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SUMMARY:Instalação David Hammons no Whitney Museum of American Art
DESCRIPTION:O Whitney\, em colaboração com o Hudson River Park \, desenvolveu um projeto de arte pública permanente de David Hammons (n. 1943). Intitulada Day’s End (2014–21)\, esta instalação monumental está localizada no Hudson River Park ao longo da margem sul da Península de Gansevoort\, em frente ao Museu. \n\n\n\nProposto ao Whitney por Hammons\, Day’s End se inspira em uma obra de arte de mesmo nome de Gordon Matta-Clark (1943-1978). Em 1975\, Matta-Clark cortou cinco aberturas no galpão Pier 52 que anteriormente ocupava o local. O Hammons’s Day’s End é uma estrutura aberta que segue precisamente os contornos\, dimensões e localização do galpão original – e\, como a intervenção de Matta-Clark\, oferecerá um lugar extraordinário para experimentar a orla. \n\n\n\nEm conjunto com a realização do projeto\, o Whitney apresentou Around Day’s End: Downtown New York\, 1970–1986 \, uma exposição que apresentou obras da coleção relacionadas ao projeto seminal de Matta-Clark. O Whitney também criou materiais interpretativos\, incluindo a primeira série de podcasts do Museu\, Artists Among Us \, bem como vídeos e passeios a pé pelo bairro. Essa mídia de apoio toma os Day’s End s\, conforme previsto por Hammons e Matta-Clark\, como pontos de partida para explorar a história local – da orla e do Meatpacking District\, o papel dos artistas no bairro\, sua história LGBTQ e a ecologia do estuário. Novas pesquisas\, materiais de arquivo e entrevistas de história oral serão incorporadas.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/instalacao-david-hammons-no-whitney-museum-of-american-art/
LOCATION:Whitney Museum of American Art\, 99 Gansevoort St Manhattan\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"At the Dawn of a New Age" no Whitney Museum of American Art
DESCRIPTION:Os artistas americanos saudaram o século XX com uma confiança juvenil no progresso e na inovação. Animados pelas mudanças tecnológicas que estavam revolucionando as comunicações e a engenharia\, bem como as mudanças culturais\, como o sufrágio feminino\, os artistas abraçaram o novo em detrimento do tradicional e fixo. Não mais contentes em replicar a realidade\, eles se voltaram para os estilos de vanguarda como forma de comunicar sua empolgação com uma época que o crítico Walter Lippmann caracterizou como “explosiva com novas ideias\, novos planos e novas esperanças”. \n\n\n\nAlguns dos artistas apresentados nesta exposição\, como Georgia O’Keeffe e Marsden Hartley \, são bem conhecidos hoje\, mas muitos modernistas igualmente inovadores foram amplamente esquecidos. Com mais de sessenta obras de quarenta e cinco artistas extraídas principalmente da coleção permanente do Whitney\, At the Dawn of a New Age oferece uma compreensão expandida da complexidade da arte americana produzida entre 1900 e 1930 e recupera a exuberante sensação de liberdade e experimentação subjacente isto. \n\n\n\nEsta exposição é organizada por Barbara Haskell\, curadora.
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SUMMARY:"Amalia Mesa-Bains: Archaeology of Memory" no El Museo del Barrio
DESCRIPTION:Vista da instalação de Amalia Mesa-Bains\, “The Virgin’s Garden\, 1994/2022” em “Venus Envy Chapter II: The Harem and Other Enclosures”. Cortesia da artista e da Rena Bransten Gallery\, São Francisco. Fotografia de Matthew Sherman/Cortesia do Museo del Barrio.\n\n\n\nO Museo del Barrio apresenta “Amalia Mesa-Bains: Archaeology of Memory”\, a primeira exposição retrospectiva da artista\, curadora e teórica pioneira. Nascida em 1943 em uma família de imigrantes mexicanos\, Mesa-Bains tem sido uma figura de destaque na arte Chicanx por quase meio século. Sua prática explora temas feministas interseccionais\, espiritualidade centrada no meio ambiente e diversidade cultural para combater as exclusões racistas e de gênero da repressão colonial. A exposição apresenta mais de 40 obras\, incluindo as grandes “instalações-altar” da artista\, bem como gravuras\, livros de artista e códices. Ancorada pela série de vários capítulos “Venus Envy”\, “Archaeology of Memory” é uma rara oportunidade de ver três décadas de obras que desafiam gêneros de Mesa-Bains\, muitas das quais estão sendo exibidas juntas pela primeira vez. \n\n\n\nO Museo del Barrio é o único local na Costa Leste a receber a retrospectiva itinerante\, organizada pelo Berkeley Art Museum e Pacific Film Archive em colaboração com o Latinx Research Center (LRC) da UC Berkeley. A apresentação no Museo del Barrio expande a longa associação de Mesa-Bains com a instituição\, onde seu trabalho tem sido exibido desde os anos 1990. Mais recentemente\, sua arte e escrita crítica serviram como inspiração direta para a aclamada exposição de 2022\, DOMESTICANX\, uma apresentação intergeracional do grupo Latinx que expandiu a teoria inovadora de Mesa-Bains sobre a domesticana. \n\n\n\nEm meados da década de 1970\, a pesquisa de Mesa-Bains nas tradições ancestrais mexicanas levou à sua reinvenção inovadora de formas sagradas—altares domésticos e oferendas aos mortos—através de uma lente contemporânea como arte de instalação. Nas décadas seguintes\, a artista expandiu sua prática baseada em altares\, convertendo móveis domésticos como mesas\, armários ou penteadeiras em lugares de devoção e memória. Subsequentemente\, Mesa-Bains começou a considerar espaços na interseção do privado e do público para explorar as vidas de figuras femininas de contextos históricos e religiosos\, incluindo a freira e intelectual mexicana Sor Juana Inés de la Cruz e La Virgem de Guadalupe. Esses espaços\, que incluem uma biblioteca\, harém\, jardim e laboratório\, fornecem o cenário para a investigação arqueológica de Mesa-Bains sobre as histórias das mulheres e seu apagamento colonial. \n\n\n\nOs desenvolvimentos inovadores de Mesa-Bains são exibidos na série multi-partes “Venus Envy”\, criada entre 1993 e 2023 e em exibição em quatro galerias do Museo del Barrio. “Archaeology of Memory” marca a primeira vez que “Venus Envy” está sendo mostrada em sua totalidade\, tendo sido originalmente encenada em quatro capítulos em diferentes cenários institucionais\, incluindo a Bienal de Whitney de 1993; o Williams College Museum of Art; a Bernice Steinbaum Gallery; e a Menil Collection. Inspirado na terminologia freudiana\, o título de Mesa-Bains é sugestivo do empoderamento feminino ao longo da história. Outras instalações abordam a experiência da migração\, solidariedades femininas e conhecimento ancestral para reivindicar as histórias que foram ausentes da memória pública através das instituições patriarcais da nação\, religião e museu. Essas peças em grande escala são complementadas ao longo da exposição por obras em papel que iluminam a estética da artista de camadas textuais e baseadas em imagens e escavação em forma bidimensional. Baseando-se em histórias familiares\, experiências pessoais e legados artísticos\, essas gravuras\, livros feitos à mão e códices informam a prática conceitual de Mesa-Bains e servem como mapas para sua trajetória artística.
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LOCATION:El Museo del Barrio\, 1230 5th Avenue at 104th Street\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
CATEGORIES:Nova York
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SUMMARY:"Women’s Work" no New-York Historical Society
DESCRIPTION:O que é o “trabalho das mulheres”? Como as amplas tendências na história econômica\, legal e política dos Estados Unidos incentivaram as mulheres a assumirem certos empregos e as restringiram do “trabalho dos homens”? Como raça\, etnia\, classe social\, status legal\, orientação sexual e apresentação de gênero impactaram essas distinções? \n\n\n\nEm uma nova exposição\, o Centro de História das Mulheres destaca aproximadamente 45 objetos das próprias coleções do Museu e Biblioteca de Nova York para demonstrar como o “trabalho das mulheres” não se encaixa em categorias. Os itens vão desde um berço de mogno do século XIX até um kit de dissecação de médico do século XX\, e ainda\, um botão de alfinete com a mensagem “Shirley Chisholm for President”. A exposição busca mostrar que o trabalho das mulheres tem sido essencial para a sociedade americana e é inherentemente político: o trabalho das mulheres está em todos os lugares. Curada pela equipe curatorial do Centro de História das Mulheres e seus colaboradores.
