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SUMMARY:Instalação David Hammons no Whitney Museum of American Art
DESCRIPTION:O Whitney\, em colaboração com o Hudson River Park \, desenvolveu um projeto de arte pública permanente de David Hammons (n. 1943). Intitulada Day’s End (2014–21)\, esta instalação monumental está localizada no Hudson River Park ao longo da margem sul da Península de Gansevoort\, em frente ao Museu. \n\n\n\nProposto ao Whitney por Hammons\, Day’s End se inspira em uma obra de arte de mesmo nome de Gordon Matta-Clark (1943-1978). Em 1975\, Matta-Clark cortou cinco aberturas no galpão Pier 52 que anteriormente ocupava o local. O Hammons’s Day’s End é uma estrutura aberta que segue precisamente os contornos\, dimensões e localização do galpão original – e\, como a intervenção de Matta-Clark\, oferecerá um lugar extraordinário para experimentar a orla. \n\n\n\nEm conjunto com a realização do projeto\, o Whitney apresentou Around Day’s End: Downtown New York\, 1970–1986 \, uma exposição que apresentou obras da coleção relacionadas ao projeto seminal de Matta-Clark. O Whitney também criou materiais interpretativos\, incluindo a primeira série de podcasts do Museu\, Artists Among Us \, bem como vídeos e passeios a pé pelo bairro. Essa mídia de apoio toma os Day’s End s\, conforme previsto por Hammons e Matta-Clark\, como pontos de partida para explorar a história local – da orla e do Meatpacking District\, o papel dos artistas no bairro\, sua história LGBTQ e a ecologia do estuário. Novas pesquisas\, materiais de arquivo e entrevistas de história oral serão incorporadas.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/instalacao-david-hammons-no-whitney-museum-of-american-art/
LOCATION:Whitney Museum of American Art\, 99 Gansevoort St Manhattan\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"At the Dawn of a New Age" no Whitney Museum of American Art
DESCRIPTION:Os artistas americanos saudaram o século XX com uma confiança juvenil no progresso e na inovação. Animados pelas mudanças tecnológicas que estavam revolucionando as comunicações e a engenharia\, bem como as mudanças culturais\, como o sufrágio feminino\, os artistas abraçaram o novo em detrimento do tradicional e fixo. Não mais contentes em replicar a realidade\, eles se voltaram para os estilos de vanguarda como forma de comunicar sua empolgação com uma época que o crítico Walter Lippmann caracterizou como “explosiva com novas ideias\, novos planos e novas esperanças”. \n\n\n\nAlguns dos artistas apresentados nesta exposição\, como Georgia O’Keeffe e Marsden Hartley \, são bem conhecidos hoje\, mas muitos modernistas igualmente inovadores foram amplamente esquecidos. Com mais de sessenta obras de quarenta e cinco artistas extraídas principalmente da coleção permanente do Whitney\, At the Dawn of a New Age oferece uma compreensão expandida da complexidade da arte americana produzida entre 1900 e 1930 e recupera a exuberante sensação de liberdade e experimentação subjacente isto. \n\n\n\nEsta exposição é organizada por Barbara Haskell\, curadora.
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LOCATION:Whitney Museum of American Art\, 99 Gansevoort St Manhattan\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Amalia Mesa-Bains: Archaeology of Memory" no El Museo del Barrio
DESCRIPTION:Vista da instalação de Amalia Mesa-Bains\, “The Virgin’s Garden\, 1994/2022” em “Venus Envy Chapter II: The Harem and Other Enclosures”. Cortesia da artista e da Rena Bransten Gallery\, São Francisco. Fotografia de Matthew Sherman/Cortesia do Museo del Barrio.\n\n\n\nO Museo del Barrio apresenta “Amalia Mesa-Bains: Archaeology of Memory”\, a primeira exposição retrospectiva da artista\, curadora e teórica pioneira. Nascida em 1943 em uma família de imigrantes mexicanos\, Mesa-Bains tem sido uma figura de destaque na arte Chicanx por quase meio século. Sua prática explora temas feministas interseccionais\, espiritualidade centrada no meio ambiente e diversidade cultural para combater as exclusões racistas e de gênero da repressão colonial. A exposição apresenta mais de 40 obras\, incluindo as grandes “instalações-altar” da artista\, bem como gravuras\, livros de artista e códices. Ancorada pela série de vários capítulos “Venus Envy”\, “Archaeology of Memory” é uma rara oportunidade de ver três décadas de obras que desafiam gêneros de Mesa-Bains\, muitas das quais estão sendo exibidas juntas pela primeira vez. \n\n\n\nO Museo del Barrio é o único local na Costa Leste a receber a retrospectiva itinerante\, organizada pelo Berkeley Art Museum e Pacific Film Archive em colaboração com o Latinx Research Center (LRC) da UC Berkeley. A apresentação no Museo del Barrio expande a longa associação de Mesa-Bains com a instituição\, onde seu trabalho tem sido exibido desde os anos 1990. Mais recentemente\, sua arte e escrita crítica serviram como inspiração direta para a aclamada exposição de 2022\, DOMESTICANX\, uma apresentação intergeracional do grupo Latinx que expandiu a teoria inovadora de Mesa-Bains sobre a domesticana. \n\n\n\nEm meados da década de 1970\, a pesquisa de Mesa-Bains nas tradições ancestrais mexicanas levou à sua reinvenção inovadora de formas sagradas—altares domésticos e oferendas aos mortos—através de uma lente contemporânea como arte de instalação. Nas décadas seguintes\, a artista expandiu sua prática baseada em altares\, convertendo móveis domésticos como mesas\, armários ou penteadeiras em lugares de devoção e memória. Subsequentemente\, Mesa-Bains começou a considerar espaços na interseção do privado e do público para explorar as vidas de figuras femininas de contextos históricos e religiosos\, incluindo a freira e intelectual mexicana Sor Juana Inés de la Cruz e La Virgem de Guadalupe. Esses espaços\, que incluem uma biblioteca\, harém\, jardim e laboratório\, fornecem o cenário para a investigação arqueológica de Mesa-Bains sobre as histórias das mulheres e seu apagamento colonial. \n\n\n\nOs desenvolvimentos inovadores de Mesa-Bains são exibidos na série multi-partes “Venus Envy”\, criada entre 1993 e 2023 e em exibição em quatro galerias do Museo del Barrio. “Archaeology of Memory” marca a primeira vez que “Venus Envy” está sendo mostrada em sua totalidade\, tendo sido originalmente encenada em quatro capítulos em diferentes cenários institucionais\, incluindo a Bienal de Whitney de 1993; o Williams College Museum of Art; a Bernice Steinbaum Gallery; e a Menil Collection. Inspirado na terminologia freudiana\, o título de Mesa-Bains é sugestivo do empoderamento feminino ao longo da história. Outras instalações abordam a experiência da migração\, solidariedades femininas e conhecimento ancestral para reivindicar as histórias que foram ausentes da memória pública através das instituições patriarcais da nação\, religião e museu. Essas peças em grande escala são complementadas ao longo da exposição por obras em papel que iluminam a estética da artista de camadas textuais e baseadas em imagens e escavação em forma bidimensional. Baseando-se em histórias familiares\, experiências pessoais e legados artísticos\, essas gravuras\, livros feitos à mão e códices informam a prática conceitual de Mesa-Bains e servem como mapas para sua trajetória artística.
