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SUMMARY:Instalação David Hammons no Whitney Museum of American Art
DESCRIPTION:O Whitney\, em colaboração com o Hudson River Park \, desenvolveu um projeto de arte pública permanente de David Hammons (n. 1943). Intitulada Day’s End (2014–21)\, esta instalação monumental está localizada no Hudson River Park ao longo da margem sul da Península de Gansevoort\, em frente ao Museu. \n\n\n\nProposto ao Whitney por Hammons\, Day’s End se inspira em uma obra de arte de mesmo nome de Gordon Matta-Clark (1943-1978). Em 1975\, Matta-Clark cortou cinco aberturas no galpão Pier 52 que anteriormente ocupava o local. O Hammons’s Day’s End é uma estrutura aberta que segue precisamente os contornos\, dimensões e localização do galpão original – e\, como a intervenção de Matta-Clark\, oferecerá um lugar extraordinário para experimentar a orla. \n\n\n\nEm conjunto com a realização do projeto\, o Whitney apresentou Around Day’s End: Downtown New York\, 1970–1986 \, uma exposição que apresentou obras da coleção relacionadas ao projeto seminal de Matta-Clark. O Whitney também criou materiais interpretativos\, incluindo a primeira série de podcasts do Museu\, Artists Among Us \, bem como vídeos e passeios a pé pelo bairro. Essa mídia de apoio toma os Day’s End s\, conforme previsto por Hammons e Matta-Clark\, como pontos de partida para explorar a história local – da orla e do Meatpacking District\, o papel dos artistas no bairro\, sua história LGBTQ e a ecologia do estuário. Novas pesquisas\, materiais de arquivo e entrevistas de história oral serão incorporadas.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/instalacao-david-hammons-no-whitney-museum-of-american-art/
LOCATION:Whitney Museum of American Art\, 99 Gansevoort St Manhattan\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"At the Dawn of a New Age" no Whitney Museum of American Art
DESCRIPTION:Os artistas americanos saudaram o século XX com uma confiança juvenil no progresso e na inovação. Animados pelas mudanças tecnológicas que estavam revolucionando as comunicações e a engenharia\, bem como as mudanças culturais\, como o sufrágio feminino\, os artistas abraçaram o novo em detrimento do tradicional e fixo. Não mais contentes em replicar a realidade\, eles se voltaram para os estilos de vanguarda como forma de comunicar sua empolgação com uma época que o crítico Walter Lippmann caracterizou como “explosiva com novas ideias\, novos planos e novas esperanças”. \n\n\n\nAlguns dos artistas apresentados nesta exposição\, como Georgia O’Keeffe e Marsden Hartley \, são bem conhecidos hoje\, mas muitos modernistas igualmente inovadores foram amplamente esquecidos. Com mais de sessenta obras de quarenta e cinco artistas extraídas principalmente da coleção permanente do Whitney\, At the Dawn of a New Age oferece uma compreensão expandida da complexidade da arte americana produzida entre 1900 e 1930 e recupera a exuberante sensação de liberdade e experimentação subjacente isto. \n\n\n\nEsta exposição é organizada por Barbara Haskell\, curadora.
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LOCATION:Whitney Museum of American Art\, 99 Gansevoort St Manhattan\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"By Way Of: Material and Motion in the Guggenheim Collection" no Guggenheim
DESCRIPTION:Vista da instalação\, By Way Of: Material and Motion in the Guggenheim Collection © Solomon R. Guggenheim Museum\, Nova York\n\n\n\nUma das características mais proeminentes da arte do final do século XVIII em diante\, especialmente após a Segunda Guerra Mundial\, é a tendência dos artistas de evoluir métodos tradicionais de produção artística fora dos limites do estúdio. Esta exposição examina as maneiras pelas quais artistas contemporâneos implementaram novas ideias formadas pelos contextos sociais e históricos de seu tempo\, empurrando os limites da criação artística e dos materiais como resultado. \n\n\n\nBy Way Of oferece uma seleção de obras da coleção permanente do museu\, inspiradas pelo presente da Coleção D.Daskalopoulos. Artistas importantes do movimento Arte Povera das décadas de 1960 e 1970\, como Jannis Kounellis e Mario Merz\, compartilham as galerias com artistas que trabalham atualmente\, como Rashid Johnson\, Mona Hatoum e Senga Nengudi. \n\n\n\nBy Way Of: Material and Motion in the Guggenheim Collection é organizada por Naomi Beckwith\, Diretora Adjunta e Curadora-Chefe Jennifer e David Stockman.
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LOCATION:The Guggenheim Museum\, 1071 5th Ave\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Wanda Gág World" no Whitney Museum
DESCRIPTION:Wanda Gág\, The Forge (detalhe)\, 1932. Whitney Museum of American Art\, New York; purchase 32.103. © Estate of  Wanda Gág\n\n\n\nEsta exposição apresenta uma seleção de gravuras da artista\, ilustradora e autora de livros infantis Wanda Gág (1893–1946). Estas obras registram o mundo como Gág o experimentava: um lugar onde as paisagens se movem ritmicamente e os objetos inanimados vibram com vida. Embora ela também pintasse\, as artes gráficas ofereceram o método mais eficaz para expressar essa visão única. \n\n\n\nNascida em Minnesota\, filha de imigrantes da Boêmia Alemã (atualmente parte da República Tcheca)\, Gág chegou a Nova York em 1917 para estudar na Art Students League\, onde se tornou uma figura central da cena artística modernista da cidade. Sem aderir à abstração nem ao realismo social — os movimentos artísticos dominantes na época — Gág desenvolveu sua própria abordagem à figuração. Ao longo de sua carreira\, ela alcançou um sucesso modesto vendendo suas gravuras e produziu vários livros infantis populares\, exemplos dos quais são apresentados na mostra. Gág também foi uma escritora prolífica sobre sua vida e obra\, e trechos de suas cartas e diários acompanham as gravuras em exibição. \n\n\n\nCompletamente extraídas da coleção do Whitney\, as obras nesta exposição abrangem aproximadamente duas décadas\, desde meados da década de 1920 até o ano anterior à morte de Gág. Juntos\, esses naturezas-mortas\, paisagens e interiores iluminam o que a artista chamou de “mundo de Wanda Gág”\, demonstrando sua fervorosa busca para capturar o sentimento e o movimento da vida como ela via. \n\n\n\nO Wanda Gág World é co-curado por Roxanne Smith\, Assistente Sênior de Curadoria\, e Scout Hutchinson\, Curadora Bolsista.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/wanda-gag-world-no-whitney-museum/
LOCATION:Whitney Museum of American Art\, 99 Gansevoort St Manhattan\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:The Roof Garden Commission: Petrit Halilaj no The Met Museum
DESCRIPTION:Foto: Ian Kumamoto\n\n\n\nO artista kosovar Petrit Halilaj (nascido em 1986\, Kostërc\, antiga Iugoslávia) foi convidado a criar uma instalação específica para o Jardim do Telhado Iris e B. Gerald Cantor do Museu. Para o primeiro grande projeto do artista nos Estados Unidos\, Halilaj transformou o telhado do Met com uma extensa instalação escultural. \n\n\n\nO trabalho de Halilaj está profundamente conectado à história recente de seu país natal\, Kosovo\, e às consequências das tensões culturais e políticas na região. Após um período formativo na Itália\, onde estudou arte na Accademia di Brera em Milão\, ele se mudou para Berlim em 2008\, onde ainda vive e trabalha. Seus projetos abrangem uma variedade de mídias\, incluindo escultura\, desenho\, poesia e performance.
