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SUMMARY:Instalação David Hammons no Whitney Museum of American Art
DESCRIPTION:O Whitney\, em colaboração com o Hudson River Park \, desenvolveu um projeto de arte pública permanente de David Hammons (n. 1943). Intitulada Day’s End (2014–21)\, esta instalação monumental está localizada no Hudson River Park ao longo da margem sul da Península de Gansevoort\, em frente ao Museu. \n\n\n\nProposto ao Whitney por Hammons\, Day’s End se inspira em uma obra de arte de mesmo nome de Gordon Matta-Clark (1943-1978). Em 1975\, Matta-Clark cortou cinco aberturas no galpão Pier 52 que anteriormente ocupava o local. O Hammons’s Day’s End é uma estrutura aberta que segue precisamente os contornos\, dimensões e localização do galpão original – e\, como a intervenção de Matta-Clark\, oferecerá um lugar extraordinário para experimentar a orla. \n\n\n\nEm conjunto com a realização do projeto\, o Whitney apresentou Around Day’s End: Downtown New York\, 1970–1986 \, uma exposição que apresentou obras da coleção relacionadas ao projeto seminal de Matta-Clark. O Whitney também criou materiais interpretativos\, incluindo a primeira série de podcasts do Museu\, Artists Among Us \, bem como vídeos e passeios a pé pelo bairro. Essa mídia de apoio toma os Day’s End s\, conforme previsto por Hammons e Matta-Clark\, como pontos de partida para explorar a história local – da orla e do Meatpacking District\, o papel dos artistas no bairro\, sua história LGBTQ e a ecologia do estuário. Novas pesquisas\, materiais de arquivo e entrevistas de história oral serão incorporadas.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/instalacao-david-hammons-no-whitney-museum-of-american-art/
LOCATION:Whitney Museum of American Art\, 99 Gansevoort St Manhattan\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"At the Dawn of a New Age" no Whitney Museum of American Art
DESCRIPTION:Os artistas americanos saudaram o século XX com uma confiança juvenil no progresso e na inovação. Animados pelas mudanças tecnológicas que estavam revolucionando as comunicações e a engenharia\, bem como as mudanças culturais\, como o sufrágio feminino\, os artistas abraçaram o novo em detrimento do tradicional e fixo. Não mais contentes em replicar a realidade\, eles se voltaram para os estilos de vanguarda como forma de comunicar sua empolgação com uma época que o crítico Walter Lippmann caracterizou como “explosiva com novas ideias\, novos planos e novas esperanças”. \n\n\n\nAlguns dos artistas apresentados nesta exposição\, como Georgia O’Keeffe e Marsden Hartley \, são bem conhecidos hoje\, mas muitos modernistas igualmente inovadores foram amplamente esquecidos. Com mais de sessenta obras de quarenta e cinco artistas extraídas principalmente da coleção permanente do Whitney\, At the Dawn of a New Age oferece uma compreensão expandida da complexidade da arte americana produzida entre 1900 e 1930 e recupera a exuberante sensação de liberdade e experimentação subjacente isto. \n\n\n\nEsta exposição é organizada por Barbara Haskell\, curadora.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/at-the-dawn-of-a-new-age-no-whitney-museum-of-american-art/
LOCATION:Whitney Museum of American Art\, 99 Gansevoort St Manhattan\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"By Way Of: Material and Motion in the Guggenheim Collection" no Guggenheim
DESCRIPTION:Vista da instalação\, By Way Of: Material and Motion in the Guggenheim Collection © Solomon R. Guggenheim Museum\, Nova York\n\n\n\nUma das características mais proeminentes da arte do final do século XVIII em diante\, especialmente após a Segunda Guerra Mundial\, é a tendência dos artistas de evoluir métodos tradicionais de produção artística fora dos limites do estúdio. Esta exposição examina as maneiras pelas quais artistas contemporâneos implementaram novas ideias formadas pelos contextos sociais e históricos de seu tempo\, empurrando os limites da criação artística e dos materiais como resultado. \n\n\n\nBy Way Of oferece uma seleção de obras da coleção permanente do museu\, inspiradas pelo presente da Coleção D.Daskalopoulos. Artistas importantes do movimento Arte Povera das décadas de 1960 e 1970\, como Jannis Kounellis e Mario Merz\, compartilham as galerias com artistas que trabalham atualmente\, como Rashid Johnson\, Mona Hatoum e Senga Nengudi. \n\n\n\nBy Way Of: Material and Motion in the Guggenheim Collection é organizada por Naomi Beckwith\, Diretora Adjunta e Curadora-Chefe Jennifer e David Stockman.
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SUMMARY:"Mary Sully: Native Modern" no The Met Museum
DESCRIPTION:Mary Sully\, Alice (detalhe)\, ca. 1920s–40s. The Metropolitan Museum of Art\, Nova York\, aquisição\, Morris K. Jesup Fund e fundos de diversos doadores\, 2023\n\n\n\n\nMary Sully—nascida Susan Mabel Deloria na Reserva Standing Rock\, em Dakota do Sul—foi uma artista Yankton Dakota pouco conhecida e reclusa\, que\, entre as décadas de 1920 e 1940\, criou obras altamente distintas\, informadas por sua ancestralidade nativa americana e colonizadora. Esta primeira exposição individual da produção inovadora de Sully destaca aquisições recentes do Met e empréstimos da Fundação Mary Sully\, obras que complicam as noções tradicionais de arte nativa americana e moderna. \nTrabalhando sem patrocínio\, quase na obscuridade\, e sendo em grande parte autodidata\, Sully produziu desenhos intricadamente elaborados e vividamente coloridos. Eles misturam aspectos significativos de sua herança Dakota com elementos visuais observados de outras nações nativas\, bem como a estética da vida urbana. Celebridades euro-americanas da cultura popular\, política e religião inspiraram algumas de suas obras mais marcantes\, que ela chamou de “personalidade impressa”— retratos abstratos organizados como trípticos verticais. Apresentando 25 composições raramente vistas de Sully\, além de material de arquivo da família e outros itens nativos da coleção do Met\, Mary Sully: Native Modern oferece uma nova e complexa perspectiva para considerar a arte e a vida americana no início do século 20. \nA exposição é viabilizada pela Fundação Barrie A. e Deedee Wigmore.
