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SUMMARY:Instalação David Hammons no Whitney Museum of American Art
DESCRIPTION:O Whitney\, em colaboração com o Hudson River Park \, desenvolveu um projeto de arte pública permanente de David Hammons (n. 1943). Intitulada Day’s End (2014–21)\, esta instalação monumental está localizada no Hudson River Park ao longo da margem sul da Península de Gansevoort\, em frente ao Museu. \n\n\n\nProposto ao Whitney por Hammons\, Day’s End se inspira em uma obra de arte de mesmo nome de Gordon Matta-Clark (1943-1978). Em 1975\, Matta-Clark cortou cinco aberturas no galpão Pier 52 que anteriormente ocupava o local. O Hammons’s Day’s End é uma estrutura aberta que segue precisamente os contornos\, dimensões e localização do galpão original – e\, como a intervenção de Matta-Clark\, oferecerá um lugar extraordinário para experimentar a orla. \n\n\n\nEm conjunto com a realização do projeto\, o Whitney apresentou Around Day’s End: Downtown New York\, 1970–1986 \, uma exposição que apresentou obras da coleção relacionadas ao projeto seminal de Matta-Clark. O Whitney também criou materiais interpretativos\, incluindo a primeira série de podcasts do Museu\, Artists Among Us \, bem como vídeos e passeios a pé pelo bairro. Essa mídia de apoio toma os Day’s End s\, conforme previsto por Hammons e Matta-Clark\, como pontos de partida para explorar a história local – da orla e do Meatpacking District\, o papel dos artistas no bairro\, sua história LGBTQ e a ecologia do estuário. Novas pesquisas\, materiais de arquivo e entrevistas de história oral serão incorporadas.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/instalacao-david-hammons-no-whitney-museum-of-american-art/
LOCATION:Whitney Museum of American Art\, 99 Gansevoort St Manhattan\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"At the Dawn of a New Age" no Whitney Museum of American Art
DESCRIPTION:Os artistas americanos saudaram o século XX com uma confiança juvenil no progresso e na inovação. Animados pelas mudanças tecnológicas que estavam revolucionando as comunicações e a engenharia\, bem como as mudanças culturais\, como o sufrágio feminino\, os artistas abraçaram o novo em detrimento do tradicional e fixo. Não mais contentes em replicar a realidade\, eles se voltaram para os estilos de vanguarda como forma de comunicar sua empolgação com uma época que o crítico Walter Lippmann caracterizou como “explosiva com novas ideias\, novos planos e novas esperanças”. \n\n\n\nAlguns dos artistas apresentados nesta exposição\, como Georgia O’Keeffe e Marsden Hartley \, são bem conhecidos hoje\, mas muitos modernistas igualmente inovadores foram amplamente esquecidos. Com mais de sessenta obras de quarenta e cinco artistas extraídas principalmente da coleção permanente do Whitney\, At the Dawn of a New Age oferece uma compreensão expandida da complexidade da arte americana produzida entre 1900 e 1930 e recupera a exuberante sensação de liberdade e experimentação subjacente isto. \n\n\n\nEsta exposição é organizada por Barbara Haskell\, curadora.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/at-the-dawn-of-a-new-age-no-whitney-museum-of-american-art/
LOCATION:Whitney Museum of American Art\, 99 Gansevoort St Manhattan\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Ink and Ivory: Indian Drawings and Photographs Selected with James Ivory" no The Met Museum
DESCRIPTION:Buffaloes in Combat (detalhe)\, Atribuído a Miskin\, Índia\, Mughal\, final do século XVI.\n\n\n\n\nEsta exposição apresenta uma seleção de desenhos superlativos das cortes e centros da Índia e do Paquistão (com algumas obras persas relacionadas)\, datados do final do século XVI ao século XX. Essas obras foram selecionadas principalmente da coleção do Met em parceria com o diretor de cinema James Ivory\, cuja recente doação ao Museu de álbuns fotográficos do século XIX também será destaque na exposição (2021.381.1-16). Os desenhos incluirão exercícios preparatórios frescos e informais para pinturas\, bem como obras lindamente acabadas por si só. As fotografias apresentarão os temas e estilos que surgiram nos contextos de patrocínio real e cerimônia; vistas de arquitetura\, cidades\, paisagens e pessoas\, entre outros. Como artista e cineasta\, James Ivory nos ajudará a apreciar esse material através de seu olhar único. Um curta-metragem — An Arrested Moment — dirigido por Dev Benegal\, acompanhará a exposição. \nA exposição é viabilizada pelo Hagop Kevorkian Fund. \nApoio adicional é fornecido pelo Lavori Sterling Foundation Endowment Fund.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/ink-and-ivory-indian-drawings-and-photographs-selected-with-james-ivory-no-the-met-museum/
LOCATION:The Metropolitan Museum of Art\, 1000 5th Ave\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Robert Frank’s Scrapbook Footage" no MoMA
DESCRIPTION:Vista da exposição “Robert Frank’s Scrapbook Footage”. Foto: Emile Askey\n\n\n\n\nRobert Frank é mais conhecido por suas imagens de uma América do pós-guerra marcada por discórdia social e política\, e pelos filmes que fez com os poetas da Geração Beat e os Rolling Stones. Assim\, as imagens filmadas encontradas apenas após a morte de Frank em 2019 podem surpreender alguns espectadores. Armazenadas em locais de depósito\, essas latas e fitas de filme\, que abrangem os anos de 1970 a 2006\, oferecem um vislumbre da vida e do trabalho do artista. Em parceria com a June Leaf e a Robert Frank Foundation\, a editora de filmes de longa data de Frank\, Laura Israel\, e o diretor de arte Alex Bingham utilizaram esses fragmentos para criar um álbum de imagens em movimento. Com projeções em várias telas\, a instalação transmite a intimidade e a imediata percepção das observações de Frank sobre família\, amigos e colaboradores\, bem como sobre interiores domésticos e vistas de cidades e costas. \nAs filmagens nesta instalação\, costuradas por Israel e Bingham para evocar seu olhar e voz inquietos\, lançam uma nova luz sobre seu processo artístico — ao mesmo tempo cômico e melancólico. Vemos Frank viajar entre suas casas em Nova York e Nova Escócia; pelas estradas abertas dos Estados Unidos e do Canadá; e por paisagens urbanas\, incluindo as de Beirute\, Cairo\, Moscovo e sua Suíça natal. Frank torna os prazeres mais efêmeros atemporais: um banho quente e uma chaleira fumegante\, um vislumbre de sua esposa June Leaf em seu estúdio\, o jogo de luz do sol em sua mão.
