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SUMMARY:Instalação David Hammons no Whitney Museum of American Art
DESCRIPTION:O Whitney\, em colaboração com o Hudson River Park \, desenvolveu um projeto de arte pública permanente de David Hammons (n. 1943). Intitulada Day’s End (2014–21)\, esta instalação monumental está localizada no Hudson River Park ao longo da margem sul da Península de Gansevoort\, em frente ao Museu. \n\n\n\nProposto ao Whitney por Hammons\, Day’s End se inspira em uma obra de arte de mesmo nome de Gordon Matta-Clark (1943-1978). Em 1975\, Matta-Clark cortou cinco aberturas no galpão Pier 52 que anteriormente ocupava o local. O Hammons’s Day’s End é uma estrutura aberta que segue precisamente os contornos\, dimensões e localização do galpão original – e\, como a intervenção de Matta-Clark\, oferecerá um lugar extraordinário para experimentar a orla. \n\n\n\nEm conjunto com a realização do projeto\, o Whitney apresentou Around Day’s End: Downtown New York\, 1970–1986 \, uma exposição que apresentou obras da coleção relacionadas ao projeto seminal de Matta-Clark. O Whitney também criou materiais interpretativos\, incluindo a primeira série de podcasts do Museu\, Artists Among Us \, bem como vídeos e passeios a pé pelo bairro. Essa mídia de apoio toma os Day’s End s\, conforme previsto por Hammons e Matta-Clark\, como pontos de partida para explorar a história local – da orla e do Meatpacking District\, o papel dos artistas no bairro\, sua história LGBTQ e a ecologia do estuário. Novas pesquisas\, materiais de arquivo e entrevistas de história oral serão incorporadas.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/instalacao-david-hammons-no-whitney-museum-of-american-art/
LOCATION:Whitney Museum of American Art\, 99 Gansevoort St Manhattan\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"At the Dawn of a New Age" no Whitney Museum of American Art
DESCRIPTION:Os artistas americanos saudaram o século XX com uma confiança juvenil no progresso e na inovação. Animados pelas mudanças tecnológicas que estavam revolucionando as comunicações e a engenharia\, bem como as mudanças culturais\, como o sufrágio feminino\, os artistas abraçaram o novo em detrimento do tradicional e fixo. Não mais contentes em replicar a realidade\, eles se voltaram para os estilos de vanguarda como forma de comunicar sua empolgação com uma época que o crítico Walter Lippmann caracterizou como “explosiva com novas ideias\, novos planos e novas esperanças”. \n\n\n\nAlguns dos artistas apresentados nesta exposição\, como Georgia O’Keeffe e Marsden Hartley \, são bem conhecidos hoje\, mas muitos modernistas igualmente inovadores foram amplamente esquecidos. Com mais de sessenta obras de quarenta e cinco artistas extraídas principalmente da coleção permanente do Whitney\, At the Dawn of a New Age oferece uma compreensão expandida da complexidade da arte americana produzida entre 1900 e 1930 e recupera a exuberante sensação de liberdade e experimentação subjacente isto. \n\n\n\nEsta exposição é organizada por Barbara Haskell\, curadora.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/at-the-dawn-of-a-new-age-no-whitney-museum-of-american-art/
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SUMMARY:"Amalia Mesa-Bains: Archaeology of Memory" no El Museo del Barrio
DESCRIPTION:Vista da instalação de Amalia Mesa-Bains\, “The Virgin’s Garden\, 1994/2022” em “Venus Envy Chapter II: The Harem and Other Enclosures”. Cortesia da artista e da Rena Bransten Gallery\, São Francisco. Fotografia de Matthew Sherman/Cortesia do Museo del Barrio.\n\n\n\nO Museo del Barrio apresenta “Amalia Mesa-Bains: Archaeology of Memory”\, a primeira exposição retrospectiva da artista\, curadora e teórica pioneira. Nascida em 1943 em uma família de imigrantes mexicanos\, Mesa-Bains tem sido uma figura de destaque na arte Chicanx por quase meio século. Sua prática explora temas feministas interseccionais\, espiritualidade centrada no meio ambiente e diversidade cultural para combater as exclusões racistas e de gênero da repressão colonial. A exposição apresenta mais de 40 obras\, incluindo as grandes “instalações-altar” da artista\, bem como gravuras\, livros de artista e códices. Ancorada pela série de vários capítulos “Venus Envy”\, “Archaeology of Memory” é uma rara oportunidade de ver três décadas de obras que desafiam gêneros de Mesa-Bains\, muitas das quais estão sendo exibidas juntas pela primeira vez. \n\n\n\nO Museo del Barrio é o único local na Costa Leste a receber a retrospectiva itinerante\, organizada pelo Berkeley Art Museum e Pacific Film Archive em colaboração com o Latinx Research Center (LRC) da UC Berkeley. A apresentação no Museo del Barrio expande a longa associação de Mesa-Bains com a instituição\, onde seu trabalho tem sido exibido desde os anos 1990. Mais recentemente\, sua arte e escrita crítica serviram como inspiração direta para a aclamada exposição de 2022\, DOMESTICANX\, uma apresentação intergeracional do grupo Latinx que expandiu a teoria inovadora de Mesa-Bains sobre a domesticana. \n\n\n\nEm meados da década de 1970\, a pesquisa de Mesa-Bains nas tradições ancestrais mexicanas levou à sua reinvenção inovadora de formas sagradas—altares domésticos e oferendas aos mortos—através de uma lente contemporânea como arte de instalação. Nas décadas seguintes\, a artista expandiu sua prática baseada em altares\, convertendo móveis domésticos como mesas\, armários ou penteadeiras em lugares de devoção e memória. Subsequentemente\, Mesa-Bains começou a considerar espaços na interseção do privado e do público para explorar as vidas de figuras femininas de contextos históricos e religiosos\, incluindo a freira e intelectual mexicana Sor Juana Inés de la Cruz e La Virgem de Guadalupe. Esses espaços\, que incluem uma biblioteca\, harém\, jardim e laboratório\, fornecem o cenário para a investigação arqueológica de Mesa-Bains sobre as histórias das mulheres e seu apagamento colonial. \n\n\n\nOs desenvolvimentos inovadores de Mesa-Bains são exibidos na série multi-partes “Venus Envy”\, criada entre 1993 e 2023 e em exibição em quatro galerias do Museo del Barrio. “Archaeology of Memory” marca a primeira vez que “Venus Envy” está sendo mostrada em sua totalidade\, tendo sido originalmente encenada em quatro capítulos em diferentes cenários institucionais\, incluindo a Bienal de Whitney de 1993; o Williams College Museum of Art; a Bernice Steinbaum Gallery; e a Menil Collection. Inspirado na terminologia freudiana\, o título de Mesa-Bains é sugestivo do empoderamento feminino ao longo da história. Outras instalações abordam a experiência da migração\, solidariedades femininas e conhecimento ancestral para reivindicar as histórias que foram ausentes da memória pública através das instituições patriarcais da nação\, religião e museu. Essas peças em grande escala são complementadas ao longo da exposição por obras em papel que iluminam a estética da artista de camadas textuais e baseadas em imagens e escavação em forma bidimensional. Baseando-se em histórias familiares\, experiências pessoais e legados artísticos\, essas gravuras\, livros feitos à mão e códices informam a prática conceitual de Mesa-Bains e servem como mapas para sua trajetória artística.
