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SUMMARY:Instalação David Hammons no Whitney Museum of American Art
DESCRIPTION:O Whitney\, em colaboração com o Hudson River Park \, desenvolveu um projeto de arte pública permanente de David Hammons (n. 1943). Intitulada Day’s End (2014–21)\, esta instalação monumental está localizada no Hudson River Park ao longo da margem sul da Península de Gansevoort\, em frente ao Museu. \n\n\n\nProposto ao Whitney por Hammons\, Day’s End se inspira em uma obra de arte de mesmo nome de Gordon Matta-Clark (1943-1978). Em 1975\, Matta-Clark cortou cinco aberturas no galpão Pier 52 que anteriormente ocupava o local. O Hammons’s Day’s End é uma estrutura aberta que segue precisamente os contornos\, dimensões e localização do galpão original – e\, como a intervenção de Matta-Clark\, oferecerá um lugar extraordinário para experimentar a orla. \n\n\n\nEm conjunto com a realização do projeto\, o Whitney apresentou Around Day’s End: Downtown New York\, 1970–1986 \, uma exposição que apresentou obras da coleção relacionadas ao projeto seminal de Matta-Clark. O Whitney também criou materiais interpretativos\, incluindo a primeira série de podcasts do Museu\, Artists Among Us \, bem como vídeos e passeios a pé pelo bairro. Essa mídia de apoio toma os Day’s End s\, conforme previsto por Hammons e Matta-Clark\, como pontos de partida para explorar a história local – da orla e do Meatpacking District\, o papel dos artistas no bairro\, sua história LGBTQ e a ecologia do estuário. Novas pesquisas\, materiais de arquivo e entrevistas de história oral serão incorporadas.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/instalacao-david-hammons-no-whitney-museum-of-american-art/
LOCATION:Whitney Museum of American Art\, 99 Gansevoort St Manhattan\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"At the Dawn of a New Age" no Whitney Museum of American Art
DESCRIPTION:Os artistas americanos saudaram o século XX com uma confiança juvenil no progresso e na inovação. Animados pelas mudanças tecnológicas que estavam revolucionando as comunicações e a engenharia\, bem como as mudanças culturais\, como o sufrágio feminino\, os artistas abraçaram o novo em detrimento do tradicional e fixo. Não mais contentes em replicar a realidade\, eles se voltaram para os estilos de vanguarda como forma de comunicar sua empolgação com uma época que o crítico Walter Lippmann caracterizou como “explosiva com novas ideias\, novos planos e novas esperanças”. \n\n\n\nAlguns dos artistas apresentados nesta exposição\, como Georgia O’Keeffe e Marsden Hartley \, são bem conhecidos hoje\, mas muitos modernistas igualmente inovadores foram amplamente esquecidos. Com mais de sessenta obras de quarenta e cinco artistas extraídas principalmente da coleção permanente do Whitney\, At the Dawn of a New Age oferece uma compreensão expandida da complexidade da arte americana produzida entre 1900 e 1930 e recupera a exuberante sensação de liberdade e experimentação subjacente isto. \n\n\n\nEsta exposição é organizada por Barbara Haskell\, curadora.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/at-the-dawn-of-a-new-age-no-whitney-museum-of-american-art/
LOCATION:Whitney Museum of American Art\, 99 Gansevoort St Manhattan\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Amalia Mesa-Bains: Archaeology of Memory" no El Museo del Barrio
DESCRIPTION:Vista da instalação de Amalia Mesa-Bains\, “The Virgin’s Garden\, 1994/2022” em “Venus Envy Chapter II: The Harem and Other Enclosures”. Cortesia da artista e da Rena Bransten Gallery\, São Francisco. Fotografia de Matthew Sherman/Cortesia do Museo del Barrio.\n\n\n\nO Museo del Barrio apresenta “Amalia Mesa-Bains: Archaeology of Memory”\, a primeira exposição retrospectiva da artista\, curadora e teórica pioneira. Nascida em 1943 em uma família de imigrantes mexicanos\, Mesa-Bains tem sido uma figura de destaque na arte Chicanx por quase meio século. Sua prática explora temas feministas interseccionais\, espiritualidade centrada no meio ambiente e diversidade cultural para combater as exclusões racistas e de gênero da repressão colonial. A exposição apresenta mais de 40 obras\, incluindo as grandes “instalações-altar” da artista\, bem como gravuras\, livros de artista e códices. Ancorada pela série de vários capítulos “Venus Envy”\, “Archaeology of Memory” é uma rara oportunidade de ver três décadas de obras que desafiam gêneros de Mesa-Bains\, muitas das quais estão sendo exibidas juntas pela primeira vez. \n\n\n\nO Museo del Barrio é o único local na Costa Leste a receber a retrospectiva itinerante\, organizada pelo Berkeley Art Museum e Pacific Film Archive em colaboração com o Latinx Research Center (LRC) da UC Berkeley. A apresentação no Museo del Barrio expande a longa associação de Mesa-Bains com a instituição\, onde seu trabalho tem sido exibido desde os anos 1990. Mais recentemente\, sua arte e escrita crítica serviram como inspiração direta para a aclamada exposição de 2022\, DOMESTICANX\, uma apresentação intergeracional do grupo Latinx que expandiu a teoria inovadora de Mesa-Bains sobre a domesticana. \n\n\n\nEm meados da década de 1970\, a pesquisa de Mesa-Bains nas tradições ancestrais mexicanas levou à sua reinvenção inovadora de formas sagradas—altares domésticos e oferendas aos mortos—através de uma lente contemporânea como arte de instalação. Nas décadas seguintes\, a artista expandiu sua prática baseada em altares\, convertendo móveis domésticos como mesas\, armários ou penteadeiras em lugares de devoção e memória. Subsequentemente\, Mesa-Bains começou a considerar espaços na interseção do privado e do público para explorar as vidas de figuras femininas de contextos históricos e religiosos\, incluindo a freira e intelectual mexicana Sor Juana Inés de la Cruz e La Virgem de Guadalupe. Esses espaços\, que incluem uma biblioteca\, harém\, jardim e laboratório\, fornecem o cenário para a investigação arqueológica de Mesa-Bains sobre as histórias das mulheres e seu apagamento colonial. \n\n\n\nOs desenvolvimentos inovadores de Mesa-Bains são exibidos na série multi-partes “Venus Envy”\, criada entre 1993 e 2023 e em exibição em quatro galerias do Museo del Barrio. “Archaeology of Memory” marca a primeira vez que “Venus Envy” está sendo mostrada em sua totalidade\, tendo sido originalmente encenada em quatro capítulos em diferentes cenários institucionais\, incluindo a Bienal de Whitney de 1993; o Williams College Museum of Art; a Bernice Steinbaum Gallery; e a Menil Collection. Inspirado na terminologia freudiana\, o título de Mesa-Bains é sugestivo do empoderamento feminino ao longo da história. Outras instalações abordam a experiência da migração\, solidariedades femininas e conhecimento ancestral para reivindicar as histórias que foram ausentes da memória pública através das instituições patriarcais da nação\, religião e museu. Essas peças em grande escala são complementadas ao longo da exposição por obras em papel que iluminam a estética da artista de camadas textuais e baseadas em imagens e escavação em forma bidimensional. Baseando-se em histórias familiares\, experiências pessoais e legados artísticos\, essas gravuras\, livros feitos à mão e códices informam a prática conceitual de Mesa-Bains e servem como mapas para sua trajetória artística.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/amalia-mesa-bains-archaeology-of-memory-no-el-museo-del-barrio/
LOCATION:El Museo del Barrio\, 1230 5th Avenue at 104th Street\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Don't Forget to Call Your Mother" no The Met Museum