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LOCATION:The Metropolitan Museum of Art\, 1000 5th Ave\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Ink and Ivory: Indian Drawings and Photographs Selected with James Ivory" no The Met Museum
DESCRIPTION:Buffaloes in Combat (detalhe)\, Atribuído a Miskin\, Índia\, Mughal\, final do século XVI.\n\n\n\n\nEsta exposição apresenta uma seleção de desenhos superlativos das cortes e centros da Índia e do Paquistão (com algumas obras persas relacionadas)\, datados do final do século XVI ao século XX. Essas obras foram selecionadas principalmente da coleção do Met em parceria com o diretor de cinema James Ivory\, cuja recente doação ao Museu de álbuns fotográficos do século XIX também será destaque na exposição (2021.381.1-16). Os desenhos incluirão exercícios preparatórios frescos e informais para pinturas\, bem como obras lindamente acabadas por si só. As fotografias apresentarão os temas e estilos que surgiram nos contextos de patrocínio real e cerimônia; vistas de arquitetura\, cidades\, paisagens e pessoas\, entre outros. Como artista e cineasta\, James Ivory nos ajudará a apreciar esse material através de seu olhar único. Um curta-metragem — An Arrested Moment — dirigido por Dev Benegal\, acompanhará a exposição. \nA exposição é viabilizada pelo Hagop Kevorkian Fund. \nApoio adicional é fornecido pelo Lavori Sterling Foundation Endowment Fund.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/ink-and-ivory-indian-drawings-and-photographs-selected-with-james-ivory-no-the-met-museum/
LOCATION:The Metropolitan Museum of Art\, 1000 5th Ave\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"What It Becomes" no Whitney Museum
DESCRIPTION:Rick Bartow\, Autobiographical Hawk\, 1991. Whitney Museum of American Art\, Nova York; doação do Richard E. Bartow Trust © Richard E. Bartow Trust\n\n\n\n\nComo um ato de marcação direta\, o desenho oferece uma maneira imediata e espontânea para que ideias se desenrolem e imagens ganhem forma. Guiada pelo potencial do meio para ilustrar mudanças\, esta exposição reúne obras da coleção do Whitney de artistas que utilizam o desenho como um ato de transformação. Em suas mãos\, o desenho se torna uma ferramenta para revelar o que é invisível e tornar o familiar irreconhecível\, ou\, como observa a artista Toyin Ojih Odutola: “O que ele se torna é o que me interessa.” \nEmbora as obras nesta exposição variem das artes gráficas a fotografias e vídeos\, os processos inerentes ao desenho desempenham um papel fundamental na criação de cada uma delas. Alguns artistas empregam técnicas como inscrição e apagamento para alterar ou recuperar imagens existentes\, como visto nas obras de Ojih Odutola e Wendy Red Star. Outros\, como David Hammons e Maren Hassinger\, enfatizam a tactileidade do meio\, usando seus próprios corpos como ferramentas de desenho ou superfícies para transformar sua imagem. Todas as obras mantêm uma relação estreita com a figura\, variando de modos tradicionais de retrato a registros gráficos mais abstratos do gesto humano. Aproveitando a relação entre desenho\, toque e formação\, os artistas exploram a natureza maleável da identidade e a possibilidade de moldar e redefinir a si mesmo. \nWhat It Becomes é organizada por Scout Hutchinson\, Curatorial Fellow.
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LOCATION:Whitney Museum of American Art\, 99 Gansevoort St Manhattan\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Elizabeth Catlett: A Black Revolutionary Artist and All That It Implies" no Brooklyn Museum
DESCRIPTION:Elizabeth Catlett\, “I am the Black Woman”\, 1946–47\, da série Black Woman in America. Cortesia da Pennsylvania Academy of the Fine Arts\, Filadélfia\, Coleção Art by Women\, Presente de Linda Lee Alter © 2024 Mora-Catlett Family / Licenciado pela VAGA na Artists Rights Society (ARS)\, NY.\n\n\n\n\nUma artista negra definidora do século XX\, Elizabeth Catlett (1915–2012) não recebeu a atenção do mundo da arte convencional que muitos de seus colegas desfrutaram. O Museu de Brooklyn\, em parceria com a National Gallery of Art\, preenche essa lacuna com a exposição Elizabeth Catlett: A Black Revolutionary Artist and All That It Implies\, uma mostra de mais de 200 obras que dá a essa artista revolucionária e ativista radical o reconhecimento que merece. \nHábil escultora e gravadora\, feminista devota e defensora da justiça social ao longo da vida\, Catlett estava comprometida de forma única tanto com seu processo criativo quanto com suas convicções políticas. Crescendo durante a Grande Depressão\, ela testemunhou de perto a desigualdade de classes\, a violência racial e o imperialismo dos EUA\, enquanto buscava uma educação artística fundamentada nos princípios do modernismo. Catlett protestou contra injustiças por quase um século\, tanto por meio de suas obras impactantes quanto por meio de ativismo prático. \nNascida em Washington\, DC\, Catlett se estabeleceu permanentemente no México em 1946 e\, pelo resto de sua vida\, trabalhou para amplificar as experiências de mulheres negras e mexicanas. Inspirada por fontes que vão da escultura africana às obras de Barbara Hepworth e Käthe Kollwitz\, Catlett nunca perdeu de vista a luta pela libertação negra nos Estados Unidos. Caracterizada por linhas ousadas e formas voluptuosas\, sua poderosa obra continua a falar diretamente a todos aqueles unidos na luta contra a pobreza\, o racismo e o imperialismo.
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LOCATION:Brooklyn Museum\, 200 Eastern Pkwy Brooklyn\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Robert Frank’s Scrapbook Footage" no MoMA
DESCRIPTION:Vista da exposição “Robert Frank’s Scrapbook Footage”. Foto: Emile Askey\n\n\n\n\nRobert Frank é mais conhecido por suas imagens de uma América do pós-guerra marcada por discórdia social e política\, e pelos filmes que fez com os poetas da Geração Beat e os Rolling Stones. Assim\, as imagens filmadas encontradas apenas após a morte de Frank em 2019 podem surpreender alguns espectadores. Armazenadas em locais de depósito\, essas latas e fitas de filme\, que abrangem os anos de 1970 a 2006\, oferecem um vislumbre da vida e do trabalho do artista. Em parceria com a June Leaf e a Robert Frank Foundation\, a editora de filmes de longa data de Frank\, Laura Israel\, e o diretor de arte Alex Bingham utilizaram esses fragmentos para criar um álbum de imagens em movimento. Com projeções em várias telas\, a instalação transmite a intimidade e a imediata percepção das observações de Frank sobre família\, amigos e colaboradores\, bem como sobre interiores domésticos e vistas de cidades e costas. \nAs filmagens nesta instalação\, costuradas por Israel e Bingham para evocar seu olhar e voz inquietos\, lançam uma nova luz sobre seu processo artístico — ao mesmo tempo cômico e melancólico. Vemos Frank viajar entre suas casas em Nova York e Nova Escócia; pelas estradas abertas dos Estados Unidos e do Canadá; e por paisagens urbanas\, incluindo as de Beirute\, Cairo\, Moscovo e sua Suíça natal. Frank torna os prazeres mais efêmeros atemporais: um banho quente e uma chaleira fumegante\, um vislumbre de sua esposa June Leaf em seu estúdio\, o jogo de luz do sol em sua mão.
