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SUMMARY:Instalação David Hammons no Whitney Museum of American Art
DESCRIPTION:O Whitney\, em colaboração com o Hudson River Park \, desenvolveu um projeto de arte pública permanente de David Hammons (n. 1943). Intitulada Day’s End (2014–21)\, esta instalação monumental está localizada no Hudson River Park ao longo da margem sul da Península de Gansevoort\, em frente ao Museu. \n\n\n\nProposto ao Whitney por Hammons\, Day’s End se inspira em uma obra de arte de mesmo nome de Gordon Matta-Clark (1943-1978). Em 1975\, Matta-Clark cortou cinco aberturas no galpão Pier 52 que anteriormente ocupava o local. O Hammons’s Day’s End é uma estrutura aberta que segue precisamente os contornos\, dimensões e localização do galpão original – e\, como a intervenção de Matta-Clark\, oferecerá um lugar extraordinário para experimentar a orla. \n\n\n\nEm conjunto com a realização do projeto\, o Whitney apresentou Around Day’s End: Downtown New York\, 1970–1986 \, uma exposição que apresentou obras da coleção relacionadas ao projeto seminal de Matta-Clark. O Whitney também criou materiais interpretativos\, incluindo a primeira série de podcasts do Museu\, Artists Among Us \, bem como vídeos e passeios a pé pelo bairro. Essa mídia de apoio toma os Day’s End s\, conforme previsto por Hammons e Matta-Clark\, como pontos de partida para explorar a história local – da orla e do Meatpacking District\, o papel dos artistas no bairro\, sua história LGBTQ e a ecologia do estuário. Novas pesquisas\, materiais de arquivo e entrevistas de história oral serão incorporadas.
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LOCATION:Whitney Museum of American Art\, 99 Gansevoort St Manhattan\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"At the Dawn of a New Age" no Whitney Museum of American Art
DESCRIPTION:Os artistas americanos saudaram o século XX com uma confiança juvenil no progresso e na inovação. Animados pelas mudanças tecnológicas que estavam revolucionando as comunicações e a engenharia\, bem como as mudanças culturais\, como o sufrágio feminino\, os artistas abraçaram o novo em detrimento do tradicional e fixo. Não mais contentes em replicar a realidade\, eles se voltaram para os estilos de vanguarda como forma de comunicar sua empolgação com uma época que o crítico Walter Lippmann caracterizou como “explosiva com novas ideias\, novos planos e novas esperanças”. \n\n\n\nAlguns dos artistas apresentados nesta exposição\, como Georgia O’Keeffe e Marsden Hartley \, são bem conhecidos hoje\, mas muitos modernistas igualmente inovadores foram amplamente esquecidos. Com mais de sessenta obras de quarenta e cinco artistas extraídas principalmente da coleção permanente do Whitney\, At the Dawn of a New Age oferece uma compreensão expandida da complexidade da arte americana produzida entre 1900 e 1930 e recupera a exuberante sensação de liberdade e experimentação subjacente isto. \n\n\n\nEsta exposição é organizada por Barbara Haskell\, curadora.
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LOCATION:Whitney Museum of American Art\, 99 Gansevoort St Manhattan\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"By Way Of: Material and Motion in the Guggenheim Collection" no Guggenheim
DESCRIPTION:Vista da instalação\, By Way Of: Material and Motion in the Guggenheim Collection © Solomon R. Guggenheim Museum\, Nova York\n\n\n\nUma das características mais proeminentes da arte do final do século XVIII em diante\, especialmente após a Segunda Guerra Mundial\, é a tendência dos artistas de evoluir métodos tradicionais de produção artística fora dos limites do estúdio. Esta exposição examina as maneiras pelas quais artistas contemporâneos implementaram novas ideias formadas pelos contextos sociais e históricos de seu tempo\, empurrando os limites da criação artística e dos materiais como resultado. \n\n\n\nBy Way Of oferece uma seleção de obras da coleção permanente do museu\, inspiradas pelo presente da Coleção D.Daskalopoulos. Artistas importantes do movimento Arte Povera das décadas de 1960 e 1970\, como Jannis Kounellis e Mario Merz\, compartilham as galerias com artistas que trabalham atualmente\, como Rashid Johnson\, Mona Hatoum e Senga Nengudi. \n\n\n\nBy Way Of: Material and Motion in the Guggenheim Collection é organizada por Naomi Beckwith\, Diretora Adjunta e Curadora-Chefe Jennifer e David Stockman.
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LOCATION:The Guggenheim Museum\, 1071 5th Ave\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Wanda Gág World" no Whitney Museum
DESCRIPTION:Wanda Gág\, The Forge (detalhe)\, 1932. Whitney Museum of American Art\, New York; purchase 32.103. © Estate of  Wanda Gág\n\n\n\nEsta exposição apresenta uma seleção de gravuras da artista\, ilustradora e autora de livros infantis Wanda Gág (1893–1946). Estas obras registram o mundo como Gág o experimentava: um lugar onde as paisagens se movem ritmicamente e os objetos inanimados vibram com vida. Embora ela também pintasse\, as artes gráficas ofereceram o método mais eficaz para expressar essa visão única. \n\n\n\nNascida em Minnesota\, filha de imigrantes da Boêmia Alemã (atualmente parte da República Tcheca)\, Gág chegou a Nova York em 1917 para estudar na Art Students League\, onde se tornou uma figura central da cena artística modernista da cidade. Sem aderir à abstração nem ao realismo social — os movimentos artísticos dominantes na época — Gág desenvolveu sua própria abordagem à figuração. Ao longo de sua carreira\, ela alcançou um sucesso modesto vendendo suas gravuras e produziu vários livros infantis populares\, exemplos dos quais são apresentados na mostra. Gág também foi uma escritora prolífica sobre sua vida e obra\, e trechos de suas cartas e diários acompanham as gravuras em exibição. \n\n\n\nCompletamente extraídas da coleção do Whitney\, as obras nesta exposição abrangem aproximadamente duas décadas\, desde meados da década de 1920 até o ano anterior à morte de Gág. Juntos\, esses naturezas-mortas\, paisagens e interiores iluminam o que a artista chamou de “mundo de Wanda Gág”\, demonstrando sua fervorosa busca para capturar o sentimento e o movimento da vida como ela via. \n\n\n\nO Wanda Gág World é co-curado por Roxanne Smith\, Assistente Sênior de Curadoria\, e Scout Hutchinson\, Curadora Bolsista.
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LOCATION:Whitney Museum of American Art\, 99 Gansevoort St Manhattan\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:The Roof Garden Commission: Petrit Halilaj no The Met Museum
DESCRIPTION:Foto: Ian Kumamoto\n\n\n\nO artista kosovar Petrit Halilaj (nascido em 1986\, Kostërc\, antiga Iugoslávia) foi convidado a criar uma instalação específica para o Jardim do Telhado Iris e B. Gerald Cantor do Museu. Para o primeiro grande projeto do artista nos Estados Unidos\, Halilaj transformou o telhado do Met com uma extensa instalação escultural. \n\n\n\nO trabalho de Halilaj está profundamente conectado à história recente de seu país natal\, Kosovo\, e às consequências das tensões culturais e políticas na região. Após um período formativo na Itália\, onde estudou arte na Accademia di Brera em Milão\, ele se mudou para Berlim em 2008\, onde ainda vive e trabalha. Seus projetos abrangem uma variedade de mídias\, incluindo escultura\, desenho\, poesia e performance.