DESCRIPTION:Sadie Barnette\, Photo Bar\, 2022 © Sadie Barnette. Foto: Phillip Maisel.\n\n\n\n\nEm uma época em que as fotografias são principalmente compartilhadas e armazenadas digitalmente\, muitos artistas estão retornando à materialidade dos instantâneos em um álbum ou das imagens em um arquivo como fonte de inspiração. A exposição\, intitulada Don’t Forget to Call Your Mother (“Não Esqueça de Ligar para Sua Mãe”)\, a partir de uma fotografia do provocador italiano Maurizio Cattelan\, consiste em obras da coleção do Met\, que vão dos anos 1970 até os dias atuais\, refletindo sobre os sentimentos complexos de nostalgia e sentimentalismo que esses objetos evocam\, enquanto sublinha o poder do objeto encontrado. \nEntre os artistas em destaque está Sadie Barnette\, para quem as fotografias servem como um portal para iluminar a história esquecida do primeiro bar gay de propriedade de negros em São Francisco e a vida de seu próprio pai\, como ilustra poderosamente sua obra Photo Bar de 2022. Assim como Barnette\, muitos dos artistas da exposição buscam fortalecer o legado das histórias familiares\, enfatizar a importância das relações intergeracionais e considerar as maneiras pelas quais o conhecimento e o respeito pelo passado podem informar o nosso momento atual. Alguns artistas\, como Sophie Calle e Larry Sultan\, exploram suas próprias narrativas para revelar a construção do desejo\, enquanto outros\, incluindo Taryn Simon e Hank Willis Thomas\, examinam histórias que moldaram o diálogo cultural e político. Para alguns\, como Darrel Ellis\, que utilizou fotos de família para negociar o trauma da violência policial\, o pessoal é político. Empregando várias estratégias\, esses artistas consideram como uma coleção de imagens—como um talismã ou um retábulo—constrói relações ao longo do tempo e pode transformar nossa compreensão do presente. \nA exposição é viabilizada por Joyce Frank Menschel.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/dont-forget-to-call-your-mother-no-the-met-museum/
LOCATION:The Metropolitan Museum of Art\, 1000 5th Ave\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Crafting Modernity: Design in Latin America\, 1940–1980" no MoMA
DESCRIPTION:Roberto Burle Marx\, Parque Ibirapuera\, Jardins Quadricentenários\, projeto\, São Paulo\, Brasil (Plano\, detalhe cinco)\, 1953. The Museum of Modern Art\, Nova York. Fundo Interamericano. © 2024 Burle Marx & Cia. Ltda.\n\n\n\n“Há design em tudo”\, escreveu Clara Porset\, a inovadora designer cubano-mexicana. Ela acreditava que a arte e a indústria poderiam se inspirar mutuamente\, forjando um caminho alternativo para o design moderno. Nem todos os colegas de Porset concordavam com sua convicção. Esta exposição apresenta essas visões às vezes conflitantes da modernidade propostas por designers de ambientes domésticos na Argentina\, Brasil\, Chile\, Colômbia\, México e Venezuela entre 1940 e 1980. Para alguns\, o design era uma evolução das tradições locais e indígenas\, levando a uma abordagem que combinava técnicas artesanais centenárias com métodos baseados em máquinas. Para outros\, o design respondia às condições de mercado e aos gostos locais\, e era baseado em tecnologias disponíveis e processos industriais. Nesta exposição\, objetos\, incluindo móveis\, eletrodomésticos\, cartazes\, tecidos e cerâmicas\, bem como uma seleção de fotografias e pinturas\, explorarão essas tensões. \n\n\n\nO lar tornou-se um local de experimentação para a vida moderna durante um período marcado por mudanças políticas\, econômicas e sociais dramáticas\, que tiveram amplas repercussões para a cultura visual latino-americana. Por quase meio século\, o design do ambiente doméstico incorporou ideias de identidade nacional\, modelos de produção e modos de vida modernos. O lar também ofereceu oportunidades para um diálogo entre arte\, arquitetura e design. Destaques da exposição incluem a cadeira Butaque de Clara Porset; a cadeira Bowl de Lina Bo Bardi; a cadeira B.K.F. de Antonio Bonet\, Juan Kurchan e Jorge Ferrari Hardoy; e o mobiliário de lounge Malitte de Roberto Matta.
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LOCATION:MoMA\, 11 W 53rd St Manhattan\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"By Way Of: Material and Motion in the Guggenheim Collection" no Guggenheim
DESCRIPTION:Vista da instalação\, By Way Of: Material and Motion in the Guggenheim Collection © Solomon R. Guggenheim Museum\, Nova York\n\n\n\nUma das características mais proeminentes da arte do final do século XVIII em diante\, especialmente após a Segunda Guerra Mundial\, é a tendência dos artistas de evoluir métodos tradicionais de produção artística fora dos limites do estúdio. Esta exposição examina as maneiras pelas quais artistas contemporâneos implementaram novas ideias formadas pelos contextos sociais e históricos de seu tempo\, empurrando os limites da criação artística e dos materiais como resultado. \n\n\n\nBy Way Of oferece uma seleção de obras da coleção permanente do museu\, inspiradas pelo presente da Coleção D.Daskalopoulos. Artistas importantes do movimento Arte Povera das décadas de 1960 e 1970\, como Jannis Kounellis e Mario Merz\, compartilham as galerias com artistas que trabalham atualmente\, como Rashid Johnson\, Mona Hatoum e Senga Nengudi. \n\n\n\nBy Way Of: Material and Motion in the Guggenheim Collection é organizada por Naomi Beckwith\, Diretora Adjunta e Curadora-Chefe Jennifer e David Stockman.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/by-way-of-material-and-motion-in-the-guggenheim-collection-no-guggenheim/
LOCATION:The Guggenheim Museum\, 1071 5th Ave\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:Whitney Biennial 2024: Even Better Than the Real Thing no Whitney Museum
DESCRIPTION:Vista da instalação da obra de Suzanne Jackson na Whitney Biennial 2024: Even Better Than the Real Thing\, 2024. Foto: Ron Amstutz\n\n\n\nA oitenta e uma edição da Whitney Biennial — a pesquisa de arte contemporânea mais antiga nos Estados Unidos — conta com setenta e um artistas e coletivos enfrentando muitos dos problemas mais urgentes da atualidade. Esta Bienal é como estar dentro de um “coro dissonante”\, como descreveu a artista participante Ligia Lewis\, uma experiência provocativa\, mas íntima\, de vozes distintas e díspares que\, coletivamente\, investigam as rachaduras e fissuras do momento que se desenrola. \n\n\n\nO subtítulo da exposição\, Even Better Than the Real Thing\, reconhece que a Inteligência Artificial (IA) está complicando nossa compreensão do que é real\, e a retórica em torno de gênero e autenticidade está sendo usada política e legalmente para perpetuar a transfobia e restringir a autonomia corporal. Esses desenvolvimentos fazem parte de uma longa história de considerar pessoas de raça\, gênero e habilidades marginalizados como sub-humanos — menos que reais. Ao realizar essa exposição\, nos comprometemos a amplificar as vozes de artistas que estão enfrentando esses legados e a fornecer um espaço onde ideias difíceis possam ser abordadas e consideradas. \n\n\n\nEsta Bienal é um encontro de artistas que exploram a permeabilidade das relações entre mente e corpo\, a fluidez da identidade e a crescente precariedade dos mundos naturais e construídos ao nosso redor. Seja através de humor subversivo\, abstração expressiva ou formas não ocidentais de pensamento cosmológico\, para citar apenas alguns de seus métodos\, esses artistas demonstram que há caminhos a serem encontrados\, estratégias de enfrentamento e cura a serem descobertas\, e maneiras de se unir\, mesmo em um tempo fraturado. \n\n\n\nA Bienal Whitney de 2024 é organizada por Chrissie Iles\, curadora Anne and Joel Ehrenkranz\, e Meg Onli\, curadora geral\, com Min Sun Jeon e Beatriz Cifuentes. O programa de performance é organizado por Iles e Onli\, com a curadora convidada Taja Cheek. O programa de filmes é organizado por Iles e Onli\, com curadores convidados Korakrit Arunanondchai\, asinnajaq\, Greg de Cuir Jr\, e Zackary Drucker.