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LOCATION:New-York Historical Society\, 170 Central Park W\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Bauhaus Stairway Mural" de Roy Lichtenstein na Gagosian
DESCRIPTION:A Gagosian tem o prazer de anunciar a instalação do mural Bauhaus Stairway Mural (1989) de Roy Lichtenstein na galeria localizada na 555 West 24th Street\, em Nova York. Esta é a segunda vez que a Gagosian exibe um mural de Lichtenstein\, seguindo a réplica do Greene Street Mural (1983) no mesmo local em 2015. \n\n\n\nNa década de 1960\, Lichtenstein forjou uma nova abordagem para a pintura ao fundir a cultura popular e a história da arte ocidental. Seu trabalho é enraizado nos poderes sedutores da publicidade e eleva a imagética gráfica da mídia impressa popular e das ilustrações de quadrinhos ao reino da alta arte. Empregando um processo artesanal\, ele se inspirou nas técnicas de impressão de revistas e jornais\, fazendo com que os pontos Benday e as cores vivas se tornassem sinônimos de Pop art. Lichtenstein produziu murais ao longo de sua carreira\, desde Girl in a Window para o Pavilhão do Estado de Nova York na Feira Mundial de 1964 até o Times Square Mural\, projetado em 1994 e instalado em 2002. \n\n\n\nMedindo aproximadamente 8 metros de altura e pintado em óleo e Magna sobre tela\, o Bauhaus Stairway Mural presta homenagem ao artista abstrato alemão Oskar Schlemmer (1888–1943) e sua pintura Bauhaustreppe (Escadaria da Bauhaus\, 1932). O mural de Lichtenstein foi encomendado para o átrio principal da sede da Creative Artists Agency (CAA) em Beverly Hills\, que o arquiteto do edifício\, I.M. Pei\, imaginou como um ponto de encontro para escritores\, diretores\, atores\, músicos e agentes – um enfoque na interação interdisciplinar que ressoava com o interesse de Lichtenstein em formas criativas acessíveis.
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LOCATION:Gagosian Nova York\, 555 West 24th Street\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Giants" no Brooklyn Museum
DESCRIPTION:Gordon Parks. Jean-Michel Basquiat. Lorna Simpson. Kehinde Wiley. Nina Chanel Abney. Esses nomes têm grande importância no passado e presente da arte\, assim como muitos outros na coleção de ícones musicais e culturais Swizz Beatz (Kasseem Dean) e Alicia Keys. Expansivos em seus hábitos de coleção\, os Deans\, ambos nascidos e criados em Nova York\, defendem a filosofia de “artistas apoiando artistas”. A primeira grande exposição da Coleção Dean\, Giants\, destaca uma seleção focada das holdings de classe mundial do casal. A apresentação no Museu do Brooklyn destaca obras de artistas diaspóricos negros\, como parte dos esforços contínuos do museu para expandir a narrativa da história da arte. \n\n\n\nGiants refere-se a vários aspectos da Coleção Dean: a fama de artistas lendários\, o impacto de artistas contemporâneos que expandem o cânone e as obras monumentais de criadores como Derrick Adams\, Arthur Jafa e Meleko Mokgosi. Peças imensas\, incluindo a maior já feita por Mokgosi\, estão emparelhadas com destaques como as fotografias seminais de Parks\, os retratos revolucionários de Wiley e as telas de alcance global de Esther Mahlangu. \n\n\n\nO termo também evoca a força dos laços entre os Deans e os artistas que eles apoiam\, e entre os próprios artistas. Além de examinar esses vínculos e legados\, a exposição incentivará “grandes conversas” inspiradas nas obras em exibição – criticando a sociedade e celebrando a negritude.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/giants-no-brooklyn-museum/
LOCATION:Brooklyn Museum\, 200 Eastern Pkwy Brooklyn\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Don't Forget to Call Your Mother" no The Met Museum
DESCRIPTION:Sadie Barnette\, Photo Bar\, 2022 © Sadie Barnette. Foto: Phillip Maisel.\n\n\n\n\nEm uma época em que as fotografias são principalmente compartilhadas e armazenadas digitalmente\, muitos artistas estão retornando à materialidade dos instantâneos em um álbum ou das imagens em um arquivo como fonte de inspiração. A exposição\, intitulada Don’t Forget to Call Your Mother (“Não Esqueça de Ligar para Sua Mãe”)\, a partir de uma fotografia do provocador italiano Maurizio Cattelan\, consiste em obras da coleção do Met\, que vão dos anos 1970 até os dias atuais\, refletindo sobre os sentimentos complexos de nostalgia e sentimentalismo que esses objetos evocam\, enquanto sublinha o poder do objeto encontrado. \nEntre os artistas em destaque está Sadie Barnette\, para quem as fotografias servem como um portal para iluminar a história esquecida do primeiro bar gay de propriedade de negros em São Francisco e a vida de seu próprio pai\, como ilustra poderosamente sua obra Photo Bar de 2022. Assim como Barnette\, muitos dos artistas da exposição buscam fortalecer o legado das histórias familiares\, enfatizar a importância das relações intergeracionais e considerar as maneiras pelas quais o conhecimento e o respeito pelo passado podem informar o nosso momento atual. Alguns artistas\, como Sophie Calle e Larry Sultan\, exploram suas próprias narrativas para revelar a construção do desejo\, enquanto outros\, incluindo Taryn Simon e Hank Willis Thomas\, examinam histórias que moldaram o diálogo cultural e político. Para alguns\, como Darrel Ellis\, que utilizou fotos de família para negociar o trauma da violência policial\, o pessoal é político. Empregando várias estratégias\, esses artistas consideram como uma coleção de imagens—como um talismã ou um retábulo—constrói relações ao longo do tempo e pode transformar nossa compreensão do presente. \nA exposição é viabilizada por Joyce Frank Menschel.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/dont-forget-to-call-your-mother-no-the-met-museum/
LOCATION:The Metropolitan Museum of Art\, 1000 5th Ave\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"The Harlem Renaissance and Transatlantic Modernism" no The Met Museum
DESCRIPTION:William Henry Johnson\, Woman in Blue\, c. 1943. Cortesia do Museu de Arte da Universidade Clark Atlanta.\n\n\n\nO Metropolitan Museum of Art apresenta a exposição The Harlem Renaissance and Transatlantic Modernism. Através de cerca de 160 obras de pintura\, escultura\, fotografia\, cinema e efêmera\, ela explorará as maneiras abrangentes e de longo alcance pelas quais artistas negros retrataram a vida moderna cotidiana nas novas cidades negras que surgiram nas décadas de 1920 a 1940 no Harlem da cidade de Nova York e em todo o país nas primeiras décadas da Grande Migração\, quando milhões de afro-americanos começaram a se afastar do segregado sul rural. A primeira pesquisa de museu de arte sobre o assunto na cidade de Nova York desde 1987\, a exposição estabelecerá o Renascimento de Harlem e seu desenvolvimento radicalmente novo do sujeito negro moderno como central para o desenvolvimento da arte moderna internacional. \n\n\n\nOs artistas apresentados incluem Charles Alston\, Aaron Douglas\, Meta Warrick Fuller\, William H. Johnson\, Archibald Motley\, Winold Reiss\, Augusta Savage\, James Van Der Zee e Laura Wheeler Waring. Esses artistas serão mostrados em justaposição direta com retratos de sujeitos diaspóricos africanos internacionais por colegas europeus que vão desde Henri Matisse\, Edvard Munch e Pablo Picasso até Germaine Casse\, Jacob Epstein e Ronald Moody. \n\n\n\nUma porcentagem significativa das pinturas\, esculturas e obras em papel em exibição na exposição vem das extensas coleções de Colégios e Universidades Históricas Negras (HBCUs)\, incluindo o Museu de Arte da Universidade Clark Atlanta\, as Galerias da Universidade Fisk\, o Museu de Arte da Universidade Hampton e a Galeria de Arte da Universidade Howard. Outros grandes credores incluem o Museu de Arte Americano Smithsonian e a Galeria Nacional de Retratos\, com empréstimos pendentes do Centro Schomburg para Pesquisa em Cultura Negra. A exposição incluirá empréstimos de importantes coleções privadas e grandes credores europeus.