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LOCATION:The Metropolitan Museum of Art\, 1000 5th Ave\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Lineages: Korean Art at The Met" no The Met Museum
DESCRIPTION:Yi Jeong\, Bamboo in the Wind (detalhe)\, início do século XVII\, Coreia\, dinastia Joseon (1392–1910). The Metropolitan Museum of Art\, Nova York\, Coleção Mary Griggs Burke\, Doação da Fundação Mary and Jackson Burke\, 2015\n\n\n\nEm comemoração ao vigésimo quinto aniversário da galeria Artes da Coreia do Met\, “Lineages: Korean Art at The Met” exibe destaques da coleção do Museu emparelhados com importantes empréstimos internacionais de arte moderna e contemporânea coreana. Esta justaposição de obras de arte históricas e contemporâneas — desde celadons dos séculos XII e XIII até esculturas futurísticas de ciborgues feitas nos anos 2000 — exibe a história da arte coreana em grandes traços através de quatro temas interligados: linhas\, pessoas\, lugares e coisas. Apresentando trinta objetos\, esta exposição promove um diálogo de ideias que ressoaram ao longo do tempo e uniram artistas.
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LOCATION:The Metropolitan Museum of Art\, 1000 5th Ave\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Projects: Tadáskía" no MoMA
DESCRIPTION:Tadáskía. ave preta mística mystical black bird (detalhe)\, 2022. The Museum of Modern Art\, Nova York. Fundo para o Século XXI. © 2024 Tadáskía\n\n\n\n“Estou interessada na passagem de uma coisa para outra”\, disse a artista brasileira Tadáskía. A mudança está no centro de seu trabalho multidisciplinar. Através de desenhos\, esculturas e outros meios\, ela destaca a improvisação\, transmitindo uma sensação de fluidez por meio de suas marcas dinâmicas\, imagens sutis e paleta caleidoscópica. \n\n\n\nProjects: Tadáskía apresenta o livro expansivo e sem encadernação da artista\, ave preta mística mystical black bird (2022)\, que coloca desenhos livres em diálogo com seu próprio texto poético e bilíngue. De uma folha para a outra\, seguimos o protagonista alado da narrativa em um voo “rumo a uma jornada de liberdade”\, informado pela experiência vivida da artista como uma mulher trans negra. \n\n\n\nPara esta exposição\, a primeira apresentação solo da artista nos Estados Unidos\, ela produziu um desenho monumental na parede e um conjunto de esculturas em resposta ao espaço da galeria. Enquanto suas marcas vigorosas nos encorajam a seguir suas linhas sinuosas e mutáveis\, os materiais orgânicos usados em suas esculturas evocam os ciclos de vida efêmeros da natureza. Junto ao papel central da mudança\, como Tadáskía afirma\, “o personagem principal no trabalho é o tempo”.
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LOCATION:MoMA\, 11 W 53rd St Manhattan\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Collecting Inspiration: Edward C. Moore at Tiffany & Co." no The Met Museum
DESCRIPTION:Fragmento de prato carenado de mosaico de vidro Romano\, final do século I a.C. – início do século I d.C. Imagem/Divulgação\n\n\n\nEdward C. Moore (1827–1891) — a força criativa que levou a Tiffany & Co. a uma originalidade e sucesso incomparáveis durante a segunda metade do século XIX — reuniu uma vasta coleção de artes decorativas de qualidade excepcional e em diversos meios\, desde vidro grego e romano e cestos japoneses até trabalhos em metal do mundo islâmico. Esses objetos foram uma fonte de inspiração para Moore\, um prateiro renomado por direito próprio\, e para os designers que ele supervisionava. A exposição “Collecting Inspiration: Edward C. Moore at Tiffany & Co.” apresentará mais de 180 exemplos extraordinários da coleção pessoal de Moore\, que foi doada ao Museu\, ao lado de 70 magníficos objetos de prata projetados e criados na Tiffany & Co. sob sua direção. Retirados principalmente do acervo do Met\, a exibição também incluirá exemplos raramente vistos de uma dúzia de credores privados e públicos. Figura definidora na história da prataria americana\, Moore desempenhou um papel fundamental na formação da estética de design lendária da Tiffany e na evolução da coleção do Met.
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LOCATION:The Metropolitan Museum of Art\, 1000 5th Ave\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Other of Pearl" de Jenny Kendler na Governors Island National Monument
DESCRIPTION:Jenny Kendler e Andrew Bearnot\, Whale Bells\, 2023. Foto: Julienne Schaer. Cortesia de Governors Island Arts\n\n\n\n\n\nEm Other of Pearl\, Jenny Kendler (n. 1980\, Nova York\, NY) narra as histórias de extração que formam a origem da crise climática e ambiental\, enquanto considera a ostra e a baleia como figuras centrais em um emaranhado ecológico entre seres humanos e não humanos\, corpos d’água e fluxos de capital. \nFocando em nossas relações com esses dois seres tão distintos\, Kendler revela como os sistemas capitalistas muitas vezes se fundamentam sobre os corpos de outros. A artista confronta questões ambientais contemporâneas — mudanças climáticas\, poluição sonora dos oceanos\, poluição química\, perda de biodiversidade e aumento do nível do mar —\, ao mesmo tempo que aponta para as estruturas culturais que permitiram essas catástrofes. \nOther of Pearl\, primeira exposição individual de Kendler em Nova York\, transforma o espaço de Fort Jay em um local de exploração cuidadosa. Nela\, encontram-se sete obras íntimas e delicadas\, incluindo um instrumento de vidro soprado à mão que permite cantar na voz de uma baleia e esculturas de pérolas cultivadas dentro de ostras. Ao final da exposição\, as esculturas de pérolas serão leiloadas para arrecadar fundos com o intuito de criar um novo recife de ostras\, redistribuindo recursos em um gesto de restauração ecológica\, em parceria com o Billion Oyster Project. \nAo propor uma relação mais íntima e corpórea com o mundo natural\, Other of Pearl sugere uma nova forma de imaginar quem importa e para quem estamos construindo o futuro\, convidando-nos a imaginar uma prática restaurada de reciprocidade entre humanos e não humanos.
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LOCATION:New-York Historical Society\, 170 Central Park W\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Carrie Mae Weems: Remember to Dream" no Hessel Museum of Art
DESCRIPTION:Remember to Dream revisita a amplitude e a profundidade da carreira prolífica de Carrie Mae Weems através de obras raramente exibidas e menos conhecidas que demonstram a evolução de sua prática pioneira e engajada politicamente. Indo além dos projetos icônicos\, Remember to Dream busca reequilibrar a compreensão do desenvolvimento artístico de Weems nos últimos 30 anos\, situando seu trabalho no contexto de suas próprias experiências de vida e compromisso com o ativismo. Variando de instalações em grande escala a séries fotográficas\, as obras na exposição traçam uma linha contínua do Movimento dos Direitos Civis ao Black Lives Matter\, destacando momentos significativos de reconhecimento racial nos Estados Unidos através da própria perspectiva de Weems. \nAo longo da exposição\, a prática e a história pessoal de Weems\, que se cruza com a história política dos EUA\, iluminam o que o poeta e estudioso negro americano Amiri Baraka chamou de “o mesmo que muda”\, referindo-se à continuidade do racismo e do sexismo—os modos como certos padrões de violência e opressão são perpetuados de uma geração para a próxima\, mesmo que as condições específicas da vida cotidiana continuem a mudar. \nA exposição é sequenciada em nove salas\, cada uma representando um ou mais corpos de trabalho. Começando com Pintando a Cidade (2021)\, Weems aborda os protestos que irromperam em maio de 2020 em mais de 2.000 cidades e vilas dos Estados Unidos em resposta ao assassinato de George Floyd pela Polícia de Minneapolis. Na cidade natal de Weems\, Portland\, Oregon\, os protestos continuaram até setembro de 2020\, escalando para pontos de confronto violento entre policiais\, manifestantes e contra-manifestantes. Weems voltou a Portland para fotografar muitas das lojas que protegeram suas vitrines contra possíveis saques e vandalismo. Em uma sala adjacente\, Weems exibe uma série de retratos íntimos intitulada Fotos e Histórias de Família (1978-1984)\, uma série anterior de Portland com fotografias em preto e branco que registram as alegrias e agonias da vida familiar. \nRemember to Dream contextualiza o presente dentro de uma luta secular. Uma representação especialmente comovente e convincente do legado brutal do racismo é Saia\, Saia Agora! (2022)\, uma instalação de vídeo recente que lembra um antigo teatro no qual a artista e sua irmã contam a história de seu avô Frank\, um meeiro que era membro do Sindicato dos Agricultores Arrendatários do Sul e trabalhava em terras no Arkansas. Após ser espancado e deixado para morrer em Earle\, Arkansas\, em 1936\, Frank escapou a pé para Chicago\, fugindo do Sul segregacionista\, perdendo sua terra e\, por um tempo\, sua família. No vídeo\, Weems faz um poderoso apelo por reparações por tudo o que ele e sua família perderam ao longo das gerações. \nA exposição continua com Blues e Pinks (1992-93)\, em que Weems se baseia em imagens da “Cruzada das Crianças” que começou em 2 de maio de 1963\, quando mais de mil crianças saíram da escola em Birmingham\, Alabama\, para marchar até o centro da cidade e falar com o prefeito sobre a segregação em sua cidade. As crianças foram detidas pela polícia e centenas foram presas. Elas se reuniram novamente no dia seguinte para marchar novamente\, e o chefe de polícia ordenou que as forças de segurança usassem a força contra as crianças. Weems apropria-se da fotografia do jornalista sulista branco Charles Moore\, tingindo as imagens com tons de azul e rosa\, e justapondo cenas que ressuscitam o terror daquele dia. Em uma obra adicional intitulada Terra dos Sonhos Despedaçados: Um Estudo de Caso (2021)\, Weems relembra os Panteras Negras como uma força de autodefesa. \nRemember to Dream é curada por Tom Eccles\, Diretor Executivo do Centro de Estudos Curatoriais do Bard College\, após colaborações com Weems em A Forma das Coisas no Park Avenue Armory em Nova York (2021) e Luma Arles em Arles\, França (2023)\, com o apoio de Marina Caron (Turma de 2023 do CCS Bard).