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LOCATION:Whitney Museum of American Art\, 99 Gansevoort St Manhattan\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Sonya Clark: We Are Each Other" no Museum of Arts and Design
DESCRIPTION:Uma carteira escolar com a imagem gravada a laser da bandeira de trégua instalada para Lesson Plan (Confederate Truce Flag)\, 2019. @nyceventphotography\n\n\n\n\nDestacando trinta anos de produção artística dedicada à experiência negra nos Estados Unidos\, Sonya Clark: We Are Each Other é a primeira exposição abrangente dos projetos de arte comunitária que formam o cerne da prática criativa pioneira da artista. Acompanhada por uma seleção de fotografias\, gravuras e esculturas de Clark\, a exposição apresenta cinco dos projetos colaborativos em grande escala da artista\, incluindo o inovador The Hair Craft Project (2014) e a performance contínua Unraveling. \nTrabalhando com uma ampla variedade de materiais emocionalmente ressonantes e objetos do cotidiano—desde tecido de algodão e cabelo humano até carteiras escolares e tijolos—Clark incentiva o público a confrontar os desequilíbrios históricos e as injustiças raciais do país através da transformação material. O uso de materiais artesanais tradicionais\, seu conhecimento aplicado de técnicas artesanais globais e as colaborações comunitárias que são essenciais para a integridade da arte de Clark estão entre as muitas maneiras pelas quais a artista representa e homenageia os legados da diáspora africana na vida negra.
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LOCATION:Museum of Arts and Design\, 2 Columbus Circle\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Wanda Gág World" no Whitney Museum
DESCRIPTION:Wanda Gág\, The Forge (detalhe)\, 1932. Whitney Museum of American Art\, New York; purchase 32.103. © Estate of  Wanda Gág\n\n\n\nEsta exposição apresenta uma seleção de gravuras da artista\, ilustradora e autora de livros infantis Wanda Gág (1893–1946). Estas obras registram o mundo como Gág o experimentava: um lugar onde as paisagens se movem ritmicamente e os objetos inanimados vibram com vida. Embora ela também pintasse\, as artes gráficas ofereceram o método mais eficaz para expressar essa visão única. \n\n\n\nNascida em Minnesota\, filha de imigrantes da Boêmia Alemã (atualmente parte da República Tcheca)\, Gág chegou a Nova York em 1917 para estudar na Art Students League\, onde se tornou uma figura central da cena artística modernista da cidade. Sem aderir à abstração nem ao realismo social — os movimentos artísticos dominantes na época — Gág desenvolveu sua própria abordagem à figuração. Ao longo de sua carreira\, ela alcançou um sucesso modesto vendendo suas gravuras e produziu vários livros infantis populares\, exemplos dos quais são apresentados na mostra. Gág também foi uma escritora prolífica sobre sua vida e obra\, e trechos de suas cartas e diários acompanham as gravuras em exibição. \n\n\n\nCompletamente extraídas da coleção do Whitney\, as obras nesta exposição abrangem aproximadamente duas décadas\, desde meados da década de 1920 até o ano anterior à morte de Gág. Juntos\, esses naturezas-mortas\, paisagens e interiores iluminam o que a artista chamou de “mundo de Wanda Gág”\, demonstrando sua fervorosa busca para capturar o sentimento e o movimento da vida como ela via. \n\n\n\nO Wanda Gág World é co-curado por Roxanne Smith\, Assistente Sênior de Curadoria\, e Scout Hutchinson\, Curadora Bolsista.
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LOCATION:Whitney Museum of American Art\, 99 Gansevoort St Manhattan\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Melissa Cody: Webbed Skies" no MoMA PS1
DESCRIPTION:Melissa Cody\, Sem título\, 2022. Cortesia da artista.\n\n\n\nA primeira grande apresentação individual da tecelã navajo de quarta geração Melissa Cody (nascida em 1983\, No Water Mesa\, Arizona) abrange a última década de sua prática\, exibindo mais de 30 tecidos e uma nova obra importante produzida para a exposição. Utilizando técnicas de tecelagem estabelecidas há muito tempo e incorporando novas tecnologias digitais\, Cody monta e reimagina padrões populares em sobreposições geométricas sofisticadas\, incorporando corantes e fibras atípicos. Suas tapeçarias continuam os métodos da tecelagem Germantown navajo\, que se desenvolveram a partir da lã e das mantas produzidas em Germantown\, Pensilvânia\, e fornecidas pelo governo dos EUA ao povo navajo durante a expulsão forçada de seus territórios na metade do século XIX. Durante esse período\, as mantas racionadas eram desfeitas e o fio era usado para criar novos têxteis\, uma prática de reivindicação que se tornou a fonte do movimento. Reconhecendo essa história e trabalhando em um tear navajo tradicional\, as obras magistrais de Cody exercitam paletas e padrões experimentais que se animam através da reinvenção\, reformulando tradições como ciclos de evolução.
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SUMMARY:Pacita Abad no MoMA PS1
DESCRIPTION:Vista da instalação de Pacita Abad: A Million Things to Say no Museu de Arte Contemporânea e Design\, Manila\, De La Salle-College of Saint Benilde\, 2018. Cortesia de Pacita Abad Art Estate e MCAD Manila. Foto: At Maculangan/Pioneer Studios.\n\n\n\nNesta primavera\, o MoMA PS1 apresenta a primeira retrospectiva da artista Pacita Abad (filipino-americana\, 1946–2004). Abrangendo os 32 anos de carreira da artista\, a exposição inclui mais de 50 obras\, a maioria das quais nunca foram exibidas ao público nos Estados Unidos antes desta exposição. Largamente autodidata\, Abad é mais conhecida por seus trapuntos\, pinturas acolchoadas feitas costurando e enchendo suas telas em vez de esticá-las sobre uma estrutura de madeira. Após se mudar para os Estados Unidos em 1970 para escapar da perseguição política do regime autoritário de Marcos\, Abad buscou dar visibilidade aos refugiados políticos e aos povos oprimidos por meio de seu trabalho. “Sempre acreditei que um artista tem uma obrigação especial de lembrar a sociedade de sua responsabilidade social”\, disse ela. Organizada pelo Walker Art Center em colaboração com o espólio de Abad\, a apresentação celebra o trabalho multifacetado de uma artista cujas preocupações visuais\, materiais e conceituais vibrantes impulsionam conversas relevantes sobre globalização\, poder e resiliência. \n\n\n\nA exposição é acompanhada pela primeira grande publicação sobre o trabalho de Abad\, produzida pelo Walker. O volume é editado com texto de Victoria Sung e inclui contribuições de Julia Bryan-Wilson\, Nancy Lim\, Ruba Katrib\, Xiaoyu Weng e Matthew Villar Miranda\, além de uma história oral abrangente de Pio Abad e Sung.