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LOCATION:MoMA\, 11 W 53rd St Manhattan\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
CATEGORIES:Nova York
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SUMMARY:"Otobong Nkanga: Cadence" no MoMA
DESCRIPTION:Detalhe do tecido em progresso para Otobong Nkanga: Cadence. Cortesia de Otobong Nkanga. © Otobong Nkanga. Foto: Wim van Dongen\n\n\n\n\nOtobong Nkanga mudou a forma como entendemos a terra e nosso lugar nela. “Os humanos são apenas uma pequena parte do ecossistema\,” disse a artista. “Meus trabalhos nos conectam às nossas histórias compartilhadas\, não apenas por meio da terra e da geografia\, mas por meio de emoções moldadas por eventos e encontros. Essas são as cadências da vida.” \nOtobong Nkanga: Cadence apresenta uma nova comissão da artista: um ambiente abrangente de tapeçaria\, escultura\, som e texto que explora os ritmos turbulentos da natureza e da sociedade. Criada especificamente para o Átrio da Família Marron do MoMA\, a instalação se centra em uma monumental tapeçaria de múltiplos painéis que sugere ecossistemas e galáxias expansivas. \nSuspensa ao longo da parede mais alta do Átrio\, a tapeçaria de grande escala apresenta uma gama caleidoscópica de fibras naturais e sintéticas criadas pela artista utilizando técnicas inovadoras de tecelagem digital no TextielLab em Tilburg\, na Holanda. Esculturas compostas por cordas tingidas\, entrelaçadas com formas de vidro soprado à mão e cerâmica\, pendem do chão ao teto ao lado de tablets de cerâmica impressos com os poemas da artista. Esses elementos diversos são reunidos dentro de uma obra sonora imersiva baseada na voz e na respiração da artista. Cadence confronta tanto a beleza quanto a degradação do mundo natural — e sua agitação em meio a revoluções industriais e tecnológicas\, extração de recursos e guerras. A instalação monumental cria novas maneiras de perceber — e sentir — as enormes mudanças que estão ocorrendo em nosso tempo. \nApresentações ao vivo acontecerão na primavera de 2025. Mais detalhes serão fornecidos aqui nas próximas semanas.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/otobong-nkanga-cadence-no-moma/
LOCATION:MoMA\, 11 W 53rd St Manhattan\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Enzo Camacho & Ami Lien: Offerings for Escalante" no MoMA PS1
DESCRIPTION:Enzo Camacho & Ami Lien\, “Langit Lupa” (still)\, 2023. Imagem cortesia dos artistas e da 47 Canal\, Nova York.\nOfferings for Escalante marca a primeira grande exposição em um museu dos EUA da dupla de artistas Enzo Camacho (filipino\, nascido em 1985) e Ami Lien (americana\, nascida em 1987). Há mais de uma década\, a prática multidisciplinar de Camacho & Lien aborda relações geopolíticas ao focar em formas localizadas de expropriação\, sobrevivência e resistência\, especialmente no contexto das Filipinas. Com obras de imagem em movimento\, uma instalação baseada em luz e uma série de composições em papel artesanal\, Offerings for Escalante concentra-se na ilha filipina de Negros\, conhecida por suas plantações de açúcar. Um filme recém-comissionado\, Langit Lupa\, baseia-se em depoimentos de sobreviventes para narrar a história do Massacre de Escalante de 1985\, um trágico episódio de violência estatal contra uma manifestação em massa em Negros durante a ditadura de Ferdinand Marcos. Expondo a brutalidade das sociedades de plantação\, Offerings for Escalante enfatiza a memória e o luto em meio às lutas contínuas por justiça agrária\, soberania alimentar e resistência anti-imperialista.
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SUMMARY:"Jasmine Gregory: Who Wants to Die for Glamour" no MoMA PS1
DESCRIPTION:Detalhe de “Fallen Idols”\, 2023\, na exposição “Si je ne peux pas l’avoir\, toi non plus” de Jasmine Gregory\, no Capc Musée d’art contemporain\, Bordeaux. Foto: Arthur Péquin\nJasmine Gregory aborda a pintura como uma prática espacial\, transformando telas meticulosamente detalhadas em amplos cenários esculturais. Suas obras apropriam-se de anúncios de empresas de gestão de patrimônio e marcas de relógios de luxo\, cujas superfícies fotográficas lustrosas são recriadas à mão em óleo. O uso provocativo do discurso na segunda pessoa nos anúncios (“Você nunca realmente possui um Patek Philippe. Apenas o cuida para a próxima geração”) transforma-se em uma crítica satírica para refletir sobre questões de patrimônio e preservação. Mesclando pinturas com garrafas de vinho\, vitrines\, sacolas plásticas\, festões e resíduos de estúdio — apenas alguns dos materiais de seu repertório —\, ela constrói cenários cujos dramas ambíguos refletem a complexidade de digerir e produzir dentro de paisagens culturais saturadas. \nWho Wants to Die for Glamour\, a primeira exposição institucional de Gregory nos EUA\, apresenta uma seleção focada de novas obras\, incluindo uma instalação em grande escala e site-specific. Ampliando seu interesse pelas histórias materiais da produção e exibição de imagens\, a exposição explora temas de transparência\, fragmentação e dissolução em relação tanto à produção artística quanto ao capitalismo racial.
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SUMMARY:"Sohrab Hura: Mother" no MoMA PS1
DESCRIPTION:Sohrab Hura\, “The Coast”\, 2020. Cortesia do artista e da Experimenter\, Kolkata e Mumbai\nA primeira mostra nos EUA do artista Sohrab Hura (indiano\, nascido em 1981) apresenta mais de cinquenta obras das últimas duas décadas de sua prática experimental. Sohrab Hura: Mother entrelaça corpos de trabalho em fotografia\, cinema\, som\, desenho\, pintura e texto que nunca haviam sido exibidos juntos. Conhecido por capturar momentos cotidianos notáveis que dão forma a forças políticas sistêmicas\, Hura coloca em foco fronteiras impostas colonialmente\, o trauma da partição e o ecossistema em transformação do subcontinente indiano. Esta mostra inclui uma seleção de obras-chave\, como Pati (2010)\, um filme que explora a região rural de Madhya Pradesh e seu papel no movimento para aprovar a Lei Nacional de Garantia de Emprego Rural de 2005; The Coast (2019)\, um projeto em livro\, série de fotografias e filme que usa a costa da Índia como lente para examinar a política em mudança do país; e uma seleção de desenhos a pastel e pinturas em guache de Things Felt But Not Quite Expressed (2022–presente) e Ghosts in My Sleep (2023–presente)\, sua nova série que retrata memórias familiares vividas e imaginadas. Por meio de estratégias catárticas de introspecção pessoal e política\, a exposição traça as preocupações existenciais mutáveis de Hura sobre a ética da criação de imagens como ato documental.