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LOCATION:Hessel Museum of Art\, 33 Garden Rd\, Annandale-On-Hudson\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:“The Campus” na kurimanzutto
DESCRIPTION:Vista da instalação de “Climate Change is Real (Global Climate Action Summit\, San Francisco)” de Andrea Bowers\, 2018 (ao fundo)\, no The Campus. Foto: Yael Eban & Matthew Gamber\n\n\n\nBortolami\, James Cohan\, kaufmann repetto\, Anton Kern\, Andrew Kreps e kurimanzutto têm o prazer de apresentar a exposição inaugural em seu novo espaço compartilhado\, The Campus\, em Claverack\, NY. Abraçando um modelo colaborativo\, as galerias transformaram um antigo prédio escolar abandonado em uma plataforma para troca cultural dinâmica. \n\n\n\nVago desde os anos 90\, o edifício de 78.000 pés quadrados da Ockawamick School\, construído em 1951 e em grande parte não reformado\, estava pronto para ser reanimado. Salas de aula pintadas de forma colorida\, detalhes arquitetônicos de meados do século e generosa iluminação natural criam um contexto atraente para que os artistas interajam com o espaço\, o propósito original da estrutura e uns com os outros. \n\n\n\nNos últimos anos\, uma reconsideração de valores levou muitos artistas em direção à comunidade criativa há muito estabelecida no interior do estado de Nova York. The Campus abraça esse ambiente de troca animada com uma exposição abrangente que preenche 40 salas e os terrenos circundantes com obras de arte. Dentro de cada sala\, agrupamentos cuidadosos oferecem momentos de diálogo focado entre vozes diversas dentro e fora dos seis programas de galeria. \n\n\n\nNo espírito de colaboração\, The Campus está fazendo parceria com os Bolsistas de Estúdio e Curadoria da Cohort 05 do NXTHVN. Fundado por Titus Kaphar e Jason Price\, a bolsa anual do NXTHVN trabalha para orientar e elevar artistas e curadores sub-representados. A exposição contará com o trabalho dos Bolsistas de Estúdio Adrian Armstrong\, Alexandria Couch\, Eric Hart Jr.\, Fidelis Joseph\, Jamaal Peterman\, Eugene Mackie e Alex Puz\, organizada pelas Bolsistas de Curadoria Marquita Flowers e Clare Patrick. \n\n\n\nA exposição inaugural conecta obras novas\, históricas e específicas do local de mais de 80 artistas. \n\n\n\nUma instalação urgente de filme\, néon e obras escultóricas de Andrea Bowers ativa a arte em um chamado ressonante para informar\, educar e mobilizar sobre a mudança climática.
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LOCATION:kurimanzutto\, 520 w 20th St\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Scenes of New York City" no New-York Historical Society
DESCRIPTION:Keith Haring\, Radiant Baby with AIDS Alligator\, c. 1984 © Keith Haring Foundation)\n\n\n\n\n\nA exibição inaugural na nova Hirschfeld Gallery and Hall apresenta uma seleção de obras de arte provenientes de uma extraordinária doação prometida ao New-York Historical Society pelos filantropos e colecionadores de arte Elie e Sarah Hirschfeld\, que reuniram uma impressionante coleção em homenagem à sua cidade natal. A coleção inclui obras de renomados artistas nacionais e internacionais\, como Mark Rothko e Roxie Munro\, e oferece retratos vívidos de Gotham e suas paisagens urbanas. Mais de uma dúzia de obras em exibição destacam o passado multifacetado da cidade e traçam os ritmos da metrópole e de sua vida cotidiana. Para enriquecer esse retrato visual da cidade\, a exibição também conta com vozes da comunidade que respondem aos lugares e pessoas retratados. Curadoria de Wendy Nālani E. Ikemoto\, vice-presidente e curadora-chefe. \nO catálogo de Scenes of New York City: The Elie and Sarah Hirschfeld Collection conta com o apoio da Arthur F. and Alice E. Adams Charitable Foundation.