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SUMMARY:The Roof Garden Commission: Petrit Halilaj no The Met Museum
DESCRIPTION:Foto: Ian Kumamoto\n\n\n\nO artista kosovar Petrit Halilaj (nascido em 1986\, Kostërc\, antiga Iugoslávia) foi convidado a criar uma instalação específica para o Jardim do Telhado Iris e B. Gerald Cantor do Museu. Para o primeiro grande projeto do artista nos Estados Unidos\, Halilaj transformou o telhado do Met com uma extensa instalação escultural. \n\n\n\nO trabalho de Halilaj está profundamente conectado à história recente de seu país natal\, Kosovo\, e às consequências das tensões culturais e políticas na região. Após um período formativo na Itália\, onde estudou arte na Accademia di Brera em Milão\, ele se mudou para Berlim em 2008\, onde ainda vive e trabalha. Seus projetos abrangem uma variedade de mídias\, incluindo escultura\, desenho\, poesia e performance.
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SUMMARY:"Kobby Adi: Cloisters & Instruments" no Swiss Institute
DESCRIPTION:Kobby Adi\, Lesson\, 2023–24\, film still. Cortesia do artista e Cabinet\, Londres\n\n\n\nO Swiss Institute (SI) apresenta A Worm’s Eye View from a Bird’s Beak\, a primeira grande exposição individual institucional do artista Raven Chacon\, organizada em parceria com o Nordnorsk Kunstmuseum em Tromsø\, Noruega. O primeiro artista nativo americano a receber o Prêmio Pulitzer de Música em 2022\, Chacon trabalha com som\, vídeo\, partituras\, performance e escultura para abordar a soberania indígena e a justiça ambiental. A mostra reúne obras inovadoras dos últimos 25 anos com uma instalação de som e vídeo recém-encomendada\, novas iterações de obras pioneiras e um grande mural de arte pública no prédio do SI. A exposição abrange contextos geográficos diversos: Sápmi (a terra dos Sámi atravessada pelos estados-nação da Noruega\, Suécia\, Finlândia e Rússia) e Lenapehoking\, ou Nova York\, na Turtle Island. Ambos os locais compartilham histórias e presenças indígenas que o colonialismo tentou erradicar por séculos. No entanto\, também são locais onde a resiliência\, ou\, nas palavras do teórico cultural Gerald Vizenor\, a “sobrevivência” continua a prosperar. \n\n\n\nAo entrar na exposição\, a partitura American Ledger No. 1 (2018) exibe uma meditação gráfica sobre a fundação dos Estados Unidos em ordem cronológica descendente. Feita para instrumentos de sustentação e percussão\, moedas\, machado e madeira\, um apito de polícia e um fósforo\, a peça narra momentos de contato\, promulgação de leis coloniais\, eventos de violência\, construção de cidades\, apropriação de terras e tentativas de eliminar visões de mundo indígenas. No centro da galeria do primeiro andar do SI está a instalação sonora de Chacon\, Still Life No. 3 (2015). Através de uma série de alto-falantes instalados em um arco em cascata\, uma mulher conta a história de origens dos Navajos\, que compreende quatro mundos abaixo e vários outros acima. Mas\, em vez de conceber os mundos abaixo como o passado e os mundos acima como o futuro\, da maneira linear que narrativas ocidentais podem sugerir\, na cosmogonia Navajo\, esses múltiplos mundos ainda\, ou já\, existem. Partes do mito de criação se repetem e se sobrepõem\, borrando sua progressão e permitindo que múltiplas temporalidades coexistam e se influenciem mutuamente. Mais adiante na galeria\, Report (2001/2015)\, uma composição e partitura para um conjunto de armas de fogo\, pontua o silêncio com uma cacofonia de poder e resistência. \n\n\n\nNo segundo andar\, a nova instalação de vídeo de Chacon\, For Four (Caldera) (2024)\, apresenta quatro mulheres em pé em um vazio vulcânico nas Montanhas Jemez\, no Novo México\, lendo o panorama de seu ambiente natural e expressando o que veem através da música. Para uma nova iteração de Still Life No. 4\, Chacon tocou um tambor Diné da coleção do Museu Nacional do Índio Americano do Smithsonian que não havia sido tocado por muito tempo e gravou a batida\, reproduzindo-a em estações de escuta no SI e em outros lugares em diferentes tempos\, variando de rápido a lento quanto mais distante cada estação estiver do tambor. Field Recordings (1999) do sudoeste americano amplificam os sons do silêncio para produzir ruídos que revelam os padrões vibracionais desses locais. Além disso\, por todo o prédio\, os espectadores são convidados a pegar e realizar impressões de partituras. Pintada como um mural em grande escala na fachada externa do SI\, de frente para a St. Marks Pl\, a nova partitura para Vertical Neighbors (2024) será ativada durante a exposição com uma performance\, juntamente com uma programação pública abrangente ao longo da duração da mostra.
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SUMMARY:"Tara Donovan: Stratagems" na Pace Gallery
DESCRIPTION:Tara Donovan\, Stratagem XIV (detalhe)\, 2024. Cortesia Pace Gallery\n\n\n\nA Pace tem o prazer de apresentar uma exposição de novos trabalhos de Tara Donovan em sua galeria localizada na 540 West 25th Street\, em Nova York. Em exibição de 3 de maio a 16 de agosto\, a mostra\, intitulada “Stratagems”\, destacará um grupo de esculturas feitas inteiramente de discos de CD-ROM encontrados\, recuperados e reciclados. Coincidindo com a Frieze New York\, a apresentação da artista na galeria será complementada por uma performance do Pace Live da coreógrafa Kim Brandt. \n\n\n\nConhecida por seu trabalho baseado em processos e sistemas em escultura\, instalação\, desenho e gravura\, Donovan frequentemente explora as qualidades talismânicas de materiais e objetos do cotidiano\, desde botões\, copos de isopor\, lápis e alfinetes até telas prontas e brinquedos Slinky. Baseando-se na linguagem formal do Minimalismo e Pós-Minimalismo\, as obras de Donovan utilizam e reutilizam esses materiais não tradicionais\, transformando-os em composições visualmente deslumbrantes sem obliterar suas essências ou histórias fundamentais como objetos do dia a dia. Através de atos de acumulação\, agregação e iteração\, ela transmuta seus materiais em obras de arte em constante transformação\, que exploram as possibilidades — e limites — da percepção humana.
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SUMMARY:"Huong Dodinh: TRANSCENDENCE" na Pace Gallery
DESCRIPTION:Huong Dodinh\, Sans titre (detalhe)\, 1990. Cortesia Pace Gallery\n\n\n\nA Pace tem o prazer de apresentar uma exposição de obras novas e históricas de Huong Dodinh em sua galeria localizada na 540 West 25th Street\, em Nova York\, de 3 de maio a 16 de agosto. Intitulada “TRANSCENDENCE”\, a mostra\, que marca a primeira apresentação solo da artista nos Estados Unidos\, reunirá pinturas e trabalhos em papel criados ao longo de sua carreira\, desde a década de 1960 até os dias atuais. Coincidindo com a edição de 2024 da Frieze New York\, “TRANSCENDENCE” será acompanhada por um novo catálogo da Pace Publishing\, que será lançado durante a exposição. \n\n\n\nDodinh nasceu em Soc Trang\, Vietnã\, em 1945. Forçada a fugir do país\, sua família buscou refúgio em Paris em 1953\, após o início da Primeira Guerra da Indochina. Dodinh vive e trabalha na capital francesa desde então\, cultivando uma vida solitária a serviço de suas buscas artísticas. Isolando-se das tendências do mercado de arte\, ela mantém um compromisso com a autenticidade\, pureza\, contemplação e verdade em seu trabalho desde que começou a pintar na década de 1960. \n\n\n\nAo longo das últimas seis décadas\, Dodinh dedicou sua prática a três princípios centrais — luz\, densidade e transparência — através dos quais ela explora a fluidez da linha\, forma e espaço negativo. Ao adotar um estilo de vida privado e intensamente regimentado\, a artista desenvolveu uma maneira distinta de fazer arte que desfoca as fronteiras entre arte e cotidiano. Trabalhando sozinha e sem assistentes em seu ateliê em Paris\, Dodinh assume a responsabilidade pessoal por cada etapa de seu processo\, desde a obtenção de pós minerais para seus pigmentos na Provença até a montagem de suas telas e a aplicação de sua pintura. Criando seus próprios pigmentos e aglutinantes orgânicos à mão\, Dodinh aplica camadas finas de tinta várias vezes para formar superfícies transparentes\, porém densas. Através do uso de materiais naturais\, ela produz efeitos visuais vibrantes por meio de absorções e reflexões de luz em suas elegantes composições minimalistas.