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LOCATION:MoMA\, 11 W 53rd St Manhattan\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Life Dances On: Robert Frank in Dialogue" no MoMA
DESCRIPTION:Robert Frank. Zoe\, 1980. National Gallery of Art\, Washington\, DC. Coleção Robert Frank\, doação do Collectors Committee. © 2024 The June Leaf and Robert Frank Foundation\n\n\n\n\n“Eu me vejo\, de pé em um mundo que nunca para\,” escreveu o artista Robert Frank uma vez. “Ainda estou lá lutando\, vivo porque acredito no que estou tentando fazer agora.” Life Dances On: Robert Frank in Dialogue—a primeira exposição solo do artista no MoMA—oferece uma nova perspectiva sobre seu extenso corpo de trabalho\, explorando as seis vibrantes décadas da carreira de Frank após a publicação em 1958 de seu icônico livro de fotografias\, Os Americanos. \nCoincidindo com o centenário do nascimento de Frank\, a exposição explorará sua incessante experimentação em diversos meios\, incluindo fotografia\, cinema e livros\, assim como seus diálogos com outros artistas e suas comunidades. Incluindo cerca de 200 obras feitas ao longo de 60 anos até a morte do artista em 2019\, muitas retiradas da extensa coleção do MoMA\, bem como materiais que nunca foram exibidos antes. \nA exposição toma seu título do tocante filme de Frank de 1980\, no qual o artista reflete sobre os indivíduos que moldaram sua visão de mundo. Como grande parte de seu trabalho\, o filme se passa na cidade de Nova York e em Cape Breton\, Nova Escócia\, onde ele e sua esposa\, a artista June Leaf\, se mudaram em 1970. No filme\, Leaf olha para a câmera e pergunta a Frank: “Por que você faz essas imagens?” Em uma introdução à exibição do filme\, ele respondeu: “Porque estou vivo.”
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SUMMARY:"Edges of Ailey" no Whitney Museum
DESCRIPTION:Carmen de Lavallade e Alvin Ailey no Jacobs Pillow\, 1961. Foto de John Lindquist. © Harvard Theatre Collection\, Houghton Library\, Harvard University\n\n\n\n\nEdges of Ailey\, que foi inaugurada no Whitney Museum of American Art em 25 de setembro\, é a primeira grande exposição institucional a celebrar a vida\, as danças\, influências e o legado duradouro do visionário artista e coreógrafo Alvin Ailey (nascido em 1931\, Rogers\, Texas; falecido em 1989\, Nova York). Esta mostra dinâmica—descrita como uma “extravanganza” pela curadora Adrienne Edwards—reúne arte visual\, performances ao vivo\, música\, uma série de materiais de arquivo e uma instalação em vídeo de múltiplas telas extraídas de gravações do repertório do Alvin Ailey American Dance Theater (AAADT) para explorar a amplitude da vida pessoal e criativa de Ailey. \nApresentada no Museu em duas partes\, Edges of Ailey consiste em uma exposição imersiva nas galerias de 18.000 pés quadrados do quinto andar do Museu—com obras de mais de oitenta artistas e material revelador dos arquivos—e uma série ambiciosa de performances no teatro do terceiro andar do Museu\, incluindo AILEY em residência uma semana por mês durante a exposição. \nA vasta coleção de arquivos raramente vistos\, incluindo filmagens de performances\, entrevistas gravadas\, cadernos\, cartas\, poesias\, contos\, anotações coreográficas\, desenhos e programas e cartazes de apresentações reunidos nos arquivos de Ailey e de outros\, cria uma linha vital na galeria. Seleções dos Arquivos de Alvin Ailey—cedidos pela Allan Gray Family Foundation e mantidos no Black Archives of Mid America em Kansas City\, Missouri—e da Alvin Ailey Dance Foundation Archives Collection\, mantida na Biblioteca do Congresso\, são de importância singular\, digitalizadas especialmente para esta exposição. Uma montagem dinâmica da vida e danças de Ailey será exibida em um loop em uma instalação de vídeo de 18 canais criada pelos cineastas Josh Begley e Kya Lou\, com a curadora Adrienne Edwards. \nA presença de Ailey\, sentida por meio do surround em vídeo e de seus efeitos pessoais encapsulados\, envolve uma instalação cênica com obras de mais de oitenta artistas. Essas obras são organizadas por temas que moldaram a vida e as danças de Ailey. As seções abrangem uma imaginação expandida do sul negro dos EUA que envolve histórias do sul dos EUA com as do Caribe\, Brasil e África Ocidental; as práticas duradouras da espiritualidade negra; as condições profundas e os efeitos da migração negra; a resiliência e a necessidade de uma libertação negra interseccional; a proeminência das mulheres negras na vida de Ailey; e as robustas histórias e experimentos da música negra; além das diversas representações da negritude na dança e meditações sobre a dança após Ailey. \nEntre os artistas expostos estão Jean-Michel Basquiat\, Romare Bearden\, Faith Ringgold\, Alma Thomas\, Jacob Lawrence\, Rashid Johnson\, Kevin Beasley\, Kara Walker\, entre outros. Uma aquisição recente de Eldren Bailey e novas obras de Karon Davis\, Jennifer Packer\, Mickalene Thomas e Lynette Yiadom-Boakye serão apresentadas pela primeira vez em homenagem a esta exposição histórica. \nEdges of Ailey também oferece uma rara oportunidade para os visitantes assistirem a performances ao vivo íntimas do Alvin Ailey American Dance Theater no teatro do terceiro andar do Museu. Como parte do robusto programa de performances ao vivo da exposição\, AILEY estará em residência no Whitney por uma semana por mês\, totalizando cinco semanas e mais de noventa performances. Isso oferece aos visitantes a oportunidade de vivenciar toda a extensão do mundo e do legado de Ailey\, incluindo performances de obras clássicas e contemporâneas pelas duas companhias de repertório—Alvin Ailey American Dance Theater e Ailey II—bem como apresentações de alunos da The Ailey School\, workshops e programas educacionais do Ailey Arts In Education\, e aulas do Ailey Extension. Durante as semanas em que AILEY não estiver em residência no Museu\, uma série de comissões de dança de coreógrafos renomados e seus colaboradores\, incluindo Ronald K. Brown\, Trajal Harrell\, Bill T. Jones\, Ralph Lemon\, com o artista interdisciplinar Kevin Beasley\, Sarah Michelson\, Okwui Okpokwasili e Peter Born\, Will Rawls\, Matthew Rushing\, Yusha-Marie Sorzano e Jawole Willa Jo Zollar\, será exibida.
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SUMMARY:"Thomas Schütte" no MoMA
DESCRIPTION:Thomas Schütte\, “Bronzefrau Nr. 17”\, 2006. Foto: The Art Institute of Chicago / Art Resource\, Nova York. © 2024 Thomas Schütte / Artists Rights Society (ARS)\, Nova York / VG Bild-Kunst\, Bonn\n\n\n\n\n“I try to see one thing from five different viewpoints.” [“Eu tento ver uma coisa de cinco pontos de vista diferentes.”] No universo de Thomas Schütte\, aquarelas íntimas\, esculturas figurativas monumentais\, cerâmicas vívidas\, maquetes arquitetônicas e edifícios totalmente realizados coexistem como investigações sobre estética\, história e cultura. Esta exposição\, a mais abrangente nos Estados Unidos da carreira de Schütte\, explora a deslumbrante variedade de seu trabalho e localiza os fios condutores que podem conectar um bunker a um busto. \nSchütte considera seus assuntos e seleciona seus materiais enquanto os contextualiza em um tempo e lugar: Alemanha no final do século 20 e início do 21. Desde seus dias de estudante na Kunstakademie Düsseldorf\, Schütte abordou a arte com um olhar crítico. Explorando\, então rejeitando\, a arte Minimalista e Conceitual\, seu trabalho “trouxe a história de volta”. Essas histórias abrangem o pessoal e o histórico. O trabalho de Schütte desafia as normas artísticas estabelecidas ao revitalizar gêneros enraizados em tradições passadas e torná-los relevantes no presente e para o futuro.