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LOCATION:The Metropolitan Museum of Art\, 1000 5th Ave\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Other of Pearl" de Jenny Kendler na Governors Island National Monument
DESCRIPTION:Jenny Kendler e Andrew Bearnot\, Whale Bells\, 2023. Foto: Julienne Schaer. Cortesia de Governors Island Arts\n\n\n\n\n\nEm Other of Pearl\, Jenny Kendler (n. 1980\, Nova York\, NY) narra as histórias de extração que formam a origem da crise climática e ambiental\, enquanto considera a ostra e a baleia como figuras centrais em um emaranhado ecológico entre seres humanos e não humanos\, corpos d’água e fluxos de capital. \nFocando em nossas relações com esses dois seres tão distintos\, Kendler revela como os sistemas capitalistas muitas vezes se fundamentam sobre os corpos de outros. A artista confronta questões ambientais contemporâneas — mudanças climáticas\, poluição sonora dos oceanos\, poluição química\, perda de biodiversidade e aumento do nível do mar —\, ao mesmo tempo que aponta para as estruturas culturais que permitiram essas catástrofes. \nOther of Pearl\, primeira exposição individual de Kendler em Nova York\, transforma o espaço de Fort Jay em um local de exploração cuidadosa. Nela\, encontram-se sete obras íntimas e delicadas\, incluindo um instrumento de vidro soprado à mão que permite cantar na voz de uma baleia e esculturas de pérolas cultivadas dentro de ostras. Ao final da exposição\, as esculturas de pérolas serão leiloadas para arrecadar fundos com o intuito de criar um novo recife de ostras\, redistribuindo recursos em um gesto de restauração ecológica\, em parceria com o Billion Oyster Project. \nAo propor uma relação mais íntima e corpórea com o mundo natural\, Other of Pearl sugere uma nova forma de imaginar quem importa e para quem estamos construindo o futuro\, convidando-nos a imaginar uma prática restaurada de reciprocidade entre humanos e não humanos.
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LOCATION:New-York Historical Society\, 170 Central Park W\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Carrie Mae Weems: Remember to Dream" no Hessel Museum of Art
DESCRIPTION:Remember to Dream revisita a amplitude e a profundidade da carreira prolífica de Carrie Mae Weems através de obras raramente exibidas e menos conhecidas que demonstram a evolução de sua prática pioneira e engajada politicamente. Indo além dos projetos icônicos\, Remember to Dream busca reequilibrar a compreensão do desenvolvimento artístico de Weems nos últimos 30 anos\, situando seu trabalho no contexto de suas próprias experiências de vida e compromisso com o ativismo. Variando de instalações em grande escala a séries fotográficas\, as obras na exposição traçam uma linha contínua do Movimento dos Direitos Civis ao Black Lives Matter\, destacando momentos significativos de reconhecimento racial nos Estados Unidos através da própria perspectiva de Weems. \nAo longo da exposição\, a prática e a história pessoal de Weems\, que se cruza com a história política dos EUA\, iluminam o que o poeta e estudioso negro americano Amiri Baraka chamou de “o mesmo que muda”\, referindo-se à continuidade do racismo e do sexismo—os modos como certos padrões de violência e opressão são perpetuados de uma geração para a próxima\, mesmo que as condições específicas da vida cotidiana continuem a mudar. \nA exposição é sequenciada em nove salas\, cada uma representando um ou mais corpos de trabalho. Começando com Pintando a Cidade (2021)\, Weems aborda os protestos que irromperam em maio de 2020 em mais de 2.000 cidades e vilas dos Estados Unidos em resposta ao assassinato de George Floyd pela Polícia de Minneapolis. Na cidade natal de Weems\, Portland\, Oregon\, os protestos continuaram até setembro de 2020\, escalando para pontos de confronto violento entre policiais\, manifestantes e contra-manifestantes. Weems voltou a Portland para fotografar muitas das lojas que protegeram suas vitrines contra possíveis saques e vandalismo. Em uma sala adjacente\, Weems exibe uma série de retratos íntimos intitulada Fotos e Histórias de Família (1978-1984)\, uma série anterior de Portland com fotografias em preto e branco que registram as alegrias e agonias da vida familiar. \nRemember to Dream contextualiza o presente dentro de uma luta secular. Uma representação especialmente comovente e convincente do legado brutal do racismo é Saia\, Saia Agora! (2022)\, uma instalação de vídeo recente que lembra um antigo teatro no qual a artista e sua irmã contam a história de seu avô Frank\, um meeiro que era membro do Sindicato dos Agricultores Arrendatários do Sul e trabalhava em terras no Arkansas. Após ser espancado e deixado para morrer em Earle\, Arkansas\, em 1936\, Frank escapou a pé para Chicago\, fugindo do Sul segregacionista\, perdendo sua terra e\, por um tempo\, sua família. No vídeo\, Weems faz um poderoso apelo por reparações por tudo o que ele e sua família perderam ao longo das gerações. \nA exposição continua com Blues e Pinks (1992-93)\, em que Weems se baseia em imagens da “Cruzada das Crianças” que começou em 2 de maio de 1963\, quando mais de mil crianças saíram da escola em Birmingham\, Alabama\, para marchar até o centro da cidade e falar com o prefeito sobre a segregação em sua cidade. As crianças foram detidas pela polícia e centenas foram presas. Elas se reuniram novamente no dia seguinte para marchar novamente\, e o chefe de polícia ordenou que as forças de segurança usassem a força contra as crianças. Weems apropria-se da fotografia do jornalista sulista branco Charles Moore\, tingindo as imagens com tons de azul e rosa\, e justapondo cenas que ressuscitam o terror daquele dia. Em uma obra adicional intitulada Terra dos Sonhos Despedaçados: Um Estudo de Caso (2021)\, Weems relembra os Panteras Negras como uma força de autodefesa. \nRemember to Dream é curada por Tom Eccles\, Diretor Executivo do Centro de Estudos Curatoriais do Bard College\, após colaborações com Weems em A Forma das Coisas no Park Avenue Armory em Nova York (2021) e Luma Arles em Arles\, França (2023)\, com o apoio de Marina Caron (Turma de 2023 do CCS Bard).