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SUMMARY:"Paul McCartney Photographs 1963–64: Eyes of the Storm" no Brooklyn Museum
DESCRIPTION:Paul McCartney\, Autorretrato\, Londres\, 1963 © Paul McCartney sob licença exclusiva para MPL Archive LLP.\n\n\n\nÀ medida que os Beatles conquistavam os corações de milhões\, o membro fundador Paul McCartney capturava tudo em sua câmera Pentax. Viajando do Reino Unido para Nova York – assim como “os garotos” fizeram seis décadas atrás – “Eyes of the Storm” nos leva para dentro da frenesi da Beatlemania em 1963-64\, quando a primeira turnê dos EUA da banda os lançou ao estrelato. Mais de 250 fotos de McCartney\, recentemente redescobertas em seus arquivos\, revelam seu ponto de vista singular no centro desse turbilhão de atenção e adoração. Muitas das impressões vibram com a eletricidade de Nova York dos anos 1960\, que teve um caso de amor com os Beatles desde então. \n\n\n\nExibidas ao lado de videoclipes e material de arquivo\, as fotografias não apenas mostram a versatilidade artística de McCartney\, mas também servem como um registro pessoal e histórico. Elas transmitem a intensidade da agenda de turnês dos Beatles\, enquanto os Fab Four eram arrastados de concertos para hotéis e para a estrada com fãs fanáticos e paparazzi em seus calcanhares. As imagens também evocam um álbum de família carinhoso\, retratando McCartney e os companheiros de banda John Lennon\, George Harrison e Ringo Starr em um momento em que suas vidas estavam mudando irrevogavelmente. Veja através dos “olhos da tempestade”\, como McCartney descreve sua perspectiva única sobre este período extraordinário\, e reviva a ascensão meteórica de uma lenda musical. \n\n\n\nEsta exposição está incluída na entrada geral.
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LOCATION:Brooklyn Museum\, 200 Eastern Pkwy Brooklyn\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Sleeping Beauties: Reawakening Fashion" no The Met Museum
DESCRIPTION:Imagem © designboom\n\n\n\nA exposição de primavera de 2024 do Instituto de Figurinos\, “Sleeping Beauties: Reawakening Fashion”\, reativa as capacidades sensoriais das obras-primas da coleção do Museu por meio de pesquisa direta\, análise de conservação e diversas tecnologias — desde ferramentas de ponta de inteligência artificial e imagens geradas por computador até formatos tradicionais de raios-x\, animação em vídeo\, projeção de luz e paisagens sonoras. \n\n\n\nQuando uma peça de roupa entra na coleção do Instituto de Figurinos\, seu status é alterado para sempre. O que antes era uma parte vital da vida de uma pessoa agora se torna uma ‘obra de arte’ imóvel que não pode mais ser vestida\, ouvida\, tocada ou cheirada. Esta exposição reanima esses objetos\, ajudando-nos a experienciá-los como foram originalmente concebidos — com vivacidade\, dinamismo e vida. \n\n\n\nA exposição apresenta aproximadamente 220 roupas e acessórios que abrangem quatro séculos\, todos visualmente conectados por meio de temas da natureza\, que também serve como uma metáfora para a transitoriedade da moda. Os visitantes serão convidados a cheirar as histórias aromáticas de chapéus com motivos florais; tocar as paredes das galerias que serão em relevo com os bordados de vestimentas selecionadas; e experimentar — através da técnica de ilusão conhecida como fantasma de Pepper — como a “saia hobble” restringia a passada das mulheres no início do século XX. Pontuando as galerias haverá uma série de “beldades adormecidas” — roupas que não podem mais ser vestidas em manequins devido à sua extrema fragilidade.
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SUMMARY:"teamLab: The World of Irreversible Change" na Pace Gallery
DESCRIPTION:teamLab\, vista da instalação. Imagem/Divulgação Pace Gallery\n\n\n\nA Pace tem o prazer de apresentar uma exposição do teamLab em sua galeria localizada na 510 West 25th Street\, em Nova York. Em exibição de 10 de maio a 16 de agosto\, a mostra destacará uma única obra de arte digital interativa — intitulada “The World of Irreversible Change” — projetada em uma parede na galeria. Esta apresentação marca a primeira exposição solo do teamLab em Nova York em dez anos. \n\n\n\nFundado por Toshiyuki Inoko em Tóquio em 2001\, o teamLab é um coletivo internacional de artistas\, programadores\, engenheiros\, animadores de CG\, matemáticos e arquitetos. Conhecido por seu trabalho multissensorial e imersivo\, o teamLab explora as relações entre os seres humanos e o mundo\, incentivando novos modos de percepção através de suas instalações pioneiras e tecnologicamente avançadas. Nos últimos anos\, o teamLab apresentou exposições solo no Museu de Arte Asiática em San Francisco\, no Amos Rex em Helsinque\, no TANK Shanghai e em muitas outras instituições e locais ao redor do mundo. \n\n\n\nNa próxima exposição na Pace em Nova York\, “The World of Irreversible Change” será projetada em uma grande parede independente\, pintada de preto\, em um espaço escurecido da galeria. Apresentada pela primeira vez pelo coletivo na primavera de 2022 no Museu de Arte de Aomori\, no Japão\, esta obra baseada em tela\, criada pelo teamLab ao longo de cinco anos\, nunca antes foi exibida como projeção. Conceitualmente\, “The World of Irreversible Change” centra-se na vida cotidiana em uma cidade anônima durante uma época não especificada. Figuras animadas se movem pela cena panorâmica da vila\, que mudará conforme a hora do dia e o clima em Nova York. Cenários e histórias se desenrolarão a cada dia\, e as vidas das pessoas na cidade continuarão eternamente\, a menos que os visitantes da galeria interajam com a obra\, causando uma interrupção permanente.