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SUMMARY:"The Brooklyn Artists Exhibition" no Brooklyn Museum
DESCRIPTION:Melissa Joseph\, Olive’s Hair Salon\, 2023 © Melissa Joseph. Cortesia da artista e REGULARNORMAL\n\n\n\n\nO público pode se preparar para ser deslumbrado pela edição inaugural da Exposição de Artistas de Brooklyn\, que destaca a excepcional diversidade de talentos presentes no bairro. Reunindo mais de 200 artistas\, essa grande mostra coletiva exibe a notável criatividade e variedade da população de Brooklyn. A exposição inaugura as comemorações do 200º aniversário do Brooklyn e continua a tradição do Museu de Brooklyn de amplificar as vozes de todos os cantos da comunidade. \nCom artistas que viveram ou mantiveram estúdios em Brooklyn nos últimos cinco anos (2019–24)\, a Exposição de Artistas de Brooklyn celebra o presente dinâmico do bairro\, seu passado histórico e seu futuro promissor. Selecionados por um comitê liderado por renomados artistas como Jeffrey Gibson\, Vik Muniz\, Mickalene Thomas e Fred Tomaselli\, os participantes representam uma ampla gama de disciplinas\, como desenho\, pintura\, escultura\, vídeo e instalação. Suas criações abordam temas que ressoam em níveis locais e globais\, incluindo migração e memória\, identidade e história\, incerteza e turbulência\, cura e alegria. Em conjunto\, essas obras capturam a vibrante essência de Brooklyn e de seus artistas\, conectados por laços profundos e um amor compartilhado por esse lugar singular.
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LOCATION:Brooklyn Museum\, 200 Eastern Pkwy Brooklyn\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Otobong Nkanga: Cadence" no MoMA
DESCRIPTION:Detalhe do tecido em progresso para Otobong Nkanga: Cadence. Cortesia de Otobong Nkanga. © Otobong Nkanga. Foto: Wim van Dongen\n\n\n\n\nOtobong Nkanga mudou a forma como entendemos a terra e nosso lugar nela. “Os humanos são apenas uma pequena parte do ecossistema\,” disse a artista. “Meus trabalhos nos conectam às nossas histórias compartilhadas\, não apenas por meio da terra e da geografia\, mas por meio de emoções moldadas por eventos e encontros. Essas são as cadências da vida.” \nOtobong Nkanga: Cadence apresenta uma nova comissão da artista: um ambiente abrangente de tapeçaria\, escultura\, som e texto que explora os ritmos turbulentos da natureza e da sociedade. Criada especificamente para o Átrio da Família Marron do MoMA\, a instalação se centra em uma monumental tapeçaria de múltiplos painéis que sugere ecossistemas e galáxias expansivas. \nSuspensa ao longo da parede mais alta do Átrio\, a tapeçaria de grande escala apresenta uma gama caleidoscópica de fibras naturais e sintéticas criadas pela artista utilizando técnicas inovadoras de tecelagem digital no TextielLab em Tilburg\, na Holanda. Esculturas compostas por cordas tingidas\, entrelaçadas com formas de vidro soprado à mão e cerâmica\, pendem do chão ao teto ao lado de tablets de cerâmica impressos com os poemas da artista. Esses elementos diversos são reunidos dentro de uma obra sonora imersiva baseada na voz e na respiração da artista. Cadence confronta tanto a beleza quanto a degradação do mundo natural — e sua agitação em meio a revoluções industriais e tecnológicas\, extração de recursos e guerras. A instalação monumental cria novas maneiras de perceber — e sentir — as enormes mudanças que estão ocorrendo em nosso tempo. \nApresentações ao vivo acontecerão na primavera de 2025. Mais detalhes serão fornecidos aqui nas próximas semanas.
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SUMMARY:"Enzo Camacho & Ami Lien: Offerings for Escalante" no MoMA PS1
DESCRIPTION:Enzo Camacho & Ami Lien\, “Langit Lupa” (still)\, 2023. Imagem cortesia dos artistas e da 47 Canal\, Nova York.\nOfferings for Escalante marca a primeira grande exposição em um museu dos EUA da dupla de artistas Enzo Camacho (filipino\, nascido em 1985) e Ami Lien (americana\, nascida em 1987). Há mais de uma década\, a prática multidisciplinar de Camacho & Lien aborda relações geopolíticas ao focar em formas localizadas de expropriação\, sobrevivência e resistência\, especialmente no contexto das Filipinas. Com obras de imagem em movimento\, uma instalação baseada em luz e uma série de composições em papel artesanal\, Offerings for Escalante concentra-se na ilha filipina de Negros\, conhecida por suas plantações de açúcar. Um filme recém-comissionado\, Langit Lupa\, baseia-se em depoimentos de sobreviventes para narrar a história do Massacre de Escalante de 1985\, um trágico episódio de violência estatal contra uma manifestação em massa em Negros durante a ditadura de Ferdinand Marcos. Expondo a brutalidade das sociedades de plantação\, Offerings for Escalante enfatiza a memória e o luto em meio às lutas contínuas por justiça agrária\, soberania alimentar e resistência anti-imperialista.
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SUMMARY:"Jasmine Gregory: Who Wants to Die for Glamour" no MoMA PS1
DESCRIPTION:Detalhe de “Fallen Idols”\, 2023\, na exposição “Si je ne peux pas l’avoir\, toi non plus” de Jasmine Gregory\, no Capc Musée d’art contemporain\, Bordeaux. Foto: Arthur Péquin\nJasmine Gregory aborda a pintura como uma prática espacial\, transformando telas meticulosamente detalhadas em amplos cenários esculturais. Suas obras apropriam-se de anúncios de empresas de gestão de patrimônio e marcas de relógios de luxo\, cujas superfícies fotográficas lustrosas são recriadas à mão em óleo. O uso provocativo do discurso na segunda pessoa nos anúncios (“Você nunca realmente possui um Patek Philippe. Apenas o cuida para a próxima geração”) transforma-se em uma crítica satírica para refletir sobre questões de patrimônio e preservação. Mesclando pinturas com garrafas de vinho\, vitrines\, sacolas plásticas\, festões e resíduos de estúdio — apenas alguns dos materiais de seu repertório —\, ela constrói cenários cujos dramas ambíguos refletem a complexidade de digerir e produzir dentro de paisagens culturais saturadas. \nWho Wants to Die for Glamour\, a primeira exposição institucional de Gregory nos EUA\, apresenta uma seleção focada de novas obras\, incluindo uma instalação em grande escala e site-specific. Ampliando seu interesse pelas histórias materiais da produção e exibição de imagens\, a exposição explora temas de transparência\, fragmentação e dissolução em relação tanto à produção artística quanto ao capitalismo racial.