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SUMMARY:"Nona Faustine: White Shoes" no Brooklyn Museum
DESCRIPTION:Nona Faustine\, They Tagged the Land with Trophies and Institutions from Their Rapes and Conquests\, Tweed Courthouse\, NYC\, 2013. Cortesia da artista e Higher Pictures. © Nona Faustine\n\n\n\n“Como é que uma pessoa negra se parece hoje nos lugares onde africanos eram vendidos há um século e meio?”\, pergunta a artista Nona Faustine (nascida em 1977). Utilizando seu próprio corpo\, ela questiona essa questão em sua série fotográfica White Shoes. Mais de 40 autorretratos mostram Faustine em pé em locais por toda a cidade de Nova York\, desde Harlem até Wall Street\, Prospect Park e além\, que são construídos sobre legados de escravidão em Nova York – um dos últimos estados do Norte a abolir a escravidão. Em seus pés\, há um par de sapatos brancos sensatos\, que remetem às opressões do colonialismo e da assimilação impostas às pessoas negras e indígenas localmente\, nacionalmente e globalmente. Caso contrário nua\, parcialmente coberta ou segurando adereços\, Faustine está ao mesmo tempo vulnerável e imponente\, solidária aos ancestrais cujos corpos e memórias formam um arquivo na terra sob seus pés. \n\n\n\nNona Faustine: White Shoes é a primeira exposição individual da artista em museu e a primeira instalação completa desta série significativa. Nascida e criada no Brooklyn\, Faustine nos instiga a pensar criticamente sobre as histórias ocultas e muitas vezes traumáticas dos lugares que chamamos de lar. Como tópicos como estes estão sendo apagados dos currículos das escolas públicas em todo o país\, esta exposição é um momento para considerar o impacto duradouro que o passado tem sobre nosso presente. \n\n\n\nNona Faustine: White Shoes é organizada por Catherine Morris\, Curadora Sênior Sackler\, Centro Feminista Elizabeth A. Sackler\, com Carla Forbes\, Assistente Curatorial\, Centro Feminista Elizabeth A. Sackler\, Museu do Brooklyn.
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LOCATION:Brooklyn Museum\, 200 Eastern Pkwy Brooklyn\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"In the Now" no Brooklyn Museum
DESCRIPTION:Ulla Jokisalo\, Wasteland\, da série Collection of Headless Women\, 2015. © Ulla Jokisalo\, cortesia Persons Projects (Foto: cortesia do artista)\n\n\n\nIn the Now reúne quase cinquenta artistas mulheres que estão resistindo às ideias tradicionais de gênero e nacionalidade\, assim como à própria fotografia. A primeira pesquisa museal de obras baseadas em fotografia por artistas mulheres nascidas ou baseadas na Europa\, esta exposição interroga os legados de nacionalismo e estruturas de poder patriarcais do continente – que continuam a moldar a vida cotidiana\, especialmente para as mulheres. \n\n\n\nIn the Now destaca a natureza expansiva da Coleção de Fotografia Sir Mark Fehrs Haukohl no Museu do Brooklyn e no Museu de Arte do Condado de Los Angeles. Feita inteiramente após 2000\, as mais de setenta obras da exposição oferecem uma visão das primeiras décadas do século XXI. Na seção intitulada “Gênero”\, fotógrafas como Bettina von Zwehl e Elina Brotherus lidam com (des)representações dos corpos e experiências das mulheres\, resistindo contra os padrões de beleza opressivos e o olhar masculino. “Nação” desvenda as promessas – e realidades – da Europa contemporânea e as repercussões contínuas do nacionalismo e colonialismo europeus. A explosão controlada em Landmine (2005) de Sarah Pickering\, por exemplo\, destaca a relativa paz na Inglaterra enquanto as tropas britânicas apoiavam a invasão dos EUA ao Iraque. E em “Fotografia”\, artistas mulheres desafiam este meio dominado por homens com abordagens experimentais – como em Farsh-13-2006 (2006) de Shirana Shahbazi\, um retrato fotográfico inspirado em Vermeer traduzido para um tapete tecido à mão em seu Irã natal. Juntas\, as obras desafiam definições ultrapassadas de mulher\, artista\, nação e fotografia. \n\n\n\nA exposição é acompanhada por um catálogo da coleção publicado pela Steidl\, apresentando um ensaio de Rebecca Mark\, Diretora do Instituto para Liderança das Mulheres e professora no Departamento de Estudos sobre Mulheres\, Gênero e Sexualidade da Universidade de Rutgers.
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SUMMARY:"Crafting Modernity: Design in Latin America\, 1940–1980" no MoMA
DESCRIPTION:Roberto Burle Marx\, Parque Ibirapuera\, Jardins Quadricentenários\, projeto\, São Paulo\, Brasil (Plano\, detalhe cinco)\, 1953. The Museum of Modern Art\, Nova York. Fundo Interamericano. © 2024 Burle Marx & Cia. Ltda.\n\n\n\n“Há design em tudo”\, escreveu Clara Porset\, a inovadora designer cubano-mexicana. Ela acreditava que a arte e a indústria poderiam se inspirar mutuamente\, forjando um caminho alternativo para o design moderno. Nem todos os colegas de Porset concordavam com sua convicção. Esta exposição apresenta essas visões às vezes conflitantes da modernidade propostas por designers de ambientes domésticos na Argentina\, Brasil\, Chile\, Colômbia\, México e Venezuela entre 1940 e 1980. Para alguns\, o design era uma evolução das tradições locais e indígenas\, levando a uma abordagem que combinava técnicas artesanais centenárias com métodos baseados em máquinas. Para outros\, o design respondia às condições de mercado e aos gostos locais\, e era baseado em tecnologias disponíveis e processos industriais. Nesta exposição\, objetos\, incluindo móveis\, eletrodomésticos\, cartazes\, tecidos e cerâmicas\, bem como uma seleção de fotografias e pinturas\, explorarão essas tensões. \n\n\n\nO lar tornou-se um local de experimentação para a vida moderna durante um período marcado por mudanças políticas\, econômicas e sociais dramáticas\, que tiveram amplas repercussões para a cultura visual latino-americana. Por quase meio século\, o design do ambiente doméstico incorporou ideias de identidade nacional\, modelos de produção e modos de vida modernos. O lar também ofereceu oportunidades para um diálogo entre arte\, arquitetura e design. Destaques da exposição incluem a cadeira Butaque de Clara Porset; a cadeira Bowl de Lina Bo Bardi; a cadeira B.K.F. de Antonio Bonet\, Juan Kurchan e Jorge Ferrari Hardoy; e o mobiliário de lounge Malitte de Roberto Matta.
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LOCATION:MoMA\, 11 W 53rd St Manhattan\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"By Way Of: Material and Motion in the Guggenheim Collection" no Guggenheim
DESCRIPTION:Vista da instalação\, By Way Of: Material and Motion in the Guggenheim Collection © Solomon R. Guggenheim Museum\, Nova York\n\n\n\nUma das características mais proeminentes da arte do final do século XVIII em diante\, especialmente após a Segunda Guerra Mundial\, é a tendência dos artistas de evoluir métodos tradicionais de produção artística fora dos limites do estúdio. Esta exposição examina as maneiras pelas quais artistas contemporâneos implementaram novas ideias formadas pelos contextos sociais e históricos de seu tempo\, empurrando os limites da criação artística e dos materiais como resultado. \n\n\n\nBy Way Of oferece uma seleção de obras da coleção permanente do museu\, inspiradas pelo presente da Coleção D.Daskalopoulos. Artistas importantes do movimento Arte Povera das décadas de 1960 e 1970\, como Jannis Kounellis e Mario Merz\, compartilham as galerias com artistas que trabalham atualmente\, como Rashid Johnson\, Mona Hatoum e Senga Nengudi. \n\n\n\nBy Way Of: Material and Motion in the Guggenheim Collection é organizada por Naomi Beckwith\, Diretora Adjunta e Curadora-Chefe Jennifer e David Stockman.
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LOCATION:The Guggenheim Museum\, 1071 5th Ave\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Joan Jonas: Good Night Good Morning" no MoMA
DESCRIPTION:Joan Jonas\, still from Double Lunar Dogs © 2017 Joan Jonas. Imagem cortesia de Electronic Arts Intermix (EAI)\, Nova York. Vídeo (cor\, som)\n\n\n\n“Eu não via uma diferença significativa entre um poema\, uma escultura\, um filme ou uma dança”\, disse Joan Jonas. Por mais de cinco décadas\, o trabalho multidisciplinar de Jonas atravessou e redefiniu fronteiras entre performance\, vídeo\, desenho\, escultura e instalação. A retrospectiva mais abrangente do trabalho da artista nos Estados Unidos\, Joan Jonas: Good Night Good Morning\, traça toda a extensão de sua carreira\, desde obras que exploram o encontro entre performance e tecnologia até instalações recentes sobre ecologia e paisagem. \n\n\n\nJonas começou sua longa carreira na vibrante cena artística do centro de Nova York nas décadas de 1960 e 1970\, onde foi uma das primeiras artistas a trabalhar com performance e vídeo. Influenciada pela literatura\, teatro Noh e Kabuki\, e história da arte\, suas primeiras obras experimentais investigavam como um determinado elemento — seja distância\, espelhos\, a câmera ou até mesmo o vento — poderia transformar a percepção de alguém. \n\n\n\nJoan Jonas: Good Night Good Morning apresenta desenhos\, fotografias\, cadernos\, histórias orais\, exibições de filmes\, performances e uma seleção de instalações da artista. Jonas continua a produzir seus trabalhos mais urgentes por meio de instalações multimídia imersivas que abordam as mudanças climáticas e a relação entre espécies. “Apesar do meu interesse na história”\, disse ela\, “meu trabalho sempre acontece no presente.”