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LOCATION:Pace Gallery\, 508 West 25th Street\, Nova York\, Nova York
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SUMMARY:"Monuments of Solidarity" de LaToya Ruby Frazier no MoMA
DESCRIPTION:LaToya Ruby Frazier\, Momme da série “The Notion of Family\,” 2008. © 2023 LaToya Ruby Frazier. Cortesia da artista e da Gladstone Gallery.\n\n\n\n“Por esse motivo\, é incumbência minha resistir — uma fotografia de cada vez\, um ensaio fotográfico de cada vez\, um corpo de trabalho de cada vez\, um livro de cada vez\, um monumento dos trabalhadores de cada vez — à apagamento histórico e amnésia histórica”\, diz a artista-ativista LaToya Ruby Frazier. Nascida em 1982 na cidade de Braddock\, Pensilvânia\, conhecida pela indústria siderúrgica\, Frazier utilizou a fotografia\, texto\, imagens em movimento e performance para reviver e preservar histórias esquecidas sobre trabalho\, gênero e raça na era pós-industrial. LaToya Ruby Frazier: Monumentos de Solidariedade revisita toda a extensão da prática da artista\, destacando seu papel como defensora social e conectora das classes culturais e trabalhadoras no século XXI. \n\n\n\nPara esta exposição\, Frazier reimaginou seus diversos corpos de trabalho como uma sequência de instalações originais que ela chama de “monumentos para os pensamentos dos trabalhadores”\, os quais abordam os efeitos nocivos da industrialização e desindustrialização\, as desigualdades na saúde enfrentadas pelas comunidades negras trabalhadoras no Cinturão do Ferrugem\, a contínua crise de água em Flint\, Michigan\, e o impacto do fechamento de uma fábrica da General Motors em Lordstown\, Ohio. Monuments of Solidarity celebra as expressões de criatividade\, apoio mútuo e colaboração intergeracional que persistem diante dessas negações de direitos trabalhistas\, humanos e civis fundamentais. Como uma forma de construção de mundo feminista negra\, esses “monumentos” não tradicionais exigem o reconhecimento do papel crucial que as mulheres e pessoas não brancas desempenharam e continuam a desempenhar nas histórias do trabalho e da classe trabalhadora. \n\n\n\nOrganizada por Roxana Marcoci\, Curadora Sênior David Dechman e Curadora-Chefe Interina\, com Caitlin Ryan\, Curadora Assistente\, e Antoinette D. Roberts\, ex-Assistente Curatorial\, Departamento de Fotografia.
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SUMMARY:"Lineages: Korean Art at The Met" no The Met Museum
DESCRIPTION:Yi Jeong\, Bamboo in the Wind (detalhe)\, início do século XVII\, Coreia\, dinastia Joseon (1392–1910). The Metropolitan Museum of Art\, Nova York\, Coleção Mary Griggs Burke\, Doação da Fundação Mary and Jackson Burke\, 2015\n\n\n\nEm comemoração ao vigésimo quinto aniversário da galeria Artes da Coreia do Met\, “Lineages: Korean Art at The Met” exibe destaques da coleção do Museu emparelhados com importantes empréstimos internacionais de arte moderna e contemporânea coreana. Esta justaposição de obras de arte históricas e contemporâneas — desde celadons dos séculos XII e XIII até esculturas futurísticas de ciborgues feitas nos anos 2000 — exibe a história da arte coreana em grandes traços através de quatro temas interligados: linhas\, pessoas\, lugares e coisas. Apresentando trinta objetos\, esta exposição promove um diálogo de ideias que ressoaram ao longo do tempo e uniram artistas.
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SUMMARY:"Jenny Holzer: Light Line" no Guggenheim
DESCRIPTION:Vista da instalação “Jenny Holzer: Light Line” no Guggenheim\n\n\n\nEsta exposição apresenta uma reimaginação da emblemática instalação de Jenny Holzer de 1989 no Guggenheim. Subindo todas as seis rampas da rotonda projetada por Frank Lloyd Wright até o ápice do edifício\, a instalação específica do local transforma o edifício com uma exibição de textos rolantes\, apresentando seleções de suas séries icônicas\, como “Truisms” e “Inflammatory Essays”. \n\n\n\nLight Line destaca o uso incisivo da palavra escrita ao longo do tempo e em diferentes mídias na prática de Holzer. Além do letreiro de LED\, a exposição apresenta uma seleção de obras de Holzer desde os anos 1970 até os dias atuais\, incluindo pinturas\, obras em papel e peças de pedra. De 16 a 20 de maio\, a projeção de luz da artista Para o Guggenheim iluminou a fachada do prédio com uma seleção de poemas e relatos de testemunhas oculares que falam da necessidade de paz. \n\n\n\nJenny Holzer: Light Line é organizada por Lauren Hinkson\, Curadora Associada para Coleções. A pesquisa de conservação e tratamento da Instalação de Jenny Holzer para o Museu Solomon R. Guggenheim é liderada por Lena Stringari\, Diretora Adjunta e Chefe Conservadora Andrew W. Mellon\, e Agathe Jarczyk\, Conservadora Associada de Mídia Temporal.
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SUMMARY:"Isaac Julien: Lessons of the Hour" no MoMA
DESCRIPTION:Vista da instalação de Isaac Julien: Lessons of the Hour\, em exibição no Museu de Arte Moderna de Nova York de 19 de maio a 28 de setembro de 2024. Foto: Emile Askey.\n\n\n\nEm “Lessons of the Hour” (2019)\, Sir Isaac Julien apresenta um retrato imersivo do abolicionista Frederick Douglass\, que obteve a liberdade da escravidão em 1838 e se tornou um dos mais importantes oradores\, escritores e estadistas do século XIX. Ao longo das 10 telas desta instalação de vídeo\, uma narrativa não linear mistura a vida e a obra de Douglass com trechos de vários de seus discursos\, obras literárias e correspondências pessoais. O americano mais fotografado de sua época\, Douglass entendia que o retrato poderia desafiar estereótipos racistas e promover a liberdade e os direitos civis dos negros americanos e de pessoas subjugadas ao redor do mundo. \n\n\n\nPela primeira vez\, objetos históricos diretamente relacionados a “Lessons of the Hour” serão exibidos junto à obra. Eles incluem retratos de Douglass em impressões de prata de albumina\, panfletos de seus discursos\, primeiras edições de suas memórias\, uma reprodução de um raro manuscrito que expõe suas ideias sobre a fotografia e um papel de parede especialmente projetado\, composto por recortes de jornais da época\, cartazes\, ilustrações de revistas e páginas de álbuns de recortes. Esses objetos revelam como a imagem e as palavras de Douglass circulavam no mundo transatlântico do século XIX e também comprovam a percepção de Julien em “Lessons of the Hour”: que as ideias de Douglass sobre cidadania\, democracia e dignidade humana permanecem atemporais.
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SUMMARY:"Projects: Tadáskía" no MoMA
DESCRIPTION:Tadáskía. ave preta mística mystical black bird (detalhe)\, 2022. The Museum of Modern Art\, Nova York. Fundo para o Século XXI. © 2024 Tadáskía\n\n\n\n“Estou interessada na passagem de uma coisa para outra”\, disse a artista brasileira Tadáskía. A mudança está no centro de seu trabalho multidisciplinar. Através de desenhos\, esculturas e outros meios\, ela destaca a improvisação\, transmitindo uma sensação de fluidez por meio de suas marcas dinâmicas\, imagens sutis e paleta caleidoscópica. \n\n\n\nProjects: Tadáskía apresenta o livro expansivo e sem encadernação da artista\, ave preta mística mystical black bird (2022)\, que coloca desenhos livres em diálogo com seu próprio texto poético e bilíngue. De uma folha para a outra\, seguimos o protagonista alado da narrativa em um voo “rumo a uma jornada de liberdade”\, informado pela experiência vivida da artista como uma mulher trans negra. \n\n\n\nPara esta exposição\, a primeira apresentação solo da artista nos Estados Unidos\, ela produziu um desenho monumental na parede e um conjunto de esculturas em resposta ao espaço da galeria. Enquanto suas marcas vigorosas nos encorajam a seguir suas linhas sinuosas e mutáveis\, os materiais orgânicos usados em suas esculturas evocam os ciclos de vida efêmeros da natureza. Junto ao papel central da mudança\, como Tadáskía afirma\, “o personagem principal no trabalho é o tempo”.