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LOCATION:New-York Historical Society\, 170 Central Park W\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Survival Piece #5: Portable Orchard" no Whitney Museum
DESCRIPTION:The Harrisons\, Survival Piece #5: Portable Orchard\, 1972–73 (vista da instalação\, Art Gallery da California State University\, Fullerton) © Helen and Newton Harrison Family Trust. Cortesia de Various Small Fires\, Los Angeles/Dallas/Seoul.\n\n\n\n“Survival Piece #5: Portable Orchard” marca a primeira apresentação independente em um museu do pomar de cítricos indoor completamente realizado\, concebido e projetado em 1972 pelos artistas Helen Mayer Harrison (1927–2018) e Newton Harrison (1932–2022). Este projeto explora a necessidade de um sistema alimentar produtivo e sustentável em um futuro imaginado onde as práticas agrícolas naturais são obsoletas e não podem ser consideradas garantidas. Estendendo-se pela galeria do oitavo andar do Museu\, esta instalação de dezoito árvores cítricas vivas enraizadas em vasos autossuficientes com sistemas de iluminação individuais reflete uma alternativa de sobrevivência diante do declínio ambiental. \n\n\n\nOs Harrisons começaram sua colaboração que durou décadas no início dos anos 1970\, inspirados pelos movimentos ambientalistas emergentes e por uma crescente conscientização social sobre os ecossistemas vulneráveis do planeta. Eles trouxeram experiências distintas em educação e escultura para sua prática criativa compartilhada e desenvolveram uma abordagem à criação artística que se baseava em pesquisas interdisciplinares\, resultando em projetos que serviam simultaneamente como obras de arte e chamados à ação. “Para sobreviver como espécie”\, refletiu Helen Harrison\, “vamos ter que aprender a cultivar nossa própria comida e cuidar de nós mesmos em algum momento. Então começamos a olhar para o que isso significa.” “Portable Orchard” é uma das sete “Survival Pieces” desenvolvidas pelos Harrisons no início dos anos 1970\, cada uma propondo uma alternativa a um sistema de produção de alimentos existente — de um pasto de porcos a uma fazenda de camarões. Os Harrisons planejavam a implementação futura desses projetos fazendo desenhos de instruções detalhadas; a recente aquisição pelo Museu de um desses desenhos foi o impulso para esta apresentação e está em exibição nas galerias\, junto com materiais de arquivo adicionais. “Portable Orchard” revela a qualidade premonitória da pesquisa dos Harrisons sobre sustentabilidade alimentar\, bem como os sucessos e fracassos dos sistemas artificiais construídos para sustentar a vida — questões que são ainda mais relevantes hoje do que há cinquenta anos\, quando o projeto foi concebido pela primeira vez. \n\n\n\n“Survival Piece #5: Portable Orchard” é organizada por Kim Conaty\, curadora-chefe da Família Nancy e Steve Crown\, com Roxanne Smith\, assistente sênior de curadoria.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/survival-piece-5-portable-orchard-no-whitney-museum/
LOCATION:Whitney Museum of American Art\, 99 Gansevoort St Manhattan\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
CATEGORIES:Nova York
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SUMMARY:"Chinese Painting and Calligraphy Selections from the Collection" no The Met Museum
DESCRIPTION:Artista não identificado\, Inscrições nos Tambores de Pedra (dinastia Zhou Oriental\, século V a.C.). The Metropolitan Museum of Art\, Nova York. Doação do Sr. e Sra. Wan-go H. C. Weng\, 1992\n\n\n\n\nO Metropolitan Museum of Art adquiriu sua primeira pintura chinesa em 1902. Desde então\, o Museu adicionou mais de duas mil obras de pintura e caligrafia\, construindo uma das coleções mais abrangentes do mundo. Abrangendo um milênio e meio de produção cultural e uma variedade de gêneros\, técnicas e estilos\, a coleção do Met se tornou um recurso fundamental para o estudo da pintura e caligrafia chinesas. Esta exposição apresenta uma rica seleção de obras da coleção\, organizadas em uma exibição majoritariamente cronológica. \nA exposição é viabilizada pelo Joseph Hotung Fund.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/chinese-painting-and-calligraphy-selections-from-the-collection-no-the-met-museum/
LOCATION:The Metropolitan Museum of Art\, 1000 5th Ave\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Mary Sully: Native Modern" no The Met Museum
DESCRIPTION:Mary Sully\, Alice (detalhe)\, ca. 1920s–40s. The Metropolitan Museum of Art\, Nova York\, aquisição\, Morris K. Jesup Fund e fundos de diversos doadores\, 2023\n\n\n\n\nMary Sully—nascida Susan Mabel Deloria na Reserva Standing Rock\, em Dakota do Sul—foi uma artista Yankton Dakota pouco conhecida e reclusa\, que\, entre as décadas de 1920 e 1940\, criou obras altamente distintas\, informadas por sua ancestralidade nativa americana e colonizadora. Esta primeira exposição individual da produção inovadora de Sully destaca aquisições recentes do Met e empréstimos da Fundação Mary Sully\, obras que complicam as noções tradicionais de arte nativa americana e moderna. \nTrabalhando sem patrocínio\, quase na obscuridade\, e sendo em grande parte autodidata\, Sully produziu desenhos intricadamente elaborados e vividamente coloridos. Eles misturam aspectos significativos de sua herança Dakota com elementos visuais observados de outras nações nativas\, bem como a estética da vida urbana. Celebridades euro-americanas da cultura popular\, política e religião inspiraram algumas de suas obras mais marcantes\, que ela chamou de “personalidade impressa”— retratos abstratos organizados como trípticos verticais. Apresentando 25 composições raramente vistas de Sully\, além de material de arquivo da família e outros itens nativos da coleção do Met\, Mary Sully: Native Modern oferece uma nova e complexa perspectiva para considerar a arte e a vida americana no início do século 20. \nA exposição é viabilizada pela Fundação Barrie A. e Deedee Wigmore.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/mary-sully-native-modern-no-the-met-museum/
LOCATION:The Metropolitan Museum of Art\, 1000 5th Ave\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Ink and Ivory: Indian Drawings and Photographs Selected with James Ivory" no The Met Museum
DESCRIPTION:Buffaloes in Combat (detalhe)\, Atribuído a Miskin\, Índia\, Mughal\, final do século XVI.\n\n\n\n\nEsta exposição apresenta uma seleção de desenhos superlativos das cortes e centros da Índia e do Paquistão (com algumas obras persas relacionadas)\, datados do final do século XVI ao século XX. Essas obras foram selecionadas principalmente da coleção do Met em parceria com o diretor de cinema James Ivory\, cuja recente doação ao Museu de álbuns fotográficos do século XIX também será destaque na exposição (2021.381.1-16). Os desenhos incluirão exercícios preparatórios frescos e informais para pinturas\, bem como obras lindamente acabadas por si só. As fotografias apresentarão os temas e estilos que surgiram nos contextos de patrocínio real e cerimônia; vistas de arquitetura\, cidades\, paisagens e pessoas\, entre outros. Como artista e cineasta\, James Ivory nos ajudará a apreciar esse material através de seu olhar único. Um curta-metragem — An Arrested Moment — dirigido por Dev Benegal\, acompanhará a exposição. \nA exposição é viabilizada pelo Hagop Kevorkian Fund. \nApoio adicional é fornecido pelo Lavori Sterling Foundation Endowment Fund.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/ink-and-ivory-indian-drawings-and-photographs-selected-with-james-ivory-no-the-met-museum/
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SUMMARY:"Mark Armijo McKnight: Decreation" no Whitney Museum
DESCRIPTION:Mark Armijo McKnight\, The Black Place (ii)\, 2024. Cortesia do artista. © Mark Armijo McKnight\n\n\n\n\nEsta exposição apresenta uma seleção de gravuras da artista\, ilustradora e autora de livros infantis Wanda Gág (1893–1946). Estas obras registram o mundo como Gág o experimentava: um lugar onde as paisagens se movem ritmicamente e os objetos inanimados vibram com vida. Embora ela também pintasse\, as artes gráficas ofereceram o método mais eficaz para expressar essa visão única. \n\n\n\nNascida em Minnesota\, filha de imigrantes da Boêmia Alemã (atualmente parte da República Tcheca)\, Gág chegou a Nova York em 1917 para estudar na Art Students League\, onde se tornou uma figura central da cena artística modernista da cidade. Sem aderir à abstração nem ao realismo social — os movimentos artísticos dominantes na época — Gág desenvolveu sua própria abordagem à figuração. Ao longo de sua carreira\, ela alcançou um sucesso modesto vendendo suas gravuras e produziu vários livros infantis populares\, exemplos dos quais são apresentados na mostra. Gág também foi uma escritora prolífica sobre sua vida e obra\, e trechos de suas cartas e diários acompanham as gravuras em exibição. \n\n\n\nCompletamente extraídas da coleção do Whitney\, as obras nesta exposição abrangem aproximadamente duas décadas\, desde meados da década de 1920 até o ano anterior à morte de Gág. Juntos\, esses naturezas-mortas\, paisagens e interiores iluminam o que a artista chamou de “mundo de Wanda Gág”\, demonstrando sua fervorosa busca para capturar o sentimento e o movimento da vida como ela via. \n\n\n\nO Wanda Gág World é co-curado por Roxanne Smith\, Assistente Sênior de Curadoria\, e Scout Hutchinson\, Curadora Bolsista.