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SUMMARY:"Jesse Krimes: Corrections" no The Met Museum
DESCRIPTION:Jesse Krimes\, “Purgatory” (detalhe)\, 2009. The Metropolitan Museum of Art\, Nova York. Aquisição com doação do Vital Projects Fund Inc.\, por meio de Joyce e Robert Menschel\, e doações da Alfred Stieglitz Society\, 2024. © Jesse Krimes.\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\nA fotografia desempenhou um papel central na construção de sistemas de poder na sociedade\, especialmente em contextos ligados ao crime e à punição. Esta exposição apresenta instalações imersivas contemporâneas do artista Jesse Krimes (americano\, nascido em 1982)\, em diálogo com fotografias do século XIX do acervo do The Met\, realizadas pelo criminologista francês Alphonse Bertillon — responsável por desenvolver o primeiro sistema moderno de identificação criminal\, anterior à adoção das impressões digitais. \nAs instalações de Krimes\, criadas ao longo de seus seis anos de encarceramento\, revelam a engenhosidade de um artista que trabalhou sem acesso a materiais tradicionais. Utilizando sabonetes fornecidos pela prisão\, gel para cabelo\, cartas de baralho e jornais\, ele produziu obras que buscam interromper e recontextualizar a circulação de imagens na mídia. Exibidas em contraponto às fotografias de Bertillon — cuja metodologia combinava medidas antropométricas e retratos fotográficos\, dando origem à atual ficha de identificação criminal — as obras de Krimes questionam a suposta neutralidade dos sistemas de reconhecimento e as hierarquias sociais que eles ajudam a criar e perpetuar. \nArtista para quem a colaboração e o ativismo são essenciais\, Krimes fundou o Center for Art and Advocacy\, uma organização voltada à valorização do talento e do potencial criativo de pessoas que passaram pelo sistema prisional\, promovendo apoio e melhores condições para artistas anteriormente encarcerados.
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SUMMARY:"Shifting Landscapes" no Whitney Museum
DESCRIPTION:Jane Dickson\, “Heading in—Lincoln Tunnel 3”\, 2003. Whitney Museum of American Art\, Nova York; presente de Eve Ahearn e Joseph Ahearn 2017.275. © Jane Dickson.\n\n\n\n\nEmbora o gênero paisagem tenha sido historicamente associado a vistas pitorescas\, Shifting Landscapes considera uma interpretação mais expansiva dessa categoria\, explorando como as questões políticas\, ecológicas e sociais em evolução motivam os artistas enquanto tentam representar o mundo ao seu redor. Retirada da coleção do Whitney\, a exposição apresenta obras dos anos 1960 até o presente e é organizada em seções temáticas distintas. Algumas delas se agrupam em torno de afinidades materiais e conceituais: assemblagens escultóricas formadas por objetos locais\, abordagens ecofeministas da land art e os legados da fotografia documental de paisagens. Outras estão relacionadas a geografias específicas\, como o frenético cenário urbano da Nova York moderna ou a cena experimental de cinema de Los Angeles dos anos 1970. Ainda outras mostram como os artistas inventam novos mundos fantásticos\, onde humanos\, animais e a terra se tornam um só. Seja representando os efeitos da industrialização no meio ambiente\, enfrentando o impacto das fronteiras geopolíticas ou propondo espaços imaginados como uma forma de desestabilizar o conceito de um mundo “natural”\, as obras reunidas aqui trazem ideias sobre a terra e o lugar em foco\, destacando como moldamos e somos moldados pelos espaços ao nosso redor. \nShifting Landscapes é organizada por Jennie Goldstein\, Curadora Associada da Coleção; Marcela Guerrero\, Curadora da Família DeMartini; Roxanne Smith\, Assistente Curatorial Sênior; com Angelica Arbelaez\, Rubio Butterfield Family Fellow; com agradecimentos a Araceli Bremauntz-Enriquez e J. English Cook pelo apoio à pesquisa.
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LOCATION:Whitney Museum of American Art\, 99 Gansevoort St Manhattan\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Vital Signs: Artists and the Body" no MoMA
DESCRIPTION:Barbara Hammer. Cena de Sync Touch. 1981. Museu de Arte Moderna\, Nova York. © 2024 The Estate of Barbara Hammer\, and Company\, Nova York. Imagem cortesia da Coleção Barbara Hammer no Academy Film Archive.\n\n\n\n\n“Por trás dessa máscara\, outra máscara; nunca terminarei de remover todos esses rostos”\, escreveu o artista e poeta Claude Cahun em 1930. Ao longo do século 20\, artistas imaginaram o corpo e as ideias do eu como fluidos e abertos a transformações contínuas. Vital Signs inclui mais de 100 obras de artistas que questionam o que significa ser um indivíduo dentro de uma sociedade maior—e como categorias socialmente sustentadas\, como gênero\, raça e identidade sexual\, estão enraizadas na abstração. \nGrande parte do trabalho em Vital Signs foi feito por mulheres ou artistas de gênero expansivo. A exposição sugere novas perspectivas sobre obras celebradas da coleção do MoMA por artistas como Frida Kahlo\, Ana Mendieta\, Louise Bourgeois e Senga Nengudi\, além de obras que estão em exibição no Museu pela primeira vez\, de artistas como Belkis Ayón\, Ted Joans e Rosemary Mayer. Alguns artistas exploram como projetamos\, distorcemos e criamos identidades por meio de atos de brincadeira\, empatia ou controle. Outros se concentram no interior do corpo—tanto real quanto imaginado—ou olham para o mundo exterior\, formando combinações recém-imaginadas do humano e do não humano. Cheia de vida\, Vital Signs ilumina algumas das maneiras pelas quais os artistas refletem sobre a abstração em seus sentidos sociais mais amplos\, enquanto expandem as ideias sobre o que significa estar vivo e se conectar com os outros.
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SUMMARY:"Harmony and Dissonance: Orphism in Paris\, 1910–1930" no Guggenheim
DESCRIPTION:Robert Delaunay\, “Formes circulaires”\, 1930 (detalhe). Museu Solomon R. Guggenheim\, Nova York\, Coleção Fundadora Solomon R. Guggenheim 49.1184. Foto: Kristopher McKay\, Museu Solomon R. Guggenheim\, Nova York\n\nCom mais de 90 obras de arte que serão apresentadas na icônica rotunda do museu\, esta importante exposição examinará a vibrante arte abstrata do Orfismo. Ela explorará os desenvolvimentos desse movimento transnacional em Paris\, abordando o impacto da dança\, música e poesia na arte\, entre outros temas. \nO Orfismo surgiu no início da década de 1910\, quando as inovações trazidas pela vida moderna estavam alterando radicalmente as concepções de tempo e espaço. Artistas conectados ao Orfismo se envolveram com ideias de simultaneidade em composições caleidoscópicas\, investigando as possibilidades transformadoras da cor\, forma e movimento. Obras selecionadas de artistas como Robert Delaunay\, Sonia Delaunay\, Marcel Duchamp\, Mainie Jellett\, František Kupka\, Francis Picabia\, Amadeo de Souza-Cardoso\, e dos Sincronistas Stanton Macdonald-Wright e Morgan Russell estarão em exibição.