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LOCATION:El Museo del Barrio\, 1230 5th Avenue at 104th Street\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Women’s Work" no New-York Historical Society
DESCRIPTION:O que é o “trabalho das mulheres”? Como as amplas tendências na história econômica\, legal e política dos Estados Unidos incentivaram as mulheres a assumirem certos empregos e as restringiram do “trabalho dos homens”? Como raça\, etnia\, classe social\, status legal\, orientação sexual e apresentação de gênero impactaram essas distinções? \n\n\n\nEm uma nova exposição\, o Centro de História das Mulheres destaca aproximadamente 45 objetos das próprias coleções do Museu e Biblioteca de Nova York para demonstrar como o “trabalho das mulheres” não se encaixa em categorias. Os itens vão desde um berço de mogno do século XIX até um kit de dissecação de médico do século XX\, e ainda\, um botão de alfinete com a mensagem “Shirley Chisholm for President”. A exposição busca mostrar que o trabalho das mulheres tem sido essencial para a sociedade americana e é inherentemente político: o trabalho das mulheres está em todos os lugares. Curada pela equipe curatorial do Centro de História das Mulheres e seus colaboradores.
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LOCATION:New-York Historical Society\, 170 Central Park W\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Giants" no Brooklyn Museum
DESCRIPTION:Gordon Parks. Jean-Michel Basquiat. Lorna Simpson. Kehinde Wiley. Nina Chanel Abney. Esses nomes têm grande importância no passado e presente da arte\, assim como muitos outros na coleção de ícones musicais e culturais Swizz Beatz (Kasseem Dean) e Alicia Keys. Expansivos em seus hábitos de coleção\, os Deans\, ambos nascidos e criados em Nova York\, defendem a filosofia de “artistas apoiando artistas”. A primeira grande exposição da Coleção Dean\, Giants\, destaca uma seleção focada das holdings de classe mundial do casal. A apresentação no Museu do Brooklyn destaca obras de artistas diaspóricos negros\, como parte dos esforços contínuos do museu para expandir a narrativa da história da arte. \n\n\n\nGiants refere-se a vários aspectos da Coleção Dean: a fama de artistas lendários\, o impacto de artistas contemporâneos que expandem o cânone e as obras monumentais de criadores como Derrick Adams\, Arthur Jafa e Meleko Mokgosi. Peças imensas\, incluindo a maior já feita por Mokgosi\, estão emparelhadas com destaques como as fotografias seminais de Parks\, os retratos revolucionários de Wiley e as telas de alcance global de Esther Mahlangu. \n\n\n\nO termo também evoca a força dos laços entre os Deans e os artistas que eles apoiam\, e entre os próprios artistas. Além de examinar esses vínculos e legados\, a exposição incentivará “grandes conversas” inspiradas nas obras em exibição – criticando a sociedade e celebrando a negritude.
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LOCATION:Brooklyn Museum\, 200 Eastern Pkwy Brooklyn\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Don't Forget to Call Your Mother" no The Met Museum
DESCRIPTION:Sadie Barnette\, Photo Bar\, 2022 © Sadie Barnette. Foto: Phillip Maisel.\n\n\n\n\nEm uma época em que as fotografias são principalmente compartilhadas e armazenadas digitalmente\, muitos artistas estão retornando à materialidade dos instantâneos em um álbum ou das imagens em um arquivo como fonte de inspiração. A exposição\, intitulada Don’t Forget to Call Your Mother (“Não Esqueça de Ligar para Sua Mãe”)\, a partir de uma fotografia do provocador italiano Maurizio Cattelan\, consiste em obras da coleção do Met\, que vão dos anos 1970 até os dias atuais\, refletindo sobre os sentimentos complexos de nostalgia e sentimentalismo que esses objetos evocam\, enquanto sublinha o poder do objeto encontrado. \nEntre os artistas em destaque está Sadie Barnette\, para quem as fotografias servem como um portal para iluminar a história esquecida do primeiro bar gay de propriedade de negros em São Francisco e a vida de seu próprio pai\, como ilustra poderosamente sua obra Photo Bar de 2022. Assim como Barnette\, muitos dos artistas da exposição buscam fortalecer o legado das histórias familiares\, enfatizar a importância das relações intergeracionais e considerar as maneiras pelas quais o conhecimento e o respeito pelo passado podem informar o nosso momento atual. Alguns artistas\, como Sophie Calle e Larry Sultan\, exploram suas próprias narrativas para revelar a construção do desejo\, enquanto outros\, incluindo Taryn Simon e Hank Willis Thomas\, examinam histórias que moldaram o diálogo cultural e político. Para alguns\, como Darrel Ellis\, que utilizou fotos de família para negociar o trauma da violência policial\, o pessoal é político. Empregando várias estratégias\, esses artistas consideram como uma coleção de imagens—como um talismã ou um retábulo—constrói relações ao longo do tempo e pode transformar nossa compreensão do presente. \nA exposição é viabilizada por Joyce Frank Menschel.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/dont-forget-to-call-your-mother-no-the-met-museum/
LOCATION:The Metropolitan Museum of Art\, 1000 5th Ave\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"The Harlem Renaissance and Transatlantic Modernism" no The Met Museum
DESCRIPTION:William Henry Johnson\, Woman in Blue\, c. 1943. Cortesia do Museu de Arte da Universidade Clark Atlanta.\n\n\n\nO Metropolitan Museum of Art apresenta a exposição The Harlem Renaissance and Transatlantic Modernism. Através de cerca de 160 obras de pintura\, escultura\, fotografia\, cinema e efêmera\, ela explorará as maneiras abrangentes e de longo alcance pelas quais artistas negros retrataram a vida moderna cotidiana nas novas cidades negras que surgiram nas décadas de 1920 a 1940 no Harlem da cidade de Nova York e em todo o país nas primeiras décadas da Grande Migração\, quando milhões de afro-americanos começaram a se afastar do segregado sul rural. A primeira pesquisa de museu de arte sobre o assunto na cidade de Nova York desde 1987\, a exposição estabelecerá o Renascimento de Harlem e seu desenvolvimento radicalmente novo do sujeito negro moderno como central para o desenvolvimento da arte moderna internacional. \n\n\n\nOs artistas apresentados incluem Charles Alston\, Aaron Douglas\, Meta Warrick Fuller\, William H. Johnson\, Archibald Motley\, Winold Reiss\, Augusta Savage\, James Van Der Zee e Laura Wheeler Waring. Esses artistas serão mostrados em justaposição direta com retratos de sujeitos diaspóricos africanos internacionais por colegas europeus que vão desde Henri Matisse\, Edvard Munch e Pablo Picasso até Germaine Casse\, Jacob Epstein e Ronald Moody. \n\n\n\nUma porcentagem significativa das pinturas\, esculturas e obras em papel em exibição na exposição vem das extensas coleções de Colégios e Universidades Históricas Negras (HBCUs)\, incluindo o Museu de Arte da Universidade Clark Atlanta\, as Galerias da Universidade Fisk\, o Museu de Arte da Universidade Hampton e a Galeria de Arte da Universidade Howard. Outros grandes credores incluem o Museu de Arte Americano Smithsonian e a Galeria Nacional de Retratos\, com empréstimos pendentes do Centro Schomburg para Pesquisa em Cultura Negra. A exposição incluirá empréstimos de importantes coleções privadas e grandes credores europeus.