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LOCATION:Hessel Museum of Art\, 33 Garden Rd\, Annandale-On-Hudson\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:“The Campus” na kurimanzutto
DESCRIPTION:Vista da instalação de “Climate Change is Real (Global Climate Action Summit\, San Francisco)” de Andrea Bowers\, 2018 (ao fundo)\, no The Campus. Foto: Yael Eban & Matthew Gamber\n\n\n\nBortolami\, James Cohan\, kaufmann repetto\, Anton Kern\, Andrew Kreps e kurimanzutto têm o prazer de apresentar a exposição inaugural em seu novo espaço compartilhado\, The Campus\, em Claverack\, NY. Abraçando um modelo colaborativo\, as galerias transformaram um antigo prédio escolar abandonado em uma plataforma para troca cultural dinâmica. \n\n\n\nVago desde os anos 90\, o edifício de 78.000 pés quadrados da Ockawamick School\, construído em 1951 e em grande parte não reformado\, estava pronto para ser reanimado. Salas de aula pintadas de forma colorida\, detalhes arquitetônicos de meados do século e generosa iluminação natural criam um contexto atraente para que os artistas interajam com o espaço\, o propósito original da estrutura e uns com os outros. \n\n\n\nNos últimos anos\, uma reconsideração de valores levou muitos artistas em direção à comunidade criativa há muito estabelecida no interior do estado de Nova York. The Campus abraça esse ambiente de troca animada com uma exposição abrangente que preenche 40 salas e os terrenos circundantes com obras de arte. Dentro de cada sala\, agrupamentos cuidadosos oferecem momentos de diálogo focado entre vozes diversas dentro e fora dos seis programas de galeria. \n\n\n\nNo espírito de colaboração\, The Campus está fazendo parceria com os Bolsistas de Estúdio e Curadoria da Cohort 05 do NXTHVN. Fundado por Titus Kaphar e Jason Price\, a bolsa anual do NXTHVN trabalha para orientar e elevar artistas e curadores sub-representados. A exposição contará com o trabalho dos Bolsistas de Estúdio Adrian Armstrong\, Alexandria Couch\, Eric Hart Jr.\, Fidelis Joseph\, Jamaal Peterman\, Eugene Mackie e Alex Puz\, organizada pelas Bolsistas de Curadoria Marquita Flowers e Clare Patrick. \n\n\n\nA exposição inaugural conecta obras novas\, históricas e específicas do local de mais de 80 artistas. \n\n\n\nUma instalação urgente de filme\, néon e obras escultóricas de Andrea Bowers ativa a arte em um chamado ressonante para informar\, educar e mobilizar sobre a mudança climática.
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LOCATION:kurimanzutto\, 520 w 20th St\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Scenes of New York City" no New-York Historical Society
DESCRIPTION:Keith Haring\, Radiant Baby with AIDS Alligator\, c. 1984 © Keith Haring Foundation)\n\n\n\n\n\nA exibição inaugural na nova Hirschfeld Gallery and Hall apresenta uma seleção de obras de arte provenientes de uma extraordinária doação prometida ao New-York Historical Society pelos filantropos e colecionadores de arte Elie e Sarah Hirschfeld\, que reuniram uma impressionante coleção em homenagem à sua cidade natal. A coleção inclui obras de renomados artistas nacionais e internacionais\, como Mark Rothko e Roxie Munro\, e oferece retratos vívidos de Gotham e suas paisagens urbanas. Mais de uma dúzia de obras em exibição destacam o passado multifacetado da cidade e traçam os ritmos da metrópole e de sua vida cotidiana. Para enriquecer esse retrato visual da cidade\, a exibição também conta com vozes da comunidade que respondem aos lugares e pessoas retratados. Curadoria de Wendy Nālani E. Ikemoto\, vice-presidente e curadora-chefe. \nO catálogo de Scenes of New York City: The Elie and Sarah Hirschfeld Collection conta com o apoio da Arthur F. and Alice E. Adams Charitable Foundation.
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SUMMARY:"Survival Piece #5: Portable Orchard" no Whitney Museum
DESCRIPTION:The Harrisons\, Survival Piece #5: Portable Orchard\, 1972–73 (vista da instalação\, Art Gallery da California State University\, Fullerton) © Helen and Newton Harrison Family Trust. Cortesia de Various Small Fires\, Los Angeles/Dallas/Seoul.\n\n\n\n“Survival Piece #5: Portable Orchard” marca a primeira apresentação independente em um museu do pomar de cítricos indoor completamente realizado\, concebido e projetado em 1972 pelos artistas Helen Mayer Harrison (1927–2018) e Newton Harrison (1932–2022). Este projeto explora a necessidade de um sistema alimentar produtivo e sustentável em um futuro imaginado onde as práticas agrícolas naturais são obsoletas e não podem ser consideradas garantidas. Estendendo-se pela galeria do oitavo andar do Museu\, esta instalação de dezoito árvores cítricas vivas enraizadas em vasos autossuficientes com sistemas de iluminação individuais reflete uma alternativa de sobrevivência diante do declínio ambiental. \n\n\n\nOs Harrisons começaram sua colaboração que durou décadas no início dos anos 1970\, inspirados pelos movimentos ambientalistas emergentes e por uma crescente conscientização social sobre os ecossistemas vulneráveis do planeta. Eles trouxeram experiências distintas em educação e escultura para sua prática criativa compartilhada e desenvolveram uma abordagem à criação artística que se baseava em pesquisas interdisciplinares\, resultando em projetos que serviam simultaneamente como obras de arte e chamados à ação. “Para sobreviver como espécie”\, refletiu Helen Harrison\, “vamos ter que aprender a cultivar nossa própria comida e cuidar de nós mesmos em algum momento. Então começamos a olhar para o que isso significa.” “Portable Orchard” é uma das sete “Survival Pieces” desenvolvidas pelos Harrisons no início dos anos 1970\, cada uma propondo uma alternativa a um sistema de produção de alimentos existente — de um pasto de porcos a uma fazenda de camarões. Os Harrisons planejavam a implementação futura desses projetos fazendo desenhos de instruções detalhadas; a recente aquisição pelo Museu de um desses desenhos foi o impulso para esta apresentação e está em exibição nas galerias\, junto com materiais de arquivo adicionais. “Portable Orchard” revela a qualidade premonitória da pesquisa dos Harrisons sobre sustentabilidade alimentar\, bem como os sucessos e fracassos dos sistemas artificiais construídos para sustentar a vida — questões que são ainda mais relevantes hoje do que há cinquenta anos\, quando o projeto foi concebido pela primeira vez. \n\n\n\n“Survival Piece #5: Portable Orchard” é organizada por Kim Conaty\, curadora-chefe da Família Nancy e Steve Crown\, com Roxanne Smith\, assistente sênior de curadoria.
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SUMMARY:"Chinese Painting and Calligraphy Selections from the Collection" no The Met Museum
DESCRIPTION:Artista não identificado\, Inscrições nos Tambores de Pedra (dinastia Zhou Oriental\, século V a.C.). The Metropolitan Museum of Art\, Nova York. Doação do Sr. e Sra. Wan-go H. C. Weng\, 1992\n\n\n\n\nO Metropolitan Museum of Art adquiriu sua primeira pintura chinesa em 1902. Desde então\, o Museu adicionou mais de duas mil obras de pintura e caligrafia\, construindo uma das coleções mais abrangentes do mundo. Abrangendo um milênio e meio de produção cultural e uma variedade de gêneros\, técnicas e estilos\, a coleção do Met se tornou um recurso fundamental para o estudo da pintura e caligrafia chinesas. Esta exposição apresenta uma rica seleção de obras da coleção\, organizadas em uma exibição majoritariamente cronológica. \nA exposição é viabilizada pelo Joseph Hotung Fund.