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LOCATION:Whitney Museum of American Art\, 99 Gansevoort St Manhattan\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"What It Becomes" no Whitney Museum
DESCRIPTION:Rick Bartow\, Autobiographical Hawk\, 1991. Whitney Museum of American Art\, Nova York; doação do Richard E. Bartow Trust © Richard E. Bartow Trust\n\n\n\n\nComo um ato de marcação direta\, o desenho oferece uma maneira imediata e espontânea para que ideias se desenrolem e imagens ganhem forma. Guiada pelo potencial do meio para ilustrar mudanças\, esta exposição reúne obras da coleção do Whitney de artistas que utilizam o desenho como um ato de transformação. Em suas mãos\, o desenho se torna uma ferramenta para revelar o que é invisível e tornar o familiar irreconhecível\, ou\, como observa a artista Toyin Ojih Odutola: “O que ele se torna é o que me interessa.” \nEmbora as obras nesta exposição variem das artes gráficas a fotografias e vídeos\, os processos inerentes ao desenho desempenham um papel fundamental na criação de cada uma delas. Alguns artistas empregam técnicas como inscrição e apagamento para alterar ou recuperar imagens existentes\, como visto nas obras de Ojih Odutola e Wendy Red Star. Outros\, como David Hammons e Maren Hassinger\, enfatizam a tactileidade do meio\, usando seus próprios corpos como ferramentas de desenho ou superfícies para transformar sua imagem. Todas as obras mantêm uma relação estreita com a figura\, variando de modos tradicionais de retrato a registros gráficos mais abstratos do gesto humano. Aproveitando a relação entre desenho\, toque e formação\, os artistas exploram a natureza maleável da identidade e a possibilidade de moldar e redefinir a si mesmo. \nWhat It Becomes é organizada por Scout Hutchinson\, Curatorial Fellow.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/what-it-becomes-no-whitney-museum/
LOCATION:Whitney Museum of American Art\, 99 Gansevoort St Manhattan\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Room\, Sea & Sky" de Philip Guston na Hauser & Wirth NY
DESCRIPTION:Philip Guston\, Sky\, 1980 © The Estate of Philip Guston\n\n\n\n\nA Hauser & Wirth Nova York irá explorar a significativa\, porém frequentemente negligenciada\, prática de gravura de Philip Guston (1913 – 1980)\, preenchendo uma lacuna de longa data nas discussões sobre a obra do artista. Organizada em torno de três temas principais\, “Room\, Sea & Sky” investiga as qualidades metamórficas da prática de Guston através de sua gravura\, especialmente no final de sua vida\, quando um ataque cardíaco limitou sua capacidade de executar pinturas em grande escala. Foi então que ele iniciou sua colaboração com a renomada gráfica Gemini GEL\, criando uma série de gravuras importantes que levaram sua prática à sua forma mais madura.
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LOCATION:Hauser & Wirth Nova York 18th Street\, 443 West 18th Street\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Japan In/Out Brazil" na Nara Roesler
DESCRIPTION:Asuka Anastacia Ogawa\, Candle Fingers (detalhe)\, 2024. Cortesia Nara Roesler\n\n\n\n\nA Nara Roesler Nova York apresenta Japan In/Out Brazil\, exposição coletiva que reúne o trabalho de três artistas de diferentes gerações que têm em comum a origem japonesa e que nasceram ou possuem vínculos muitos próximos com o Brasil: Tomie Ohtake (1913-2015)\, Lydia Okumura (1948) e Asuka Anastacia Ogawa (1988). Embora tenham em comum a origem japonesa e o fato de pertencerem a essa diáspora no Brasil\, as três pertencem a diferentes gerações: enquanto Tomie Ohtake nasceu no início do Século XX e iniciou sua produção ainda na década de 1950\, Okumura deu impulso a sua poética na década de 1970\, momento de grande efervescência na arte conceitual\, e Asuka Anastacia Ogawa é de uma nova geração de pintores contemporâneos. \nTomie Ohtake consiste é um exemplo emblemático da diáspora japonesa na arte brasileira\, sobretudo por seu pioneirismo. Com um trabalho inicialmente figurativo\, a artista rapidamente se desloca para a abstração\, na qual combina elementos gestuais com um rigor formal característico da abstração geométrica. A partir da década de 1970 passa a trabalhar com grandes áreas de cor e enquadramentos que sugerem continuidade das composições para além do espaço da tela. Com uso da tinta acrílica a partir de meados dos anos 1980\, passa a criar tonalismos e deixar visíveis as sobreposições de camadas cromáticas\, criando uma abstração de aspecto cósmico. Também desenvolveu um corpo de trabalhos escultóricos\, que na exposição está representado por um trabalho da série Tubulares\, desenvolvida  a partir da década de 1990. Sua forma tubular e  aspecto sinuoso\, similar a um gesto pictórico\, transmite leveza\, em oposição à o  natureza do material que a compõem (aço carbono). \nLydia Okumura\, por outro lado\, é uma importante representante da arte conceitual brasileira\, vertente que ganhou força no país a partir do final da década de 1960. Ao contrário de outros artistas que lhe foram contemporâneos\, que gradualmente deslocaram suas produções para algo mais experimental\, Okumura já em suas primeiras criações demonstrou um alto grau de inovação\, dado que concebia seus trabalhos não como objetos artísticos acabados\, mas como situações visuais que impactavam diretamente na percepção do espectador. Desse modo\, por meio de desenhos e intervenções no espaço\, a artista criava instalações e trabalhos  site-specific que jogavam com a sensorialidade do público\, convidando-o para interagir e fazer parte do trabalho. A partir da década de 1980\, Okumura passa a trazer esses experimentos óticos para a pintura\, criando composições onde são explorados elementos geométricos e a ambiguidade entre bi e tridimensional. \nA relação entre elementos culturais japoneses e brasileiros fica muito visível no trabalho de Asuka Anastacia Ogawa\, jovem pintora que nasceu no Japão mas viveu parte de sua infância e adolescência no Brasil\, antes de seguir para Europa e Estados Unidos\, nos quais completou sua formação. Em sua obra pictórica\, a artista representa personagens andróginas\, de aspecto infantil\, com olhos grandes e pele negra. Os fundos são neutros e de cores saturadas\, por vezes intensamente luminosas. A representação frontal desses personagens\, bem como o fundo algo abstrato\, sugere que as mesmas carregam um forte conteúdo espiritual. Os títulos das telas fazem menção tanto a antepassados de Ogawa quanto a elementos ancestrais das culturas do Japão e do Brasil. \nAssim\, a exposição reúne diferentes contribuições fornecidas por três artistas de diferentes gerações que integraram a diáspora japonesa no Brasil\, mostrando que tal diáspora não somente teve grande importância para a história da arte no país mas continua\, ainda hoje\, fornecendo caminhos para se pensar a produção contemporânea.
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LOCATION:Nara Roesler Nova York\, 511 W 21st St Manhattan\, Nova York\, Nova York
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SUMMARY:"Nengi Omuku: Wild Things and Perennials" na Kasmin Gallery
DESCRIPTION:Nengi Omuku\, I Can’t Feel My Legs 2\, 2024. Cortesia Kasmin Gallery\n\n\n\n\nA Kasmin tem o orgulho de apresentar a primeira exposição individual de Nengi Omuku (n. 1987) em Nova York\, intitulada Wild Things and Perennials. Este novo conjunto de oito pinturas a óleo\, cada uma realizada de forma única no tradicional tecido nigeriano sanyan\, desenvolve a visão de Omuku sobre a pintura como uma força constante e sustentadora em um mundo em constante mudança. Nengi Omuku: Wild Things and Perennials coincide com a exposição individual da artista em um museu\, The Dance of People and the Natural World\, no Arnolfini\, Bristol\, Reino Unido. \nAs paisagens impressionistas de Omuku e suas ricas paletas de cores criam espaços envolventes para os retratos individuais e de grupo\, representados de forma fluida pela artista. Misturando interior e exterior\, figura e fundo\, Omuku explora temas de refúgio e tranquilidade\, entrelaçados com narrativas pessoais extraídas de suas recentes experiências em Lagos\, Londres\, Nova York e durante sua residência em Civitella Ranieri\, Itália. Com obras suspensas do teto\, a instalação ativa a arquitetura da galeria\, ao mesmo tempo que oferece ao público um espaço de respiro das movimentações do cotidiano.