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LOCATION:MoMA\, 11 W 53rd St Manhattan\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Vivian Maier: Unseen Work" no Fotografiska Museum
DESCRIPTION:Vivian Maier\, Self-Portrait\, New York\, NY\, 1953\n\n\n\n“Vivian Maier: Unseen Work” explora a obra completa de Maier\, desde o início dos anos 1950 até meados dos anos 1980\, através de aproximadamente 200 trabalhos: impressões vintage e modernas\, fotografias em cores e preto e branco\, filmes Super 8 e trilhas sonoras\, oferecendo uma visão completa da densa\, rica e complexa arquitetura deste arquivo que fornece um testemunho fascinante da América pós-guerra e o inferno do sonho americano. \n\n\n\nA exposição é organizada pela diChroma Photography e Fotografiska New York em colaboração com a John Maloof Collection\, Chicago\, e a Howard Greenberg Gallery\, Nova York. Apresentada pela primeira vez no Musée du Luxembourg\, Paris\, de 15 de setembro de 2021 a 16 de janeiro de 2022\, a exposição foi co-organizada pela diChroma Photography e a Réunion des Musées Nationaux Grand Palais. \n\n\n\nA exposição é apoiada pelo Women In Motion\, fundado pelo Grupo Kering em 2015 para destacar as desigualdades no campo da cultura e das artes e para mudar percepções. Desde então\, o programa se tornou uma plataforma de escolha para ajudar a mudar mentalidades e liderar conversas sobre o status das mulheres nas artes e na cultura.
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SUMMARY:"Javier Téllez: Amerika" no Center for Art\, Research and Alliances
DESCRIPTION:Javier Téllez\, AMERIKA. Captura de produção: Pablo Monsalve.\n\n\n\nA exposição de verão de 2024 da CARA\, “Javier Téllez: Amerika”\, é a primeira exposição individual institucional de Javier Téllez (nascido em 1969\, na Venezuela; vive e trabalha em Nova York) na cidade de Nova York em quase duas décadas. A exposição apresenta uma instalação de filme comissionada recentemente\, juntamente com uma série de obras relacionadas ao filme\, além de uma seleção de um atlas de imagens fotográficas nunca antes exibido\, recortadas e coletadas pelo artista de revistas ilustradas e livros ao longo dos últimos vinte anos. \n\n\n\nA prática de Téllez é centrada na imagem em movimento como meio\, e inclui uma extensa pesquisa sobre a criação de imagens e a narrativa desde os primeiros dias do cinema até o presente. Seu trabalho frequentemente revisita filmes clássicos\, textos literários e filosóficos\, e mitos para desconstruir arquétipos familiares de desvio\, marginalidade e ingovernabilidade. Téllez rejeita a produção de alteridade pela sociedade ocidental e explora como todos os indivíduos são atores sociais e políticos. Através do engajamento próximo com grupos compostos por pacientes psiquiátricos\, pessoas com deficiência ou refugiados\, Téllez critica as estruturas institucionais e promove espaços onde os sujeitos intervêm na própria representação. Seu trabalho questiona: Quem é considerado na sociedade civil? Quais são os limites entre o normal e o patológico? E a quem essas construções presumem proteger? \n\n\n\nEsta exposição individual gira em torno da instalação de filme AMERIKA\, comissionada pela CARA. Baseando-se em histórias do cinema e vaudeville\, AMERIKA mobiliza reencenação\, ficção e metáfora para responder ao êxodo contínuo de milhões de venezuelanos de sua pátria\, motivado pelas políticas repressivas do estado\, violência contínua e colapso socioeconômico. Desde 2014\, estima-se que mais de sete milhões de venezuelanos tenham deixado sua terra natal\, com pelo menos 60.000 chegando à cidade de Nova York\, e mais de 460.000 espalhados pelos Estados Unidos desde 2022 – um testemunho do deslocamento forçado dessas comunidades como resultado de má gestão econômica e políticas populistas\, acompanhadas de corrupção desenfreada\, escassez de alimentos e altos níveis de criminalidade\, tudo agravado por um governo ditatorial. \n\n\n\nTéllez produziu AMERIKA em colaboração com Andrea Arias\, José Díaz\, Luisandra Escalona\, Leonardo Mesa\, Nazareth Merentes\, Jesús Ramírez\, Omar Ríos\, Mariana Vargas – um grupo de refugiados venezuelanos atualmente vivendo em Nova York. Téllez\, ele próprio um imigrante da Venezuela que vive em Nova York desde 1993\, trabalhou com esses atores não-profissionais para produzir um curta-metragem inspirado na obra de Charlie Chaplin – o icônico ator e cineasta que desafiou a autoridade e o controle social em seu trabalho\, defendendo a justiça social e os direitos humanos. Conhecido por sua comédia pastelão e comentário social\, Chaplin ofereceu uma crítica social e política humorística que continua a ressoar com o público ao redor do mundo. Téllez e seus colaboradores basearam-se nos filmes de Chaplin “The Immigrant” (1917)\, “Gold Rush” (1925)\, “Modern Times” (1936) e “The Great Dictator” (1940)\, reencenando cenas desses filmes para questionar o poder\, a hegemonia e a intolerância em relação ao outro através de um roteiro desenvolvido coletivamente que usa a narrativa para destacar as preocupações e experiências compartilhadas das comunidades migrantes. AMERIKA retrata e condena o abuso de poder em regimes totalitários\, e mostra tanto a gravidade da perda quanto a necessidade de esperança que vem com a fuga de um paraíso falho em busca de outro. \n\n\n\nEntrelaçando histórias do cinema\, comentário social e poética\, a exposição apresenta a instalação de filme AMERIKA ao lado de cartazes de protesto\, semelhantes aos que podem ser vistos no próprio filme. Esta obra é dedicada à liberdade e ao direito de dissentir sem medo de repressão\, ecoando lutas políticas retratadas nos filmes de Chaplin do início do século XX até os dias atuais. Além disso\, a CARA apresentará pela primeira vez um arquivo de imagens fotográficas recortadas e coletadas pelo artista de revistas ilustradas e livros que exploram representações arquetípicas de sujeitos como máscaras\, espelhos\, telas de cinema\, taxidermia\, trabalhos em cera\, cidades em miniatura\, mapas\, casas de bonecas\, Bunraku e caveiras. A prática rigorosa de coleta de Téllez gera uma biblioteca de referências que registra como certas metáforas visuais\, tropos e referências ressurgem na produção de cinema e na narrativa.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/javier-tellez-amerika-no-center-for-art-research-ans-alliances/
CATEGORIES:Nova York
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SUMMARY:"Collecting Inspiration: Edward C. Moore at Tiffany & Co." no The Met Museum
DESCRIPTION:Fragmento de prato carenado de mosaico de vidro Romano\, final do século I a.C. – início do século I d.C. Imagem/Divulgação\n\n\n\nEdward C. Moore (1827–1891) — a força criativa que levou a Tiffany & Co. a uma originalidade e sucesso incomparáveis durante a segunda metade do século XIX — reuniu uma vasta coleção de artes decorativas de qualidade excepcional e em diversos meios\, desde vidro grego e romano e cestos japoneses até trabalhos em metal do mundo islâmico. Esses objetos foram uma fonte de inspiração para Moore\, um prateiro renomado por direito próprio\, e para os designers que ele supervisionava. A exposição “Collecting Inspiration: Edward C. Moore at Tiffany & Co.” apresentará mais de 180 exemplos extraordinários da coleção pessoal de Moore\, que foi doada ao Museu\, ao lado de 70 magníficos objetos de prata projetados e criados na Tiffany & Co. sob sua direção. Retirados principalmente do acervo do Met\, a exibição também incluirá exemplos raramente vistos de uma dúzia de credores privados e públicos. Figura definidora na história da prataria americana\, Moore desempenhou um papel fundamental na formação da estética de design lendária da Tiffany e na evolução da coleção do Met.