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SUMMARY:"Mary Sully: Native Modern" no The Met Museum
DESCRIPTION:Mary Sully\, Alice (detalhe)\, ca. 1920s–40s. The Metropolitan Museum of Art\, Nova York\, aquisição\, Morris K. Jesup Fund e fundos de diversos doadores\, 2023\n\n\n\n\nMary Sully—nascida Susan Mabel Deloria na Reserva Standing Rock\, em Dakota do Sul—foi uma artista Yankton Dakota pouco conhecida e reclusa\, que\, entre as décadas de 1920 e 1940\, criou obras altamente distintas\, informadas por sua ancestralidade nativa americana e colonizadora. Esta primeira exposição individual da produção inovadora de Sully destaca aquisições recentes do Met e empréstimos da Fundação Mary Sully\, obras que complicam as noções tradicionais de arte nativa americana e moderna. \nTrabalhando sem patrocínio\, quase na obscuridade\, e sendo em grande parte autodidata\, Sully produziu desenhos intricadamente elaborados e vividamente coloridos. Eles misturam aspectos significativos de sua herança Dakota com elementos visuais observados de outras nações nativas\, bem como a estética da vida urbana. Celebridades euro-americanas da cultura popular\, política e religião inspiraram algumas de suas obras mais marcantes\, que ela chamou de “personalidade impressa”— retratos abstratos organizados como trípticos verticais. Apresentando 25 composições raramente vistas de Sully\, além de material de arquivo da família e outros itens nativos da coleção do Met\, Mary Sully: Native Modern oferece uma nova e complexa perspectiva para considerar a arte e a vida americana no início do século 20. \nA exposição é viabilizada pela Fundação Barrie A. e Deedee Wigmore.
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SUMMARY:"Ink and Ivory: Indian Drawings and Photographs Selected with James Ivory" no The Met Museum
DESCRIPTION:Buffaloes in Combat (detalhe)\, Atribuído a Miskin\, Índia\, Mughal\, final do século XVI.\n\n\n\n\nEsta exposição apresenta uma seleção de desenhos superlativos das cortes e centros da Índia e do Paquistão (com algumas obras persas relacionadas)\, datados do final do século XVI ao século XX. Essas obras foram selecionadas principalmente da coleção do Met em parceria com o diretor de cinema James Ivory\, cuja recente doação ao Museu de álbuns fotográficos do século XIX também será destaque na exposição (2021.381.1-16). Os desenhos incluirão exercícios preparatórios frescos e informais para pinturas\, bem como obras lindamente acabadas por si só. As fotografias apresentarão os temas e estilos que surgiram nos contextos de patrocínio real e cerimônia; vistas de arquitetura\, cidades\, paisagens e pessoas\, entre outros. Como artista e cineasta\, James Ivory nos ajudará a apreciar esse material através de seu olhar único. Um curta-metragem — An Arrested Moment — dirigido por Dev Benegal\, acompanhará a exposição. \nA exposição é viabilizada pelo Hagop Kevorkian Fund. \nApoio adicional é fornecido pelo Lavori Sterling Foundation Endowment Fund.
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SUMMARY:"Mark Armijo McKnight: Decreation" no Whitney Museum
DESCRIPTION:Mark Armijo McKnight\, The Black Place (ii)\, 2024. Cortesia do artista. © Mark Armijo McKnight\n\n\n\n\nEsta exposição apresenta uma seleção de gravuras da artista\, ilustradora e autora de livros infantis Wanda Gág (1893–1946). Estas obras registram o mundo como Gág o experimentava: um lugar onde as paisagens se movem ritmicamente e os objetos inanimados vibram com vida. Embora ela também pintasse\, as artes gráficas ofereceram o método mais eficaz para expressar essa visão única. \n\n\n\nNascida em Minnesota\, filha de imigrantes da Boêmia Alemã (atualmente parte da República Tcheca)\, Gág chegou a Nova York em 1917 para estudar na Art Students League\, onde se tornou uma figura central da cena artística modernista da cidade. Sem aderir à abstração nem ao realismo social — os movimentos artísticos dominantes na época — Gág desenvolveu sua própria abordagem à figuração. Ao longo de sua carreira\, ela alcançou um sucesso modesto vendendo suas gravuras e produziu vários livros infantis populares\, exemplos dos quais são apresentados na mostra. Gág também foi uma escritora prolífica sobre sua vida e obra\, e trechos de suas cartas e diários acompanham as gravuras em exibição. \n\n\n\nCompletamente extraídas da coleção do Whitney\, as obras nesta exposição abrangem aproximadamente duas décadas\, desde meados da década de 1920 até o ano anterior à morte de Gág. Juntos\, esses naturezas-mortas\, paisagens e interiores iluminam o que a artista chamou de “mundo de Wanda Gág”\, demonstrando sua fervorosa busca para capturar o sentimento e o movimento da vida como ela via. \n\n\n\nO Wanda Gág World é co-curado por Roxanne Smith\, Assistente Sênior de Curadoria\, e Scout Hutchinson\, Curadora Bolsista.
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LOCATION:Whitney Museum of American Art\, 99 Gansevoort St Manhattan\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"What It Becomes" no Whitney Museum
DESCRIPTION:Rick Bartow\, Autobiographical Hawk\, 1991. Whitney Museum of American Art\, Nova York; doação do Richard E. Bartow Trust © Richard E. Bartow Trust\n\n\n\n\nComo um ato de marcação direta\, o desenho oferece uma maneira imediata e espontânea para que ideias se desenrolem e imagens ganhem forma. Guiada pelo potencial do meio para ilustrar mudanças\, esta exposição reúne obras da coleção do Whitney de artistas que utilizam o desenho como um ato de transformação. Em suas mãos\, o desenho se torna uma ferramenta para revelar o que é invisível e tornar o familiar irreconhecível\, ou\, como observa a artista Toyin Ojih Odutola: “O que ele se torna é o que me interessa.” \nEmbora as obras nesta exposição variem das artes gráficas a fotografias e vídeos\, os processos inerentes ao desenho desempenham um papel fundamental na criação de cada uma delas. Alguns artistas empregam técnicas como inscrição e apagamento para alterar ou recuperar imagens existentes\, como visto nas obras de Ojih Odutola e Wendy Red Star. Outros\, como David Hammons e Maren Hassinger\, enfatizam a tactileidade do meio\, usando seus próprios corpos como ferramentas de desenho ou superfícies para transformar sua imagem. Todas as obras mantêm uma relação estreita com a figura\, variando de modos tradicionais de retrato a registros gráficos mais abstratos do gesto humano. Aproveitando a relação entre desenho\, toque e formação\, os artistas exploram a natureza maleável da identidade e a possibilidade de moldar e redefinir a si mesmo. \nWhat It Becomes é organizada por Scout Hutchinson\, Curatorial Fellow.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/what-it-becomes-no-whitney-museum/
LOCATION:Whitney Museum of American Art\, 99 Gansevoort St Manhattan\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Room\, Sea & Sky" de Philip Guston na Hauser & Wirth NY
DESCRIPTION:Philip Guston\, Sky\, 1980 © The Estate of Philip Guston\n\n\n\n\nA Hauser & Wirth Nova York irá explorar a significativa\, porém frequentemente negligenciada\, prática de gravura de Philip Guston (1913 – 1980)\, preenchendo uma lacuna de longa data nas discussões sobre a obra do artista. Organizada em torno de três temas principais\, “Room\, Sea & Sky” investiga as qualidades metamórficas da prática de Guston através de sua gravura\, especialmente no final de sua vida\, quando um ataque cardíaco limitou sua capacidade de executar pinturas em grande escala. Foi então que ele iniciou sua colaboração com a renomada gráfica Gemini GEL\, criando uma série de gravuras importantes que levaram sua prática à sua forma mais madura.