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SUMMARY:"Nona Faustine: White Shoes" no Brooklyn Museum
DESCRIPTION:Nona Faustine\, They Tagged the Land with Trophies and Institutions from Their Rapes and Conquests\, Tweed Courthouse\, NYC\, 2013. Cortesia da artista e Higher Pictures. © Nona Faustine\n\n\n\n“Como é que uma pessoa negra se parece hoje nos lugares onde africanos eram vendidos há um século e meio?”\, pergunta a artista Nona Faustine (nascida em 1977). Utilizando seu próprio corpo\, ela questiona essa questão em sua série fotográfica White Shoes. Mais de 40 autorretratos mostram Faustine em pé em locais por toda a cidade de Nova York\, desde Harlem até Wall Street\, Prospect Park e além\, que são construídos sobre legados de escravidão em Nova York – um dos últimos estados do Norte a abolir a escravidão. Em seus pés\, há um par de sapatos brancos sensatos\, que remetem às opressões do colonialismo e da assimilação impostas às pessoas negras e indígenas localmente\, nacionalmente e globalmente. Caso contrário nua\, parcialmente coberta ou segurando adereços\, Faustine está ao mesmo tempo vulnerável e imponente\, solidária aos ancestrais cujos corpos e memórias formam um arquivo na terra sob seus pés. \n\n\n\nNona Faustine: White Shoes é a primeira exposição individual da artista em museu e a primeira instalação completa desta série significativa. Nascida e criada no Brooklyn\, Faustine nos instiga a pensar criticamente sobre as histórias ocultas e muitas vezes traumáticas dos lugares que chamamos de lar. Como tópicos como estes estão sendo apagados dos currículos das escolas públicas em todo o país\, esta exposição é um momento para considerar o impacto duradouro que o passado tem sobre nosso presente. \n\n\n\nNona Faustine: White Shoes é organizada por Catherine Morris\, Curadora Sênior Sackler\, Centro Feminista Elizabeth A. Sackler\, com Carla Forbes\, Assistente Curatorial\, Centro Feminista Elizabeth A. Sackler\, Museu do Brooklyn.
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LOCATION:Brooklyn Museum\, 200 Eastern Pkwy Brooklyn\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"In the Now" no Brooklyn Museum
DESCRIPTION:Ulla Jokisalo\, Wasteland\, da série Collection of Headless Women\, 2015. © Ulla Jokisalo\, cortesia Persons Projects (Foto: cortesia do artista)\n\n\n\nIn the Now reúne quase cinquenta artistas mulheres que estão resistindo às ideias tradicionais de gênero e nacionalidade\, assim como à própria fotografia. A primeira pesquisa museal de obras baseadas em fotografia por artistas mulheres nascidas ou baseadas na Europa\, esta exposição interroga os legados de nacionalismo e estruturas de poder patriarcais do continente – que continuam a moldar a vida cotidiana\, especialmente para as mulheres. \n\n\n\nIn the Now destaca a natureza expansiva da Coleção de Fotografia Sir Mark Fehrs Haukohl no Museu do Brooklyn e no Museu de Arte do Condado de Los Angeles. Feita inteiramente após 2000\, as mais de setenta obras da exposição oferecem uma visão das primeiras décadas do século XXI. Na seção intitulada “Gênero”\, fotógrafas como Bettina von Zwehl e Elina Brotherus lidam com (des)representações dos corpos e experiências das mulheres\, resistindo contra os padrões de beleza opressivos e o olhar masculino. “Nação” desvenda as promessas – e realidades – da Europa contemporânea e as repercussões contínuas do nacionalismo e colonialismo europeus. A explosão controlada em Landmine (2005) de Sarah Pickering\, por exemplo\, destaca a relativa paz na Inglaterra enquanto as tropas britânicas apoiavam a invasão dos EUA ao Iraque. E em “Fotografia”\, artistas mulheres desafiam este meio dominado por homens com abordagens experimentais – como em Farsh-13-2006 (2006) de Shirana Shahbazi\, um retrato fotográfico inspirado em Vermeer traduzido para um tapete tecido à mão em seu Irã natal. Juntas\, as obras desafiam definições ultrapassadas de mulher\, artista\, nação e fotografia. \n\n\n\nA exposição é acompanhada por um catálogo da coleção publicado pela Steidl\, apresentando um ensaio de Rebecca Mark\, Diretora do Instituto para Liderança das Mulheres e professora no Departamento de Estudos sobre Mulheres\, Gênero e Sexualidade da Universidade de Rutgers.
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LOCATION:Brooklyn Museum\, 200 Eastern Pkwy Brooklyn\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Crafting Modernity: Design in Latin America\, 1940–1980" no MoMA
DESCRIPTION:Roberto Burle Marx\, Parque Ibirapuera\, Jardins Quadricentenários\, projeto\, São Paulo\, Brasil (Plano\, detalhe cinco)\, 1953. The Museum of Modern Art\, Nova York. Fundo Interamericano. © 2024 Burle Marx & Cia. Ltda.\n\n\n\n“Há design em tudo”\, escreveu Clara Porset\, a inovadora designer cubano-mexicana. Ela acreditava que a arte e a indústria poderiam se inspirar mutuamente\, forjando um caminho alternativo para o design moderno. Nem todos os colegas de Porset concordavam com sua convicção. Esta exposição apresenta essas visões às vezes conflitantes da modernidade propostas por designers de ambientes domésticos na Argentina\, Brasil\, Chile\, Colômbia\, México e Venezuela entre 1940 e 1980. Para alguns\, o design era uma evolução das tradições locais e indígenas\, levando a uma abordagem que combinava técnicas artesanais centenárias com métodos baseados em máquinas. Para outros\, o design respondia às condições de mercado e aos gostos locais\, e era baseado em tecnologias disponíveis e processos industriais. Nesta exposição\, objetos\, incluindo móveis\, eletrodomésticos\, cartazes\, tecidos e cerâmicas\, bem como uma seleção de fotografias e pinturas\, explorarão essas tensões. \n\n\n\nO lar tornou-se um local de experimentação para a vida moderna durante um período marcado por mudanças políticas\, econômicas e sociais dramáticas\, que tiveram amplas repercussões para a cultura visual latino-americana. Por quase meio século\, o design do ambiente doméstico incorporou ideias de identidade nacional\, modelos de produção e modos de vida modernos. O lar também ofereceu oportunidades para um diálogo entre arte\, arquitetura e design. Destaques da exposição incluem a cadeira Butaque de Clara Porset; a cadeira Bowl de Lina Bo Bardi; a cadeira B.K.F. de Antonio Bonet\, Juan Kurchan e Jorge Ferrari Hardoy; e o mobiliário de lounge Malitte de Roberto Matta.