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LOCATION:El Museo del Barrio\, 1230 5th Avenue at 104th Street\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
CATEGORIES:Nova York
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SUMMARY:"Women’s Work" no New-York Historical Society
DESCRIPTION:O que é o “trabalho das mulheres”? Como as amplas tendências na história econômica\, legal e política dos Estados Unidos incentivaram as mulheres a assumirem certos empregos e as restringiram do “trabalho dos homens”? Como raça\, etnia\, classe social\, status legal\, orientação sexual e apresentação de gênero impactaram essas distinções? \n\n\n\nEm uma nova exposição\, o Centro de História das Mulheres destaca aproximadamente 45 objetos das próprias coleções do Museu e Biblioteca de Nova York para demonstrar como o “trabalho das mulheres” não se encaixa em categorias. Os itens vão desde um berço de mogno do século XIX até um kit de dissecação de médico do século XX\, e ainda\, um botão de alfinete com a mensagem “Shirley Chisholm for President”. A exposição busca mostrar que o trabalho das mulheres tem sido essencial para a sociedade americana e é inherentemente político: o trabalho das mulheres está em todos os lugares. Curada pela equipe curatorial do Centro de História das Mulheres e seus colaboradores.
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LOCATION:New-York Historical Society\, 170 Central Park W\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Bauhaus Stairway Mural" de Roy Lichtenstein na Gagosian
DESCRIPTION:A Gagosian tem o prazer de anunciar a instalação do mural Bauhaus Stairway Mural (1989) de Roy Lichtenstein na galeria localizada na 555 West 24th Street\, em Nova York. Esta é a segunda vez que a Gagosian exibe um mural de Lichtenstein\, seguindo a réplica do Greene Street Mural (1983) no mesmo local em 2015. \n\n\n\nNa década de 1960\, Lichtenstein forjou uma nova abordagem para a pintura ao fundir a cultura popular e a história da arte ocidental. Seu trabalho é enraizado nos poderes sedutores da publicidade e eleva a imagética gráfica da mídia impressa popular e das ilustrações de quadrinhos ao reino da alta arte. Empregando um processo artesanal\, ele se inspirou nas técnicas de impressão de revistas e jornais\, fazendo com que os pontos Benday e as cores vivas se tornassem sinônimos de Pop art. Lichtenstein produziu murais ao longo de sua carreira\, desde Girl in a Window para o Pavilhão do Estado de Nova York na Feira Mundial de 1964 até o Times Square Mural\, projetado em 1994 e instalado em 2002. \n\n\n\nMedindo aproximadamente 8 metros de altura e pintado em óleo e Magna sobre tela\, o Bauhaus Stairway Mural presta homenagem ao artista abstrato alemão Oskar Schlemmer (1888–1943) e sua pintura Bauhaustreppe (Escadaria da Bauhaus\, 1932). O mural de Lichtenstein foi encomendado para o átrio principal da sede da Creative Artists Agency (CAA) em Beverly Hills\, que o arquiteto do edifício\, I.M. Pei\, imaginou como um ponto de encontro para escritores\, diretores\, atores\, músicos e agentes – um enfoque na interação interdisciplinar que ressoava com o interesse de Lichtenstein em formas criativas acessíveis.
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LOCATION:Gagosian Nova York\, 555 West 24th Street\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Going Dark: The Contemporary Figure at the Edge of Visibility" no Guggenheim
DESCRIPTION:Going Dark: The Contemporary Figure at the Edge of Visibility apresenta obras de arte que trazem figuras parcialmente obscurecidas ou ocultas\, posicionando-as na “borda da visibilidade”. Neste contexto artístico\, a frase comum “a caminho da escuridão” é entendida como uma tática em que os artistas ocultam visualmente o corpo para explorar uma tensão fundamental na sociedade contemporânea: o desejo de ser visto e o desejo de estar escondido da vista. \n\n\n\nOs artistas na exposição articulam o “caminho da escuridão” por meio de estratégias formais que podem incluir métodos de escurecimento literal\, como sombreamento; rotação do corpo; materiais e métodos de impressão inovadores; e ferramentas de pós-produção que borram ou iluminam. Algumas das obras mais recentes que estarão em exibição fazem uso da tecnologia digital\, como a tela verde (ou azul) croma-chave. Essas obras se movem fluidamente entre a figuração e a abstração\, e muitos artistas manipulam de forma inventiva a cor e a luz para também obscurecer a percepção ótica\, desafiando a própria biologia da visão. \n\n\n\nOcupando a icônica rotunda do Museu Guggenheim\, Going Dark apresenta mais de 100 obras de um grupo de 28 artistas\, a maioria dos quais é negra e mais da metade dos quais são mulheres. Embora a maioria das obras datem dos anos 1980 até o presente\, uma seleção delas foi criada nas décadas de 1960 e 1970 por três artistas icônicos – David Hammons\, Faith Ringgold e Charles White – sugerindo que o desenvolvimento da arte conceitual durante essas décadas lançou novos caminhos de expressão que serviram de base para os artistas contemporâneos que abordam a “borda da visibilidade” hoje. \n\n\n\nGoing Dark: The Contemporary Figure at the Edge of Visibility é organizada por Ashley James\, Curadora Associada de Arte Contemporânea\, com a assistência curatorial de Faith Hunter.
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LOCATION:Guggenheim\, 1071 5th Ave Manhattan\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Kay WalkingStick / Hudson River School" no New-York Historical Society
DESCRIPTION:A exposição Kay WalkingStick / Hudson River School coloca as pinturas de paisagens da renomada artista contemporânea cherokee Kay WalkingStick em diálogo com destaques da coleção de pinturas da Escola do Rio Hudson do século XIX do New-York Historical. Esse diálogo artístico destaca as maneiras pelas quais o trabalho de WalkingStick se conecta e se afasta da tradição da Escola do Rio Hudson e explora a agência da arte na formação da relação da humanidade com a terra. A exposição celebra uma reverência compartilhada pela natureza\, ao mesmo tempo em que aborda questões cruciais sobre a desapropriação da terra e sua reivindicação pelos povos e nações indígenas\, e explora a relação entre a arte indígena e a história da arte americana. \n\n\n\nDestaques dos mais de 40 trabalhos da exposição incluem duas pinturas de WalkingStick diretamente inspiradas por artistas da Escola do Rio Hudson; a única paisagem da artista que faz referência à Trilha das Lágrimas (uma jornada forçada que seus antepassados cherokees tiveram que fazer); exemplos de suas primeiras abstrações esculturais pintadas\, inspiradas na natureza; e várias de suas pinturas mais recentes\, como Niagara e Aquidneck After the Storm\, que sobrepõem padrões indígenas abstratos geograficamente específicos a paisagens representacionais\, a fim de reafirmar uma presença indígena que foi apagada nas representações dos colonizadores europeus da América do Norte como uma região intocada e despovoada. Objetos indígenas americanos emprestados pela artista e outras coleções de museus\, incluindo cestas tecidas e jarros de cerâmica\, oferecem insights sobre os padrões de origem de WalkingStick e seu processo artístico. \n\n\n\nA exposição é o resultado de uma estreita colaboração entre a artista e Wendy Nālani E. Ikemoto (nativa havaiana)\, curadora sênior de arte americana do New-York Historical.
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LOCATION:New-York Historical Society\, 170 Central Park W\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Suneil Sanzgiri: Here the Earth Grows Gold" no Brooklyn Museum
DESCRIPTION:Como vivemos e narramos momentos de revolução e revolta\, e como entendemos essas experiências através do tempo e da distância? Utilizando tecnologias de imagem para meditar sobre o que significa testemunhar de longe\, Suneil Sanzgiri explora as complexidades do anticolonialismo\, nacionalismo e identidade diaspórica. Seu trabalho é inspirado pelo legado de resistência de sua família em Goa\, Índia\, uma área sob ocupação portuguesa por mais de 450 anos até sua independência em 1961. Two Refusals (Would We Recognize Ourselves Unbroken?)\, a mais nova instalação de vídeo em dois canais do artista\, combina filmagens de arquivo\, animação\, entrevistas e um roteiro escrito pela poetisa Sham-e-Ali Nayeem. O filme conta as histórias da luta mútua na Índia e na África contra o colonialismo português\, destacando a solidariedade que se desenvolveu entre os dois continentes durante as décadas de 1960 e 1970. \n\n\n\nHere the Earth Grows Gold\, a primeira exposição solo de Sanzgiri em um museu\, combina o filme com uma projeção em 16 mm e um novo trabalho escultural. Modelado a partir de estruturas de bambu vistas em toda a Ásia do Sul\, o conjunto apresenta fotos de família\, renderizações em 3D\, publicações anticoloniais e imagens de água e solo de argila vermelha de Goa\, extraídas de sua pesquisa. Juntas\, essas obras apresentam o conceito de diáspora como uma maneira de reconfigurar nosso entendimento de história e pertencimento.