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LOCATION:Hauser & Wirth Nova York 18th Street\, 443 West 18th Street\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Nengi Omuku: Wild Things and Perennials" na Kasmin Gallery
DESCRIPTION:Nengi Omuku\, I Can’t Feel My Legs 2\, 2024. Cortesia Kasmin Gallery\n\n\n\n\nA Kasmin tem o orgulho de apresentar a primeira exposição individual de Nengi Omuku (n. 1987) em Nova York\, intitulada Wild Things and Perennials. Este novo conjunto de oito pinturas a óleo\, cada uma realizada de forma única no tradicional tecido nigeriano sanyan\, desenvolve a visão de Omuku sobre a pintura como uma força constante e sustentadora em um mundo em constante mudança. Nengi Omuku: Wild Things and Perennials coincide com a exposição individual da artista em um museu\, The Dance of People and the Natural World\, no Arnolfini\, Bristol\, Reino Unido. \nAs paisagens impressionistas de Omuku e suas ricas paletas de cores criam espaços envolventes para os retratos individuais e de grupo\, representados de forma fluida pela artista. Misturando interior e exterior\, figura e fundo\, Omuku explora temas de refúgio e tranquilidade\, entrelaçados com narrativas pessoais extraídas de suas recentes experiências em Lagos\, Londres\, Nova York e durante sua residência em Civitella Ranieri\, Itália. Com obras suspensas do teto\, a instalação ativa a arquitetura da galeria\, ao mesmo tempo que oferece ao público um espaço de respiro das movimentações do cotidiano.
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LOCATION:Kasmin Gallery\, 297 Tenth Avenue\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Encyclopedia: The Late Collages of Dorothea Tanning" na Kasmin Gallery
DESCRIPTION:Dorothea Tanning\, Encyclopedia (detalhe)\, 1990-1995. Cortesia Kasmin Gallery\n\n\n\n\nA Kasmin tem o prazer de apresentar sua segunda exposição individual do trabalho de Dorothea Tanning (1910-2012)\, com foco em suas colagens da fase final de carreira\, dos anos 1980 e 1990. Celebrando o espírito multidisciplinar de sua obra\, Encyclopedia: The Late Collages of Dorothea Tanning explora o universo da artista\, onde dispositivos literários\, como humor\, ironia\, paradoxo e repetição\, se combinam com seu léxico visual pessoal para inspirar o que ela uma vez descreveu como “a arte como metáfora da linguagem”. \nAs obras em exibição foram realizadas por Tanning em Nova York nos anos 1980 e 1990\, período em que suas energias criativas começaram a se deslocar da pintura e escultura para os trabalhos em papel e\, de forma mais ampla\, da arte de estúdio para a escrita de poesia\, ficção e suas memórias. Tanning havia experimentado com colagem ao longo de sua carreira e voltou ao meio com foco renovado após retornar aos Estados Unidos em 1980\, depois de viver cerca de 25 anos na França. Nestas colagens\, Tanning emprega técnicas desenvolvidas ao longo de seis décadas—pintura\, desenho\, corte e composição de papel\, incluindo fragmentos de suas próprias aquarelas. Ela também incorporou pedaços de tecido\, evocando suas esculturas macias do final dos anos 1960 ao início dos anos 1970. Justapondo formas orgânicas e sugestivas com imagens mais familiares\, como bicicletas\, utensílios de mesa\, animais\, nus em queda e sua própria mão\, Tanning expandiu temas e brincou com a relação entre figuração e abstração encontrados em suas pinturas e esculturas anteriores. Ao combinar suas imagens com títulos inesperados e evocativos\, ela explora a dimensão poética de sua prática artística visual. \nSendo a maior e uma das últimas colagens de Tanning\, Encyclopedia (1990-95) representa o ápice de seu trabalho nesse meio\, onde formas tanto reconhecíveis quanto desconhecidas aparecem em um momento de narrativa incerta\, seja lúdica\, desastrosa ou onírica\, como já ocorria em suas primeiras pinturas. Os títulos de Tanning são elementos essenciais que convidam o espectador à interpretação\, e Encyclopedia sugere que uma única obra pode abranger uma vasta gama de temas e fontes. Nesta colagem monumental\, a artista também demonstra seu domínio dos materiais\, usando pedaços de papel vegetal rasgado à mão colados em uma composição de papel de construção montada em masonite\, criando textura\, dimensão e até mesmo um leve movimento na imagem\, ao construir suas camadas delicadas da mesma forma que um narrador constrói uma história. Quando um estado inicial de Encyclopedia foi exibido pela primeira vez na retrospectiva de Tanning em 1993 na Malmö Konsthall\, na Suécia\, apenas quatro painéis foram mostrados; a obra completa\, com cinco painéis\, está sendo exibida publicamente aqui pela primeira vez. \nA Kasmin agradece à The Destina Foundation e à The Dorothea Tanning Foundation pela colaboração na organização desta exposição.
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LOCATION:Kasmin Gallery\, 297 Tenth Avenue\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"New York City" de Arshile Gorky na Hauser & Wirth NY
DESCRIPTION:Arshile Gorky\, Untitled (Sunset in Central Park) (detalhe)\, 1931 © The Arshile Gorky Foundation / Artists Rights Society. Foto: Jerry L. Thompson\n\n\n\n\nNo outono de 1924\, um jovem pintor e refugiado armênio chamado Vosdanig Manuk Adoian mudou-se para a cidade de Nova York e adotou um novo nome: Arshile Gorky. Com esse gesto\, o artista (c. 1904-1948) iniciou uma jornada de auto-reinvenção e inovação estética que paralelamente acompanharia a transformação de Nova York\, de uma cidade emergente para uma metrópole pujante e um epicentro cultural. Em um ano que viu Manhattan sediar a estreia de “Rhapsody in Blue” de George Gershwin\, a inauguração pública da Morgan Library\, a conclusão do arranha-céu dourado conhecido como American Radiator Building e\, em muitos aspectos\, o nascimento do Renascimento do Harlem\, Gorky estabeleceu-se na cidade e começou a trilhar um caminho rumo a tornar-se um dos artistas mais significativos da vanguarda americana. \nNeste setembro\, a Hauser & Wirth celebrará o centenário da chegada de Gorky a Nova York com uma apresentação especial em seu espaço na Wooster Street\, a poucos quarteirões do endereço original do artista no West Village. “Arshile Gorky. New York City” apresentará pinturas e trabalhos em papel\, muitos não vistos em mais de 40 anos\, que destacam o desenvolvimento do mestre de uma linguagem artística que\, em última análise\, seria tão singular – e consequente – quanto a cidade americana que foi seu lar.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/new-york-city-de-arshile-gorky-na-hauser-wirth-ny/
LOCATION:Hauser & Wirth Wooster Street\, 134 Wooster Street\, Nova York\, NY
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SUMMARY:"Ibrahim Mahama: A Spell of Good Things" de Yoko Matsumoto na White Cube
DESCRIPTION:Ibrahim Mahama\, Abena\, 2024\n\n\n\n\nA White Cube apresenta uma exposição individual de Ibrahim Mahama\, apresentando uma nova instalação e uma série de desenhos em carvão que tomam as ferrovias da era colonial de Gana como ponto de referência principal. \nAmpliando a investigação contínua do artista sobre as economias de trabalho e migração\, a exposição explora o potencial latente de materiais industriais recuperados para construir narrativas visuais em torno da produção e do comércio locais. \nPara marcar a abertura da exposição\, Ibrahim Mahama participará de uma conversa com Courtney Willis Blair\, Diretora Sênior da White Cube US\, das 17h às 18h no dia 4 de setembro de 2024. O evento será seguido por uma prévia da exposição\, que continuará até as 20h.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/ibrahim-mahama-a-spell-of-good-things-de-yoko-matsumoto-na-white-cube/