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SUMMARY:"Christian Marclay: The Clock" no MoMA
DESCRIPTION:Christian Marclay\, “The Clock”\, 2010. Museu de Arte Moderna\, Nova York. Doação prometida pela coleção de Jill e Peter Kraus. © 2024 Christian Marclay. Cortesia da Paula Cooper Gallery e White Cube. Visita à instalação\, Christian Marclay—The Clock\, Museu de Arte Moderna\, Nova York\, 21 de dezembro de 2012 a 21 de janeiro de 2013. Foto: Thomas Griesel\n\n\n\n\nEncapsulando 100 anos da história da imagem em movimento\, The Clock (2010) de Christian Marclay é uma montagem de 24 horas composta por milhares de clipes de filmes e programas de televisão que retratam relógios e outras referências ao tempo. James Bond checa seu relógio às 12h20; Meryl Streep desliga um despertador às 6h30; um relógio de bolso faz tique-taque às 11h53 enquanto o Titanic parte. Com cada clipe sincronizado com a hora local\, The Clock colapsa o tempo fictício apresentado na tela com o tempo real de cada minuto que passa. A obra é tanto uma tour de force cinematográfica quanto um relógio funcional. \nCom base em sua formação como músico nas cenas underground de Boston e Nova York no final dos anos 1970 e 1980\, Marclay\, ao longo de cinco décadas\, combinou fragmentos visuais e sonoros para explorar as complexas relações entre imagem e som. Seus trabalhos resultantes tomaram forma em uma ampla variedade de meios: escultura\, pintura\, fotografia\, impressão\, performance e vídeo. Com a ajuda de assistentes em busca de imagens\, Marclay passou três anos editando meticulosamente The Clock—a culminação de sua abordagem inovadora de olhar o mundo de uma forma nova através de material encontrado. \nThe Clock fala sobre a rica história do cinema como um reflexo e uma fuga da realidade\, um paradoxo que se torna cada vez mais central na vida cotidiana na era de transmissão instantânea\, serviços de streaming e inteligência artificial. A montagem de Marclay\, com clipes cuidadosamente selecionados\, nos leva em uma jornada pelo passado para aumentar nossa percepção de um presente sempre elusivo e em constante desdobramento. Ao editar fragmentos do vasto arquivo do cinema para mostrar a hora atual\, Marclay reformula nossa memória coletiva dos filmes como um confronto estranho com nós mesmos.
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SUMMARY:"Ceremonies Out of the Air: Ralph Lemon" no MoMA PS1
DESCRIPTION:Ralph Lemon\, “Untitled no. 3”\, 2017. Fonte: MoMA\nEsta importante exposição do artista Ralph Lemon (nascido em 1952\, em Cincinnati) apresenta mais de sessenta obras realizadas na última década\, abrangendo diversas disciplinas e marcando a estreia de várias performances colaborativas. Como uma das figuras mais relevantes da cena do centro de Nova York\, Lemon ampliou a capacidade de contar histórias em diferentes contextos e tradições. Ceremonies Out of the Air: Ralph Lemon inclui dança\, desenhos\, fotografias\, esculturas\, pinturas e vídeo distribuídos pelas amplas galerias do terceiro andar do museu\, além de um programa sincronizado de performances ao vivo em um espaço dedicado. \nO destaque da exposição é Rant redux (2020–24)\, uma grande instalação de vídeo e som em quatro canais\, realizada com Kevin Beasley e baseada na performance ao vivo Rant (2019–presente). O programa de performances inclui a estreia nos EUA de In Proximity (2022) e a estreia em Nova York de Tell it anyway (2024)\, além de convidar uma série de convidados especiais para responderem aos desenhos de Lemon de Untitled (The greatest [Black] art history story ever told. Unfinished) (2015–presente). A obra de Lemon toma o corpo como um arquivo de emoção crua\, trabalho físico e histórias recebidas\, desafiando as formas como fomos ensinados a ver o mundo.
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LOCATION:MoMA PS1\, 22-25 Jackson Ave LIC\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"The Fortune Society: Future Freedoms" no MoMA PS1
DESCRIPTION:Prison Is History. Colagem em outdoor\, 2023. Cortesia de Jenny Polak e dos artistas da The Fortune Society.\nThe Fortune Society: Future Freedoms marca a segunda exposição no MoMA PS1 pela organização sem fins lucrativos sediada em Long Island City\, que promove alternativas ao encarceramento e apoia a reintegração bem-sucedida de ex-detentos. A exposição em Homeroom apresenta novas obras criadas durante uma residência no MoMA PS1\, incluindo autorretratos\, vestimentas\, poesia\, bandeiras\, esculturas\, gravações de áudio\, um outdoor e um videoclipe. Future Freedoms é o ápice de uma colaboração de quatro anos entre as duas organizações\, juntamente com as artistas Jenny Polak e Laura Cerón Melo\, como parte da iniciativa Creatives Rebuild New York. Enfrentando os legados do encarceramento\, a exposição imagina um futuro mais justo\, construído por meio da criatividade.
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SUMMARY:"Light: Rafaël Rozendaal’s Digital Abstractions" no MoMA
DESCRIPTION:Rafaël Rozendaal\, “Implosion”\, 2023. Coleção do artista. Imagem cortesia do artista.\n\n\n\n\n“Eu sempre quis fazer trabalhos que pudessem ser vistos por qualquer pessoa\, em qualquer lugar\, a qualquer hora”\, diz Rafaël Rozendaal\, um inovador no campo da arte baseada na Internet. Desde o início dos anos 2000\, suas animações vibrantes exploram as possibilidades estéticas e conceituais do código\, tratando-o como se fosse tinta. \nComo Rozendaal escolheu a Internet como sua tela\, essas obras estão acessíveis online por todos. Cada obra começa como um storyboard esboçado no papel\, que é então traduzido para o código e ocupa apenas uma pequena quantidade de kilobytes. Sua forma final é um site autônomo alimentado por um algoritmo que gera a animação em tempo real. A prática de Rozendaal se desdobra dentro das possibilidades visuais do navegador\, aproveitando a paisagem digital plana\, mas multidimensional. \nEsta instalação apresenta uma seleção de seus sites\, cada um amostrado por dois a três minutos em uma tela de alta resolução com quase 7\,5 metros de largura. Desde o início\, essas obras foram concebidas para serem independentes de resolução e robustas o suficiente para suportar a evolução de software e telas. O objetivo de Rozendaal é que experimentemos um estado de imersão tão completo que ele se torne um com o nosso mundo físico. Como ele explica: “Eu imagino que viveremos em um mundo onde não haverá diferença entre uma tela e qualquer outra superfície.”