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SUMMARY:"Sohrab Hura: Mother" no MoMA PS1
DESCRIPTION:Sohrab Hura\, “The Coast”\, 2020. Cortesia do artista e da Experimenter\, Kolkata e Mumbai\nA primeira mostra nos EUA do artista Sohrab Hura (indiano\, nascido em 1981) apresenta mais de cinquenta obras das últimas duas décadas de sua prática experimental. Sohrab Hura: Mother entrelaça corpos de trabalho em fotografia\, cinema\, som\, desenho\, pintura e texto que nunca haviam sido exibidos juntos. Conhecido por capturar momentos cotidianos notáveis que dão forma a forças políticas sistêmicas\, Hura coloca em foco fronteiras impostas colonialmente\, o trauma da partição e o ecossistema em transformação do subcontinente indiano. Esta mostra inclui uma seleção de obras-chave\, como Pati (2010)\, um filme que explora a região rural de Madhya Pradesh e seu papel no movimento para aprovar a Lei Nacional de Garantia de Emprego Rural de 2005; The Coast (2019)\, um projeto em livro\, série de fotografias e filme que usa a costa da Índia como lente para examinar a política em mudança do país; e uma seleção de desenhos a pastel e pinturas em guache de Things Felt But Not Quite Expressed (2022–presente) e Ghosts in My Sleep (2023–presente)\, sua nova série que retrata memórias familiares vividas e imaginadas. Por meio de estratégias catárticas de introspecção pessoal e política\, a exposição traça as preocupações existenciais mutáveis de Hura sobre a ética da criação de imagens como ato documental.
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SUMMARY:"Egon Schiele: Living Landscapes" na Neue Galerie
DESCRIPTION:Egon Schiele\, “Town among the Greenery (The Old City III)”\, 1917. Neue Galerie New York\n\n\n\n\nEgon Schiele: Living Landscapes explora a relevância das paisagens na obra do artista austríaco\, destacando como plantas\, ambientes naturais e cenários urbanos moldaram os espaços retratados em suas pinturas e simbolizam a condição humana. Em suas obras\, flores e árvores frequentemente adquirem um significado alegórico\, assumindo características quase humanas. As paisagens de Schiele vão além de sua aparência superficial\, representando ciclos de vida e reflexões sobre a existência. \nEmbora mais conhecido por seus retratos\, Schiele também foi um notável pintor de paisagens. Desde jovem\, demonstrava um interesse acentuado pela natureza. Na vida adulta\, buscava refúgio das pressões de Viena nos ambientes rurais. A partir de 1910\, Schiele fez diversas viagens a Krumau (atual Český Krumlov\, na República Tcheca)\, terra natal de sua mãe. De pontos elevados nos arredores da cidade\, ele capturava vistas panorâmicas\, como exemplificado em Town among Greenery (The Old City III)\, uma obra-prima incluída na exposição. Esta pintura\, embora imaginativa\, reflete a essência da cidade medieval com suas edificações interligadas e históricas. \nAlém de paisagens amplas\, Schiele também voltava seu olhar para plantas e árvores singulares. Girassóis\, um de seus motivos preferidos\, foram representados em todas as fases da vida\, da floração ao murchar\, frequentemente com características antropomórficas. A influência de Vincent van Gogh\, cuja obra foi exibida em Viena durante a vida de Schiele\, é evidente. Árvores também foram um tema recorrente\, especialmente aquelas retratadas em fins de outono\, desoladas e quase sem vida\, que Schiele associava ao ciclo das estações e à transitoriedade da vida. \nA exposição destaca como as paisagens de Schiele encapsulam mensagens existenciais sobre o ciclo da vida. A renovação da primavera e o esplendor do verão cedem lugar à decadência do outono e ao fim inevitável\, antes de o ciclo recomeçar. Essas pinturas luminosas tornam-se\, assim\, representações universais da condição humana. \nOrganizada pela Neue Galerie New York e com curadoria do Dr. Christian Bauer\, especialista em Egon Schiele\, a exposição reúne obras que sintetizam a relação do artista com a natureza e a simbologia de suas paisagens. O design da exposição e do catálogo é de William Loccisano. O evento conta com o apoio do Neue Galerie President’s Circle\, Swarovski e Withersworldwide.
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LOCATION:Neue Galerie\, 1048 Fifth Avenue\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Nour Mobarak: Dafne Phono" no MoMA
DESCRIPTION:Vista da instalação\, “Nour Mobarak: Dafne Phono”. Foto: Jonathan Dorado © Museu de Arte Moderna de Nova York.\n\n\n\n\nPara sua primeira exposição em um museu na cidade de Nova York\, a artista libanesa-americana Nour Mobarak apresenta uma instalação em grande escala reinterpretando a primeira ópera\, Dafne\, que foi encenada por Jacopo Peri e Ottavio Rinuccini em 1598 e inspirada no mito de Ovídio sobre Apolo e Dafne. Na reimaginação de Mobarak de Dafne\, 15 esculturas cantantes — envolvendo uma instalação sonora multicanal dentro de estruturas de micélio — recontam a história em algumas das línguas mais complexas do mundo em termos fonéticos. \nBaseando-se nas histórias do som de vanguarda\, a obra mais ambiciosa de Mobarak até agora se apoia em um interesse duradouro pela voz mecanizada e pela memória em sua prática\, que abrange escultura\, performance\, imagem em movimento\, poesia e música. Em Dafne Phono\, Mobarak traça analogias entre a estrutura linguística e os processos biológicos do micélio\, explorando como ambos são governados por sistemas de repetição\, decomposição e regeneração\, e se relacionam com forças mais amplas de poder político. Ao trazer novas perspectivas para um antecedente chave na história da performance\, Dafne Phono une natureza e tecnologia em uma exploração da capacidade da voz de suportar ciclos de vida e morte\, conectando histórias tanto antigas quanto presentes.
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SUMMARY:"Jesse Krimes: Corrections" no The Met Museum
DESCRIPTION:Jesse Krimes\, “Purgatory” (detalhe)\, 2009. The Metropolitan Museum of Art\, Nova York. Aquisição com doação do Vital Projects Fund Inc.\, por meio de Joyce e Robert Menschel\, e doações da Alfred Stieglitz Society\, 2024. © Jesse Krimes.\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\nA fotografia desempenhou um papel central na construção de sistemas de poder na sociedade\, especialmente em contextos ligados ao crime e à punição. Esta exposição apresenta instalações imersivas contemporâneas do artista Jesse Krimes (americano\, nascido em 1982)\, em diálogo com fotografias do século XIX do acervo do The Met\, realizadas pelo criminologista francês Alphonse Bertillon — responsável por desenvolver o primeiro sistema moderno de identificação criminal\, anterior à adoção das impressões digitais. \nAs instalações de Krimes\, criadas ao longo de seus seis anos de encarceramento\, revelam a engenhosidade de um artista que trabalhou sem acesso a materiais tradicionais. Utilizando sabonetes fornecidos pela prisão\, gel para cabelo\, cartas de baralho e jornais\, ele produziu obras que buscam interromper e recontextualizar a circulação de imagens na mídia. Exibidas em contraponto às fotografias de Bertillon — cuja metodologia combinava medidas antropométricas e retratos fotográficos\, dando origem à atual ficha de identificação criminal — as obras de Krimes questionam a suposta neutralidade dos sistemas de reconhecimento e as hierarquias sociais que eles ajudam a criar e perpetuar. \nArtista para quem a colaboração e o ativismo são essenciais\, Krimes fundou o Center for Art and Advocacy\, uma organização voltada à valorização do talento e do potencial criativo de pessoas que passaram pelo sistema prisional\, promovendo apoio e melhores condições para artistas anteriormente encarcerados.