LOCATION:White Cube Nova York\, 1002 Madison Avenue\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"The Appearance: Art of the Asian Diaspora in Latin America & the Caribbean" na Americas Society
DESCRIPTION:Dan Lie\, Memory Stick ou Pau de Memória\, 2015\n\n\n\n\nThe Appearance: Art of the Asian Diaspora in Latin America & the Caribbean [Aparição: Arte da Diáspora Asiática na América Latina e no Caribe] é a primeira exposição em Nova York a destacar a produção artística da diáspora asiática na região\, desde os anos 1940 até o presente. Focada na arte contemporânea e pós-guerra\, a mostra reúne obras de trinta artistas de quinze países\, trabalhando em diversos meios\, como pintura\, escultura\, performance\, fotografia e vídeo\, para iluminar estratégias e temas que ressoam em uma ampla gama de práticas da diáspora asiática na América Latina e no Caribe. \nA exposição explora os múltiplos e inter-relacionados significados do conceito de aparência\, inspirado pela gravura de mesmo título de 1975 da artista nipo-brasileira Lydia Okumura. Desde atos de aparecer e se tornar visível—incluindo diferentes tipos de aparições—até a ideia de impressões e semelhanças físicas\, os artistas presentes lidam com as complexidades da negociação da (in)visibilidade\, revisitando e recriando arquivos familiares e histórias\, além de engajar e reconfigurar práticas espirituais. A mostra também aborda a abstração como uma estratégia formal ligada à linguagem\, aos sentidos e ao corpo no contexto da arte pós-guerra nas Américas. \nConcebida como uma aparição em si\, a exposição lança luz sobre as trajetórias artísticas e experiências muitas vezes negligenciadas de sujeitos e coletivos da diáspora asiática na América Latina e no Caribe\, mostrando-os tanto enraizados em seus contextos particulares quanto constitutivos de histórias transnacionais mais amplas. \nPara acompanhar a exposição\, haverá uma série de programas públicos e a publicação de um catálogo. \nEssa exposição é co-curada por Tie Jojima\, ex-curadora associada e gerente de Exposições da Americas Society em Nova York\, e Yudi Rafael\, curador independente e pesquisador baseado em São Paulo\, Brasil.
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LOCATION:Americas Society\, 680 Park Avenue\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Radical Artists of the 1960s/1970s" na David Nolan Gallery
DESCRIPTION:Barry Le Va\, 4 Layers-Placed\, Dropped\, Thrown\, 1968-71. Direitos autorais do espólio do artista e cortesia da David Nolan Gallery\n\n\n\n\n\nA exposição Radical Artists of the 1960s/1970s: Between Geometry and Gesture na David Nolan Gallery apresenta obras de Barry Le Va\, Bruce Nauman\, Richard Serra\, Dorothea Rockburne e stanley brouwn. Esses artistas\, ativos em um período marcado por agitação política e social nos Estados Unidos\, desafiaram as noções tradicionais de arte ao expandir os limites dos materiais e da escultura. Le Va\, pioneiro da Process Art\, explorava a fisicalidade do espaço\, usando materiais como feltro e vidro em gestos improvisados que desafiavam a noção de escultura fixa. Serra\, por sua vez\, usava verbos de ação para manipular materiais industriais\, enquanto Nauman usava o próprio corpo em performances gravadas que ajudaram a inaugurar a arte em vídeo como um novo meio. Rockburne combinava matemática e gestos de dança para desmantelar definições tradicionais de desenho\, enquanto brouwn rejeitava o colonialismo e o racionalismo minimalista ao usar seu corpo como unidade de medida. Juntos\, esses artistas revolucionaram a arte contemporânea ao desafiar convenções e ampliar o escopo da prática artística\, influenciando gerações futuras de criadores.
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LOCATION:New-York Historical Society\, 170 Central Park W\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Mexican Prints at the Vanguard" no The Met Museum
DESCRIPTION:Gabriel Fernández Ledesma\, cartaz anunciando uma exposição de obras de jovens artistas mexicanos realizada no Parque Retiro\, Madri (detalhe)\, 1929. The Metropolitan Museum of Art\, Nova York\, Doação de Gabriel Fernández Ledesma\n\n\n\n\nA rica tradição da gravura no México — do século XVIII até meados do século XX — é explorada nesta exposição composta principalmente por obras da coleção do The Met. Entre as primeiras obras apresentadas estão as do mais conhecido gravurista mexicano\, José Guadalupe Posada\, cujas representações de esqueletos em diversas atividades ajudaram a estabelecer uma identidade global para a arte mexicana. Após a Revolução Mexicana (1910–1920)\, a gravura provou ser o meio ideal para artistas que desejavam abordar questões sociais e políticas e expressar resistência à ascensão do fascismo em todo o mundo. Os artistas também recorreram à gravura para reproduzir murais mexicanos dos anos 1920\, criar cartazes de exposições\, impressões para a imprensa popular e portfólios que celebravam o vestuário e os costumes mexicanos. \nA exposição apresenta mais de 130 obras\, incluindo xilogravuras\, litografias e serigrafias de artistas como Posada\, Diego Rivera\, José Clemente Orozco e Leopoldo Méndez. Ela explora como as gravuras foram centrais para a identidade artística e a prática no México\, destacando sua eficácia em abordar questões sociais e políticas — um papel das artes gráficas que continua até hoje. Grande parte da vasta coleção do The Met veio por meio do artista francês Jean Charlot\, cuja associação com o museu começou no final da década de 1920. Charlot doou muitas de suas próprias gravuras e obras de outros artistas ao The Met\, e na metade dos anos 1940 atuou em nome do museu para adquirir gravuras no México. A coleção demonstra o interesse precoce do The Met na arte e cultura mexicanas em uma época de crescente interesse internacional pelo tema.
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SUMMARY:"Joel Shapiro: Out of the Blue" na Pace Gallery
DESCRIPTION:Retrato de Joel Shapiro\, 2024. Foto: Kyle Knodell\n\n\n\n\nA Pace apresenta Joel Shapiro: Out of the Blue em suas galerias localizadas na 508 e 510 West 25th Street\, em Nova York. Esta é a primeira exposição individual do artista com a Pace em Nova York desde 2014\, e será acompanhada por um novo catálogo da Pace Publishing\, com um ensaio do poeta e acadêmico Vincent Katz. A mostra ocorrerá de 13 de setembro a 26 de outubro\, apresentando três novas esculturas de madeira pintada em grande escala e uma seleção de estudos e pequenos bronzes\, oferecendo um vislumbre vibrante da prática artística de Shapiro. \nConsiderado um dos artistas mais renomados dos Estados Unidos\, Shapiro tem expandido os limites da forma escultural ao longo de seus 55 anos de carreira\, com uma obra marcada por dinamismo\, complexidade e elegância formal. Desde o início dos anos 1970\, Shapiro buscou transcender as restrições do Minimalismo\, introduzindo uma forma de arte mais referencial\, íntima e psicologicamente profunda. Embora seja mais conhecido por ajudar a redefinir a linguagem da escultura contemporânea com formas de bronze fundido que borram a linha entre abstração e figuração\, o artista empregou diversos métodos e materiais ao longo de sua carreira. Ele continua explorando a capacidade da escultura de alterar a percepção de espaço e escala\, criando obras que testemunham a resiliência humana diante da catástrofe e do colapso.
