a natureza e o eu interior\, Friedrich desenvolveu temas e estratégias pictóricas que enfatizam a individualidade\, a intimidade\, a abertura e a complexidade das nossas respostas ao mundo natural. A visão de paisagem que se desdobra em sua obra—meditativa\, misteriosa e repleta de admiração—permanece essencial nos dias de hoje. \nApresentada em homenagem ao 250º aniversário de nascimento de Friedrich em 2024\, Caspar David Friedrich: The Soul of Nature é a primeira grande exposição dedicada ao artista realizada nos Estados Unidos. Organizada em cooperação com a Alte Nationalgalerie dos Staatliche Museen zu Berlin\, as Staatliche Kunstsammlungen Dresden e a Hamburger Kunsthalle\, a mostra reúne empréstimos inéditos de mais de 30 instituições na Europa e na América do Norte e apresenta aproximadamente 75 obras de Friedrich. Pinturas a óleo\, desenhos finalizados e esboços de trabalho de todas as fases de sua carreira\, além de exemplos selecionados de seus contemporâneos\, revelam como Friedrich desenvolveu um vocabulário simbólico de motivos paisagísticos para expressar os significados pessoais e existenciais que encontrava na natureza. A exposição contextualiza sua obra no cenário político e cultural turbulento da sociedade alemã do século XIX e\, por extensão\, destaca o papel do romantismo alemão na formação das percepções modernas sobre o mundo natural. \nA exposição é complementada por uma mostra de obras com representações lunares na galeria 554\, localizada logo após a saída da exposição. A lua—um motivo apreciado por Friedrich e outros artistas românticos—foi celebrada em diversas mídias\, incluindo pinturas\, porcelana\, música e poesia.
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LOCATION:The Metropolitan Museum of Art\, 1000 5th Ave\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Christine Sun Kim: All Day All Night" no Whitney Museum of American Art
DESCRIPTION:Vista da exposição “Christine Sun Kim: All Day All Night”\, 2025. Whitney Museum of American Art\, Nova York. Christine Sun Kim e Thomas Mader\, ATTENTION\, 2022. Foto: Ron Amstutz\n\n\n\n\nCom obras marcadas por humor afiado e comentários incisivos\, Christine Sun Kim (nascida em 1980\, Orange County\, Califórnia) investiga o som e as complexidades da comunicação em suas múltiplas formas. Utilizando notação musical\, infográficos e linguagem — tanto na Língua Americana de Sinais (ASL)\, sua língua nativa\, quanto no inglês escrito — a artista produz desenhos\, vídeos\, esculturas e instalações que frequentemente exploram as dimensões políticas e não auditivas do som. Em muitas de suas obras\, Kim parte da dinâmica espacial da ASL\, traduzindo-a em formas gráficas. Ao destacar a imagem\, o corpo e o espaço físico\, ela subverte a suposição social de que línguas faladas são superiores às sinalizadas. \nEsta exposição apresenta um panorama completo da produção de Kim até o momento\, incluindo desde registros de performances dos anos 2010 até seu mais recente mural site-specific\, Ghost(ed) Notes (2024)\, recriado em diversas paredes do oitavo andar do museu. Inspirado em obras de nome semelhante que criou ao longo da carreira\, o título da mostra\, All Day All Night\, alude à vitalidade que Kim imprime em sua prática artística — uma energia ininterrupta\, experimental e profundamente comprometida em compartilhar vivências da experiência surda. \nA exposição é organizada pelo Whitney Museum of American Art\, em Nova York\, e pelo Walker Art Center\, em Minneapolis. Os curadores responsáveis são Jennie Goldstein\, curadora associada da coleção no Whitney; Pavel Pyś\, curador de artes visuais e estratégias de acervo no Walker; e Tom Finkelpearl\, curador independente; com assistência de Rose Pallone\, do Whitney\, e Brandon Eng\, do Walker.
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LOCATION:Whitney Museum of American Art\, 99 Gansevoort St Manhattan\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Madalena Santos Reinbolt: A Head Full of Planets" no American Folk Art Museum
DESCRIPTION:Madalena Santos Reinbolt\, Sem título\, 1965–1976. Coleção Edmar Pinto Costa\, São Paulo\, Brasil \nCom 42 trabalhos têxteis e pinturas a óleo\, Madalena Santos Reinbolt: A Head Full of Planets é a primeira pesquisa abrangente sobre a obra de Santos Reinbolt já apresentada e marca a primeira exposição individual da artista em um museu fora de seu país natal\, o Brasil. Reconhecida principalmente por seus bordados de grande escala\, feitos com centenas de fios vibrantes e que ela chamava de quadros de lã\, a exposição reúne mais da metade de todas as obras conhecidas da artista e examina sua produção sob diferentes perspectivas\, incluindo gênero\, raça e dinâmicas socioeconômicas. \nA Head Full of Planets investiga o contexto em que a prática artística de Santos Reinbolt se consolidou no início dos anos 1950\, quando ela passou a trabalhar como cozinheira residente para a arquiteta Lota de Macedo Soares e sua companheira\, a poeta americana Elizabeth Bishop\, na casa do casal em Petrópolis\, um refúgio na serra frequentado pela alta sociedade brasileira. No entanto\, foi apenas em meados dos anos 1960\, enquanto trabalhava em outra residência\, que ela começou a se dedicar ao bordado e a produzir muitas das obras pelas quais é mais conhecida hoje. \nApresentada de forma não cronológica\, A Head Full of Planets divide-se em quatro seções principais. A abertura da exposição explora as múltiplas identidades de Santos Reinbolt como artista\, trabalhadora doméstica e mulher negra\, traçando seu percurso desde a infância em uma pequena fazenda no interior da Bahia até sua migração para as cidades mais ricas do Sudeste em busca de oportunidades de trabalho. Outra seção apresenta seu corpo de obras como uma condensação de tempo\, espaço e dinâmicas raciais\, abrangendo desde a vida no campo até cenas urbanas movimentadas. Seus bordados retratam festas\, refeições coletivas e paisagens ao ar livre — montanhas\, céus\, fauna e flora —\, tanto do Brasil quanto de terras distantes\, reais e imaginadas. A exposição se encerra com uma análise das afinidades entre seus bordados e as tradições têxteis de longa data praticadas por mulheres em diversas regiões do Brasil\, incluindo artistas contemporâneas. \nPara homenagear e dar voz a Santos Reinbolt\, a exposição inclui gravações de entrevistas concedidas por ela à antropóloga e crítica de arte Lélia Coelho Frota\, interpretadas pela poeta\, educadora e pesquisadora feminista negra Luana Reis\, que\, assim como a artista\, nasceu e foi criada na Bahia\, Brasil. \nEssa exposição de grande relevância foi organizada pelo Museu de Arte de São Paulo Assis Chateaubriand (MASP)\, onde estreou no outono de 2022 como parte do programa bienal Histórias Brasileiras do museu\, com curadoria de Amanda Carneiro e André Mesquita\, curadores do MASP. A versão da mostra no American Folk Art Museum (AFAM)\, curada por Valérie Rousseau\, curadora sênior de Arte do Século 20 & Contemporânea\, com a colaboração de Dylan Blau Edelstein\, doutorando em Espanhol e Português na Universidade de Princeton\, expande a apresentação original do MASP\, oferecendo uma contextualização ainda mais aprofundada da artista e de sua obra.
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LOCATION:American Folk Art Museum\, 2 Lincoln Square\, Nova York\, United States
CATEGORIES:Nova York
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