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SUMMARY:Whitney Biennial 2024: Even Better Than the Real Thing no Whitney Museum
DESCRIPTION:Vista da instalação da obra de Suzanne Jackson na Whitney Biennial 2024: Even Better Than the Real Thing\, 2024. Foto: Ron Amstutz\n\n\n\nA oitenta e uma edição da Whitney Biennial — a pesquisa de arte contemporânea mais antiga nos Estados Unidos — conta com setenta e um artistas e coletivos enfrentando muitos dos problemas mais urgentes da atualidade. Esta Bienal é como estar dentro de um “coro dissonante”\, como descreveu a artista participante Ligia Lewis\, uma experiência provocativa\, mas íntima\, de vozes distintas e díspares que\, coletivamente\, investigam as rachaduras e fissuras do momento que se desenrola. \n\n\n\nO subtítulo da exposição\, Even Better Than the Real Thing\, reconhece que a Inteligência Artificial (IA) está complicando nossa compreensão do que é real\, e a retórica em torno de gênero e autenticidade está sendo usada política e legalmente para perpetuar a transfobia e restringir a autonomia corporal. Esses desenvolvimentos fazem parte de uma longa história de considerar pessoas de raça\, gênero e habilidades marginalizados como sub-humanos — menos que reais. Ao realizar essa exposição\, nos comprometemos a amplificar as vozes de artistas que estão enfrentando esses legados e a fornecer um espaço onde ideias difíceis possam ser abordadas e consideradas. \n\n\n\nEsta Bienal é um encontro de artistas que exploram a permeabilidade das relações entre mente e corpo\, a fluidez da identidade e a crescente precariedade dos mundos naturais e construídos ao nosso redor. Seja através de humor subversivo\, abstração expressiva ou formas não ocidentais de pensamento cosmológico\, para citar apenas alguns de seus métodos\, esses artistas demonstram que há caminhos a serem encontrados\, estratégias de enfrentamento e cura a serem descobertas\, e maneiras de se unir\, mesmo em um tempo fraturado. \n\n\n\nA Bienal Whitney de 2024 é organizada por Chrissie Iles\, curadora Anne and Joel Ehrenkranz\, e Meg Onli\, curadora geral\, com Min Sun Jeon e Beatriz Cifuentes. O programa de performance é organizado por Iles e Onli\, com a curadora convidada Taja Cheek. O programa de filmes é organizado por Iles e Onli\, com curadores convidados Korakrit Arunanondchai\, asinnajaq\, Greg de Cuir Jr\, e Zackary Drucker.
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LOCATION:Whitney Museum of American Art\, 99 Gansevoort St Manhattan\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Sonya Clark: We Are Each Other" no Museum of Arts and Design
DESCRIPTION:Uma carteira escolar com a imagem gravada a laser da bandeira de trégua instalada para Lesson Plan (Confederate Truce Flag)\, 2019. @nyceventphotography\n\n\n\n\nDestacando trinta anos de produção artística dedicada à experiência negra nos Estados Unidos\, Sonya Clark: We Are Each Other é a primeira exposição abrangente dos projetos de arte comunitária que formam o cerne da prática criativa pioneira da artista. Acompanhada por uma seleção de fotografias\, gravuras e esculturas de Clark\, a exposição apresenta cinco dos projetos colaborativos em grande escala da artista\, incluindo o inovador The Hair Craft Project (2014) e a performance contínua Unraveling. \nTrabalhando com uma ampla variedade de materiais emocionalmente ressonantes e objetos do cotidiano—desde tecido de algodão e cabelo humano até carteiras escolares e tijolos—Clark incentiva o público a confrontar os desequilíbrios históricos e as injustiças raciais do país através da transformação material. O uso de materiais artesanais tradicionais\, seu conhecimento aplicado de técnicas artesanais globais e as colaborações comunitárias que são essenciais para a integridade da arte de Clark estão entre as muitas maneiras pelas quais a artista representa e homenageia os legados da diáspora africana na vida negra.
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LOCATION:Museum of Arts and Design\, 2 Columbus Circle\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Wanda Gág World" no Whitney Museum
DESCRIPTION:Wanda Gág\, The Forge (detalhe)\, 1932. Whitney Museum of American Art\, New York; purchase 32.103. © Estate of  Wanda Gág\n\n\n\nEsta exposição apresenta uma seleção de gravuras da artista\, ilustradora e autora de livros infantis Wanda Gág (1893–1946). Estas obras registram o mundo como Gág o experimentava: um lugar onde as paisagens se movem ritmicamente e os objetos inanimados vibram com vida. Embora ela também pintasse\, as artes gráficas ofereceram o método mais eficaz para expressar essa visão única. \n\n\n\nNascida em Minnesota\, filha de imigrantes da Boêmia Alemã (atualmente parte da República Tcheca)\, Gág chegou a Nova York em 1917 para estudar na Art Students League\, onde se tornou uma figura central da cena artística modernista da cidade. Sem aderir à abstração nem ao realismo social — os movimentos artísticos dominantes na época — Gág desenvolveu sua própria abordagem à figuração. Ao longo de sua carreira\, ela alcançou um sucesso modesto vendendo suas gravuras e produziu vários livros infantis populares\, exemplos dos quais são apresentados na mostra. Gág também foi uma escritora prolífica sobre sua vida e obra\, e trechos de suas cartas e diários acompanham as gravuras em exibição. \n\n\n\nCompletamente extraídas da coleção do Whitney\, as obras nesta exposição abrangem aproximadamente duas décadas\, desde meados da década de 1920 até o ano anterior à morte de Gág. Juntos\, esses naturezas-mortas\, paisagens e interiores iluminam o que a artista chamou de “mundo de Wanda Gág”\, demonstrando sua fervorosa busca para capturar o sentimento e o movimento da vida como ela via. \n\n\n\nO Wanda Gág World é co-curado por Roxanne Smith\, Assistente Sênior de Curadoria\, e Scout Hutchinson\, Curadora Bolsista.
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LOCATION:Whitney Museum of American Art\, 99 Gansevoort St Manhattan\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:Käthe Kollwitz no MoMA
DESCRIPTION:Käthe Kollwitz. The Mothers (Mütter). 1918. Coleção Ute Kahl\, Cologne. Fuis Photographie\n\n\n\nO Museu de Arte Moderna anuncia a primeira retrospectiva em um museu de Nova York dedicada a Käthe Kollwitz\, e a maior exposição de seu trabalho nos Estados Unidos em mais de 30 anos. Em exibição no MoMA de 31 de março a 20 de julho de 2024\, a retrospectiva apresentará uma exploração focada da carreira da artista em aproximadamente 110 exemplos raramente vistos de seus desenhos\, gravuras e esculturas provenientes de coleções públicas e privadas nos Estados Unidos e na Europa. Organizada cronologicamente\, a exposição traçará o desenvolvimento do trabalho de Kollwitz desde os anos 1890 até os anos 1930\, um período de turbulência sem precedentes na história alemã\, marcado pelos problemas sociais da industrialização no final do século 19 e pelos traumas de guerra e agitação política no início do século 20. Exemplos cruciais dos projetos mais importantes da artista demonstrarão seu compromisso com temas socialmente críticos\, e seleções-chave de estudos preparatórios e provas de trabalho destacarão seu processo criativo.
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SUMMARY:"Melissa Cody: Webbed Skies" no MoMA PS1
DESCRIPTION:Melissa Cody\, Sem título\, 2022. Cortesia da artista.\n\n\n\nA primeira grande apresentação individual da tecelã navajo de quarta geração Melissa Cody (nascida em 1983\, No Water Mesa\, Arizona) abrange a última década de sua prática\, exibindo mais de 30 tecidos e uma nova obra importante produzida para a exposição. Utilizando técnicas de tecelagem estabelecidas há muito tempo e incorporando novas tecnologias digitais\, Cody monta e reimagina padrões populares em sobreposições geométricas sofisticadas\, incorporando corantes e fibras atípicos. Suas tapeçarias continuam os métodos da tecelagem Germantown navajo\, que se desenvolveram a partir da lã e das mantas produzidas em Germantown\, Pensilvânia\, e fornecidas pelo governo dos EUA ao povo navajo durante a expulsão forçada de seus territórios na metade do século XIX. Durante esse período\, as mantas racionadas eram desfeitas e o fio era usado para criar novos têxteis\, uma prática de reivindicação que se tornou a fonte do movimento. Reconhecendo essa história e trabalhando em um tear navajo tradicional\, as obras magistrais de Cody exercitam paletas e padrões experimentais que se animam através da reinvenção\, reformulando tradições como ciclos de evolução.