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SUMMARY:"By Way Of: Material and Motion in the Guggenheim Collection" no Guggenheim
DESCRIPTION:Vista da instalação\, By Way Of: Material and Motion in the Guggenheim Collection © Solomon R. Guggenheim Museum\, Nova York\n\n\n\nUma das características mais proeminentes da arte do final do século XVIII em diante\, especialmente após a Segunda Guerra Mundial\, é a tendência dos artistas de evoluir métodos tradicionais de produção artística fora dos limites do estúdio. Esta exposição examina as maneiras pelas quais artistas contemporâneos implementaram novas ideias formadas pelos contextos sociais e históricos de seu tempo\, empurrando os limites da criação artística e dos materiais como resultado. \n\n\n\nBy Way Of oferece uma seleção de obras da coleção permanente do museu\, inspiradas pelo presente da Coleção D.Daskalopoulos. Artistas importantes do movimento Arte Povera das décadas de 1960 e 1970\, como Jannis Kounellis e Mario Merz\, compartilham as galerias com artistas que trabalham atualmente\, como Rashid Johnson\, Mona Hatoum e Senga Nengudi. \n\n\n\nBy Way Of: Material and Motion in the Guggenheim Collection é organizada por Naomi Beckwith\, Diretora Adjunta e Curadora-Chefe Jennifer e David Stockman.
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SUMMARY:"Joan Jonas: Good Night Good Morning" no MoMA
DESCRIPTION:Joan Jonas\, still from Double Lunar Dogs © 2017 Joan Jonas. Imagem cortesia de Electronic Arts Intermix (EAI)\, Nova York. Vídeo (cor\, som)\n\n\n\n“Eu não via uma diferença significativa entre um poema\, uma escultura\, um filme ou uma dança”\, disse Joan Jonas. Por mais de cinco décadas\, o trabalho multidisciplinar de Jonas atravessou e redefiniu fronteiras entre performance\, vídeo\, desenho\, escultura e instalação. A retrospectiva mais abrangente do trabalho da artista nos Estados Unidos\, Joan Jonas: Good Night Good Morning\, traça toda a extensão de sua carreira\, desde obras que exploram o encontro entre performance e tecnologia até instalações recentes sobre ecologia e paisagem. \n\n\n\nJonas começou sua longa carreira na vibrante cena artística do centro de Nova York nas décadas de 1960 e 1970\, onde foi uma das primeiras artistas a trabalhar com performance e vídeo. Influenciada pela literatura\, teatro Noh e Kabuki\, e história da arte\, suas primeiras obras experimentais investigavam como um determinado elemento — seja distância\, espelhos\, a câmera ou até mesmo o vento — poderia transformar a percepção de alguém. \n\n\n\nJoan Jonas: Good Night Good Morning apresenta desenhos\, fotografias\, cadernos\, histórias orais\, exibições de filmes\, performances e uma seleção de instalações da artista. Jonas continua a produzir seus trabalhos mais urgentes por meio de instalações multimídia imersivas que abordam as mudanças climáticas e a relação entre espécies. “Apesar do meu interesse na história”\, disse ela\, “meu trabalho sempre acontece no presente.”
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CATEGORIES:Nova York
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SUMMARY:Whitney Biennial 2024: Even Better Than the Real Thing no Whitney Museum
DESCRIPTION:Vista da instalação da obra de Suzanne Jackson na Whitney Biennial 2024: Even Better Than the Real Thing\, 2024. Foto: Ron Amstutz\n\n\n\nA oitenta e uma edição da Whitney Biennial — a pesquisa de arte contemporânea mais antiga nos Estados Unidos — conta com setenta e um artistas e coletivos enfrentando muitos dos problemas mais urgentes da atualidade. Esta Bienal é como estar dentro de um “coro dissonante”\, como descreveu a artista participante Ligia Lewis\, uma experiência provocativa\, mas íntima\, de vozes distintas e díspares que\, coletivamente\, investigam as rachaduras e fissuras do momento que se desenrola. \n\n\n\nO subtítulo da exposição\, Even Better Than the Real Thing\, reconhece que a Inteligência Artificial (IA) está complicando nossa compreensão do que é real\, e a retórica em torno de gênero e autenticidade está sendo usada política e legalmente para perpetuar a transfobia e restringir a autonomia corporal. Esses desenvolvimentos fazem parte de uma longa história de considerar pessoas de raça\, gênero e habilidades marginalizados como sub-humanos — menos que reais. Ao realizar essa exposição\, nos comprometemos a amplificar as vozes de artistas que estão enfrentando esses legados e a fornecer um espaço onde ideias difíceis possam ser abordadas e consideradas. \n\n\n\nEsta Bienal é um encontro de artistas que exploram a permeabilidade das relações entre mente e corpo\, a fluidez da identidade e a crescente precariedade dos mundos naturais e construídos ao nosso redor. Seja através de humor subversivo\, abstração expressiva ou formas não ocidentais de pensamento cosmológico\, para citar apenas alguns de seus métodos\, esses artistas demonstram que há caminhos a serem encontrados\, estratégias de enfrentamento e cura a serem descobertas\, e maneiras de se unir\, mesmo em um tempo fraturado. \n\n\n\nA Bienal Whitney de 2024 é organizada por Chrissie Iles\, curadora Anne and Joel Ehrenkranz\, e Meg Onli\, curadora geral\, com Min Sun Jeon e Beatriz Cifuentes. O programa de performance é organizado por Iles e Onli\, com a curadora convidada Taja Cheek. O programa de filmes é organizado por Iles e Onli\, com curadores convidados Korakrit Arunanondchai\, asinnajaq\, Greg de Cuir Jr\, e Zackary Drucker.
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LOCATION:Whitney Museum of American Art\, 99 Gansevoort St Manhattan\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Sonya Clark: We Are Each Other" no Museum of Arts and Design
DESCRIPTION:Uma carteira escolar com a imagem gravada a laser da bandeira de trégua instalada para Lesson Plan (Confederate Truce Flag)\, 2019. @nyceventphotography\n\n\n\n\nDestacando trinta anos de produção artística dedicada à experiência negra nos Estados Unidos\, Sonya Clark: We Are Each Other é a primeira exposição abrangente dos projetos de arte comunitária que formam o cerne da prática criativa pioneira da artista. Acompanhada por uma seleção de fotografias\, gravuras e esculturas de Clark\, a exposição apresenta cinco dos projetos colaborativos em grande escala da artista\, incluindo o inovador The Hair Craft Project (2014) e a performance contínua Unraveling. \nTrabalhando com uma ampla variedade de materiais emocionalmente ressonantes e objetos do cotidiano—desde tecido de algodão e cabelo humano até carteiras escolares e tijolos—Clark incentiva o público a confrontar os desequilíbrios históricos e as injustiças raciais do país através da transformação material. O uso de materiais artesanais tradicionais\, seu conhecimento aplicado de técnicas artesanais globais e as colaborações comunitárias que são essenciais para a integridade da arte de Clark estão entre as muitas maneiras pelas quais a artista representa e homenageia os legados da diáspora africana na vida negra.