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LOCATION:Kasmin Gallery\, 297 Tenth Avenue\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Encyclopedia: The Late Collages of Dorothea Tanning" na Kasmin Gallery
DESCRIPTION:Dorothea Tanning\, Encyclopedia (detalhe)\, 1990-1995. Cortesia Kasmin Gallery\n\n\n\n\nA Kasmin tem o prazer de apresentar sua segunda exposição individual do trabalho de Dorothea Tanning (1910-2012)\, com foco em suas colagens da fase final de carreira\, dos anos 1980 e 1990. Celebrando o espírito multidisciplinar de sua obra\, Encyclopedia: The Late Collages of Dorothea Tanning explora o universo da artista\, onde dispositivos literários\, como humor\, ironia\, paradoxo e repetição\, se combinam com seu léxico visual pessoal para inspirar o que ela uma vez descreveu como “a arte como metáfora da linguagem”. \nAs obras em exibição foram realizadas por Tanning em Nova York nos anos 1980 e 1990\, período em que suas energias criativas começaram a se deslocar da pintura e escultura para os trabalhos em papel e\, de forma mais ampla\, da arte de estúdio para a escrita de poesia\, ficção e suas memórias. Tanning havia experimentado com colagem ao longo de sua carreira e voltou ao meio com foco renovado após retornar aos Estados Unidos em 1980\, depois de viver cerca de 25 anos na França. Nestas colagens\, Tanning emprega técnicas desenvolvidas ao longo de seis décadas—pintura\, desenho\, corte e composição de papel\, incluindo fragmentos de suas próprias aquarelas. Ela também incorporou pedaços de tecido\, evocando suas esculturas macias do final dos anos 1960 ao início dos anos 1970. Justapondo formas orgânicas e sugestivas com imagens mais familiares\, como bicicletas\, utensílios de mesa\, animais\, nus em queda e sua própria mão\, Tanning expandiu temas e brincou com a relação entre figuração e abstração encontrados em suas pinturas e esculturas anteriores. Ao combinar suas imagens com títulos inesperados e evocativos\, ela explora a dimensão poética de sua prática artística visual. \nSendo a maior e uma das últimas colagens de Tanning\, Encyclopedia (1990-95) representa o ápice de seu trabalho nesse meio\, onde formas tanto reconhecíveis quanto desconhecidas aparecem em um momento de narrativa incerta\, seja lúdica\, desastrosa ou onírica\, como já ocorria em suas primeiras pinturas. Os títulos de Tanning são elementos essenciais que convidam o espectador à interpretação\, e Encyclopedia sugere que uma única obra pode abranger uma vasta gama de temas e fontes. Nesta colagem monumental\, a artista também demonstra seu domínio dos materiais\, usando pedaços de papel vegetal rasgado à mão colados em uma composição de papel de construção montada em masonite\, criando textura\, dimensão e até mesmo um leve movimento na imagem\, ao construir suas camadas delicadas da mesma forma que um narrador constrói uma história. Quando um estado inicial de Encyclopedia foi exibido pela primeira vez na retrospectiva de Tanning em 1993 na Malmö Konsthall\, na Suécia\, apenas quatro painéis foram mostrados; a obra completa\, com cinco painéis\, está sendo exibida publicamente aqui pela primeira vez. \nA Kasmin agradece à The Destina Foundation e à The Dorothea Tanning Foundation pela colaboração na organização desta exposição.
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SUMMARY:"New York City" de Arshile Gorky na Hauser & Wirth NY
DESCRIPTION:Arshile Gorky\, Untitled (Sunset in Central Park) (detalhe)\, 1931 © The Arshile Gorky Foundation / Artists Rights Society. Foto: Jerry L. Thompson\n\n\n\n\nNo outono de 1924\, um jovem pintor e refugiado armênio chamado Vosdanig Manuk Adoian mudou-se para a cidade de Nova York e adotou um novo nome: Arshile Gorky. Com esse gesto\, o artista (c. 1904-1948) iniciou uma jornada de auto-reinvenção e inovação estética que paralelamente acompanharia a transformação de Nova York\, de uma cidade emergente para uma metrópole pujante e um epicentro cultural. Em um ano que viu Manhattan sediar a estreia de “Rhapsody in Blue” de George Gershwin\, a inauguração pública da Morgan Library\, a conclusão do arranha-céu dourado conhecido como American Radiator Building e\, em muitos aspectos\, o nascimento do Renascimento do Harlem\, Gorky estabeleceu-se na cidade e começou a trilhar um caminho rumo a tornar-se um dos artistas mais significativos da vanguarda americana. \nNeste setembro\, a Hauser & Wirth celebrará o centenário da chegada de Gorky a Nova York com uma apresentação especial em seu espaço na Wooster Street\, a poucos quarteirões do endereço original do artista no West Village. “Arshile Gorky. New York City” apresentará pinturas e trabalhos em papel\, muitos não vistos em mais de 40 anos\, que destacam o desenvolvimento do mestre de uma linguagem artística que\, em última análise\, seria tão singular – e consequente – quanto a cidade americana que foi seu lar.
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LOCATION:Hauser & Wirth Wooster Street\, 134 Wooster Street\, Nova York\, NY
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SUMMARY:"Ibrahim Mahama: A Spell of Good Things" de Yoko Matsumoto na White Cube
DESCRIPTION:Ibrahim Mahama\, Abena\, 2024\n\n\n\n\nA White Cube apresenta uma exposição individual de Ibrahim Mahama\, apresentando uma nova instalação e uma série de desenhos em carvão que tomam as ferrovias da era colonial de Gana como ponto de referência principal. \nAmpliando a investigação contínua do artista sobre as economias de trabalho e migração\, a exposição explora o potencial latente de materiais industriais recuperados para construir narrativas visuais em torno da produção e do comércio locais. \nPara marcar a abertura da exposição\, Ibrahim Mahama participará de uma conversa com Courtney Willis Blair\, Diretora Sênior da White Cube US\, das 17h às 18h no dia 4 de setembro de 2024. O evento será seguido por uma prévia da exposição\, que continuará até as 20h.
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LOCATION:White Cube Nova York\, 1002 Madison Avenue\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"The Appearance: Art of the Asian Diaspora in Latin America & the Caribbean" na Americas Society
DESCRIPTION:Dan Lie\, Memory Stick ou Pau de Memória\, 2015\n\n\n\n\nThe Appearance: Art of the Asian Diaspora in Latin America & the Caribbean [Aparição: Arte da Diáspora Asiática na América Latina e no Caribe] é a primeira exposição em Nova York a destacar a produção artística da diáspora asiática na região\, desde os anos 1940 até o presente. Focada na arte contemporânea e pós-guerra\, a mostra reúne obras de trinta artistas de quinze países\, trabalhando em diversos meios\, como pintura\, escultura\, performance\, fotografia e vídeo\, para iluminar estratégias e temas que ressoam em uma ampla gama de práticas da diáspora asiática na América Latina e no Caribe. \nA exposição explora os múltiplos e inter-relacionados significados do conceito de aparência\, inspirado pela gravura de mesmo título de 1975 da artista nipo-brasileira Lydia Okumura. Desde atos de aparecer e se tornar visível—incluindo diferentes tipos de aparições—até a ideia de impressões e semelhanças físicas\, os artistas presentes lidam com as complexidades da negociação da (in)visibilidade\, revisitando e recriando arquivos familiares e histórias\, além de engajar e reconfigurar práticas espirituais. A mostra também aborda a abstração como uma estratégia formal ligada à linguagem\, aos sentidos e ao corpo no contexto da arte pós-guerra nas Américas. \nConcebida como uma aparição em si\, a exposição lança luz sobre as trajetórias artísticas e experiências muitas vezes negligenciadas de sujeitos e coletivos da diáspora asiática na América Latina e no Caribe\, mostrando-os tanto enraizados em seus contextos particulares quanto constitutivos de histórias transnacionais mais amplas. \nPara acompanhar a exposição\, haverá uma série de programas públicos e a publicação de um catálogo. \nEssa exposição é co-curada por Tie Jojima\, ex-curadora associada e gerente de Exposições da Americas Society em Nova York\, e Yudi Rafael\, curador independente e pesquisador baseado em São Paulo\, Brasil.