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SUMMARY:Pacita Abad no MoMA PS1
DESCRIPTION:Vista da instalação de Pacita Abad: A Million Things to Say no Museu de Arte Contemporânea e Design\, Manila\, De La Salle-College of Saint Benilde\, 2018. Cortesia de Pacita Abad Art Estate e MCAD Manila. Foto: At Maculangan/Pioneer Studios.\n\n\n\nNesta primavera\, o MoMA PS1 apresenta a primeira retrospectiva da artista Pacita Abad (filipino-americana\, 1946–2004). Abrangendo os 32 anos de carreira da artista\, a exposição inclui mais de 50 obras\, a maioria das quais nunca foram exibidas ao público nos Estados Unidos antes desta exposição. Largamente autodidata\, Abad é mais conhecida por seus trapuntos\, pinturas acolchoadas feitas costurando e enchendo suas telas em vez de esticá-las sobre uma estrutura de madeira. Após se mudar para os Estados Unidos em 1970 para escapar da perseguição política do regime autoritário de Marcos\, Abad buscou dar visibilidade aos refugiados políticos e aos povos oprimidos por meio de seu trabalho. “Sempre acreditei que um artista tem uma obrigação especial de lembrar a sociedade de sua responsabilidade social”\, disse ela. Organizada pelo Walker Art Center em colaboração com o espólio de Abad\, a apresentação celebra o trabalho multifacetado de uma artista cujas preocupações visuais\, materiais e conceituais vibrantes impulsionam conversas relevantes sobre globalização\, poder e resiliência. \n\n\n\nA exposição é acompanhada pela primeira grande publicação sobre o trabalho de Abad\, produzida pelo Walker. O volume é editado com texto de Victoria Sung e inclui contribuições de Julia Bryan-Wilson\, Nancy Lim\, Ruba Katrib\, Xiaoyu Weng e Matthew Villar Miranda\, além de uma história oral abrangente de Pio Abad e Sung.
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LOCATION:MoMA PS1\, 22-25 Jackson Ave LIC\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Hidden Faces" no The Met Museum
DESCRIPTION:Retrato de Margarethe Vöhlin (1527; detalhe)\, Bernhard Strigel. Galeria Nacional de Arte\, Washington\, D.C.\n\n\n\nEsta exposição é a primeira a examinar um lado intrigante\, mas em grande parte desconhecido – no sentido literal – da pintura renascentista: retratos de múltiplas faces nos quais a semelhança do retratado era ocultada por uma tampa articulada ou deslizante\, dentro de uma caixa\, ou por um formato de dupla face. As tampas e reversos desses retratos privados e pequenos eram adornados com emblemas\, epigramas\, alegorias e mitologias enigmáticas que celebravam o caráter do retratado\, e representavam algumas das imagens seculares mais inventivas e únicas do Renascimento. O espectador tinha que decodificar o significado do retrato simbólico antes de levantar\, deslizar ou girar a imagem para desmascarar o rosto abaixo. \n\n\n\nEssa tradição difundida na Itália e no Norte da Europa durante os séculos XV e XVI será explorada por meio de aproximadamente 60 retratos de dupla face e cobertos da coleção do Met e de outras instituições americanas e europeias\, incluindo a reunião de vários retratos e suas tampas que haviam sido separados e tornados parte de coleções diferentes. Pintados por artistas como Hans Memling\, Lucas Cranach\, Lorenzo Lotto e Ticiano\, as obras variam de retratos destinados à propaganda portátil àqueles projetados para ocultar a identidade de um amante. Esses conjuntos tridimensionais e portáteis lançam luz significativa sobre a natureza íntima e pessoal de retratos projetados como objetos interativos.
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SUMMARY:"Hiroshige’s 100 Famous Views of Edo" no Brooklyn Museum
DESCRIPTION:Utagawa Hiroshige\, Ryogoku Ekoin and Moto-Yanagibashi Bridge\, No. 5 in One Hundred Famous Views of Edo (detalhe)\, 5º mês de 1857. Museu do Brooklyn\, Doação de Anna Ferris (Foto: Museu do Brooklyn)\n\n\n\nQuais são os locais imperdíveis em sua cidade favorita? Onde você vai quando precisa de um respiro de ar fresco? O que torna certos bairros famosos? Junte-se a um artista insider em um passeio pela Tóquio do século XIX (então conhecida como Edo)\, desde depósitos de madeira até restaurantes famosos\, e veja se suas escolhas iluminam sua própria relação com as cidades que você conhece bem. \n\n\n\nPela primeira vez em vinte e quatro anos\, as 100 Vistas Famosas de Edo de Utagawa Hiroshige – um dos maiores tesouros do Brooklyn Museum – retorna à exibição pública. O conjunto completo dessas gravuras celebradas pelo museu está entre os melhores do mundo\, cheio de cores vibrantes preservadas por décadas na escuridão. \n\n\n\nEnquanto a maioria das apresentações se concentrou na sofisticação técnica das gravuras e na influência sobre artistas europeus\, aqui focamos no seu tema urbano. Originalmente publicada em 1856-58\, a série captura a paisagem socioeconômica e ambiental em evolução da cidade que se tornaria Tóquio. Através das gravuras e de objetos complementares da coleção do museu\, você será imerso na Tóquio do meio do século XIX e a verá pelos olhos das pessoas comuns que povoam os cenários de Hiroshige. Você encontrará todas as quatro estações em cenas de piqueniques sob as flores de cerejeira\, tempestades de verão\, folhas de bordo caindo e crepúsculos de inverno. A exposição também inclui fotografias modernas para mostrar como as cenas de Hiroshige se transformaram na Tóquio atual. \n\n\n\nO artista Takashi Murakami (nascido em Tóquio\, Japão\, em 1962) leva as vistas de Hiroshige a um reino mais fantástico com um conjunto de suas próprias pinturas. Criadas em resposta direta às 100 Vistas Famosas de Edo\, essas obras nos convidam a reconsiderar o mundo de Hiroshige e suas contribuições para a história da arte global.
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SUMMARY:"Melissa Cody: Power Up" na Garth Greenan Gallery
DESCRIPTION:Melissa Cody\, Landscapes of Home (detalhe)\, 2023\n\n\n\nA Garth Greenan Gallery apresenta Melissa Cody: Power Up\, uma exposição de 14 tecidos intricados pela tecelã Navajo de quarta geração\, Melissa Cody. A abertura será na quinta-feira\, 25 de abril de 2024\, sendo esta a primeira exposição individual da artista na galeria de Nova York. A exposição coincidirá com a exposição individual Melissa Cody: Webbed Skies no MoMA PS1\, em exibição até 9 de setembro de 2024. \n\n\n\nO trabalho de Cody está frequentemente associado ao Renascimento de Germantown\, um movimento estilístico nomeado após a lã do governo de Germantown\, na Pensilvânia\, que foi fornecida aos Navajos durante o período da Longa Caminhada. O estilo de tecelagem foi caracterizado por uma complexa interação de contingências tradicionais e históricas: corantes comerciais vibrantes e novas pressões econômicas levaram os tecelões Navajos empreendedores a se adaptarem\, criando novos tecidos ousados. A viabilidade comercial da arte tornou-se um meio de continuidade\, mesmo que a tenha alterado. Em Germantown Sampler (2009)\, Cody leva os corantes comerciais vibrantes ao limite. \n\n\n\nEm Good Luck (2014)\, Cody emprega um motivo Navajo clássico: o Whirling Log\, um símbolo de boa sorte. Reconhecível hoje como uma suástica\, a artista reivindica o símbolo tradicional em uma paleta exuberantemente desafiadora\, circundando-o com outro motivo Navajo: a Rainbow Person\, uma figura protetora. Como se para enfatizar a qualidade brincalhona e bem-humorada do trabalho\, a representação da Rainbow Person de Cody se assemelha a um cabo de extensão — seu rosto assume a forma do plugue\, suas duas pernas a tomada. A tecelagem apertada do tecido cria fronteiras nitidamente definidas ao redor da tipografia pixelada\, que lê “Boa Sorte”. “Eu sou uma criança da cultura dos anos 80 dos videogames: Pac-Man\, Frogger\, Nintendo\,” diz Cody. “Cresci com esse mundo da pixelação.” A artista aborda a tecelagem como uma tradição artística em constante evolução. \n\n\n\nEm suas obras recentes\, Cody aprofunda a ressonância entre a pixelação digital e as imagens representadas no urdume e na trama. Cody\, que normalmente utiliza um tear Navajo tradicional\, começou a usar uma máquina Jacquard\, adicionando uma camada de mediação digital à sua prática. Em Dopamine Dream (2023)\, Cody recombinou padrões Navajo em sobreposições geométricas cada vez mais sofisticadas e esquemas de cores hápticas. Planos visuais são empilhados como janelas de navegador em uma tela de computador. Uma simetria bilateral calmante traz a ordem tão necessária para a composição\, caso contrário fragmentada. A obra foi recentemente apresentada na exposição bienal Made in L.A. 2023: Acts of Living do Museu Hammer.