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LOCATION:Brooklyn Museum\, 200 Eastern Pkwy Brooklyn\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Prickling Goosebumps & a Humming Horizon" de Pipilotti Rist na Hauser & Wirth NY
DESCRIPTION:A artista suíça Pipilotti Rist\, autodenominada ‘selvagem e amigável’\, apresenta uma seleção de obras esculturais e projeções recentes na exposição Prickling Goosebumps & a Humming Horizon\, uma importante mostra em duas partes que será inaugurada em Chelsea. A exposição ocorre simultaneamente na localidade da 22nd Street da Hauser & Wirth e na localidade da 24th Street da Luhring Augustine\, sendo concebida pela artista como uma experiência multisensorial para os visitantes. Nestas apresentações complementares\, Rist explorará espaços físicos e psicológicos internos e externos\, com a Luhring Augustine reimaginada como um amplo ‘quintal’ compartilhado e a Hauser & Wirth transformada em uma ‘sala de estar coletiva’ lúdica. \n\n\n\nEm cada local\, os visitantes serão recebidos com um gesto artístico na fachada: a obra Textile Simultaneity na Luhring Augustine e a Innocent Collection na Hauser & Wirth.
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LOCATION:Hauser & Wirth 22nd Street\, 542 West 22nd Street\, Nova York\, Nova York
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SUMMARY:"Ruminations" de Frank Gehry na Gagosian
DESCRIPTION:A Gagosian apresenta Ruminations\, uma exposição de novas esculturas e obras em papel de Frank Gehry\, que será inaugurada na localização da galeria na Madison Avenue 976 em 8 de fevereiro de 2024. Ruminations apresenta elaborações em grande escala de objetos da série de esculturas Fish Lamps de Gehry (1984–86 e 2012–)\, uma escultura de Crocodile Lamp e várias obras em papel que não foram anteriormente vistas em Nova York. \n\n\n\nAs esculturas\, várias das quais serão visíveis a partir desta exposição\, são formas internamente iluminadas em cobre e Formica; um peixe de cobre fica suspenso do teto do primeiro espaço da galeria\, onde também está em exibição a escultura Crocodile Lamp (2023). Outros dois grupos autônomos estão expostos sobre bases pesadas de madeira artesanal no segundo espaço\, ao lado de outro grande peixe suspenso. Embora as esculturas de peixes de Gehry sejam obras autônomas\, a “forma perfeita” da antiga criatura que elas emulam reaparece em todo seu trabalho arquitetônico\, contribuindo para os perfis ondulados de edifícios como o Walt Disney Concert Hall de 2003 em Los Angeles; Guggenheim Bilbao (1997); e Guggenheim Abu Dhabi (abertura em 2025). As escamas semelhantes a folhas no peixe de cobre representam um novo motivo inspirado em uma caminhada que Gehry fez com sua neta.
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LOCATION:Gagosian\, 976 Madison Ave Manhattan\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Hello Thank You Come In: 50th Anniversary Members Exhibition" no Center of Book Arts
DESCRIPTION:Hello Thank You Come In: 50th Anniversary Members Exhibition no Center for Book Arts é uma celebração do meio século de dedicação do centro às artes do livro. Esta exposição homenageia tanto a história do centro quanto o talento da sua comunidade de membros artistas\, apresentando uma variedade de obras que incluem desde livros de artistas até publicações que incorporam técnicas inovadoras e materiais não convencionais como tecido\, objetos encontrados e materiais de arquivo. Ao mesmo tempo que desafiam a forma tradicional do livro\, essas obras também prestam tributo a ele\, refletindo a evolução e a diversidade das artes do livro no decorrer dos anos. A escolha do nome da exposição\, inspirada em uma fotografia histórica da primeira sede do centro\, sublinha a importância da comunidade e da hospitalidade no coração das atividades do Center for Book Arts ao longo das décadas.
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LOCATION:Center for Book Arts\, 28 W 27th St\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Lorenza Longhi: World of Yum Yum" no Swiss Institute
DESCRIPTION:O Swiss Institute (SI) apresenta World of Yum Yum\, a primeira exposição individual nos Estados Unidos da artista Lorenza Longhi\, apresentando pinturas e esculturas recentemente encomendadas em uma instalação específica para o local. Através de intervenções arquitetônicas e uma linguagem visual que emprega estratégias da publicidade de luxo\, merchandising e comércio\, juntamente com técnicas de artesanato e faça-você-mesmo\, o trabalho de Longhi considera espaços de exibição e os desejos que eles despertam. Inspirada por um espaço de exposição temporário que Longhi encontrou em um aeroporto\, World of Yum Yum apresenta uma série de close-ups hiper-realistas de flores artificiais feitas à mão\, reminiscentes de broches Chanel\, em painéis móveis que pendem de trilhos no teto. Aparecendo como fotografias ampliadas coladas como pôsteres e serigrafadas com padrões sobrepostos de contornos de flores e pontos\, o centro de cada broche abriga uma câmera espiã que espreita para fora. \n\n\n\nAs flores retratadas nas imagens de Longhi são esculturas reais\, cada uma contendo uma câmera funcionando. Ela as constrói a partir de tecidos reciclados que encontrou ou coletou seguindo as instruções do YouTube para fazer camélias Chanel. Para esta exposição\, as pequenas esculturas de flores foram fotografadas por Longhi junto com dois fotógrafos profissionais e ampliadas significativamente. A qualidade das fotos varia dependendo do olhar e da câmera do fotógrafo. Algumas são nítidas\, enquanto outras são suaves\, turvas ou de má qualidade\, lembrando imagens geradas por IA. O interesse principal de Longhi não é a fidelidade fotográfica\, mas sim a proximidade e a textura da superfície dos objetos\, sua materialidade. A evidência de seu ato privado de criação tem prioridade. \n\n\n\nLonghi usou o microfone da câmera espiã para gravar sons atmosféricos de música enquanto passeava por lojas de departamento em Zurique\, onde vive\, e Nova York. Além disso\, ela posicionou vários alto-falantes tocando várias músicas pop em seu estúdio e apartamento\, e gravou a variedade de trilhas sonoras em constante mudança enquanto passava por eles com o mesmo dispositivo espião. Uma mistura do áudio resultante é reproduzida na exposição em alto-falantes direcionais localizados em caixas montadas na parede\, cobertas com papel de embrulho de florista\, bem como reproduções do mesmo papel e uma tela de serigrafia impressa que ela usou anteriormente para as pinturas. Ao passar\, quase parece compras.