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LOCATION:Americas Society\, 680 Park Avenue\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Liza Lou: Painting" na Lehmann Maupin
DESCRIPTION:Liza Lou\, Gravity’s Rainbow (detalhe)\, 2024. Cortesia Lehmann Maupin\n\n\n\n\nA Lehmann Maupin apresenta Liza Lou: Painting\, uma exposição de novas obras da artista baseada em Los Angeles. Ocupando a galeria de Nova York\, a mostra apresenta uma série de trabalhos abstratos sobre tela\, nos quais Lou explora a característica mais essencial da pintura: a pincelada. Utilizando miçangas de vidro\, material que é sua marca registrada\, Lou transforma essas pequenas peças em uma nova forma de pintura\, aplicando-as de maneira livre e intuitiva. À medida que as miçangas colidem e se sobrepõem na tela\, elas recriam pinceladas\, remetendo ao abstracionismo americano de meados do século XX. Paralelamente à exposição\, a obra icônica Trailer (1998–2000)\, será instalada no saguão do Brooklyn Museum\, recentemente adquirida para a coleção permanente\, e estreará no museu em setembro\, permitindo que o público experimente as obras mais recentes da artista ao lado dessa escultura imersiva rara. \nCom uma carreira de três décadas\, Lou tornou-se amplamente reconhecida por introduzir miçangas como um meio de arte contemporânea. Sua constante experimentação desafia hierarquias e incorpora humor e glamour em uma visão feminista. O projeto de Lou é uma investigação aberta sobre as possibilidades metafóricas de um material simples\, destacando as dimensões poéticas e dolorosas do trabalho\, do processo artístico e das complexidades da vida americana. \nNesta nova série de pinturas\, Lou recria gestos rápidos e pictóricos com detalhes minuciosos\, grão por grão. As miçangas naturalmente resistem à mistura ou fusão\, e assim Lou aplica a cor pura diretamente na tela\, em uma homenagem à frase de Frank Stella de “pintar tão bem quanto sai do tubo”. Cada pincelada é posicionada de maneira espontânea\, em reação à anterior\, criando uma interação estética entre as cores que são justapostas e sobrepostas. O brilho das cores irradia pela tela em golpes vívidos\, enquanto estruturas em rede se constroem e se expandem. De perto\, as pequenas peças tridimensionais de cor fabricada se agitam\, resultando em explosões que surpreendem\, oferecendo uma nova perspectiva sobre a pintura abstrata americana. \nConhecida por sua abordagem comunitária\, o trabalho atual de Lou surge de um período de solidão vivido no deserto de Mojave\, no sul da Califórnia. Dessa experiência profunda com a natureza\, Lou oferece um olhar atento ao ato de pintar\, ampliando gestos granulares e\, como ela descreve\, “ouvindo o material”. Juntas\, as exposições de Lou na Lehmann Maupin e no Brooklyn Museum oferecem um vislumbre da evolução de sua prática ao longo das décadas\, centrada na materialidade\, invenção e possibilidade.
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LOCATION:Lehmann Maupin\, 501 W 24th St Manhattan\, Manhattan\, Nova York\, Estados Unidos
CATEGORIES:Nova York
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SUMMARY:"DRIVE II" de Jason Rhoades na Hauser & Wirth NY
DESCRIPTION:Jason Rhoades\, Fucking Picabia Cars with Ejection Seat\, 1997/2000\n\n\n\n\nPara Jason Rhoades\, o carro era um veículo de busca artística e ambição. A partir de 5 de setembro\, a Hauser & Wirth Nova York apresentará uma grande exposição de seus “Car Projects”\, incluindo uma frota de diferentes esculturas de carros prontos. A instalação também contará com uma obra monumental de 2000\, nomeada em homenagem ao modernista dadaísta e colecionador de carros Francis Picabia. “DRIVE II” ocorrerá simultaneamente à exploração de um ano da arte de Rhoades e da cultura automobilística na Hauser & Wirth no centro de Los Angeles.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/drive-ii-de-jason-rhoades-na-hauser-wirth-ny/
LOCATION:Hauser & Wirth 22nd Street\, 542 West 22nd Street\, Nova York\, Nova York
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SUMMARY:"Joanna Pousette-Dart: Centering" na Lisson Gallery
DESCRIPTION:Obra de Joanna Pousette-Dart © Joanna Pousette-Dart e Lisson Gallery\n\n\n\n\nPara sua sétima exposição com a Lisson Gallery\, Joanna Pousette-Dart retorna à sua cidade natal com uma grande mostra de novas pinturas\, intitulada Centering. Desde a década de 1970\, quando a artista começou a se afastar dos formatos retangulares tradicionais – inicialmente ao entrelaçar telas não esticadas em grades suaves e depois\, nos anos 1990\, ao criar telas em formatos definidos para pintar – Pousette-Dart vem utilizando formatos dinamicamente moldados para sugerir as qualidades expansivas\, viscerais e abrangentes da paisagem. A partir dessas superfícies de painéis curvilíneos verticalmente unidos\, ela reimaginou a pintura como uma arena de profundidade e amplitude\, criando um continuum de luz e espaço onde o desenho interno está em constante diálogo com a forma externa\, e tudo está em perpétuo movimento. Para intensificar ainda mais a qualidade viva e pulsante dessas formas e os mundos em constante mudança e expansão dentro de mundos\, a artista bisela as bordas das pinturas\, fazendo com que pareçam flutuar nas paredes. \nAs novas obras arqueadas e abobadadas de Pousette-Dart aprofundam essa exploração\, mas possuem uma qualidade singularmente envolvente. Cada uma é desenhada à mão e sutilmente assimétrica\, conferindo às pinturas uma ligeira inclinação ou sugestão de rotação\, que coloca em movimento os campos de cores e formas. Cada pintura é composta por dois painéis com uma linha de “horizonte” que divide o espaço de maneira diferente em cada obra\, de modo que o espaço interno de cada pintura tem sua própria ascensão e queda ou força gravitacional. Faixas horizontais de cor sugerem uma hierarquia de distâncias e qualidades flutuantes de luz\, alcançadas através da acumulação de camadas finas de tons variados\, às vezes complementares. A cor modula-se\, às vezes de forma sutil e outras vezes dramaticamente\, de claro para escuro\, ou de quente para frio\, tornando-se uma das maneiras pelas quais Pousette-Dart nos conduz pelos movimentos cíclicos e rotacionais inerentes a cada obra\, sugerindo visualmente uma passagem de um estado ou reino para outro. Seu vocabulário singular de linhas e formas caligráficas define a orientação\, bem como o senso de drama e foco de cada pintura\, às vezes funcionando em oposição ao seu movimento interno e\, em outras\, ecoando-o.