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LOCATION:Garth Greenan Gallery\, 545 West 20th Street\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
CATEGORIES:Nova York
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SUMMARY:"Punctum" de Anselm Kiefer na Gagosian
DESCRIPTION:Anselm Kiefer\, Katzensilber (White Mica)\, 1994-2012 © Anselm Kiefer. Foto: Charles Duprat\n\n\n\nA Gagosian apresenta Punctum\, a primeira exposição nos Estados Unidos a se concentrar exclusivamente na fotografia de Anselm Kiefer. Punctum estará em exibição na 976 Madison Avenue de 25 de abril a 3 de julho de 2024. \n\n\n\nA fotografia tem sido um aspecto importante\, mas pouco reconhecido\, da prática de Kiefer desde 1968\, quando ele começou a usar a câmera de 35mm de seu pai. O meio fundamenta a evolução das pinturas do artista e é um componente-chave de seus livros. Punctum oferece novas perspectivas sobre sua exploração de materiais e processos\, e sobre os potenciais simbólicos e expressivos da fotografia. \n\n\n\nO título da exposição refere-se a um conceito formulado por Roland Barthes em seu texto crítico Camera Lucida: Reflections on Photography (1980). Punctum (do latim “puncture” ou “ferida”) denota um detalhe de uma fotografia que evoca um sentimento ou impacto pessoal fora daqueles formados principalmente por seus sujeitos culturalmente codificados. Como se estivesse retratando uma memória de algo que nunca aconteceu\, as fotografias de Kiefer transmitem uma aura abrangente\, evocativa\, até melancólica além das representações convencionais de tempo e lugar.
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LOCATION:Gagosian\, 976 Madison Ave Manhattan\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Endless River" de Aislan Pankararu na Salon 94
DESCRIPTION:Aislan Pankararu\, Rio do desejos\, 2023\n\n\n\nAislan Pankararu nasceu em 1990 em Petrolândia\, uma pequena cidade no interior do estado de Pernambuco\, e pertence ao povo indígena Pankararu do Nordeste do Brasil. Seu trabalho é informado por três correntes: o bioma da Caatinga do Nordeste do Brasil\, as tradições e culturas – especialmente a pintura corporal – de sua comunidade indígena brasileira\, e sua formação universitária em medicina. A rica complexidade dessas buscas simultâneas – como o corpo funciona\, como curamos\, como preservamos e honramos comunidades e tradições\, nossa relação com o mundo exterior e natural – amalgamam tradições de conhecimento\, padrões e deleite visual através de cada uma das pinturas e desenhos nesta exposição\, sua primeira nos Estados Unidos. \n\n\n\nAs obras apresentadas em “Endless River” referem-se e constroem sobre a visão de mundo única de Pankararu através do visual e do material: o pigmento branco usado em muitas de suas pinturas é um material argiloso natural tradicionalmente usado pelos Pankararu para adornar o corpo em cerimônias\, tornando cada obra monocromática um corpo\, um grupo de corpos e uma amostra de possibilidade ornamental. Outras obras explodem com cores\, mostrando o mundo natural vibrante e fecundo de cactos\, raízes\, folhas\, vagens de sementes e flores que fazem referência aos terrenos e flora terrestres\, bem como aos ingredientes e elementos para cura\, assim como o cenário florestal onde os curandeiros trabalham. \n\n\n\nMuitas das obras em “Endless River” estão ligadas ao Toré\, uma dança ritual dentro da cultura Pankararu que é a conexão fundamental entre os mundos terreno e espiritual. Esta é uma prática sagrada e divina que é expressa e praticada através da dinâmica de criar caminhos de conectividade através da dança\, movimento\, música e pintura corporal. As experiências sensoriais de uma experiência estética total como o Toré são cruciais para a infraestrutura das sensibilidades estéticas de Aislan e a prática contínua das tradições Pankararu. A expressão artística para Aislan também é um meio de criar sistemas visuais que curam e acalmam indivíduos em tempos e espaços de necessidade para fornecer conforto\, ajuda e/ou suporte. A estética da visão de mundo de Aislan abraça um vasto fluxo de visões e memórias que encontram liberdade infinita na tela ou no papel: cada obra é um momento divisor de águas\, expressando e crescendo com ondas ondulantes de detalhes\, potencialidade e riqueza de pensamento repleto de histórias de cor\, textura e padrões retirados da natureza\, da comunidade e da medicina. A missão de Aislan Pankararu está comprometida não apenas com a cura e a arte\, mas com “a reivindicação de espaço\, reconectando-se com um lugar que foi tomado desde a colonização… é uma forma de trazer uma nova visão…” \n\n\n\nA visão do trabalho de Aislan Parakararu sublinha a tenacidade da resiliência\, resistência\, reivindicação e a necessidade de identidade\, agência e dignidade das culturas indígenas. Nesta era de contínua crise global e desafios das mudanças climáticas\, sua posição combinatória – em si uma sabedoria – é crucial para desenvolver maneiras de honrar e proteger o meio ambiente e as formas de vida\, incluindo suas culturas\, em todas as nações. \n\n\n\nLeslie King Hammond\, PhD \n\n\n\n“Endless River” é organizado em colaboração com Galatea\, São Paulo e Alexandra Mollof Fine Art.
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LOCATION:Salon 94\, 3 E 89th Street\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"The Time and the Color" de Ione Saldanha na Salon 94
DESCRIPTION:Ione Saldanha\, Sem título\, c. 1950s\n\n\n\nA pioneira modernista brasileira Ione Saldanha nasceu em 1919 em Alegrete\, Brasil\, perto da fronteira com o Uruguai. Ela viveu e trabalhou no Rio de Janeiro por sete décadas até seu falecimento em 2001. “O Tempo e a Cor”\, a primeira exposição individual de seu trabalho nos Estados Unidos\, inclui pinturas das décadas de 1950 a 1980\, desde paisagens urbanas iniciais até experimentos em abstração geométrica e obras posteriores de abstração absoluta e forma que percorreram telas e obras esculturais de bambu. \n\n\n\nNo centro do trabalho de Saldanha está a preocupação com uma certa representação da cidade – incluindo seus habitantes – e composições arquitetônicas abstratas\, construções e elementos de construção. Saldanha começou pintando cidades coloniais como Ouro Preto e Salvador\, gradualmente migrando para a abstração geométrica mais tarde em sua carreira. Há ritmo nessas construções\, construído através de códigos de cores e camadas. Muitas de suas obras não indicam títulos ou datas exatas; elas fazem referência menos ao mundo exterior do que à própria colocação dentro de seu trabalho – sua própria sequência\, lógica e ritmo – criando uma linguagem completa de valores e estéticas. \n\n\n\nA abstração dominou as práticas artísticas durante a segunda metade do século XX\, à medida que muitos artistas que trabalhavam após a Segunda Guerra Mundial buscavam uma linguagem internacional que pudesse transcender narrativas nacionais e regionais – e\, para artistas mulheres\, aquelas relacionadas ao gênero. É necessário entender os contextos políticos e sociais nos quais a maioria dessas obras foi produzida: durante uma onda de regimes militares que assolaram a América do Sul das décadas de 1960 a 1990\, quando o internacionalismo era uma questão contínua. À medida que os artistas enfrentavam a censura e a impossibilidade de se dedicarem apenas a obras explicitamente políticas\, alguns encontravam na abstração a possibilidade de fazer arte em liberdade. \n\n\n\nSaldanha tinha uma prática muito particular que desafiava as normas da pintura moderna. Embora tenha estudado na Europa e admirado artistas como Henri Matisse\, seu trabalho não necessariamente busca essas tradições para inspiração ou linhagem comum. Em vez disso\, sua maneira de se relacionar com a cor faz referência às culturas vernaculares e à arte popular única do Brasil\, como jogos de rua\, casas populares e festividades. \n\n\n\nO interesse fundamental de Saldanha pela cor e pela forma é evidente em seu trabalho desde os estágios iniciais; ela concebia suas construções como maneiras de relacionar esses elementos. Ela estava completamente inserida na cena das artes visuais do Rio de Janeiro\, exibindo em galerias e museus localmente e em todo o Brasil\, mas suas referências sempre retornavam ao que ela chamava de “cultura popular”. \n\n\n\nAs pinturas de bambu de Saldanha exigem um encontro entre natureza e abstração. O bambu é ubíquo no Brasil\, comumente usado para modos vernaculares de construção\, e tinha para Saldanha uma memória íntima particular. Geralmente exibidas em grupo\, os postes de bambu de Saldanha permitem uma quantidade quase infinita de combinações de cores. Estas obras nos remetem às qualidades “artesanais” do meio – não a pintura do cânone histórico da arte\, mas a pintura que alguém poderia fazer na rua: um trabalho diário\, um ato simples\, decorativo e significativo ao mesmo tempo. \n\n\n\nCatarina Duncan \n\n\n\n“O Tempo e a Cor” é organizado em colaboração com Simões de Assis\, São Paulo.