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LOCATION:Swiss Intitute\, 38 St Marks Pl\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
CATEGORIES:Nova York
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SUMMARY:"Raven Chacon: A Worm's Eye View from a Bird's Beak" no Swiss Institute
DESCRIPTION:O Swiss Institute (SI) apresenta A Worm’s Eye View from a Bird’s Beak\, a primeira grande exposição individual institucional do artista Raven Chacon\, organizada em parceria com o Nordnorsk Kunstmuseum em Tromsø\, Noruega. O primeiro artista nativo americano a receber o Prêmio Pulitzer de Música em 2022\, Chacon trabalha com som\, vídeo\, partituras\, performance e escultura para abordar a soberania indígena e a justiça ambiental. A mostra reúne obras inovadoras dos últimos 25 anos com uma instalação de som e vídeo recém-encomendada\, novas iterações de obras pioneiras e um grande mural de arte pública no prédio do SI. A exposição abrange contextos geográficos diversos: Sápmi (a terra dos Sámi atravessada pelos estados-nação da Noruega\, Suécia\, Finlândia e Rússia) e Lenapehoking\, ou Nova York\, na Turtle Island. Ambos os locais compartilham histórias e presenças indígenas que o colonialismo tentou erradicar por séculos. No entanto\, também são locais onde a resiliência\, ou\, nas palavras do teórico cultural Gerald Vizenor\, a “sobrevivência” continua a prosperar. \n\n\n\nAo entrar na exposição\, a partitura American Ledger No. 1 (2018) exibe uma meditação gráfica sobre a fundação dos Estados Unidos em ordem cronológica descendente. Feita para instrumentos de sustentação e percussão\, moedas\, machado e madeira\, um apito de polícia e um fósforo\, a peça narra momentos de contato\, promulgação de leis coloniais\, eventos de violência\, construção de cidades\, apropriação de terras e tentativas de eliminar visões de mundo indígenas. No centro da galeria do primeiro andar do SI está a instalação sonora de Chacon\, Still Life No. 3 (2015). Através de uma série de alto-falantes instalados em um arco em cascata\, uma mulher conta a história de origens dos Navajos\, que compreende quatro mundos abaixo e vários outros acima. Mas\, em vez de conceber os mundos abaixo como o passado e os mundos acima como o futuro\, da maneira linear que narrativas ocidentais podem sugerir\, na cosmogonia Navajo\, esses múltiplos mundos ainda\, ou já\, existem. Partes do mito de criação se repetem e se sobrepõem\, borrando sua progressão e permitindo que múltiplas temporalidades coexistam e se influenciem mutuamente. Mais adiante na galeria\, Report (2001/2015)\, uma composição e partitura para um conjunto de armas de fogo\, pontua o silêncio com uma cacofonia de poder e resistência. \n\n\n\nNo segundo andar\, a nova instalação de vídeo de Chacon\, For Four (Caldera) (2024)\, apresenta quatro mulheres em pé em um vazio vulcânico nas Montanhas Jemez\, no Novo México\, lendo o panorama de seu ambiente natural e expressando o que veem através da música. Para uma nova iteração de Still Life No. 4\, Chacon tocou um tambor Diné da coleção do Museu Nacional do Índio Americano do Smithsonian que não havia sido tocado por muito tempo e gravou a batida\, reproduzindo-a em estações de escuta no SI e em outros lugares em diferentes tempos\, variando de rápido a lento quanto mais distante cada estação estiver do tambor. Field Recordings (1999) do sudoeste americano amplificam os sons do silêncio para produzir ruídos que revelam os padrões vibracionais desses locais. Além disso\, por todo o prédio\, os espectadores são convidados a pegar e realizar impressões de partituras. Pintada como um mural em grande escala na fachada externa do SI\, de frente para a St. Marks Pl\, a nova partitura para Vertical Neighbors (2024) será ativada durante a exposição com uma performance\, juntamente com uma programação pública abrangente ao longo da duração da mostra.
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LOCATION:Swiss Intitute\, 38 St Marks Pl\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"The Flesh of the Earth" na Hauser & Wirth NY
DESCRIPTION:A exposição The Flesh of the Earth\, apresentada pela Hauser & Wirth em Nova York\, se destaca como um convite à reflexão e à conexão mais profunda com nosso ambiente\, curada pela escritora e crítica nigeriano-americana Enuma Okoro. Esta mostra multidisciplinar reúne um conjunto de artistas\, incluindo Olafur Eliasson\, Adama Delphine Fawundu\, Jenny Holzer\, Rashid Johnson\, Haley Mellin\, Cassi Namoda\, Lorna Simpson\, Kiki Smith\, Pamela Phatsimo Sunstrum e Billie Zangewa\, criando um diálogo visual e conceitual que desafia a predominante visão antropocêntrica do mundo. \n\n\n\nEnuma Okoro nos propõe uma jornada de reconexão e reimaginação de nosso papel na teia da vida\, incentivando uma abordagem mais humilde e integrada com a natureza. A exposição argumenta que os corpos humanos\, assim como todos os corpos naturais\, são meios fundamentais de interação com a Terra. \n\n\n\nA exposição também incluirá a poesia da aclamada autora Ama Codjoe\, que desenha imagens tanto pungentes quanto marcantes com suas palavras\, articulando o tipo de reflexão sensível e imaginativa que pode nos estimular a reacender uma intimidade necessária com o mais-que-humano — novamente\, enfatizando o corpo como o veículo primário através do qual alcançar isso.
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LOCATION:Hauser & Wirth 22nd Street\, 542 West 22nd Street\, Nova York\, Nova York
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SUMMARY:"No One Thing. David Smith\, Late Sculptures" na Hauser & Wirth NY
DESCRIPTION:Um dos artistas mais influentes e inovadores do século XX\, e o escultor mais intimamente associado ao movimento expressionista abstrato\, David Smith (1906–1965) estava em seu momento mais experimental e prolífico nos últimos cinco anos de sua vida. Durante esse período\, ele criou aproximadamente um terço de sua obra escultural. Ele utilizou a soldagem para alcançar novos objetivos monumentais\, incorporou o espaço aberto em sua disposição de formas planares e animou superfícies esculturais com tinta em combinações de cores que transcendiam a lógica – todas inovações que transgrediram a norma\, solidificaram seu legado e impactaram gerações de artistas por vir. Em sua pura variedade\, as obras tardias de Smith são\, no entanto\, unidas por uma única característica compartilhada: inventividade ardente e liberta. \n\n\n\nNo One Thing. David Smith\, Late Sculptures na galeria da Hauser & Wirth apresenta sete das esculturas mais importantes do artista desses últimos anos. O título da exposição\, com curadoria de Alexis Lowry\, presta homenagem à versatilidade radical do lendário artista\, à engenhosidade estilística e ao espírito experimental.