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LOCATION:MoMA\, 11 W 53rd St Manhattan\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Solid Gold" no Brooklyn Museum
DESCRIPTION:Foto: Reprodução Brooklyn Museum\n\n\n\n\nContemple a majestade do ouro em uma exposição cintilante dedicada ao elemento que inspirou incontáveis obras de arte\, moda\, cinema\, música e design. Como material e cor\, o ouro simbolizou beleza\, honra\, alegria\, ritual\, espiritualidade\, sucesso e riqueza ao longo da história. Ele também assumiu inúmeras formas: de representações milenares de mundos idealizados a suntuosos retábulos italianos dos séculos XIII e XIV\, passando por delicados biombos japoneses até obras contemporâneas e criações deslumbrantes da alta-costura. Com uma seleção abrangente de objetos e uma perspectiva global\, esta exposição traça as muitas jornadas do metal que influenciou culturas e legados em todo o mundo. \nSolid Gold\, que inaugura as comemorações do bicentenário do Brooklyn Museum\, reúne mais de 500 obras\, combinando peças de destaque do acervo com empréstimos internacionais impressionantes. O fascínio da moda pelo ouro será refletido em criações icônicas de Anna Sui\, Christian Dior\, Demna\, Gianfranco Ferré\, Giorgio di Sant’Angelo\, Halston\, Mary McFadden\, The Blonds\, Walter Van Beirendonck e Yves Saint Laurent. Pinturas e esculturas com fundo dourado\, moedas e outros tesouros dividirão espaço com joias assinadas por Alexander Calder\, Belperron\, Cartier\, Charles Loloma\, Jacob & Co e Verdura — além de grillz criados por Gabby Elan. \nAo mesmo tempo em que celebra o encantamento sedutor desse material luminoso\, a exposição também propõe reflexões sobre suas histórias mais sombrias\, convidando a conversas francas sobre os custos humanos e ambientais envolvidos na extração do minério de ouro. Solid Gold convida o público a mergulhar em uma das obsessões mais cintilantes da humanidade.
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LOCATION:Brooklyn Museum\, 200 Eastern Pkwy Brooklyn\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Lillie P. Bliss and the Birth of the Modern" no MoMA
DESCRIPTION:Paul Cézanne\, “Still Life with Apples”\, 1895–98. Museu de Arte Moderna\, Nova York. Coleção Lillie P. Bliss\n\n\n\n\nMoMA não seria o que é hoje sem Lillie Plummer Bliss. Em 1929\, após anos de defesa da arte moderna em Nova York\, Bliss\, juntamente com Abby Aldrich Rockefeller e Mary Quinn Sullivan\, fundou o Museu de Arte Moderna. Quando faleceu\, aos 66 anos\, apenas dois anos depois\, Bliss deixou grande parte de sua coleção de arte para o museu — um ato visionário que mudou fundamentalmente a trajetória do MoMA. \nLillie P. Bliss and the Birth of the Modern reúne 40 obras da coleção de Bliss\, incluindo pinturas e trabalhos sobre papel de Paul Cézanne\, Odilon Redon\, Georges-Pierre Seurat e Pablo Picasso. Bliss foi uma feroz defensora desses artistas inovadores em uma época em que a arte moderna era frequentemente recebida com suspeita ou ridicularização. “Eles têm algo a dizer que vale a pena ser dito e reivindicam para si mesmos apenas a liberdade de expressá-lo à sua maneira\,” declarou ela. Seu presente generoso\, que permitiu a venda de suas obras para financiar novas aquisições — incluindo A Noite Estrelada de Vincent van Gogh — forneceu ao jovem museu os meios para desenvolver sua coleção por muitos anos no futuro. \nA notável contribuição de Bliss para a história da arte moderna nos Estados Unidos permanece subestimada. Isso se deve em parte ao seu desejo de ficar fora dos holofotes; no final de sua vida\, Bliss solicitou que seus documentos pessoais fossem queimados. Embora grande parte de sua história permaneça por imaginar\, Lillie P. Bliss and the Birth of the Modern ilumina essa figura fundamental por meio das obras de arte que ela mais amava.
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LOCATION:MoMA\, 11 W 53rd St Manhattan\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Collection in Focus | Piet Mondrian\, Ever further" no Guggenheim
DESCRIPTION:Piet Mondrian\, “Composition No. III\, with Red\, Blue\, Yellow\, and Black”\, s/d. Divulgação Guggeinheim\nEsta exposição apresenta uma seleção de pinturas e desenhos de Piet Mondrian provenientes da coleção singular do Guggenheim\, uma das mais representativas do mundo. Ao longo de sua carreira\, Mondrian fez contribuições marcantes para o desenvolvimento da arte abstrata\, buscando afastar a pintura da representação da natureza para alcançar uma essência ou espírito universal. \nA mostra reúne obras que documentam a evolução do estilo característico do pintor holandês\, desde suas primeiras experimentações na Holanda\, passando pelo período mais produtivo em Paris\, até os anos finais em Nova York. Piet Mondrian: Ever Further inaugura a série de exposições Collection in Focus\, dedicada a destacar artistas da Coleção Guggenheim. \nA curadoria é de Mariët Westermann\, Diretora e CEO do Solomon R. Guggenheim Museum and Foundation.
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SUMMARY:"Above Ground: Art from the Martin Wong Graffiti Collection" no Museum of the City of New York
DESCRIPTION:Lee Quiñones\, “Breakfast at Baychester”\, c. 1980. Museum of the City of New York / Martin Wong Collection \nA era do grafite em Nova York começou nas ruas da cidade no início dos anos 1970. Esse novo movimento — muitas vezes conscientemente artístico\, apesar de suas origens não autorizadas — amadureceu ao longo das duas décadas seguintes. Above Ground enfoca os muitos artistas que fizeram a transição de escrever ilegalmente nos vagões do metrô para criar pinturas em tela e expô-las em galerias e museus. Suas obras marcam um momento crucial de transformação no desenvolvimento do grafite\, à medida que ele penetrava no imaginário coletivo e passava a influenciar de forma significativa a cultura global. \nDescrita pelo The New York Times como “uma exposição essencial”\, Above Ground oferece um olhar sobre uma subcultura vibrante de jovens criadores e revela preciosidades inéditas da importante coleção de arte baseada em grafite do acervo do museu. Doada pelo artista Martin Wong há 30 anos\, a coleção reúne mais de 300 pinturas e obras em papel. Entre os destaques da mostra estão trabalhos em spray\, tinta e outros suportes de figuras fundamentais do movimento de arte urbana\, como Rammellzee\, Lee Quiñones\, Lady Pink e Futura 2000. Juntas\, essas obras capturam o ímpeto e as ambições de artistas que migraram das ruas para as paredes de galerias de prestígio em Nova York e ao redor do mundo. \nA mostra Above Ground: Art from the Martin Wong Graffiti Collection conta com patrocínio principal da UNIQLO USA e apoio adicional da Keith Haring Foundation e de Elizabeth Belfer. O apoio institucional é viabilizado pelo Departamento de Assuntos Culturais da Cidade de Nova York em parceria com o Conselho Municipal.