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LOCATION:Pace Gallery\, 508 West 25th Street\, Nova York\, Nova York
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SUMMARY:"Presence in Light" de Mary Corse na Pace Gallery
DESCRIPTION:Mary Corse\, Untitled (White Diamond)\, 2024 © Mary Corse\n\n\n\n\nA Pace apresenta uma exposição de novas obras de Mary Corse\, em sua galeria localizada na 540 West 25th Street\, em Nova York. Em cartaz de 13 de setembro a 26 de outubro\, esta apresentação marca a primeira exposição individual de Corse na cidade desde 2019 e segue várias mostras institucionais recentes da artista\, incluindo no Long Museum West Bund\, em Xangai\, e no Amorepacific Museum of Art\, em Seul\, além de sua retrospectiva itinerante de 2018 no Whitney Museum of American Art\, em Nova York\, e no Los Angeles County Museum of Art. A próxima exposição de Corse na Pace coincidirá com sua participação na mostra Particles and Waves: Southern California Abstraction and Science\, 1945–1990\, uma exposição coletiva organizada como parte da iniciativa PST ART: Art & Science Collide do Getty\, no Palm Springs Art Museum\, na Califórnia. \nAo longo de sua carreira de seis décadas\, Corse tem explorado fenômenos de luz\, espaço e percepção em abstrações sublimes e transgressoras de fronteiras por meio de diversos suportes. Membro fundamental da comunidade artística de Los Angeles desde os anos 1960 até o presente\, ela é frequentemente associada ao movimento Light and Space\, mas sempre se manteve comprometida com as possibilidades da pintura\, que permanece sua principal preocupação. Como parte de sua abordagem empírica e altamente tátil na criação artística\, Corse investigou continuamente as formas pelas quais a luz pode ser tanto tema quanto material. No final dos anos 1960\, em busca de uma maneira de incorporar a luz dentro de suas pinturas\, Corse teve uma epifania. Dirigindo pela Pacific Coast Highway\, em Malibu\, ao pôr do sol\, ela notou que as marcações na estrada eram progressivamente iluminadas pelos faróis dos carros enquanto dirigia. Investigando as aplicações industriais que tornavam esse efeito possível\, ela descobriu as microesferas de vidro – um material utilizado para melhorar a visibilidade de sinalizações rodoviárias. Em 1968\, Corse começou a aplicar essas microesferas refrativas nas superfícies de suas pinturas White Light\, conferindo a essas obras uma sensação de iluminação projetada de dentro do próprio plano da imagem.
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SUMMARY:"Elizabeth Catlett: A Black Revolutionary Artist and All That It Implies" no Brooklyn Museum
DESCRIPTION:Elizabeth Catlett\, “I am the Black Woman”\, 1946–47\, da série Black Woman in America. Cortesia da Pennsylvania Academy of the Fine Arts\, Filadélfia\, Coleção Art by Women\, Presente de Linda Lee Alter © 2024 Mora-Catlett Family / Licenciado pela VAGA na Artists Rights Society (ARS)\, NY.\n\n\n\n\nUma artista negra definidora do século XX\, Elizabeth Catlett (1915–2012) não recebeu a atenção do mundo da arte convencional que muitos de seus colegas desfrutaram. O Museu de Brooklyn\, em parceria com a National Gallery of Art\, preenche essa lacuna com a exposição Elizabeth Catlett: A Black Revolutionary Artist and All That It Implies\, uma mostra de mais de 200 obras que dá a essa artista revolucionária e ativista radical o reconhecimento que merece. \nHábil escultora e gravadora\, feminista devota e defensora da justiça social ao longo da vida\, Catlett estava comprometida de forma única tanto com seu processo criativo quanto com suas convicções políticas. Crescendo durante a Grande Depressão\, ela testemunhou de perto a desigualdade de classes\, a violência racial e o imperialismo dos EUA\, enquanto buscava uma educação artística fundamentada nos princípios do modernismo. Catlett protestou contra injustiças por quase um século\, tanto por meio de suas obras impactantes quanto por meio de ativismo prático. \nNascida em Washington\, DC\, Catlett se estabeleceu permanentemente no México em 1946 e\, pelo resto de sua vida\, trabalhou para amplificar as experiências de mulheres negras e mexicanas. Inspirada por fontes que vão da escultura africana às obras de Barbara Hepworth e Käthe Kollwitz\, Catlett nunca perdeu de vista a luta pela libertação negra nos Estados Unidos. Caracterizada por linhas ousadas e formas voluptuosas\, sua poderosa obra continua a falar diretamente a todos aqueles unidos na luta contra a pobreza\, o racismo e o imperialismo.
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SUMMARY:"Robert Frank’s Scrapbook Footage" no MoMA
DESCRIPTION:Vista da exposição “Robert Frank’s Scrapbook Footage”. Foto: Emile Askey\n\n\n\n\nRobert Frank é mais conhecido por suas imagens de uma América do pós-guerra marcada por discórdia social e política\, e pelos filmes que fez com os poetas da Geração Beat e os Rolling Stones. Assim\, as imagens filmadas encontradas apenas após a morte de Frank em 2019 podem surpreender alguns espectadores. Armazenadas em locais de depósito\, essas latas e fitas de filme\, que abrangem os anos de 1970 a 2006\, oferecem um vislumbre da vida e do trabalho do artista. Em parceria com a June Leaf e a Robert Frank Foundation\, a editora de filmes de longa data de Frank\, Laura Israel\, e o diretor de arte Alex Bingham utilizaram esses fragmentos para criar um álbum de imagens em movimento. Com projeções em várias telas\, a instalação transmite a intimidade e a imediata percepção das observações de Frank sobre família\, amigos e colaboradores\, bem como sobre interiores domésticos e vistas de cidades e costas. \nAs filmagens nesta instalação\, costuradas por Israel e Bingham para evocar seu olhar e voz inquietos\, lançam uma nova luz sobre seu processo artístico — ao mesmo tempo cômico e melancólico. Vemos Frank viajar entre suas casas em Nova York e Nova Escócia; pelas estradas abertas dos Estados Unidos e do Canadá; e por paisagens urbanas\, incluindo as de Beirute\, Cairo\, Moscovo e sua Suíça natal. Frank torna os prazeres mais efêmeros atemporais: um banho quente e uma chaleira fumegante\, um vislumbre de sua esposa June Leaf em seu estúdio\, o jogo de luz do sol em sua mão.