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LOCATION:Hauser & Wirth 22nd Street\, 542 West 22nd Street\, Nova York\, Nova York
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SUMMARY:"Harold Cohen: AARON" no Whitney Museum
DESCRIPTION:Esta exposição traça a evolução de AARON\, o mais antigo programa de inteligência artificial (IA) para criação de arte\, desenvolvido por Harold Cohen. Abandonando sua prática como pintor estabelecido em Londres\, Cohen (1928–2016) concebeu o software no final da década de 1960 na Universidade da Califórnia\, San Diego\, e o nomeou AARON no início dos anos 1970. O título faz alusão à figura bíblica ungida como porta-voz de seu irmão Moisés e questiona como a criação artística muitas vezes é glorificada como uma forma de comunicação com o divino. Cohen entendia seu trabalho com AARON como uma colaboração e dedicou sua vida a explorar o potencial da inteligência artificial para traduzir o conhecimento e o processo de um artista em código. \n\n\n\nAo longo das décadas\, o software AARON criou imagens destinadas a serem executadas por dispositivos de desenho e pintura\, bem como visuais para exibição em monitores ou projeções. Para gerar a saída do AARON\, Cohen construiu seus próprios traçadores e máquinas de pintura\, que interpretam comandos de um computador para fazer desenhos lineares em papel com canetas automatizadas e adicionar cor com pincéis. Retirada da coleção do Whitney\, esta exposição não apenas apresenta obras do AARON\, mas também destaca o software como a força criativa central por trás delas por meio de versões baseadas em tela do programa e desenhos feitos por traçadores operando ao vivo na galeria. \n\n\n\nÀ medida que as ferramentas de inteligência artificial para criação de imagens entraram no mainstream com software baseado em texto\, como DALL-E\, Midjourney e Stable Diffusion\, Harold Cohen: AARON fornece uma perspectiva histórica importante. Também oferece explorações mais profundas de ideias sobre criatividade\, autoria e colaboração no contexto da IA. \n\n\n\nEsta exposição é organizada por Christiane Paul\, Curadora de Arte Digital\, com a assistência curatorial de David Lisbon.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/harold-cohen-aaron-no-whitney-museum/
LOCATION:Whitney Museum of American Art\, 99 Gansevoort St Manhattan\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
CATEGORIES:Nova York
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SUMMARY:"Giants" no Brooklyn Museum
DESCRIPTION:Gordon Parks. Jean-Michel Basquiat. Lorna Simpson. Kehinde Wiley. Nina Chanel Abney. Esses nomes têm grande importância no passado e presente da arte\, assim como muitos outros na coleção de ícones musicais e culturais Swizz Beatz (Kasseem Dean) e Alicia Keys. Expansivos em seus hábitos de coleção\, os Deans\, ambos nascidos e criados em Nova York\, defendem a filosofia de “artistas apoiando artistas”. A primeira grande exposição da Coleção Dean\, Giants\, destaca uma seleção focada das holdings de classe mundial do casal. A apresentação no Museu do Brooklyn destaca obras de artistas diaspóricos negros\, como parte dos esforços contínuos do museu para expandir a narrativa da história da arte. \n\n\n\nGiants refere-se a vários aspectos da Coleção Dean: a fama de artistas lendários\, o impacto de artistas contemporâneos que expandem o cânone e as obras monumentais de criadores como Derrick Adams\, Arthur Jafa e Meleko Mokgosi. Peças imensas\, incluindo a maior já feita por Mokgosi\, estão emparelhadas com destaques como as fotografias seminais de Parks\, os retratos revolucionários de Wiley e as telas de alcance global de Esther Mahlangu. \n\n\n\nO termo também evoca a força dos laços entre os Deans e os artistas que eles apoiam\, e entre os próprios artistas. Além de examinar esses vínculos e legados\, a exposição incentivará “grandes conversas” inspiradas nas obras em exibição – criticando a sociedade e celebrando a negritude.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/giants-no-brooklyn-museum/
LOCATION:Brooklyn Museum\, 200 Eastern Pkwy Brooklyn\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Don't Forget to Call Your Mother" no The Met Museum
DESCRIPTION:Sadie Barnette\, Photo Bar\, 2022 © Sadie Barnette. Foto: Phillip Maisel.\n\n\n\n\nEm uma época em que as fotografias são principalmente compartilhadas e armazenadas digitalmente\, muitos artistas estão retornando à materialidade dos instantâneos em um álbum ou das imagens em um arquivo como fonte de inspiração. A exposição\, intitulada Don’t Forget to Call Your Mother (“Não Esqueça de Ligar para Sua Mãe”)\, a partir de uma fotografia do provocador italiano Maurizio Cattelan\, consiste em obras da coleção do Met\, que vão dos anos 1970 até os dias atuais\, refletindo sobre os sentimentos complexos de nostalgia e sentimentalismo que esses objetos evocam\, enquanto sublinha o poder do objeto encontrado. \nEntre os artistas em destaque está Sadie Barnette\, para quem as fotografias servem como um portal para iluminar a história esquecida do primeiro bar gay de propriedade de negros em São Francisco e a vida de seu próprio pai\, como ilustra poderosamente sua obra Photo Bar de 2022. Assim como Barnette\, muitos dos artistas da exposição buscam fortalecer o legado das histórias familiares\, enfatizar a importância das relações intergeracionais e considerar as maneiras pelas quais o conhecimento e o respeito pelo passado podem informar o nosso momento atual. Alguns artistas\, como Sophie Calle e Larry Sultan\, exploram suas próprias narrativas para revelar a construção do desejo\, enquanto outros\, incluindo Taryn Simon e Hank Willis Thomas\, examinam histórias que moldaram o diálogo cultural e político. Para alguns\, como Darrel Ellis\, que utilizou fotos de família para negociar o trauma da violência policial\, o pessoal é político. Empregando várias estratégias\, esses artistas consideram como uma coleção de imagens—como um talismã ou um retábulo—constrói relações ao longo do tempo e pode transformar nossa compreensão do presente. \nA exposição é viabilizada por Joyce Frank Menschel.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/dont-forget-to-call-your-mother-no-the-met-museum/
LOCATION:The Metropolitan Museum of Art\, 1000 5th Ave\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Klimt Landscapes" na Neue Galerie
DESCRIPTION:Gustav Klimt\, Park at Kammer Castle\, 1909 (detalhe)\n\n\n\nEssa importante exposição das idílicas representações de Gustav Klimt (1862–1918) no gênero da paisagem apresentará pinturas significativas feitas enquanto o artista estava em sua Sommerfrische (férias de verão) no campo austríaco. Klimt Landscapes apresentará destaques do acervo da Neue Galerie New York\, como o Park at Kammer Castle (1909) e Forester’s House in Weissenbach II (Garden) (1914)\, ao lado de importantes empréstimos de museus e coleções privadas na Europa e nos Estados Unidos\, incluindo obras dos Museus de Arte de Harvard\, do Museu de Arte Moderna e do Museu de Viena. Nos últimos vinte anos de sua carreira\, Klimt dedicou considerável energia à pintura de paisagens durante suas férias de verão no Attersee\, na região de Salzkammergut\, na Áustria\, conhecida por seus lagos tranquilos. Criadas puramente para seu próprio prazer\, essas cenas bucólicas se tornaram algumas de suas imagens mais procuradas e foram muito cobiçadas por colecionadores. A maioria foi feita em formato quadrado – um reflexo de sua fascinação pela fotografia. \n\n\n\nEssa exposição especial examinará as paisagens de Klimt dentro do contexto de sua obra mais ampla e traçará a evolução de seu estilo\, desde aquele informado pelo historicismo e pela tradição acadêmica até uma aceitação de tendências simbolistas. Após a fundação da Secessão de Viena em 1897\, Klimt se tornou um dos principais defensores do movimento moderno. Ele passou uma década explorando o ideal do Gesamtkunstwerk (obra de arte total) e sua abordagem evoluiu durante esse período para se tornar mais decorativa e ornamentada\, culminando em seu Estilo Dourado. Depois disso\, ele passou a adotar um estilo mais pictórico de trabalho em cores puras e influenciado por artistas franceses\, em particular. \n\n\n\nAs paisagens de Klimt serão situadas ao lado do raro portfólio de impressões\, Das Werk Gustav Klimts\, bem como fotografia\, moda e artes decorativas das Wiener Werkstätte (Oficinas de Viena). A exposição também considerará o relacionamento de Klimt com sua cunhada\, a estilista Emilie Flöge\, que foi uma amiga de longa data e confidente confiável; seu profundo envolvimento com a vanguarda vienense; e as técnicas que ele empregou para alcançar obras fascinantes e harmoniosas que literalmente brilham com cor e luz. \n\n\n\nA Neue Galerie New York é renomada por sua resplandecente Galeria Klimt\, Das Werk Gustav Klimts\, que apresenta permanentemente obras de todos os períodos da carreira do artista\, incluindo seu Portrait of Adele Bloch Bauer I de 1907\, uma obra-prima do Estilo Dourado de Klimt. Poucas pinturas capturaram a imaginação do público tão completamente quanto a chamada “Mulher de Ouro”\, e por esse motivo Klimt é mais admirado por seus retratos sensuais de mulheres. Klimt foi uma figura central na vida cultural de Viena no final do século XIX\, e essa grande exposição situará seu trabalho em um contexto interdisciplinar para ajudar a gerar novas percepções e entendimentos sobre suas consideráveis realizações e contribuições artísticas. \n\n\n\nEsta exposição é curada por Janis Staggs\, Diretora de Curadoria e Gerente de Publicações da Neue Galerie New York.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/klimt-landscapes-na-neue-galerie/
LOCATION:Neue Galerie\, 1048 Fifth Avenue\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Indian Sky" no The Met Museum
DESCRIPTION:Marriage procession in a bazaar de uma série Ramayana ou Bhagavata Purana\, c. 1640-1650. (Howard Hodgkin Collection/Metropolitan Museum of Art). Foto © Ashmolean Museum\, University of Oxford\n\n\n\nAo longo de sessenta anos\, o artista britânico Howard Hodgkin (britânico\, Londres 1932–2017 Londres) formou uma coleção de pinturas e desenhos indianos reconhecida como uma das melhores de seu tipo. Um pintor e gravurista altamente respeitado\, Hodgkin colecionou obras dos tribunais Mughal\, Deccani\, Rajput e Pahari datadas do século XVI ao XIX\, que refletem sua paixão pessoal pela arte indiana. Esta exposição apresenta mais de 120 dessas obras\, muitas das quais o Met adquiriu recentemente\, junto com empréstimos do The Howard Hodgkin Indian Collection Trust. \n\n\n\nAs obras em exibição incluem retratos deslumbrantes\, ilustrações textuais lindamente detalhadas\, estudos da natureza e temas devocionais. A exposição também exibirá uma pintura de Hodgkin\, Small Indian Sky\, que alude à sutil relação entre sua própria obra\, a Índia e sua coleção. \n\n\n\nEsta exposição é acompanhada por uma edição do Boletim do Metropolitan Museum of Art.