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LOCATION:Museum of the City of New York\, 1220 5th Ave\, Nova York\, United States
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SUMMARY:"Jeanne Moutoussamy-Ashe and the Last Gullah Islands" no Whitney Museum
DESCRIPTION:Jeanne Moutoussamy-Ashe\, “An Afternoon with Aunt Tootie”\, Daufuskie Island\, SC\, 1979. © Jeanne Moutoussamy-Ashe\n\n\n\n\nDesde o início dos anos 1970\, a artista\, ativista e acadêmica Jeanne Moutoussamy-Ashe (n. 1951\, Chicago\, IL; vive e trabalha em South Kent\, CT) produz fotografias que capturam a beleza e a complexidade da vida negra\, homenageando os ritmos do cotidiano e marcando importantes ritos de passagem para as pessoas retratadas. \nEm 1977\, após um estudo independente de seis meses na África Ocidental\, Moutoussamy-Ashe atravessou novamente o Oceano Atlântico até Daufuskie Island\, localizada entre Hilton Head\, na Carolina do Sul\, e Savannah\, na Geórgia. Lá\, e nas outras ilhas vizinhas conhecidas como Sea Islands\, ela começou a fotografar entre os Gullah Geechee—muitos deles descendentes de pessoas anteriormente escravizadas que adquiriram terras de antigos proprietários de plantações após o fim da Guerra Civil. Para Moutoussamy-Ashe\, esses lugares\, separados pelo Atlântico\, estavam intrinsecamente ligados\, com as Sea Islands representando um elo dentro da diáspora negra; um espaço moldado pelos séculos violentos da escravidão e por uma comunidade determinada a proteger e nutrir sua cultura e seu povo únicos. As fotografias de Daufuskie Island honram essas histórias entrelaçadas e a perspectiva pessoal da artista. Para ela\, “a fotografia deve nos forçar a questionar a nós mesmos e o ambiente em que vivemos”. \nExtraída da coleção do Whitney Museum\, esta apresentação focada inclui uma seleção de fotografias em preto e branco de Daufuskie Island\, além de publicações relacionadas da artista. Retratos de crianças e idosos\, imagens de casas\, do litoral\, de pessoas trabalhando e descansando\, bem como de cultos religiosos\, formam juntas uma impressão de uma comunidade—e um lugar—à beira de grandes transformações. \nJeanne Moutoussamy-Ashe and the Last Gullah Islands é organizada por Kelly Long\, Assistente Sênior de Curadoria.
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LOCATION:Whitney Museum of American Art\, 99 Gansevoort St Manhattan\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Projects: Marlon Mullen" no MoMA
DESCRIPTION:Marlon Mullen\, “Untitled”\, 2017. © 2024 Marlon Mullen\n\n\n\n\nNão há como confundir o trabalho de Marlon Mullen. Suas pinturas vibrantes\, com superfícies exuberantes e cores marcantes\, ampliam a longa tradição de criar arte sobre a própria arte. \nHá quase 40 anos\, Mullen trabalha no NIAD Art Center\, um estúdio progressivo para artistas com deficiência de desenvolvimento em sua cidade natal\, Richmond\, Califórnia. Edições doadas de publicações de arte\, como Art in America e Artforum\, servem como seu principal ponto de partida. Projects: Marlon Mullen apresenta uma seleção de pinturas do artista produzidas na última década. \nAo escolher uma capa brilhante ou uma página interna como base\, Mullen pinta com acrílico sobre tela\, posicionada plana sobre uma mesa. Ele mantém vínculos visuais com o material de origem\, ao mesmo tempo em que o transforma radicalmente. As composições resultantes reinventam as relações entre seus elementos. Códigos de barras e outros detalhes podem ganhar destaque. Letras\, números\, pontuações e os espaços entre eles podem desaparecer ou se repetir. Imagens e gráficos tornam-se formas puras\, reorganizadas e reconfiguradas. Como demonstra esta exposição\, Mullen vê revistas e livros de arte não apenas como um estímulo à criação\, mas também como um convite para interagir com o mundo da arte contemporânea nos seus próprios termos pictóricos.
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LOCATION:MoMA\, 11 W 53rd St Manhattan\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Giorgio Morandi: Masterpieces from the Magnani-Rocca Foundation" na David Zwirner
DESCRIPTION:Giorgio Morandi\, “Natura morta (Still Life)”\, 1942 – Divulgação David Zwirner\n\n\n\n\nDavid Zwirner apresenta Giorgio Morandi: Masterpieces from the Magnani-Rocca Foundation. Com curadoria da historiadora da arte e especialista em Morandi\, Dra. Alice Ensabella\, e organizada em colaboração com a Fundação Magnani-Rocca\, a exposição apresenta cinquenta obras da aclamada carreira de seis décadas do artista\, todas emprestadas da Fundação\, localizada em Mamiano di Traversetolo (Parma)\, Itália. Esta exposição é uma das maiores em Nova York a focar no trabalho de Morandi desde Giorgio Morandi: 1890–1964\, a retrospectiva do artista em 2008 no The Metropolitan Museum of Art\, Nova York. Ela segue e expande apresentações institucionais celebradas da coleção de obras de Morandi da Fundação na Estorick Collection of Modern Italian Art\, Londres\, em 2023\, e no Musée de Grenoble\, em 2021.