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LOCATION:The Metropolitan Museum of Art\, 1000 5th Ave\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Shifting Landscapes" no Whitney Museum
DESCRIPTION:Jane Dickson\, “Heading in—Lincoln Tunnel 3”\, 2003. Whitney Museum of American Art\, Nova York; presente de Eve Ahearn e Joseph Ahearn 2017.275. © Jane Dickson.\n\n\n\n\nEmbora o gênero paisagem tenha sido historicamente associado a vistas pitorescas\, Shifting Landscapes considera uma interpretação mais expansiva dessa categoria\, explorando como as questões políticas\, ecológicas e sociais em evolução motivam os artistas enquanto tentam representar o mundo ao seu redor. Retirada da coleção do Whitney\, a exposição apresenta obras dos anos 1960 até o presente e é organizada em seções temáticas distintas. Algumas delas se agrupam em torno de afinidades materiais e conceituais: assemblagens escultóricas formadas por objetos locais\, abordagens ecofeministas da land art e os legados da fotografia documental de paisagens. Outras estão relacionadas a geografias específicas\, como o frenético cenário urbano da Nova York moderna ou a cena experimental de cinema de Los Angeles dos anos 1970. Ainda outras mostram como os artistas inventam novos mundos fantásticos\, onde humanos\, animais e a terra se tornam um só. Seja representando os efeitos da industrialização no meio ambiente\, enfrentando o impacto das fronteiras geopolíticas ou propondo espaços imaginados como uma forma de desestabilizar o conceito de um mundo “natural”\, as obras reunidas aqui trazem ideias sobre a terra e o lugar em foco\, destacando como moldamos e somos moldados pelos espaços ao nosso redor. \nShifting Landscapes é organizada por Jennie Goldstein\, Curadora Associada da Coleção; Marcela Guerrero\, Curadora da Família DeMartini; Roxanne Smith\, Assistente Curatorial Sênior; com Angelica Arbelaez\, Rubio Butterfield Family Fellow; com agradecimentos a Araceli Bremauntz-Enriquez e J. English Cook pelo apoio à pesquisa.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/mark-armijo-mcknight-decreation-no-whitney-museum-2/
LOCATION:Whitney Museum of American Art\, 99 Gansevoort St Manhattan\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Vital Signs: Artists and the Body" no MoMA
DESCRIPTION:Barbara Hammer. Cena de Sync Touch. 1981. Museu de Arte Moderna\, Nova York. © 2024 The Estate of Barbara Hammer\, and Company\, Nova York. Imagem cortesia da Coleção Barbara Hammer no Academy Film Archive.\n\n\n\n\n“Por trás dessa máscara\, outra máscara; nunca terminarei de remover todos esses rostos”\, escreveu o artista e poeta Claude Cahun em 1930. Ao longo do século 20\, artistas imaginaram o corpo e as ideias do eu como fluidos e abertos a transformações contínuas. Vital Signs inclui mais de 100 obras de artistas que questionam o que significa ser um indivíduo dentro de uma sociedade maior—e como categorias socialmente sustentadas\, como gênero\, raça e identidade sexual\, estão enraizadas na abstração. \nGrande parte do trabalho em Vital Signs foi feito por mulheres ou artistas de gênero expansivo. A exposição sugere novas perspectivas sobre obras celebradas da coleção do MoMA por artistas como Frida Kahlo\, Ana Mendieta\, Louise Bourgeois e Senga Nengudi\, além de obras que estão em exibição no Museu pela primeira vez\, de artistas como Belkis Ayón\, Ted Joans e Rosemary Mayer. Alguns artistas exploram como projetamos\, distorcemos e criamos identidades por meio de atos de brincadeira\, empatia ou controle. Outros se concentram no interior do corpo—tanto real quanto imaginado—ou olham para o mundo exterior\, formando combinações recém-imaginadas do humano e do não humano. Cheia de vida\, Vital Signs ilumina algumas das maneiras pelas quais os artistas refletem sobre a abstração em seus sentidos sociais mais amplos\, enquanto expandem as ideias sobre o que significa estar vivo e se conectar com os outros.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/vital-signs-artists-and-the-body-no-moma/
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SUMMARY:"Jeff Wall" na Gagosian
DESCRIPTION:Vista da exposição. Obra © Jeff Wall. Foto: Maris Hutchinson\n\n\n\n\nA Gagosian apresenta uma exposição de obras de Jeff Wall na galeria localizada na 541 West 24th Street\, em Nova York. A mostra inclui cinco novas fotografias e outras que ainda não haviam sido exibidas nos Estados Unidos. \nWall conecta a fotografia com elementos da pintura\, do cinema e da literatura\, em imagens que variam entre o classicismo do fotojornalismo e construções elaboradas. Algumas fotografias enfatizam o que o artista chama de “artifício evidente\,” enquanto outras são feitas de maneira simples\, espontânea e direta. Sem preferir uma abordagem específica\, Wall explora a amplitude e a complexidade da fotografia há várias décadas. \nEntre as obras expostas estão imagens que Wall descreve como “quase documentais\,” que podem se assemelhar a instantâneos\, mas são realizadas em colaboração com as pessoas que aparecem nelas. Este grupo inclui dois retratos de corpo inteiro\, Young man wet with rain (2011) e Portrait in Noto\, fotografado em 2007\, durante uma visita à Sicília\, mas impresso apenas este ano. Fallen rider\, feito no verão de 2022\, tem origem em um evento presenciado por um amigo do artista há trinta anos; Wall recuperou a memória desse relato e o reconstruiu próximo ao local onde o acontecimento supostamente ocorreu.
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SUMMARY:"Harmony and Dissonance: Orphism in Paris\, 1910–1930" no Guggenheim
DESCRIPTION:Robert Delaunay\, “Formes circulaires”\, 1930 (detalhe). Museu Solomon R. Guggenheim\, Nova York\, Coleção Fundadora Solomon R. Guggenheim 49.1184. Foto: Kristopher McKay\, Museu Solomon R. Guggenheim\, Nova York\n\nCom mais de 90 obras de arte que serão apresentadas na icônica rotunda do museu\, esta importante exposição examinará a vibrante arte abstrata do Orfismo. Ela explorará os desenvolvimentos desse movimento transnacional em Paris\, abordando o impacto da dança\, música e poesia na arte\, entre outros temas. \nO Orfismo surgiu no início da década de 1910\, quando as inovações trazidas pela vida moderna estavam alterando radicalmente as concepções de tempo e espaço. Artistas conectados ao Orfismo se envolveram com ideias de simultaneidade em composições caleidoscópicas\, investigando as possibilidades transformadoras da cor\, forma e movimento. Obras selecionadas de artistas como Robert Delaunay\, Sonia Delaunay\, Marcel Duchamp\, Mainie Jellett\, František Kupka\, Francis Picabia\, Amadeo de Souza-Cardoso\, e dos Sincronistas Stanton Macdonald-Wright e Morgan Russell estarão em exibição.