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SUMMARY:"Life Dances On: Robert Frank in Dialogue" no MoMA
DESCRIPTION:Robert Frank. Zoe\, 1980. National Gallery of Art\, Washington\, DC. Coleção Robert Frank\, doação do Collectors Committee. © 2024 The June Leaf and Robert Frank Foundation\n\n\n\n\n“Eu me vejo\, de pé em um mundo que nunca para\,” escreveu o artista Robert Frank uma vez. “Ainda estou lá lutando\, vivo porque acredito no que estou tentando fazer agora.” Life Dances On: Robert Frank in Dialogue—a primeira exposição solo do artista no MoMA—oferece uma nova perspectiva sobre seu extenso corpo de trabalho\, explorando as seis vibrantes décadas da carreira de Frank após a publicação em 1958 de seu icônico livro de fotografias\, Os Americanos. \nCoincidindo com o centenário do nascimento de Frank\, a exposição explorará sua incessante experimentação em diversos meios\, incluindo fotografia\, cinema e livros\, assim como seus diálogos com outros artistas e suas comunidades. Incluindo cerca de 200 obras feitas ao longo de 60 anos até a morte do artista em 2019\, muitas retiradas da extensa coleção do MoMA\, bem como materiais que nunca foram exibidos antes. \nA exposição toma seu título do tocante filme de Frank de 1980\, no qual o artista reflete sobre os indivíduos que moldaram sua visão de mundo. Como grande parte de seu trabalho\, o filme se passa na cidade de Nova York e em Cape Breton\, Nova Escócia\, onde ele e sua esposa\, a artista June Leaf\, se mudaram em 1970. No filme\, Leaf olha para a câmera e pergunta a Frank: “Por que você faz essas imagens?” Em uma introdução à exibição do filme\, ele respondeu: “Porque estou vivo.”
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SUMMARY:"Edges of Ailey" no Whitney Museum
DESCRIPTION:Carmen de Lavallade e Alvin Ailey no Jacobs Pillow\, 1961. Foto de John Lindquist. © Harvard Theatre Collection\, Houghton Library\, Harvard University\n\n\n\n\nEdges of Ailey\, que foi inaugurada no Whitney Museum of American Art em 25 de setembro\, é a primeira grande exposição institucional a celebrar a vida\, as danças\, influências e o legado duradouro do visionário artista e coreógrafo Alvin Ailey (nascido em 1931\, Rogers\, Texas; falecido em 1989\, Nova York). Esta mostra dinâmica—descrita como uma “extravanganza” pela curadora Adrienne Edwards—reúne arte visual\, performances ao vivo\, música\, uma série de materiais de arquivo e uma instalação em vídeo de múltiplas telas extraídas de gravações do repertório do Alvin Ailey American Dance Theater (AAADT) para explorar a amplitude da vida pessoal e criativa de Ailey. \nApresentada no Museu em duas partes\, Edges of Ailey consiste em uma exposição imersiva nas galerias de 18.000 pés quadrados do quinto andar do Museu—com obras de mais de oitenta artistas e material revelador dos arquivos—e uma série ambiciosa de performances no teatro do terceiro andar do Museu\, incluindo AILEY em residência uma semana por mês durante a exposição. \nA vasta coleção de arquivos raramente vistos\, incluindo filmagens de performances\, entrevistas gravadas\, cadernos\, cartas\, poesias\, contos\, anotações coreográficas\, desenhos e programas e cartazes de apresentações reunidos nos arquivos de Ailey e de outros\, cria uma linha vital na galeria. Seleções dos Arquivos de Alvin Ailey—cedidos pela Allan Gray Family Foundation e mantidos no Black Archives of Mid America em Kansas City\, Missouri—e da Alvin Ailey Dance Foundation Archives Collection\, mantida na Biblioteca do Congresso\, são de importância singular\, digitalizadas especialmente para esta exposição. Uma montagem dinâmica da vida e danças de Ailey será exibida em um loop em uma instalação de vídeo de 18 canais criada pelos cineastas Josh Begley e Kya Lou\, com a curadora Adrienne Edwards. \nA presença de Ailey\, sentida por meio do surround em vídeo e de seus efeitos pessoais encapsulados\, envolve uma instalação cênica com obras de mais de oitenta artistas. Essas obras são organizadas por temas que moldaram a vida e as danças de Ailey. As seções abrangem uma imaginação expandida do sul negro dos EUA que envolve histórias do sul dos EUA com as do Caribe\, Brasil e África Ocidental; as práticas duradouras da espiritualidade negra; as condições profundas e os efeitos da migração negra; a resiliência e a necessidade de uma libertação negra interseccional; a proeminência das mulheres negras na vida de Ailey; e as robustas histórias e experimentos da música negra; além das diversas representações da negritude na dança e meditações sobre a dança após Ailey. \nEntre os artistas expostos estão Jean-Michel Basquiat\, Romare Bearden\, Faith Ringgold\, Alma Thomas\, Jacob Lawrence\, Rashid Johnson\, Kevin Beasley\, Kara Walker\, entre outros. Uma aquisição recente de Eldren Bailey e novas obras de Karon Davis\, Jennifer Packer\, Mickalene Thomas e Lynette Yiadom-Boakye serão apresentadas pela primeira vez em homenagem a esta exposição histórica. \nEdges of Ailey também oferece uma rara oportunidade para os visitantes assistirem a performances ao vivo íntimas do Alvin Ailey American Dance Theater no teatro do terceiro andar do Museu. Como parte do robusto programa de performances ao vivo da exposição\, AILEY estará em residência no Whitney por uma semana por mês\, totalizando cinco semanas e mais de noventa performances. Isso oferece aos visitantes a oportunidade de vivenciar toda a extensão do mundo e do legado de Ailey\, incluindo performances de obras clássicas e contemporâneas pelas duas companhias de repertório—Alvin Ailey American Dance Theater e Ailey II—bem como apresentações de alunos da The Ailey School\, workshops e programas educacionais do Ailey Arts In Education\, e aulas do Ailey Extension. Durante as semanas em que AILEY não estiver em residência no Museu\, uma série de comissões de dança de coreógrafos renomados e seus colaboradores\, incluindo Ronald K. Brown\, Trajal Harrell\, Bill T. Jones\, Ralph Lemon\, com o artista interdisciplinar Kevin Beasley\, Sarah Michelson\, Okwui Okpokwasili e Peter Born\, Will Rawls\, Matthew Rushing\, Yusha-Marie Sorzano e Jawole Willa Jo Zollar\, será exibida.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/mark-armijo-mcknight-decreation-no-whitney-museum-2-2/
LOCATION:Whitney Museum of American Art\, 99 Gansevoort St Manhattan\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Gillian Wearing: Dancing in Peckham" no MoMA PS1
DESCRIPTION:Gillian Wearing\, “Dancing in Peckham”\, 1994. Cortesia do Museu de Arte Moderna\, Nova York. Presente de Eileen e Michael Cohen.\n\n\n\n\nAo longo das últimas décadas\, a obra de Gillian Wearing tem documentado confissões\, tabus e inclinações voyeurísticas. Seus vídeos e fotografias frequentemente confrontam as divisões entre os domínios privado e público. Filmado em um shopping no sudeste de Londres\, Dancing in Peckham retrata a artista dançando livremente sozinha\, sem fones de ouvido e sem música. A câmera de Wearing também transforma os transeuntes em participantes involuntários da performance. \nComo parte de uma colaboração contínua entre o MoMA PS1 e o MoMA\, esta apresentação marca a primeira vez que Dancing in Peckham é exibido desde que entrou para a coleção do Museu de Arte Moderna em 2022.
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