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LOCATION:The Metropolitan Museum of Art\, 1000 5th Ave\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Co(r)respondências: Afinidades construtivas/Pintura como superfície" na Nara Roesler
DESCRIPTION:Bruno Dunley\, All night\, 2024\n\n\n\nA Nara Roesler New York tem o prazer de apresentar Co(r)respondências: Afinidades construtivas/Pintura como superfície\, segunda edição do projeto Co(r)respondences. Com curadoria de Luis Pérez-Oramas\, a iniciativa curatorial busca reunir conjuntos de artistas de diferentes gerações cujas poéticas estabelecem diálogos entre si. \n\n\n\nEsta edição conta com treze artistas\, sendo oito deles representados pela Nara Roesler e os demais nomes internacionais convidados. Embora diferentes entre si\, os trabalhos dialogam com o eixo curatorial da exposição\, que consiste na compreensão da pintura enquanto um tratamento especial de uma superfície e os tipos de construtivismos que advém disso.  \n\n\n\nDe forma a tornar visíveis os diálogos estabelecidos entre os trabalhos\, a exposição estará dividida em núcleos: Montagem Construtiva e sua relação com o Espaço – que inclui os trabalhos de Lydia Okumura\, Bruno Munari\, Elaine Reichek e Lucia Koch –\, Composições Seriadas de Formas Elementares – com Bruno Munari\, Tomie Ohtake e Abraham Palatnik –\, Superfícies Mutáveis enquanto Agentes de Deslocamento Temporal e Espacial – com trabalhos de Carlos Bunga e Eugenio Dittborn –\, Repetição entre Ordem e Caos – com Antonio Dias\, Chris Martin e Bruno Dunley – e Superfícies Gestuais – com obras de Karin Lambrecht\, Mira Schendel e Cristina Canale.  \n\n\n\nDe acordo com o curador Luis Pérez-Oramas\, o critério de escolha para a realização dessas correspondências não se dá na História da Arte\, mas sim na Antropologia: “somente a Antropologia entende a arte como uma política de multiplicidades\, contra o fantasma da unificação e da síntese\, contra um elemento dominante que subjuga todos ao seu entorno. Por meio de uma colisão de contextos\, a Antropologia sugere que a arte pode ser universal apenas na condição que sua universalidade venha a consistir em sua incessante variação”.
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LOCATION:Nara Roesler Nova York\, 511 W 21st St Manhattan\, Nova York\, Nova York
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SUMMARY:"Other of Pearl" de Jenny Kendler na Governors Island National Monument
DESCRIPTION:Jenny Kendler e Andrew Bearnot\, Whale Bells\, 2023. Foto: Julienne Schaer. Cortesia de Governors Island Arts\n\n\n\n\n\nEm Other of Pearl\, Jenny Kendler (n. 1980\, Nova York\, NY) narra as histórias de extração que formam a origem da crise climática e ambiental\, enquanto considera a ostra e a baleia como figuras centrais em um emaranhado ecológico entre seres humanos e não humanos\, corpos d’água e fluxos de capital. \nFocando em nossas relações com esses dois seres tão distintos\, Kendler revela como os sistemas capitalistas muitas vezes se fundamentam sobre os corpos de outros. A artista confronta questões ambientais contemporâneas — mudanças climáticas\, poluição sonora dos oceanos\, poluição química\, perda de biodiversidade e aumento do nível do mar —\, ao mesmo tempo que aponta para as estruturas culturais que permitiram essas catástrofes. \nOther of Pearl\, primeira exposição individual de Kendler em Nova York\, transforma o espaço de Fort Jay em um local de exploração cuidadosa. Nela\, encontram-se sete obras íntimas e delicadas\, incluindo um instrumento de vidro soprado à mão que permite cantar na voz de uma baleia e esculturas de pérolas cultivadas dentro de ostras. Ao final da exposição\, as esculturas de pérolas serão leiloadas para arrecadar fundos com o intuito de criar um novo recife de ostras\, redistribuindo recursos em um gesto de restauração ecológica\, em parceria com o Billion Oyster Project. \nAo propor uma relação mais íntima e corpórea com o mundo natural\, Other of Pearl sugere uma nova forma de imaginar quem importa e para quem estamos construindo o futuro\, convidando-nos a imaginar uma prática restaurada de reciprocidade entre humanos e não humanos.
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LOCATION:New-York Historical Society\, 170 Central Park W\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Bruce Gilden: Why These?" no Fotografiska Museum
DESCRIPTION:Coney Island\, Nova York\, EUA. 1982 © Bruce Gilden / Magnum Photos\n\n\n\nBruce Gilden: Why These? examina a obra de Gilden de fotografia de rua crua e realista através de trabalhos escolhidos a dedo pelo próprio artista. Uma combinação de retratos coloridos em grande escala\, bem como fotos em preto e branco tiradas em todo o mundo\, oferecerá aos espectadores um vislumbre íntimo dos mundos sem enfeites da vida nas ruas que Gilden vem documentando há décadas. \n\n\n\n“As fotos frequentemente inquietantes de Bruce Gilden mergulham fundo nas psiques das pessoas comuns. Ao revelar o que está logo abaixo da superfície\, ele captura o medo que subjaza muitos dos nossos pensamentos sobre nós mesmos e aqueles ao nosso redor.”Jessica Jarl\, Diretora Global de Exposições da Fotografiska
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LOCATION:Fotografiska Museum\, 281 Park Ave S Manhattan\, Manhattan\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Diamond Stingily: Orgasms Happened Here" na 52 Walker
DESCRIPTION:Diamond Stingily\, “Orgasms Happened Here” (Vista da Instalação)\, 2024. Cortesia da artista e da 52 Walker.\n\n\n\n52 Walker tem o prazer de anunciar sua décima segunda exposição\, “Orgasms Happened Here”\, que apresenta novos trabalhos da artista Diamond Stingily\, de Nova York (nascida em 1990). A prática multidisciplinar de Stingily atravessa variadas narrativas fictícias\, biográficas e autobiográficas para recriar a ordem simbólica que governa objetos do cotidiano. Ao longo da 52 Walker\, ela instalou uma série de intervenções arquitetônicas específicas do local que evocam as cores\, escala e ambiente de residências suburbanas americanas e locais de culto. Esses espaços intersticiais\, bem como a própria galeria\, servem como portais para as memórias caprichosas e sombrias que muitas vezes são suprimidas em nome do decoro adulto\, revelando vislumbres do desejo libidinal secretamente guardado na imaginação coletiva da artista e na nossa. \n\n\n\nO título da exposição é tirado das memórias de infância da artista: quando a família de Stingily se mudou pela primeira vez para a casa onde ela passou a adolescência\, seu irmão descobriu um bilhete adesivo afixado acima da porta de um armário em seu quarto que dizia “orgasms happened here” (orgasmos aconteceram aqui). Em sua apresentação na 52 Walker\, Stingily foca no armário e em outros limiares — portas trancadas\, janelas de vitrais e esculturas de portões prontos — que simbolizam privacidade\, transição\, curiosidade e transgressão. \n\n\n\n“Diamond Stingily: Orgasms Happened Here” é curada por Ebony L. Haynes e apresentada por 52 Walker.
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