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LOCATION:The Guggenheim Museum\, 1071 5th Ave\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Christian Marclay: The Clock" no MoMA
DESCRIPTION:Christian Marclay\, “The Clock”\, 2010. Museu de Arte Moderna\, Nova York. Doação prometida pela coleção de Jill e Peter Kraus. © 2024 Christian Marclay. Cortesia da Paula Cooper Gallery e White Cube. Visita à instalação\, Christian Marclay—The Clock\, Museu de Arte Moderna\, Nova York\, 21 de dezembro de 2012 a 21 de janeiro de 2013. Foto: Thomas Griesel\n\n\n\n\nEncapsulando 100 anos da história da imagem em movimento\, The Clock (2010) de Christian Marclay é uma montagem de 24 horas composta por milhares de clipes de filmes e programas de televisão que retratam relógios e outras referências ao tempo. James Bond checa seu relógio às 12h20; Meryl Streep desliga um despertador às 6h30; um relógio de bolso faz tique-taque às 11h53 enquanto o Titanic parte. Com cada clipe sincronizado com a hora local\, The Clock colapsa o tempo fictício apresentado na tela com o tempo real de cada minuto que passa. A obra é tanto uma tour de force cinematográfica quanto um relógio funcional. \nCom base em sua formação como músico nas cenas underground de Boston e Nova York no final dos anos 1970 e 1980\, Marclay\, ao longo de cinco décadas\, combinou fragmentos visuais e sonoros para explorar as complexas relações entre imagem e som. Seus trabalhos resultantes tomaram forma em uma ampla variedade de meios: escultura\, pintura\, fotografia\, impressão\, performance e vídeo. Com a ajuda de assistentes em busca de imagens\, Marclay passou três anos editando meticulosamente The Clock—a culminação de sua abordagem inovadora de olhar o mundo de uma forma nova através de material encontrado. \nThe Clock fala sobre a rica história do cinema como um reflexo e uma fuga da realidade\, um paradoxo que se torna cada vez mais central na vida cotidiana na era de transmissão instantânea\, serviços de streaming e inteligência artificial. A montagem de Marclay\, com clipes cuidadosamente selecionados\, nos leva em uma jornada pelo passado para aumentar nossa percepção de um presente sempre elusivo e em constante desdobramento. Ao editar fragmentos do vasto arquivo do cinema para mostrar a hora atual\, Marclay reformula nossa memória coletiva dos filmes como um confronto estranho com nós mesmos.
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SUMMARY:"From where I am | I am already gone" de Fernanda Galvão na Lyles & King
DESCRIPTION:Fernanda Galvão\, “Cotton Snake-Tail takes the night”\, 2024. Via lylesandking.com\n\n\n\n\nTraversing Distance\, Enduring Bonds \nFrom where I am | I am already gone\, a primeira exposição individual de Fernanda Galvão nos Estados Unidos\, aborda o deslocamento\, a impermanência e a sustentabilidade das relações na vida contemporânea. A mostra reflete o percurso da artista por diferentes países\, culturas e paisagens desde que deixou sua cidade natal\, São Paulo\, Brasil. O título da exposição\, inspirado pelo poeta brasileiro Manoel de Barros (1916–2014)\, encapsula o sentimento de estar em trânsito—tanto física quanto emocionalmente—enquanto contempla a fragmentação da identidade que surge ao estar longe de casa. Como Barros\, Galvão busca os aspectos inomináveis e indefiníveis da existência. \nAs obras de Galvão convidam os espectadores a questionar as fronteiras entre lar e identidade\, oferecendo uma visão poética da vida contemporânea e refletindo a realidade de alguns artistas latino-americanos que migram para a Europa. A exposição é fruto de uma estreita colaboração com a curadora brasileira Luana Fortes\, que apresenta um texto curatorial em forma de carta\, compartilhando o processo colaborativo por trás da mostra. Esse formato espelha a interseção entre o pessoal e o profissional\, transcendendo barreiras geográficas. \nO conjunto de obras da exposição emerge das referências visuais que Galvão e Fortes compartilharam de plantas\, criaturas e paisagens que cercam suas vidas cotidianas\, desde o bairro onde a artista vivia até a atual residência da curadora. O resultado é uma mistura de imagens que vão do centro econômico de São Paulo ao deserto californiano de Joshua Tree\, mercados de peixe em Seul e jardins majestosos de cidades como Paris. As pinturas e desenhos de Fernanda Galvão mesclam elementos reais e imaginários\, criando lugares que se diferenciam do que as pessoas estão acostumadas a vivenciar. Essa é a forma da artista de contemplar um futuro possível em meio à catástrofe climática. \nA insustentabilidade do estilo de vida humano atual é uma questão central nas pinturas de Galvão\, que apresentam seres diversos\, mas nunca humanos. Sua pesquisa contínua explora o mundo das plantas\, climas e criaturas\, referenciando espécies que ela descobre em suas andanças\, ilustrações de livros e insights derivados de filmes e literatura de ficção científica. Por meio de sua arte\, Galvão cria um glossário de seres vivos. Os espectadores podem reconhecer essas formas como espécies familiares ou ecos de obras anteriores da artista. No entanto\, à medida que Galvão se distancia de São Paulo e se imerge em culturas diversas\, suas referências mudam\, afastando-se cada vez mais de suas origens e ganhando força onde a impermanência prevalece. \nEssa confluência de referências nas obras de Galvão enfatiza a importância da natureza como lente para imaginar futuros possíveis. Ficção ou não\, as pinturas de Fernanda Galvão nos convidam a considerar um mundo onde resiliência e cuidado podem moldar o futuro\, oferecendo reflexões sobre a vida contemporânea. \n— Luana Fortes
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SUMMARY:"Ceremonies Out of the Air: Ralph Lemon" no MoMA PS1
DESCRIPTION:Ralph Lemon\, “Untitled no. 3”\, 2017. Fonte: MoMA\nEsta importante exposição do artista Ralph Lemon (nascido em 1952\, em Cincinnati) apresenta mais de sessenta obras realizadas na última década\, abrangendo diversas disciplinas e marcando a estreia de várias performances colaborativas. Como uma das figuras mais relevantes da cena do centro de Nova York\, Lemon ampliou a capacidade de contar histórias em diferentes contextos e tradições. Ceremonies Out of the Air: Ralph Lemon inclui dança\, desenhos\, fotografias\, esculturas\, pinturas e vídeo distribuídos pelas amplas galerias do terceiro andar do museu\, além de um programa sincronizado de performances ao vivo em um espaço dedicado. \nO destaque da exposição é Rant redux (2020–24)\, uma grande instalação de vídeo e som em quatro canais\, realizada com Kevin Beasley e baseada na performance ao vivo Rant (2019–presente). O programa de performances inclui a estreia nos EUA de In Proximity (2022) e a estreia em Nova York de Tell it anyway (2024)\, além de convidar uma série de convidados especiais para responderem aos desenhos de Lemon de Untitled (The greatest [Black] art history story ever told. Unfinished) (2015–presente). A obra de Lemon toma o corpo como um arquivo de emoção crua\, trabalho físico e histórias recebidas\, desafiando as formas como fomos ensinados a ver o mundo.