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LOCATION:Museum of Arts and Design\, 2 Columbus Circle\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Wanda Gág World" no Whitney Museum
DESCRIPTION:Wanda Gág\, The Forge (detalhe)\, 1932. Whitney Museum of American Art\, New York; purchase 32.103. © Estate of  Wanda Gág\n\n\n\nEsta exposição apresenta uma seleção de gravuras da artista\, ilustradora e autora de livros infantis Wanda Gág (1893–1946). Estas obras registram o mundo como Gág o experimentava: um lugar onde as paisagens se movem ritmicamente e os objetos inanimados vibram com vida. Embora ela também pintasse\, as artes gráficas ofereceram o método mais eficaz para expressar essa visão única. \n\n\n\nNascida em Minnesota\, filha de imigrantes da Boêmia Alemã (atualmente parte da República Tcheca)\, Gág chegou a Nova York em 1917 para estudar na Art Students League\, onde se tornou uma figura central da cena artística modernista da cidade. Sem aderir à abstração nem ao realismo social — os movimentos artísticos dominantes na época — Gág desenvolveu sua própria abordagem à figuração. Ao longo de sua carreira\, ela alcançou um sucesso modesto vendendo suas gravuras e produziu vários livros infantis populares\, exemplos dos quais são apresentados na mostra. Gág também foi uma escritora prolífica sobre sua vida e obra\, e trechos de suas cartas e diários acompanham as gravuras em exibição. \n\n\n\nCompletamente extraídas da coleção do Whitney\, as obras nesta exposição abrangem aproximadamente duas décadas\, desde meados da década de 1920 até o ano anterior à morte de Gág. Juntos\, esses naturezas-mortas\, paisagens e interiores iluminam o que a artista chamou de “mundo de Wanda Gág”\, demonstrando sua fervorosa busca para capturar o sentimento e o movimento da vida como ela via. \n\n\n\nO Wanda Gág World é co-curado por Roxanne Smith\, Assistente Sênior de Curadoria\, e Scout Hutchinson\, Curadora Bolsista.
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LOCATION:Whitney Museum of American Art\, 99 Gansevoort St Manhattan\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:Käthe Kollwitz no MoMA
DESCRIPTION:Käthe Kollwitz. The Mothers (Mütter). 1918. Coleção Ute Kahl\, Cologne. Fuis Photographie\n\n\n\nO Museu de Arte Moderna anuncia a primeira retrospectiva em um museu de Nova York dedicada a Käthe Kollwitz\, e a maior exposição de seu trabalho nos Estados Unidos em mais de 30 anos. Em exibição no MoMA de 31 de março a 20 de julho de 2024\, a retrospectiva apresentará uma exploração focada da carreira da artista em aproximadamente 110 exemplos raramente vistos de seus desenhos\, gravuras e esculturas provenientes de coleções públicas e privadas nos Estados Unidos e na Europa. Organizada cronologicamente\, a exposição traçará o desenvolvimento do trabalho de Kollwitz desde os anos 1890 até os anos 1930\, um período de turbulência sem precedentes na história alemã\, marcado pelos problemas sociais da industrialização no final do século 19 e pelos traumas de guerra e agitação política no início do século 20. Exemplos cruciais dos projetos mais importantes da artista demonstrarão seu compromisso com temas socialmente críticos\, e seleções-chave de estudos preparatórios e provas de trabalho destacarão seu processo criativo.
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LOCATION:MoMA\, 11 W 53rd St Manhattan\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Melissa Cody: Webbed Skies" no MoMA PS1
DESCRIPTION:Melissa Cody\, Sem título\, 2022. Cortesia da artista.\n\n\n\nA primeira grande apresentação individual da tecelã navajo de quarta geração Melissa Cody (nascida em 1983\, No Water Mesa\, Arizona) abrange a última década de sua prática\, exibindo mais de 30 tecidos e uma nova obra importante produzida para a exposição. Utilizando técnicas de tecelagem estabelecidas há muito tempo e incorporando novas tecnologias digitais\, Cody monta e reimagina padrões populares em sobreposições geométricas sofisticadas\, incorporando corantes e fibras atípicos. Suas tapeçarias continuam os métodos da tecelagem Germantown navajo\, que se desenvolveram a partir da lã e das mantas produzidas em Germantown\, Pensilvânia\, e fornecidas pelo governo dos EUA ao povo navajo durante a expulsão forçada de seus territórios na metade do século XIX. Durante esse período\, as mantas racionadas eram desfeitas e o fio era usado para criar novos têxteis\, uma prática de reivindicação que se tornou a fonte do movimento. Reconhecendo essa história e trabalhando em um tear navajo tradicional\, as obras magistrais de Cody exercitam paletas e padrões experimentais que se animam através da reinvenção\, reformulando tradições como ciclos de evolução.
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SUMMARY:Pacita Abad no MoMA PS1
DESCRIPTION:Vista da instalação de Pacita Abad: A Million Things to Say no Museu de Arte Contemporânea e Design\, Manila\, De La Salle-College of Saint Benilde\, 2018. Cortesia de Pacita Abad Art Estate e MCAD Manila. Foto: At Maculangan/Pioneer Studios.\n\n\n\nNesta primavera\, o MoMA PS1 apresenta a primeira retrospectiva da artista Pacita Abad (filipino-americana\, 1946–2004). Abrangendo os 32 anos de carreira da artista\, a exposição inclui mais de 50 obras\, a maioria das quais nunca foram exibidas ao público nos Estados Unidos antes desta exposição. Largamente autodidata\, Abad é mais conhecida por seus trapuntos\, pinturas acolchoadas feitas costurando e enchendo suas telas em vez de esticá-las sobre uma estrutura de madeira. Após se mudar para os Estados Unidos em 1970 para escapar da perseguição política do regime autoritário de Marcos\, Abad buscou dar visibilidade aos refugiados políticos e aos povos oprimidos por meio de seu trabalho. “Sempre acreditei que um artista tem uma obrigação especial de lembrar a sociedade de sua responsabilidade social”\, disse ela. Organizada pelo Walker Art Center em colaboração com o espólio de Abad\, a apresentação celebra o trabalho multifacetado de uma artista cujas preocupações visuais\, materiais e conceituais vibrantes impulsionam conversas relevantes sobre globalização\, poder e resiliência. \n\n\n\nA exposição é acompanhada pela primeira grande publicação sobre o trabalho de Abad\, produzida pelo Walker. O volume é editado com texto de Victoria Sung e inclui contribuições de Julia Bryan-Wilson\, Nancy Lim\, Ruba Katrib\, Xiaoyu Weng e Matthew Villar Miranda\, além de uma história oral abrangente de Pio Abad e Sung.