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LOCATION:David Zwirner\, 537 West 20th Street\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"People and Natural Numbers" de Lucia Koch na Nara Roesler
DESCRIPTION:Lucia Koch\, “Piercing eyes”\, 2025 – Divulgação Nara Roesler\n\n\n\n\nA Nara Roesler Nova York apresenta People and Natural Numbers\, primeira individual de Lucia Koch na cidade. A mostra é acompanhada de texto assinado pelo arquiteto e educador Mark Lee e reúne cerca de 14 trabalhos recentes que desdobram a pesquisa que a artista vem empreendendo nas últimas décadas e que tem e espacialidade como seu eixo principal \nUm dos destaques da exposição é o conjunto de trabalhos da série Numbers\, desenvolvida por Koch ao longo do ano de 2024 e que tem como ponto de partida a série intitulada Fundos\, na qual Koch fotografa o interior de caixas e embalagens e\, através de ampliações e do uso da iluminação natural\, confere um caráter arquitetônico a estes objetos\, como se fossem extensões do próprio espaço em que se situam. Assim como em Fundos\, a base para a realização dos trabalhos recentes são caixas de papelão e embalagens. Em Numbers\, no entanto\, a artista destaca as cavidades e aberturas presentes nestes objetos\, fazendo referência a elementos arquitetônicos\, como janelas\, grades e outras aberturas\, cujas quantidades são referenciadas nos títulos dos trabalhos.  \nEm People\, outra série escultórica recente\, a artista se inspira em uma série de trabalhos realizados pelo artista francês Francis Picabia (1879–1953) durante sua estadia em Nova York\, em 1914. Por meio de desenhos de máquinas incompletas\, Picabia criava retratos mecanomorficos de pessoas de seu círculo social. People tem um ponto de partida semelhante: através de objetos\, espelhos\, fontes de luz e projeções\, a artista cria jogos e interações entre os elementos\, de modo a evocar presenças no espaço\, como se fossem pessoas. O mesmo ocorre em A esposa\, obra em que Koch explora a tradução de desenhos em objetos que não existiriam por si só. \nDe acordo com Mark Lee\, que assina o texto da exposição: “A relação recíproca entre a obra de arte e o espaço ao redor\, seja ele imediato ou distante\, contingente ou projetivo\, sempre foi persistente no trabalho de Koch. Conhecida há muito tempo pelo uso de elementos arquitetônicos como janelas\, cortinas\, papel de parede\, telas ou outdoors para alterar os ambientes ao redor\, suas intervenções sempre foram convites generosos à descoberta\, à participação e à interação. Juntamente com os componentes de construção\, a cor é tratada como um espaço a ser habitado em vez de uma camada a ser aplicada”.
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LOCATION:Nara Roesler Nova York\, 511 W 21st St Manhattan\, Nova York\, Nova York
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SUMMARY:"Discrimi-NATION" do coletivo Guerrilla Girls na Hannah Traore Gallery
DESCRIPTION:Coletivo Guerrilla Girls – Imagem: Divulgação Hannah Traore Gallery \nA Hannah Traore Gallery tem o prazer de apresentar Discrimi-NATION: Guerrilla Girls on Bias\, Money\, and Art\, uma exposição do coletivo Guerrilla Girls. Este coletivo anônimo de artistas feministas-ativistas exibirá uma variedade de trabalhos em formato de pôsteres. Esta é a primeira vez que essas obras são apresentadas em uma galeria comercial e a primeira exposição do grupo no Lower East Side em 10 anos. \nAs Guerrilla Girls abordam consistentemente sua missão com um estilo visual distinto\, combinando a estética da arte de rua\, pesquisa acadêmica e uma irreverência característica. Fundado em 1985\, o coletivo utiliza sua prática artística para expor desigualdades sistêmicas persistentes relacionadas a raça\, classe\, gênero e outros temas\, incitando diálogos significativos sobre valor cultural e a necessidade urgente de mudanças estruturais. Sua identidade anônima\, mantida por quase quatro décadas\, reforça sua mensagem: o foco não está na artista individual\, mas na desconstrução das estruturas que marginalizam muitos. Em uma seleção abrangente e robusta de obras\, Discrimi-NATION fornece simultaneamente um contexto histórico e uma relevância atual\, enfatizando como questões de acesso\, equidade e representação continuam urgentes hoje. \n“Discrimi-NATION é\, em sua essência\, uma exposição sobre Nova York e sobre responsabilizar a indústria da arte—uma extensão do trabalho que temos feito desde nossos primeiros pôsteres\,” disse uma integrante das Guerrilla Girls. “A Hannah Traore Gallery é a primeira galeria comercial a nos procurar e ter a coragem de produzir esta exposição. É um privilégio e uma honra expor com ela na ocasião do nosso 40º aniversário.” \nTendo pioneirizado seu estilo de intervenção crítica ao mundo da arte nas ruas de Nova York em 1985\, as Guerrilla Girls retornam ao epicentro cultural\, revisitando o cenário de suas primeiras batalhas\, reafirmando seu legado e inspirando uma nova geração a desconstruir o status quo. Pouco após sua fundação\, começaram a colar pôsteres no Lower East Side\, cobrindo fachadas de edifícios com provocações sobre a sub-representação de mulheres e grupos minoritários nas instituições de arte da cidade. Suas obras\, inseridas no cotidiano da vida pública\, incitaram conversas duradouras muito além dos espaços sanitizados dos museus. Continuaram a colar adesivos\, distribuir panfletos e realizar aparições guerrilheiras ao longo dos anos 1980 e 1990\, em um bairro então repleto de coletivos de artistas e organizações comunitárias que se mostraram um terreno fértil para seu ativismo. \nAo combinar dados concretos com gráficos ousados e humor sardônico\, as Guerrilla Girls revelam como a aparente neutralidade da arte frequentemente mascara preconceitos profundamente enraizados. Obras como Only 4 Commercial Galleries in NY Show Black Women (1986) e Guerrilla Girls’ Code of Ethics for Art Museums (1990\, atualizado em 2018) destacam desequilíbrios persistentes que continuam a moldar o campo. Trabalhos mais recentes\, como Pop Quiz Update (2016)\, engajam-se com conversas culturais em evolução\, abordando a complexidade dos cenários políticos e sociais contemporâneos. Juntas\, essas obras incentivam os visitantes a refletir sobre os muitos fatores—riqueza\, tradição institucional\, preconceitos implícitos—que influenciam as narrativas contadas e os criativos celebrados no espaço público. Por meio de suas intervenções carregadas de evidências\, as Guerrilla Girls apresentam insights diretos e verdades inconvenientes. \nEssa exposição destaca o compromisso da Hannah Traore Gallery em expandir os limites do que pertence a um espaço expositivo\, promovendo artistas anteriormente sub-representados\, que desafiam narrativas estabelecidas e aplicam novas e ambiciosas abordagens artísticas. A galeria se considera parte de um grupo de espaços emergentes no centro da cidade que são devedores das campanhas históricas das Guerrilla Girls\, fomentando novas ondas de arte experimental e inclusiva que abordam questões sociais e trazem a irreverência e ousadia do coletivo para uma nova era. Ao destacar a crítica de longa data das Guerrilla Girls às normas institucionais\, a galeria convida os visitantes a refletir sobre as desigualdades persistentes\, considerar possíveis reformas e imaginar um futuro cultural mais inclusivo.