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SUMMARY:"Meta/Physical Therapy" de Shana Moulton no MoMA
DESCRIPTION:Vista da instalação de Shana Moulton\, em cartaz no MoMA. Foto: Jonathan Dorado\n\n\n\nEssa exposição vai estrear uma nova instalação específica do local por Shana Moulton\, cujo trabalho captura a banalidade e a enormidade da vida cotidiana. Através de performance\, vídeo e escultura\, Moulton narra as experiências de seu alter ego semi-autobiográfico\, Cynthia\, enquanto ela navega entre escolhas pessoais e limitações físicas. Transformando o Estúdio Kravis em um ambiente prismático\, essa instalação utiliza a mistura característica da artista de imagens espirituais\, tecnologia médica\, cultura popular e referências à arte alta e kitsch de loja de dólar. Uma extensão da série Whispering Pines de Moulton\, que teve início em 2002\, o projeto continua a investigação incisiva da artista sobre a estética da dor e da cura\, assim como o marketing em massa do bem-estar\, e explora as adversidades da meia-idade. Apresentado como uma narrativa de vários capítulos\, a instalação será acompanhada por uma série de performances criadas em colaboração com o compositor Nick Hallett\, dando vida ao mundo interior de Cynthia.
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SUMMARY:"Kind of Blue" de Verena Loewensberg na Hauser & Wirth NY
DESCRIPTION:Verena Loewensberg\, Untitled\, 1944 (detalhe)\n\n\n\nCom curadoria de Henriette Coray Loewensberg\, presidente da Fundação Verena Loewensberg\, com o apoio de Lionel Bovier\, vice-presidente da Fundação e diretor do MAMCO em Genebra\, Kind of Blue apresenta pinturas que abrangem quatro décadas da carreira da artista\, bem como a única obra escultural que Loewensberg já fez. Na década de 1960\, Loewensberg abriu a City-Discount\, a primeira loja de discos de jazz de Zurique. A apresentação da Hauser & Wirth\, intitulada em homenagem ao álbum seminal de Miles Davis de 1959\, dará aos visitantes a oportunidade de descobrir o amor da artista pelo jazz\, que se expressava em suas pinturas por meio de ritmo e movimento.
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SUMMARY:"Huma Bhabha : Welcome…to the one who came" na David Zwirner
DESCRIPTION:Huma Bhabha\, Nothing Falls\, 2024\n\n\n\nDavid Zwirner apresenta exposições simultâneas do trabalho de Huma Bhabha (nascida em 1962) nas localizações da galeria em 537 West 20th Street e 34 East 69th Street em Nova York. Estas são as primeiras apresentações do trabalho de Bhabha desde o anúncio de sua representação em 2022\, e seguem a exposição individual da artista em 2023 no M Leuven\, Bélgica\, que subsequentemente viajou para o MO.CO.\, Montpellier\, França. Em março de 2024\, três esculturas de Bhabha serão especialmente apresentadas na exposição retrospectiva Julie Mehretu: Ensemble no Palazzo Grassi\, em Veneza. Em abril de 2024\, uma instalação em grande escala de Bhabha\, encomendada pelo Public Art Fund\, será inaugurada no Brooklyn Bridge Park\, em Nova York. \n\n\n\nBhabha cria esculturas e desenhos camadas e nuances que se concentram em uma reinvenção da figura e suas possibilidades expressivas. Sua prática formalmente inovadora se inspira em uma ampla gama de referências\, desde aquelas que abrangem a história da arte até influências cotidianas como ficção científica e filmes de horror e as estruturas improvisadas e detritos da vida urbana. Instintiva e rigorosa\, seu trabalho traz diversos pontos de referência estéticos\, culturais e psicológicos em contato com questões de superfície\, materialidade e construção formal. Apresentadas na West 20th Street estão novas esculturas\, variando de pequenas a monumentais; em exibição na East 69th Street estão novas obras em papel e esculturas em menor escala. Juntas\, as exposições destacam a capacidade de Bhabha de transitar entre uma ampla gama de mídias e formas\, criando figuras híbridas profundamente ressonantes que parecem habitar simultaneamente o passado\, presente e futuro.
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LOCATION:David Zwirner\, 537 W 20th St Manhattan\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Raymond Saunders: Post No Bills" na David Zwirner
DESCRIPTION:Vista da instalção\, Raymond Saunders: Post No Bills\, David Zwirner\, Nova York\, 2024\n\n\n\nDavid Zwirner e Andrew Kreps Gallery apresentam Post No Bills\, uma exposição de obras do artista americano Raymond Saunders nas galerias David Zwirner em 519 e 525 West 19th Street em Chelsea e na Andrew Kreps Gallery em 22 Cortlandt Alley em Tribeca. Curada por Ebony L. Haynes\, esta apresentação em duas partes destacará a capacidade de Saunders de infundir suas obras com relevância social\, ao mesmo tempo que mantém um senso de dinamismo visual e espontaneidade—desafiando os espectadores a confrontar as complexidades da experiência humana. \n\n\n\nEm suas obras\, Saunders combina seu extenso treinamento formal com suas próprias observações e experiência de vida. Suas pinturas em estilo de montagem frequentemente começam com um fundo monocromático preto elaborado com giz branco—tanto uma reversão pontual da relação tradicional entre figura e fundo quanto um aceno às décadas de Saunders passadas como professor. Ele subsequentemente adiciona uma variedade de outras marcações\, materiais e talismãs. Manchas expressionistas de tinta\, motivos minimalistas\, desenhos de linha e passagens de cores vibrantes se entrelaçam com objetos encontrados\, sinais e portas coletadas de seu ambiente urbano\, criando rimas visuais inesperadas e ressonâncias que recompensam a observação cuidadosa e sustentada. Ao mesmo tempo\, construídas deliberadamente e improvisadas\, didáticas e profundamente sentidas\, essas superfícies ricamente construídas evocam uma variedade de temas\, permitindo uma vasta e multiplicidade de significados.