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SUMMARY:"Hidden Faces" no The Met Museum
DESCRIPTION:Retrato de Margarethe Vöhlin (1527; detalhe)\, Bernhard Strigel. Galeria Nacional de Arte\, Washington\, D.C.\n\n\n\nEsta exposição é a primeira a examinar um lado intrigante\, mas em grande parte desconhecido – no sentido literal – da pintura renascentista: retratos de múltiplas faces nos quais a semelhança do retratado era ocultada por uma tampa articulada ou deslizante\, dentro de uma caixa\, ou por um formato de dupla face. As tampas e reversos desses retratos privados e pequenos eram adornados com emblemas\, epigramas\, alegorias e mitologias enigmáticas que celebravam o caráter do retratado\, e representavam algumas das imagens seculares mais inventivas e únicas do Renascimento. O espectador tinha que decodificar o significado do retrato simbólico antes de levantar\, deslizar ou girar a imagem para desmascarar o rosto abaixo. \n\n\n\nEssa tradição difundida na Itália e no Norte da Europa durante os séculos XV e XVI será explorada por meio de aproximadamente 60 retratos de dupla face e cobertos da coleção do Met e de outras instituições americanas e europeias\, incluindo a reunião de vários retratos e suas tampas que haviam sido separados e tornados parte de coleções diferentes. Pintados por artistas como Hans Memling\, Lucas Cranach\, Lorenzo Lotto e Ticiano\, as obras variam de retratos destinados à propaganda portátil àqueles projetados para ocultar a identidade de um amante. Esses conjuntos tridimensionais e portáteis lançam luz significativa sobre a natureza íntima e pessoal de retratos projetados como objetos interativos.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/hidden-faces-no-the-met-museum/
LOCATION:The Metropolitan Museum of Art\, 1000 5th Ave\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Hiroshige’s 100 Famous Views of Edo" no Brooklyn Museum
DESCRIPTION:Utagawa Hiroshige\, Ryogoku Ekoin and Moto-Yanagibashi Bridge\, No. 5 in One Hundred Famous Views of Edo (detalhe)\, 5º mês de 1857. Museu do Brooklyn\, Doação de Anna Ferris (Foto: Museu do Brooklyn)\n\n\n\nQuais são os locais imperdíveis em sua cidade favorita? Onde você vai quando precisa de um respiro de ar fresco? O que torna certos bairros famosos? Junte-se a um artista insider em um passeio pela Tóquio do século XIX (então conhecida como Edo)\, desde depósitos de madeira até restaurantes famosos\, e veja se suas escolhas iluminam sua própria relação com as cidades que você conhece bem. \n\n\n\nPela primeira vez em vinte e quatro anos\, as 100 Vistas Famosas de Edo de Utagawa Hiroshige – um dos maiores tesouros do Brooklyn Museum – retorna à exibição pública. O conjunto completo dessas gravuras celebradas pelo museu está entre os melhores do mundo\, cheio de cores vibrantes preservadas por décadas na escuridão. \n\n\n\nEnquanto a maioria das apresentações se concentrou na sofisticação técnica das gravuras e na influência sobre artistas europeus\, aqui focamos no seu tema urbano. Originalmente publicada em 1856-58\, a série captura a paisagem socioeconômica e ambiental em evolução da cidade que se tornaria Tóquio. Através das gravuras e de objetos complementares da coleção do museu\, você será imerso na Tóquio do meio do século XIX e a verá pelos olhos das pessoas comuns que povoam os cenários de Hiroshige. Você encontrará todas as quatro estações em cenas de piqueniques sob as flores de cerejeira\, tempestades de verão\, folhas de bordo caindo e crepúsculos de inverno. A exposição também inclui fotografias modernas para mostrar como as cenas de Hiroshige se transformaram na Tóquio atual. \n\n\n\nO artista Takashi Murakami (nascido em Tóquio\, Japão\, em 1962) leva as vistas de Hiroshige a um reino mais fantástico com um conjunto de suas próprias pinturas. Criadas em resposta direta às 100 Vistas Famosas de Edo\, essas obras nos convidam a reconsiderar o mundo de Hiroshige e suas contribuições para a história da arte global.
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SUMMARY:"Punctum" de Anselm Kiefer na Gagosian
DESCRIPTION:Anselm Kiefer\, Katzensilber (White Mica)\, 1994-2012 © Anselm Kiefer. Foto: Charles Duprat\n\n\n\nA Gagosian apresenta Punctum\, a primeira exposição nos Estados Unidos a se concentrar exclusivamente na fotografia de Anselm Kiefer. Punctum estará em exibição na 976 Madison Avenue de 25 de abril a 3 de julho de 2024. \n\n\n\nA fotografia tem sido um aspecto importante\, mas pouco reconhecido\, da prática de Kiefer desde 1968\, quando ele começou a usar a câmera de 35mm de seu pai. O meio fundamenta a evolução das pinturas do artista e é um componente-chave de seus livros. Punctum oferece novas perspectivas sobre sua exploração de materiais e processos\, e sobre os potenciais simbólicos e expressivos da fotografia. \n\n\n\nO título da exposição refere-se a um conceito formulado por Roland Barthes em seu texto crítico Camera Lucida: Reflections on Photography (1980). Punctum (do latim “puncture” ou “ferida”) denota um detalhe de uma fotografia que evoca um sentimento ou impacto pessoal fora daqueles formados principalmente por seus sujeitos culturalmente codificados. Como se estivesse retratando uma memória de algo que nunca aconteceu\, as fotografias de Kiefer transmitem uma aura abrangente\, evocativa\, até melancólica além das representações convencionais de tempo e lugar.
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SUMMARY:The Roof Garden Commission: Petrit Halilaj no The Met Museum
DESCRIPTION:Foto: Ian Kumamoto\n\n\n\nO artista kosovar Petrit Halilaj (nascido em 1986\, Kostërc\, antiga Iugoslávia) foi convidado a criar uma instalação específica para o Jardim do Telhado Iris e B. Gerald Cantor do Museu. Para o primeiro grande projeto do artista nos Estados Unidos\, Halilaj transformou o telhado do Met com uma extensa instalação escultural. \n\n\n\nO trabalho de Halilaj está profundamente conectado à história recente de seu país natal\, Kosovo\, e às consequências das tensões culturais e políticas na região. Após um período formativo na Itália\, onde estudou arte na Accademia di Brera em Milão\, ele se mudou para Berlim em 2008\, onde ainda vive e trabalha. Seus projetos abrangem uma variedade de mídias\, incluindo escultura\, desenho\, poesia e performance.
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SUMMARY:"Kobby Adi: Cloisters & Instruments" no Swiss Institute
DESCRIPTION:Kobby Adi\, Lesson\, 2023–24\, film still. Cortesia do artista e Cabinet\, Londres\n\n\n\nO Swiss Institute (SI) apresenta A Worm’s Eye View from a Bird’s Beak\, a primeira grande exposição individual institucional do artista Raven Chacon\, organizada em parceria com o Nordnorsk Kunstmuseum em Tromsø\, Noruega. O primeiro artista nativo americano a receber o Prêmio Pulitzer de Música em 2022\, Chacon trabalha com som\, vídeo\, partituras\, performance e escultura para abordar a soberania indígena e a justiça ambiental. A mostra reúne obras inovadoras dos últimos 25 anos com uma instalação de som e vídeo recém-encomendada\, novas iterações de obras pioneiras e um grande mural de arte pública no prédio do SI. A exposição abrange contextos geográficos diversos: Sápmi (a terra dos Sámi atravessada pelos estados-nação da Noruega\, Suécia\, Finlândia e Rússia) e Lenapehoking\, ou Nova York\, na Turtle Island. Ambos os locais compartilham histórias e presenças indígenas que o colonialismo tentou erradicar por séculos. No entanto\, também são locais onde a resiliência\, ou\, nas palavras do teórico cultural Gerald Vizenor\, a “sobrevivência” continua a prosperar. \n\n\n\nAo entrar na exposição\, a partitura American Ledger No. 1 (2018) exibe uma meditação gráfica sobre a fundação dos Estados Unidos em ordem cronológica descendente. Feita para instrumentos de sustentação e percussão\, moedas\, machado e madeira\, um apito de polícia e um fósforo\, a peça narra momentos de contato\, promulgação de leis coloniais\, eventos de violência\, construção de cidades\, apropriação de terras e tentativas de eliminar visões de mundo indígenas. No centro da galeria do primeiro andar do SI está a instalação sonora de Chacon\, Still Life No. 3 (2015). Através de uma série de alto-falantes instalados em um arco em cascata\, uma mulher conta a história de origens dos Navajos\, que compreende quatro mundos abaixo e vários outros acima. Mas\, em vez de conceber os mundos abaixo como o passado e os mundos acima como o futuro\, da maneira linear que narrativas ocidentais podem sugerir\, na cosmogonia Navajo\, esses múltiplos mundos ainda\, ou já\, existem. Partes do mito de criação se repetem e se sobrepõem\, borrando sua progressão e permitindo que múltiplas temporalidades coexistam e se influenciem mutuamente. Mais adiante na galeria\, Report (2001/2015)\, uma composição e partitura para um conjunto de armas de fogo\, pontua o silêncio com uma cacofonia de poder e resistência. \n\n\n\nNo segundo andar\, a nova instalação de vídeo de Chacon\, For Four (Caldera) (2024)\, apresenta quatro mulheres em pé em um vazio vulcânico nas Montanhas Jemez\, no Novo México\, lendo o panorama de seu ambiente natural e expressando o que veem através da música. Para uma nova iteração de Still Life No. 4\, Chacon tocou um tambor Diné da coleção do Museu Nacional do Índio Americano do Smithsonian que não havia sido tocado por muito tempo e gravou a batida\, reproduzindo-a em estações de escuta no SI e em outros lugares em diferentes tempos\, variando de rápido a lento quanto mais distante cada estação estiver do tambor. Field Recordings (1999) do sudoeste americano amplificam os sons do silêncio para produzir ruídos que revelam os padrões vibracionais desses locais. Além disso\, por todo o prédio\, os espectadores são convidados a pegar e realizar impressões de partituras. Pintada como um mural em grande escala na fachada externa do SI\, de frente para a St. Marks Pl\, a nova partitura para Vertical Neighbors (2024) será ativada durante a exposição com uma performance\, juntamente com uma programação pública abrangente ao longo da duração da mostra.