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LOCATION:Hannah Traore Gallery\, 150 Orchard Street\, Nova York\, United States
CATEGORIES:Nova York
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SUMMARY:"I-Ching / Machine" de Leah Ke Yi Zheng na Mendes Wood DM
DESCRIPTION:Leah Ke Yi Zheng\, “Untitled (no.49/revolution)”\, 2024 – Imagem: divulgação Mendes Wood DM\n\n\n\n\n\n\n\n\nMendes Wood DM apresenta a segunda exposição individual de Leah Ke Yi Zheng com a galeria\, seguindo o anúncio de representação da artista\, nascida na China e baseada em Chicago. \nA exposição ocupa tanto o térreo quanto o nível inferior da nossa galeria em Tribeca\, e apresenta quinze novas pinturas\, sendo quatorze em acrílico e uma em óleo\, todas pintadas sobre seda esticada em chassis de madeira natural. Cada pintura\, em graus variados\, desvia-se do ortogonal para alcançar uma forma peculiar e irregular. Além disso\, Zheng estreia um vídeo pintado à mão que acompanha a exposição. \nO espaço expositivo no térreo é dedicado à representação dos hexagramas do I Ching\, com cada pintura correspondendo a um aspecto diferente do universo\, como poder\, limitação\, clareza ou equilíbrio. Já a galeria no nível inferior destaca a exploração contínua da artista sobre engrenagens de máquinas e dispositivos matemáticos\, refletindo uma meditação sobre a vida moderna e a representabilidade do tempo. Em uma novidade para Zheng\, algumas obras integram esses temas\, sobrepondo hexagramas do I Ching a imagens de máquinas. No nível inferior\, um exemplo desse novo desenvolvimento é exibido suspenso\, com a luz atravessando a seda translúcida\, tornando visíveis tanto o lado frontal quanto o verso. \nA exposição explora uma negociação contínua entre a criação e educação inicial de Zheng com as técnicas tradicionais da pintura de paisagens chinesa e as histórias das vanguardas ocidentais que ela estudou no School of the Art Institute of Chicago. \nUm ensaio escrito por A.E. Benenson acompanha a exposição.
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LOCATION:Mendes Wood DM NY\, 47 Walker Street\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"A Glimmer in the Shade" de Gwen O’Neil na Almine Rech
DESCRIPTION:Gwen O’Neil\, “Across the Purple Heather”\, 2024 – Imagem: Divulgação Almine Rech\n\n\n\n\nAlmine Rech New York\, Tribeca tapresenta A Glimmer in the Shade\, a segunda exposição individual de Gwen O’Neil com a galeria\, em exibição de 17 de janeiro a 1º de março de 2025. \nRodeada pela grandiosidade\, não é surpresa que Gwen O’Neil encontre inspiração em seu ambiente. Ela é fascinada pelos fenômenos e sensações do mundo natural. Por meio de seu uso hipnotizante de cores e do movimento instantaneamente reconhecível\, as condições atmosféricas dançam sobre a tela. Sua técnica pontilhista alude à simultaneidade e ao acaso da natureza\, enquanto remete aos mestres Seurat e Signac. \n— Lilly Wei\, crítica de arte\, escritora\, curadora independente e jornalista baseada em Nova York.
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LOCATION:Almine Rech | Tribeca\, 361 Broadway\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Cy Twombly" na Gagosian
DESCRIPTION:Vista da da instalação com Cy Twombly\, “Untitled”\, 1971 © Cy Twombly Foundation. Foto: Maris Hutchinson\n\n\n\n\nA Gagosian apresenta uma exposição de pinturas\, uma escultura e obras em papel de Cy Twombly. A apresentação será inaugurada em 23 de janeiro de 2025\, ocupando dois andares das galerias na 980 Madison Avenue. Organizada em colaboração com a Cy Twombly Foundation\, a exposição inclui importantes séries de trabalhos realizados entre 1968 e 1990\, incluindo peças nunca antes exibidas e empréstimos da família Twombly. \nA instalação no sexto andar apresenta uma série de pinturas que Twombly produziu entre 1968 e 1971\, representando uma abordagem mais austera em comparação com as telas da década anterior. Criadas durante a era do Minimalismo e da arte conceitual\, essas telas frequentemente são interpretadas como “quadros-negros” — sua fluidez gestual rompe as distinções entre pintura\, desenho e escrita. \nUma obra de 1968 apresenta loops aninhados que se espalham pela tela em cascata. Inscrições e números conferem à obra uma qualidade diagramática\, enquanto sua composição dinâmica remete aos desenhos do Dilúvio de Leonardo da Vinci (c. 1517–18). Uma pintura sem título de nove painéis\, datada de 1971\, forma uma sequência conectada por diagonais e curvas acumuladas.
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SUMMARY:"Pirouette: Turning Points in Design" no MoMA
DESCRIPTION:Nifemi Marcus-Bello\, “For the Community by the Community – Handwashing Station”\, 2020. The Museum of Modern Art\, Nova York. Foto: Kadara Enyeasi.\n\n\n\n\nO design é um elemento fundamental da vida\, um catalisador essencial para nossa evolução. Ele nos ajuda a lidar com mudanças e permeia nossas vidas pessoais e sociais\, refletindo tanto nossas forças quanto nossas fragilidades. Muitos designers buscam criar novos comportamentos\, concentrando-se em hábitos e circunstâncias que mais necessitam de transformação. Pirouette: Turning Points in Design reúne objetos—desde Post-Its até Spanx—que representaram experimentos inovadores com novos materiais\, tecnologias e conceitos\, ofereceram soluções não convencionais para problemas tradicionais e tiveram um impacto significativo tanto no design quanto no mundo em geral. \nCom peças majoritariamente retiradas da coleção do MoMA\, a exposição apresenta objetos amplamente reconhecidos—como o logotipo I ♥️ NY ou o novo símbolo de acessibilidade—ao lado de outros conhecidos apenas por públicos especializados. Alguns\, como a Shopping Bag da Telfar\, apelidada de Bushwick Birkin\, reconfiguram as regras de exclusividade e luxo. Outros\, como o Walkman Portable Audio Cassette Player ou o Macintosh 128K Home Computer\, redefiniram e expandiram nosso espaço privado\, permitindo-nos trazer o mundo para dentro de nossas casas ou carregá-lo conosco. Observados em conjunto\, os objetos em Pirouette destacam o papel dos designers em sua expressão mais inventiva e construtiva\, demonstrando o poder do design em traduzir a experiência humana em formas tangíveis e imaginar um futuro melhor.
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LOCATION:MoMA\, 11 W 53rd St Manhattan\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"A Number of Things" de Camille Henrot na Hauser & Wirth
DESCRIPTION:Camille Henrot\, “1263 / 3612 (Abacus)”\, 2024 © Camille Henrot. Foto: Stefan Altenburger\n\n\n\n\nCamille Henrot estreará um novo e extraordinário conjunto de esculturas em bronze\, intitulado Abacus\, em sua primeira grande exposição na galeria em Nova York. Evocando ferramentas de desenvolvimento infantil\, calçados\, gráficos distorcidos e antigos dispositivos de contagem\, as esculturas em grande escala\, juntamente com obras menores como Tomber Pour Toujours e Misfits\, abordam o atrito entre um senso incipiente de imaginação e os sistemas de signos da sociedade. As esculturas serão apresentadas ao lado de novas e vibrantes pinturas da série Dos and Don’ts da artista.
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LOCATION:Hauser & Wirth 22nd Street\, 542 West 22nd Street\, Nova York\, Nova York
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