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SUMMARY:"The Harlem Renaissance and Transatlantic Modernism" no The Met Museum
DESCRIPTION:William Henry Johnson\, Woman in Blue\, c. 1943. Cortesia do Museu de Arte da Universidade Clark Atlanta.\n\n\n\nO Metropolitan Museum of Art apresenta a exposição The Harlem Renaissance and Transatlantic Modernism. Através de cerca de 160 obras de pintura\, escultura\, fotografia\, cinema e efêmera\, ela explorará as maneiras abrangentes e de longo alcance pelas quais artistas negros retrataram a vida moderna cotidiana nas novas cidades negras que surgiram nas décadas de 1920 a 1940 no Harlem da cidade de Nova York e em todo o país nas primeiras décadas da Grande Migração\, quando milhões de afro-americanos começaram a se afastar do segregado sul rural. A primeira pesquisa de museu de arte sobre o assunto na cidade de Nova York desde 1987\, a exposição estabelecerá o Renascimento de Harlem e seu desenvolvimento radicalmente novo do sujeito negro moderno como central para o desenvolvimento da arte moderna internacional. \n\n\n\nOs artistas apresentados incluem Charles Alston\, Aaron Douglas\, Meta Warrick Fuller\, William H. Johnson\, Archibald Motley\, Winold Reiss\, Augusta Savage\, James Van Der Zee e Laura Wheeler Waring. Esses artistas serão mostrados em justaposição direta com retratos de sujeitos diaspóricos africanos internacionais por colegas europeus que vão desde Henri Matisse\, Edvard Munch e Pablo Picasso até Germaine Casse\, Jacob Epstein e Ronald Moody. \n\n\n\nUma porcentagem significativa das pinturas\, esculturas e obras em papel em exibição na exposição vem das extensas coleções de Colégios e Universidades Históricas Negras (HBCUs)\, incluindo o Museu de Arte da Universidade Clark Atlanta\, as Galerias da Universidade Fisk\, o Museu de Arte da Universidade Hampton e a Galeria de Arte da Universidade Howard. Outros grandes credores incluem o Museu de Arte Americano Smithsonian e a Galeria Nacional de Retratos\, com empréstimos pendentes do Centro Schomburg para Pesquisa em Cultura Negra. A exposição incluirá empréstimos de importantes coleções privadas e grandes credores europeus.
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LOCATION:The Metropolitan Museum of Art\, 1000 5th Ave\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:Paloma Contreras Lomas e Ines Doujak no Center for Art\, Research ans Alliances
DESCRIPTION:Paloma Contreras Lomas\, Amar a Dios en Tierra de Indios\, Es Oficio Maternal\, 2023 (detalhe). Foto: Lance Gerber\n\n\n\nA exposição da Primavera de 2024 do CARA apresentará obras das artistas Paloma Contreras Lomas (nascida no México\, em 1991) e Ines Doujak (nascida na Áustria\, em 1959)\, criando um diálogo feminista intergeracional entre suas práticas. No espírito dos movimentos ativistas de faça-você-mesmo e da sátira política\, Contreras Lomas e Doujak mobilizam estéticas grotescas\, subculturais e narrativas íntimas para criticar os sistemas patriarcais e suas interseções com o capital. O trabalho das artistas subverte hierarquias de raça\, classe e gênero e complica a noção de “mulher” como uma categoria social e conjunto de papéis prescritos. Contreras Lomas e Doujak mobilizam empatia e ficção como veículos para uma compreensão mais profunda da experiência humana e ativam o humor e a sagacidade para oferecer insights históricos sobre a natureza duradoura da opressão e as forças sistêmicas que a mantiveram. Elas reivindicam o direito de todos a tudo\, usando a horizontalidade e a colaboração como estratégias de resistência. \n\n\n\nAs artistas utilizam imagens barrocas\, excêntricas e sedutoras\, incluindo desenhos animados\, livros de anatomia\, mídia de massa e designs de alta costura\, para fazer do jogo uma parte irresistível de nossos compromissos políticos. A exposição expõe estruturas exploradoras\, como classe\, gênero e biopolítica\, e as contrapõe com a cacofonia — a sobreposição de vozes falando\, cantando e gritando em comunidade. Apesar da violência de gênero e dos fracassos de um mundo cada vez mais globalizado\, tanto Contreras Lomas quanto Doujak continuam a encontrar esperança na fala compartilhada. Seu trabalho se inclina para a complexidade e interconexão\, contaminando a beleza com um espírito de travessura e alegria. \n\n\n\nCompreendendo escultura\, cinema e ilustração\, a artista baseada na Cidade do México\, Paloma Contreras Lomas\, combina estéticas coloridas e representações fetichizadas da cultura pop mexicana para atrair o espectador. Mas além das esculturas felpudas\, personagens de desenhos animados sorridentes\, penas e sombreros\, estão as violentas realidades das relações de fronteira\, machismo e contínua intervenção imperial dos EUA na vida e política mexicana. Em sua prática\, histórias geopolíticas se entrelaçam com fantasias do filme noir e narrativas familiares\, criando espaços especulativos onde o medo e a imaginação estão igualmente presentes. Aproveitando o afeto infantil de horror e alegria simultâneos\, o trabalho de Contreras Lomas convida os fantasmas para brincar. \n\n\n\nA prática irreverente de Ines Doujak\, que abrange décadas de performance\, colagem\, escultura e intervenções públicas\, interroga o impacto humano na terra\, na ecologia e na microbiologia por meio de estratégias estéticas de choque e humor. Como Contreras Lomas\, Doujak usa a hipérbole como uma ferramenta de crítica ao considerar os impactos violentos do comércio global\, do tráfico e da exploração\, e explora as possibilidades de rebelião de classe. Ela pensa sobre a contaminação no sentido mais amplo\, abordando desde pandemias até crises ambientais em curso e as possibilidades de se expor e ser afetado pelas vidas e histórias de outras pessoas. \n\n\n\nA exposição culminará em 4 de maio de 2024 com um desfile público convocado por Ines Doujak e coapresentado com o New York City AIDS Memorial. Honrando histórias intergeracionais de construção de coalizões e resistência\, o desfile celebra os legados dos mais velhos do movimento cuja presença informa o trabalho coletivo e contínuo de vislumbrar e realizar mundos melhores. Colaborando com artistas e organizações de justiça em saúde a serem anunciados em breve\, o desfile memorializa histórias compartilhadas de rebelião. Ele oferece espaço para a coexistência de luto e leveza\, comemorando as vidas perdidas para a AIDS e as lutas contínuas pela libertação da opressão patriarcal. Tecendo passados e presentes de esperança\, o desfile convida todos que escolherem se juntar a um processo contínuo de lembrança.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/paloma-contreras-lomas-e-ines-doujak-no-center-for-art-research-ans-alliances/
CATEGORIES:Nova York
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SUMMARY:"Joan Jonas: Animal\, Vegetable\, Mineral" no The Drawing Center