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LOCATION:Salon 94\, 3 E 89th Street\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Tableaux Éclatés" de Niki de Saint Phalle na Salon 94
DESCRIPTION:Niki de Saint Phalle\, Magic Carpet Ride\, 1994\n\n\n\nNeste mês de abril\, o Salon 94 apresenta a segunda exposição individual da artista franco-americana Niki de Saint Phalle\, exibindo cinco obras de sua série tardia Tableaux Éclatés\, exibida pela primeira vez em sua retrospectiva no Musée d’Art Moderne de Paris em 1993. Os dinâmicos Tableaux Éclatés (“Pinturas Explosivas”) são quadros vibrantes e mecanizados que retratam paisagens nas quais animais e naturezas-mortas\, bem como suas famosas Nanas\, dançam por praias\, desertos e mares. A composição de cada pintura é animada através de uma intrincada armação motorizada ativada por um sensor de foto: quando a obra reconhece um espectador\, os motores internos acionam o movimento dos elementos dispersos da obra ou iluminam a cena com brilhantes lâmpadas elétricas. \n\n\n\nAs icônicas Nanas dos anos 1960 de Saint Phalle\, mulheres emancipadas cujos corpos esbeltos e trajes coloridos professam uma afirmação lúdica\, assertiva e feminista em oposição às odaliscas passivas comuns na arte ocidental\, são as protagonistas dos Tableaux Éclatés. Outras obras são ricas em símbolos artísticos históricos: o crânio e as flores em “Acordei Na Noite Passada” (1994) lembram as pinturas vanitas dos mestres antigos europeus que retratam os prazeres fugazes da vida terrena – embora a interpretação de Saint Phalle seja inovadora por remixar a natureza morta como uma cena em movimento perpétuo. Após a morte de seu marido\, o artista suíço Jean Tinguely\, em 1991\, e o desenvolvimento de seus próprios problemas de saúde\, Saint Phalle também buscou respostas sobre a vida após a morte em várias religiões. Ela se encantou com a história da divindade hindu Ganesh\, que viveu após a decapitação e passou a representar o renascimento diante das adversidades. A espiral – um tema recorrente na vida da artista e talvez o símbolo mais antigo conhecido dos ciclos de nascimento e morte da vida – encontra rotação eterna na barriga de “La Déesse Noire” (1993)\, cujo útero é um tesouro dourado e empresta sua forma dos menores filamentos de DNA à imensidão das galáxias\, bem como as bobinas de seu amigo Alexander Calder – e\, é claro\, os motores de Tinguely. \n\n\n\nO retorno de Saint Phalle aos Estados Unidos e suas diversas paisagens também encontra forma nessas obras. Ela visitou e retratou os desertos da Califórnia e do Arizona\, usando esses locais para criar cenas fantásticas povoadas por criaturas reais e imaginárias. Em “O Tesouro do Deserto de Borrego” (1994)\, baleias\, golfinhos e Nanas nadam em um vasto oceano azul enquanto um sol luminoso nasce e se põe continuamente. O pico da montanha central e a vida marinha em primeiro plano se rearranjam de maneiras tanto lúdicas quanto ameaçadoras. Essa representação da frágil harmonia entre a vida selvagem e a humanidade aponta para a crescente consciência da artista sobre a destruição ambiental e a vulnerabilidade de toda vida. Ela também produziu uma série de impressões com essa imagética\, que estão em exibição na exposição. De fato\, a mudança de Saint Phalle para La Jolla\, Califórnia\, em 1993\, foi resultado da luta da artista contra uma debilitante doença respiratória; o ar do oceano Pacífico a revigorou\, e ela manteve uma prática ativa nos nove anos seguintes. Em “O Tesouro do Deserto de Borrego”\, a montanha se abre para revelar uma das Nanas originais da infância de Saint Phalle em Nova York: a Estátua da Liberdade\, o símbolo prototípico da liberdade encarnado na figura de uma mulher. \n\n\n\nInspirada na prática dos Méta-relevos cinéticos de Tinguely\, Saint Phalle adotou o movimento dinâmico em sua própria obra. Ela inventou novas estratégias para animar pinturas em relevo bidimensionais\, assim como fez anteriormente quando mirou seu rifle em telas em seus Tirs (“pinturas de tiro”) do início dos anos 1960. Ela novamente encontrou uma maneira de ir além dos limites do meio\, fazendo a estrutura explodir e fragmentar e depois se reagrupar através da introdução de movimento inesperado: ser reunida. A série Tirs viu a criação espetacular da artista de uma pintura ao atirar com uma arma na tela\, criando composições ao explodir recipientes de tinta escondidos em eventos que evoluíram em sua natureza performativa. Quarenta anos depois\, com os Tableaux Éclatés\, ela revisitou a performance\, desta vez na obra\, permitindo a Saint Phalle revelar de maneira encantadora narrativas dinâmicas e complicadas enquanto metaforicamente lidava com a imensa perda de seu parceiro. \n\n\n\nJuntando-se aos Tableaux Éclatés está a fonte de Saint Phalle\, “La femme et L’oiseau fontaine” (1967-1988)\, instalada pela primeira vez no interior após sua estreia nos EUA na retrospectiva da artista no MoMA PS1 em 2021. Cheia de água jorrante\, uma Nana de maiô equilibra-se\, braços estendidos em proclamação alegre\, sobre um pássaro cujas asas refletem seu gesto de abraço aberto. “La femme et L’oiseau fontaine” segue o compromisso de Saint Phalle com a arte pública\, especificamente fontes\, a mais famosa das quais\, “Fontaine Igor Stravinsky” (1983)\, recebe os visitantes do Centre Pompidou\, em Paris. \n\n\n\nEsta exposição é organizada em colaboração com a Fundação de Arte Beneficente Niki.
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SUMMARY:"Sunday" de Maurizio Cattelan na Gagosian
DESCRIPTION:Vista da instalação © Maurizio Cattelan. Foto: Maris Hutchinson\n\n\n\nA Gagosian apresenta a abertura de Sunday\, a primeira exposição individual de galeria de Maurizio Cattelan em mais de duas décadas e sua estreia solo na Gagosian. Semelhante a America — um vaso sanitário funcional em ouro maciço que ele instalou no Museu Solomon R. Guggenheim\, em Nova York\, em 2016 —\, o novo projeto de Cattelan\, que está em exibição na localização da galeria na 522 West 21st Street\, mais uma vez desafia as contradições da sociedade e cultura americanas e aborda questões sensíveis enfrentadas pelo mundo em geral. \n\n\n\nEm uma nova instalação\, Sunday (2024)\, Cattelan compõe a resposta à desigualdade econômica incorporada por America (2016)\, usando metal precioso para desconstruir a relação do país com a acessibilidade de armas (uma condição contra a qual o privilégio não oferece defesa). Painéis de aço inoxidável\, banhados a ouro 24 quilates\, foram “modificados” por tiros. As superfícies anteriormente lisas dos componentes ficam cravejadas de crateras e buracos\, evocando uma história de armas na arte que vai desde The Execution of Emperor Maximilian (1868–69)\, de Edouard Manet\, até Shoot (1971)\, de Chris Burden\, e as pinturas de espingarda de William Burroughs. \n\n\n\nOs visitantes são imediatamente confrontados por uma parede imponente de 17 pés de altura\, composta pelos painéis dourados que se estendem por cerca de 68 pés de largura. Em frente a isso está November (2024)\, uma fonte de mármore que retrata uma figura reclinada urinando no chão. Cattelan caracteriza a obra como “um monumento à marginalidade”\, uma imagem de uma realidade que habitualmente ignoramos. Ecoando Manneken Pis (1619)\, uma famosa escultura pública de um menino urinando em uma fonte\, ela apresenta ao espectador uma transgressão desconfortável das normas sociais. Mas\, como Bonami demanda\, “Se você é livre para comprar um fuzil de assalto em uma loja de departamento\, o que há de errado em urinar em público?”