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LOCATION:MoMA PS1\, 22-25 Jackson Ave LIC\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"The Fortune Society: Future Freedoms" no MoMA PS1
DESCRIPTION:Prison Is History. Colagem em outdoor\, 2023. Cortesia de Jenny Polak e dos artistas da The Fortune Society.\nThe Fortune Society: Future Freedoms marca a segunda exposição no MoMA PS1 pela organização sem fins lucrativos sediada em Long Island City\, que promove alternativas ao encarceramento e apoia a reintegração bem-sucedida de ex-detentos. A exposição em Homeroom apresenta novas obras criadas durante uma residência no MoMA PS1\, incluindo autorretratos\, vestimentas\, poesia\, bandeiras\, esculturas\, gravações de áudio\, um outdoor e um videoclipe. Future Freedoms é o ápice de uma colaboração de quatro anos entre as duas organizações\, juntamente com as artistas Jenny Polak e Laura Cerón Melo\, como parte da iniciativa Creatives Rebuild New York. Enfrentando os legados do encarceramento\, a exposição imagina um futuro mais justo\, construído por meio da criatividade.
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SUMMARY:"Light: Rafaël Rozendaal’s Digital Abstractions" no MoMA
DESCRIPTION:Rafaël Rozendaal\, “Implosion”\, 2023. Coleção do artista. Imagem cortesia do artista.\n\n\n\n\n“Eu sempre quis fazer trabalhos que pudessem ser vistos por qualquer pessoa\, em qualquer lugar\, a qualquer hora”\, diz Rafaël Rozendaal\, um inovador no campo da arte baseada na Internet. Desde o início dos anos 2000\, suas animações vibrantes exploram as possibilidades estéticas e conceituais do código\, tratando-o como se fosse tinta. \nComo Rozendaal escolheu a Internet como sua tela\, essas obras estão acessíveis online por todos. Cada obra começa como um storyboard esboçado no papel\, que é então traduzido para o código e ocupa apenas uma pequena quantidade de kilobytes. Sua forma final é um site autônomo alimentado por um algoritmo que gera a animação em tempo real. A prática de Rozendaal se desdobra dentro das possibilidades visuais do navegador\, aproveitando a paisagem digital plana\, mas multidimensional. \nEsta instalação apresenta uma seleção de seus sites\, cada um amostrado por dois a três minutos em uma tela de alta resolução com quase 7\,5 metros de largura. Desde o início\, essas obras foram concebidas para serem independentes de resolução e robustas o suficiente para suportar a evolução de software e telas. O objetivo de Rozendaal é que experimentemos um estado de imersão tão completo que ele se torne um com o nosso mundo físico. Como ele explica: “Eu imagino que viveremos em um mundo onde não haverá diferença entre uma tela e qualquer outra superfície.”
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SUMMARY:"Solid Gold" no Brooklyn Museum
DESCRIPTION:Foto: Reprodução Brooklyn Museum\n\n\n\n\nContemple a majestade do ouro em uma exposição cintilante dedicada ao elemento que inspirou incontáveis obras de arte\, moda\, cinema\, música e design. Como material e cor\, o ouro simbolizou beleza\, honra\, alegria\, ritual\, espiritualidade\, sucesso e riqueza ao longo da história. Ele também assumiu inúmeras formas: de representações milenares de mundos idealizados a suntuosos retábulos italianos dos séculos XIII e XIV\, passando por delicados biombos japoneses até obras contemporâneas e criações deslumbrantes da alta-costura. Com uma seleção abrangente de objetos e uma perspectiva global\, esta exposição traça as muitas jornadas do metal que influenciou culturas e legados em todo o mundo. \nSolid Gold\, que inaugura as comemorações do bicentenário do Brooklyn Museum\, reúne mais de 500 obras\, combinando peças de destaque do acervo com empréstimos internacionais impressionantes. O fascínio da moda pelo ouro será refletido em criações icônicas de Anna Sui\, Christian Dior\, Demna\, Gianfranco Ferré\, Giorgio di Sant’Angelo\, Halston\, Mary McFadden\, The Blonds\, Walter Van Beirendonck e Yves Saint Laurent. Pinturas e esculturas com fundo dourado\, moedas e outros tesouros dividirão espaço com joias assinadas por Alexander Calder\, Belperron\, Cartier\, Charles Loloma\, Jacob & Co e Verdura — além de grillz criados por Gabby Elan. \nAo mesmo tempo em que celebra o encantamento sedutor desse material luminoso\, a exposição também propõe reflexões sobre suas histórias mais sombrias\, convidando a conversas francas sobre os custos humanos e ambientais envolvidos na extração do minério de ouro. Solid Gold convida o público a mergulhar em uma das obsessões mais cintilantes da humanidade.
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LOCATION:Brooklyn Museum\, 200 Eastern Pkwy Brooklyn\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Lillie P. Bliss and the Birth of the Modern" no MoMA
DESCRIPTION:Paul Cézanne\, “Still Life with Apples”\, 1895–98. Museu de Arte Moderna\, Nova York. Coleção Lillie P. Bliss\n\n\n\n\nMoMA não seria o que é hoje sem Lillie Plummer Bliss. Em 1929\, após anos de defesa da arte moderna em Nova York\, Bliss\, juntamente com Abby Aldrich Rockefeller e Mary Quinn Sullivan\, fundou o Museu de Arte Moderna. Quando faleceu\, aos 66 anos\, apenas dois anos depois\, Bliss deixou grande parte de sua coleção de arte para o museu — um ato visionário que mudou fundamentalmente a trajetória do MoMA. \nLillie P. Bliss and the Birth of the Modern reúne 40 obras da coleção de Bliss\, incluindo pinturas e trabalhos sobre papel de Paul Cézanne\, Odilon Redon\, Georges-Pierre Seurat e Pablo Picasso. Bliss foi uma feroz defensora desses artistas inovadores em uma época em que a arte moderna era frequentemente recebida com suspeita ou ridicularização. “Eles têm algo a dizer que vale a pena ser dito e reivindicam para si mesmos apenas a liberdade de expressá-lo à sua maneira\,” declarou ela. Seu presente generoso\, que permitiu a venda de suas obras para financiar novas aquisições — incluindo A Noite Estrelada de Vincent van Gogh — forneceu ao jovem museu os meios para desenvolver sua coleção por muitos anos no futuro. \nA notável contribuição de Bliss para a história da arte moderna nos Estados Unidos permanece subestimada. Isso se deve em parte ao seu desejo de ficar fora dos holofotes; no final de sua vida\, Bliss solicitou que seus documentos pessoais fossem queimados. Embora grande parte de sua história permaneça por imaginar\, Lillie P. Bliss and the Birth of the Modern ilumina essa figura fundamental por meio das obras de arte que ela mais amava.
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