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LOCATION:Swiss Intitute\, 38 St Marks Pl\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"One of Many Ideas of Home" de Elias Mung'ora na Montague Contemporary
DESCRIPTION:Elias Mung’ora\, One of Many Ideas of Home\, 2024\n\n\n\nEm sua nova série One of Many Ideas of Home\, Elias Mung’ora embarca em uma exploração profundamente pessoal de identidade\, pertencimento e história familiar. Inspirado em suas próprias experiências e relacionamentos\, assim como em uma busca para entender sua ancestralidade em Nyeri\, no centro do Quênia\, Mung’ora tece uma narrativa rica que examina a interação entre vidas individuais e contextos históricos mais amplos. Através da integração de fotografias antigas da família\, muitas vezes sobrepostas até o ponto da obscuridade\, ele busca se conectar com e evocar memórias e histórias que\, de outra forma\, seriam inacessíveis\, convidando à reflexão sobre as formas como nos relacionamos com nossos passados. \n\n\n\nCentral para a série é o motivo recorrente de tapetes\, simbolizando espaços contestados e a noção de lar como construção tanto física quanto emocional. Esse tema é especialmente comovente em obras como Lunch in the Midst of an Unplanned Move\, onde a ausência de um tapete reflete um momento de deslocamento e uma reavaliação do que significa pertencer. O trabalho de Mung’ora transcende o autobiográfico\, desafiando os espectadores a considerarem suas próprias percepções de lar e identidade diante do pano de fundo da história colonial do Quênia e da busca universal por raízes e conexão. \n\n\n\nA obra de arte At Home on My 30th é um destaque cativante dentro desta série. Ambientado em um interior de casa vividamente retratado\, este trabalho contrasta tapetes nitidamente definidos—simbólicos de espaço e valor reivindicados e íntimos—com elementos abstratos\, menos definidos\, como paredes e tetos\, representando a impermanência do estado atual de enraizamento do artista. Neste marco pessoal significativo\, Elias reflete sobre a natureza transitória do lar e do pertencimento\, utilizando o tapete como fundação tanto literal quanto metafórica dentro do espaço. Esta obra não apenas reflete sentimentos pessoais\, mas também se engaja em temas mais amplos de identidade e legado cultural\, tornando-se uma peça poderosa tanto para contemplação quanto para discussão.
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LOCATION:Montague Contemporary\, 526 W 26th St 4th Floor\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Jennifer Rochlin. Paintings on Clay" na Hauser & Wirth NY
DESCRIPTION:Jennifer Rochlin\, Green Tapestry with Poppies and Bites\, 2024. © Jennifer Rochlin. Foto: Keith Lubow\n\n\n\nA Hauser & Wirth Nova York apresenta a mais recente série de grandes vasos de terracota construídos à mão de Rochlin\, nos quais ela oferece uma jornada autobiográfica – cenas íntimas de sua vida e amores\, da natureza observada e de suas próprias respostas aos grandes da história da arte. Jennifer Rochlin. Paintings on Clay permanecerá em exibição no segundo andar do prédio da galeria na Rua 22 até 12 de julho. \n\n\n\nAs composições tridimensionais de Rochlin coalescem em grande parte sem planejamento. Embora esboçadas antecipadamente\, as formas de seus vasos acabam por se afastar da forma e simetria clássicas através de um processo laborioso de construção manual que permite – e até encoraja – a distorção. Corporais\, excêntricos e imponentes\, a fisicalidade comandante dos vasos leva os espectadores a traçar suas curvas e a caminhar ao redor deles para seguir a sequência de vinhetas que percorrem suas circunferências.
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LOCATION:Hauser & Wirth 22nd Street\, 542 West 22nd Street\, Nova York\, Nova York
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SUMMARY:"Eva Hesse. Five Sculptures" na Hauser & Wirth NY
DESCRIPTION:Eva Hesse\, Expanded Expansion\, 1969. © The Estate of Eva Hesse. Foto: Matt Grubb\n\n\n\nEva Hesse (1936-1970) transformou a linguagem da escultura por meio de seu uso pioneiro de formas e materiais alternativos. Desafiando a estética rígida e industrial do movimento minimalista predominante em sua época\, o uso de látex\, fibra de vidro e plásticos industriais por Hesse abriu novas possibilidades na arte. Meio século depois\, seu inovador trabalho é tão potente quanto em 1968\, o ano da primeira e única exposição de suas esculturas realizada durante sua vida. O fato de ter havido cerca de quinze exposições nas décadas seguintes à sua morte em 1970 é um testemunho da contemporaneidade contínua de Hesse. \n\n\n\nA partir de 2 de maio\, celebraremos o 25º aniversário da representação do espólio pela galeria destacando as notáveis conquistas de Hesse. Esta exposição\, organizada por Barry Rosen\, consultor de longa data do espólio de Hesse\, em colaboração com a historiadora e crítica de arte Briony Fer\, reúne cinco de suas obras em grande escala mais celebradas\, todas emprestadas de importantes museus americanos e todas feitas no período mais intenso no final de sua vida\, de 1967 a 1969.
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SUMMARY:Rita Ackermann em duas exposições simultâneas na Hauser & Wirth NY
DESCRIPTION:Rita Ackermann\, Shutters (detalhe)\, 2023\n\n\n\nEm 2 de maio\, a Hauser & Wirth apresentará a mais recente série de pinturas e gravuras de Rita Ackermann em exposições simultâneas que abrangem as duas localizações da galeria em West Chelsea. Na 542 West 22nd Street\, a artista irá estrear um conjunto de novas telas ampliando as técnicas\, temas e imagens que ela tem explorado ao longo de sua carreira desde o início dos anos 1990\, enquanto na 443 West 18th Street ela irá revelar uma série de complexas serigrafias em grande escala. Anunciando um salto significativo em sua prática artística\, essas gravuras representam uma dramática convergência dos processos técnicos da gravura com a exploração contínua de forma\, movimento e apagamento por parte de Ackermann.