DESCRIPTION:Joan Jonas\, Sem Título\, c. 1970. Cortesia da artista e Gladstone Gallery. Crédito da foto: Pierre Le Hors\n\n\n\nJoan Jonas: Animal\, Vegetable\, Mineral é a primeira grande retrospectiva focada em trabalhos em papel de Joan Jonas\, uma das vozes experimentais mais significativas na arte americana do período pós-guerra. Embora o trabalho de Jonas tenha recebido atenção crítica e aclamação ao longo das últimas décadas\, seu vasto conjunto de desenhos\, que constitui a espinha dorsal de suas práticas em vídeo\, performance e escultura\, nunca foi pesquisado. Esta exposição é um olhar definitivo sobre o lugar integral do desenho na carreira desta artista pioneira. Animal\, Vegetable\, Mineral ocupa a totalidade dos espaços da galeria do The Drawing Center e apresenta mais de trezentos desenhos individuais datados dos anos 1960 até o presente\, bem como um ambiente de desenho recente. \n\n\n\nEscolhidos entre mais de 2.000 trabalhos em papel feitos por Jonas ao longo de um período de sessenta anos\, Animal\, Vegetable\, Mineral examina a importância do uso do meio do desenho pela artista como um dispositivo de registro\, uma expressão da noção de processo e uma maneira de trazer imagens do mundo natural para suas performances e ambientes. Os desenhos de Jonas retratam cães e outros mamíferos como cavalos e raposas\, além de pássaros\, borboletas\, peixes\, flocos de neve\, conchas\, pedras\, folhas e até mesmo filetes de água. Ao longo dos anos\, a artista também desenhou a si mesma\, isolando partes individuais do corpo como as mãos\, o rosto e o torso\, criando autorretratos atomizados que são tão estudados e cuidadosamente renderizados quanto seus léxicos de animais não humanos.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/joan-jonas-animal-vegetable-mineral-no-the-drawing-center/
LOCATION:The Drawing Center\, 35 Wooster St.\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Nona Faustine: White Shoes" no Brooklyn Museum
DESCRIPTION:Nona Faustine\, They Tagged the Land with Trophies and Institutions from Their Rapes and Conquests\, Tweed Courthouse\, NYC\, 2013. Cortesia da artista e Higher Pictures. © Nona Faustine\n\n\n\n“Como é que uma pessoa negra se parece hoje nos lugares onde africanos eram vendidos há um século e meio?”\, pergunta a artista Nona Faustine (nascida em 1977). Utilizando seu próprio corpo\, ela questiona essa questão em sua série fotográfica White Shoes. Mais de 40 autorretratos mostram Faustine em pé em locais por toda a cidade de Nova York\, desde Harlem até Wall Street\, Prospect Park e além\, que são construídos sobre legados de escravidão em Nova York – um dos últimos estados do Norte a abolir a escravidão. Em seus pés\, há um par de sapatos brancos sensatos\, que remetem às opressões do colonialismo e da assimilação impostas às pessoas negras e indígenas localmente\, nacionalmente e globalmente. Caso contrário nua\, parcialmente coberta ou segurando adereços\, Faustine está ao mesmo tempo vulnerável e imponente\, solidária aos ancestrais cujos corpos e memórias formam um arquivo na terra sob seus pés. \n\n\n\nNona Faustine: White Shoes é a primeira exposição individual da artista em museu e a primeira instalação completa desta série significativa. Nascida e criada no Brooklyn\, Faustine nos instiga a pensar criticamente sobre as histórias ocultas e muitas vezes traumáticas dos lugares que chamamos de lar. Como tópicos como estes estão sendo apagados dos currículos das escolas públicas em todo o país\, esta exposição é um momento para considerar o impacto duradouro que o passado tem sobre nosso presente. \n\n\n\nNona Faustine: White Shoes é organizada por Catherine Morris\, Curadora Sênior Sackler\, Centro Feminista Elizabeth A. Sackler\, com Carla Forbes\, Assistente Curatorial\, Centro Feminista Elizabeth A. Sackler\, Museu do Brooklyn.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/nona-faustine-white-shoes-no-brooklyn-museum/
LOCATION:Brooklyn Museum\, 200 Eastern Pkwy Brooklyn\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
CATEGORIES:Nova York
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SUMMARY:"In the Now" no Brooklyn Museum
DESCRIPTION:Ulla Jokisalo\, Wasteland\, da série Collection of Headless Women\, 2015. © Ulla Jokisalo\, cortesia Persons Projects (Foto: cortesia do artista)\n\n\n\nIn the Now reúne quase cinquenta artistas mulheres que estão resistindo às ideias tradicionais de gênero e nacionalidade\, assim como à própria fotografia. A primeira pesquisa museal de obras baseadas em fotografia por artistas mulheres nascidas ou baseadas na Europa\, esta exposição interroga os legados de nacionalismo e estruturas de poder patriarcais do continente – que continuam a moldar a vida cotidiana\, especialmente para as mulheres. \n\n\n\nIn the Now destaca a natureza expansiva da Coleção de Fotografia Sir Mark Fehrs Haukohl no Museu do Brooklyn e no Museu de Arte do Condado de Los Angeles. Feita inteiramente após 2000\, as mais de setenta obras da exposição oferecem uma visão das primeiras décadas do século XXI. Na seção intitulada “Gênero”\, fotógrafas como Bettina von Zwehl e Elina Brotherus lidam com (des)representações dos corpos e experiências das mulheres\, resistindo contra os padrões de beleza opressivos e o olhar masculino. “Nação” desvenda as promessas – e realidades – da Europa contemporânea e as repercussões contínuas do nacionalismo e colonialismo europeus. A explosão controlada em Landmine (2005) de Sarah Pickering\, por exemplo\, destaca a relativa paz na Inglaterra enquanto as tropas britânicas apoiavam a invasão dos EUA ao Iraque. E em “Fotografia”\, artistas mulheres desafiam este meio dominado por homens com abordagens experimentais – como em Farsh-13-2006 (2006) de Shirana Shahbazi\, um retrato fotográfico inspirado em Vermeer traduzido para um tapete tecido à mão em seu Irã natal. Juntas\, as obras desafiam definições ultrapassadas de mulher\, artista\, nação e fotografia. \n\n\n\nA exposição é acompanhada por um catálogo da coleção publicado pela Steidl\, apresentando um ensaio de Rebecca Mark\, Diretora do Instituto para Liderança das Mulheres e professora no Departamento de Estudos sobre Mulheres\, Gênero e Sexualidade da Universidade de Rutgers.
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SUMMARY:"Crafting Modernity: Design in Latin America\, 1940–1980" no MoMA
DESCRIPTION:Roberto Burle Marx\, Parque Ibirapuera\, Jardins Quadricentenários\, projeto\, São Paulo\, Brasil (Plano\, detalhe cinco)\, 1953. The Museum of Modern Art\, Nova York. Fundo Interamericano. © 2024 Burle Marx & Cia. Ltda.\n\n\n\n“Há design em tudo”\, escreveu Clara Porset\, a inovadora designer cubano-mexicana. Ela acreditava que a arte e a indústria poderiam se inspirar mutuamente\, forjando um caminho alternativo para o design moderno. Nem todos os colegas de Porset concordavam com sua convicção. Esta exposição apresenta essas visões às vezes conflitantes da modernidade propostas por designers de ambientes domésticos na Argentina\, Brasil\, Chile\, Colômbia\, México e Venezuela entre 1940 e 1980. Para alguns\, o design era uma evolução das tradições locais e indígenas\, levando a uma abordagem que combinava técnicas artesanais centenárias com métodos baseados em máquinas. Para outros\, o design respondia às condições de mercado e aos gostos locais\, e era baseado em tecnologias disponíveis e processos industriais. Nesta exposição\, objetos\, incluindo móveis\, eletrodomésticos\, cartazes\, tecidos e cerâmicas\, bem como uma seleção de fotografias e pinturas\, explorarão essas tensões. \n\n\n\nO lar tornou-se um local de experimentação para a vida moderna durante um período marcado por mudanças políticas\, econômicas e sociais dramáticas\, que tiveram amplas repercussões para a cultura visual latino-americana. Por quase meio século\, o design do ambiente doméstico incorporou ideias de identidade nacional\, modelos de produção e modos de vida modernos. O lar também ofereceu oportunidades para um diálogo entre arte\, arquitetura e design. Destaques da exposição incluem a cadeira Butaque de Clara Porset; a cadeira Bowl de Lina Bo Bardi; a cadeira B.K.F. de Antonio Bonet\, Juan Kurchan e Jorge Ferrari Hardoy; e o mobiliário de lounge Malitte de Roberto Matta.
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