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SUMMARY:The Roof Garden Commission: Petrit Halilaj no The Met Museum
DESCRIPTION:Foto: Ian Kumamoto\n\n\n\nO artista kosovar Petrit Halilaj (nascido em 1986\, Kostërc\, antiga Iugoslávia) foi convidado a criar uma instalação específica para o Jardim do Telhado Iris e B. Gerald Cantor do Museu. Para o primeiro grande projeto do artista nos Estados Unidos\, Halilaj transformou o telhado do Met com uma extensa instalação escultural. \n\n\n\nO trabalho de Halilaj está profundamente conectado à história recente de seu país natal\, Kosovo\, e às consequências das tensões culturais e políticas na região. Após um período formativo na Itália\, onde estudou arte na Accademia di Brera em Milão\, ele se mudou para Berlim em 2008\, onde ainda vive e trabalha. Seus projetos abrangem uma variedade de mídias\, incluindo escultura\, desenho\, poesia e performance.
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LOCATION:The Metropolitan Museum of Art\, 1000 5th Ave\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"AERIAL" de Antony Gormley na White Cube
DESCRIPTION:Antony Gormley\, vista da exposição AERIAL na White Cube Nova York. Imagem: Divulgação\n\n\n\nA instalação “Aéreo” (2023)\, da qual a exposição tira seu título\, manifesta uma matriz ortogonal que tanto mede quanto ativa a arquitetura do térreo da galeria na qual está contida. Construída a partir de uma escala descendente de barras de alumínio maciço que terminam em elementos delicados referidos pelo artista como ‘fios’\, Aéreo cria uma zona de energia dispersa que interage com a luz. O sistema ramificado de barras verticais e horizontais da obra dialoga com a série “Pier and Ocean” de Piet Mondrian\, na qual o espaço elemental e a dinâmica entre distância e proximidade são evocados através de linhas articuladas em ângulos retos. \n\n\n\n“Aéreo” se esforça para ser tanto um receptor quanto um transmissor de energia\, o observador e a obra de arte mutuamente ativados pela trajetória do observador através do espaço e do tempo. A obra promove uma compreensão do espaço não como um vazio isolando um objeto do outro\, mas sim como um lugar que existe dentro e através dos objetos. “Você poderia pensar nesta obra como os pelos de raiz do mundo feito”\, observa Gormley\, “ou como a antena da arquitetura\, talvez até mesmo os fios do quarto que nos permitem sentir o espaço e o quarto sentir-nos”. \n\n\n\nNo andar de cima\, três “Big Double Blockworks” de ferro fundido sólido (todos de 2023) exploram a intimidade física através de uma linguagem geométrica radicalmente reduzida. Partindo das explorações anteriores de formas dobradas de Gormley\, que se concentravam na duplicação mitótica orgânica de seu próprio corpo\, essas obras se referem à geometria ortogonal da arquitetura – o que Gormley chama de nosso ‘segundo corpo’ – e usam sua linguagem física\, em vez de linha pura\, para formar massa. Gormley concebeu estas obras recentes durante\, e em resposta\, aos bloqueios do Covid – períodos em que as intimidades da convivência compartilhada amplificaram um sentido de ‘estar com’. \n\n\n\nDeitada de bruços no chão da galeria\, a primeira obra dupla\, Big Tender (2023)\, espelha duas formas corporais empilhadas\, comprimidas através da ação de forças contrabalanceadas\, inclinando-as uma em direção à outra e impulsionando-as para baixo para criar um centro de gravidade singular. Em Big Sidle (2023) e Big Bare (2023)\, dois corpos eretos compostos por blocos empilhados convergem em uma massa singular\, compartilhando um único caminho de carga\, a precariedade de ambos paradoxalmente criando a estabilidade da forma final. Os “Big Double Blockworks” de Gormley evocam a necessidade intrínseca de apoio e intimidade. \n\n\n\nAo lado dos blocos na galeria superior\, estão uma seleção de desenhos de Gormley. Executados em vários meios\, incluindo carbono\, caseína e tinta de nogueira\, esses desenhos articulam trajetórias arquitetônicas e expansão cosmológica. Nos desenhos ‘Cósmicos’ (2014-18)\, o artista explora a criação de luz através da transformação da matéria no espaço\, como nos fenômenos de quasares e supernovas. Para Gormley\, esses desenhos são ‘criados pelas forças da matéria fluida e são descobertos em vez de feitos’. Em ‘Abertura’ e ‘Lux’ (ambos de 2023)\, camadas de carbono e caseína evocam os interiores das obras em grande escala anteriores de Gormley\, como Modelo (2012) e Caverna (2019)\, que exploram corpos como edifícios. Aqui\, o espaço arquitetônico é transportado através de planos fractais que parecem convergir as dimensões de espaço\, luz e volume. Em outros desenhos\, difusões escuras de carbono evocam o que o artista chama de ‘escuridão do corpo’. Essas obras expressam a experiência da meditação onde\, ao acalmar o corpo em várias posições comprimidas\, alguém pode ganhar um sentido do espaço ilimitado\, sem bordas\, sem objetos dentro do corpo.
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SUMMARY:"AERIAL" de Antony Gormley na White Cube
DESCRIPTION:Antony Gormley\, vista da exposição AERIAL na White Cube Nova York. Imagem: Divulgação\n\n\n\nA instalação “Aéreo” (2023)\, da qual a exposição tira seu título\, manifesta uma matriz ortogonal que tanto mede quanto ativa a arquitetura do térreo da galeria na qual está contida. Construída a partir de uma escala descendente de barras de alumínio maciço que terminam em elementos delicados referidos pelo artista como ‘fios’\, Aéreo cria uma zona de energia dispersa que interage com a luz. O sistema ramificado de barras verticais e horizontais da obra dialoga com a série “Pier and Ocean” de Piet Mondrian\, na qual o espaço elemental e a dinâmica entre distância e proximidade são evocados através de linhas articuladas em ângulos retos. \n\n\n\n“Aéreo” se esforça para ser tanto um receptor quanto um transmissor de energia\, o observador e a obra de arte mutuamente ativados pela trajetória do observador através do espaço e do tempo. A obra promove uma compreensão do espaço não como um vazio isolando um objeto do outro\, mas sim como um lugar que existe dentro e através dos objetos. “Você poderia pensar nesta obra como os pelos de raiz do mundo feito”\, observa Gormley\, “ou como a antena da arquitetura\, talvez até mesmo os fios do quarto que nos permitem sentir o espaço e o quarto sentir-nos”. \n\n\n\nNo andar de cima\, três “Big Double Blockworks” de ferro fundido sólido (todos de 2023) exploram a intimidade física através de uma linguagem geométrica radicalmente reduzida. Partindo das explorações anteriores de formas dobradas de Gormley\, que se concentravam na duplicação mitótica orgânica de seu próprio corpo\, essas obras se referem à geometria ortogonal da arquitetura – o que Gormley chama de nosso ‘segundo corpo’ – e usam sua linguagem física\, em vez de linha pura\, para formar massa. Gormley concebeu estas obras recentes durante\, e em resposta\, aos bloqueios do Covid – períodos em que as intimidades da convivência compartilhada amplificaram um sentido de ‘estar com’. \n\n\n\nDeitada de bruços no chão da galeria\, a primeira obra dupla\, Big Tender (2023)\, espelha duas formas corporais empilhadas\, comprimidas através da ação de forças contrabalanceadas\, inclinando-as uma em direção à outra e impulsionando-as para baixo para criar um centro de gravidade singular. Em Big Sidle (2023) e Big Bare (2023)\, dois corpos eretos compostos por blocos empilhados convergem em uma massa singular\, compartilhando um único caminho de carga\, a precariedade de ambos paradoxalmente criando a estabilidade da forma final. Os “Big Double Blockworks” de Gormley evocam a necessidade intrínseca de apoio e intimidade. \n\n\n\nAo lado dos blocos na galeria superior\, estão uma seleção de desenhos de Gormley. Executados em vários meios\, incluindo carbono\, caseína e tinta de nogueira\, esses desenhos articulam trajetórias arquitetônicas e expansão cosmológica. Nos desenhos ‘Cósmicos’ (2014-18)\, o artista explora a criação de luz através da transformação da matéria no espaço\, como nos fenômenos de quasares e supernovas. Para Gormley\, esses desenhos são ‘criados pelas forças da matéria fluida e são descobertos em vez de feitos’. Em ‘Abertura’ e ‘Lux’ (ambos de 2023)\, camadas de carbono e caseína evocam os interiores das obras em grande escala anteriores de Gormley\, como Modelo (2012) e Caverna (2019)\, que exploram corpos como edifícios. Aqui\, o espaço arquitetônico é transportado através de planos fractais que parecem convergir as dimensões de espaço\, luz e volume. Em outros desenhos\, difusões escuras de carbono evocam o que o artista chama de ‘escuridão do corpo’. Essas obras expressam a experiência da meditação onde\, ao acalmar o corpo em várias posições comprimidas\, alguém pode ganhar um sentido do espaço ilimitado\, sem bordas\, sem objetos dentro do corpo.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/aerial-de-antony-gormley-na-white-cube/
LOCATION:White Cube Nova York\, 1002 Madison Avenue\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
CATEGORIES:Nova York
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