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LOCATION:Lisson Gallery\, 504-508 West 24th Street\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Radical Artists of the 1960s/1970s" na David Nolan Gallery
DESCRIPTION:Barry Le Va\, 4 Layers-Placed\, Dropped\, Thrown\, 1968-71. Direitos autorais do espólio do artista e cortesia da David Nolan Gallery\n\n\n\n\n\nA exposição Radical Artists of the 1960s/1970s: Between Geometry and Gesture na David Nolan Gallery apresenta obras de Barry Le Va\, Bruce Nauman\, Richard Serra\, Dorothea Rockburne e stanley brouwn. Esses artistas\, ativos em um período marcado por agitação política e social nos Estados Unidos\, desafiaram as noções tradicionais de arte ao expandir os limites dos materiais e da escultura. Le Va\, pioneiro da Process Art\, explorava a fisicalidade do espaço\, usando materiais como feltro e vidro em gestos improvisados que desafiavam a noção de escultura fixa. Serra\, por sua vez\, usava verbos de ação para manipular materiais industriais\, enquanto Nauman usava o próprio corpo em performances gravadas que ajudaram a inaugurar a arte em vídeo como um novo meio. Rockburne combinava matemática e gestos de dança para desmantelar definições tradicionais de desenho\, enquanto brouwn rejeitava o colonialismo e o racionalismo minimalista ao usar seu corpo como unidade de medida. Juntos\, esses artistas revolucionaram a arte contemporânea ao desafiar convenções e ampliar o escopo da prática artística\, influenciando gerações futuras de criadores.
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LOCATION:New-York Historical Society\, 170 Central Park W\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"grãos de água\, gotas de terra" de Josi na Mendes Wood NY
DESCRIPTION:Obra de Josi. Cortesia Mendes Wood DM\n\n\n\n\nO processo de Josi se desdobra no movimento dos gestos\, com criações manuais que se manifestam como extensões das mãos. Grãos de terra se juntam e se dispersam\, aderindo a onde pousam. Esses grãos passam por peneiras e pilões. Decantam\, pacientemente atravessando o tempo. São colocados em uma panela e giram – até que tudo esteja lá – para aqueles que sabem ver. Dentro dos tons de terra\, percebe-se o desdobramento da vida\, tudo acontece\, assentando-se\, engrossando\, até atingir um contato quase direto com a própria vida. Amasse teimoso\, regue\, levante\, alise\, brilhe. A arte\, à beira da vida\, é um caminho que se move com a terra. Ela surge das temporalidades e vibrações do mundo\, de antes que o mundo fosse o que conhecemos. O elemento da arte é\, então\, um gesto com a terra. Tocar a vida – seres vivos em argila\, os vestígios de tudo que nela se guarda. Sentir as temporalidades\, inclusive as geológicas\, respeitando os ritmos da terra\, interagindo com eles por meio dos materiais. Reconhecer os limiares cruzados por aqueles que vieram antes. Essas são experiências entrelaçadas aos gestos artísticos de Josi. \nA tessitura das obras de Josi vem da força de suas mãos\, manobrando e desviando-se dos cânones bem conhecidos dentro da arte\, que se tornaram confortáveis pontos de referência estética. No processo de Josi\, uma dobra poética parece se revelar: Um corpo de trabalho nasce com um corpo de matéria. Josi estabelece lugares para que o corpo se impregne de seu próprio ser e do solo através de uma gênese compartilhada e síncrona. Um eu coletivo e ancestral e a terra onde confluências germinam\, “uma força que cede\, que aumenta\, que expande\,” onde “nos tornamos nós mesmos e outra versão de nós mesmos\,” como nos diz o intelectual e ativista político quilombola Nêgo Bispo. Criar\, para Josi\, é um “movimento” em ressonância\, em confluência com a terra e os lugares de origem de onde ela obtém seus materiais\, com o que brota nesses lugares\, em uma prática que parece se intensificar fora da linguagem e se liberta das gramáticas cansadas da arte contemporânea\, que fingem ser universais. \nA jornada artística de Josi começou com esboços em cadernos durante viagens de ônibus\, abraçando a crença de que a arte não é um privilégio. Suas experiências em Itamarandiba\, Carbonita e Caeté moldaram sua vida como professora. A sabedoria de lavar roupas e trabalhar nos campos a levou a cursar Artes Plásticas na Escola Guignard (UEMG). Do chão de terra de Tabatinga ao chão da cozinha/atelier\, esses lugares não se separam em fronteiras\, mas se reúnem\, porque são\, ao mesmo tempo\, memória e uma aglomeração de temporalidades. A partir deles\, Josi cria. Através de momentos sobrepostos\, lugares e narrativas\, ela identificou tintas e corantes enquanto fervia feijões na água\, manchas de frutas pigmentavam de repente superfícies\, e a água lamacenta formava tons de terra e solo. \nCom esses materiais e gestos\, o processo de pintura de Josi emerge. Ela espera meticulosamente pelos eventos que esses pigmentos criam. Na tela\, eles se revelam em espalhamentos\, véus\, concentrações\, dissoluções\, desaparecimentos\, transparências\, esmaltes\, espaços vazios e mudanças de cor. Não há desenho prévio\, “nenhum risco anterior\,” como ela explica\, porque não há como parar ou controlar o que não é antecipado. Josi diz que busca uma “curvatura da cor\,” mas a temporalidade de cada pigmento é uma experiência que se distingue no papel e no tecido enquanto ela pinta e\, portanto\, os pigmentos interagem de maneiras diferentes\, respondendo constantemente à umidade\, temperatura\, de acordo com a composição das tintas orgânicas. Não há linhas. Linhas separam. As manchas às quais ela retorna em seu trabalho são afluentes na tela\, sobrepõem-se\, movem-se e ocupam espaços. Elas criam outra temporalidade\, outra cor\, ressurgindo em outras imagens. \nJosi se aproximou da argila porque a entende como solo que “caminhou de uma rocha\, encontrou o vento\, a chuva e outros seres\, e então foi sedimentar\, carregando consigo toda aquela memória.” Em suas mãos\, a argila é tratada como “tesouro.” Lidar com a argila é conversar com a tradição de fazer utensílios presentes na vida cotidiana e com os laços ancestrais e memórias do tempo em que pisar no chão significava ter aquele chão sempre presente na vida. O exílio é o oposto: é não ter um lugar para pisar; é reaprender a andar e\, portanto\, quase se desfazer da saudade das pessoas que outrora habitaram a terra e foram perdidas. \nNas cerâmicas de Josi\, há rostos\, figuras humanas e corpos contíguos. Ferramenta e corpo se unificam como um só\, e\, a partir daí\, a figuração é um abrigo que materializa o desejo de povoar a vida com a presença para contar outras fábulas que não as do exílio. Nessas esculturas\, a convivência\, a construção de comunidade e os contos fictícios narram um lugar que o corpo não tinha o direito porque o vazio e a dispersão comandavam o fluxo da vida. “É onde me reúno completamente\,” diz a artista. E novamente\, ao trabalhar com argila\, Josi recorre ao conhecimento e à imaginação que traz do Vale do Jequitinhonha – das pessoas se reunindo\, das conversas\, das tarefas diárias\, das frutas secando ao sol. Tocar essa vida na argila significa reunir presenças\, reverter apagamentos e enunciar saberes ancestrais. \ngrãos de água\, gotas de terra é o título da primeira exposição individual internacional de Josi. A mostra reúne obras criadas ao tocar\, arrastar e misturar várias temporalidades\, materiais\, pessoas\, presenças e histórias. As obras nos lembram que a arte “é uma conversa de almas\, porque vai do individual ao coletivo à medida que é compartilhada” – mais uma vez\, Nêgo Bispo nos fala sobre a diferença entre troca e compartilhamento. E assim\, as obras de Josi nos convidam a praticar outras maneiras de ver e dar sentido à vida. Suas criações estão aqui para afirmar a presença de pessoas que foram expropriadas de seus gestos\, separadas de seu ambiente (o que a civilização moderna chama de natureza)\, que foram incumbidas de superar (como um desafio\, destino e obrigação) as opressões de estar alienado e sem lugar. A presença de pessoas que resistem às guerras das denominações colonialistas\, criando relações com todos os seres e com a terra\, que é o “anseio original.” Assim como a presença de grãos e gotas\, imensas partículas nesse caldeirão da vida que chamamos de mundo. \n– Galciani Neves
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