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SUMMARY:"Hugh Hayden: Hughmans" na Lisson Gallery
DESCRIPTION:Hugh Hayden\, vista da instalação. Imagem: Divulgação\n\n\n\nApós sua exposição solo em Los Angeles\, Hugh Hayden continua sua exploração das próteses de poder em uma nova série de obras e instalações específicas criadas para o espaço da Lisson Gallery em Nova York. Em “Hughmans”\, Hayden retoma o conceito de cabine de banheiro para investigar experiências de revelação\, intimidade\, desejo e sexualidade – desta vez através da lente da experiência coletiva. \n\n\n\nConhecido por suas metáforas perspicazes e exames da existência humana\, o trabalho de Hayden transcende a experiência individual para sondar a consciência coletiva. “Hughmans” mantém o uso característico de madeira como meio principal\, ao lado de bronze\, resina e silicone\, ampliando a profundidade e a textura de sua narrativa. No centro da exposição está uma instalação específica ambiciosa\, desvendando as complexidades das dinâmicas de poder na sociedade contemporânea. Hayden transforma elementos mundanos em símbolos profundos\, convidando os espectadores a confrontar suas próprias percepções e pressupostos da vida diária. \n\n\n\nNa galeria\, os visitantes encontrarão uma disposição de cabines de banheiro de metal\, cada uma escondendo uma obra de arte dentro. Esta configuração não convencional desafia noções de privacidade e intimidade\, instando os espectadores a reconsiderar sua relação com espaços públicos. Duas esculturas de madeira que incorporam o personagem fictício Pinóquio serão exibidas. “Ebanocchio” (2024) e “Nocecchio” (2024) servem como contrapartes contrastantes\, uma feita de ébano e a outra de nogueira. No conto de fadas original\, o nome de Pinóquio também foi derivado de sua origem física\, “Pino” sendo o termo italiano para pinheiro. Essas obras empregam o gesto conceitual recorrente de Hayden com madeira e a interseção de materialidade e identidade. O artista recentemente revelou outra escultura\, “Geppetto” (2023)\, em sua exposição abrangente\, “American Vernacular”\, no Laumeier Sculpture Park. Nomeada em referência ao pai de Pinóquio\, a obra serve como um antecedente para as peças apresentadas em Nova York. Como grande parte da obra de Hayden\, a história fantástica do boneco articulado é frequentemente atribuída como uma metáfora para a condição humana. \n\n\n\nEm outra cabine\, o artista apresentará “Harlem” (2024)\, um novo conjunto de panelas de ferro fundido e frigideiras de cobre – obras que servem como metáfora para a criação da América através da diversidade cultural. Essas esculturas em particular representarão características faciais e instrumentos musicais funcionais. Essa iteração de panelas de fusão\, feitas usando moldagem em areia\, sintetiza o movimento diaspórico e as origens africanas dos EUA. Ao contrário de apresentações anteriores de trabalhos semelhantes que foram pendurados na parede e no teto\, essas obras serão suspensas a partir de um corrimão estilo metrô da cidade de Nova York.
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LOCATION:Lisson Gallery\, 504-508 West 24th Street\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Tara Donovan: Stratagems" na Pace Gallery
DESCRIPTION:Tara Donovan\, Stratagem XIV (detalhe)\, 2024. Cortesia Pace Gallery\n\n\n\nA Pace tem o prazer de apresentar uma exposição de novos trabalhos de Tara Donovan em sua galeria localizada na 540 West 25th Street\, em Nova York. Em exibição de 3 de maio a 16 de agosto\, a mostra\, intitulada “Stratagems”\, destacará um grupo de esculturas feitas inteiramente de discos de CD-ROM encontrados\, recuperados e reciclados. Coincidindo com a Frieze New York\, a apresentação da artista na galeria será complementada por uma performance do Pace Live da coreógrafa Kim Brandt. \n\n\n\nConhecida por seu trabalho baseado em processos e sistemas em escultura\, instalação\, desenho e gravura\, Donovan frequentemente explora as qualidades talismânicas de materiais e objetos do cotidiano\, desde botões\, copos de isopor\, lápis e alfinetes até telas prontas e brinquedos Slinky. Baseando-se na linguagem formal do Minimalismo e Pós-Minimalismo\, as obras de Donovan utilizam e reutilizam esses materiais não tradicionais\, transformando-os em composições visualmente deslumbrantes sem obliterar suas essências ou histórias fundamentais como objetos do dia a dia. Através de atos de acumulação\, agregação e iteração\, ela transmuta seus materiais em obras de arte em constante transformação\, que exploram as possibilidades — e limites — da percepção humana.
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LOCATION:Pace Gallery\, 540 West 25th Street\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Huong Dodinh: TRANSCENDENCE" na Pace Gallery
DESCRIPTION:Huong Dodinh\, Sans titre (detalhe)\, 1990. Cortesia Pace Gallery\n\n\n\nA Pace tem o prazer de apresentar uma exposição de obras novas e históricas de Huong Dodinh em sua galeria localizada na 540 West 25th Street\, em Nova York\, de 3 de maio a 16 de agosto. Intitulada “TRANSCENDENCE”\, a mostra\, que marca a primeira apresentação solo da artista nos Estados Unidos\, reunirá pinturas e trabalhos em papel criados ao longo de sua carreira\, desde a década de 1960 até os dias atuais. Coincidindo com a edição de 2024 da Frieze New York\, “TRANSCENDENCE” será acompanhada por um novo catálogo da Pace Publishing\, que será lançado durante a exposição. \n\n\n\nDodinh nasceu em Soc Trang\, Vietnã\, em 1945. Forçada a fugir do país\, sua família buscou refúgio em Paris em 1953\, após o início da Primeira Guerra da Indochina. Dodinh vive e trabalha na capital francesa desde então\, cultivando uma vida solitária a serviço de suas buscas artísticas. Isolando-se das tendências do mercado de arte\, ela mantém um compromisso com a autenticidade\, pureza\, contemplação e verdade em seu trabalho desde que começou a pintar na década de 1960. \n\n\n\nAo longo das últimas seis décadas\, Dodinh dedicou sua prática a três princípios centrais — luz\, densidade e transparência — através dos quais ela explora a fluidez da linha\, forma e espaço negativo. Ao adotar um estilo de vida privado e intensamente regimentado\, a artista desenvolveu uma maneira distinta de fazer arte que desfoca as fronteiras entre arte e cotidiano. Trabalhando sozinha e sem assistentes em seu ateliê em Paris\, Dodinh assume a responsabilidade pessoal por cada etapa de seu processo\, desde a obtenção de pós minerais para seus pigmentos na Provença até a montagem de suas telas e a aplicação de sua pintura. Criando seus próprios pigmentos e aglutinantes orgânicos à mão\, Dodinh aplica camadas finas de tinta várias vezes para formar superfícies transparentes\, porém densas. Através do uso de materiais naturais\, ela produz efeitos visuais vibrantes por meio de absorções e reflexões de luz em suas elegantes composições minimalistas.
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